Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

Grata Novitas

№ 2 (1313), февраль 2014

Выходить на сцену концертного зала – высокая честь для любого музыканта от зрелого мастера до студента-первокурсника. Энергетика сцены, аплодисменты, зрительское внимание вдохновляют, а значит, дают силы и желание для дальнейших свершений. Нынешней зимой студенческий союз Московской консерватории предложил молодым исполнителям и слушателям абсолютно новый экспериментальный проект: Музыкальный фестиваль студентов и аспирантов Московской консерватории «Grata novitas».

«Консерватория впервые реализует подобного рода инновационный проект, в котором все концерты, начиная с процесса отбора концертных программ до проведения рекламной кампании и привлечения публики, организованы нашими студентами», – подчеркнул ректор, профессор А. С. Соколов в своем приветственном слове. Конечно, воплощение столь грандиозного замысла было бы невозможно без поддержки ректората, но все технические процессы, предваряющие мероприятия, вся подготовка и проведение концертов были тщательно разработаны силами учащихся. Ведущая роль была отведена работе организационного комитета, членами которого стали студенты и аспиранты.

«Идея фестиваля давно созревала в студенческой среде, но до сих пор не находилось возможности для её воплощения, рассказывает художественный руководитель и продюсер фестиваля, председатель профкома студенческого союза, студент IV курса дирижерского факультета Роман Остриков. – А в этом году по нашим просьбам руководство департамента развития концертной деятельности любезно предоставило целых три даты для концертов в Большом зале! Подать заявку на участие в концертах БЗК мог абсолютно любой студент и аспирант Московской консерватории, причем мы организовали онлайн-прослушивание через социальную сеть Московской консерватории Splayn. Были учтены показатели и рейтинговые позиции, просмотрены сотни аудио- и видеозаписей. А для тех исполнителей, кто еще не успел зарегистрироваться в Splayn, были организованы концерты-прослушивания на различных площадках столицы. В итоге фестиваль, по плану предполагавший три вечера в Большом зале, превратился в масштабный творческий цикл из 12 концертов».

Участниками Фестиваля стали более двухсот студентов и аспирантов консерватории. В течение почти полутора месяцев они давали бесплатные концерты и в самой консерватории (кроме БЗК, в зале имени Н. Я. Мясковского и конференц-зале), и во Дворце Н. А. Дурасова, в артистическом центре YAMAHA, в зале Центра культурных инноваций «Дом Скрябина». Два благотворительных вечера прошло в детском доме. Однако центральными мероприятиями фестиваля стали три концерта в Большом зале – 2 декабря, 22 и 26 января. Слушателям были представлены новые исполнительские имена и блестящие номера. Выступление каждого участника стало ярким событием музыкальной жизни консерватории.

Для концертов фестиваля в Большом зале была подобрана интересная программа. Концерт-открытие сочетал в себе сочинения российских и зарубежных композиторов, таких как Рахманинов, Пуленк, Мендельсон, Брамс, Дюка, Гуно, Мчеделов, Чайковский, Лист. 22 января главной темой вечера стал юбилей Римского-Корсакова. Заключительный гала-концерт был приурочен ко дню Св. Татианы – покровительницы студенчества («Татьянин день» был накануне). «Концерт 26 января, – продолжает Роман, – должен был стать одним из главных культурных событий Москвы, посвященных дню студента. Поэтому мы составили программу из наиболее известных широкой публике классических произведений, связались с представителями студенчества из более чем 40 вузов и пригласили их, раздав бесплатные билеты».

«Это была уникальная возможность для начинающих музыкантов выступить на великой сцене, зарядиться потрясающей энергией. Теперь наверняка многократно возрастет их стремление попасть туда снова, повысить свой профессиональный уровень, совершенствоваться, – отмечает художественный руководитель. Среди участников программ в Большом зале были камерные ансамбли самых различных составов и солисты. Но не только. Коллективом, принявшим активное участие в фестивале, стал Международный филармонический оркестр (МФО), основанный в 2013 году в Москве молодым дирижером Фейху Цзяо, учеником профессора Г. Н. Рождественского. Среди сочинений, прозвучавших в исполнении МФО, выделяется Первая симфония П. И. Чайковского, впервые прозвучавшая в редакции Н. С. Голованова. А на открытии возможность исполнить концерт для фортепиано с оркестром Листа получил один из лидеров рейтинга Splayn замечательный пианист I курса Владислав Иванов.

Первый фестиваль, воплощенный студенческими силами, не просто доказал своё право на жизнь, но стал одним из значительных событий нынешнего концертного сезона, серьезной заявкой на деятельное участие молодых музыкантов в самых разных областях творческой жизни Московской консерватории. Подводя итоги, Роман Остриков констатирует главное: «Целью Фестиваля было приобщение широких кругов молодого поколения к классической музыке. Мы хотели зажечь огонек любви к ней, который надеемся со временем превратить в большое пламя. Нам удалось привлечь в консерваторию новую аудиторию: после галаконцерта мы получили большое количество писем благодарности не только от поклонников и ценителей музыкального искусства, но и от тех, кто до сих пор оставался далек от него. Многие ждут продолжения. Название фестиваля происходит от крылатого латинского выражения Grata Novitas, что в переводе означает „приятная новизна“. Думаю, в дальнейшем новизна будет выражаться не только в именах исполнителей, но и в „приятной“ новой музыке!»

Ольга Ординарцева,
студентка ДФ

Фотографии Дениса Рылова с заключительного концерта

Снова научиться удивлять

Авторы :

№ 1 (1312), январь 2014

Хельмут Лахенман

Центр современной музыки Московской консерватории с 16 по 20 декабря провел XIV Международный фестиваль «Московский форум». В этот раз «форум» был посвящен новой музыке России и Германии, он также входил в череду многочисленных творческих мероприятий, связанных с празднованием 20-летия ансамбля «Студия новой музыки», руководимого Владимиром Тарнопольским и Игорем Дроновым. Этот юбилей во многом и определил масштаб события, завершившего уходящий год: на фестивале консерваторский коллектив разделил сцену со знаменитым немецким Ensemble Modern и его «солистом» – Хельмутом Лахенманом.

Приезд культового композитора и лидера немецкой композиторской школы – событие одного порядка с визитом в 1962-м Игоря Стравинского или в 1990-м Карлхайнца Штокхаузена. Справедливости ради стоит сказать, что Лахенман у нас уже был в далеких 1980-х, однако тогда между музыкантами из СССР и ФРГ вряд ли могло быть много общего. Сегодня ситуация иная: несмотря на то, что все его статьи, собранные в большой том и за отдельным исключением пока не переведенные на русский язык, сложны даже для подготовленного читателя, сам он в разговоре предельно ясен для собеседника, любит пошутить, старательно избегает менторских наставлений, всячески поощряет диалог, держится весьма просто. Словом, Лахенман – полная противоположность «гуру» Штокхаузену.

На двух встречах в Конференц-зале консерватории, где ни то, что сеть, – встать было негде, собственных сочинений он почти не касался (объясняя, что не стоит верить композиторам), зато охотно говорил о других, садясь за рояль и наигрывая Баха, Моцарта, Бетховена, Брамса, Брукнера, Малера, Лигети (а напоследок Морриконе). Так, постепенно из экскурсов в композиторскую технику и философию выстраивалась парадигма западноевропейского музыкального искусства. Для начала он приготовил чисто теоретические анализы отдельных частей веберновских циклов. Такой структурный разбор сочинений нововенца в 1950-е и 1960-е служил для поствебернианцев своего рода гимнастикой, упражнением, оттачивающим способность «мыслить музыку». Наделив Веберна не свойственными его мышлению сериальными категориями, Лахенман и сам признался, что все еще «инфицирован» Дармштадтом. А затем на тщательно подобранных примерах объяснил изложенную в научных работах собственную систематизацию звуков и типов изложения музыкального материла.

Для участия в дискуссионной программе фестиваля Центром современной музыки был приглашен представитель современного Дармштадта Йорн-Петер Хикель – музыковед и руководитель Института новой музыки в Дрездене. Однако из-за сверхплотного графика на доклад о современной музыке Германии ему было отведено около часа, и этого, конечно, было крайне мало.
Традиционно исполнители немецкого ансамбля провели серию мастер-классов, а музыкантам «Студии новой музыки» посчастливилось поработать с автором, который еще до приезда в Москву провел с ними видео-репетиции.

Концертная программа фестиваля (получившего в этом году подзаголовок «За колючей музыкой», отсылающий скорее к социально-политическим аспектам взаимоотношений двух стран), отличалась присущей «Студии» широтой спектра. В нее вошли симфонические произведения современных немецких (Э. Поппе, Х. Кибурц, Ф. Гольдман) и российских авторов (А. Сысоев, Н. Прокопенко, Д. Курляндский, Ф. Караев и другие). Главным симфоническим вечерам предшествовали камерные выступления-прологи Сергея Чиркова (аккордеон) и струнного квартета «Студии новой музыки». В рамках фестиваля прошла презентация и концерт нового проекта Центра современной музыки композиторского факультета «Артхроника», посвященного взаимодействию музыки и визуальных искусств. Ансамбль ударных инструментов Марка Пекарского сопоставил в программе два ранних, написанных в один год (1966) сочинения Х. Лахенмана и Э. Денисова – «Интерьер» и «Плачи».

Концерт в Рахманиновском зале консерватории

Одним из самых важных результатов форума стало сотрудничество Ensemble Modern с молодыми российскими композиторами. Премьеры новых сочинений Ольги Бочихиной и Алексея Сюмака, написанные по заказу коллектива, прозвучали в главном вечере фестиваля.

До этого немецкий ансамбль приезжал в Москву дважды. Первый раз – в 1995-м на дебютный фестиваль «Московский форум», где совместно со «Студией новой музыки» исполнил российскую премьеру Реквиема Х.-В. Хенце. Спустя 18 лет музыканты снова встретились на одной сцене в сочинении Лахенмана …zwei Gefühle…, Musik mit Leonardo для чтеца и ансамбля (1992/2003) на текст философской работы Леонардо да Винчи «Жажда познания», вошедший в оперу «Девочка со спичками». Одно из важнейших произведений композитора последнего периода семь лет назад уже звучало в России на фестивале «Территория». Но на этот раз исполнение было во всех смыслах «авторизованным»: партию чтеца Лахенман исполнил сам. За вечер до этого на фестивале он уже предстал в качестве пианиста. Столь активное участие само по себе было чем-то экстраординарным, как и выбор сочинения для сольного выступления – семь коротких пьес Kinderspiel (1980). Интерпретация композиторами собственных сочинений, как правило, отличается особой структурированностью. В них нет ни внешних эффектов, ни напускной эмоциональности, а автор остается наедине со своим материалом. Столь же сильное впечатление от детских пьес, пожалуй, оставляет только игра Куртага.

Вместе с тем даже в программах «Студии новой музыки» сочинения Лахенмана – большая редкость (почти все – российские премьеры). И не потому, что слава авангардиста могла бы сегодня еще кого-то отпугнуть. Наоборот, только сейчас со всей очевидностью открывается, что в основе сложного музыкального языка композитора, требующего систематического освоения как музыкантами, так и публикой, лежат те же гуманистические идеалы, что и в музыке великих предшественников. И тогда авангард, в свое время сознательно отказавшийся от воспринимающего субъекта, но сохранивший главную художественную ценность – жажду познания, становится «охранной грамотой» искусства, предостерегающей его от тождества «я» самому себе. Современное искусство, по мнению Лахенмана, исчерпало возможности провокации, ему необходимо снова научиться удивлять, и для этого оно должно стать «беззащитным».

Ольга Арделяну,
преподаватель МГК
Фотографии предоставлены  Научно-творческим центром современной музыки 

AРТ’инки с выставки

Авторы :

№ 8 (1310), ноябрь 2013

Владимир Селезнев. «Метрополис»

Премия Василия Кандинского – проект, с помощью которого выбираются лучшие работы в области изобразительного искусства последних лет, а также лучшие молодые художники. Премия вручается каждый год, в этом году – уже седьмой раз. Регламент не позволяет участвовать в конкурсе работе, которая старше двух лет, и таким образом автоматически обрекает себя на современность и постоянно обновляемый контекст. Компетентное жюри выбирает лучшие из представленных арт-проектов, которые в качестве номинантов на премию также выносятся на суд публики. Победителей ожидают не только приличная денежная премия, но и выставки в городах России и за рубежом. В этом году одна из них проходит с 13 сентября по 10 ноября в здании с удивительной историей – кинотеатре «Ударник».

Здание кинотеатра в прошлом году перешло в пользование фонда «Артхроника» (учредитель премии – президент фонда Шалва Бреус). Оно является памятником архитектуры и за свою почти столетнюю историю меняло как хозяев, так и функцию: кинотеатр, казино, ресторан… «Ударник» никак не мог принять эти новые роли, однако идея сохранения культурной направленности здания, приспособление его для изобразительного искусства, преимущественно современного, кажется наиболее приемлемой. Пространство кинотеатра таит в себе как трудности для размещения экспозиции, так и большой потенциал. И это доказывают выставки номинантов премии Кандинского. Архитектура кинотеатра несет в себе глубоко индивидуальную атмосферу, и современное искусство очень хорошо в нее вписывается.

Михаил Косолапов. «Непрямое политическое высказывание»

Из более чем 200 арт-объектов жюри выбрало 37. Все они размещены на разных этажах здания согласно тематике, заявленной архитектором выставки. Нижний этаж со своими низкими потолками и особой «затемненной» атмосферой как нельзя лучше соответствует «Пространству памяти и сна». Фойе кинотеатра отдано экспонатам, связанным с нерушимой действительностью («Реальность как документ»). Второй этаж – сам кинозал со своим огромным куполом – представляет наиболее объемные работы, включая крупномасштабные инсталляции («Больше, чем жизнь»). На балконе второго этажа демонстрируются работы, связанные с киноискусством.

В этом году выставка номинантов премии Кандинского имеет для Московской консерватории особый интерес. Сетуя на известную разобщенность студентов музыкального профиля и других творческих вузов, а также на отдаленность области музыкальной от хотя бы изобразительного искусства, наш студент Владислав Тарнопольский предложил организаторам премии проект «Art’инки с выставки». Название не случайно и апеллирует к знаменитым «Картинкам с выставки» Мусоргского, однако в современном изобразительном искусстве нельзя говорить только о картинах или картинках, скорее это арт-объекты. Проект позволяет направить интерес молодых композиторов, в данном случае студентов и аспирантов консерватории, на современное российское изобразительное искусство. В нем участвуют шесть авторов, которые после посещения выставки выбирают наиболее интересный для каждого арт-объект и пишут «по его мотивам» музыкальное произведение. На концерт из этих произведений, который состоится в конце декабря, будут приглашены художники-номинанты премии.

Елизавета Гершунская,
студентка IV курса ИТФ

Софья Гаврилова и Алексей Корси. «Кому принадлежит тень от зонтика»

Яна Сметанина. Проект «2-я стадия»

Яна Сметанина. Проект «2-я стадия»

От редакции: РМ ждет концерт по итогам конкурса и непременно расскажет о результатах сотрудничества своим читателям

SPLAYN объединит музыкантов

Авторы :

№ 7 (1309), октябрь 2013

В современном мире очень редко «двигателями прогресса» и инициаторами новых нестандартных начинаний становятся государственные учреждения. Тем приятнее, что Московская государственная консерватория имени П. И. Чайковского не только поддержала смелую инициативу, исходившую от ее студентов и выпускников, но довела до реализации инновационный проект – социальную сеть для музыкантов и ценителей музыки Splayn (http://www.splayn.com).

Консерватория в данном случае выступает не только как покровитель перспективного проекта, призванного помочь с творческой и карьерной реализацией множеству молодых музыкантов, но и как организатор площадки, объединяющей всю музыкальную индустрию и внедряющей новые принципы ее функционирования. Конечно, социальные сети, а также интернет-ресурсы для общения музыкантов (форумы, тематические порталы) существовали и до Splayn. Однако только сейчас появляется возможность, позволяющая музыканту продемонстрировать весь спектр своего таланта и вступить в прямое творческое соревнование с другими музыкантами.

Презентация Splayn состоялась 19 сентября в Конференц-зале консерватории. Ее открыл ректор профессор А. С. Соколов, подчеркнувший, что идея Splayn появилась в стенах самой консерватории и была поддержана членами Попечительского совета, которые обеспечили ее функционирование. Профессор М. В. Карасева, куратор со стороны Московской консерватории, отметила, что новая социальная сеть поможет установлению многосторонних профессиональных (в том числе дистанционных) контактов между педагогом и учеником, а также сделает более комфортным участие в соцсети тех представителей музыкальной профессуры, которые доныне сторонились подобных структур в Интернете. Основатель и руководитель проекта Сергей Уваров рассказал об устройстве сайта Splayn и его особенностях. Новые возможности соцсети оценил и председатель студенческого профкома Роман Остриков. По его словам, Splayn – это прекрасная платформа для того, чтобы студенты могли заявить о себе и о своем творчестве.

Название сайта образовано из слов sound, play и network, что указывает на его тематическую направленность. Исполнители и композиторы могут публиковать на сайте записи своих произведений и выступлений, анонсировать будущие концерты, создавать базу прошлых выступлений, вести блог и общаться с другими музыкантами. Музыковеды получают площадку для публикации своих текстов, кроме того, они могут рецензировать музыкальные записи композиторов и исполнителей, комментировать чужие блоги и отслеживать выступления музыкантов. Регистрация в сети бесплатна и открыта для всех желающих: хотя Splayn создан под эгидой Московской консерватории, пользоваться им могут не только студенты и выпускники этого учебного заведения, но и все люди, которые связывают свою жизнь с музыкой. Нет никаких ограничений не только по «происхождению» музыкантов, но и по стилю музыкальных записей, хотя ядро нового ресурса будут составлять, скорее всего, работы в сфере академической музыки.

Для молодых музыкантов – учащихся и выпускников музыкальных учебных заведений, членов музыкальных групп и коллективов – участие в Splayn даст возможность создать полноценное профессиональное резюме, представить свое творчество самой широкой публике и, таким образом, найти новых слушателей, получить отзывы других музыкантов, а возможно, и заинтересовать работодателей (менеджеров оркестров, концертных организаций, звукозаписывающих студий).

Одна из ключевых особенностей Splayn, отличающая его от других социальных сетей и онлайн-площадок, – рейтинги. У каждого зарегистрировавшегося пользователя есть рейтинг, который складывается из целого ряда параметров: количество музыкальных записей, количество прослушиваний и скачиваний этих записей, количество подписчиков и друзей, соотношение положительных и отрицательных комментариев и рецензий к музыкальным записям. Чем активнее музыкант, чем больший интерес вызывает его творчество у посетителей Splayn (в том числе незарегистрированных), чем выше оценивает его профессиональное музыкальное сообщество, тем выше рейтинг. Лидеры рейтинга и их музыка оказываются на главной странице сайта. Этот механизм позволяет громко заявить о себе любому таланту, вне зависимости от его места пребывания и учебы, наличия или отсутствия связей. Помимо самых рейтинговых записей на главную страницу попадают также и все только что размещенные записи, поэтому хотя бы на несколько минут любая музыка оказывается в центре внимания посетителей и участников Splayn.

На презентации с музыкальными номерами выступили первые участники Splayn, представители трех разных звеньев музыкального обучения: скрипачка Полина Сенатулова (ЦМШ при МГК), пианист Андрей Романов (АМК при МГК) и певец Александр Бородейко (студент МГК).

Презентация Splayn вызвала широкий резонанс в прессе и музыкальном сообществе: множество людей поделилось новостью на своих страничках в Facebook и Вконтакте, поставили отметки «Мне нравится» под анонсом на официальном сайте Московской консерватории и на публикациях центральных СМИ. А уже через неделю после московской презентации ректор А. С. Соколов представил Splayn в Минске на Совете ректоров консерваторий стран-участниц СНГ. Презентации новой соцсети прошли также в Санкт-Петербурге – на конгрессе Общества теории музыки и в Санкт-Петербургской консерватории им. Н. А. Римского-Корсакова. В будущем планируются встречи создателей Splayn со студенческо-педагогическими коллективами и в других центрах музыкальной жизни России. Широкая география презентаций свидетельствует об общероссийском (а в перспективе и международном) характере масштабного проекта, лишний раз подчеркивающего передовую роль Московской консерватории в просветительской и образовательной деятельности.

Собкор «РМ»

Дуэль без проигравших

Авторы :

№ 9 (1302), декабрь 2012

Проект под завлекательным названием «Дуэль оркестров», реализованный совместными силами Казахской национальной консерватории им. Курмангазы (Алма-Ата) и Московской консерваторий им. П. И. Чайковского, привлек большое внимание москвичей. В нем приняли участие студенческие творческие коллективы Казахской консерватории: Симфонический оркестр, Ансамбль народного пения, Ансамбль домбристов, Этно-фольклорная группа «Туран», совершавшие гастрольную поездку в Санкт-Петербург и Москву. Заключительным аккордом стала пресс-конференция и концерт в Большом зале консерватории 13 ноября.

Вечер открылся приветственными речами ректоров обеих консерваторий – А. С. Соколова и Ж. Я. Аубакировой. «Предыдущее выступление казахстанских студентов состоялось в Москве более 30 лет назад, – подчеркнула Жания Яхияевна. – А сейчас мы представляем нашу консерваторию в новом виде и в обновленном качестве –  как ведущий музыкальный вуз нового, независимого Казахстана». И пообещала нечто особенное в финале концертной программы.

Но «особенное» началось уже с первого номера концерта. Музыканты фольклорно-этнографического ансамбля «Туран» в необычных сценических костюмах исполнили на традиционных инструментах композицию «Қазақ елі» («Казахский народ») в духе народных музыкальных легенд. Сильное впечатление произвели горловое пение и традиционный прием изображения волчьего воя на кобызе (смычковый хордофон). В поэме «Дала сыры» («Краски степи») для фольклорного ансамбля и симфонического оркестра композитор А. Раимкулова через авторское претворение различных традиционных жанров постаралась передать разные стороны народной жизни. А завершилось первое отделение «Рапсодией на тему Паганини» С. Рахманинова в исполнении лауреата международных конкурсов Сергея Кима (класс Ж. Аубакировой) со студенческим симфоническим оркестром, протянув первые нити связи между казахской и русской музыкой.

Во втором отделении на сцене с удивительной легкостью разместились сразу два оркестра – симфонический и народных инструментов, приготовившихся к обещанной в афишах «дуэли». Первым выступил симфонический оркестр, исполнивший третью и четвертую части Третьей симфонии К. Сен-Санса с органом. Мастерская игра студентов под управлением молодого дирижера Каната Омарова продемонстрировала хороший профессиональный уровень студенческого коллектива.

За этим последовала поэма «Махамбет» замечательного композитора ХХ века Нургисы Тлендиева: волевой характер поэта и борца за социальную справедливость Махамбета Утемисова, претворенный в не менее волевых и энергичных образах музыки, умножился благодаря незаурядному таланту дирижера Армана Жудебаева и зажигательной игре музыкантов-народников, вызвав бурные овации в зале. Не меньший эффект произвел номер «Ән шашу» («Россыпь песен»), в котором были представлены песенные традиции разных регионов Казахстана в исполнении молодых мастеров традиционного пения: Ж. Маясарова, Н. Асканова, Э. Карабалиной и Г. Шаймахановой. Состязание домбристов было показано в номере «Кюй тартыс» («Соревнование кюев»). Артистичность А. Тлепбергенова, Н. Тажикенова, Е. Жаменкеева и А. Жудебаева приковала к себе все внимание слушателей – удивили виртуозные исполнительские приемы, порой похожие на трюки жонглеров.

Однако апофеозом вечера стала собственно оркестровая дуэль. Закономерно, что идея «соревнования» оркестров возникла именно в Казахстане, где по сей день сохраняются традиции песенных и инструментальных состязаний. Конечно, цель такой «дуэли» – не смерть противника, а демонстрация мастерства и таланта. А в данном случае это еще и диалог – прошлого и современности, Востока и Запада.

Оркестры поочередно вступали с фрагментами популярной мировой и казахской классики: «Кыз куу» («Догони девушку» – народная игра) Е. Рахмадиева, кюй Таттимбета «Саржайлау», увертюра к опере «Свадьба Фигаро» Моцарта, увертюра к оперетте «Летучая мышь» И. Штрауса, кюй «Адай» Курмангазы – переходили от симфонического оркестра к народному и наоборот. А когда «Куплеты Тореадора» Ж. Бизе оба оркестра заиграли разом, зрители принялись хлопать в такт. Одобрительный гул и выкрики «Браво!» не могли не закончиться исполнением «на бис».

Студенты Казахской национальной консерватории подарили Москве незабываемый праздник музыки. Это оценила публика. Это же подчеркнул и ректор Московской консерватории профессор А. С. Соколов: «Для тех, кто впервые услышал оркестр, качество было поразительным откровением, потому что студенческий коллектив есть студенческий коллектив. Многие воспринимают его с легким оттенком снисходительности. Так вот этого чувства совершенно не было. Студенты – настоящие музыканты. Они играли вдохновенно, все звучало замечательно. А выстроена программа, по-моему, была очень остроумно, ярко, и для публики это был настоящий предновогодний подарок».

Валерия Недлинна,
слушатель ФПК по музыкальной журналистике

Дебюсси и наше время

№ 8 (1301), ноябрь 2012

Поэтичную и красочную золотую осень текущего года украсил великолепный международный фестиваль «Дебюсси и его время», приуроченный к 150-летию со дня рождения великого французского композитора. Его организовала и провела Московская консерватория в период 17–30 октября. Юбилейные торжества поразили своим масштабом и разносторонностью как в представлении музыки Дебюсси, его и наших современников во всем многообразии жанров, так и в решении иных творческих задач. Яркими «импрессиями» от фестиваля делится с читателями «режиссер» состоявшегося действа – проректор по артистической деятельности Московской консерватории профессор А. З. Бондурянский.

— Александр Зиновьевич, раскройте тайну – каково Ваше личное отношение к музыке Дебюсси и как оно отразилось на концепции фестиваля?

— Я преклоняюсь перед личностью и музыкой Дебюсси. Для меня его творчество – большая загадка, потому что это был невероятно скромный человек, который, конечно, осознавал мощь своей фантазии, но никогда никого не учил, не поучал и не стремился на кого-либо влиять своим искусством.

— И тем не менее Дебюсси предвидел новшества музыки ХХ века не меньше, чем отразил стилистические тенденции своей эпохи?

— Да, сейчас мы можем сказать, что Дебюсси как никто другой оказал влияние на музыку ХХ и даже XXI веков, поэтому мы не могли пройти мимо такой даты как 150-летие со дня его рождения.

— Какие аспекты творчества французского мастера Вы хотели высветить, может быть, открыть в нем нечто новое и ранее неизвестное российским слушателям? Какие загадки Вам удалось разгадать?

Камерный оркестр МГК (худ. рук. Ф. Коробов), дирижер П. Амояль (Франция)

— Загадок и разгадок было много. Каждая разгадка таила в себе новую загадку. Так всегда у Дебюсси: когда тебе кажется, что ты приближаешься к открытию секрета его творчества, его музыкального языка, тут же оказывается, что ты так же далек от разгадки, как и в самом начале пути. Конечно, мы понимали, что только монографический фестиваль недостаточен для такой даты. В нашей стране и за рубежом произведения Дебюсси исполняются очень часто, и его музыка без сопоставления с музыкой других авторов будет довольно трудной для восприятия.

— Тогда по какому принципу подбиралась концертная программа фестиваля?

— Мы пошли по пути создания панорамы «Дебюсси и его время», которая оказалась очень широкой, потому что в программу были включены сочинения композиторов, которые на первый взгляд очень далеки от французского мастера. Например, в концерте «Московского трио» прозвучали Трио Дебюсси, написанное 18-летним юношей, и Трио Петра Ильича Чайковского. Казалось бы, между ними нет никакой связи, но она есть, и о ней известно внимательным читателям переписки Чайковского и фон Мекк. Об этом прекрасно написано в книге Т. А. Гайдамович «Русское фортепианное трио», где цитируется письмо фон Мекк Чайковскому о том, что маленький Бюсси завершил очаровательное трио, и почему бы и вам, Петр Ильич, не сочинить что-то в этом же роде? На это Чайковский ответил, что по природе своего слухового аппарата он не воспринимает сочетание струнных и рояля в одном ансамбле и ему трудно решить задачу, как выразить мысль именно в жанре трио. Но спустя полтора года после этого диалога он пишет, что работает над Трио памяти Н. Г. Рубинштейна… Конечно, невозможно напрямую связывать эти два сочинения, но очевидно, что в тайниках творческого сознания и подсознания этот посланный фон Мекк импульс мог принести свои плоды. Поэтому французское и русское трио не случайно оказались рядом.

Что Вы хотели бы выделить в прошедшем фестивале, каковы его основные направления?

«Диснейленд Клода Дебюсси». Детская танцевальная группа (худ. рук. Н. Кайдановская)

— В фестивале прослеживались две четкие линии. Первая связана со всеобъемлющим показом творчества самого Дебюсси. Например, на концертах «Московского трио», кафедры камерного ансамбля и квартета и фестиваля «Ars Longa» прозвучали все камерные сочинения французского мастера. Многие пьесы звучали в исполнении разных музыкантов, и здесь ставилась задача сравнения интерпретаций. Некоторые опусы композитора были представлены в оркестровой версии и в переложении для двух фортепиано, что приоткрывало новые грани его творчества.

— Воистину энциклопедический подход к наследию Дебюсси!..

— Жан-Эффлам Бавузе в разговоре со мной признался, что фестиваля такого масштаба ни в Париже, ни в Нью-Йорке в этом году не проводилось. Во Франции сейчас проходят лишь серия концертов из музыки Дебюсси и отдельные сольные монографические программы. Но вот такое концентрированное празднование юбилея получилось только в России, в Московской консерватории, о чем свидетельствовали все французские артисты, приехавшие к нам. Еще одной линией фестиваля стало сотрудничество Московской консерватории с Французским институтом в России и руководителями Международного фестиваля «Ars Longa», благодаря которому удалось привлечь известных французских исполнителей, таких как скрипач и дирижер Пьер Амояль, пианисты Ален Планес и Жан-Эффлам Бавузе, флейтистка Патрисия Нейгл, баритон Лоран Наури, органист Эрве Дезарбр. Высочайший художественный уровень «французского корпуса» способствовал плодотворному культурному взаимообмену и творческому сотрудничеству двух стран.

— Что было необычного в прошедшем фестивале? Применялись ли какие-то новые формы художественной презентации?

Концертный симфонический оркестр МГК, дирижер А. Левин

— Первым я бы назвал «Дебюсси-марафон», когда в течение одного дня, с полудня до полуночи, в Рахманиновском зале прозвучали практически все фортепианные сочинения композитора. Причем публика осаждала зал очень активно, что было очень приятно. Затем был концерт «Hommage à Debussy», когда прозвучали произведения десяти разных, в том числе современных авторов, посвященных Дебюсси. Это был впечатляющий вечер! Наконец, упомяну необычный дневной концерт «Диснейленд Клода Дебюсси». Это было театрализованное действо по мотивам сочинений «Детский уголок» и «Ящик с игрушками», от которого маленькие зрители в зале были просто в восторге! Дети танцевали на фоне талантливых декораций А. Кайдановской, хореографическую постановку осуществила Н. Кайдановская, режиссером был П. Татарицкий. Еще бы отметил два концерта специально приглашенных гостей: ГАСО России под управлением Владимира Юровского и оркестра «Новая Россия» под управлением Юстуса Франца. Новой формой в рамках фестиваля был и концерт в музыкальной гостиной, посвященной Дебюсси и музыке русского символизма.

— В рамках фестиваля не только шли концерты, но и состоялась двухдневная международная научная конференция, на которой творчество Дебюсси рассматривалось в широком культурном контексте?

«Дебюсси-марафон». В. Тарасов (перкуссия, Литва)

— Разумеется, нельзя не отдать должное серьезнейшему музыковедческому освещению на научной конференции творчества Дебюсси, его современников и проблематики, связанной со стилем композитора и импрессионизмом в музыке. Она была представительной, интересной и впечатляющей. Кроме того, состоялись мастер-класс П. Амояля, встречи А. Планеса и П. Нейгл со студентами. В результате у нас получился колоссальный музыкально-просветительский и творчески-образовательный комплекс мероприятий. Мы прошли интересную и полезную школу познания. Это было – опять же в стиле Дебюсси – не столько получение знаний, сколько предложение самому познавать и делать открытия.

— Чтобы поднять такое грандиозное  мероприятие, нужна была всесторонняя поддержка?

— Разумеется, творческий успех этого действа не мог бы состояться без заинтересованности и поддержки ректора А. С. Соколова, обратившегося к участникам фестиваля с проникновенным посланием. Я бесконечно благодарен и всем, кто сопричастен этому событию, кто вложил силы и душу в фестиваль, что было очень непросто. И, конечно, московским слушателям, которые проявили к фестивалю большой интерес.

— Судя по многостороннему освещению творчества композитора, по широте концертных программ и задач фестиваля, он представляется не столько ретроспективой эпохи Дебюсси, сколько перспективой его творчества. Какова она? Что еще нам предстоит открыть в Дебюсси в будущем?

— Пусть это остается загадкой для музыкантов и каждый будет ее разгадывать по-своему. А нас впереди ждут не менее значимые концерты, фестивали и конкурсы. Мы живем в напряженно-динамической творческой обстановке. Такой modus vivendi был заложен основателем Московской консерватории – Н. Г. Рубинштейном, вся деятельность которого была очень разносторонней и всеохватной, и мы стремимся жить такой же полной творческой жизнью.

Беседовала М. В. Переверзева,
преподаватель МГК

«Время – мой самый лучший адвокат»

Авторы :

№ 4 (1296), апрель 2012

Герман Ханачек. Портрет В. И. Сафонова. Нью-Йорк, 1907. Холст, масло

Всякий раз любуясь уникальным архитектурным ансамблем нашей Alma mater, часто ли мы вспоминаем ее директора, усилиями которого она обрела свой неповторимый облик? В этом году исполнилось 160 лет со дня рождения Василия Ильича Сафонова (1852–1918) – выдающегося русского музыканта и просветителя. С начала февраля под эгидой Всероссийского музейного объединения музыкальной культуры имени М. И. Глинки, Московской государственной консерватории, Международного союза музыкальных деятелей и Фонда А. Н. Скрябина в Москве проходят конференции, концерты, выставки, посвященные этой дате, выходят новые публикации. Творческое наследие В. И. Сафонова переживает свое второе рождение.

«Сильный был человек, любопытнейшая, яркая фигура, сложность и одаренность удивительнейшие. Казак, старовер, нежнейший пианист, действительный статский советник, хозяин гостиницы в Кисловодске, превосходный капельмейстер, делец-администратор, чувствительнейший и добрейший человек, самовластнейший деспот в директорах консерватории, американец, европеец, остроумнейший и развеселый собеседник с меланхолическими глазами и червоточиною внутри. Воплощение того русского таланта, который на все годится и всюду чувствует себя неудовлетворенным…» Таким многоликим запомнился Василий Ильич Сафонов известному московскому литератору конца XIX – начала XX века А. В. Амфитеатрову.

А. С. Соколов и М. А. Брызгалов на открытии «Сафоновских чтений»

Оценивая значение этой личности в контексте эпохи Серебряного века, осознаешь, что по масштабу своей созидательной деятельности Сафонов сопоставим лишь с Антоном и Николаем Рубинштейнами. Такой же титанический размах, блестящее достижение поставленных целей, полная самоотдача. Такой же единоличный стиль управления: неслучайно современники определяли периоды их директорств как «царствования». Сафонов выступил продолжателем рубинштейновских инициатив и, вместе с тем, завершителем традиции дореволюционного русского музыкального просветительства, распространявшегося не только на Россию, но и далеко за ее пределы.

Путь Сафонова в музыке был неординарным. Уроженец Терского края, наделенный от природы блестящими музыкальными способностями, он избежал участи вундеркинда, получив образование в одном из привилегированных учебных заведений Российской империи – Александровском (бывшем Царскосельском) лицее и занимаясь частным образом по фортепиано (у А. И. Виллуана и Т. О. Лешетицкого) и теории музыки (у Н. И. Зарембы). Перед ним открывалась перспектива чиновничьей службы. Однако при первой возможности он оставил эту стезю и поступил в Петербургскую консерваторию (1879), закончив ее с золотой медалью всего через год (!) после поступления. Музыкальная карьера Сафонова развивалась стремительно: вчерашний студент превратился в преподавателя Петербургской (1880), через несколько лет – в профессора Московской консерватории (1885), а вскоре он возглавил ее в качестве директора (1889). Его 17-летнюю деятельность на этом посту без преувеличения можно охарактеризовать как подвижничество.

Участники «Сафоновских чтений»

История взаимоотношений Сафонова с Московской консерваторией драматична. Получив ее в состоянии потери лидерских позиций на музыкальной арене города, он поднял престиж учебного заведения на недосягаемую высоту: сформировал новый консерваторский оркестр, создал уникальную фортепианную школу. Из его класса вышли столь разные индивидуальности, как А. Н. Скрябин, Н. К. Метнер, И. А. Левин, Р. Я. Бесси-Левина. Но главное, он воздвиг новое великолепное здание консерватории. Сафонову пришлось услышать в свой адрес немало нелестной критики, в том числе упреки в непомерном честолюбии и амбициях. Но какова была его собственная мотивация?

«…Если бы каждый из нас делал бы возможно совершеннее свое дело, не примешивая к нему ничего постороннего, это было бы настоящее Царствие Божие. Так я всегда старался жить, оттого всегда мужественно нес всякие невзгоды и одно могу сказать – в гробу мне лежать не будет стыдно» – так писал Сафонов своему бывшему ученику Константину Игумнову, покидая директорский пост. Как известно, уход Василия Ильича был обусловлен его несогласием с мнением Художественного совета. Всегда открыто исповедовавший свои жизненные, художественные и идеологические принципы, Сафонов был убежден: «Искусство аристократично и монархично. Как нельзя “комитету” написать симфонию, также точно и большое художественное дело может вести только один человек, даже два будут друг другу мешать, а, следовательно, мешать и самому делу. Это для меня ясно. Иначе я не представляю себе правильной постановки художественного воспитания».

В. И. Сафонов

В 1906 году начался зарубежный, не менее насыщенный этап биографии Сафонова. Он приобрел мировую известность в качестве дирижера, активно пропагандируя русскую музыку. Аристократ и самовластный руководитель, Сафонов никоим образом не может быть назван музыкальным консерватором. Непревзойденный истолкователь классиков, он испытывал жгучий интерес к современности, в частности, к сочинениям Я. Сибелиуса, Р. Штрауса, Э. Элгара, ранним опусам С. Прокофьева. Огромны его заслуги в пропаганде сочинений Чайковского и Скрябина. Его концертный график не ослаб даже в период Первой мировой войны. Лишь в 1917 году он вынужден был прекратить заграничные выступления.

После смерти Сафонова его имя по идеологическим причинам оказалось в тени. Сын генерала царской армии, тесть министра финансов, отец возлюбленной адмирала Колчака не вписывался в каноны советской историографии. Круг молчания был разорван в конце 1950-х годов в связи с победой на Первом международном конкурсе имени П. И. Чайковского Вана Клиберна – «музыкального внука» Сафонова. Сейчас идет активная разработка его творческого наследия, по материалам которого подготовлен такой фундаментальный труд, как «Летопись жизни и творчества В. И. Сафонова» (М., 2009; сост. Л. Тумаринсон, Б. Розенфельд). Начиная с 1992 года регулярно проводятся всероссийские конференции и форумы, приуроченные ко дню рождения Василия Ильича (25 января / 6 февраля).

На сей раз статус «Сафоновских чтений» был особенно высок: они объявлены «международными». Чтения проходили в Музее-квартире А. Б. Гольденвейзера, который с 9 по 11 февраля 2012 года превратился в центр научно-музыкальной жизни. Хранителям этого уникального Дома – А. Ю. Николаевой и А. С. Скрябину – удалось создать неповторимое сочетание гостеприимства, доброжелательной ауры и старомосковского уюта. Звучание гольденвейзеровского «Бехштейна» воскресило дух ушедшей эпохи. Постоянную музейную экспозицию дополнял портрет В. И. Сафонова работы Г. Ханачека.

В приветствиях ректора Московской консерватории А. С. Соколова и генерального директора ВМОМК М. А. Брызгалова были затронуты проблемы преемственности музыкальных поколений, забвения и исторической памяти. Результаты своих изысканий представили ведущие музыковеды и молодые исследователи из России (Москва, Санкт-Петербург, Клин, Кисловодск, Пятигорск, Екатеринбург, Астрахань), Украины, Швеции, Италии. В докладах Сафонов был представлен во всех ипостасях – как пианист, педагог, дирижер, администратор, общественный деятель и, наконец, как гражданин мира и автор богатейшего эпистолярия: презентация «Избранной переписки» Сафонова (сост. Е. Кривицкая, Л. Тумаринсон) стала важным событием Чтений.

Не менее насыщенной была концертная программа из произведений, посвященных Сафонову композиторами-современниками. Она стартовала в Малом и завершилась в Большом зале Московской консерватории. Сейчас в его фойе размещена мемориальная сафоновская экспозиция. Безусловно, открытие нашего «Храма искусства» после прошедшей реставрации стало наиболее весомым приношением В. И. Сафонову. «Время – мой самый лучший адвокат» – пророчески писал Василий Ильич более века назад. Сейчас «время Сафонова» настало.

Г. А. Моисеев,
c
т. научный сотрудник МГК

Иллюстрации предоставлены ВМОМК им. М. И. Глинки

Под жарким солнцем Италии

Авторы :

№ 2 (1294), февраль 2012

Холодным и темным декабрьским днем уходившего года в фойе Большого зала открылась уникальная выставка – «Луиджи Ноно, 1924-1990. Маэстро звуков и тишины» (из архивов Фонда Луиджи Ноно в Венеции), – посвященная музыканту, признанному сегодня одним из самых значительных композиторов второй половины ХХ века, творцом нового музыкального звука, нового музыкального времени и пространства. Как по волшебству выставка перенесла всех в прекрасную солнечную страну, став мощным заключительным аккордом необыкновенно насыщенного культурными событиями Года Италии в России и, одновременно, началом XIII Международного фестиваля современной музыки «Московский форум» с названием не только красивым и поэтичным, но и удивительно точным: «Россия – Италия: искусство перспективы».

С приветственными речами выступили организаторы выставки: ректор профессор А. С. Соколов, директор Итальянского института культуры в Москве господин Дель Аста; художественный руководитель «Московского форума» профессор В. Г. Тарнопольский. Особую значимость событию придало участие легендарного режиссера Ю. П. Любимова автора нашумевшей постановки новаторской оперы Луиджи Ноно «Под жарким солнцем любви» в миланском театре Ла Скала (1975), которая в свое время стала европейской сенсацией. После открытия выставки все переместились в Конференц-зал, где Юрий Петрович подробно рассказал о совместной работе с Ноно над его оперой, а затем последовал ее многочасовой видеопоказ.

Центр современной музыки при поддержке Итальянского института культуры в Москве преподнесли публике бесценный подарок. Мы смогли увидеть редчайшие архивные документы. Множество фотографий из семейных альбомов: Ноно – на гондоле, на фоне венецианского собора Святого Марка, с супругой Нурией – дочкой Арнольда Шенберга, со своими детьми. Совсем иное – фотография с рабочими на какой-то итальянской фабрике (заметно, что рабочие, как ни странно, в совершенном восторге от авангардной музыки Ноно). Или явно очень старая фотография – молодой Ноно на даче своего любимого учителя Джан Франческо Малипьеро – крупнейшего педагога, открывшего полифонию эпохи Возрождения для итальянских музыкантов ХХ века (кстати, будущего прославленного авангардиста он учил по «устаревшим» трактатам ренессансных мастеров о контрапункте; Ноно это почему-то очень нравилось!)…

На других стендах – эскизы, схемы, планы, наброски. Листок нотной бумаги – учебные конспекты: «Урок 15. Название урока: трехголосный контрапункт». Под этим – последовательность из двенадцати звуков, и все. Тут же: «Урок 16». Столбиком, по пунктам, аккуратно записаны какие-то правила, научные понятия, их значение, «ученая» терминология…

Подробнейший фонетический анализ стихотворения, положенного затем в основу хорового опуса 1957 года (поэтические строки пронумерованы, все гласные подчеркнуты красным карандашом; на полях синей и черной ручкой зафиксированы отдельные мысли, намечен динамический профиль)…

Цитаты из предисловия к «Прометею»: «Прометей» – это не опера. Это – трагедия, состоящая из звуков. Это – путешествие мысли, это – плавание от одного острова к другому. Уметь слушать. Даже тишину. В тишине очень трудно слышать другого. Другие мысли, другие знаки, другое звучание, другие слова, другие языки.

Интереснейшая схема-график (1984), изображающая исследование структуры цвета (рабочие материалы Ноно для его постановки «Прометея», где композитора увлекали связи цвета, света и звука; почему-то вспоминается Гете с его «Учением о цвете», эксперименты Скрябина)… На противоположной стене – страница с любопытными кружочками, стрелками, квадратиками, нарисованными цветными фломастерами, – это схема распространения звука для пьесы «Нет дорог, нужно идти» (1987 год), посвященной Андрею Тарковскому (название – часть фразы, начертанной на стене одного старинного францисканского монастыря в Андалусии)…

Присутствовавшая на открытии выставки профессор Л. В. Кириллина, автор нескольких книг об итальянской музыке ХХ века, в ответ на вопрос «Много ли раз бывал Ноно в России?» рассказывает:

Будучи коммунистом, Ноно, естественно, приезжал в Советский Союз. Но когда он приезжал, все время получались какие-то несовпадения между тем, что он желал бы видеть, с кем он желал бы встретиться, и тем, что ему предлагалось – официозная программа. Не принимать его радушно не могли, поскольку он был и коммунист, и, между прочим, член ЦК итальянской компартии. Но с точки зрения наших партийных деятелей он выглядел несколько нетрадиционно для такого серьезного амплуа. А ему, естественно, хотелось узнать, что делают люди, которых он считал наследниками первого русского авангарда – 20-х годов, его тянуло к молодым тогда композиторам (он очень ценил Губайдулину). А когда зашла речь о сотрудничестве с Любимовым, то в высших кругах всячески пытались этого не допустить и пришлось привлечь «тяжелую артиллерию» в лице двух генсеков итальянской компартии, директора Ла Скала Паоло Грасси, и тогда, наконец, это приглашение состоялось.

Воспоминания Ю. П. Любимова о работе над оперой Луиджи Ноно оказались особенно колоритными. Описывая давние события, Мастер был остроумен и по-театральному ярок:

Это был прекрасный господин, дамы не могли перед ним устоять. Я не пропагандирую Дона Джованни, потому что Луиджи – интеллектуал, но он – очень свободный человек. И, конечно, мне было очень интересно находиться рядом с ним – это осталось со мной на долгие годы, а ведь все было давно.

Предприятие было странное. Для нас, советских. Потому что началось с переговоров господина председателя компартии Италии с нашим дорогим товарищем Брежневым. И когда просили, чтобы прислали меня, то он отвечал: «Мы пришлем тебе хорошего, а вот этот – плохой, не надо». Переговоры продолжались в течение целого года…

Ноно появился в Москве с огромным портфелем. «Луиджи, что это, у вас там такая бюрократия в Италии, что вы ходите с такими портфелями?» «Нет!» «А где же ты его купил-то?» «Это сделала мне жена, Нурия. Там диаграмма!» Я говорю: «А как же я буду их читать?» «А я тебе все расскажу.» (Потом эту музыку мне расшифровывал Эдисон Денисов, он ведь виртуоз! Он мог воспроизвести, показать, как все развивается. Он садился за рояль, ставил эти диаграммы, бил по клавишам, потом бил ногой, потом изображал голосом: «Ааауеа Зааа бум бум бум»… Эдисон дал свои пластинки с записями других вещей Луиджи, чтобы я влез в его мир, в его звуки, чтобы я имел какое-то представление о его музыке, чтобы я приехал в Италию с каким-то планом, а не просто неподготовленным кретином…)

Министром культуры тогда был Петр Нилыч Демичев, который очень не любил меня, – он как дама покрывался пятнами, когда я являлся по приказу. Министр решил узнать, что такое эта новая музыка, которую он, вроде, должен был благословлять. И вот мы с Ноно к нему явились. Луиджи пришел в галстуке, свитере, сверху пиджак (Россия – холодная страна). Когда он начал рассказывать про музыку, то сперва снял галстук и бросил на пол. Настороженный министр (кандидат в члены Политбюро!) воспринял это как пощечину, вздрагивал. Потом Ноно стало жарко (он все рассказывал, цитаты приводил: Парижская Коммуна… Маркс… Ленин…), и он снял и бросил пиджак, затем свитер… Тот – вообще в полном смятении. Дальше Ноно цитирует еще какие-то свои вещи: «Мммаррр-к-к-к-ссссс-ссссс…» Министр думает, что он попал в сумасшедший дом, и не пора ли нажать кнопку, чтобы нас вывели… Но какой вывод сделал я? С тех пор я стал небрежно относиться к вещам. Я стал раскрепощенным. Я и был раскрепощенным, но не настолько, насколько надо в искусстве. А Луиджи научил меня с пренебрежением относиться к материальным вещам. Видите, я до сих пор это помню…

(далее…)

Под материнским крылом

Авторы :

№ 8 (1291), ноябрь 2011

23 октября в Малом зале состоялся знаменательный музыкальный вечер – концерт-презентация Ассоциации выпускников Московской консерватории «Alma Mater». О деятельности и планах Ассоциации, которую возглавляет всемирно известный пианист и дирижер Владимир Ашкенази, а организует и курирует ее работу Координационно-аналитический отдел консерватории, «Российский музыкант» ранее уже рассказывал своим читателям (см. «РМ» – 2010, № 8). Новый проект «Alma Mater» теплыми словами приветствий открыли ректор профессор А. С. Соколов и почетный профессор консерватории, композитор А. Я. Эшпай.

Первый блок музыкальной программы был посвящен композиторской школе Московской консерватории. Вечер начался лирическим «Адажио» Алексея Рыбникова в исполнении автора (фортепиано) и Бориса Андрианова (виолончель), который позднее выступил также в ансамбле с пианистом Яковом Кацнельсоном (музыканты исполнили романсы Рахманинова в переложении для виолончели и фортепиано). Иная грань творчества А. Рыбникова предстала перед слушателями в моторной «Токкате», блестяще сыгранной Екатериной Мечетиной. Мастерство пианистки сказалось и в виртуозной пьесе композитора Толиба Шахиди «Игра в нарды». А философское сочинение Т. Шахиди «Разговор птиц», синтезирующее традиции древневосточной культуры с европейским музыкальным мышлением, было тонко интерпретировано ансамблем флейт «Сиринкс» (Святослав Голубенко, Ирина Еленевская-Скуратова, Павел Студенников).

Музыкальный подарок гостям вечера приготовила известная певица России и Абхазии Хибла Герзмава. В сентябре этого года примадонна дебютировала на сцене парижской Гранд-опера, исполнив партию Вителлии в опере Моцарта «Милосердие Тита». Московским меломанам выпала счастливая возможность услышать фрагмент этой парижской работы певицы в сопровождении пианистки Екатерины Ганелиной.

Ассоциация «Alma Mater» поддерживает контакты с выпускниками консерватории, живущими не только в России, но и за рубежом. Подтверждением тому стало выступление органистки Елены Кейлиной, которая специально прилетела из Франции, чтобы принять участие в концерте-презентации. В ансамбле с Михаилом Уткиным Е. Кейлина исполнила сонату Вивальди ми минор для органа и виолончели.

Незабываемое впечатление оставил Юрий Медяник, покоривший публику искусством игры на баяне. Успешно окончив консерваторию как скрипач, он в совершенстве освоил баян, а затем и национальный аргентинский инструмент – бандонеон. В переложении для баяна прозвучала Cоната фа мажор Скарлатти и зажигательная джазовая пьеса Гальяно «Fou rire».

Ярким финальным аккордом концерта стало выступление камерного оркестра «Arpeggione» под управлением Валентина Урюпина. Будучи одним из самых известных российских кларнетистов своего поколения, он сочетает сольную карьеру с дирижированием, где также достиг немалых успехов. В этот вечер музыкант с блеском продемонстрировал обе грани своего таланта, виртуозно исполнив сольную партию в Интродукции, теме и вариациях Россини для кларнета с оркестром.

Программа вечера выдалась богатой на контрасты, а неформальные диалоги ведущей Ирины Тушинцевой с участниками добавили концерту живости. Прославленных музыкантов, выступающих по всему миру, объединило в этот вечер чувство глубокой преданности Московской консерватории. Остается только пожелать Ассоциации «Alma Mater» столь же удачных проектов, а консерваторским слушателям – новых встреч с ее знаменитыми выпускниками.

Собкор «РМ»

Новое поколение выбирает Страдивари

Авторы :

№ 8 (1291), ноябрь 2011

Появление на концертной сцене даже одного инструмента великого Антонио Страдивари придает музыкальному событию высочайший статус. 20 октября 2011 года в Большом зале Московской консерватории состоялось беспрецедентное музыкальное действо: сразу семь творений гениального итальянского мастера ожили в руках молодых музыкантов из Франции и России.

Матье Арама, Лев Солодовников, Сергей Поспелов, Александр Котельников

Идея уникального проекта родилась всего четыре месяца назад. Один из самых влиятельных виноделов мира, известный французский меценат Бернар Магре, вместе со своей российской партнерской компанией «Алианта Групп» выступил с инициативой презентации в Московской консерватории скрипки Страдивари из его личной коллекции. Консерватория идею не только поддержала, но и значительно расширила: вместе с гостьей из Франции было решено представить публике шедевры Страдивари, хранящиеся в российской Государственной коллекции уникальных музыкальных инструментов. Покровителем международного культурного проекта стала ассоциация «Франко-Российский диалог», сопрезидентами которой являются с российской стороны глава ОАО «Российские железные дороги» В. Якунин, а с французской – почетный председатель компании «Total S. A.» Т. Демаре.

«Проект “Страдивари-диалог” восстанавливает связь времен, – подчеркнул в своем приветствии ректор профессор А. С. Соколов. – Некогда меценат Константин Третьяков подарил Московской консерватории скрипки великих итальянских мастеров, чтобы талантливая молодежь могла с их помощью достичь вершин исполнительского мастерства. Ныне эти уникальные инструменты вновь зазвучат в руках студентов  Московской консерватории». Чтобы отобрать достойнейших, среди студентов, аспирантов и молодых педагогов консерватории специально был проведен конкурс. Имена победителей не вызвали сомнений: все они уже успели зарекомендовать себя как яркие исполнители нового поколения.

Появление легендарных инструментов в стенах консерватории не могло остаться незамеченным. Музыканты, бережно несущие в руках заветные чехлы в окружении почетного эскорта охраны, неизменно притягивали любопытные взгляды. Каждого участника концерта, получившего инструмент для занятий, охрана сопровождала до класса, присутствовала на репетициях, дежурила за дверьми. Подобные меры не покажутся излишними, если вспомнить, что стоимость лишь одного творения Страдивари сопоставима с бюджетом небольшого государства.

Чтобы наладить личные отношения со старинными инструментами, российским музыкантам было дано всего четыре дня – ничтожно малый срок! Известно, чтобы «сродниться» с инструментом, нужно время, но и тогда никто не может гарантировать, что «взаимопонимание» сложится. Коварные «страдивариусы», открывая перед исполнителем поистине безграничные возможности, предъявляют и высочайшие требования к его мастерству. Божественный тембр, способный передать тончайшие нюансы интонации, раскрывает и все огрехи. Покорить своевольный инструмент удается далеко не каждому. В этом смысле французский музыкант, которому г-н Магре предоставил скрипку Страдивари в личное пользование, был в более выгодном положении. Однако к чести консерваторцев стоит отметить, что непосвященному слушателю догадаться об этом было невозможно.

Программа гала-концерта оказалась максимально разнообразной, охватывающей все грани скрипичного искусства. Аndante cantabile Первого струнного квартета Чайковского в исполнении Анны Коряцкой, Александра Котельникова, Александры Тельмановой и Александра Рамма с первой ноты заворожило невероятно мягким звучанием, мгновенно заполнившим весь Большой зал с его тонкой акустикой, ставшей еще прекраснее после реставрации. Сразу стало ясно, почему уже более трех веков секрет летящего и поистине неземного звука творений Страдивари, разгадать который не могут даже новейшие компьютерные технологии, не дает покоя человечеству.

Виртуозные вариации Паганини «I Palpiti» в исполнении Лены Семеновой заставили зал затаив дыхание следить за филигранным искусством скрипачки: исполнение флажолетов здесь сродни хождению по канату под куполом цирка. Следом Гайк Казазян сыграл «Размышление» Чайковского, и, пожалуй, в тот вечер это был один из самых органичных тандемов музыканта со своим инструментом. Глубина смысла и психологическая точность каждой интонации, свойственные скрипачу, воплотились в нежнейшем тембре скрипки, отметившей в прошлом году трехсотлетний юбилей. А парение мелодии в высоком регистре было столь прекрасным, что к горлу буквально подкатывал ком.

Виолончелист Александр Рамм, яркий музыкант, хорошо знакомый публике по недавнему конкурсу Чайковского, исполнил третью часть Сюиты для виолончели соло Кассадо. Сдержанность исполнительской манеры подчеркнула благородный тон виолончели, когда-то принадлежавшей графам Шереметьевым, хотя исполнению не хватило артистической свободы и огня, способного «зажечь» публику. Сосредоточен и погружен в мир Сонаты Изаи для скрипки соло был Лев Солодовников, творивший на сцене свой причудливый и глубоко органичный звуковой мир.

Резким контрастом на фоне «интеллигентных» выступлений московских музыкантов выделялся французский скрипач Матье Арама. И выбор произведений – «Хабанера» Сарасате и Вариации на оригинальную тему Венявского, и свободная манера игры свидетельствовали о его стремлении увлечь публику зажигательными ритмами и эффектными взмахами смычка, даже в ущерб хорошему вкусу.

(далее…)

Под сенью Святой Цецилии

Авторы :

№ 6 (1289), сентябрь 2011

Большой зал, наш прекрасный и несравненный зал, возрожденный как птица Феникс, летом вновь распахнул свои двери! Это событие трудно переоценить. Его с надеждой и опасениями ждали все – и те, кто учил, и те, кто учился, и те, кто помогал им, туже затянув пояса (вспомогательным службам на время закрытия зала сняли надбавки), и те, кто строил, и, конечно, целая армия консерваторских слушателей, для которых Музыка и Большой зал – понятия неразрывные.

«Мы вам первым покажем и продемонстрируем звучание Большого зала. Еще никто в Большом зале не издавал ни одной ноты», – сказал ректор профессор А. С. Соколов, открывая заседание Попечительского совета 6 июня. Такой приятный сюрприз для маститых попечителей был первым шагом возвращения великого зала в музыкальный мир. За ним последовали экспертиза акустики – вечером того же дня; выпускные торжества консерватории, ознаменовавшие публичный выход возрожденного зала «в свет»; и, наконец, открытие XIV конкурса им. П. И. Чайковского в его исторически родных стенах, что было принципиально важно для Московской консерватории и очень многих выдающихся музыкантов.

«Акустика стала еще прекрасней – воскликнул ректор, приветствуя 8 июня участников торжественного выпускного акта, в ответ на радостный гул счастливой аудитории ошеломляюще красивого зала. Праздничный концерт, который затем последовал, подтвердил волнующую новость: акустика зала, его главная ценность, не пострадала. Все остальные красоты лишь оттеняли важнейшее качество – музыкальное, звуковое совершенство.

«Произведены уникальные работы по реставрации и сохранению звучания зала… Причем удивительно, что после реставрации качество стало лучше, поскольку мы очистили подземные помещения под залом от техники и зал стал резонировать как в пол, так и в потолок», – подчеркнул Министр культуры А. А. Авдеев, докладывая 9 июня на заседании президиума Правительства РФ о готовности Большого зала Московской консерватории.

«Мы сегодня открываем XIV Международный конкурс имени Петра Ильича Чайковского… Здесь, в Москве – в этом замечательном зале, который мы в течение года привели в порядок. Кстати, мы будем продолжать восстанавливать консерваторию: до 2016 года будут продолжаться эти работы», такими важными для нас словами Премьер-министр России В. В. Путин приветствовал 14 июня собравшихся в Большом зале. Затем в его стенах к радости многочисленных московских приверженцев конкурса Чайковского прошли состязания пианистов и заключительный концерт победителей.

«Сначала фантазируя, потом все более укрепляясь в своих намерениях, мы решили, что надо вернуть то, что забыли», рассказывает ректор. Речь идет о прекрасном витраже Святой Цецилии в фойе Большого зала, утраченном во время бомбежки 1941 года. Образ Святой Цецилии, покровительницы духовной музыки, в течение столетий волновал воображение художников – прекрасную деву с разными музыкальными инструментами изображали в широком диапазоне смыслов: от условного, духовно-религиозного наполнения до вполне светского, где женская красота и одухотворенность олицетворяли красоту искусства Музыки. Для нас особенно интересен витраж-триптих в честь Святой Цецилии в Кафедральном соборе в Оксфорде, созданный в 1870 году. Возможно, именно он побудил В. И. Сафонова, главного создателя нового здания Московской консерватории, и архитектора В. П. Загорского, строителя всего архитектурного ансамбля в духе античного храма, украсить фойе нового зала красивейшим витражом. Ныне возрожденный в санкт-петербургской мастерской Вадима Лебедева, он вновь занял свое историческое место. Теперь Покровительница музыки, 110 лет назад пришедшая в наш «Храм искусства дорогого», как пелось в Гимне на открытие Большого зала, вновь осеняет его пространство. А 10 июня Митрополит Волоколамский Иларион, председатель отдела Внешних церковных связей, член Попечительского совета Московской консерватории, по благословению Патриарха Кирилла совершил обряд освящения обновленного зала.

«Такое быстрое завершение работ было бы невозможно без поддержки на самом высоком уровне», – заявил ректор со сцены, открывая благотворительный Фестиваль Большого зала, когда предоставил слово заместителю мэра Москвы по социальной политике Л. И. Швецовой и председателю комитета Госдумы по культуре, члену Попечительского совета Г. П. Ивлиеву. Свои приветствия и наилучшие пожелания передал также мэр Москвы С. С. Собянин; в качестве личного участия в проектах консерватории он выделил крупную денежную сумму для финансирования молодежного фестиваля, стартовавшего в камерных залах.

«Москва ни одного лишнего дня не может дышать без этого зала», – вспоминали выступавшие гости слова А. С. Соколова, отмечая огромную заслугу ректора в том, что он настоял на рекордно коротких сроках реставрации и что консерватория справилась. Поэтому важно, что новый сезон и, одновременно, Фестиваль Большого зала открыли 3 сентября именно консерваторские музыканты.

Программа первого концерта была подобрана как нельзя более удачно, и настроение праздничности и сопричастности чему-то великому сохранялось весь вечер. В первом отделении звучал Бетховен: увертюра «Освящение дома», соч. 124 и Концерт для фортепиано, скрипки и виолончели с оркестром, соч. 56. Во втором отделении, посвященном Чайковскому, были исполнены три фрагмента из кантаты «Москва» (1883), Вариации на тему рококо для виолончели с оркестром, соч. 33 (в связи с болезнью Зураба Соткилавы заменившие вокальные номера программы), а «на десерт» было подано «Па-де-де» из балета «Щелкунчик».

Все исполнители выступили на очень высоком уровне. Публику впечатлила слаженная, технически совершенная игра солистов «Московского трио» – Александра Бондурянского (фортепиано), Владимира Иванова (скрипка), Михаила Уткина (виолончель) – в виртуознейшем тройном концерте Бетховена. Вполне достойно показали себя консерваторский хор (руководитель Станислав Калинин) и солистка (Ксения Леонидова), представив вниманию публики редко исполняемую кантату. Виолончель Нарека Ахназаряна, победителя ХIV Международного конкурса имени П. И. Чайковского, так и пела, и казалось, это был его звездный час – столь страстно публика не аплодировала ему даже на конкурсе. Симфонический оркестр Московской консерватории прекрасно проявил себя не только в главной роли, но и в качестве аккомпаниатора. Его руководитель Анатолий Левин провел огромную работу – вся программа была сделана очень стильно, для каждого произведения найдены выразительные детали и штрихи. Было слышно, насколько вырос оркестр за прошедшее время.

Концерт прошел с большим успехом при полном зале – пригласительные билеты разошлись задолго и пустых мест практически не было. А впереди у слушателей следующие симфонические программы Фестиваля Большого зала: 12 сентября – концерт оркестра Павла Когана; 20 сентября – капеллы Валерия Полянского; 19 октября – симфонического коллектива Владимира Федосеева.

Новый отсчет событий возрожденного Большого зала Московской консерватории начался. Время пошло…

Собкор «РМ»
Фото Дениса Рылова

Музыка во благо пострадавшим

Авторы :

№ 5 (1288), май 2011

Страшная трагедия этой весной настигла Японию. Землетрясение 11 марта, называемое теперь «Великим восточно-японским землетрясением», по показателям дошло до 9 магнитуд – это самый высокий уровень в истории человечества. Поскольку Япония – островное государство, окруженное морем, колебание земли вызвало грандиозное цунами. Возникнув вслед за землетрясением, цунами породило вторую трагедию – оказались уничтоженными целые города. Количество погибших и пропавших без вести достигает нескольких десятков тысяч человек.

Узнав о трагедии в Японии, Московская консерватория, и прежде всего японские студенты, аспиранты и стажеры, желая поддержать соотечественников, провели ряд благотворительных концертов. Сборы от них с помощью посольства немедленно уходили в Японию. Аспирантки консерватории Макико Кудо и Юко Фудзимото сразу создали интернет-сайт и призвали других японских студентов участвовать в концертах. За помощью в организации концертов Макико Кудо обратилась в Департамент международного сотрудничества и Департамент артистической деятельности, где встретила активную поддержку и содействие.

На первом концерте, который состоялся 31 марта в зале имени Н. Я. Мясковского, было 70 слушателей. Несмотря на то что за день до него все билеты были проданы, люди пришли и без билетов, и для них установили дополнительные стулья, предлагая вместо покупки билета пожертвовать столько, сколько они могут. В начале концерта с речью выступили начальник Управления по координации программ международной деятельности М. И. Каратыгина, советник Посольства Японии г-н Тагути и декан иностранного отделения А. М. Рудневский, а затем и аспирантка Макико Кудо. В программе прозвучали фортепианная соната Й. Гайдна, скрипичная пьеса Ф. Крейслера, «Влтава» Б. Сметаны для фортепиано в четыре руки, Баллада Ф. Шопена, Трио В. Моцарта, «Кол Нидрей» М. Бруха для виолончели, Ария Дж. Пуччини, романсы С. Рахманинова и др. Исполнялись также и произведения японских авторов: «Времена года в Японии» Е. Наката для фортепиано в четыре руки, в котором каждая часть написана по мотивам японских детских песен; Три песни на стихи Х. Китахара «Коно Мити» (Этот путь), «Хиги-бана» (Ликорис) и «Мацусима ондо» К. Ямады. Концерт закончился великолепным пением солистки театра «Русской оперы» М. Лобашевой в сопровождении пианистки С. Торитани. Каждый номер был своеобразной молитвой, которая не могла не дойти до души слушателей. После концерта многие люди с растроганными лицами оставляли свои пожертвования, за что им большое спасибо.

(далее…)