Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

Хоровое братство

Авторы :

№ 8 (1328), ноябрь 2015

В Московской консерватории в сентябре прошел II Международный хоровой конгресс «Выдающиеся деятели русского музыкального искусства». Это крупное событие включало в себя музыку в исполнении хоровых коллективов из Армении, России и Украины, а также концерты, посвященные юбилейным датам С. И. Танеева, Г. В. Свиридова и А. В. Свешникова. Хоровой форум, длившийся почти две недели, объединил выдающиеся музыкальные произведения различных эпох в исполнении настоящих профессионалов своего дела.

Открытие конгресса в Большом зале было посвящено 125-летию со дня рождения А. В. Свешникова. С приветственным словом выступил ректор профессор А. С. Соколов, который подчеркнул значение Свешникова в развитии отечественной музыкальной культуры. Весь вечер на сцене Большого зала пел Хор Московской консерватории под управлением профессора С. С. Калинина, в свое время учившегося у профессора Свешникова. В программе была представлена панорама русской хоровой музыки преимущественно духовного содержания.

В первом отделении прозвучали сочинения Кастальского, Чайковского, Данилина, Чеснокова, Голованова, Свиридова, Рахманинова. В исполнении хора они стали подлинной исповедью, содержавшей различные оттенки чувств – смирение, блаженство, трепет, восхищение перед Богом. Коллектив консерватории в очередной раз демонстрировал великолепную работу со словом, интонируя смысл особо проникновенно и выделяя наиболее важное. К примеру, в сочинении Г. Свиридова «Странное Рождество видевшее» слово «аллилуйя» преподносилось как торжественное заклинание с постепенным нарастанием динамики. А в «Свете тихий» Н. Голованова выразительные голоса солистов, имитировавших ангельское пение, сливались воедино с остинатным фоном других голосов. Единственным «отступлением» от христианской тематики стала русская народная песня «Ах ты, степь» в обработке Свешникова. Распевная протяжная мелодия, поначалу звучащая словно ниоткуда, символизировала широту степей и полей, которые так дороги русскому человеку.

Во втором отделении концерта публика услышала хоровые сочинения композиторов XX–XXI века. Запомнилось исполнение части «Да святится имя твое» из литургии Р. Щедрина «Запечатленный ангел», где использованы принципы русского знаменного распева. По хоровым приемам это произведение является настоящей энциклопедией хорового письма, включающей также народную подголосочность, звучный аккордовый склад, краску басов-октавистов, эффект эха и имитацию колокольного звона. В «Песне о криницах» А. Эшпая воспевалась чудо-вода и родники – своего рода чистота нашей земли. Проникновенное исполнение хора не оставило слушателей равнодушными, они долго аплодировали этому яркому лирическому номеру. Кульминацией концерта стало своеобразное приношение Ивану Бунину: в сочинениях А. Вискова и А. Комиссарова были представлены замечательные стихотворения поэта: «Родина», «Рассвет», «В степи», «Дорога» и др. Ценно, что эти многочастные хоровые произведения были исполнены в России впервые. Завершала вечер триада популярных русских народных песен: «Гибель варяга», «Вечерний звон», «Колокольчик» (солист М. Сажин). Известные мотивы и слова звучали удивительно свежо, радуя публику столь полюбившимися фразами.

Хор Московской консерватории во главе со своим художественным руководителем вновь продемонстрировал высококлассный профессионализм и мастерство, умение превращать каждое выступление в яркое концертное событие. Можно утверждать, что дело А. В. Свешникова продолжает жить и развиваться, открывая любителям хорового искусства музыкальные шедевры.

Надежда Травина,
студентка ИТФ
Фото Дениса Рылова

«Надо учиться слушать друг друга…»

Авторы :

№ 5 (1325), май 2015

Первое выступление «Ансамбля 2012» в Московской консерватории, ноябрь 2012

В праздничные майские дни Московская консерватория предложила своим слушателям знаковый концерт: 4 мая в Малом зале выступил «Ансамбль 2012»  Российско-немецкой музыкальной академии. Это событие – часть важного проекта, который успешно развивается уже несколько лет и заслуживает широкого освещения. Собеседником газеты «Российский музыкант» стала берлинский музыковед и музыкальный деятель Татьяна Рексрот (Rexroth) – огромный энтузиаст русско-немецких культурных связей, организатор и исполнительный директор Академии:

Татьяна, что такое «Российско-германская музыкальная академия» – коллектив или серия мероприятий?

— Это серия мероприятий. Большой художественно-просветительский и образовательный проект. Началось с того, что в июне 2012-го на открытие культурного года Германия-Россия мы с Московской консерваторией собрали оркестровый ансамбль, 12 на 12 – из молодых музыкантов России и Германии. Ввели возрастной ценз: от 18 до 22 лет, чтобы это были молодые музыканты, ставшие уже лауреатами каких-то конкурсов, солисты и ансамблисты. Будущая музыкальная элита.

Целью было не единичное выступление?

— Нет. Мы сразу решили работать по нескольким направлениям. Это мастер-классы для участников Академии с ведущими музыкантами-педагогами обеих стран, исполнение редких и забытых произведений композиторов России и Германии и исполнение сочинений современных российских и немецких композиторов. И, конечно же, общение, интересные беседы… Ведь совместная подготовка программы – это непросто: немецкие музыканты скрупулезно точно исходят из нотного текста, русские могут относиться к тексту несколько более свободно, главное – показать эмоциональное содержание произведения.

А когда идут эти беседы? Вы не только репетируете?

Концерт 4 мая в Малом зале

— Каждая программа требует пяти-шестидневной подготовки. Прежде всего, идут очень интенсивные репетиции. Часто наши выступления связаны с какими-то знаковыми местами: это «эмоциональные инъекции», которые невозможно забыть. Например, во время открытия Года культуры Германии в регионах России мы ездили по различным городам Урала. Дом-музей Чайковского в Алапаевске выглядит так, будто хозяева недавно оттуда уехали. Потрясенный немецкий скрипач, глядя на засыпанный снегом каменный храм перед домом Чайковского, сказал: «Я никогда это не забуду, для меня теперь концерт Чайковского звучит по-другому!»… Аналогично, когда мы выступаем в доме-музее Бетховена, где находится его архив, для русских музыкантов это тоже память на всю жизнь.

Такая обширная деятельность требует какой-то солидной базы?

— Я обратились к В. А. Гергиеву как к одному из крупнейших музыкантов мира, будущему шефу Мюнхенской филармонии, очень много исполняющему немецкую музыку, а также русскую музыку в Германии. И, к нашей большой радости, эта идея нашла у него отклик – с сентября 2013 года он является художественным руководителем Академии: предлагает программы, отбирает музыкантов. Он – мотор всего, а Мариинский театр – наша крепость.

При всей кипучей энергии Валерия Абисаловича, этого, наверное, не достаточно? Кто еще вам помогает?

— Сначала нас очень поддерживало Министерство иностранных дел Германии. Мы с ними начинали этот проект. Много делают и послы обеих стран. Московская консерватория является нашим активным помощником, мы регулярно встречаемся и многое обсуждаем с ректором А. С. Соколовым. А главная финансовая поддержка – компания «Газпром-Германия».

Вы музыкантов на каждое событие отдельно набираете?

— По-разному. Многие хотят продолжать играть в ансамбле, но поскольку все – люди много играющие, не у каждого это получается. Но мы очень рады, что Академия от раза к разу пополняется новыми замечательными музыкантами. А с участниками всех прошлых проектов обязательно поддерживаем контакты.

А есть ли количественный ограничитель участников на момент конкретного выступления?

— Сначала задумывается программа, в зависимости от которой определяется состав. Затем на паритетных началах мы набираем участников из обеих стран.

И сколько уже прошло таких концертов?

После выступления в Клину 5 мая

— Довольно много. Сначала в Москве два концерта, один из них в стенах Консерватории. Потом в Берлине – три. Потом было три концерта в Сибири. Летом прошлого года прошли два очень важных концерта в Петербурге в рамках фестиваля «Звезды Белых ночей». В первом из них состоялась премьера сочинения В. Тарнопольского на стихи современных немецких поэтов – это был год немецкой литературы.  Потом мы сыграли совершенно неизвестную в Германии Камерную симфонию Г. Попова. А на втором концерте мы показали то, что в Германии играется очень часто, а в России намного реже – ранних нововенцев: Адажио Веберна, Сонату Берга, «Просветленную ночь» Шенберга… Молодые музыканты из Мариинского театра сказали, что они привыкли много работать, но столько они никогда не репетировали, буквально целыми днями.

После выступления в Малом зале со студентами Московской консерватории вы в том же составе повторили его на следующий день в Клину. Там с 30 апреля по 7 мая состоялся первый Международный музыкальный фестиваль им. Чайковского, который обещает стать ежегодным музыкальным событием мирового масштаба. Участвовали выдающиеся коллективы. Ваша программа была объявлена как связанная не только с юбилеем Чайковского, но и с 70-летием Великой победы над фашизмом?

— Да, для нас – музыкантов обеих стран – было важно отдать дань этой дате и внести свою лепту в череду юбилейных мероприятий. Мы исполнили сочинения Чайковского и Мендельсона – композиторов, которые не звучали в нацистской Германии. Октет Мендельсона – это визитная карточка нашей камерной программы, мы неоднократно играли его с разными участниками. Это виртуознейшее, крайне сложное сочинение. В его исполнении участвуют 4 русских музыканта и 4 немецких. И инструменталистам интересно, и для публики яркое произведение.

А что прозвучало из Чайковского?

— У нас возникла идея показать фортепианные «Времена года» Чайковского в обработках для камерного ансамбля. К. Бодров из Москвы и В. Барыкин из Екатеринбурга сделали переложения семи пьес, которые прозвучали в Москве и в Клину. А оставшиеся пять пьес мы подготовим с немецкими композиторами и исполним летом.

То есть эта программа выступлениями в Москве и Клину не заканчивается?

— В июле, на фестивале в Баварии мы покажем уже все 12 пьес. 2 августа на фестивале «Ammerseerenade» мы планируем провести день России: своеобразный пикник-концерт на открытой сцене. А потом в Мюнхене и в Касселе этот цикл, может быть, исполним с видеорядом. Это будет уже мультимедийный вариант.

И еще: после 25 мая мы собираем в Санкт-Петербурге целый совместный оркестр, будем репетировать оркестровую программу-посвящение 70-летию Победы. Концерты под управлением маэстро Гергиева пройдут 31 мая в Петербурге в Концертном зале Мариинского театра и 8 июня в берлинском Концертхаусе.

У Вас большие ближайшие планы!

— Главное, что инициатива сотрудничества исходит «снизу», от самих музыкантов. Это очень приятно, потому что общая политическая ситуация сейчас совсем непростая. И вместо того, чтобы искать, что нас разобщает, наша Академия ищет то, что нас объединяет. Надо учиться слушать друг друга и относиться друг к другу с уважением. И в музыкальном, и в человеческом смысле.

Беседовала проф. Т. А. Курышева

В атмосфере преемственности традиций

Авторы :

№ 2 (1322), февраль 2015

Народный артист СССР, профессор Виктор Карпович Мержанов (1919–2012), будучи учителем для многих и многих музыкантов, уже стал легендой. В декабре-январе Московская консерватория провела Международный фестиваль, посвященный 95-летию со дня рождения Маэстро. Масштаб мероприятию придало не только количество концертов, широта репертуара, стилевое разнообразие музыки, но и состав артистов, высокий профессионализм которых свидетельствовал о преемственности великих традиций русской пианистической школы. Среди участников и слушателей не было никого, кто не помнил бы его личного обаяния, таланта, мастерства, преданности делу, исторических заслуг…

Фестиваль открылся концертом в Большом зале консерватории, где выступали пианисты из разных стран – Атанас Куртев, Наталья Деева, Анаит Нерсесян, Юрий Диденко, Садакацу Цчида. В последующих концертах в Рахманиновском зале играли выпускники класса В. К. Мержанова – профессора и студенты учебных заведений России, Армении, Японии, Китая, Австрии, Нидерландов, Эстонии, Украины, Белоруссии и другие музыканты (Максим Федотов, Оксана Лесничая), а также педагоги кафедры проф. В. В. Горностаевой. В череде вечеров особенно выделялись сольные выступления профессора Юрия Слесарева, доцента Михаила Лидского, лауреатов международного конкурса пианистов, проходящего в Болгарии и недавно получившего имя В. К. Мержанова, – Евгении Тарасовой, Ильи Шмуклера и Михаила Ковалева.

Необычный вечер русской и армянской музыки с участием Александра Малкуса (фортепиано) и Марлены Мош (вокал) прошел в Концертном зале им. Н. Я. Мясковского. Выступления представителей разных стран и поколений, победителей конкурса его имени разных лет из России, Китая, Тайваня, Польши, Беларуси состоялись в Мемориальном музее С. С. Прокофьева, Государственном мемориальном музее А. Н. Скрябина и Архиповском музыкальном салоне на Никитской. Интересные мероприятия, включая презентацию рояля В. Мержанова, прошли и в Тамбове. В фестивале также приняли участие прославленные коллективы: симфонический оркестр Министерства обороны РФ (дирижер – народный артист РФ, генерал-лейтенант Валерий Халилов) и камерный оркестр «Cantus firmus» (дирижер – Александр Хургин).

Второй концерт фестиваля 17 декабря объединил на сцене Рахманиновского зала учеников профессора В. К. Мержанова и известных музыкантов, для которых маэстро был близким другом и музыкальным наставником. С самого начала ведущая программы, супруга Виктора Карповича, заслуженная артистка России и Татарстана Светлана Мержанова создала в зале необыкновенно доверительную и теплую атмосферу.

Михаил Рыба достойно исполнил II и III части ре-минорного концерта И. С. Баха в сопровождении камерного оркестра «Cantus Firmus» под руководством Александра Хургина, звучание которого придало вечеру особую торжественную атмосферу. Прекрасное выступление Юрия Слесарева с Ноктюрном фа-мажор и Этюдом фа-мажор соч. 10 Ф. Шопена запомнилось блестящим пианистическим мастерством и выразительным прочтением партии левой руки в этюде Шопена. Гость фестиваля – профессор Национальной музыкальной академии им. П. Владигерова Атанас Куртев в Скерцо cis-moll Ф. Шопена продемонстрировал техническое мастерство и прекрасную звуковую культуру. В его интерпретации лирические, мягкие образы пьесы проявились ярче главного (Presto con fuoco). Еще один участник вечера – белорусский пианист Павел Нетук с блеском сыграл Кампанеллу Ф. Листа. Среди других музыкантов наиболее яркое впечатление оставило виртуозное исполнение Лезгинки Ляпунова Верой Зыряновой. Во втором отделении Анаит Нерсесян с большим успехом исполнила Поэму Арно Бабаджаняна, заслужив бурные овации своей звуковой фантазией, безупречным пианистическим мастерством и истинным артистизмом.

Программа концерта была насыщенной и отражала значительный масштаб творческой личности Виктора Карповича и его музыкальные предпочтения. Слушатели концерта вместе с исполнителями ощутили особую связь фортепианной школы Мержанова с различными направлениями: барокко, романтизмом и, конечно, русской музыкой (Чайковский, Рахманинов, Скрябин, Прокофьев).

Памятным стал и другой вечер. 21 декабря проф. Ю. С. Слесарев, полвека бок о бок проработавший с Виктором Карповичем, с большим размахом исполнил сочинения В. А. Моцарта, Ф. Шуберта и М. П. Мусоргского. На «бис» превосходно прозвучали две прелюдии Ф. Шопена.

Маэстро часто говорил своим ученикам о том, что музыка имеет много общего с риторикой и подобна выразительной литературной речи. Замечательная книга В. К. Мержанова, уже переведенная на несколько языков, так и называется «Музыка должна разговаривать». Выступления учеников профессора на концертах фестиваля свидетельствовали о том, что Учитель передал им одну из своих драгоценных заповедей. И при всей неповторимости творческой индивидуальности каждого из пианистов, многое их объединяло, ведь они принадлежат одной фортепианной школе – профессора Мержанова. Все участники, наверное, испытывали особое чувство ответственности, думая о том, как бы Виктор Карпович оценил их игру – Учителя продолжают учить, даже когда молчат.

Собкор «РМ»

С нежностью к слушателям

Авторы :

№ 1 (1321), январь 2015

Гости и участники фестиваля

С 3 по 7 декабря 2014 года в Московской консерватории прошел юбилейный фестиваль, посвященный 85-летию со дня рождения американского композитора Джорджа Крама (р. 1929).

Классик американской музыки ХХ–XXI вв. Дж. Крам более тридцати лет хорошо известен нашему слушателю. Он соединил в своем творчестве «различные тенденции национальной музыки от Чарльза Айвза до Роя Харриса наряду с европейскими стилями начала ХХ века» (К. Гэнн). В его творчестве органично переплелись чисто американское ощущение пространства и европейская рафинированность. В музыке Крама представлен широкий диапазон стилей и композиторских техник ХХ века, благодаря которым он находит новые смысловые связи между музыкой прошлого и настоящего. «Уже сами названия его пьес звучат как стихотворения. Серьезности музыкальных концептуалистов он противопоставляет свою веселую изобретательность, перепалку с классиками через цитаты и нежность к слушателям» (М. А. Сапонов).

В рамках фестиваля состоялись три концерта, где звучала музыка Крама, его учеников и коллег, а также прошли мастер-классы. Специально к фестивалю был подготовлен буклет, в котором опубликована беседа юбиляра с проф. С. Ю. Сигидой, список произведений композитора, а также очерки, посвященные самому Дж. Краму, пианисту и дирижеру Дж. Фриману и композитору Д. Ризу. С приветствием к гостям и участникам, открывая фестиваль, обратился проректор по научной работе профессор К. В. Зенкин.

Первый концерт в зале им. Н. Я. Мясковского имел подзаголовок: «Музыка профессоров Университета Пенсильвании». Он открылся «Маленькой сюитой на Рождество» Дж. Крама в исполнении Михаила Дубова, одного из постоянных пропагандистов музыки юбиляра. Далее звучала музыка его коллег.

В программе концерта были представлены два сочинения Джея Риза (р. 1950, завкафедрой композиции Пенсильванского университета). Его музыка известна в России, опера «Распутин» постоянно присутствует в репертуаре театра Геликон. Прозвучали блестяще исполненная пьеса «Призрак ласточки Красного моря» для флейты (М. Алиханова) и фортепиано (М. Хаба) и завершавший программу струнный квартет «Memory Refrains» (Н. Ведякова, К. Сухова, Ю. Аполлонская, В. Мухин).

В тот вечер впервые в России были исполнены и произведения Джеймса Примоша (р. 1956) – Две песни из вокального цикла «Святый, Крепкий…» на тексты английских и американских поэтов, а также византийского богослова VII века Иоанна Лествичника (Е. Кичигина – сопрано и Н. Черкасова – фортепиано) и Цикл прелюдий для фортепиано «Хитроумное изобретение, Абсолютный дар» (Н. Черкасова). Прозвучала также пьеса Эндрю Рудина (р. 1939) «Торжество» для двух фортепиано (М. Хаба, Н. Черкасова) и ударных (А. Никитин), написанная специально к 80-летнему юбилею Джорджа Крама и 70-летию Джеймса Фримана.

На втором концерте фестиваля в Мемориальном музее им. А. Н. Скрябина звучала музыка «кумиров» Крама: «Песни Билитис» К. Дебюсси в переложении для флейты и фортепиано, «Контрасты» Б. Бартока для скрипки, кларнета и фортепиано, пьесы А. Скрябина «Гирлянды» и «Темное пламя», его же Этюд ор. 8 № 11 в транскрипции Дж. Риза, а также две пьесы самого Крама – «Голос кита» для трех исполнителей в масках и «Одиннадцать эхо осени». Эту программу задумали и исполнили большие энтузиасты музыки юбиляра: М. Дубов (фортепиано), О. Танцов (кларнет), Е. Субботин (скрипка), И. Рубинштейн (виолончель), И. Бушуев (флейта).

Кульминацией фестиваля стал заключительный концерт в Рахманиновском зале. В нем приняли участие американские гости: певица Барбара Энн Мартин, пианист и дирижер Джеймс Фриман, а также солисты ансамбля «Студия Новой музыки» С. Малышев (скрипка), О. Галочкина (виолончель), А. Винницкий (ударные), М. Алиханова (флейта), А. Потапов (банджо).

Впервые в России были исполнены Три ранние песни Дж. Крама, написанные им в год окончания Высшей школы (1947), и песня «Молчаливая ночь под звездным небом» из цикла Элегических песен и вокализов на стихи поэмы Уитмена «Когда сирень цвела…» (памяти Авраама Линкольна). Камерные пьесы «Последовательность сновидений» для скрипки, виолончели, ударных, фортепиано и стеклянной гармоники и «Ночь четырех лун» для сопрано, виолончели, флейты, банджо и ударных продемонстрировали инструментальный театр Крама. Эти музыкальные театральные действа вызвали особый интерес у публики, причем все пьесы комментировал управлявший ансамблем Джеймс Фриман.

В концерте был показан фрагмент американского видеофильма с участием Дж. Крама и исполнением некоторых пьес композитора, снятый во время его прошлой поездки в Москву и Санкт-Петербург. Было очень интересно и важно услышать рассуждения о композиторской технике из уст самого автора.

Мастер-класс для студентов композиторского, вокального и дирижерско-хорового факультетов также был сосредоточен на особенностях исполнения вокальной и инструментальной музыки Крама. На втором мастер-классе у профессора вокального факультета Е. М. Околышевой молодые певцы сначала познакомились с вокальной музыкой Крама, которую показала Барбара Энн Мартин, а затем сами исполнили ряд арий и сцен из русских опер, завершив встречу «диалогом культур».

Через несколько дней после окончания фестиваля Джордж Крам прислал письмо с огромной благодарностью музыкантам, исполнявшим его музыку, и всем организаторам, способствовавшим проведению столь сложного мероприятия. Фестиваль, посвященный американскому композитору, стал замечательным подарком юбиляру и московским слушателям.

Анжелика Козедуб,
студентка ИТФ

Песней к сердцу − сердцем к Родине

Авторы :

№ 1 (1321), январь 2015

Щедрая на осенние хоровые события московская афиша в начале зимней декады вновь преподнесла подарок любителям хорового пения: 12 декабря в Рахманиновском зале открылся II Всероссийский фестиваль современного хорового, театрального и изобразительного искусства с символичным названием «Гармония и мир».

Хор Московской консерватории

В этом году участниками проекта стали коллективы из разных городов страны: Хор Московской консерватории п/у С. Калинина и Симфонический оркестр Московской консерватории п/у В. Валеева, Нижегородский театр оперы и балета имени А. С. Пушкина, хор Нижегородской консерватории п/у Б. Маркуса, женский хор Нижегородской консерватории п/у Н. Покровского, Камерный хор «Нижний Новгород» п/у Б. Мокеева, молодежный хор «Возрождение» п/у С. Смирнова и Симфонический оркестр Нижегородской консерватории п/у Р. Жиганшина, санкт-петербургский Камерный театр Малыщицкого, суздальская Мужская капелла «Благовест» п/у Л. Панкратова, Костромской симфонический оркестр п/у П. Герштейна.

«Разрушать − легко, созидать − трудно» − этой актуальной во все времена сентенцией президент фестиваля С. С. Калинин предварил его открытие, подчеркнув значимость данного представительного форума, одухотворенного идеей консолидации творческих сил, сплочения российского общества на базе отечественного культурного наследия. Благородную задачу приобщения широкой российской публики к лучшим образцам национального искусства отчасти реализовал уже первый концерт, представивший плеяду отечественных композиторов от С. Прокофьева до В. Ходоша, а также богатейший спектр национальной поэзии: классику (Н. Некрасов, А. Пушкин), «Серебряный век» (И. Северянин), современность (Н. Туроверов, Д. Самойлов, Б. Окуджава, М. Сухорукова).

В первом отделении концерта выступали гости: Камерный хор «Нижний Новгород» и мужская капелла «Благовест», руководитель которой Л. Панкратов предстал в двух ипостасях − как дирижер и автор исполняемой музыки. Прозвучали две его небольшие хоровые композиции, а также цикл «INOE» (заклинания), написанный для солистов, хора и чтеца.

Камерную тембрику сменила масштабная звукопись второго отделения, целиком отданного сводному Хору студентов Московской консерватории. И здесь слушателей ждал сюрприз: в качестве дирижеров выступили выпускники факультета, будущие хормейстеры и педагоги. Общей концепции фестиваля оказалось созвучно стилевое и жанровое многоцветье программы, открывшейся строгим песнопением Г. Свиридова «Се жених грядет во полуночи» (дирижер А. Замалиева) и завершенной просветленным гимном Ю. Фалика «Благословим Любовь» (дирижер Е. Алферова). Особенно запомнился «славянский блок», продемонстрировавший богатую палитру нетрадиционных приемов хорового письма и высокий уровень мастерства исполнителей: белорусский «Госцiк» (А. Саврыцкий / В. Шиманская, дирижер Т. Шульга), украинская «Дримба» (В. Зубицкий, дирижер Б. Буряченко) и русский «Сидор Поликарпович» (из трех песен в обработке В. Салманова, дирижер А. Зеленеев). Как всегда, сильное впечатление осталось от исполнения таких «суггестивных» хоровых сочинений, как фрагмент хоровой литургии Р. Щедрина «Запечатленный ангел» (дирижер А. Зайпольд) и пьеса В. Кикты «Как за церковью…» (дирижер Р. Остриков). Хоровая «классика» была представлена двумя свиридовскими хорами на стихи А. Пушкина (дирижер А. Коршунова) и «Катериной» С. Прокофьева в переложении для хора А. Андрусенко (дирижер Н. Семенюк).

По принципу «замыкающей перемены» и в качестве прощального опуса «на бис» под управлением С. Калинина прозвучал энергичный американский госпел, ключевая фраза которого − «Ain’t Got Time to Die» («Нет времени умирать») − стала своеобразным напутствием и слушателям, и участникам концерта. Исполнитель сольной партии студент первого курса М. Нор вызвал бурю оваций и стал объектом восторженного послеконцертного обсуждения.

Радостно сознавать, что в наше непростое, скупое на позитивные перемены время, искусство сохраняет приверженность традициям, поддерживающим идею духовного единения, а хоровые концерты, как и ранее, нацелены на пробуждение в человеке всего лучшего и прежде всего − естественного стремления разумного существа к Гармонии и Миру.

Профессор М. С. Высоцкая

Осенняя премьера

Авторы :

№ 9 (1320), декабрь 2014

Международному «Осеннему хоровому фестивалю» Московской консерватории, носящему имя профессора Б. Г. Тевлина, исполнилось десять лет.

С 29 сентября по 28 октября в Большом зале хоровая музыка звучала в исполнении лучших коллективов, представивших современную палитру хорового искусства. Зарубежными гостями фестиваля стали Государственный камерный хор Республики Беларусь под управлением Натальи Михайловой, студенческий хор Белорусской академии музыки под руководством Инессы Бодяко и «Алльмэнна Сонген» – старейший университетский хор Швеции, которым руководит наша соотечественница Мария Гундорина. В числе российских – ведушие профессиональные коллективы: «Мастера хорового пения» под руководством Льва Конторовича, Камерный хор Московской консерватории под управлением Александра Соловьева (руководителя всего фестиваля), Московский областной хор им. А. Д. Кожевникова (художественный руководитель Николай Азаров), Капелла им. А. А. Юрлова (художественный руководитель Геннадий Дмитряк); а также детские и молодежные: Хор мальчиков Хорового училища им. А. В. Свешникова, студенческие хоры Колледжа и Академии им. Гнесиных.

По традиции, заложенной Б. Г. Тевлиным, в разнообразной программе фестиваля, где представлена и хоровая классика (Чайковский, Танеев), и русская духовная музыка (от Чеснокова до митриполита Илариона), акцент неизменно ставится на сочинениях современных авторов. Тем более что международный формат фестиваля позволяет максимально расшить рамки репертуара. На этот раз московская публика имела редкую возможность услышать сочинения скандинавских и белорусских композиторов, а также признанных мастеров отечественной композиторской школы (Щедрин, Голованов, Фалик, Подгайц).

Открытие «Х Осеннего хорового фестиваля» одновременно стало и его кульминацией. К 80-летию со дня рождения Альфреда Шнитке и в память об основателе фестиваля Камерный хор Московской консерватории во главе со своим нынешним художественным руководителем Александром Соловьевым выбрали наиболее знаковое сочинение – кантату «История Доктора Иоганна Фауста». Еще совсем недавно, пять лет назад в 2009 году, коллектив готовил ее под руководством Бориса Тевлина для Владимира Юровского и Лондонского филармонического оркестра, а затем исполнил и с РНО в Москве.
Однако на этот раз Камерный хор представил не совсем обычный вариант этого произведения.

Композитору Кузьме Бодрову была заказана транскрипция для солистов, хора и камерного оркестрового состава, в которой он постарался сохранить мощь и силу симфонического звучания. Кроме того к элементам театрализации в самой партитуре Шнитке (танго Мефистофеля в кульминации) добавился экспрессивный видеоряд. Его специально создал исполнитель партии Мефистофеля-соблазнителя контратенор Олег Безинских. Затемненный зал, большой экран с русскими субтитрами (хор исполнял кантату на языке оригинала), кадры, не иллюстрирующие историю, но усиливающие воздействие музыкальных образов, дьявольски притягательный облик Мефистофеля-карателя в прочтении харизматичной Этери Бериашвили (контральто) – приблизили исполнение к театральному.

С инструментальной версией блестяще справился консерваторский ансамбль солистов «Студия новой музыки» (дирижировал Александр Соловьев), а в мужских партиях великолепно выступили солисты театра «Новая опера» Алексей Татаринцев (тенор) и Владимир Байков (бас). Автор транскрипции тоже не остался в стороне, заняв место среди исполнителей расширенной группы ударных. Публика с большим энтузиазмом приняла новое прочтение яркого сочинения.

Собкор «РМ»

Послушать друг друга

№ 8 (1319), ноябрь 2014

Десятого ноября на сцене Большого зала состоялось закрытие Первого Международного хорового конгресса – события масштабного и значимого как для самих хористов, так и для слушателей. По словам его инициатора и вдохновителя, заведующего кафедрой хорового дирижирования профессора С. С. Калинина, идея конгресса – объединение и возможность творческого общения любительских и учебных хоров из разных уголков России. И не только России.

Почему возникла такая идея? Быть может, потому, что важно дать возможность музыкантам, поющим в непрофессиональных хорах, послушать друг друга, научиться чему-то новому на мастер-классах. А, возможно, для того, чтобы публика смогла услышать известную и малознакомую музыку в исполнении людей, любящих пение и поющих не в силу профессиональной обязанности, а по зову сердца.

Трудно представить себе физика-ядерщика, будь то доцент или студент, который придет на репетицию после насыщенного дня, не чувствуя в этом душевной потребности. Хотя и среди профессионалов есть счастливчики, у которых долг и желание не создают диссонанса. Кстати, во многих оперных театрах мира хоры не профессиональные, а любительские. А ведь как звучат! Есть такой опыт и в Новосибирском оперном театре: в «Аиде», «Борисе Годунове» и некоторых других спектаклях когда-то почти половину хора составляли студенты, поющие в любительском коллективе…

Концерт, как и весь конгресс, был просветительским событием для публики: ее вниманию предлагалась широкая палитра хоровых стилей. Вечер открыл Академический мужской хор МИФИ. Пели Чайковского. Слушателю могла показаться несколько необычной хоровая интерпретация такого камерного, интимного по настроению романса как «Нет, только тот, кто знал». Но голоса звучали ровно, бархатно, тепло, не было ни лишнего форте, ни нарочитого пиано. Хор смог выполнить очень сложную задачу – искусно переплетенным многоголосием передать ощущение переживаний человека, его любовь, его печаль, его одиночество и тоску в разлуке. Басам – отдельное «браво», а руководителю хора Надежде Малявиной – низкий поклон за такую радость и труд.

Студенческий хор из Могилева (филиал Белорусской государственной академии музыки) сумел создать настоящую «звуковую картину» – было слышно пение птиц, шелест деревьев, голоса людей… Академический хор «Подлипки» удивил внешним перевоплощением: сброшенные с плеч русские разноцветные шали, в которых исполнялась песня «Перевоз Дуня держала» (маленький яркий спектакль из народной жизни), мгновенно преобразили наряды певцов в костюмы для спиричуэлов. Правда, хотелось бы не только внешнего, но и вокального разнообразия в исполнении столь диаметрально противоположных произведений.

Академический хор МГУ, накануне представивший слушателям Большого зала вместе с симфоническим оркестром Приморского театра оперы и балета две масштабных вокально-симфонических фрески классиков русской музыки – поэму «Казнь Степана Разина» Д. Шостаковича и «Половецкие пляски» из оперы А. Бородина «Князь Игорь», в этот раз выступал a capella. Под управлением художественного руководителя коллектива дирижера Мирзы Аскерова прозвучали «Последний плач гармошки» из кантаты «Сокровенные разговоры» Н. Сидельникова и эффектная «Рамочка» латышского музыканта Р. Кауперса в обработке для хора Э. Эшенвальдса (солировала А. Челпанова). Университетский хор, в котором поют студенты, аспиранты, педагоги и выпускники почти всех факультетов прославленного вуза, отличала высокая вокальная культура, достойная великой сцены БЗК и собственной более чем двухсотлетней истории.

Завершавший отделение хор Московской консерватории во главе с проф. С. С. Калининым порадовал классическим звучанием и, конечно, самим музыкальным материалом. В хоровой сюите из песен разных лет Андрея Эшпая звучали ностальгические нотки далекого, но еще родного и знакомого многим времени. Эти напевы знали, их напевали, и хорошо, что сейчас они входят в репертуар хора молодых музыкантов. Пройдут годы и, возможно, те, кому сейчас двадцать лет, будут учить этим песням своих детей и внуков. И музыкальная нить поколений не прервется.

После антракта на сцену вышел сводный хор участников конгресса и музыканты оркестра Приморского театра оперы и балета, за два дня до этого прилетевшие из Владивостока. Перед началом кантаты Прокофьева «Александр Невский» главный дирижер оркестра Антон Лубченко сделал потрясшее зал заявление: более тридцати его оркестрантов не смогут принять участие в концерте из-за сильнейшего пищевого отравления, но, к счастью, нашлись московские музыканты, которые пришли на выручку. В итоге исполнение состоялось не только сводным хором, но, по сути, и сводным оркестром. Вопреки уже появившимся на тот момент анонсам в Интернете о возможной отмене концерта он состоялся.

Кантата прозвучала блистательно, причем после всего лишь одной тридцатиминутной общей репетиции! Сводный хор, стоявший не только на сцене, но и на балконах, пел величаво-прекрасно. Казалось, звук шел отовсюду, проникая прямо в душу. Захотелось почувствовать себя частью этой совершенной живой музыкальной «махины», и это желание, наверняка, посетило многих зрителей…

В хоровом искусстве кроется невероятная возможность объединения людей через совместно исполняемую музыку во имя радости и любви, ради мира и благоденствия. Если бы юношей со всего света собирали не в войска, а в хоры, как прекрасно зазвучала бы Вселенная!

Ирина Егорова-Свечникова, 
слушательница ФПК МГК по музыкальной журналистике

Мастер-класс: песнь ликования

№ 8 (1319), ноябрь 2014

Не секрет, что в последнее время в России происходит активное возрождение хорового дела. Страна поет – от мала до велика, от Красной площади до Красной поляны, от Дня славянской письменности и культуры до Олимпиады. И старейший в России институт хорового дела – кафедра хорового дирижирования Московской консерватории гордо несет знамя флагмана. С 13 сентября по 10 ноября в стенах нашей Alma mater прошел Первый международный хоровой конгресс. Его география – обширна, его участники – заслуженные хоровые мастера и творческая молодежь.

Масштаб события впечатляет: в рамках конгресса состоялось шесть концертов, а закрытие соединило всех участников в составе сводного хора на сцене Большого зала – прозвучали «Александр Невский» Прокофьева и Финал «Патетической оратории» Свиридова. Одним из открытий для московской публики стало центральное событие конгресса: мастер-класс и заключительный концерт «Антология американской хоровой музыки». По приглашению заведующего кафедрой хорового дирижирования профессора Станислава Калинина в Москву прилетел известный американский хоровой дирижер и композитор Майкл Шасбергер, который делится с нами своими впечатлениями:

Майкл, расскажите, пожалуйста, о Вашей работе с хором Московской консерватории. Насколько сильно проявляется иной менталитет, ощущаете ли Вы это при работе с коллективами абсолютно разных культур?

— Ваш коллектив – это первый русский хор, с которым я общаюсь продолжительное время. Раньше я встречался с другими хорами из России, но такое близкое общение с русским коллективом у меня впервые. И я не думаю, что характер хора, принцип работы с ним сильно зависит от национальности, это, скорее, проявление некоторых межкультурных понятий: профессионализм, дисциплина, выучка, умение сконцентрироваться. Это либо есть, либо нет. Ваш хор был готов петь, с первого мгновения. И для меня было большим удовольствием работать, оттачивать стилистические и музыкальные тонкости, достигать желаемого результата.

Но если все-таки говорить о разнице – в Америке сложнее работать в дисциплинарном плане. Певцов необходимо развлечь, завладеть их вниманием, а иногда отвлечься вместе с ними. Вы гораздо более дисциплинированы. Или, к примеру, мои студенты – большие скептики! Они задают каверзные вопросы, особенно о той музыке, которая как-то их зацепила, а bногда выступают ярыми адвокатами того или иного сочинения.

Как Вы подошли к выбору программы мастер-класса?

— Я предоставил профессору Станиславу Калинину много пьес, и он сказал: «Я думаю, нужно это, это и вот это». И потом мы уже прорабатывали вопрос репетуара совместно. Я написал многим своим коллегам-композиторам, друзьям, рассказал об идее поделиться с Московской консерваторией неизвестной в России американской хоровой музыкой, и они откликнулись.

Одно из особенно дорогих мне произведений в этой программе – A Jubilant Song («Песнь Ликования») для смешанного хора и фортепиано Нормана Делло Джойо. Эта музыка была написана вскоре после окончательной победы над фашизмом. Но сейчас она, к сожалению, редко звучит в Америке.

Если подвести некий итог совместной работы, что Вам хотелось бы выделить в первую очередь?

— Мы, конечно, очень разные в физическом восприятии пения. Вы вкладываете в звучание такую силу, любовь и энергетику, что это стесняет свободу движения тела. Это огромное достоинство – такая мощь и точность хорового звука, даже когда при этом недостаточно грациозности, подвижности и свободы в певческом ощущении. Но сравнивать невозможно – это как вождение разных типов автомобилей. Все равно, что водить спортивную машину, а потом сесть в комфортабельный салон люкс-класса. Русский хор – это как… лимузин! А американский – спорткар. И мне очень интересно пытаться совместить эти музыкальные миры. Нам есть чему у вас поучиться в красоте, плавности и глубине звука, и в свою очередь, мы были бы рады поделиться с вами энергией и эмоциональностью.

Майкл Шасбергер провел с хором Московской консерватории четыре насыщенных репетиционных дня, завершившихся ярким концертом в Большом зале. Что-то удалось в полной мере, что-то в меньшей степени, но от недели, проведенной с профессором Шасбергером осталось необыкновенно полетное чувство абсолютной радости. Человек, который всегда улыбается, он мягко исправлял ошибки хора и добивался своего, не скрывал восторга от особенно успешных исполнений в процессе работы.

Неделя мастер-класса стала яркой кульминацией Первого международного хорового конгресса, как нельзя лучше воплотив его суть, радостную и объединяющую весь мир. Об этом звучали прекрасные слова из партитуры Нормана Делло Джойо (перевод Софьи Аверченковой): «Слушайте песнь ликования! Радость духа нашего не знает границ. Мы воспеваем радость юности».

Ольга Ординарцева

Этот многополярный музыкальный мир

Авторы :

№ 8 (1319), ноябрь 2014

Ансамбль Академии шашмакома Таджикистана

Феерическим концертом корейской музыки самульнори завершился 26 октября 2014 года грандиозный по своей культурной и общественной значимости международный симпозиум «Музыкальная карта мира», организованный научно-творческим центром «Музыкальные культуры мира» Московской консерватории. Неукротимые барабанщики ансамбля «Мэк» корейской школы Вон Гван настолько «зажгли» слушателей, переполнивших зал Центральной детской библиотеки, что многие из них, юных и не очень, по первому зову музыкантов ринулись на сцену, чтобы самим стать непосредственными участниками этого жизнеутверждающего звукового буйства. А двумя днями раньше руководитель школы, мастер Хан Санг Дон досконально разъяснял в своем докладе, уже в научной части симпозиума, суть и технические каноны музыки

Ансамбль музыки тасаввуф Министерства культуры и туризма Турецкой Республики

самульнори, и выступление его заняло целый час, поскольку вопросов у слушателей было много, а ответы порождали новые вопросы.

За три часа до концерта ансамбля «Мэк», в том же зале детской библиотеки с неменьшим успехом выступал Фольклорный ансамбль Московской консерватории, и люди, присутствовавшие до этого на докладах руководителя ансамбля, профессора Н. Н. Гиляровой и ее недавней аспирантки Марины Альтшулер, могли на живом примере сопоставить полученную информацию с бесценными образцами песен и обычаев, бережно записанных в экспедициях и с любовью воспроизводимых ансамблем. Подобный принцип соотнесения темы научного доклада и живой демонстрации, сопряженной с данным исследованием традиции, сопровождал всю работу симпозиума и, кажется, этот метод оказался результативным, поскольку в адрес организаторов поступило множество благодарных откликов от слушателей докладов и концертов.

Доклад Халмурзы Курбанова. Таджикистан

Международный симпозиум «Музыкальная карта мира» проводился впервые, но в основе его концепции лежит 30-летний исследовательский опыт научно-учебного направления «Музыкальные культуры мира», развиваемого в Московской консерватории на основе методологии Дж. К. Михайлова (1948–1995). Концепция симпозиума опиралась на представление о многополярность звукового мира планеты, пронизанного сегодня и во все времена интенсивными процессами информационного обмена. О маршрутах распространения музыкальных традиций по территории земного шара, о циркуляции звуковых идей между цивилизациями, о древних традициях, продолжающих свою жизнь в сегодняшних культурах, рассказывали участники форума из разных стран.

Закончился концерт Хосейн Нуршарга и группы Фераг, Иран

Показательным было, например, выступление австралийской исследовательницы Алисон Токиты, руководителя Научного центра традиционной японской музыки при Университете искусств в Киото, попытавшейся представить музыкальную культуру Японии в системе взаимосвязей традиций на территории всей Восточной Азии. Японский ученый Гэнъити Цугэ, создавший ряд антологий и энциклопедических работ по японским, арабским, иранским и другим музыкальным традициям, обратился к теме влияния монгольских музыкальных явлений на культуры Западной Азии.

Особое место в программе симпозиума заняли системно-аналитические исследования ведущих принципов модального мышления в регионах Ближнего и Среднего Востока и Южной Азии (рагимугама, макома и др.). Важно, что именно эта часть теоретических рассуждений была убедительнейшим образом подкреплена концертами, демонстрирующими живые традиции. Так, в исполнении бакинского ансамбля «Гадим Шарг» («Древний Восток»), руководимого Махмудом Салахом, уникальным

Китайский гуцинь, играет Сергей Нарышкин

исполнителем на гавале, прозвучали образцы азербайджанского мугама. Мастер индийского классического вокала и игры на табла Гульфам Сабри вместе с известным исполнителем на сароде Акашем Сергеем Анцуповым и Лилой Людмилой Журковой (тампура) из Латвии выразительно продемонстрировали неумирающее искусство раги. Ансамбль Академии шашмакома Таджикистана под руководством Абдували Абдурашидова, виртуоза-исполнителя на струнно-смычковом инструменте сато, привезли масштабную программу уже полузабытого в Москве таджикского макома. И было чрезвычайно интересно сопоставлять слуховые впечатления от звукового строя этой музыки с соседней, родственной, но в то же время абсолютно другой фергано-ташкентской традицией макома, которой щедро поделились с нами мастер Ульмас Расулов (гиджак) и Кахрамон Тураев (дойра).

Иранская культура была представлена на симпозиуме двумя мощными явлениями, входящими в мировое культурное наследие: иранским классическим авазом, блистательно прозвучавшим в Рахманиновском зале в исполнении Хосейна Нуршарга в сопровождении группы «Фераг», и поистине уникальной традицией та’зийе – одного из древнейших на земле мистериально-театральных действ. Этот спектакль (меджлес шаби-хани
«Хорр») в исполнении известной группы из города Казвина был показан в театре «Сфера» с подробным предварительным и последующим разъяснением специально приехавшего для этого на симпозиум иранского исследователя Ардешира Салехпура, признанного лучшим специалистом в области изучения иранского традиционного театра. Особую атмосферу на симпозиуме создала серия докладов и концертов, посвященных мировой традиции суфизма. В этом русле прошли события, связанные с празднованием под эгидой ЮНЕСКО

Концерт фольклорного ансамбля МГК

столетнего юбилея Зиедулло Шахиди, удивительной личности, основателя таджикской композиторской школы, но при этом страстного защитника (это в советское-то время!) идей и традиций суфизма. О судьбе и творчестве композитора, а также о путях таджикской музыки поведала дочь композитора, востоковед и культуролог Мунира Шахиди. Наряду с уже упомянутым концертом таджикской музыки, приуроченным к данному юбилею, в концертную программу форума был включен концерт канадского квартета саксофонов «Квазар», представившего аранжировки произведений Зиедулло Шахиди, сделанные внучкой композитора Фарангис Нуруллой-Хаджой, а также музыку самой Фарангис и некоторых канадских композиторов, обращающихся в своем творчестве к звуковому материалу разных народов мира. Тему непреходящего значения культуры суфизма для огромного региона Ближнего и Среднего Востока выдвинули на обсуждение исследователи из Турции Ондер Озкоч и Бурак Тюзюн в своих докладах о звуковой символике и о феномене музыканта в мевлевийской традиции. В связи с этой сферой научных интересов впервые в стенах Московской консерватории прозвучала подлинная музыка священного мевлевийского ритуала «Аджембуселик Айин-и Шерифи» в исполнении музыкантов высочайшего уровня, приехавших в Москву из мирового центра суфизма – турецкого города Коньи.

Концерт фольклорного ансамбля МГК

В числе участников симпозиума в качестве признанных исследователей в своей области были приглашены и люди, чье научное становление связано с Московской консерваторией. Это Кэтти Вонг (Эквадор) с ее оригинальным исследованием механизмов китайского влияния на латиноамериканскую сальсу. Это Елена Гороховик (Беларусь), выступившая с концептуальным докладом о современных процессах, видоизменяющих «музыкальную карту мира». Это Татьяна Карташова (Россия, Саратовская консерватория), поднявшая тему современности на материале сегодняшней культуры Индии. Это недавняя аспирантка консерватории Чэнь Чжэнтин (Тайвань), исследующая философско-символические параллели между китайской и европейской культурами. Это

Сцена из иранской мистерии тазийе

Анастасия Новоселова (Россия, Московская консерватория), являющаяся на сегодняшний день единственным специалистом в России в области изучения древней традиции гуциня в Китае.

Симпозиум «Музыкальная карта мира» проявил реальный, можно сказать жгучий интерес современного музыкознания к проблеме жизни древних традиций в современном мире. А не менее горячий интерес публики к сопровождавшим его концертам стал свидетельством неугасающей потребности человеческих сердец прикоснуться к глубоким, истинным корням музыкальных культур мира.

Доцент М. И. Каратыгина,
руководитель научно-творческого центра «Музыкальные культуры мира»
Фото Яхья Джебели

Отклики участников симпозиума

Елена Гороховик (Беларусь):

Современного музыканта, активно функционирующего в мире своей профессии, трудно чем-либо удивить. Мы оказались в ситуации, когда сняты все барьеры, которые ещё недавно ограничивали нас в постижении музыки различных эпох и народов. Доступно абсолютно всё, стоит только нажать кнопку компьютера, пойти в концертный зал или зайти в ближайший музыкальный магазин. И всё же, это иллюзия. Иллюзия вседозволенности, которая размывает истинные смыслы того сакрального пространства, имя которому — Звук. И вот наступает час, и мы встречаемся с явлениями, постижение которых делает нас глубже, мудрее, человечнее. В этом смысле для меня уникальными событиями не только профессиональной, но и общечеловеческой значимости становятся мероприятия, проводимые научно-творческим центром «Музыкальные культуры мира». Нынешний международный симпозиум «Музыкальная карта мира», с его ошеломляющей своим разнообразием и глубиной программой, не просто впечатлил. Он вселил во всех нас, кто был причастен к работе этого уникального мероприятия, оптимизм и веру в то, что истинные ценности человеческого духа, не лежащие на поверхности, не поддаются тлену и по-прежнему хранят в себе мощный заряд созидательной энергии.

Акаш Сергей Анцупов, Лила Людмила Журкова (Латвия):

Международный симпозиум «Музыкальная карта мира», прошедший в Москве 18–26 октября, в котором мы приняли участие, оставил глубокое впечатление и запомнится нам, как самое яркое событие 2014 года. Хочется сразу отметить, что симпозиум «Музыкальная карта мира» стал логичным продолжением уже существующих проектов Центра «Музыкальные культуры мира» Московской консерватории, таких как Международный научно-практический семинар «Многоликий Chronos Musicus», Международный круглый стол «Звуковые архетипы индоевропейской культурной общности», ежегодные Международные музыкальные фестивали «Вселенная звука», «Душа Японии», “Собираем друзей” и множество других не менее интересных проектов. 

Деятельность Центра «Музыкальные культуры мира», на наш взгляд, сродни Александрийской библиотеке. Собирать уникальные образцы музыкальных традиций мира, бережно сохранять опыт старых мастеров, помогать, развивать, обучать, делиться — это бесценный вклад в сохранение и популяризацию музыкальной культуры мира. Нет необходимости говорить об огромной образовательной работе, которую Центр «Музыкальные культуры мира» беспрерывно проводит, открывая новые имена талантливых молодых исполнителей и маститых, но малоизвестных музыкантов, достигших вершин мастерства.

Благодаря уникальной научной методологии изучения музыкальных культур мира, созданной Дж. К. Михайловым, его ученикам и последователям, сегодня Московская консерватория несомненно заняла лидерские позиции и в этом аспекте изучения музыки в мире. Достаточно вспомнить несколько выступлений участников «Музыкальной карты мира», чтобы осознать верность сказанного.

Самым поразительным открытием симпозиума, на наш взгляд, была древняя мистерия «Та’зийе», в которой музыка, реальность, прошлое и настоящее, смерть и будущее всё слилось и перенесло нас в мир, где добро всегда побеждает зло. Китайский гуцинь, иранский аваз, мугамы, скрипки, кеманчи, табла, раги…. — всё соединилось, переплелось и очень наглядно продемонстрировало, как бесценен каждый звук, каждый народ, каждая традиция, потому что всё это вместе бесконечная любовь и гимн Творцу.

Чэнь Чжэнтин (Тайвань):

В этом симпозиуме меня поразила идея, что звуки сами говорят за себя. Того, что изложено письменно или устно, не хватает, чтобы объяснить музыку, без показа реальной звуко-музыкальной традиции. Несколько концертов подряд, представляющих музыку стран — бывших членов Советского Союза, казавшуюся уже устравшей темой, наглядно продемонстрировали нам действительные следы перемещения и развития системы макама в Средней Азии. Причём, это единство является не только следствием политических процессов в последние столетия, но проявляет жизнь культуры как живого организма с древности до сих пор.

Благодаря концертам и докладам мы получили возможность узнать ближе различные музыкальные традиции: корейские, китайские, японские и другие, — их современное развитие и историю, происхождение инструментов, разные правила организации музыкальных элементов. Таким образом, действительно была проявлена «музыкальная карта мира» с тонкими, деликатными и условными контурами между разными музыкальными традициями. Я благодарю Московскую консерваторию и организаторов этого симпозиума за возможность участия в столь знаменательном собрании, которое продемонстрировало тонкий вкус и мудрость в понимании чужих культур.

Ондер Озкоч (Турция):

В целом я считаю, что такое мероприятие, как симпозиум «Музыкальная карта мира», на котором собралось множество исследователей и музыковедов из разных стран, позволяет взглянуть на вещи по-новому, осознать тот факт, что межкультурное взаимодействие гораздо важнее той разобщенности, которая господствовала в прошлом. Ведь если мы посмотрим на то, как музыка воспринимается во всем мире, то поймем, что каждый обладает своей собственной перспективой в отношении к ней.

Я желаю, чтобы данный симпозиум и в будущем не утратил своей актуальности, и чтобы та новая перспектива, которую он открыл перед своими участниками, позволила бы и впредь постигать глубокие корни музыкальной концепции. Я хотел бы также выразить свою искреннюю благодарность организаторам за оказанный нам теплый прием.

Халмурза Курбанов (Узбекистан):

Огромное спасибо за приглашение принять участие в таком солидном культурном форуме, как симпозиум «Музыкальная карта мира». Организация симпозиума, без лести, была на высшем уровне — об этом мне сказали и наши музыканты. Места проведения конференции и концертов часто менялись. Не знаю, с чем это было связано, но для меня это обернулось выгодной стороной, так как дало возможность посмотреть разные залы и аудитории, корпуса консерватории. Это было своего рода экскурсией, а сдругой стороны, позволило мне ощутить саму консерваторию полнее.

Если быть откровенным, мы перед поездкой несколько сомневались по поводу восприятия узбекской традиционной музыки вашей аудиторией. На это есть основания, потому что узбекские макомы не всегда легкопринимаются современным слушателем даже у себя в Узбекистане (особенно молодежью), не говоря о близких соседях — Казахстане, Киргизии, Туркменистане. Но поразила осведомленность и жажда московского слушателя по макомной музыке таджиков, узбеков, да и вообще, традиционной музыки народов Востока.

После концерта к нашим музыкантам подходили люди из зала, большинство не музыканты, а представители разных других профессий, задавали вопросы, завязались беседы с последующим фотографированием на память. И слушатели проявили не только обычный интерес, но и определённые знания о нашей культуре. Вот это больше всего поразило. По словам наших музыкантов, такой живой интерес московских слушателей придал им чувство удовлетворенности своей работой. Адекватная реакция со стороны публики дала нам почувствовать взаимную пользу от этих концертов и докладов.

Конечно, каждый судит по себе, но думаю после данного симпозиума каждый из музыкантов и докладчиков уезжал домой с большой надеждой ещё раз вернуться в Москву для участия в таких симпозиумах в стенах Московской консерватории.

Земной поклон всем организаторам симпозиума за их работу. Мы все чувствовали себя уютно, комфортно на протяжении всего мероприятия.

Кэтти Вонг (Эквадор):

Я хотела бы поздравить Московскую консерваторию с организацией симпозиума «Музыкальная карта мира», который дал участникам возможность познакомиться с разными музыкальными традициями мира через доклады и выступления выдающихся ученых, музыкантов и ансамблей. Будучи представителем Латинской Америки, занимающимся этномузыкологией в Соединенных Штатах Америки, я особенно высоко оценила возможность приобщиться к таким малоизвестным в Америке музыкальным культурам, как, например, музыка Азербайджана, Узбекистана и Таджикистана. Я считаю, что организаторам симпозиума удалось с успехом обеспечить обмен опытом и знаниями между представителями разных музыкальных культур. Например, обсуждения иранской музыкальной мистерии Та’зийе и турецкой традиции Мевлеви, проходившие в первой половине дня, сопровождались живыми выступлениями музыкантов вечером. Будучи сама выпускницей Консерватории я была рада, вернувшись в свою альма-матер, узнать, что Московская Консерватория проводит подобные международные симпозиумы, которые важны для стимулирования культурной осведомлённости и взаимопонимания между людьми разных регионов, религий и культурных наследий. Всех сотрудников центра «Музыкальные культуры мира» благодарю как за замечательную организацию мероприятия, так и за их доброе гостеприимное отношение к участникам симпозиума.

Праздник в Смоленске

№ 7 (1318), октябрь 2014

Летом в Смоленске прошел 57-й Международный музыкальный фестиваль имени М. И. Глинки, посвященный 210-летию со дня рождения композитора. Его главная цель – развитие традиций великого классика русской музыки, сохранение национального достояния.

История фестиваля, как рассказала Н. В. Деверилина, одна из организаторов, восходит к 1957 году, к гастролям И. С. Козловского, когда знаменитый певец написал открытое письмо в местную газету, призвав ежегодно праздновать день рождения Глинки. Идея понравилась, и сначала на Смоленщине стали устраиваться декады, потом всероссийские музыкальные фестивали. С тех пор день рождения композитора отмечается на его малой Родине большими музыкальными праздниками. Это – ежегодное значительное событие для музыкантов и любителей классической музыки, повод для паломничества на Родину великого русского композитора.

Каждый из фестивалей – фейерверк выступлений выдающихся исполнителей, всемирно известных творческих коллективов из России и зарубежных стран, открытие новых имен и явлений современного искусства. Пожалуй, трудно назвать крупные коллективы страны, которые не побывали бы на фестивале Глинки. В 2007 году вышла в свет «Летопись музыкальных фестивалей имени М. И. Глинки», где зафиксированы все исполнители, приезжавшие на Смоленщину за пятьдесят лет.

Охватить фестиваль как целое, послушать всех практически невозможно: часто артисты одновременно выступают на разных площадках – в концертных и театральных залах, на предприятиях, в домах культуры, просто под открытым небом. Нынешний фестиваль не стал исключением.

К юбилею вышли в свет интересные издания: библиографический указатель «Глинка и Смоленский край», книга-альбом «Смоленских Глинок древний род». Последняя –  рассказ не только о композиторе, но и о славном древнем роде Глинок, гордости нашей истории. Именно из глубины древней земли, вскормившей мощные корни и стволы громадного генеалогического древа этого рода, появляются такие великие личности, как Михаил Иванович Глинка.

Размышляя о проведении торжеств в Смоленске, нельзя не заметить, как согласованно и мудро действуют Администрация области, Департамент по культуре, филармония, библиотека, Музей-заповедник, Краеведческое общество.

Наряду с фестивалем традиционно прошла и музыковедческая конференция. Первый научный форум состоялся в год 200-летия со дня рождения М. И. Глинки (2004). Тогда в Смоленск приехали ведущие ученые из Украины, Грузии, Петербурга, Москвы и других регионов России. Такая встреча дала возможность коллегам плодотворно общаться друг с другом, быть в курсе новейшей проблематики исследований. С тех пор конференции являются неотъемлемой частью праздника. Они назывались по-разному: «Глинка. Личность. Музыка. История»; «Третий век Глинки. Проблемы сохранения наследия». Начиная с Четвертой, за конференцией закрепилось название «Эпоха Глинки. Музыка. Поэзия. Театр». Такое направление позволяет всеобъемлюще подходить к наследию композитора: исследованию творчества, особенностям и загадкам произведений, соотношению народного творчества и композиторского мастерства, влиянию музыки Глинки на современную культуру, жизни его произведений в современном обществе.

За 10 лет по крохам накапливались новые научные материалы разных направлений глинкианы, находившие каждый раз отражение и в очередной конференции, и в «Новоспасском сборнике» (всего вышло девять сборников, которые выпущены и в виде электронной версии Смоленской областной универсальной библиотекой им. А. Т. Твардовского). В общей сложности в 10 конференциях приняли участие более 200 специалистов из 20 городов России и из-за рубежа. Темы, предлагаемые докладчиками, практически неиссякаемы. Каждая конференция заканчивается подарком – посещением Музея-усадьбы М. И. Глинки Новоспасское, поистине благословенного уголка земли.

Значительный акцент в тематике нынешней конференции связан с фольклорными традициями края. В последние пять лет стали проводиться народные праздники в Данькове, где родился известный исследователь, этнограф и фольклорист В. Н. Добровольский, который вместе с Н. Б. Бером, племянником Глинки, записывал народные мелодии и в самом Новоспасском, и в близлежащих селах. Сюда приезжают исследователи из Фольклорно-этнографического центра Петербурга, где завершается исследование творческого наследия Добровольского. К публикации готовится четыре тома. Ученые полагают, что именно на Смоленщине, несмотря на многие трагические события, сохранились исконные  песни,  бытующие и сегодня.

Порой сопоставления и исторические аналогии оказывались неожиданными, но весьма убедительными. Таким стал доклад С. Ю. Сигиды о параллелях и влиянии фольклорных традиций Глинки в музыке американского композитора Луи Моро Готчока (1829–1869). Автор справедливо отметила, что и Глинка, и Готчок были дружны с Гектором Берлиозом. Показательно, что у Готчока есть такие произведения, как «Арагонская хота», «Ночь в тропиках», «Сувенир из Андалусии» и другие сочинения, в которых усматривается общий с Глинкой интерес к фольклорным традициям Испании…

Москва и Смоленск поддерживают давние дружеские и научные связи. По следам конференции 2004 года Музей музыкальной культуры им. М. И. Глинки опубликовал сборник статей «О Глинке», совместно со Смоленским музеем-заповедником – ценнейший каталог «Реликвии Глинки», «Письма Е. А. Глинки».

Особые отношения сложились между Смоленском и Московской консерваторией, давно шефствующей над Ельнинским районом. Каждый год профессора и студенты приезжают с концертами и мастер-классами в Ельню, где с благодарностью хранят память о консерваторцах, отдавших здесь жизнь в годы Великой Отечественной войны. Свидетельство тому – бережно охраняемый памятник воинам за Смоленскую землю…

Кандидат искусствоведения И. А. Медведева,
профессор С. Ю. Сигида

В кругу друзей

Авторы :

№ 7 (1318), октябрь 2014

Алексею Любимову 70 лет! Можно ли в это поверить? Нет, конечно. Он летает по консерватории с юношеской легкостью. Его образ жизни – репетиции, занятия, гастроли, фестивали, концерты… Он, по его же словам, живет в самолете, дни и часы его расписаны далеко вперед. И при этом он успевает отслеживать все главные культурные события, происходящие в мире…

Народный артист России, профессор Московской консерватории, солист Московской филармонии, профессор университета «Моzarteum» в Зальцбурге. Участник фестивалей старинной музыки в Утрехте, фестиваля Баха в Лейпциге, «Mostly Mozart» в Нью-Йорке, Шлезвиг-Гольштейне, дворцовых фестивалей в Сансуси, Потсдаме, Людвигсбурге… Как авангардный пианист – участник фестивалей современной музыки в Риге, Таллине, Ленинграде, Новосибирске, Варшаве, Берлине, Виита-Саари, Локкенхаузе… Организатор и художественный руководитель фестиваля современной музыки «Альтернатива» (1988–1991)… Играл под управлением К. Кондрашина, Д. Ойстраха, Н. Рахлина, Г. Рождественского, М. Плетнева, В. Ашкенази, Ф. Брюггена, М. Яновского, Р. Норрингтона, Э. П. Салонена, К. Хогвуда, В. Юровского…

Неудивительно, что состоявшийся в сентябре фестиваль в честь музыканта назывался «Алексей Любимов в кругу друзей». Его организовали ученики Любимова, бывшие и теперешние, – настоящие сподвижники и продолжатели его идеи исполнительства музыки всех времен. Они показали, что музыка разных эпох и стилей – вся принадлежит сегодняшнему дню и отражает самую суть современной культуры.

Соединение старой и новой музыки – для А. Любимова вопрос мировоззренческий. Аннотация к одному из организованных им концертов красноречиво характеризует его кредо: «Нас не удовлетворяет какая-либо одна узкопрофессиональная сторона исполнительства. Окруженные и потрясенные необъятным миром музыки, созданной вчера и сегодня, на востоке и на западе, мы хотим хотя бы часть наших чувств передать слушателям с помощью наших способностей, инструментов и новейшей техники. В наших программах на равных правах встречаются орган и африканские ударные, средневековый псалтериум и электрогитара, азиатский чанг и виола да гамба. Нас не смущает сочетание старинного консорта, электронной аппаратуры, камерного оркестра, ансамбля народных инструментов разных стран, элементов театральной зрелищности. Мы хотим выявить линии внутреннего сходства при внешнем контрасте и дать слушателям пищу для размышлений о судьбах музыки».

В его программах, которые он не просто играет – конструирует, и которыми вообще так славны концерты А. Любимова, проявляется его исполнительская природа музыканта-мыслителя. Программы Любимова – в буквальном смысле авторские опусы, сыгранная в них музыка разных стилей, времен и культур в сочетании обретает новый смысл. Помнятся его программы 70-х годов, например, «Музыка Востока в современном советском и зарубежном музыкальном искусстве», составленная из сочинений Дебюсси, Кейджа, Штокхаузена, Мартынова и традиционной музыки Японии, Индии, Индонезии, Африки. Или программы 90-х: «Новые платья господина Баха», где музыка Баха фигурировала в качестве cantus firmus в обработках композиторов XIX–ХХ веков; или «Концерт для подготовленного фортепиано и неподготовленной публики, и наоборот» с Кейджем, Сильвестровым, Мансуряном, Ф. Э. Бахом…

Фестиваль «Алексей Любимов в кругу друзей» отразил не просто эту сферу интересов музыканта, но саму философию его просветительства. И круг его друзей оказался весьма обширным.

«Первые выпускники класса А. Б. Любимова» – так назывался концерт, открывавший фестиваль, который провели Ольга Андрющенко и Сергей Каспров (оба – фортепиано). За ними последовали совершавшие «Путешествие сквозь века» (второй день) Дарья Борковская, Владимир Иванов, Алексей Гроц, Алексей Шевченко, Мария Успенская (клавесин, хаммерклавир, тангентклавир, рояль «Блютнер»), Анатолий Гринденко (виола да гамба). А далее к ним присоединились путешествующие в веках вместе с «Моцартом и Cо» (третий день) – Александра Коренева, Елизавета Миллер, Максим Емельянычев, и опять же Мария Успенская (хаммерклавир, тангентклавир).

Концерт «Минимализм и не только» (четвертый день) собрал друзей-композиторов А. Любимова. Это Валентин Сильвестров; хотя он не приехал, его Вторую сонату исполнил юбиляр. Виртуально присутствовал и Антон Батагов – на большом экране он вместе с Полиной Осетинской исполнял на двух роялях фрагмент из оперы Филипа Гласса «Сатьяграха» под названием «Протест». Павел Карманов принес в дар «Кембриджскую музыку», ее исполнил фортепианный квартет в составе: Ася Соршнева (скрипка), Сергей Полтавский (альт), Ольга Дёмина (виолончель), Пётр Айду (фортепиано). Сергей Загний представил свой органный опус «Музыка XVI века». Иван Соколов сыграл три прелюдии и свой знаменитый «Волокос» (фортепиано и перформанс).

Круг друзей-композиторов оказался неполным. В него мог бы войти Тигран Мансурян, его юбилейный концерт (организованный Любимовым!) прошел в присутствии композитора за несколько дней до фестиваля. Наверное, мог бы войти Владимир Мартынов, единомышленник и сподвижник по «Альтернативе», премьеры фортепианных сочинений которого А. Любимов играл не раз.

«Для себя и идеального слушателя…» – так назывался пятый, заключительный концерт фестиваля. Это был настоящий музыкальный тутти-финал, где чередовались соло, ансамбли, хор и оркестр, и где объединились как друзья-композиторы – от Филиппа Эммануила Баха и Григорио Аллегри до Владимира Мартынова и Георга Пелециса, так и друзья-исполнители. Во главе с Алексеем Любимовым это были Ольга Мартынова (клавесин), Олег Худяков (флейта), Назар Кожухарь, Станислав Малышев (скрипка), Алексей Зуев, Петр Айду, Ольга Пащенко, Элина Качалова (фортепиано), ансамбль «Questa musica» с Филиппом Чижевским за дирижерским пультом, вокальный ансамбль «Интрада» во главе с Екатериной Антоненко. И, наконец, Ансамбль ударных инструментов под управлением Марка Пекарского.

На протяжении всех пяти дней концерты проходили при огромном скоплении народа, словно оправдывая название фестиваля и справедливо причисляя к друзьям многочисленную публику. Музыкальное приношение учителю и соратнику в искусстве стало ярчайшим событием начавшегося концертного сезона.

Многая лета, Алексей Борисович!

Доцент М. И. Катунян
Фото Ольги Пащенко

 

Искусство Джона Тавенера в Москве

Авторы :

№ 7 (1318), октябрь 2014

Начало нового учебного и концертного сезона в Московской консерватории ознаменовалось выдающимся событием поистине исторического масштаба – в сотрудничестве с Британским Советом в России в рамках перекрестного Года культуры Великобритании и России с 21 по 23 сентября состоялся международный фестиваль «От Тавернера к Тавенеру: пять столетий английской духовной музыки». Изысканно выстроенные программы двух концертов, насыщенная тематика пленарных выступлений и лекций ведущих мировых музыковедов на международной научной конференции, безупречное техническое сопровождение мероприятия и роскошный информативный буклет – всё было продумано до мелочей и осуществлено на высочайшем международном уровне.

Идея провести в Москве концерты и конференцию, посвященные английской духовной музыке, зародилась два года назад в беседе художественного руководителя вокального ансамбля Intrada Екатерины Антоненко с британским композитором Джоном Тавенером (1944–2013). Но так вышло, что фестиваль состоялся без его участия – композитор в прошлом году скончался, так и не осуществив свою мечту побывать в стране, культура которой была источником вдохновения для творчества на протяжении большей части его жизни.

Тавенер – удивительный композитор. Приняв в 33 года православие, он написал много духовных сочинений для хора без сопровождения, а также произведения на тексты Ф. М. Достоевского и А. А. Ахматовой. Считая, что современная культура «лежит в руинах», Тавенер выбрал творческий путь религиозного художника, который не являет собой гения в современном представлении, а со-творит, воспроизводит. Основой его позиции были слова святого апостола Павла: «Уже не я живу, но живет во мне Христос».

Отсюда и чарующая многогранность, органичность и безмерная глубина его музыки. Исполненная в консерваторских стенах, она погрузила московскую публику в атмосферу звучащего мирового пространства без границ и времени. В ней словно слились воедино неповторимый колорит старинной английской духовной, классической и современной музыки одновременно с мягкими умиротворенными интонациями русских православных песнопений, столь знакомыми и родными практически каждому сидящему в зале.

Программы концертов были сформированы самим Тавенером специально для российской аудитории и состояли не только из его сочинений, но и вдохновлявших его произведений английских композиторов времен Тюдоров – собственного предка Джона Тавернера и Роберта Фэрфакса, а также более современных композиторов – Игоря Стравинского и Арво Пярта. Определяющей была временнáя магистраль, заложенная в названии фестиваля «От Тавернера к Тавенеру»: первые отделения обоих концертов состояли из кристально безупречных духовных произведений Тавернера в столь же безупречных исполнениях двух профессиональных вокальных ансамблей – российского Intrada и британского The Tallis Scholars. Их поочередное выступление (Intrada – 21 сентября в Рахманиновском зале, а The Tallis Scholars – 23 сентября в Большом зале) под управлением одного дирижера – Питера Филлипса – вовсе не предстало как соревнование: они блистали высочайшим профессиональным мастерством словно два разных алмаза в одной оправе.

И если восхитительное исполнительское искусство Intrada под управлением молодого талантливого дирижера Екатерины Антоненко уже не первый год знакомо московской публике, то выступление The Tallis Scholars, основателем и художественным руководителем которого является Питер Филлипс, стало настоящим открытием. Уникальные голоса десяти солистов с ярко индивидуальными тембрами столь виртуозно переплетались и сливались между собой в идеально чистых созвучиях, что каждое мгновение казалось, будто звучит какой-то совершенно новый то ли ансамбль, то ли хор. Поэтому неудивительно, что поистине духовной вершиной всего фестиваля стала российская премьера Реквиема Тавенера, прозвучавшая в завершении второго (и последнего) концерта. Пространство Большого зала переполнил искрящийся поток богатейших красок музыки выдающегося британского композитора в исполнении обоих ансамблей (к британцам присоединилась Intrada) под управлением знаменитого дирижера.

Реквием Тавенера стал магистральной темой и в научной конференции, прошедшей 22 и 23 сентября в Конференц-зале консерватории. Этого произведения касались в разной мере многие докладчики, но выступления протоиерея Константинопольского Патриархата, председателя Международного общества православной церковной музыки Ивана Муди и доцента Московской консерватории Романа Насонова затронули вопросы истории его создания и особенностей.

Важнейшей частью конференции стал Круглый стол «Современный композитор и религиозная традиция», прошедший при поддержке Британского Совета, предоставившего своего переводчика и аппаратуру для синхронного перевода, а также портала colta.ru, осуществившего видеосъемку для последующего размещения материала в Интернете. Модератором заседания был доц. Р. А. Насонов, который, впрочем, не только стал самым активным участником конференции, но и сопровождал многие выступления интересными комментариями.

Круглый стол вызвал большой интерес у публики благодаря хорошей рекламе Британского Совета. Выступавшие, среди которых были сэр Питер Филлипс, Иван Муди, В. Н. Юнусова, К. А. Жабинский, Е. Ю. Антоненко, Г. И. Лыжов, С. Ю. Савенко, обсуждали отношение Дж. Тавенера и его музыки к различным религиозным и церковным традициям – и западным, и восточным, к традициям англиканской и православной музыки, определяли место его творчества в стилистическом пейзаже музыки конца XX – начала XXI века, перспективы освоения музыки этого композитора русской культурой. Столь широкий круг проблем был обусловлен и тем, что участникам было важно получить информацию, как говорится, «из первых уст», поскольку Филлипс и Муди были друзьями Тавенера. Благодаря ему же удалось поставить и обсудить общие проблемы современной духовной музыки.

Прошедший фестиваль лишь слегка приоткрыл богатейший мир английской сакральной музыки и, безусловно, вызвал немалый интерес к ней московской публики. Так хочется, чтобы общение и совместное творчество Е. Антоненко и П. Филлипса и далее продолжалось столь же продуктивно, чтобы оно не только приносило новые шедевры английской духовной музыки на русскую сцену, но и привлекало другие исполнительские коллективы к этой музыкальной сокровищнице.

Елена Никифорова,
аспирантка МГК
Фото Дениса Рылова