Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

В честь Орфея Амстердама

Авторы :

№ 9 (1311), декабрь 2013

Король Нидерландов Виллем-Александр с супругой на концерте в Московской консерватории, 9 ноября 2013 г.

Уходящий год был перекрестным годом России в Нидерландах и Нидерландов в России. Он ознаменовался многими заметными политическими и культурными событиями, среди которых было даже посещение королем Нидерландов Виллемом-Александром с супругой Большого зала Московской консерватории 9 ноября – в день концерта прославленного Нидерландского королевского оркестра Концертгебау под управлением Мариса Янсонса.

Московская консерватория со своей стороны внесла серьезную лепту в культурные мероприятия перекрестного года. В ее стенах на радость любителям искусства старых мастеров был задуман и подготовлен внушительный форум в честь великого голландского музыканта, «Орфея Амстердама» – Международная научная конференция с концертами и мастер-классами «Неизвестный Ренессанс: к 450-летию со дня рождения Яна Питерсзона Свелинка». Проект был реализован благодаря поддержке Попечительского совета Московской консерватории, Посольства Королевства Нидерландов в Москве, Гёте-Института в Москве и благотворительного фонда «Искусство добра».

Концерт-открытие «Клавирная и вокальная музыка Яна Питерсзона Свелинка». А. Дроздова, П. Дирксен (Нидерланды), Т. Барсукова. Концертный зал на Кисловке, 9 апреля 2013 года

В числе участников масштабного форума были ведущие музыканты и коллективы из разных стран: соотечественники Свелинка – клавесинист, органист и музыковед П. Дирксен; клавикордист, органист, композитор и импровизатор Я. Рас; органист и музыковед Т. Йеллема; лютнист, клавесинист и композитор из Франции Д. Голдобин; британский дирижер и исследователь П. Филлипс; клавесинистка и музыковед из Казани Е. Бурундуковская; певица О. Гречко; вокальный ансамбль «Intrada» под руководством Е. Антоненко; инструментальный ансамбль «The Pocket Symphony» под руководством Н. Кожухаря; ансамбль исторического танца «Time of dance» под руководством Н. Кайдановской и многие другие. Внушителен был и охват музыки: в пяти концертах прозвучали произведения не только самогό «амстердамского Орфея», его прославленных учеников и последователей, но и опусы выдающихся современников Свелинка из разных европейских стран; многое было исполнено у нас впервые.

Программа конференции была насыщена интересными научными сообщениями разных форматов, причем существенно, что большинство как российских, так и иностранных участников успешно сочетает исследование старинной музыки с ее исполнением. Зарубежные гости получили возможность щедро поделиться обширными познаниями и богатым практическим опытом, а отечественные специалисты – испытать свои идеи в диалоге с лучшими знатоками

Концерт «Камерная и придворная музыка эпохи Ренессанса». Ансамбль «The Pocket Symphony» (худ. рук. Назар Кожухарь) и Дмитрий Голдобин (Франция). Прокофьевский зал ГЦММК им. М.И.Глинки, 17 апреля 2013 года

североевропейского искусства конца XVI – начала XVII века. Не знающий устали Питер Дирксен порадовал публику сразу тремя выступлениями на различные темы (особенно впечатлило последнее из них, посвященное тайнам клавирных вариаций на тему «Mein junges Leben hat ein End»). Мэтр голландской музыкальной науки Рудольф Раш прочел фундаментальную лекцию об источниках и изданиях клавирной музыки Свелинка, а также сделал доклад на актуальную тему среднетоновой темперации. Глубокую и основательную концепцию о философских истоках жанра клавирной фантазии предложил в своем выступлении авторитетнейший немецкий музыковед Арнфрид Эдлер. Гостья из парижской Сорбонны Сусанна Касьян осветила неизвестное сочинение Окегема из собрания рукописей Ватикана. Ян Рас в непринужденной манере рассказал о своем любимом инструменте – клавикорде.

Отечественные участники конференции представляли честь русской науки. С большим энтузиазмом был встречен доклад профессора И. А. Барсовой о том, как библейская мысль о суете сует получила отражение в музыке и живописи раннего Нового времени. Е. О. Дмитриева напомнила присутствующим о заслугах Свелинка как музыкального теоретика и педагога. Доклад доцента Р. А. Насонова был посвящен незаурядной личности Константейна Гюйгенса – одной из ключевых фигур в истории старинной голландской музыки. Тонкими наблюдениями над музыкальной теорией и практикой позднего Ренессанса было отмечено выступление доцента Г. И. Лыжова. Конференция завершилась торжественной церемонией передачи двух новейших изданий клавирной музыки Свелинка в дар библиотеке Московской консерватории. Это стало возможным благодаря издательству «Breitkopf», Королевскому Обществу Нидерландской Музыкальной Истории, а также лично Р. Рашу и П. Дирксену.

Тео Йеллема. Мастер-класс по органной интерпретации. МГК (класс 314), 18 апреля 2013 г.

Не менее полное представление о Свелинке в культурно-историческом контексте его времени получили посетители пяти концертов и четырех мастер-классов. Честь открытия программы по праву досталась Питеру Дирксену – ведущему в мире исследователю творчества «Мастера Яна». Он блестяще исполнил на клавесине ряд клавирных сочинений Свелинка, а также вокальных – в собственной обработке для сопрано, клавесина и континуо (при участии певицы Татьяны Барсуковой и исполнительницы на виоле да гамба Александры Дроздовой).

Оригинальной частью программы стала клавикордная игра. Инструмент с тихим и изысканным звуком, переживший века забвения, стал особенным для Яна Раса – глубокого исполнителя, одного из учредителей Нидерландского клавикордного общества. Пестрая палитра стран и эпох, представленная в программе концерта «Ренессанс клавикорда» (от Свелинка до сочинений самогό Раса), убедительно свидетельствовала о богатстве возможностей этого инструмента. Завершая концерт, Рас продемонстрировал еще одну грань искусства старинных мастеров, исполнив импровизацию на тему, «собранную» из последовательности отдельных нот, заданных публикой, чем привел слушателей в совершенный восторг.

Маэстро органного искусства Тео Йеллема предложил вниманию тематический концерт «Органные школы Северной Европы». Своим мастерством и глубоким проникновением в стиль эпохи музыкант буквально сотворил чудо, в одно мгновение перенеся слушателя в ренессансную Европу и дав российской публике уникальную возможность осязаемо почувствовать эту атмосферу.

Заключительный концерт в Московской консерватории. Ансамбль «Интрада», худ. рук. Екатерина Антоненко, дирижер – Питер Филлипс. 22 апреля 2013 г.

Своего рода «интерлюдией» в окружении «серьезных» концертов стал вечер «Камерная и придворная музыка эпохи Ренессанса» в Музее имени Глинки с программой домашней и бытовой музыки тех времен. Доцент А. С. Семёнов и другие участники познакомили публику с именами, практически неизвестными российскому слушателю: Э. Холборн, Дж. Дженкинс, Э. Андриансен, К. Гюйгенс, Н. Вале, И. Схенк и др.

Концерт «Вокальная музыка эпохи Ренессанса» в Большом зале консерватории триумфально завершил мероприятие. Совместное выступление вокального ансамбля «Intrada» (солисты Лилия Гайсина и Тигран Матинян) и основоположника исторически информированного исполнительства в области ренессансной вокальной музыки Питера Филлипса состоялось после интереснейших мастер-классов, которые английский музыкант провел в стенах консерватории. Начавшись и завершившись произведениями Свелинка, программа охватила музыку разных стран Европы: О. Лассо, Дж. Палестрины, У. Берда, П. Филипса, Иерон. Преториуса, Г. Аллегри.

«Неизвестный Ренессанс» – уникальный проект, который подготовили и осуществили подлинные энтузиасты (Е. Дмитриева, Р. Насонов, А. Семёнов) при поддержке ректората Московской консерватории. Прошедший культурный праздник не только представил во всей многогранности творчество Яна Питерсзона Свелинка – музыканта, «превзошедшего органным искусством Палладу», но и невероятно обогатил наши представления о старинной музыке. Судя по количеству публики на концертах, ее восторженной реакции на прозвучавшие сочинения, традицию подобных фестивалей в стенах Московской консерватории необходимо продолжить. Возможно, не дожидаясь, пока наступят юбилейные даты у других ярких представителей эпохи.

Юлия Москвина,
cобкор «РМ»

Звук возникал из его рук

№ 5 (1307), май 2013

Хоровой мир Европы понес невосполнимую утрату: 13 февраля ушел из жизни шведский дирижер и органист Эрик Густав Эриксон.

Эриксон родился в 1918 году в семье шведского пастора – и для мальчика, с детства окруженного религиозной музыкой, певческая среда стала неотъемлемой сущностью. «Уже ребенком я считал, что инструментальная музыка немного примитивна… Было гораздо интереснее петь, особенно на несколько голосов» – так уже именитый музыкант скажет в одном из интервью. И действительно: главным в хоровом творчестве Эриксона станет именно пение a cappella.

Сейчас, когда живые интерпретации дирижера стали историей, а все, что нам осталось, – это диски и воспоминания очевидцев, можно с уверенностью говорить о его уникальности. Для него не существовало границ репертуара – от творений начала эпохи Возрождения до «час назад» написанных опусов современных авторов. И только одному золотому правилу Эриксон следовал неукоснительно: в репертуаре хора не может быть более 20 процентов произведений в сопровождении оркестра: «Иначе хор теряет качество, такое важное в пении a cappella».

Среди коллективов, с которыми навсегда связано имя маэстро, можно выделить три. Это мужской хор певческого общества Orphei Drängar – Эриксон руководил им 40 лет (1951–1991); хор Шведского радио, о котором после его триумфальных выступлений заговорила вся Европа (1951–1982); и, наконец, Камерный хор Эрика Эриксона, основанный в 1945 году и с 1988 года носящий его имя. Этот необычайный по тонкости мастерства коллектив до сих пор занимает одно из центральных мест не только на шведской, но и на мировой музыкальной арене.

Именно с Камерным хором Эриксон в 70-е годы впервые посетил Россию. А со времени его второго визита прошло чуть больше 10 лет: в мае 2001 года по приглашению кафедры хорового дирижирования МГК Эриксон провел мастер-класс с заключительным концертом. Программа, которую привез дирижер, практически полностью была неизвестна в России. Подробно этот мастер-класс в свое время осветил Е. К. Волков (РМ, 2001, № 6).

«У него было экстраординарное чувство тона, – заметил ученик дирижера Густав Шеквист. – Это почти невозможно описать, но звук возникал из его рук, из всей его сущности. В хоровой музыке он был безоговорочно уникален». «А еще, – сказал один из преемников Эрика Эриксона, – он был великий гуманист…каким можно стать, только работая с людьми так, как это делал он…»

Ольга Ординарцева,
студентка IV курса ДФ

На высокой ноте

Авторы :

№ 5 (1307), май 2013

Столичная публика в очередной раз получила заряд бодрости и оптимизма, побывав на концерте Хора Московской консерватории, который состоялся 23 апреля в Большом зале. Вечер был приурочен к 90-летию кафедры хорового дирижирования.

Концерт начался торжественным гимном «Хвалите имя Господне» А. Кастальского, основателя кафедры, портрет которого был установлен прямо на сцене. Именно ему – прародителю хорового образования, человеку, объединившему вокруг себя единомышленников и подвижников своего дела, – было посвящено вступительное слово художественного руководителя хора профессора С. С. Калинина. Он выразил глубокое уважение и по отношению к выдающимся личностям, которые также стояли у истоков кафедры, – Н. Данилину, А. Никольскому, П. Чеснокову, Н. Голованову. В трудное для страны время «они не дали засохнуть певческому искусству в России, подняв его на небывалую высоту».

Произведения этих композиторов звучали в начале концерта. Музыка духовных песнопений сразу же настроила слушателей на торжественный лад. Было приятно, что наряду с известными сочинениями классиков (сольные партии в них спели Сергей Спиридонов, Дарья Белоусова и Иван Спельник) хор исполнил и редко звучащее «Чтение дьяком люду Московскому послания Патриарха Гермогена к Тушинским изменникам» А. Кастальского (партию дьяка проникновенно провел Антон Зараев). В программу первого отделения гармонично вписались фрагменты из «Всенощного бдения» С. Рахманинова, где солировали Варвара Чайкова и Максим Сажин. Яркое впечатление произвел также «Вокализ» в прекрасном переложении доцента Юлии Тихоновой для смешанного хора (партию ф-но исполнил Александр Куликов).

В продолжение концерта были исполнены сочинения С. Василенко («Метель»), Г. Свиридова («Странное Рождество видевшее»), а также произведения ныне здравствующих классиков хорового жанра – Р. Леденева (два хора из цикла «Венок Свиридову»; солировала Татьяна Кокорева), В. Кикты («Ночь роняет звезды»; солисты – Иван Любимов, Мария Парфенова и Любовь Пивоварова), В. Калистратова («Загорела во поле калинка»; в качестве солиста выступил блистательный баритон, народный артист РФ Анатолий Лошак) и две хоровые сюиты, составленные из песен А. Эшпая и шедевров военных лет. Обе – на хорошо знакомом песенном материале, искусно обработанном доцентом кафедры Юрием Потеенко (он же аккомпанировал хору вместе с А. Куликовым).

«Не каждая песня отзовется в душе народной», – сказал ведущий концерт С. Калинин, предваряя исполнение сюиты А. Эшпая. И это действительно так, потому что песни композитора уже давно стали для многих родными. Чувствовалось, с каким удовольствием исполняли их юные дирижеры, как наслаждались красотой и лиричностью мелодий, – ведь в них поется о молодости, о любви, о вере!.. Вторая сюита – из любимых песен нашего народа («Эх, дороги», «Соловьи», «Темная ночь», «Каховка») – была посвящена грядущему Дню Победы и завершила вечер на высокой патриотической ноте.

Концерт прошел на очень достойном уровне. Хор в полной мере продемонстрировал профессиональные качества: красоту и стройность звучания, понимание сущности исполняемых произведений, а главное – горячее желание дарить людям радость своим искусством. Наверно поэтому в зале весь вечер царила удивительная атмосфера всеобщего единения и воодушевления. Это лишний раз показало, что живые хоровые традиции, развиваясь в творчестве современных композиторов, встречают ответный энтузиазм как со стороны профессионалов, так и любителей музыки.

Собкор «РМ»

Диалог поколений

Авторы :

№ 5 (1307), май 2013

Если перелистать биографию Камерного хора Московской консерватории, то сразу привлекает внимание обилие имен выдающихся дирижеров, приглашавших коллектив участвовать в статусных проектах: Валерий Гергиев, Михаил Плетнев, Юрий Симонов, Владимир Юровский… Но в не меньшей степени важны творческие связи с мэтрами хорового дела: только в этом сезоне прошла целая серия мастер-классов, позволивших существенно расширить представления молодых хормейстеров о художественных тенденциях и стилях, культивируемых их старшими коллегами. Уже приходилось писать о мастер-классе Хельмута Риллинга (февраль, 2013); в марте последовали мастер-классы руководителей ведущих российских профессиональных хоров, таких как «Мастера хорового пения» (Лев Конторович), Капелла имени Юрлова (Геннадий Дмитряк), Госхор имени А. В. Свешникова (Евгений Волков), Саратовский хоровой театр (Людмила Лицова).

Инициатива интенсивного творческого обмена, принадлежащая худруку Камерного хора МГК Александру Соловьеву, нашла кульминационное завершение в апрельском мастер-классе народного артиста СССР, основателя Московского камерного хора Владимира Минина. Его обстоятельные репетиции, в том числе открытые в Рахманиновском зале, позволили достаточно ясно представить устремления маэстро и идеалы, которые он стремился внушить артистам консерваторского коллектива.

Выбор программы соответствовал направлению деятельности кафедры современного хорового исполнительского искусства: опусы Свиридова и Буцко – представителей отечественной композиторской школы, и фрагменты из «Маленькой торжественной мессы» Россини – духовная линия. Именно эти два вектора были доминантными в репертуаре основателя хора и кафедры профессора Б. Г. Тевлина.

Если суммировать впечатления, то во главу угла Владимир Минин ставит два аспекта: организацию музыкального времени (ощущение событийности каждого мгновения) и эмоциональную наполненность интерпретации. Об этом артист часто говорит в разных интервью, подчеркивая, что самое важное – это «интонирование смысла». Три миниатюры Свиридова – «Как песня родилась», «К Мэри», «Любовь святая» – Минин трактовал как театральные сценки, где каждая тесситурная группа персонифицировалась. Перед слушателями открылись колоритные страницы «деревенской» лирики, нашедшие затем своеобразное продолжение в кантате Буцко «Свадебные песни». Партитура, развивающая стилистику «Свадебки» Стравинского, ставит, наряду с поисками образных контрастов, и сложные певческие задачи, блестяще разрешенные Камерным хором.

Во втором отделении в россиниевской мессе к консерваторцам присоединился Московский камерный хор, добавив монументальности этой партитуре. Минин не увлекается аутентичными интерпретациями, «прямым звуком» и штрихом деташе в полифонии: его кредо – «чтобы выражать чувства, надо, чтобы голос трепетал». Подобный подход к западной духовной музыке, разумеется, полемичен: в этой манере не всегда возможно прочертить все мелодические изгибы и контрапунктические сплетения, особенно в таких подвижных частях как Sanctus.

Что, безусловно, роднит два коллектива – это постоянные контакты с замечательными солистами – не только певцами, но и инструменталистами. Пианистка Екатерина Мечетина, которая неоднократно выступала с Б. Тевлиным, продолжает сотрудничество и с В. Мининым: в этой программе она не только оказалась надежным ансамблистом в кантате Буцко, но и успешно заменила целый оркестр в «Маленькой торжественной мессе». Среди солистов-вокалистов особо выделялись серебристый точеный тембр сопрано Людмилы Ерюткиной в свиридовской «Любви святой» и – по контрасту – густой породистый бархат меццо Ларисы Костюк в «Свадебных песнях». Из мужских голосов – Тигран Матинян, продемонстрировавший безупречную кантилену в россиниевском Domine Deus. Приятно отметить, что молодой тенор за последние сезоны вырос в очень серьезного музыканта, стремительно и качественно осваивающего разный репертуар – от ренессансных мадригалов до немецкой романтической Lied.

Разница в несколько поколений не помешала найти общий язык патриарху отечественного хорового искусства со студентами кафедры современного хорового исполнительского искусства. Об этом красноречиво свидетельствует памятная надпись в альбоме Камерного хора МГК: «Дорогие мои будущие коллеги! Желаю вам здоровья, настойчивости и целеустремленности. С любовью, Владимир Минин».

Профессор Е. Д. Кривицкая

Фото Ирины Шымчак

Творческие встречи

№ 5 (1307), май 2013

Тенденция последних лет – возобновление творческих связей между Россией и Украиной. Культурный обмен позволяет студентам учиться в соседней стране. Московские исполнители все чаще приезжают на гастроли в Харьков – первую столицу Украины. Появился ряд совместных фестивалей и конкурсов. После участия в одном из них москвичка Ирина Минакова стала инициатором приезда на российскую землю народного артиста Украины, заведующего кафедрой композиции и инструментовки Харьковского национального университета искусств им. И. П. Котляревского Владимира Михайловича Птушкина.

17 и 18 апреля в Москве состоялись творческие встречи с В. Птушкиным, организованные Союзом композиторов Москвы и деканом КФ МГК проф. А. А. Кобляковым при содействии молодых композиторов И. Минаковой и Т. Шатковской-Айзенберг. На первой встрече, которую вела Е. В. Кожевникова, в записи прозвучали Концерт для скрипки с оркестром, «Утренние молитвы» для виолончели и струнных и Концерт для виолончели с оркестром № 2 (солист Игорь Гаврыш), духовная кантата «Salve Regina», «Украинское каприччио» для фортепиано (обязательное произведение III Международного конкурса пианистов памяти Эмиля Гилельса в Одессе; исп. Сун Сяодан), Concerto-buffo для виолончели и фортепиано с оркестром (И. Гаврыш и автор). Фортепианный дуэт «ShAT» (сестры А. Шатковская и Т. Шатковская-Айзенберг) подготовил две пьесы – «Возвышенное и земное» и «Карусель». Композитор ответил на многочисленные вопросы слушателей о состоянии культурной жизни на Украине, о возможностях исполнения музыки молодых авторов, увлеченно рассказал о встрече с Кшиштофом Пендерецким, который побывал в Харькове в минувшем году.

Следующим этапом стало приглашение гостя на заседание кафедры композиции РАМ им. Гнесиных. Затем в стенах Московской консерватории состоялась встреча со студентами. Живое общение с мастером и его музыкой всегда актуально для студентов – особый интерес вызвала «Моносимфония-исповедь» на стихи Б. Чичибабина в исполнении Татьяны Веркиной.

В. М. Птушкин оставил впечатление замечательного композитора, внимательного педагога, интересного собеседника и просто доброго, отзывчивого человека. Руководитель фестиваля «Московская осень» О. Б. Галахов пригласил Владимира Михайловича принять в нем участие, а значит, у нас вскоре будет возможность увидеть украинского композитора вновь.

Егор Романенко,
студент КФ

* * *

12 апреля в консерватории состоялась творческая встреча с известным московским композитором Михаилом Борисовичем Броннером. Она была организована силами объединения молодых композиторов «РезонанС – 12». Параллельно гость дал мастер-класс всем желающим, поделившись ценными советами.

Я с большой радостью предвкушала эту встречу, так как очень ценю творчество этого композитора, тем более что ожидалось знакомство с партитурой сочинения, премьеру которого я слушала в одной из программ фестиваля «Московская осень». Тогда оно потрясло меня: показалось, что в нем выражается идеальная модель композиторской мысли XXI века.

Встреча прошла в непринужденной атмосфере, тон которой задало искрометное чувство юмора Михаила Борисовича и его увлекательный рассказ о своих сочинениях и творческой жизни. Наиболее подробно композитор показал нам два концерта: «Иллюзия жизни» для скрипки, ударных и камерного оркестра (2011) и «Страсти по Иуде» для баяна и камерного оркестра (1998). Композитор заметил, что своим произведениям любит давать емкие названия, которые дают импульс к размышлению: в них (названиях) есть только основная идея, но нет конкретной программы-концепции.

На примере этих двух сочинений мы убедились, что Михаил Борисович – мастер оркестрового письма, тонко чувствующий баланс взаимоотношений солиста и оркестра, привносящий в жанр инструментального концерта совершенно необычные и свежие решения. Такие как: каденция-эпилог скрипки и литавр в концерте «Иллюзия жизни» или сам жанр пассиона в концерте «Страсти по Иуде» (кстати, посвященном баянисту Ф. Липсу), где блестяще реализованы технические и сонористические возможности баяна, которые поразительно воплощают драматизма сюжета, его философско-гуманистические идеи.

Броннер – художник, наделенный интуитивной и рационально-чувственной композиторской мыслью. Хочется верить, что будущее московской композиторской школы будут представлять композиторы именно такого типа.

Варвара Чуракова,
студентка КФ

Памяти «последнего из могикан»

Авторы :

№ 5 (1307), май 2013

«Времен связующая нить…» – так назывался концерт, прошедший зимой в переполненном Рахманиновском зале. Небывалый резонанс, вызванный концертом, заставляет задуматься: в чем его секрет? Ответ очевиден: уникальная программа и эксклюзивный исполнительский состав.

У камерной капеллы «Русская консерватория», возглавляемой Николаем Хондзинским (на фото), чье выступление было стержневым в концерте, сформировалась особенная публика: молодые ученые и студенты ведущих московских вузов (МГУ, МГИМО, Бауманки и др.), православная молодежь. Громкие мировые и российские премьеры сочинений барочных и современных мастеров, проводимые ею ежегодно, сделали привычным то, что всякое выступление «Русской консерватории» – это открытие и при этом высокое исполнительское искусство. Так было и на этот раз. Но был и другой, пожалуй, определяющий момент: концерт посвящался памяти профессора К. С. Хачатуряна (1920–2011) – «последнего из могикан» Композиторского факультета Московской консерватории.

Концерт открыли «Размышления. Семь стихотворений Е. Баратынского» (ор. 1) для голоса и фортепиано Н. Мясковского – уникальный образец интеллектуально-созерцательной лирики «серебряного века». Варваре Чайковой (сопрано) и Алексею Бугаяну (ф-но) удалось передать своеобразие «русского импрессионизма», характерные для этого цикла. Если учесть, что сложнейший опус Мясковского звучал в России целиком впервые после шестидесятилетнего перерыва, то уже одно это обстоятельство придавало исполнению особую значимость.

«Камерная симфония» Д. Шостаковича повергла слушателей едва ли не в шоковое состояние: у многих, в том числе весьма просвещенных знатоков, было ощущение, что они присутствовали не на очередном исполнении хорошо знакомого произведения, а на его премьере. Богатство нюансировки, совершенство струнной агогики, тембровая многомерность оркестра – все это позволило Н. Хондзинскому погрузиться в «святая святых» партитуры, которую многие, увы, воспроизводят, исключительно полагаясь лишь на яркость тематического материала. Музыкант, безупречно владеющий «барочным стилем», еще раз доказал, насколько полезным для прочтения произведений ХХ века может быть опыт исполнения музыки XVII–XVIII столетий.

Соната для скрипки и фортепиано К. Хачатуряна – одно из знаковых сочинений в отечественной камерной музыке ХХ века. Ее первым исполнителем был Давид Ойстрах, именовавший себя «рыцарем» этого опуса. Известны и другие выдающиеся интерпретаторы сонаты – Яша Хейфец, Леонид Коган. В прочтении сочинения, предложенном Аяко Танабэ (скрипка) и Аленой Колесниковой (ф-но), ансамблистки сознательно отошли от привычных «клише».

Запомнилось и яркое исполнение Сонаты для виолончели и фортепиано К. Хачатуряна, посвященной М. Ростроповичу. Арсений Чубачин (виолончель) великолепно передал «взрывной» характер сонаты, его неподдельная страстность как нельзя лучше соответствовала содержанию музыки. Высочайшую ансамблевую культуру продемонстрировал и Владимир Седов (ф-но). Замечательно и то, что музыканты не поддались соблазну копировать «проверенные временем» интерпретации, но предложили нечто в лучшем смысле неожиданное для тех, кто хорошо знает этот чудесный опус.

Завершающей и кульминационной частью концерта стало первое исполнение Поэмы для струнного оркестра «На грани таянья и льда…» Ю. Абдокова. Сочинение, вызвавшее восторженный прием публики, посвящено памяти К. С. Хачатуряна. Молитвенность и откровенно выраженное «литургическое начало» – естественные свойства этой достаточно сложной по языку музыки, в которой средствами струнного оркестра композитор воссоздает ирреальное звучание грандиозного симфонического состава. Значение имеет, конечно, не только выдающееся мастерство, важнее – сокровенный смысл Поэмы, заключающийся в исповедальности и благородстве тона. В этой музыке словно материализовалась мысль автора, профессора Ю. Б. Абдокова, прозвучавшая в его вступительном слове о К. С. Хачатуряне: «В преемственности времен, этических и профессиональных ценностей, передаваемых из уст в уста, от сердца к сердцу, он видел залог достойной жизни в искусстве»…

Севастьяна Леонова,
аспирантка КФ

Дыхание музыкальной жизни

Авторы :

№ 4 (1306), апрель 2013

Музей имени Н. Г. Рубинштейна в Московской консерватории не только хранилище памяти, но и концертная площадка. В Овальном зале, который является одним из выставочных залов музея и расположен в полуротонде БЗК, в одну из суббот каждого месяца проходят концерты. Здесь звучит и фортепианная, и камерная, и вокальная музыка. Часто выступают исполнители различных стран со своей национальной музыкой, так как музей сотрудничает с центром «Музыкальные культуры мира».

23 февраля слушателям, по большей части постоянной публике, был представлен концерт камерной музыки петербургских и московских композиторов XX века – С. Прокофьева, А. Лурье, И. Стравинского, А. Шнитке, А. Вустина и М. Белодубровского. Исполняли солисты ансамбля «XX век» под управлением Марии Ходиной. Различные инструментальные составы сменялись сольными номерами, а венчал программу струнный квартет.

Каждый из музыкантов проявил себя как самобытный и яркий мастер. Из пестрого ряда невозможно выделить кого-то более, чем остальных, будь то Алексей Емельянов («Восход солнца» для флейты соло Лурье), Дарья Ахметгареева (Три пьесы для кларнета Стравинского) или Мария Кузнецова («Посвящение Паганини» для скрипки Шнитке). Замечательные инструменталисты – не единственное достоинство прошедшего концерта. Во втором отделении звучала музыка ныне здравствующих композиторов – А. Вустина и М. Белодубровского.

Исполнение недавно созданных произведений заслуживает внимания, как и сам факт личного присутствия на концерте обоих авторов. Александр Вустин был представлен публике перед исполнением его пьес для струнного трио «Вечерние птицы» и «Canto», и это стало большим подарком для присутствующих. Его музыка своим новаторством поразила слушателей, привыкших к чему-то более классическому. Дело в том, что во второй пьесе с итальянским названием «Canto», суть которого стала ясна потом, композитор заставил музыкантов – виолончелистку, скрипачку и альтиста – также и петь мелодию своей партии, причем со словами. А поскольку музыкальный язык «Сanto» опирается на древнерусское церковное пение, возникшая молитвенная, просветленная атмосфера, казалось бы, остановила реальное движение жизни.

Марк Белодубровский – петербургский коллега Вустина – оставил не менее сильное впечатление. Его масштабное произведение – 15 пьес для струнного квартета – заканчивало весь концерт. Это была и своеобразная кульминация, к которой по принципу crescendo шла драматургия программы. Русская, Белорусская, Украинская, Туркменская, Азербайджанская, Грузинская, Литовская, Казахская, Молдавская, Киргизская, Латышская, Таджикская, Армянская, Узбекская и Эстонская – таковы названия частей сюиты композитора. Цикл построен по принципу контраста: каждая пьеса – небольшая зарисовка, раскрывающая даже не особенности народного интонационного строя, но видение композитором национального характера. Оно и убеждает, и восхищает, и увлекает своей мастерской отделкой: применением различных композиторских техник XX века и способов звукоизвлечения, лаконизмом и стройностью формы.

Слушатели остались довольны праздничным концертом. Многие задержались, желая узнать побольше об ансамбле «XX век». В этом видится и отличная работа руководства музея: оно не ограничивается только выставками и экспозициями, а наполняет дыханием реальной музыкальной жизни ее стены – хранилища истории Московской консерватории.

Марина Валитова,
студентка ИТФ

Прекрасным дамам

Авторы :

№ 4 (1306), апрель 2013

6 марта в Конференц-зале состоялся литературно-музыкальный перформанс «Женские портреты и характеры Франсуа Куперена». Татьяна Зенаишвили (клавесин) и Александр Баранов (слово) воссоздали перед слушателями дух французской музыкальной гостиной эпохи Куперена с тихими звуками клавесина, мягко обволакивающей тишиной и сердечными разговорами. В теплой атмосфере камерного зала музыка звучала в перерывах между непринужденной беседой о… прекрасных Дамах!

Страстно влюбленный во всех дам французского двора герой приходит к знакомой клавесинистке и буквально «заливает» ее инструмент горькими слезами. Последней ничего не остается, как утешать безутешного музыкой. И вот перед слушателями один за другим проносятся образы прекрасных возлюбленных: и недоступная Анна Монфламбер, и нежная Нанетта, и прекрасная Жавотта (дочь испанского короля Филиппа V). После этого глаза героя просветляются – он вспоминает о божественной любви, «что видел он в монастыре!», и звуки клавесина, подхватывая его слова, уносят слушателей в скромную обитель, где перед ними предстают «молодые монашки» (пьесы Куперена), причем сначала блондинки, а потом брюнетки.

После столь прекрасно исполненных женских портретов герой задумывается. Может ли Куперен помимо самих дам изображать и чувства к ним? И ответом на этот вопрос становятся две другие пьесы: чакона «Любимая» и сарабанда «Неповторимая».

Очарование музыки Куперена возрождает героя к жизни: он полон радости и предлагает слушателям отправиться вместе с ним в путешествие по «Французским безумствам, или Маскам домино». Каждому из них соответствует определенная краска, и, приглашая зрителей в очередное «безумство», герой надевает маску соответствующего цвета. Калейдоскоп цветов и звуков заполняет маленькую гостиную: перед слушателями то «целомудрие в розовом цвете», то «постоянство в цвете льняного полотна», то «неистовство и отчаяние в черном цвете»…

Закончив свое выступление, герои скрываются за кулисами, обмениваясь друг с другом милыми французскими комплиментами. Зрители же покидают зал в хорошем настроении, унося с собой самые приятные впечатления.

Ксения Старкова,
студентка ИТФ

Венецианские премьеры в Москве

Авторы :

№ 4 (1306), апрель 2013

Венецианская биеннале, один из самых крупных форумов современного искусства, периодически осуществляет выездные сессии в городах-партнерах, включая Москву. В марте вместе с Итальянским институтом культуры в Москве в рамках «Дней Венеции в России» Венецианская биеннале представила программы последних фестивалей кино, музыки и танца. Презентация проектов Венецианского международного фестиваля современной музыки состоялась 12 марта в Рахманиновском зале Московской консерватории.

Концерт-марафон продолжил сотрудничество Венецианской биеннале с Центром современной музыки МГК. Еще осенью 2011 года ансамбль «Студия новой музыки» под управлением Игоря Дронова стал первым коллективом, представившим современную российскую музыку на Международном фестивале в Венеции («РМ» знакомил с этим событием своих читателей, см.: 2011, № 7 /  октябрь. – Ред.). В декабре 2011 года программа очередного фестиваля «Московский форум» была полностью посвящена итальянской музыке, а его участниками стали итальянские коллективы Alter Ego и Xenia, а также композиторы Никола Сани, Луиджи Чеккарелли и Иван Феделе (с 2012 года – руководитель Венецианского фестиваля). На этот раз Венецианский фестиваль современной музыки представил в Москве своих исполнителей: струнный квартет Prometeo (обладатель «Серебряного льва – 2012» – награды лучшему молодому ансамблю) в составе: Джулио Ровиги, Альдо Кампаньяри, Массимо Пива, Франческо Диллон, – и флейтиста Марио Кароли, которого называют «флейтовым Паганини».

Тему Венецианского музыкального фестиваля 2012 года«+EXTREME-» – Иван Феделе связывает с тем, что музыка сегодня достигла предельных областей своего языка, сопряженных с эстетикой и поэтикой, от крайнего минимализма до экстремального максимализма, между которыми возможны любые композиционные модели. Именно идее многогранности современного звукового мира и была посвящена разнообразная и насыщенная программа московского концерта.

Три исполнительских состава вечера – флейтист Марио Кароли, струнный квартет Prometeo и ансамбль «Студия новой музыки» Московской консерватории, которым дирижировал Филипп Чижевский, – выстроили своего рода пирамиду. У ее основания расположились классики сериальной музыки 1950-х – венецианцы Луиджи Ноно с пьесой Canti per 13 и Бруно Мадерна с Serenata № 2 для большого ансамбля, а также пьеса-стилизация Madria Йоханнеса Шёльхорна, посвященная Франческо Ландини. Оригинальный состав Madria – бас-кларнет (Евгений Бархатов), аккордеон (Сергей Чирков) и контрабас (Григорий Кротенко), – как и новые приемы игры в сочетании с материалом мадригалов Ландини, по-новому осветили тему инструментальной кантилены, предложенную знаменитыми итальянскими авангардистами.

Центральная часть была отведена впервые исполнявшимся в России сочинениям современников: Profilo in eco для флейты и ансамбля Ивана Феделе, квартету Сальваторе Шаррино, Tracés d’ombres для струнного квартета Франка Бедросяна и мировой премьере новой версии квартета Lichtung Каролы Баухольт. Настоящим событием стало исполнение нового Струнного квартета № 9 (2012) Шаррино под названием «Утренние тени Пьеро» (Ombre nel mattino di Piero), венецианская премьера которого прошла всего полгода назад. Цикл, состоящий из короткого Preludio и длящегося Recitativo? Liberamente mesto, написан словно не для четырех разных, а для одного «синтетического» инструмента, издающего звуки необычной тембровой палитры, не существующей ни у одного из инструментов в отдельности.

Вершиной концерта, несомненно, стала виртуозная часть: российские премьеры флейтовых пьес Carceri d’invenzione IIb и Sisyphus Redux Брайана Фернейхоу и Morte Tamburo Сальваторе Шаррино в исполнении Марио Кароли. Единственный в мире музыкант, имеющий в своем репертуаре все флейтовые сочинения Шаррино и Фернейхоу, заставил восхищаться не только блестящей техникой, но и убедительными интерпретациями. «Я вкладываю в музыку мою историю, мои звуки, мою личность,рассказывает он в видеоинтервью, взятом для Венецианской биеннале. – Вероятно, это новый способ постижения современной музыки, который еще несколько лет назад не существовал. Люди были довольны просто точным исполнением, которое ничего не выражало. Шаррино и Фернейхоу – оба мои друзья. Но Шаррино – больше чем друг, он – мое музыкальное alter ego. Он пишет такую музыку, которую, мне кажется, писал бы и я, обладай я талантом композитора. Флейта у Шаррино – инструмент другого рода: это воображаемый инструмент, которого не существует. Шаррино создает его  посредством физического объекта – флейты, которая ему, однако, сама по себе не интересна. Флейта у Фернейхоу – это гиперфлейта, достигающая n-й степени силы, сложности, накала. Я ощущаю ее как совершенно иной инструмент, без углубления в эстетические детали, в язык флейты. Фернейхоу использует ее в крайних областях, доводя до взрыва. Шаррино трансформирует инструмент, у него он перестает быть флейтой. Я не знаю, как он мыслит в инструментальных категориях, когда сочиняет, но удивительно, как прекрасно написаны эти пьесы с точки зрения флейты…»

На следующий день Марио Кароли поделился творческими секретами с участниками мастер-класса в Московской консерватории.

Ольга Арделяну,
преподаватель МГК

Фото Ф. Софронова

Праздничное шоу кларнета

Авторы :

№ 4 (1306), апрель 2013

В конце прошлого года музыкальная общественность Москвы в очередной раз смогла побывать на классном вечере известного мастера кларнетовой школы, народного артиста России профессора Рафаэля Оганесовича Багдасаряна и его учеников – лауреатов всероссийских и международных конкурсов, студентов и аспирантов МГК, АМК при МГК, МГКМИ имени Ф. Шопена. Участники концерта в Рахманиновском зале порадовали слушателей академическим звучанием кларнета и саксофона, богатством тембровых красок и слаженностью ансамблей. По сложившейся на протяжении последнего десятилетия традиции Р. О. Багадасарян превратил академический вечер своего класса в большое праздничное шоу кларнета.

В концерте прозвучали как популярные оригинальные произведения, так и редко исполняемые в силу их технической сложности. Неплохо показало себя и подрастающее поколение кларнетистов, порадовав технической оснащенностью, хорошим тембром и ровным звукорядом. Рафаэлю Оганесовичу удалось подобрать и подготовить на высочайшем профессиональном уровне 6 ансамблей, которые стали украшением этого вечера.

Открытие второго отделения рок-фантазией на темы «Картинок с выставки» М. Мусоргского говорит о необходимости популяризации кларнета в разных жанрах, и, как мы видим, в составе ансамбля (фортепиано, ударные, бас-гитара) этот инструмент может тоже найти своих почитателей, а партия кларнета, исполненная Алексеем Михайленко, служит тому доказательством. Потрясающий ансамбль и сыгранность, чувство партнерства показали Николай Агеев, Олег Соломахин и Александра Полякова в дивертисменте для двух кларнетов и фортепиано А. Понкьелли в заключение первого отделения. С таким же успехом прозвучала соната для двух кларнетов Ф. Пуленка в интерпретации Алексея Михайленко и Евгения Бархатова, где исполнительское мастерство в сочетании с композиторскими изысками покорило искушенную публику.

Запомнились импровизация на «24 каприса» Н. Паганини и «Чардаш» В. Монти в исполнении Артура Назиуллина, Арсения Чубачина и Ирины Бунятян. Хорошо известно, что А. Назиуллин – один из ярких кларнетистов-виртуозов не только в нашем Отечестве, но и в Европе. Важно, что Учителю удается делиться своим исполнительским опытом (а это 35 лет работы в оркестре Большого театра России в качестве солиста и более 50 лет концертной деятельности) и показывать ученикам, что совершенству нет предела, особенно в инструментальном исполнительстве. В «Цапатеаде» П. Сарасате Артур Назиуллин в очередной раз покорил искушенную столичную публику отточенным техническим мастерством, красотой виртуозных пассажей и незабываемой тембровой окраской регистров кларнета.

Бурными аплодисментами благодарила публика выступления Марата Оганесяна («Блестящая фантазия на темы из оперы “Кармен”» для саксофона Ф. Борна), Дмитрия Рыбалко (Рапсодия К. Дебюсси), Сергея Мунинкина (Сонатина И. Горовица), Игоря Рудича (Концерт К. Нильсена) и других. Особо хочу отметить высокопрофессиональных концертмейстеров класса Р. О. Багдасаряна – Александру Полякову, Ирину Бунятян и Игоря Ганиева.

Закончился концерт, тоже по установившейся традиции, выходом всех участников и звучанием «Венгерского танца» № 2 Брамса в транскрипции Р. Багдасаряна и Н. Агеева для ансамбля кларнетистов, который был трижды (!) исполнен на бис.

В ноябре 2012 года Европейская научно-промышленная палата высоко оценила творческие успехи Р. О. Багдасаряна и наградила его дипломом и золотой медалью «За высококачественную профессиональную деятельность». Будем надеяться, что Маэстро Багдасарян еще долгие годы будет радовать нас прекрасными шоу-концертами!

Профессор, полковник А. А. Бучнев

Истории в звуках

Авторы :

№ 2 (1304), февраль 2013

22 января 2013 года в Рахманиновском зале состоялся авторский концерт к 60-летию профессора Ю. В. Воронцова. Прозвучали шесть произведений композитора, среди них три мировые премьеры. В концерте приняли участие Камерный хор консерватории под управлением Александра Соловьева, ансамбль «Студия новой музыки» (дирижер – Игорь Дронов), а также Михаил Дубов (фортепиано), Никита Агафонов (кларнет), Станислав Малышев (скрипка) и Мона Хаба (фортепиано).

Мы нередко сталкиваемся с негативным отношением к новой музыке и к современному искусству. Культурное пространство перенасыщено именами, событиями и сенсациями, и многие художники целенаправленно придерживаются линии «кто больше удивит», иногда совершенно забывая об истинном предназначении искусства. Где надувательство, а где подлинный шедевр – разобраться иногда становится сложно… Творчество Воронцова, на мой взгляд, не оставляет никаких сомнений в своем профессионализме и культурной ценности.

Вечер открыл концерт для хора «Откровение» (1999, ред. 2005) на текст из Откровения Иоанна. Впервые прозвучали третья и четвертая части произведения. Апокалипсическая идея в своем кульминационном виде предстала перед нами в третьей части. Торжественный духовный гимн, постепенно набирая силу эмоционального напряжения, превращается в истовый шабаш нечистых сил. После такого драматического и ужасающего скерцо наступает финал, где главной становится единственно возможная светлая мысль: «Смерти больше не будет». Эта фраза повторяется много раз, символизируя непреклонную веру в лучшее.

Пьеса «Сириус» (2005), посвященная В. Н. Холоповой, прозвучала в исполнении замечательного пианиста Михаила Дубова. Для фортепиано стало писать очень сложно: кажется, что нового и интересного можно извлечь из этого инструмента?! Воронцов доказал, что ресурсы еще есть и они неисчерпаемы. Привычные клавиши рассказали нам совершенно новую историю. Сочинение получилось ярким, образным, насыщенным мелкими деталями и в то же время необыкновенно целостным и органичным.

Отделение завершилось произведением «Aquagrafica» (2011) для 10 исполнителей. По словам автора, «Стихия воды притягивает своей загадочностью и многообразием проявлений, в том числе и звуковых. Одно из сущностных качеств воды – мягкость и плавность. Музыкальная ткань пьесы избегает острых углов, переливаясь из одного состояния в другое». Действительно, музыка «Акваграфики» завораживает своим медленным и тихим течением. Мы словно опускаемся под воду все ниже и ниже, а на самом дне, под толщей плотной воды, наступают полная темнота, спокойствие и тишина. Лишь иногда медленно появляются и исчезают светящиеся подводные существа, внося отголоски жизни в это неподвижное пространство. Остается только восхищаться тем, как красочно и талантливо автор написал эту картину звуками.

После антракта прозвучала пьеса для ансамбля инструментов под названием «Status quo» (2009). В ней автор выразил идею вечной борьбы человека с изменчивостью жизни. Время и события в современном мире проносятся очень быстро, в результате чего человеку хочется все остановить, привести в порядок. Возможно ли это?.. После кульминации постепенно нарастающего звукового хаоса наступает долгожданный момент оцепенения. Движение застыло, но не остановилось. Это не успокоение, а истощение и бессилие. Не решение проблем, а уход от них. Таков ответ автора на поставленный вопрос.

В финале концерта прозвучали две мировые премьеры – «32» для кларнета, скрипки и фортепиано (2012) и «Drift» для ансамбля инструментов (2012). Любопытно, что партитура пьесы-миниатюры «32» пронизана цифрами «3» и «2» в различных комбинациях: 3 исполнителя, играющих вдвоем либо втроем, 32 фактурных элемента, длительность 5 (3+2) минут… В этом сочинении мастерски воссозданы звучащая тишина, воздух, пустота и отстраненность. Произведение интересно разнообразными приемами композиторского письма и звуковой выразительности.

По окончании вечера мне, как, наверное, и многим другим, совершенно не хотелось выходить из зала. Музыка была замечательная, исполнение прекрасное, атмосфера теплая и доброжелательная, ведь среди слушателей было много учеников, коллег и друзей композитора. Концерт удался!

Алена Торгова,
студентка
IV курса ИТФ
Фото Ф. Софронова

Tonal oder atonal?

Авторы :

№ 2 (1304), февраль 2013

В Рахманиновском зале 16 декабря прошел второй концерт фестиваля «К 80-летию кафедры инструментовки Московской консерватории». В первом отделении музыка ХХ века звучала в исполнении студентов, аспирантов и профессоров, во втором эстафету принял ансамбль «Студия новой музыки» под руководством Игоря Дронова и Владимира Горлинского. Программа была скомпонована по историческому принципу: от романтических сочинений – к современным композиторским техникам. Хотя плавного перехода, к сожалению, не получилось…

Открывала концерт Екатерина Яцюк с тремя номерами из «Русской сюиты для фортепиано» Евгения Ботярова. Композитор, без сомнения, был большим поклонником французских импрессионистов, и его опус вполне можно было принять за цикл неизвестных прелюдий Равеля или эстампов Дебюсси. Однако если у автора «Пеллеаса и Мелизанды» все миниатюры отличаются изяществом и мастерством пера, то части этой сюиты были однообразны и немного затянуты.

Юрий Фортунатов в своих романсах на слова А. С. Пушкина отдал дань уважения Сергею Рахманинову. «Цветы последние» были пропитаны духом символизма и декаданса, а «Эхо» содержало много трудностей в партии фортепиано, в чем мы могли убедиться, наблюдая за аккомпаниатором Евгением Щербаковым. Солистка Анна Евстисова продемонстрировала нам не меньшее мастерство и тонкость нюансировки.

Валерий Кикта в следующем номере удивил слушателей интересным составом дуэта: Андрей Демин и Татьяна Емельянова исполнили его «Контрасты» для трубы и арфы. Композитор поставил перед собой непростую задачу – соблюсти звуковой баланс между инструментами – и в каждой из двух пьес этого опуса подошел к задаче по-разному. В «Отзвуках ночной музыки» трубач играл с сурдиной от начала до конца, от чего труба больше походила на саксофон или гобой. В «Драматическом этюде» проблема соотношения звука легла целиком на исполнителей, и они блестяще с ней справились. Немного разочаровало отсутствие интересных исполнительских приемов в партии арфы, которая выполняла лишь функцию сопровождения.

Виртуозные возможности фагота продемонстрировала слушателям Нина Роженецкая, которая исполнила «Балладу-этюд» Андрея Гордейчева. В ее руках немного глуховатый и неповоротливый инструмент играл пассажи не хуже флейты и пел как виолончель. Запомнились собравшейся аудитории и выступления других молодых виртуозов – Алексея Почтаренко, Елены Мирошниковой, Станислава Поликарпова, Елены Хургиной, Евгения Кудрявцева и Надежды Аристовой. А вот ведущей концерта Анжелике Комиссаренко не помешает поработать над речевой интонацией.

Во втором отделении прозвучали концерт для 15 исполнителей «Imperativo – non imperativo» Кирилла Уманского, «Киномузыка» для камерного ансамбля Сергея Голубкова, «Schnell zu/g vergangenheit ist eine alte musik schоn/auch k/eine musik?/!» Фараджа Караева. Финальный номер концерта заслужил особое одобрение слушателей: Юрий Каспаров вынес на суд публики свое «Посвящение Онеггеру» для 9 исполнителей. Произведение опиралось на тот же принцип, что и «Пасифик 231», – ускорение движения при замедлении темпа. Остается лишь сожалеть о том, что швейцарско-французский композитор, написавший более пятидесяти крупных сочинений в самых различных жанрах, ассоциируется у многих лишь с его ранним экспериментальным произведением.

Во второй половине концерта наблюдался также интересный феномен – массовый исход из зала представителей старшего поколения. Создалось впечатление, что из всей афиши они заметили лишь одну фразу – «вход свободный», а потом негодовали по поводу отсутствия в программе классики. Пора бы всем настоящим ценителям современности почаще посещать концерты «Студии новой музыки», дабы оказывать должный прием выдающимся произведениям последнего десятилетия.

Виталия Мелехина,
студентка
IV курса ИТФ