Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

Венок воспоминаний

№5 (1352), май 2018

Ректор А.С. Соколов:

Нечасто говорится в чей-либо адрес – «педагог от Бога». В этой высокой оценке человека, оставляющего добрый след на земле, совмещается многое. Это не только оснащение учеников тонкостями ремесла, привитый им истинный вкус и способность самостоятельно мыслить. Это и нравственные уроки, преподносимые на своем личном примере в сложных жизненных ситуациях.

Камерный ансамбль – сфера, где была сосредоточена творческая деятельность Т.А. Гайдамович, выдающийся педагогический дар которой сочетался с богатейшей эрудицией, проницательностью ученого. Будучи доктором искусствоведения, заслуженным деятелем искусств РФ, профессор Гайдамович многие годы возглавляла кафедру истории и теории исполнительского искусства в Московской консерватории, работая параллельно на кафедре камерного ансамбля. Из ее класса вышло немало первоклассных ансамблей, получивших широкую известность. Воспитанники Т.А. Гайдамович не только перенимали у нее секреты ремесла, приобщаясь к знаменитой московской школе, которую она унаследовала и ярко продолжила. Главное, чему учила своих питомцев Татьяна Алексеевна, это беззаветная преданность искусству, бескомпромиссность в восхождении к его вершинам.

Такой была Татьяна Алексеевна Гайдамович. Такой мы ее помним и любим. И лучшая дань ее светлой памяти, приносимая учениками, коллегами, последователями – это те творческие встречи на фестивалях, конкурсах, конференциях, где особенно ценится духовная атмосфера, неизменно окружавшая Татьяну Алексеевну, где и сегодня ощутимо ее незримое присутствие.

Александр Бондурянский, Владимир Иванов, Михаил Уткин:

Татьяна Алексеевна Гайдамович навсегда осталась в памяти своих воспитанников. Ее преданность Alma mater, верность своим учителям – носителям великих традиций – являла собой яркий пример служения делу воспитания молодых музыкантов.

Она поражала глубокими знаниями в области музыкального искусства, живописи, литературы, истории и, вместе с тем, относилась к своим ученикам как к младшим сотоварищам по искусству. Отсюда особая атмосфера класса, близкая по духу «боттеге» эпохи Возрождения.

Для нас, участников «Московского трио», она сделала невероятно много. И сегодня, когда мы отмечаем 100-летний юбилей педагога и 50-летний юбилей нашего ансамбля, мы переполнены чувством глубочайшей благодарности: Татьяна Алексеевна царила в классе, царила в консерватории, она продолжает царить в нашей памяти.

Татьяна Садовская:

Я была первой ученицей Татьяны Алексеевны в Московской консерватории. Вспоминаю о моментально возникшей симпатии. Ее темперамент, увлеченность музыкой не могли оставить равнодушными меня и моих партнеров. К каждому она относилась как к родному человеку. Уроки в камерном классе доставляли удовольствие и вызывали восхищение. Татьяна Алексеевна была удивительным музыкантом и мудрым педагогом, тонко чувствующим заинтересованность и стремления ученика. Я очень люблю Татьяну Алексеевну и всегда с теплотой вспоминаю о ней.

Ирина Красотина:

Мой горячо любимый Учитель был со мной в студенческие годы, в период совершенствования в ассистентуре-стажировке, в пору первых шагов в педагогике. Именно Татьяна Алексеевна заинтересовала меня научно-исследовательской работой, настоятельно рекомендовала преобразовать мой исполнительский опыт в диссертационное исследование. Именно она, в том числе и собственным примером, убедила в том, что административная деятельность тоже может быть творческой. Разделяя с нами тревоги и радости, Татьяна Алексеевна во многом определила наши мировоззренческие ориентиры, воспитала преданность к славным традициям Московской консерватории, навсегда увлекла любовью к искусству камерного исполнительства.

Наталия Рубинштейн:

Я помню первый урок, как и все последующие, в мельчайших деталях, почти дословно. Татьяна Алексеевна рассказывала так ярко, что, казалось, сама была свидетелем и участником всех событий и судеб. Она говорила с нами о Бетховене, перед которым преклонялась, и Александре I, о Наполеоне и Габсбургах, о Чайковском, которого обожала. Она рассказывала нам про Шостаковича – «ДД», как она его называла, про Свиридова, Амосова и Голованова, которых хорошо знала, про Елену Фабиановну Гнесину, у которой училась. Она будто протягивала нам эти нити, связывающие сегодняшних консерваторцев с великой традицией, частью которой была; с ошеломляющей щедростью делилась своими знаниями, передавала из рук в руки, в уши, в души свой восторг перед неизъяснимостью божественного дара и мощью человеческого гения, перед музыкальными сокровищами, наследницей которых она себя ощущала.

Почти тридцать лет назад я впервые вошла в 15-й класс. Сегодня мне страшно подумать, что этого могло не случиться…

Алексей Селезнев:

На моей книжной полке на видном месте находится книга «Т. Гайдамович. Избранное» с трогательной дарственной надписью автора «С искренней симпатией и неизменно дружескими чувствами». Свыше 30 лет я учился у этого Человека с большой буквы. Чему? С годами все лучше понимаю, что главным были отнюдь не только ее блестящее знание мирового искусства, великолепная музыкальная одаренность и незаурядный педагогический талант. Татьяна Алексеевна была подлинным наставником в жизни, в профессии, в этике отношений с коллегами и учениками.

Тамара Оганезова:

Она всегда работала на максимуме. Поразительной была ее энергия, трудоспособность, не было предела выдержке и такту, дружеской поддержке и неистощимому терпению, желанию максимально приблизиться к высокому качеству игры ансамбля. Ее знания камерной литературы, музыки, да и искусства в целом казались безграничными. И в то же время – ни следа высокомерия и демонстрируемого профессионального превосходства.

Наталия Липкина:

В классе Гайдамович нельзя было делать что-то вполсилы. К музыке Татьяна Алексеевна относились с трепетом и уважением, а заслужить ее уважение можно было только самым честным служением музыке.

Гугули Ревазишвили:

В юбилейный год 100-летия со дня рождения мы благодарно вспоминаем ее добро и то, как заработанный всей жизнью авторитет она умела направить на содействие благим начинаниям. Многочисленные ученики не могут забыть педагогической щедрости Татьяны Алексеевны и сегодня. Закономерно, что к юбилею заслуженного деятеля искусств РФ Т.А. Гайдамович приурочен праздник музыки – фестиваль «Дань почтения мастеру».

Валерий Попов:

Т.А. Гайдамович – значительная личность в истории Московской консерватории и, в частности, оркестрового факультета. В деятельности Гайдамович-декана сказались стратегические свойства ее склада ума, колоссальное дипломатическое умение налаживать контакт с людьми. Как обычно, большое видится на расстоянии, и сейчас, спустя много лет, можно сказать, что в подборе кадров и в умении руководить ими ошибок у нее практически не было. Будущее подтвердило верность ее выбора. Оглядываясь назад, понимаю, что было чрезвычайно трудно сочетать руководство факультетом, преподавание камерного ансамбля с научной и общественной работой… Я благодарен Татьяне Алексеевне за ту роль, которую она сыграла лично в моей судьбе.

Сергей Кравченко:

Я знал Татьяну Алексеевну с момента поступления в консерваторию. Она только стала деканом, это был 1965 год. И с тех пор мы шли по творческой жизни вместе. От нее я получил огромное количество тепла, буквально материнского. По любому вопросу, не только профессиональному, она всегда шла навстречу, и всегда это было искренне, от всего сердца. Она была великолепным человеком, замечательным педагогом, прекрасным справедливым деканом с характером. Это осталось у нас на всю жизнь.

Феликс Коробов:

Татьяна Алексеевна – тот человек, который тебя по жизни ведет. Речь, конечно, не о какой-то протекционной помощи. Просто у каждого, наверное, в жизни есть кто-то, перед кем может быть стыдно. И я всегда проверяю себя: не будет ли потом неловко попасться случайно на глаза Татьяне Алексеевне?

Владислав Агафонников:

Это был очень одаренный человек – и как музыкант, и как организатор. Она была замечательным деканом, к ней с огромным уважением относился А.В. Свешников – ректор консерватории. Трудно поверить – 100 лет со дня рождения, это ведь целая история! Но Татьяна Алексеевна и была этой историей – историей жизни и творчества человека, отдавшего много таланта, сил и здоровья воспитанию молодых музыкантов и созданию русской музыкальной культуры в том виде, в котором она является образцом для всех стран и народов мира.

Ольга Галочкина:

Мои первые воспоминания о Татьяне Алексеевне относятся к разряду детских впечатлений – я росла в семье музыкантов, в стенах Московской консерватории. Детские глаза всегда выхватывают из жизни все самое яркое. Татьяна Алексеевна была личностью неординарной: высокая, красивая дама, всегда одетая с безупречным вкусом и обладающая волевым характером… Человеком, к мнению которого прислушивались самые выдающиеся профессора консерватории. И, пожалуй, самый главный урок жизненный – это ее необычайная преданность нашей Alma mater. С огромной благодарностью храню память о выдающемся учителе.

Борис Лифановский:

Татьяну Алексеевну отличала невероятная серьезность и бескомпромиссность в отношении к музыке и музыкантам, нежелание делать скидки. Многие считали ее жесткой. Да, она умела быть такой: резкой, язвительной, «неудобной». Но это не было капризом – за каждым ее словом всегда была видна четкая позиция. В основе этой позиции лежало неумение и нежелание прощать «половинчатость» как в игре, так и в жизни. Она часто говорила на уроках: «Не надо себя беречь!» Сама не умела быть равнодушной, и не способна была вынести, когда кто-либо проявлял равнодушие по отношению к профессии и вообще к музыке.

Максим Пурыжинский:

Как точно несколькими словами она могла направить наше исполнение в правильное русло, помочь найти музыкальное решение в каждом непонятном для нас случае! Ее советами мы пользуемся и по сей день, понимая, что лучшего не придумаешь, как ни старайся…

Наталия Купцова (Злобина)

Татьяна Алексеевна не признавала халтуры. И, не умея учить спустя рукава, прекрасно обучила меня ни при каких жизненных обстоятельствах не снижать заданной профессиональной планки. За это я благодарна – судьбе, консерватории, и… ей.

Борис Петрушанский:

Это был поистине удивительный человек – в ней сочеталась твердость, без которой невозможно было руководить оркестровым факультетом, и, в то же время, чуткость, почти что нежность к каждому своему ученику. Она никогда себя не жалела, полностью отдаваясь искусству в любой своей ипостаси – педагогической, научной, организаторской, административной. И эта любовь к Музыке навсегда передалась её ученикам.

Ирина Коженова:

Татьяна Алексеевна – яркое явление. Мне кажется, ее присутствие в консерватории ощущается по сей день. И когда мы вспоминаем любимую ею, вечно актуальную чеховскую фразу «Всякое безобразие должно иметь свое приличие!»… И когда я прихожу на лекцию в 15-й класс, где висит ее портрет, и красивая гордая голова оказывается так близко…

Татьяна Алексеевна обладала очень сильным, мужественным характером. Но при этом была настоящей женщиной. И когда она выходила на сцену Большого зала, чтобы произнести вступительное слово, ее статная фигура и блистательная речь – все производило прекрасное впечатление. В ней гармонично сочетались самые разные таланты, и эта многогранность приносила несомненный успех. Она была победитель.

Праздник органной музыки

Авторы :

№5 (1352), май 2018

С 12 по 25 марта 2018 года в Московской консерватории и Академическом музыкальном колледже при МГК прошел XVIII Московский международный органный фестиваль. Руководитель фестиваля, зав. кафедрой органа и клавесина, профессор Н.Н. Ведерникова-Гуреева и в этом году традиционно выделила два направления: в программах приняли активное участие как состоявшиеся, известные музыканты России и Европы, так и совсем юные органисты – учащиеся детских музыкальных школ Москвы и области, а также музыкального колледжа при МГК.

Открытие фестиваля и, пожалуй, одно из самых ярких его событий состоялось 12 марта. В Малом зале консерватории дал концерт профессор Парижской консерватории, органист Парижской церкви Успения Богородицы Леонид Карев (Франция). Своими впечатлениями о концерте поделился доцент Московской консерватории, органист и композитор Д.В. Дианов:

«Я очень хорошо помню Леонида по его студенческим годам в консерватории. Он обучался по классу органа у Н.Н. Гуреевой, по классу композиции у К.К. Баташова, по классу оркестровки у Ю.М. Буцко. Потом продолжил обучение в Парижской национальной консерватории (класс органа М. Шапюи, класс композиции А. Бланкара и Ж. Шарпантье) и в Нормальной школе музыки Парижа у Ж. Гийю и А. Изуара (орган). Творческий облик Карева органично объединяет русскую композиторскую и органную школу с фундаментальными принципами французской органной школы, основывающимися на ее богатейшей истории».

Программа концерта включала два больших раздела, основу которых составляли органные транскрипции.                  В первом, помимо виртуозных циклов Баха, сыгранных во французской манере, были исполнены Трио-соната Перселла (переложение для органа А. Изуара) и редко звучащая фантазия на тему песни Une jeune fillette Э. дю Корруа, композитора XVI века, малоизвестного в России, но популярного на родине (он являлся автором неофициального гимна Франции).

Кульминация программы – II отделение, полностью состоявшее из произведений Буцко и Рахманинова в транскрипциях и переложениях Л. Карева, который считает себя творческим последователем композитора. Прозвучали сочинения Буцко из двух «Органных тетрадей» для органа, а также его Andante tranquillo из «Ричеркара» (виолончельного концерта). Завершили концерт «Русская песня» и хор «Слава» Рахманинова. Объединяющим звеном этой части программы стали глубокие пласты русской фольклорной музыки. В своих транскрипциях, отличительной чертой которых является аккуратное, корректное отношение к первоисточнику, Л. Карев предстал музыкантом, не гоняющимся за внешними эффектами, а старающимся точно и глубоко передать все, что задумано автором».

17 марта в Малом зале прошел концерт органистки Натальи Ужви. Программа полностью состояла из произведений Баха, и была приурочена ко дню рождения великого немецкого композитора. Наталья окончила Московскую консерваторию (класс Н.Н. Гуреевой), неоднократно становилась лауреатом престижных международных конкурсов и фестивалей. Затем продолжила свое обучение в магистратуре Высшей школы музыки в Любеке (класс А. Гаста), с 2014 г. была ассистентом главного органиста церкви Св. Марии в Любеке, в настоящее время – кантор Евангелическо-лютеранской церкви Св. Северини в Гамбурге. Отметим зрелый стиль исполнения Н. Ужви, нестандартный подход к органным регистровкам. Выбор программы был своеобразным вызовом, но ей покорилась и эта высота. Особенно впечатлило исполнение хоральных прелюдий и партит Баха, после которого публика долго не отпускала талантливую органистку со сцены.

25 марта на закрытии фестиваля выступили вокальный ансамбль «Intrada» (худрук Е. Антоненко) и известный российский органист и композитор, доцент ФИСИИ Федор Строганов. Запомнилось яркое произведение Строганова «Колокола святой Женевьевы» для органа соло и кантата «Тебе Бога хвалим» Д. Бортнянского, прозвучавшая в версии для двух хоров и органа, что стало масштабным завершением фестиваля.

Детские и юношеские концерты фестиваля, проходившие при полных аншлагах, были встречены публикой с особым воодушевлением. 14 марта в Концертном зале АМУ при МГК выступали студенты органного класса училища (рук. Г.В. Семенова). 18 марта на сцене Малого зала состоялся концерт совсем юных органистов (13–17 лет), лауреатов международных и всероссийских конкурсов. Выступали: победители III Международного конкурса «Юный органист», V Всероссийского конкурса органистов «Sancta Caecilia», Всероссийского открытого фестиваля-конкурса органной музыки «Золотая лира», Всероссийского конкурса органистов им. В.Ф. Одоевского, Открытого Фестиваля-конкурса органной музыки «Гатчина – Санкт-Петербург» и многих других.

Благодаря фестивалю молодые музыканты получили возможность прикоснуться к лучшим органам Москвы, окунуться в интереснейшую, насыщенную творческую жизнь. С каждым годом повышается общий уровень игры на органе российских детей, не имеющей аналогов в мире, что подчеркивают приезжающие в Россию серьезные западные органисты. Отрадно, что на смену нынешним музыкантам растет очень серьезная, одаренная и влюбленная в органную культуру смена.

24 марта в консерваторском зале им. Н.Я. Мясковского прошел концерт «Музыка в старинном стиле». Выступали ученики органных классов двух музыкальных школ Москвы: ДМШ имени А.Т. Гречанинова и МГДМШ имени И.О. Дунаевского (преп.  А.Е. Максимова и О.В. Кравченко), а также постоянный участник фестиваля Детский ансамбль старинной музыки FIORI MUSICALI (худрук Е.В. Киракосова), который стал настоящим украшением программы. Дети исполнили фрагменты сюиты из балета Стравинского «Пульчинелла» и менуэт из Бранденбургского концерта фа мажор Баха. Во многом, благодаря умению, вкусу и подвижнической работе руководителя, игра ребят поразила и взволновала публику своей увлеченностью, слаженностью и удовольствием, с которым они музицировали.

Запомнились ансамблевые номера концерта: переложение концерта для гобоя и оркестра В. Беллини в исполнении Т. Мусина (труба, преп. В.И. Королев) и В. Филатова (орган, преп. А.Е. Максимовой), а также «тембровое открытие» концерта – дуэт Т. Романюка (гусли, преп. Е.Н. Карсакович) и С. Фукалова (орган, преп. О.В. Кравченко), проникновенно исполнивший «Прелюдию в классическом стиле» Е.  Дербенко. Среди сольных выступлений выделялась игра самого младшего участника концерта А. Заморова (ДМШ им. А.Т. Гречанинова) и П. Бондаревой (выпускницы МГДМШ им. И.О. Дунаевского).

Подводя итоги прошедшего фестиваля, выразим огромную благодарность всем, кто подарил нам этот праздник музыки – художественному руководителю Н.Н. Ведерниковой-Гуреевой за титаническую работу по его подготовке и проведению, как и за саму идею объединить музыку разных эпох и исполнителей всех возрастных категорий. И, конечно же, органным мастерам – заведующей клавишной мастерской Н.В. Малиной и ее коллегам, ценой напряженного труда оберегающих органы Московской консерватории.

Олеся Кравченко

 

 

Встречая год культур России и Японии

Авторы :

№1 (1348), январь 2018

Если спросят:

В чем душа

Островов Японии?

В аромате горных вишен

На заре.

Много лет назад создатели фестиваля «Душа Японии», задумав приобщить широкую российскую общественность к духовной самобытности и сокровищам японской музыкальной культуры, позаимствовали его название из книги очерков «Душа Японии. Кокоро» Л. Хёрна, ирландско-американского писателя, навсегда связавшего свою судьбу с этой страной. «Кокоро» традиционно переводится с японского языка как «душа», однако имеет и другие значения – «смысл», «дух», «мужество», «чувство»… Каждый год многогранность этого понятия раскрывается перед российской публикой на концертах прекрасных японских исполнителей, носителей самых разнообразных традиций: придворной церемониальной музыки гагаку, эпических сказаний хэйкёку под аккомпанемент лютни бива, лирико-танцевальных песнопений нагаута театра кабуки, традиционных композиций дзиута для кото, сямисэна и сякухати… Год за годом мы пытаемся постичь душу далёкой страны, вслушиваясь в её необычную для нас музыку – то почти отталкивающую, то завораживающую…

Что же подарил нам 19-й международный музыкальный фестиваль «Душа Японии», проходивший с 7 сентября по 23 декабря 2017 года? Он открылся концертом «Самурай – борьба, печальное очарование и…» в исполнении наших давних друзей – ансамбля «Цуруги» в составе: Гото Кэйсэн, Мисава Мётэки, Фукуяма Корю. Публика от души наслаждалась традиционными воинскими искусствами владения мечом кэмбу и иайдо, показ которых сопровождался песнопениями гинъэй, повествующими о знаменитых сражениях и подвигах героев прошлых лет. Для мастера самурайских искусств г-жи Гото этот год юбилейный – исполнилось 15 лет её просветительской деятельности в России.

Все эти годы Гото-сэнсэй неуклонно выполняла однажды поставленную перед собой задачу – знакомство людей другой культуры с удивительным миром самурайских песен и танцев. Обладательница 7-го дана и титула сихан (мастер) в искусстве кэмбу и гинъэй по классификации Всеяпонской федерации, мастер 5-го дана (Никкэнрэн) и     4-го дана школы Тамия в искусстве виртуозного владения мечом иай, Гото-сэнсэй создала ансамбль самурайских танцев и песнопений «Цуруги», чтобы развивать эту старинную традицию у себя на родине и представлять её в других странах. За её плечами – десятки концертов, мастер-классов, семинаров, лекций-демонстраций, раскрывающих для жителей разных городов России своеобразие и красоту самурайских искусств. «Пока мы живы, мы будем к вам приезжать», – сказала Гото-сэнсэй в ответ на приглашение приехать в следующем году. Мы от души поздравляем г-жу Гото с юбилеем, восхищаемся её мужеством, мастерством и будем с нетерпением ждать новых проектов сэнсэя!

Самурайские песнопения гинъэй – лишь одна из множества вокальных традиций японской музыкальной культуры. В размышлениях об их бесконечном разнообразии родилась идея создать концертную программу, посвященную голосу в японской музыке. Солист московского театра «Геликон-опера» Николай Дорожкин и музыканты ансамбля японской музыки «Wa-On» Наталья Григорович, Наталья Голубинская и Велислава Холина представили на сцене Рахманиновского зала ретроспективу вокально-инструментальных композиций, созданных в разные периоды становления японской музыкальной культуры и принадлежащих к самым различным стилям и направлениям. От классической «Рокудан-но сирабэ» («Мелодии в шести частях») в неожиданном сочетании с григорианским хоралом «Credo» (по теории японского музыковеда Тацуо Манагавы, именно так исполнялся «Рокудан» в японских христианских храмах в далеком XVII веке), через полную очарования вокальную пьесу в сопровождении дуэта цитр кото в стиле дзиута «Цумигуса» («Собирая весенние травы») XIX века – к современным композициям крупнейших композиторов сокёку (музыка для кото) XX века Мияги Митио и Саваи Тадао.

 Во втором отделении концерта состоялась премьера сюиты московского композитора Олеси Ростовской «Пять стихий звука» для терменвокса, двух кото и фонограммы. Появление этого сочинения в программе неслучайно, ведь из всех инструментов именно звучание терменвокса максимально приближено к звучанию человеческого голоса. Сюита была написана специально для этого концерта и основана на концепции пяти стихий (Годайрин): Дерево, Огонь, Земля, Металл и Вода. Как говорит сама О. Ростовская, ей показалось интересным использовать в сочинении звуки, порождаемые самими стихиями: удары по дереву и скрипы досок, звук горения, звук окарины (глина, из которой изготовлены окарины – это кусочки земли), звуки металла (от там-тамов до молотков и ножниц), звуки воды. Композиция была исполнена в сопровождении демонстрации натурных съёмок, выполненных автором, и поразила слушателей глубиной замысла и красотой воплощения.

Традиционно ожидаемым явился концерт преподавателя класса игры на флейте сякухати Кохэя Симидзу в сопровождении его учеников, – солистов ансамбля японской музыки «Wa-On» и студентов класса игры на японских инструментах. Каждый год всё новые и новые музыканты постигают тайны игры на бамбуковой флейте под руководством Симидзу-сэнсэя. В этом году на концерте под названием «Тамагава» («Драгоценная река») прозвучали как уже известные московскому слушателю композиции, так и новые пьесы, сложно выстроенные, но чарующе прекрасные.

Каждый фестиваль дарит новые встречи, но несет в себе и печаль расставания. Нисимура Рэйтэй, замечательный молодой музыкант, блестящий исполнитель на сякухати школы Кинко, наш добрый друг, неожиданно и трагически покинул нас летом 2017-го года, но оставил о себе память как о вдохновителе идей небольшой группы музыкантов, собравшихся вокруг знаменитого исполнителя на сякухати с титулом «Нингэн кокухо» («Человек – Национальное Сокровище») Аоки Рэйбо и назвавших своё объединение «Ассоциация хогаку XXI века». Вот уже несколько лет эта дружная команда во главе с её президентом Нисимурой Рэйко (отцом Рэйтэя) приезжает на фестиваль «Душа Японии» и участвует в самых важных его событиях. Так, программой Ассоциации 7 сентября 2016 года открывалась серия юбилейных концертов в честь 150-летия Московской консерватории.

В каком бы составе ни приезжали ансамбли Ассоциации, их выступления отличает стойкая приверженность самым высоким принципам музыки хогаку (японской классической музыки), демонстрация самого сложного канонического репертуара, преподносимого в оригинальной форме, без скидок на его восприятие инокультурным слушателем. На концерте, посвященном памяти Нисимуры Рэйтэя мы с замиранием сердца слушали традиционные композиции для кото, сямисэна, сякухати в исполнении его родных и друзей – Нисимуры Рэйко, Ёкоты Рэйко, Куроды Рэйсона, Уэдзимы Ясуюки, Ёнэкавы Тосико, Камэгавы Тосисато… Прощанием с дорогим нам человеком прозвучала одна из самых печальных пьес дзиута – «Дзангэцу» («Предрассветная луна»). «За соснами на взморье пряталась, в открытом море навсегда пропала… Как быстро лунный свет покинул этот мир!»…

Но приходит новый день – и нас ждут новые встречи. В ноябре в исполнении молодых музыкантов Айко Таи, Госё Кинэя и Тосихиро Кинэя на сцене Рахманиновского зала предстали шедевры вокально-инструментальной музыки нагаута, погрузившие слушателей в атмосферу японского театра кабуки эпохи Эдо. А затем московская публика восторженно принимала песни, танцы и эпические сказания айну – народа с непростой историей, уходящей в глубокую древность. Новый для фестиваля вид традиционного музыкального искусства продемонстрировали молодые музыканты, сотрудники музея культуры айну «Поротокотан» (г. Сираои, о. Хоккайдо) Саяка Каваками и Хибики Ямамити, под руководством исследователя и музыканта Нобухико Тиба, который много лет занимается изучением культуры этого маленького самобытного народа. Слушатели концерта смогли не только насладиться звуками голосов и необычных музыкальных инструментов, но и потанцевать вместе с исполнителями, и выучить несколько слов на языке айну, который был близок к забвению, но в настоящее время возрождается к жизни, так же как и старинное музыкальное искусство.

Наконец, 23 декабря в день рождения Императора Японии Акихито, в Рахманиновском зале консерватории в качестве заключительного фестивального концерта была исполнена новая редакция оперы современного японского композитора Иссэя Цукамото «О-Нацу». В центре сюжета – повествование о трагической любви богатой красавицы О-Нацу и слуги её отца Сэйдзюро. Прекрасные голоса солистов – Ольги Веселовой, Константина Степанова, Светланы Соловьевой, Марии Челмакиной, Елены Либеровой, Андрея Архипова, подкреплённые звучанием инструментального ансамбля и Камерного хора Московской консерватории, рассказывали печальную историю, которая тут же оживала, нарисованная песком, на пяти больших экранах, установленных прямо на сцене.

Да, новое искусство песчаных картин, мастерски воплощённых в режиме реального времени художницей Александрой Басовой из драматического театра «Пески времени» под руководством Романа Ставровского, пришло в консерваторию и удивительным образом совпало по духу, по настроению, по глубине прочтения замысла японского композитора. От души благодарим музыкального руководителя и дирижёра Александра Соловьева, а также редактора японских текстов и педагога по их вокальному произнесению (заметим, что опера пелась не просто на японском языке, а на кансайском диалекте XVII века) г-жу Хитоми Сомату за доставленное удовольствие!

Грядёт юбилейный, 20-й фестиваль «Душа Японии». Год его проведения совпадает с Перекрёстным годом культур России и Японии. Решение было объявлено в декабре 2016 года во время визита президента России Владимира Путина в Японию. Будем ждать – может быть, нам удастся понять, в чём же душа Японии…

Н.Ф. Клобукова (Голубинская),

НТЦ «Музыкальные культуры мира»

Фото Даши Жигалиной

ЧЬИ ЭТО ПЕСНИ?

Авторы :

№8 (1346), ноябрь 2017

Странную картину можно было наблюдать в одном из московских кафе неподалеку от консерватории – все сидящие за столом (около десяти человек явно разных национальностей) с напряженным усердием пристраивали левой рукой ко рту какую-то бамбуковую щепочку, одновременно нервно дергая правой рукой почти невидимую веревочку, идущую от этой щепочки, и издавая при этом большое разнообразие звучаний: шипение, сипение, хрипение, стоны и тому подобное. Если бы дело было где-то в другом месте, то окружающие явно приняли бы данное собрание за встречу не вполне адекватных людей, но в заведениях, соседствующих с консерваторией, уже привыкли к тому, что время от времени здесь появляются необычные люди с необычными звучащими предметами и необычными песнями. Вот и сейчас представители народа айну с острова Хоккайдо (Япония) учили своих слушателей управляться с маленькими бамбуковыми варганами, способными, при умении исполнителя, поведать удивительные звуковые истории

Элисабет Лила

Концертом, посвященным айнским традициям, завершался IV Международный фестиваль-симпозиум «Музыкальная карта мира», с 16 по 25 октября 2017 года уже в четвертый раз проведенный научно-творческим центром «Музыкальные культуры мира». Как и было с самого начала заведено на данном форуме, насыщенная теоретическая часть уравновешивалась почти ежедневными концертными программами, призванными самим живым звуком проиллюстрировать гипотезы и утверждения авторов докладов.

Руководитель группы айнов, исследователь из Токийского национального университета искусств (Гэйдай гэйдзюцу дайгаку) Нобухико Тиба сначала представил развернутую лекцию-презентацию (24.10), охватившую широкую панораму современной айнской культуры и ее непростую историю с пережитыми ею этапами притеснений и запретов со стороны японских властей на все самобытные элементы культуры, включая айнский язык. А на следующий день выступил сам вместе с двумя молодыми коллегами из Центра развития культуры айнов в Хоккайдо.

Более тридцати песен и инструментальных композиций показали победительница многих конкурсов Саяка Каваками, принадлежащая одновременно к роду сару-айну (айну, бассейна реки Сару) и роду мукава-айну (Мукава – поселок уезда Юфицу округа Ибири на Хоккайдо), и уроженец поселка Бира-тори (Хоккайдо) Хибики Ямамити (айнское имя Сирэток). В тот вечер посетители Концертного зала имени Н. Я. Мясковского впервые вживую услышали негромкие переборы вертикальной цитры тонкори, гипнотические пульсы варгана муккури и, главное, дивные песни, похожие не то на курлыканье журавлей, не то на биение лесных родников.

Это был завершающий «аккорд» фестиваля-симпозиума, а началось путешествие по «карте мира» с другого конца света – из Бразилии. Весь день 16 октября был насыщен мероприятиями, связанными с визитом в Московскую консерваторию участников социальной программы «Бразильские музыканты покоряют мир» – команды юных пианистов под руководством их преподавателя из г. Гоянии Эрики Вилела. Педагоги ФИСИИ Ольга Филиппова и Сергей Каспров посвятили несколько часов мастер-классам по музыке Баха, Гайдна и Чайковского для бразильских гостей, а вечером того же дня в исполнении «покоряющих мир» пианистов прозвучали произведения бразильских композиторов: Л. Фернандеса, Э. Вилла-Лобоса, Ф. Миньоне, М. Нобре, Э. Кригера, Ф. Вианы, Э. Виллани-Кортеса.

Размашистый прыжок на Запад – из Бразилии в Юго-Восточную Азию – совершил концерт «Чарующие звуки Индонезии», обусловленный возобновлением сотрудничества НТЦ «Музыкальные культуры мира» с Посольством Республики Индонезия и появлением в штате Посольства настоящих профессионалов в традиции исполнительства на инструментах гамелана и индонезийского женского танца. Красочная, пестрая и звонкая программа порадовала слушателей в Рахманиновском зале 17 октября, а ее продолжение в виде выступлений-презентаций педагога по гамелану Три Койо и блистательной танцовщицы Элисабет Лилы подкрепили полученные впечатления теоретическими знаниями.

Но здесь линия звуковой экзотики на время прервалась, уступив место мастер-классам и докладам, посвященным европейской музыке эпохи барокко. Настоящей удачей нынешнего симпозиума стал визит профессора Мюнхенского университета музыки и сценических искусств Кристин Шорнсхайм, приехавшей к нам в рамках недавно подписанного соглашения о сотрудничестве между нашими вузами. Программа профессора Шорнсхайм была расписана буквально по минутам: интенсивные, прекрасно систематизированные и логически выстроенные мастер-классы, великолепный концерт из сочинений И. С. Баха, Г. Ф. Телемана и К. Ф. Э Баха и, вдобавок, лекция «Варьированные репризы в клавирных сочинениях К. Ф. Э. Баха: возможность или необходимость», демонстрирующая исторически корректные способы варьирования фактуры произведений эпохи галантного стиля. Стоит горячо поблагодарить О. Филиппову за профессиональную опеку уважаемой гостьи и аспирантку А. Кискачи за прекрасный перевод всех устных и письменных материалов.

Впрочем, педагоги ФИСИИ не остались в роли пассивных слушателей заграничной гостьи, выступив как с концертной программой, представляющей музыкальную культуру империи Габсбургов (18 октября), так и с ответными теоретическими сообщениями. Доклад доц. О. А. Филипповой был посвящен искусству партименто – импровизации сольных клавирных пьес в технике генерал-баса, а лекция-демонстрация доц. М. Н. Катаржновой была сосредоточена на истории развития скрипки и включала в себя цитаты из оригинальных трактатов XVIII века с сопроводительными пояснениями. Рассказ базировался на достоверных фактах, описанных в документах той эпохи.

Кульминация научной части фестиваля-симпозиума пришлась на 19-22 октября – стоит только вчитаться в названия докладов, чтобы понять широту охвата проблем. Молодые ученые центра «Музыкальные культуры мира» Е. Глухова и Н. Старостина представили лекцию-концерт «В поисках звуковых архетипов китайской классической музыки», порадовав слушателей небесными звуками китайской цитры цинь и флейты сяо; А Н. Клобукова (Голубинская) прочитала доклад на тему «Звуковые архетипы русского православного певческого канона в японском православном пении», который явился своеобразным отчетом о годовой стажировке в Японии в качестве приглашенного специалиста в Международном центре японских исследований г. Киото. Присутствующие познакомились с краткой историей японского православного пения, начиная с середины XIX века до наших дней, послушали фрагменты современных богослужений, записанных в разных храмах, а также спели с листа тропарь Рождества Христова знаменного распева на японском языке.

Серия лекций-демонстраций наполнила программу двух дней 21 и 22 октября. Исполнитель на арабском уде, культуролог и журналист Аль-Ашкар Басем Седки Шаат в докладе «Узуф как концепт арабской музыкальной культуры» предложил интересную интерпретацию термина узуф, обозначающего музыканта-исполнителя в арабской музыке. По мнению исследователя, сама этимология этого слова, переводимого на русский язык как «отказывающийся», говорит о предназначении музыканта выходить в своем творчестве за рамки стереотипов, выработанных в своей культуре. Сказанное было подтверждено исполнением двух композиций на уде: в старинных нормах арабского таксима и в качестве авторского произведения.

Доклад Е. Гороховик из Беларуси «Дхрупад: матрица североиндийской классической музыки» был посвящен одной из наиболее древних вокальных традиций североиндийской музыки, активно функционирующих в культуре в наши дни. Являясь средостением между доисламским музыкально-поэтическим жанром прабандха и более поздними музыкальными явлениями индомусульманской культуры, дхрупад стал своеобразным депозитарием важнейших элементов музыкально-текстового развертывания, и в этом смысле – основой для развития всех последующих вокальных традиций субконтинента. А. Пашкевич (Беларусь), автор доклада «Погружение в дхрупад: столкновение звукотворческих архетипов», уже несколько лет стажирующаяся в Индии, утверждает: «Поиски путей к адекватному восприятию и воспроизведению иной традиции приводят к необходимости изменения стереотипов, невозможного при исключительно рационально-аналитическом подходе, но требующего прежде всего глубокого интуитивного «вживания» в культуру».

Сцена из тазийе

Директор Академии шашмакома Таджикистана Абдували Абдурашидов в лекции-демонстрации «Аруз и музыка» с участием коллег-исполнителей Джамшеда Эргашева и Насибы Омонбаевой рассказал о многотрудном пути восстановления старинной традиции таджикского шашмакома и всей ладовой системы таджикской классической музыки, о неразрывной связи музыки со словом и поэтическим метром, а также приобщил аудиторию к творчеству певцов-бастакоров, сочиняющих музыкально-поэтические композиции на основе следования правилам аруза. 

В этом году на симпозиуме не было научных докладов, посвященных иранской музыке, но зато были два неординарных творческих события: концерт иранской классической музыки «Раскрывшийся бутон» (22 октября, Рахманиновский зал) и представление священной поминальной мистерии тазийе «Мученичество Мослема» (23 октября, Театр «Сфера»). Эти два образца современной иранской культуры отразили разные грани духовной жизни древней страны: в льющейся журчащим потоком звуковой ткани ансамбля голосов брата и сестры Аржанга и Саранг Сэйфизадэ, в кружевной вязи звуков сетара и россыпи темброво-многообразных ударов томбака слышался отзвук рафинированной придворной культуры с ее канонами и благородством экспрессии. В прямолинейной условности представления тазийе и четком размежевании сил мира на «добро и зло» прослеживался путь к древнейшим мистериальным действам, напрямую взывающим к оплакиванию героев, павших жертвой несправедливости, и к всеобщему покаянию. Действа тазийе по сей день разыгрываются в Иране повсеместно каждый год в священный месяц Мохаррам. Значимость данной традиции для мировой культуры столь высока, что в ноябре 2010 года Межправительственный комитет ЮНЕСКО включил тазийе в список нематериального культурного наследия человечества.

Напряжение эмоций, вызванное сопереживанием героям тазийе, на следующий день отчасти уравновесилось знакомством, уже непосредственно в концертной ситуации, с таджикской классической музыкой: концерт «Бескрайний мир шашмакома» в исполнении Абдували Абдурашидова (сато), Сироджиддина Джураева (дутар), Джамшеда Эргашева (танбур, дойра) и Насибы Омонбаевой (пение).

Калейдоскоп событий «Музыкальной карты мира» рождает непривычные ощущения. Впитывая в себя со звуками иных культур исторический опыт разных народов, переживая с людьми разных эпох их жизненные перипетии, слушая как бы их ушами окружающий их мир, начинаешь понимать, что все это – не чья-то их история, не чьи-то их страдания, не чья-то их музыка. Это все – наше. Мое – жителя маленькой планеты по имени Земля.

доцент М. И. Каратыгина, руководитель НТЦ «Музыкальные культуры мира»

 

Четвертый хоровой конгресс

Авторы :

№8 (1346), ноябрь 2017

В Московской консерватории 28 октября прошел заключительный концерт IV Международного хорового конгресса. Вдохновляющее событие собрало вместе студенческие хоровые коллективы нашей страны, а также Франции, Сербии и Румынии. В очередной раз все смогли убедиться в том, что искусство не знает границ, а хоровое пение как ничто другое укрепляет историческую и культурную связь между странами.

В программу конгресса вошло множество запоминающихся программ. Знаменательным стало выступление хора Свято-Александро-Невского собора (Париж, Франция) под руководством протодиакона Александра Кедрова, наследника великой традиции русского зарубежья – известной композиторской династии Кедровых. Радостно было видеть и наших дорогих сербских гостей: Церковно-певческую дружину Бранко под руководством Сары Цинцаревич. Среди выступавших был и хор Нижегородского государственного университета имени Н. И. Лобачевского под руководством Ларисы Ерыкаловой, и певцы Академии хорового искусства имени В. С. Попова, и мужская капелла «Благовест» под руководством Льва Панкратова (Нижний Новгород), и вокальный ансамбль «Fresco» под руководством Ларисы Ромодиной (Екатеринбург), и многие другие коллективы.

30 сентября в Большом зале состоялся концерт, объединивший музыкантов Московской консерватории – Хор (руководитель проф. С. С. Калинин) и Концертный оркестр (руководитель профА. А. Левин), – для исполнения большой моцартовской программы. Под управлением проф. С. С. Калинина прозвучали мотет «Ave verum», «Regina coeli» и Коронационная Месса C-dur (партия органа – проф. М. С. Высоцкая), а во втором отделении – бессмертный «Реквием».

Приуроченный к хоровому конгрессу концерт лауреатов Всероссийского конкурса хорового письма имени А. Д. Кастальского предоставил возможность лучшим молодым композиторам и аранжировщикам из консерваторий Москвы, Санкт-Петербурга и Нижнего Новгорода выступить в Рахманиновском зале со своими сочинениями в исполнении хора Московской консерватории.

Финальным аккордом Конгресса стал гала-концерт, объединивший всех участников в единый сводный хор под руководством Владимира Контарева, Льва Панкратова, Ларисы Ерыкаловой, Владимира Красова, Алексея Петрова и проф. С. С. Калинина. Каждый из них представил публике Большого зала свою интерпретацию значимых хоровых сочинений, что стало особенным событием для студентов на пути освоения профессионального мастерства.

В этом году хоровой конгресс вышел на новый уровень, собрав на сцене Большого зала четыре поколения: от детского хора сектора педагогической практики до седовласых представителей Коммунистической партии России. Хоровое искусство в очередной раз показало, что оно способно примирить даже такие далекие культурные и исторические явления как традиционное духовное искусство и празднование 100-летия Великой Октябрьской революции. Объединяющая сила совместного пения действует не только на далекие страны, но и на разные времена, ищет решение извечной проблемы непонимания отцов и детей, а главное, помогает ценить и нести в будущее лучшее из истории нашей Родины, уважая и приумножая его. Желаем Международному конгрессу продолжать великое дело сохранения и развития хоровых традиций в нашей стране!

Ирина Панфилова, студентка ДФ

Вдохновенные и искренние

Авторы :

№8 (1346), ноябрь 2017

Сезон 2017/2018 открылся вместе с фестивалем «Творческая молодежь Московской консерватории». Уже семь лет подряд студенты, аспиранты и выпускники в рамках этого мероприятия организуют концерты в стенах Alma mater. В этот раз за три недели молодые артисты предложили вниманию пятнадцать программ. Наряду с выступлениями солистов и камерных ансамблей в фестивале приняли участие три молодых оркестровых коллектива. Два из них завершили фестивальный марафон в Рахманиновском зале.

Оба отделения заключительного концерта разделили между собой молодые дирижеры – Даяна Гофман (класс доц. С. Д. Дяченко) и Иван Никифорчин (класс проф. В. К. Полянского). Они оказались настолько преданы своей профессии, что решили выйти за рамки стандартной учебной программы. Каждый из них самостоятельно собрал свой коллектив и теперь, помимо собственно дирижирования, они познают все тонкости организаторской концертной деятельности.

Московский юношеский камерный оркестр под управлением Даяны Гофман существует с 2015 года. В нем играют студенты консерватории, и на сегодняшний день они регулярно успешно выступают на различных московских площадках. Камерный инструментальный ансамбль Никифорчина существует и того меньше – с марта 2017 года. Молодой коллектив сформировался из совсем еще юных исполнителей – студентов музыкального колледжа при Московской консерватории. При этом они нисколько не уступают в своем артистизме и профессионализме более опытным коллегам. Всех ребят объединило желание получить бесценную практику игры в ансамбле/оркестре, а заодно и представить свою работу на сцене.

Программу последнего концерта логично выстроили по хронологии, причем с большим креном в русскую музыку XX века. Тесное соседство произведений И. Стравинского, Б. Чайковского и Г. Галынина дало возможность аудитории услышать разнообразные творческие подходы, которые применяли композиторы первой половины прошлого столетия.

Но это было потом. А открыл вечер волшебный в своей мелодичности А. Аренский c «Вариациями на тему П. И. Чайковского». Аренский написал их в 1894 году – сразу после смерти своего кумира. В основу сочинения легла тема одной из детских песен Чайковского – «Легенда» («Был у Христа младенца сад»). Невероятно трогательные и возвышенные в своей внутренней силе «Вариации…» оркестр Гофман прочувствовал очень тонко, что выразилось в проникновенном звуке и стройной форме.

После «по нарастающей» пошел сплошной XX век. Тот же коллектив сыграл «Базельский концерт» для струнного оркестра Стравинского. Он был написан сразу после войны, что отчасти отразилось на характере музыки. Свойственные Стравинскому яркость, графичность и острая ритмичность буквально уничтожили благостную атмосферу, на которую уже успел настроить Аренский. Это было настоящее столкновение, и не просто двух стилей, а двух эпох – романтической и авангардной. Гофман очень четко выполняла все свои действия: метр, динамика, штрихи и никакой лишней эмоциональности. Тем не менее, Стравинский оказался очень непрост для исполнения.

Позволю себе небольшое отступление. Римский-Корсаков в своем масштабном труде «Основы оркестровки» дает сноску с высказыванием Глазунова. Последний выстраивает особую градацию достоинств, а именно:

«1) оркестровку, звучащую хорошо при мало-мальски исправном исполнении, а при надлежащем разучивании – восхитительно, 2) оркестровку, эффекты которой выходят лишь при особых заботах и старании дирижера и исполнителей, и 3) оркестровку, которая при всем старании со стороны дирижера и исполнителей все-таки выходит неудовлетворительно».

Оркестровка Стравинского действительно вызывает трудности и нуждается в особых «стараниях дирижера и исполнителя». И хотя «Базельский концерт» явно дался молодому коллективу «с боем», его исполнение создало трамплин для усложнения и расширения репертуара.

Завершила первое отделение «Симфониетта» для струнного оркестра Бориса Чайковского, сочинение очень русское по музыкальной стилистике. С первых звуков можно уловить национальные корни и тут же осознать, что композитор возник не сам по себе, а впитал глубокую традицию. Что касается исполнения, особенно волшебно звучало пиццикато всего ансамбля.

Все второе отделение было полностью посвящено музыке Германа Галынина. Камерный ансамбль Никифорчина представил два его произведения – Арию для скрипки и струнного оркестра и Сюиту для струнного оркестра. В качестве солистки выступила аспирантка Московской консерватории – великолепная скрипачка Елена Таросян. На концерте присутствовал сын композитора – профессор Московской консерватории Дмитрий Германович Галынин. После исполнения он несколько раз поблагодарил дирижера и явно остался доволен происходящим.

Публика приняла концерт настолько тепло, что исполнители не могли сдержать улыбок, они буквально светились от счастья. Кажется, слушатели могли бы сидеть всю ночь – уходить не хотел никто. Признаться, и мою вечернюю усталость как рукой сняло. «С начала! Третью часть!» – восторженно кричали из зала, когда основную программу уже отыграли. Жаль, что нельзя поместить в нашу газету живую картинку, как в «Ежедневном пророке» Хогвартса, чтобы все могли оценить то чудо, которое подарили залу юные музыканты!

Рождение нового коллектива – это всегда большое событие в культурной жизни. Но оно часто остается незамеченным. Мы то и дело грешим тем, что недооцениваем начинающих исполнителей, говоря: «вот подрастет, освоится, наберется опыта, мастерства, да и вообще останется на сцене – вот тогда пойду». Большая ошибка! Юные коллективы отличаются от матерых. Есть в этих ребятах какая-то непосредственность и гармония, они вдохновенные и искренние.

Ходите на концерты юных коллективов. Они наполнят вас чистотой и любовью. После таких концертов хочется летать, творить или… хотя бы написать рецензию, полную восторга и почтения к молодым исполнителям.

Анна Пантелеева, студентка ИТФ

Органное искусство молодых

Авторы :

№ 5 (1343), май 2017

В марте 2017 года вместе с долгожданной весной в Москву пришел не менее ожидаемый и уже полюбившийся москвичам XVII Московский международный органный фестиваль. В этот раз главный акцент был сделан на молодое поколение музыкантов – учащихся музыкальных школ, училищ и вузов. Художественный руководитель фестиваля, профессор Наталья Николаевна Гуреева как бы заявила музыкальному миру о большом потенциале и прекрасных перспективах органного исполнительства в России.

Ансамбль «Fiori Musicali»

Открывала фестиваль 9 марта в Малом зале органистка из США Николь Сименталь, победитель IV Международного конкурса органистов имени А. Ф. Гедике (2016), одаренный музыкант, подкупающий непринужденной естественностью, артистизмом и виртуозным исполнением. В настоящее время Николь обучается в докторантуре Школы музыки при Университете Индианы (класс К. Янга). Помимо I премии в Москве, она – победитель Национального конкурса органистов «Sursa» Университета Болл Стейт (США, Манси, 2016 г.).

В игре Николь особенно подкупает отсутствие груза традиций, который часто довлеет над представителями известных органных школ. На концерте 9 марта она представила интересную и разнообразную программу, из которой особенно впечатлили трактовки Сонаты си-бемоль мажор Мендельсона, Колыбельной из сюиты № 2 К. Хэмптона и Allegro из Органной симфонии № 2 Л. Вьерна. Свобода самовыражения, большой вкус и тонкость, с которой Николь обходит острые углы в музыкальной трактовке, не превращая традицию в схему – это, пожалуй, главное в прошедшем концерте. Живая музыка была на первом плане. Публика с большим воодушевлением и благодарностью приняла игру американской органистки.

12 марта в Зале им. Мясковского выступал детский ансамбль старинной музыки «Fiori Musicali». Этот яркий, оригинальный коллектив был создан Еленой Киракосовой (музыковед и выпускница МГК) в 2001 году в ДМШ им. А. Т. Гречанинова. Дети играли с воодушевлением, в программе все было продумано с большим профессионализмом и любовью, начиная от репертуара, охватывающего произведения западноевропейской музыки XVI–XX веков и заканчивая специально для ансамбля сшитыми историческими костюмами.

Руководителю ансамбля успешно удается знакомить подрастающее поколение с особенностями старинной музыки и ансамблевого исполнения. В их игре органично сочетаются детская непринужденность и профессиональная подача. Дети выступают без дирижера, демонстрируя хорошую сыгранность, притом, что состав постоянно обновляется. Слушать и наблюдать за ними – большое удовольствие.

Концерт «Fiori Musicali» прошел с большим успехом. Запомнилось исполнение Трех пьес из «Сюиты в старинном стиле» А. Шнитке и Арии соль минор (BWV 515) из Нотой тетради Анны Магдалены. В концерте приняли участие и подрастающие органисты – ученики класса А. Е. Максимовой. Особенно покорила публику игра совсем юной Анастасии Мазневой, исполнившей Пьесу № 6 из цикла «Монологи» немецкого композитора Й. Рейнбергера.

Ярким событием фестиваля стал концерт 16 марта в Малом зале, где выступила известная органистка и просветитель Анастасия Черток, автор и художественный руководитель органных программ в ГМИИ им. А. С. Пушкина, автор и ведущая цикла «Красота, которая поддерживает мою жизнь» в Музыкальном театре им. К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко. Анастасия предстала перед московской публикой и как яркий виртуозный солист (ее исполнение «Симфонического этюда» М. Э. Босси со сложнейшей партией органной педали вызвало шквал оваций зала), и как чуткий ансамблист (сопровождая певцов Наталью Мурадымову и Дмитрия Кондраткова), и, наконец, как ведущая концерта, нестандартные аннотации которой к каждому номеру были выдержаны на высоком искусствоведческом уровне. Проникновенное и глубокое исполнение Анастасии вместе со скрипачкой Анной Кабашной Элегии Й. Рейнбергера из цикла «Шесть пьес для скрипки и органа» (соч. 150) стало подлинной вершиной вечера.

20 марта в Малом зале фестиваль продолжился концертом лауреатов III Международного конкурса «Юный органист». И уже во второй раз он открылся выступлением лауреата I премии, юного Матвея Милованова (ДШИ им. М. А. Балакирева, класс Л. Вечхайзера). Матвей исполнил маленькую прелюдию си-бемоль мажор Баха, подкупив своей абсолютной непринужденностью и артистизмом. Из участников младшей группы нельзя не отметить и лауреата II премии, ученика ДШИ им. И. Ф. Стравинского Григория Мелехова (класс Г. Семёновой), в котором органично сочетались трогательность и музыкальная зрелость, продуманность трактовок.

Из старшей группы особенно выделились двое: обладатель I премии конкурса Иван Царев (студент АМУ при МГК, класс Г. Семеновой) и обладательница II премии Елизавета Шабалина (студентка Санкт-Петербургской консерватории, класс Ю. Глазковой-Юферевой). Оба ярко и убедительно исполнили сложнейшие произведения, входящие в репертуар концертирующих органистов: Иван сыграл Финал из цикла «Воскресная музыка» П. Эбена, Елизавета – Прелюдию и фугу ми минор Баха (BWV 548).

Кульминационной точкой фестиваля стало закрытие: на нем прошел третий тур и награждение победителей Конкурса молодых композиторов на лучшее сочинение для органа. В этот раз он привлек большое количество участников, на третий тур были допущены двенадцать человек.

В сольной номинации жюри решило присудить две вторых премии: «Калмыцкой сюите» для органа Ирины Шашковой-Петерсон (студентка МГК, класс органа проф. Н. Н. Гуреевой) и Фантазии для органа Ивана Шмарыгина (студент МГК, класс ф-но проф. Ю. С. Слесарева). Председатель жюри конкурса, Народный артист РФ, профессор В. Г. Агафонников особенно отметил успех органистки Ирины Шашковой-Петерсон, рекомендовав ей начать профессионально заниматься композицией. Было присуждено также пять дипломов – сочинениям Анны Поспеловой, Екатерины Суворкиной, Валерии Кухта, Лилии Якушевой, Ифей Чжао.

В ансамблевой номинации были представлены два сочинения, поделившие между собой второе место: фантазия «Рея» для трубы, арфы, органа и струнных Анастасии Сидоркиной (ассистент-стажер МГК по классу органа, рук. проф.  Н. Н. Гуреева), написанная в традициях русской музыки XX века, и «Sun Goes Down» Юлии Муравьевой для вокала и органа – пьеса, интересная по своим находкам, но чрезвычайно сложная технически. Отрадно, что среди участников композиторского конкурса, продемонстрировавших яркую фантазию и высокий профессионализм, были авторы из Нижнего Новгорода, Перми, Санкт-Петербурга, Новосибирска, Москвы и г. Хэ Бэ (Китай).

Удивительный праздник, охвативший все вехи органной музыки, завершился. Мы с нетерпением ждем следующего фестиваля, не сомневаясь, что Московская консерватория вновь даст возможность и насладиться игрой титулованных, выдающихся музыкантов мира, и откроет новые имена не только в исполнительском мастерстве, но и на композиторском поприще.

Олеся Кравченко
Фото Дениса Рылова

Экс-ан-Прованс в Москве

№ 5 (1343), май 2017

2017-й год для Большого театра ознаменован сразу несколькими крупными проектами совместно с знаменитым французским Оперным фестивалем Экс-ан-Прованса. Это сотрудничество достигнет своей кульминации осенью, когда постановка генделевской «Альцины» из Экса будет перенесена в Москву и войдёт в репертуар Большого, став третьей оперой Генделя за 160 лет истории театра (в 1959-м был поставлен «Юлий Цезарь в Египте», в 2015-м – «Роделинда» в ко-продукции с Английской национальной оперой).

«Написано на коже». Сцена из спектакля

В преддверии этого события на новой сцене Большого прошли гастроли ещё двух спектаклей из программы Экс-ан-Прованса: опера «Написано на коже» современного композитора Джорджа Бенджамина (Великобритания) и «Траурная ночь», действо, озаглавленное как «сценическое прочтение кантат Баха».

Названные спектакли исполнялись силами разных музыкантов, причём если за звучание Баха отвечал барочный ансамбль из Бордо «Пигмалион» (основатель и дирижёр – Рафаэль Пишон), то партитуру Бенджамина исполнил оркестр Большого театра (под управлением Франка Оллю). Главной объединяющей фигурой двух прошедших спектаклей и одного будущего стала одна из самых интересных и известных современных европейских режиссёров Кэти Митчелл.

«Написано на коже». Сцена из спектакля

Творчество Митчелл, которая в равной степени активно работает и в музыкальном, и в драматическом театре, представлено в Москве не впервые: её постановки из берлинского Шаубюне дважды гастролировали на фестивале «NET – Новый европейский театр». Её спектакль «Кристина» (по «Фрекен Жюли» Стринберга) в 2013-м году получил «Золотую маску» как «Лучший зарубежный спектакль, показанный в России». А в спектакле «Дыхание» (по злободневной пьесе «Лёгкие» Дункана Макмиллана о перенаселении Земли, кислороде и углекислом газе) Митчелл вплотную приблизилась к такому звучанию человеческого голоса как в виртуозном «дыхательном вокале» Жоржа Апергиза (музыкальный спектакль «Махинации») или Хайнера Гёббельса («Суррогатные города»).

«Написано на коже» Джорджа Бенджамина и по музыкальному языку, и по типу либретто (автор – Мартин Кримп по мотивам анонимного предисловия к произведениям трубадуров XIII века) в значительной мере развивает шёнберговские традиции экспрессионистской музыкальной драмы: словно только что завершилось шёнберговское «Ожидание» и начался его второй акт. Работая с этой оперой, Митчелл нащупала баланс между двумя почти взаимоисключающими задачами – представить авторское режиссёрское прочтение и, одновременно, не перенести всё внимание с музыкального исполнения и самой партитуры (которая звучала в России впервые) на режиссуру. В результате постановку в равной степени одобрили как приверженцы традиционалистского подхода к опере, так и апологеты экспериментального театра.

«Написано на коже». Сцена из спектакля

Другой спектакль Митчелл развивает одну из тенденций нового музыкального театра, связанную с театрализацией вокальной музыки. Постановку в подобном жанре с музыкой Шумана по мотивам произведений Гофмана уже привозили в Москву (2015). У Митчелл сценическое прочтение кантат Баха оказалось в лучшем смысле слова лаконичным: персонажи-певцы сидят при приглушённом свете за небольшим столом на авансцене (ненавязчивая аллюзия на Тайную Вечерю). Основу «драматического действа» во время инструментальных разделов составляют их очень аккуратные и сдержанные движения, перестановка кухонной утвари на столе. Замечательное исполнение музыки Баха ансамблем солистов и музыкантами «Пигмалиона», по мнению многих, даже затмило российскую премьеру «Тезея» Генделя в Зале Чайковского с участием не менее известных зарубежных солистов.

…На оба уникальных спектакля студенты могли попасть всего за 100 рублей по традиционной студенческой квоте Большого театра (и это при полном зале!). А Джордж Бенджамин после творческой встречи 21 апреля со студентами Московской консерватории подарил Центру современной музыки МГК экземпляр партитуры «Написано на коже» с автографом. Её обещали передать в наш в читальный зал…

Владислав Тарнопольский
Фото Виктора Паскаля

По следам Дмитрия Борисовича Кабалевского

Авторы :

№ 3 (1341), март 2017

1 февраля в артистическом центре Yamaha состоялась пресс-конференция, посвященная международному фестивалю «Кабалевский Фест» (23.01–9.02). В этом году он проходил во второй раз (предыдущий, в 2014-м, был посвящен 110-летию со дня рождения композитора). «Кабалевский Фест» открылся 23 января в Большом зале Московской консерватории, где прозвучала премьера В. Щербакова «Посвящение автору» и, что особенно важно, монументальное произведение Дмитрия Борисовича Кабалевского «Реквием». В концерте приняли участие Государственный симфонический оркестр «Новая Россия» под управлением Дениса Власенко, камерный хор Московской консерватории (худрук Александр Соловьев), Тульский государственный хор, хоры Московского института культуры, «Радость», «Пионерия» им. Г. А. Струве, а также солисты: Лариса Костюк (меццо-сопрано), Михаил Давыдов (баритон) и Василий Щербаков (фортепиано), доцент МГК, художественный руководитель фестиваля.

Именно с обсуждения этого события и началась пресс-конференция. Дирижер Д. Власенко и хормейстер Т, Ясенков говорили о важности «Реквиема» Кабалевского в современном мире, рассказали о трудностях, с которыми им пришлось бороться во время репетиций, Музыканты высказали важную мысль о несправедливом забвении многих советских композиторов. В. Щербаков уверен: «Музыка этой эпохи должна звучать как культурное достояние. Это важная часть нашего наследия!». И действительно, многие вокальные произведения ушедшей эпохи получили клеймо «советские», «пионерские», чего определенно нельзя сказать о «Реквиеме», который остается актуальным и созвучным сегодняшнему дню, в первую очередь благодаря тексту Роберта Рождественского. «Кабалевский был одним из выдающихся представителей отечественной школы ХХ века. К сожалению, ушел целый пласт музыки, и публика просто лишилась возможности общаться с подобными творениями», – добавил Щербаков.

Д. Власенко подчеркнул значимость исполнения «Реквиема» его оркестром: Для любого коллектива очень важно играть новую музыку – ту, которую они не знают. Для нас это оказалось не так просто, как мне виделось поначалу. Я заметил, что подобный процесс по-особому мобилизует коллектив, придает ему какое-то новое дыхание. Я очень благодарен за оказанное нам доверие, за полученный опыт, за знакомство с этой музыкой. И очень надеюсь, что фестиваль будет жить дальше, будет процветать».

Конечно, при реализации подобного масштабного проекта всегда существуют определенные опасения. В частности, они касались вокальной части. Т. Ясенков рассказал о работе с хорами: «Для премьеры нам пришлось собрать несколько совершенно разных хоров: детские, студенческие и даже Тульский государственный хор. Самое страшное заключалось в том, что у нас была всего лишь одна сводная репетиция. Но в конечном итоге, результат оказался на высоте».

Президент фонда и дочь композитора М. Д. Кабалевская откровенно переживала за премьеру: «При работе над «Реквиемом все исполнители и дирижеры опирались на единственную существующую запись. Мы даже не знали, куда поставить третий, детский хор. И тогда наш хормейстер Александр Соловьев предложил поместить их наверх, на балкон Большого зала. Сначала я очень возмущалась, ведь в самом сочинении этого не предполагалось! Но на самом концерте я поняла, что это придало особую свежесть звучанию. Возникла интрига: когда дирижер поворачивался к ним, публика тоже смотрела – а что там наверху? А там – представляете – дети!».

Фестиваль Д. Б. Кабалевского в этом году проходил вместе с конкурсом молодых пианистов, включавшим и концертмейстерскую номинацию. Член жюри, профессор А. З. Бондурянский отметил, что «любой конкурс считается состоявшимся, если открывает хотя бы одно новое артистическое имя», тем самым возложив на это соревнование большие надежды. Многие отмечали важное место Кабалевского в воспитании юных музыкантов: «Вспоминая детство и юность, трудно представить свою жизнь и музыкальное образование без звучания музыки Кабалевского», – признался Александр Зиновьевич. – «В жизни Дмитрия Борисовича всегда большое место занимала просветительская деятельность, а именно – приобщение к музыке детей. Ведь искусство делает человека чище и богаче, вот почему это так важно!».

Руководитель артистического сервисного центра Yamaha О. А. Левко рассказала о его участии в подобных мероприятиях: «Компания Yamaha music – это не только производство инструментов. Большую часть нашей философии занимает взаимоотношение с музыкантами всех рангов – от великих, всемирно известных исполнителей до совсем юных, чей творческий путь только начинается. Интересно, что проект, который закрывает этот фестиваль – камерный концерт, где объединили свои силы разные музыканты вместе с Борисом Березовским – является благотворительным. Это было главным условием пианиста: его гонорар идет в призовой фонд конкурса. И мы решили, что призом будет акустическое фортепиано для одного из победителей».

Исполнительный директор национального фонда поддержки правообладателей, оказавшего большую поддержку фестивалю, Н. Б. Гойденко высказалась о несправедливости нынешнего положения нашей культуры: «Историю страны делают личности, и зачастую мы кого-то из них упускаем из виду. В советской музыке нет ничего постыдного. Даже если какие-то слова устарели или более не используются, многое можно адаптировать для сегодняшнего времени. Другое дело, что поддержка культуры в целом держится на энтузиастах, на одной лишь идее и желании продвигать это!».

Остается добавить, что, действительно, многое в современном социуме теряет свою актуальность – время идет, меняются приоритеты, ценности, темп жизни. Однако абсолютно неправильно, что музыканты забыли целый пласт отечественной музыки, которая так или иначе оказала влияние на композиторов, живущих сейчас. Это Дмитрий Кабалевский, Тихон Хренников, Юрий Шапорин, Виссарион Шебалин и многие другие. Хочется надеяться, что такие мероприятия, как «Кабалевский Фест», со своей стороны, смогут дать жизнь чему-то новому и прекрасному.

Кадрия Садыкова
Фото Дарьи Винокуровой

Открытие музыкой современников

Авторы :

№ 8 (1337), ноябрь 2016

Борису Григорьевичу Тевлину в июле исполнилось бы 85. Утвердившийся в великолепном ряду его свершений «Осенний хоровой фестиваль имени профессора Б. Г. Тевлина» вновь завлекает профессионалов и любителей хорового искусства в Большой зал Московской консерватории. XII-й по счету, он не только не становится рутинным по образу и подобию, но разворачивается будто бы новой праздничной анфиладой художественных интерьеров.

Концерт 10 октября. Дирижер Лев Конторович

Концерт 10 октября. Дирижер Лев Конторович

Событийным стал концерт-открытие фестиваля 10 октября. Он начался торжественной церемонией награждения профессоров, преподавателей и концертмейстеров кафедры современного хорового исполнительского искусства – подразделения, основателем которого также был профессор Б. Г. Тевлин.

«Беззаветное служение Московской консерватории», которое со сцены Большого зала отметил ректор А. С. Соколов, стало жизненным смыслом многих поколений, как педагогов, так и воспитанников – всех со-трудников великого и волшебного музыкально-художественного и воспитательного процесса, который длится теперь уже 150 лет. Соратники Бориса Григорьевича, призванные им под знамена новой кафедры, и среди них – виднейшие деятели российской хоровой культуры, олицетворяли на сцене гармонию «беззаветного» и славного созидательного труда. Именно кафедра современного хорового исполнительского искусства, руководимая теперь профессором Л. З. Конторовичем, и стала одним из центральных действующих лиц концерта-открытия.

В этот вечер партнерами по сцене выступили Академический Большой хор «Мастера хорового пения» под руководством Льва Конторовича, Симфонический оркестр студентов Московской консерватории под руководством Вячеслава Валеева, Тульский государственный хор и Камерный хор Московской консерватории под управлением Александра Соловьева, художественного руководителя фестиваля. На сцене было около двухсот пятидесяти исполнителей.

Музыканты собрались, чтобы представить публике искусство выдающихся современников – Сергея Слонимского и Игоря Голубева. Два фундаментальных произведения, составивших программу двух отделений концерта, при беглом взгляде могли показаться диаметрально противоположными: скорбный «Реквием» для солистов, смешанного хора и симфонического оркестра и… кантата «Жить чудесно!» для солистов, смешанного хора и симфонического оркестра. Но идея подобной программы родилась в голове художника не поверхностного, а кожей, нервами чувствующего суть кантатно-ораториального «вещества».

И задышали столетия, и воссоединилась (religare) связь времен, тянущаяся через григорианские хоралы и Окегема, Моцарта и Верди к памяти «невинно убиенных», к серебряному звону «серебряных» поэтов – Блока, Ахматовой, Каменского, Заболоцкого! И засияла радость свершения московской и мировой премьер! И заблистали непосредственность, непредвзятость и у артистов хора и оркестра, и у квартета певцов-солистов (Татьяна Минеева, Полина Шамаева, Андрей Башков, Дмитрий Кузнецов), как и обаяние рождения в умелых руках Льва Конторовича (С. Слонимский. «Реквием») и Вячеслава Валеева (И. Голубев. «Жить чудесно!»).

Публика, заполнившая в этот вечер Большой зал Московской консерватории, взволнованно и дружно благодарила своими аплодисментами и композиторов, и исполнителей. За духовную окрыленность, за вдохновляющее чувство полета, за полюбившийся фестиваль…

Профессор Ю. А. Евграфов

Очень грустно, очень радостно…

Авторы :

№ 9 (1329), декабрь 2015

Действо тазийе

Очень грустно закончилась научная часть Международного симпозиума «Музыкальная карта мира»: гость из Индии Атиш Мукхопадхьяй, вдохновенно описывающий уровни духовности в индийской классической музыке, столь последовательно раскрывал тему своего доклада, что жадно слушающая его аудитория так бы и не заметила, что на часах уже 23:15, если бы музыкант не достал из футляра свой сарод и не издал невыразимо печальные звуки раги Дарбари-Каннада, приуроченной к началу ночи. Сумрак охватил сердца и от горестно «вздыхающей» ступени «дха», характерной для данной раги, и от того, что всем стало ясно: завтра – последняя встреча в череде ярких и необычных событий симпозиума, за которой последует неизбежное возвращение к обыденной жизни.

Очень радостно, однако, завершился симпозиум, что, в сущности, парадоксально, так как присоединившиеся 27 октября к сопереживанию мистеральному иранскому действу тазийе «Магталь Аббаса», посвящённому оплакиванию мученически погибших Имама Хосейна и его сподвижников в пустыне Кербеле, испытали искреннее потрясение от разыгранной драмы. Битком забитый Большой зал Центра Вс. Мейерхольда горячо рукоплескал крошечной труппе из шести человек, сумевшей развернуть в воображении зрителей картину вселенской битвы Добра и Зла.

Атиш Мукхопадхьяй читает доклад

Труппа, показавшая это действо, развивает традиции города Казвина, считающегося, благодаря высокому уровню своих певцов и актёров, «столицей тазийе». Она приглашается Московской консерваторией уже во второй раз: в 2014 году, также в рамках Международного симпозиума, ею был представлен маджлес «Хорр» в театре «Сфера». Чтобы подготовить непривыкшую к такого рода действам московскую аудиторию, накануне спектакля в рамках симпозиума была прочитана лекция «Традиция тазийе в иранской культуре», автор которой, иранский певец Хосейн Нуршарг многократно участвовал в подобных представлениях и знает традицию изнутри. Сам факт появления тазийе на московских площадках, как и последовательное развитие иранского направления в научной и творческой деятельности МГК – результат многолетнего подвижнического труда этого иранского консультанта центра «Музыкальные культуры мира».

Таков был финал международного форума «Музыкальная карта мира», а его великолепной увертюрой стал концерт «Музыка Персии в Оружейной палате Московского Кремля». Музеи Кремля предложили организовать эту программу для II Международ-ного музыкального фестиваля «Посольские дары». Сегах, Хомаюн – это названия старинных иранских дастгахов (ладовых систем), которые иранские музыканты – певец Хосейн Нуршарг и девушки из группы «Караван» – избрали для создания звуковой атмосферы, соответствующей формам придворного этикета, принятым при персидском дворе, с которым общались русские дипломаты времён Бориса Годунова. На следующий день иранские музыканты были в гостях у первокурсников историко-теоретического факультета с разговором о своей удивительной традиции и, конечно, с живой музыкой.

Итиро Макихара

Присутствие традиций Ближнего и Среднего Востока в программе симпозиума было впечатляющим. Учитывая, что тема «Музыкальная карта мира» имела в этом году подзаголовок «Музыка и религия», многие выступления концентрировались на духовной стороне культурных явлений. При этом речь идёт не только о научных сообщениях, таких как доклад «Музыка в средневековых традициях исламской цивилизации (VII–XVII века)», прочитанный востоковедом Тамилой Джани-заде (РАМ им. Гнесиных). Впервые в стенах МГК был проведён цикл традиционных молитвенных повествований о духовном подвиге Имама Хосейна и его сподвижников, характерных для арабских обществ, воспринявших ислам в его шиитской форме. Помимо сказаний, включающих в себя рассказы, песнопения, проповеди, молитвы, плачи и другие виды творчества, исполнитель этого действа Казем Шамас (Ливан) и журналист Ахмад Хаж Али провели два насыщенных семинара, разъясняющих содержание и структуру этого культурного феномена.

Зороастрийская традиция получила освещение в докладе «Музыкальная основа Авесты», прочитанном профессором МГУ им. М. В. Ломоносова Владимиром Ивановым. Многие из нас впервые услышали, как в живую звучат сочинённые, как утверждают зороастрийцы, самим Пророком Заратуштрой, молитвенные песнопения гаты, пропетые в лекции-демонстрации «Пение Авесты – священной книги зороастрийцев» мобедом (зороастрийским священнослужителем) Камраном Лорианом (Иран).

Лазо Монгуш и Валерий Монгуш

Во многом родственные иранской тематике проблемы обсуждались в «индийской части» симпозиума. Здесь прозвучали два доклада: «Звук и Сакрум в культурах Южной Азии» Елены Гороховик (Беларусь), представляющий собой философское размышление о роли звука в ведийской ритуально-религиозной практике, и «Пути духовного совершенствования в музыке уп-шастрия» Татьяны Карташовой (Саратов), выявляющий разные типы соотношения «земного и возвышенного» в особой сфере культуры, самими индийцами осознаваемой в качестве полуклассики (уп-шастрии). Рассуждения музыковедов были дополнены выступлениями индийских музыкантов, содержащими в себе и теоретическую часть, и живой показ рассматриваемых музыкальных явлений: «Вклад Хазрата Амира Хусроу в традицию суфийской музыки в Индии» педагога Культурного центра имени Джавахарлала Неру Посольства Индии в Москве Гульфама Сабри и «Индийская музыка и духовность» уже упомянутого известного исполнителя на сароде Атиша Мукхопадхьяя. Цикл мастер-классов дали оба индийских музыканта, а также японский исполнитель на сякухати Итиро Макихара, известный своей приверженностью к практике странствующих монахов комусо, которые по сей день ходят по дорогам городов и деревень в надетых на голову соломенных корзинах и неустанно играют на японской флейте, собирая подаяние.

Камран Лориан и Авеста

Многогранное освещение на симпозиуме получила музыкальная культура Японии. Традиция комусо была преподнесена Итиро Макихарой в его сольном концерте «Звучание бамбука» и цикле мастер-классов. О влиянии индийской духовной традиции на Японию поведала в своём докладе «Косики-сёмё: буддистская пение-проповедь» директор Центра традиционных исследований Киотоского отделения Национального университета искусств Алисон Токита. Доцент того же Центра Эмико Такэноути в докладе «Культура цитры в Японии» описала пути проникновения конфуцианства из Китая в Японию и исполнила несколько пьес на китайской цитре гуцинь. Образец традиции, адаптирующейся в условиях чужой культуры, рассмотрела сотрудник МГК Наталья Клобукова (Голубинская), прочитавшая доклад «Японский православный певческий канон: история создания и особенности».

Фольклорный ансамбль Московской консерватории

От православия в Японии был перекинут мостик к «Народному православию в России», докладу руководителя Научного центра народной музыки имени К. В. Квитки, профессора Натальи Гиляровой. И сам доклад, и продемонстрированные видеоматериалы, и проведённый ранее концерт «Кому повем печаль мою» Фольклорного ансамбля Московской консерватории, руководимого Натальей Николаевной, продемонстрировали неразрывную связь религиозных христианских канонов с древними традиционными верованиями людей, живущих в окружении природы и зависящих от её стихий.

Наиболее очевидная связь Человека и Природы была проявлена в выступлениях гостей из Тувы: шамана-хоомейжи Лазо Монгуша и Народного хоомейжи Республики Валерия Монгуша (традиция хоомей известна под названием «горловое пение»). Их концерт «К духам тайги взываем» и последующая лекция-демонстрация «Шаманские и обрядовые традиции Тувы» не просто удивили и порадовали слушателей, но безоговорочно убедили нас в том, что есть реальные носители экстраординарных способностей, обладающие силой воздействия на окружающих людей, их состояние, здоровье, судьбу и ведущие свою деятельность на основе чистых помыслов и истинной любви к людям и природе.

Гость из Китая, великолепный мастер игры на китайских флейтах сяо и дицзы Цзян Вэйцян изложил своё видение духовных основ китайской классической музыки в лекции «Объяснение эстетики и выразительности китайской музыки на примере флейт дицзы и сяо». В концерте китайскому гостю помогли участники класса китайской музыки НТЦ «Музыкальные культуры мира»: Евгения Глухова, Сергей Нарышкин и Евгения Тарабарина.

Исполнительница иранской музыки

На симпозиуме прозвучали темы, связанные с музыкальными культурами Европы и Америки. Красочный доклад Джозефа Лиа «Музыка и религия на Мальте», снабжённый видеозаписями, запечатлевшими разнообразные религиозные праздники-шествия фесты, подтвердил мнение о мощном участии персидского и египетского мистериального опыта в генезисе этой традициии, пышно процветающей сегодня на Мальте. Доклад «Любовные мадригалы Монтеверди в контрфактуре Коппини: о духовном эросе», прочитанный аспиранткой МГК Надеждой Игнатьевой, обратил внимание слушающих на специфику взаимоотношений светского и религиозного начал в мадригальном творчестве. Духовная музыка США получила панорамное обозрение в концерте «Как сладок звук!», включившем американские гимны, афроамериканские спиричуэлы и духовные песнопения Англии времён Тюдоров в исполнении Вокального ансамбля «Цецилия» (город Эйкен, Южная Каролина). Руководитель коллектива, доцент Университета Южной Каролины Джоэл Скрейпер предпослал концерту лекцию «Духовные песнопения Американского Юга», которая открыла теоретическую часть симпозиума.

Грустно констатировать, что насыщенная удивительными встречами, впечатлениями, открытиями жизнь Международного симпозиума «Музыкальная карта мира» сегодня уже ушла в область воспоминаний. Радостно, однако, осознавать, что участники этого незабываемого события обрели новых друзей, заглянули в неведомые доселе уголки мировой культуры. Впереди нас ждут новые события НТЦ «Музыкальные культуры мира»: ежегодные фестивали «Душа Японии», «Вселенная звука», «Собираем друзей» и россыпь встреч с музыкантами многих стран мира.

Доцент М. И. Каратыгина

Вне преград

№ 8 (1328), ноябрь 2015

Интригой Хорового конгресса стал вечер 5 октября в Малом зале с участием камерного хора Донецкой государственной музыкальной академии имени С. С. Прокофьева и Art Vocal Ensemble из Армении.

Коллективы, наследующие самобытные певческие традиции своих народов, и в обычной ситуации вызывают большой интерес. В непростое время, когда донецкий хор нашел возможность посетить Москву, к нему было обращено самое пристальное внимание – ведь, что лучше музыки может передать чувства и чаяния людей?!

Сильное впечатление произвело ансамблевое мастерство, продемонстрированное им в технически сложных партесных концертах. Великолепное владение нюансами отличало исполнение духовных произведений. Слушателям особенно полюбилась интерпретация музыки Ирины Денисовой, нашедшая достойное воплощение. Невозможно не отметить прекрасное владение стилистикой хоровой музыки Возрождения, а также кропотливую работу хормейстера и концертмейстера, проделанную в процессе подготовки «Маленькой джазовой мессы» Боба Чилькота. А искреннее и яркое исполнение обработок украинских народных песен заслужило самые громкие овации!

Выступление прошло с большим успехом и имело особое значение для нас, студентов дирижерского факультета. Оно явило пример настоящего профессионализма и любви к своему делу, зная, в каких условиях сейчас живет и работает коллектив. Этими достижениями хор несомненно обязан своему талантливому и многообещающему руководителю Алиме Мурзаевой, обладающей прекрасной дирижерской техникой, чувством стиля и отлично владеющей хормейстерским искусством.

Второе отделение Art Vocal Ensemble (руководитель и дирижер – Арно Бархударян) начал с традиционных армянских напевов. Большим удовольствием было наблюдать, с какой увлеченностью хор и дирижер работают над созданием убедительных и живых музыкальных образов. Тонкая работа над музыкальной фразой, захватывающая пластичность и выразительность несомненно являются «визитной карточкой» коллектива, который был блестяще подготовлен и виртуозно исполнял произведения, требующие значительного вокального мастерства. На одной сцене с этим замечательным ансамблем было приятно увидеть прекрасного концертмейстера А. А. Бугаяна, с которым мы знакомы по подготовке дипломных работ.

Любовь к родной песне и к своему делу не может оставить человека равнодушным наблюдателем. Чувство единения и родства, за которое мы так любим хоровую музыку, лучше любых слов способствует взаимопониманию и открывает возможность для диалога культур.

Мария Мясоедова и Ирина Панфилова,
студентки ДФ