Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

Продолжая традиции

Авторы :

№1 (1384), январь 2022 года

В декабре минуло 5 лет, как ушел Рафаэль Оганесович Багдасарян, и концерт класса кларнетистов Московской консерватории, прошедший 25 ноября в Рахманиновском зале, несомненно, можно считать вечером его памяти. Концерт был организован одним из его учеников Н.Л. Агеевым, перенявшим класс Р.О. Багдасаряна. И хочется сказать несколько теплых слов в его адрес, понимая значение человеческого фактора, особенно в искусстве, при удачной реализации какой-либо творческой идеи.

Еще недавно, посещая отчетные концерты класса Рафаэля Оганесовича, мы слушали его учеников, отмечали наиболее эффектно исполненные произведения, удачно подобранную интересную программу, в том числе и его помощником Н.Л. Агеевым. Но кроме сольных выступлений, Николай Львович делал вместе с педагогом и транскрипции для ансамбля кларнетистов. Рассказывая о концертах кларнетистов класса Р.О. Багдасаряна, мы всегда их называли шоу, так как в заключение профессор к этому дню делал новую транскрипцию для ансамбля кларнетистов (участвовали все ученики его класса) и это было нечто (!), так как публика отпускала музыкантов со сцены только после третьего исполнения этого произведения для ансамбля. Это было традицией на протяжении многих лет, и слова благодарности за организацию и ведение недавнего концерта, которые легли на плечи Н.Л. Агеева, тоже говорят о продолжении сложившихся на кафедре традиций.

Выступление на концерте класса – это нередко открытие нового имени. Не обошлось без этого и на кларнетном концерте 25 ноября в Рахманиновском зале. Замечательная виртуозная игра в «Скерцо для кларнета и фортепиано» Олега Давыдова, исполненного Владимиром Ершовым (класс доцента М.И. Безносова), которому аккомпанировал автор, было тепло встречено публикой. Радует то, что репертуар кларнетистов пополняется не зарубежными опусами, а произведениями отечественных композиторов. Пожелаем молодому автору, услышавшему свою Музу в удивительном звучании кларнета, удачи в написании и более крупных форм.

Ученики класса доцента М.И. Безносова порадовали также в сольных выступлениях: Андраник Манусаджев при исполнении «Сонаты для кларнета соло» Тибериу Олаха показал возросшее исполнительское мастерство, а Антон Власов удачно исполнил «Концертино для кларнета и фортепиано» Жанин Рюфф. Музыкант, кстати, только что вернулся с Международного конкурса в Петрозаводске, где прошел три тура и удостоился высокого звания лауреата II премии, с чем его и поздравляем!

Замечательно выступили ученики класса преподавателя Н.А. Агеева: Нонна Липартелиани и Алексей Шипунов показали отличную технику в произведениях, входящих в золотую коллекцию кларнетного репертуара, а Роман Кузин в «Арлекине» для кларнета соло Луи Каузака сумел завести публику и вызвать бурю восторга у любителей кларнета.

Студенты класса старшего преподавателя Ю.Б. Бабия, а это Цюань Лоу и Юань Чени показали пример элегантности и культуры исполнения классических произведений для кларнета. Эрнест Алавердян покорил публику высокой исполнительской техникой и темпераментом в фантазии на темы из оперы Бизе «Кармен» для кларнета и фортепиано И. Бальдеру – П. Сарасате.

Класс профессора Е.А. Петрова всегда радует разнообразием форм и жанров. Исполнение Квинтета для кларнета, двух скрипок, альта и виолончели Моцарта вернуло нас в мир классической музыки: обаятельная мелодия в исполнении на кларнете Даниила Сердюкова под прозрачный и высококлассный аккомпанемент струнных инструментов дала очередной повод для восторга. Также как и Трио для кларнета, виолончели и фортепиано Брамса, в котором Эрик Мирзоян нашел золотую середину звучания кларнета в ансамбле.

Порадовали исполнительским мастерством София Хазиева в Сонате для кларнета и фортепиано Ф. Пуленка и Александр Карачевцев, исполнив Фантазию В. Гетмана на темы из оперы Н.А. Римского-Корсакова «Золотой петушок» для кларнета и фортепиано.

В заключение концерта прозвучала популярная и хорошо известная всем кларнетистам пьеса Б. Ковача «После Вас, мистер Гершвин» в исполнении Артёма Ваняна. В соответствии южному темпераменту и высокому мастерству исполнителя, она сорвала самые продолжительные аплодисменты у публики.

Отдельного восхищения достойны концертмейстеры класса кларнета МГК имени П.И. Чайковского. Александра Полякова радует нас не одно десятилетие своим высоким профессионализмом и той творческой атмосферой, которую она создает вокруг себя на сцене. Это достойно подражания и служит нашим молодым аккомпаниаторам примером концертмейстерского искусства.

Замечательный концерт дает повод еще раз сказать, что традиции, заложенные поколением наших педагогов не забыты, а продолжают существовать и развиваться даже в столь сложное время. Это позволяет говорить о сложившейся классической школе кларнета в России.

Профессор А.А. Бучнев, кандидат искусствоведения

Сакральное пространство музыкальной Москвы

Авторы :

№1 (1384), январь 2022 года

Музыкальная жизнь Москвы чрезвычайно насыщенна. Каждый день в концертных залах столицы звучат самые разнообразные вокальные и инструментальные сочинения: Баха, Бетховена, Моцарта, Шумана, Шопена, Чайковского, Рахманинова… Эта музыка многим знакома с детства, ее изучают в школах и училищах, ее исполняют как профессионалы, так и любители, она приводит в восторг, ею восхищаются. Но есть и другая музыка, менее известная современным слушателям, но не менее прекрасная — загадочный мир старинных церковных роспевов.

Для средневековых людей главным культурным событием было богослужение, и все свое вдохновение безымянные творцы вкладывали в литургические песнопения. Эти мелодии высоко ценились, их называли «сладкозвучными», «ангелогласными». Но в течение веков музыкальная мода менялась. Менялась и нотация. С развитием многоголосной музыки общеупотребительной становится пятилинейная круглая нотация, а вот старинная невменная забывается за ненадобностью. В результате богатый пласт древних напевов для большинства музыкантов сейчас недоступен, являясь достоянием лишь узкого круга знатоков старины. Тем ценнее такие исполнители. Они становятся буквально проводниками в звуковой мир Средневековья, помогая ощутить дух той эпохи, прикоснуться к ее традициям.

В России не так много коллективов, исполняющих старинную церковную музыку, и один из них сформировался у нас, в Московской консерватории. Это ансамбль «Асматикон» под руководством Анны Елисеевой при научно-творческом центре церковной музыки имени прот. Димитрия Разумовского. Коллектив уникален тем, что специализируется сразу на двух певческих традициях – византийской и древнерусской.

Свою исполнительскую деятельность ансамбль начал в 2010 году, и с тех пор каждый год несколько раз за сезон они радуют слушателей интересными тематическими концертами. Хотя ансамбль консерваторский, выступают они чаще всего не в концертных залах, а в храмах. Для древнего пения очень важно сакральное пространство, наиболее органично эти роспевы воспринимаются там, где они создавались исторически. В этот сезон ансамбль вошел с очень необычным проектом под названием «Псалмы в византийской и древнерусской изобразительной и певческой традициях».

Первый концерт цикла состоялся 7 ноября в храме св. мученицы Татианы при МГУ. В центре внимания были псалмы, тема чрезвычайно важная и интересная, ведь библейская книга Псалтырь – это основа основ всей церковной культуры. Не обходится без нее и православное богослужение, едва ли не большую часть которого занимают псалмы. Очень ярко представлены псалмы и в изобразительной традиции, ведь старинные рукописные книги как правило богато иллюстрировались. Исполнители попытались объединить эти два направления, дополнив мелос песнопений визуальным рядом. Это дало возможность посетителям концерта воспринимать древнее искусство в его синкретическом единстве.

Очень удачно была выстроена драматургия концерта: все отобранные псалмы пронизаны единой темой – восхваление Божьей милости. При этом ансамблю удалось задействовать самые разные жанры, основанные на псалмодии. Открывал программу киноник (причастный стих. – Д.Д.) на основе 111-го псалма «В память вечную да будет праведник» византийского роспева. Его пели в мелизматической редакции, выполненной мелургом XVII века Петром Берекетом.

Затем исполнители продемонстрировали торжественный калофонический дохи́ – великий прокимен (в литургической практике – стихи псалма, предваряющие чтение Священного Писания. – Д.Д.) на основе 113-го псалма «Бог наш на небеси и на земли» в редакции Хурмузия Хартофилакса. Для воссоздания литургической обстановки прокимен исполняли с канонархом (канонарх – человек, возглашающий тексты молитвословий, которые вслед за этим поет хор. – Д.Д.), как это обычно и бывает на службах.

Византийскую часть программы сменила древнерусская. Знаменный блок открылся очень интересным песнопением – 144-м псалмом. В богослужебной практике псалом этот исполнялся в монастырской традиции в так называемом «чине о панагии», когда после окончания Литургии братия попарно исходит из храма. Представленный напев уникален, так как демонстрирует уже не древнерусскую традицию, а более позднюю – старообрядческую. Составлен он был в Выговской старообрядческой обители. Необычен сам мелос псалма: это осмогласник, то есть при распевании текстовых строк безымянный создатель задействовал 8 гласов. Все богатство знаменного осмогласия запечатлелось в одном песнопении. В концертной практике ансамбля, да, и, вероятно, в концертной практике вообще, это было премьерное исполнение!

Контраст распевно-витиеватому 144-му псалму составил цикл псалмов «Хвалитных» (пс. 148–150). Вращательное мелодическое движение в диапазоне кварты сообщает им суровый архаический колорит. А в завершение концерта «Асматикон» представил выдающийся образец древнерусского безлинейного многоголосия – троестрочный великий прокимен с символическим текстом «Кто Бог велий, яко Бог наш? Ты еси Бог творяй чудеса».

«Но как не потеряться в этом многообразии незнакомой и непривычной музыки?» – спросите вы. Ансамбль предусмотрел эти опасения, а потому каждое их выступление сопровождалось историческими и аналитическими комментариями. На этот раз лекторы выступали в паре. Искусствовед Елена Виноградова подробно и увлекательно рассказала о книжных иллюстрациях, а музыковед-медиевист Ирина Старикова объяснила особенности византийского и древнерусского псалмопения.

Хотя это направление пока не очень популярно в России, ансамбль «Асматикон» уже имеет своих поклонников. Зрительские места (будь то храм или концертная площадка), как правило, не пустуют. Вот только консерваторцев среди посетителей практически нет. А ведь ансамбль – гордость нашей Alma mater. Остается надеяться, что в следующий раз, задумчиво изучая афиши концертов, какой-нибудь пытливый студент все же захочет погрузиться в сакральное пространство древнерусской и византийской музыки, и откроет для себя творчество ансамбля «Асматикон».

Дарья Дацкая, IV курс НКФ, музыковедение

Редко исполняемые сочинения

Авторы :

№8 (1382), ноябрь 2021 года

В ряду событий в честь 155-летия Московской консерватории в Малом зале состоялся интересный концерт: 17 октября Молодежный камерный хор Москвы представил программу, включившую имена выдающихся музыкантов, связанных с историей нашего вуза. Это – Вельо Тормис (1930–2017), ученик В.Я. Шебалина, один из ярких деятелей эстонской музыкальной культуры, Николай Сидельников (1930–1992), много лет преподававший на кафедре композиции, воспитавший плеяду блестящих учеников и Юрий Буцко (1938–2015), у которого в классе инструментовки многие годы обучались музыковеды и композиторы.

Программа включала произведения, созданные давно и редко исполняемые. Это «Осенние пейзажи» из цикла миниатюр «Картинки природы» Тормиса, посвященные Ю.А. Фортунатову – у него  композитор обучался инструментовке. Части из кантаты Сидельникова «Сокровенны разговоры» на народные тексты – свое сочинение автор посвятил Б.И. Куликову, в те годы ректору Московской консерватории, много лет обучавшему хоровых дирижеров.  Во втором отделении прозвучала  кантата №3 Буцко «Свадебные песни» на народные слова, посвященная К.Б. Птице, выдающемуся мастеру хорового дела.

Московский молодежный камерный хор существует с 2017 года, он объединяет студентов разных вузов – Московской консерватории, РАМ им. Гнесиных, АХИ им. В.С. Попова. Хор, существующий исключительно на энтузиазме молодых хористов, активно выступает на многих концертных площадках. В его репертуаре – произведения разных эпох и жанров,  от русской духовной музыки до самой современной. Дирижер и художественный руководитель хора – Михаил Кудрявцев, недавний выпускник нашей Консерватории, лауреат Всероссийских и международных конкурсов.

«Историческая» программа прошедшего концерта, сопровождаемая стендами с фотоматериалами – инициатива художественного руководителя. Как и выбор самих сочинений — все прозвучавшие произведения, написаны в сложной современной технике, хоровые партитуры изобилуют хроматикой, многослойными divisi партий, искусными полифоническими приемами.

Миниатюры Тормиса поразили разнообразием звукописных красок – сонорные «облака» чередовались с многозвучными кластерами, пейзажные зарисовки предстали в контрастах образов и настроений. Хористы с завидной свободой преподнесли публике эти поэтичные картинки, звучавшие как выразительные образчики хорового импрессионизма.

Кантата Н.Н. Сидельникова – выдающийся пример так называемого «неофольклоризма»: прозаические народные тексты озвучены композитором в манере, максимально близкой фольклору с его имровизационностью, свободным речевым интонированием, раскованностью метроритма. Говорная манера пения, пронизанная попевками русского склада, обильно приправлена хроматикой, а также современными ритмами эстрадно-джазового характера. Хору удалось передать печальную и, в то же время, не лишенную юмора неповторимую интонацию замечательного опуса Сидельникова.

Кантата Ю.М. Буцко – масштабный опус, воссоздающий атмосферу русского свадебного обряда. Она прозвучала в редакции 1995 года  для хора, солистки, двух роялей и ударных. Партию сопрано исполнила Яна Федорова. Два фортепиано блистательно представили лауреаты международных конкурсов Павел Замула и Наталья Осинцева, на ударных выступила Мария Захаркина.

Музыка кантаты Буцко перекликается со «Свадебкой» Стравинского, не только в жанровых чертах обряда, но и в стилистических средствах. Попевочный склад мелодики, «остраненной» вкраплениями хроматики, подчеркнутая экспрессия интонаций плача, ритмические перебои, прихотливая акцентность, а также само тембровое решение инструментального  сопровождения – все это живо напоминает знаменитый  опус Стравинского. Написанная молодым Буцко кантата поражает мастерством, интересным драматургическим воплощением замысла. «Свадебные песни» требуют от исполнителей  чувства ансамбля хорового и  «оркестрового» пластов, точного и выразительного дирижерского жеста. Все это в полной мере исполнители смогли донести до слушателей.

Концерт имел большой и заслуженный успех. Несмотря на дневное время и «ковидные» ограничения, в зале собралось немалое количество публики. Хочется пожелать перспективному молодому коллективу и его руководителю дальнейших достижений, интересных творческих «задумок» и их воплощения не только на почве энтузиазма, но и на заслуженной «материальной» основе.

Профессор Г.В. Григорьева

Шостаковичу посвящаем

№8 (1382), ноябрь 2021 года

25 сентября 2021 года исполнилось 115 лет со Дня рождения выдающегося русского композитора XX века – Дмитрия Дмитриевича Шостаковича. В числе сравнительно небольшого количества организованных в стенах Консерватории концертов, связанных с этой знаменательной датой, особенно выделялись два, прошедших в один юбилейный день: выступление «Рубинштейн-трио» днем в Рахманиновском зале и вечерний концерт в Малом зале Государственного квартета имени А.П. Бородина.

Концерту «Рубинштейн-трио» предшествовало несколько юбилейных мероприятий, инициатором которых выступила доцент кафедры истории русской музыки Я.А. Кабалевская. Это организованная НМБТ имени С.И. Танеева выставка неизвестных широкой публике фотографий Шостаковича из семейного архива М.Д. Кабалевской, дочери известного композитора, и круглый стол в Конференц-зале с докладами профессоров Консерватории (И.А. Скворцова, Е.С. Власова и Е.Д. Кривицкая), представителей Студенческого научно-творческого общества (СНТО) нашей Alma mater, выступлениями генерального директора и главного редактора издательства DSCH (П.Э. Саватеев и В.А. Екимовский) и других гостей конференции (С.С. Мартьянова, М.Д. Кабалевская и М.А. Карачевская).

В первом отделении концерта ансамбль «Рубинштейн-трио» (Арина Зеленина, Владислав Алмакаев и Никита Каплунов; победители III Всероссийского музыкального конкурса в номинации «Камерные ансамбли») вниманию слушателей предложил два произведения: одночастное Трио до минор, соч. 8 – значительное по масштабам консерваторское произведение Шостаковича, сочиненное в 1923 году; и более позднее четырехчастное Трио ми минор, соч. 67, посвященное памяти самого близкого друга композитора Ивана Ивановича Соллертинского, скоропостижно скончавшегося 11 февраля 1943 года в эвакуации в Новосибирске.

Исполнение камерно-инструментальных ансамблей привело аудиторию в настоящий восторг. Заслуженные аплодисменты молодому и многообещающему коллективу были вызваны множеством различных факторов: как технических (гармоничная слаженность, «созвучность» ансамбля; умение исполнителей слушать и поддерживать друг друга, их стремление к созданию единого гармонично воздействующего на слух звукового поля); так и концептуальных (глубина вкладываемого в нотный текст смысла, естественно возникающие, переживаемые и передаваемые залу различные чувства, а также логичная интерпретационная канва).

Во втором отделении прозвучала Пятнадцатая симфония ля мажор, соч. 141 Шостаковича в авторизованном переложении для скрипки, виолончели, фортепиано и челесты c ударными, которое было создано в августе 1972 года В. Деревянко при участии М.И. Пекарского.

Четырехчастный цикл в исполнении «Рубинштейн-трио» и трех музыкантов-ударников (Мария Захаркина, Павел Бессонов и Александр Ситюк) был встречен публикой несколько более прохладно, чем предшествующие два трио. Думается, что причины тому были разные. Возможно, в представленной на суд публики интерпретации последней симфонии Шостаковича не было главного – концептуального единства в трактовке замысла этого крайне сложного и многообразного цикла. Кроме того, несмотря на высокое качество переложения и мастерство исполнителей, в полной мере невозможно передать богатство оркестровой палитры симфонии Шостаковича: как «оживить» при помощи небольшого ансамбля все используемые композитором тембровые краски?! Более того, во время прослушивания и по мере приближения к завершению то и дело возникало ощущение, что исполнители просто-напросто утомились…

Празднование юбилея продолжилось вечером в Малом зале, где состоялся концерт Государственного квартета имени А.П. Бородина (Николай Саченко – первая скрипка, Сергей Ломовский – вторая скрипка, Игорь Найдин – альт, Владимир Бальшин – виолончель). Известно, что Квартет имени Бородина связан с Шостаковичем особыми творческими узами. При жизни композитора этот коллектив с ним сотрудничал, музыканты неоднократно записывали полный цикл из пятнадцати квартетов Шостаковича, и эти записи снискали себе репутацию эталонных.

Выбор программы был безусловно удачен. Наряду с двумя квартетами Шостаковича в тот вечер прозвучал, открывая программу, и один из квартетов старшего современника Дмитрия Дмитриевича – Николая Яковлевича Мясковского (140-летие со дня рождения которого музыкальный мир также празднует в этом году). Квартет имени Бородина – один из немногих коллективов, в чьем репертуаре постоянно присутствуют сочинения Мясковского. Патриарха советской музыки вообще играют сравнительно редко, что кажется совершенно незаслуженным. Артисты, берущие на себя роль популяризаторов творчества великого автора русской музыки XX века, несомненно, вызывают уважение.

В день рождения Шостаковича были представлены его сочинения, временная дистанция между которыми – тридцать лет. Первый квартет до мажор, соч. 49 был написан в 1938 году; Двенадцатый ре-бемоль мажор, соч. 133 – в 1968-м. К моменту обращения к этому жанру Шостакович – уже известный композитор, перу которого принадлежат две оперы, три балета, пять симфоний, фортепианный концерт и множество других произведений. В 1968-м – прославленный на весь мир автор Седьмой и Одиннадцатой симфоний, человек и художник, за плечами которого тяжелые события середины XX века.

Двенадцатый квартет Шостакович посвятил Дмитрию Михайловичу Цыганову, исполнителю первой скрипки еще одного знаменитого коллектива – Квартета имени Бетховена, осуществившего почти все премьерные исполнения струнных квартетов композитора. И в этот вечер качество исполнения Двенадцатого квартета было высоким, хотя выступавшим не вполне удалось добиться необходимого единства в двухчастном цикле: после великолепно исполненного Moderato, Allegretto произвело впечатление чего-то разрозненного и рыхлого. В остальном же исполнение можно назвать близким к безупречному.

Однако хотелось бы обратить внимание на одну, пусть небольшую, но важную для всех концертных организаций деталь. Проблема нехватки компетентных ведущих приводит к тому, что на концертах нам часто приходится слышать малоинформативные и шаблонные комментарии, которые подчас вызывают недоумение неподобающе расставленными в подобных экзерсисах смысловыми акцентами, явно искажающими действительность. На концерте Квартета Бородина были странно прокомментированы великие даты – юбилеи Мясковского и Шостаковича: как бы между прочим, без должного внимания и пиетета, в контексте разговора о другом…

Публика, которой в Малом зале собралось немало, тепло приветствовала артистов. И юбилейный День рождения завершился красиво: на бис Квартет имени Бородина исполнил Прелюдию Шостаковича к фильму «Подруги» (1935), которая была создана автором на материале второй части его Первого квартета.

Иван Поршнев и Мария Тюрина, IV курс НКФ, музыковедение

Солист против Ансамбля солистов

Авторы :

№6 (1380), сентябрь 2021 года

Жанр концерта для сольных инструментов, до сих пор остается одним из самых популярных в музыкальном мире, и многие композиторы продолжают к нему обращаться. Именно здесь (даже больше, чем в сонате) форма музицирования по-прежнему проявляется ярче всего. И именно здесь есть возможность «проиллюстрировать» все художественные и технические возможности любого музыкального инструмента, даже тех, которые крайне редко используются в качестве сольных.

Дань этому жанру отдал непревзойденный ансамбль «Студия новой музыки» под управлением Игоря Дронова на концерте Il concerto dei concerti («Концерт концертов»). 14 мая 2021 года в Рахманиновском зале прозвучали сочинения композиторов разных стран: Дана Юхаса (Израиль), Мартайна Паддинга (Голландия), Клауса Хубера (Швейцария), Джачинто Шелси (Италия), Колена Роша (Франция).

Несмотря на то, что не все представленные сочинения носят название «концерт», признаки этого жанра были налицо в каждом из них. Открыло концерт сочинение Дана Юхаса Repercussions (2015) для валторны и камерного ансамбля в исполнении Сергея Крюковцева. Выпуклое и объемное соло валторны прекрасно контрастировало более зловещему звучанию ансамбля солистов. Технические возможности валторны отразились в многообразии, вплоть до игры в контрапункте с голосом. В диалоге, на котором строится все сочинение, проходит гамма разных настроенческих красок: угрюмых, суровых, холодноватых, задумчивых, игривых, тревожных, зловещих… Весь этот разнообразный спектр чувств был идеально передан ансамблем и солистом в тембровой мозаике сочинения.

Прозвучавший затем концерт для виолончели и ансамбля Last words (2010) Мартайна Паддинга ярко выделялся среди других сочинений программы своим ярким неоклассическим «привкусом». Об этом говорит уже и форма трехчастного цикла концерта, и фигурирующие там жанры (I – Preambulum, II – Aria, III – Foforlalana). Кроме того, здесь можно было услышать квазитональность и «размытые» классические гармонические обороты. Пасторальный «кукушечный» тембр синтезатора придавал сочинению особый волшебный колорит. А виртуозное соло Ольги Галочкиной раскрывало тембр виолончели со всех граней – от экспрессивной теплоты до тревожной и необъяснимой фантастичности.

Четырехчастный камерный концерт Intarsi для фортепиано и семнадцати инструментов (1993/1994) Клауса Хубера включает многие современные средства: микрохроматику, спектральные зоны, полиритмический «калейдоскоп». В последней части «Арабский сад» можно услышать арабский мугам. В то же время здесь нередко появлялись аллюзии на Моцарта, а временами встречалось мимолетное цитирование фрагмента из его последнего фортепианного концерта. «Жемчужные» трели и пассажи были переданы Моной Хабой как нельзя ярче, придавая музыке дух моцартовских медленных частей.

Не менее сильным было соло кларнета Никиты Агафонова во время исполнения трехчастного Kya для кларнета и ансамбля (1959) Джачинто Шелси, самого «старшего» сочинения в программе. Колористика микроинтервального соло в восточном духе, детальное чутье микронюансов в спектре тембра, а также яркое выделение мозаики тембровых линий делали сочинение образно картинным.

Завершила программу одночастная пьеса Колена Роша L’allumette consideree /dans son plus simple appareil (Спичка, наблюдаемая в своем простейшем устройстве) для контрабаса и ансамбля в исполнении Григория Кротенко. Во всей программе это единственное сочинение, где конкретная звукоизобразительность стала целью сочинения. Солист мастерски рисовал шумовые фигуры, имитирующие зажигание и затухание спички. Завороженно выглядели моменты вступления солистов ансамбля, натурально передающие гудящий огонь горячей серы.

По сути дела, мероприятие раскрывало слово «концерт» в широком смысле этого слова. Каждый солист как бы выходил на арену соревнования с целым ансамблем. И благодаря необычайному мастерству солистов, а также музыкантов ансамбля «Студия новой музыки» под непревзойденным руководством дирижера Игоря Дронова, эта атмосфера музыкального вечера была передана полноценно и великолепно.

Андрей Жданов, студент НКФ

Разнообразие венгерской музыки

Авторы :

№5 (1379), май 2021 года

Исполнение музыки национальных школ, организация концертов, связанных с конкретной страной, уже немало лет является одним из направлений и одной из традиций деятельности ансамбля «Студия новой музыки». Концерт «Три гения венгерской музыки» состоялся 18 марта текущего года в связи со знаменательным поводом: годовщинами, связанными с жизнью трех великих венгерских композиторов. Недавно Дьёрдь Куртаг (1926 г. р.) отметил свое 95-летие; исполнилось 140 лет со дня рождения Белы Бартока (1881–1945); приближается 15-летие со дня смерти Дьёрдя Лигети (1923–2006).
Б. Барток, Д. Куртаг, Д. Лигети

Музыка трех венгерских гениев не только сделала венгерскую музыкальную культуру общепризнанной во всем мире, но и оказала огромное влияние на творчество многих композиторов других стран в ХХ веке. Барток первым из венгерских авторов разрушил прежние ограниченные представления о венгерском фольклоре, замыкающиеся лишь на творчестве Листа, где народное искусство базировалось исключительно на городской культуре. Барток ушел в самую глубину народных музыкальных традиций и стал дерзко воплощать их в своей музыке. Он начал делать это даже раньше, чем Стравинский. Но, в отличие от последнего, Барток не стремился воссоздавать фольклорное наследие с гротескно-ироничным оттенком.

Лигети и Куртаг принадлежат уже следующему поколению, поколению послевоенного авангарда. Но у каждого из них по-своему проявился «отпечаток» стиля Бартока. У Лигети неистощимое многообразие сонорных масс, нередко превращающих партитуру в графическое полотно, исходит из стремления придать фактуре некое геометрическое свойство, что ранее проявилось в фугированной первой части Музыки для струнных ударных и челесты Бартока. Куртаг перенял от Бартока стремление к синтезу стилей. Обо всем этом интересно рассказали во вступительном слове художественный руководитель ансамбля «Студия новой музыки» Владимир Тарнопольский и композитор, музыковед Фёдор Софронов.

Программа концерта строилась на разного уровня стилистических взаимосвязях трех венгров. Структура первого отделения, скорее всего, была обусловлена противопоставлением миниатюризма Куртага и долгой широты Лигети. Открывший концерт камерный цикл Куртага Hommage a R. Sch. для кларнета, альта и фортепиано (по аналогии со «Сказочными повествованиями» Шумана) является типичным образцом, во-первых, веберновской краткости и лаконичности партитуры, а во-вторых, великолепного претворения ассоциаций (что тоже отсылает ко многим циклам шумановских миниатюр). В исполнении особо запомнилась последняя часть «Прощание» (маэстро Раро открывает Гийома де Машо), где синтез средневековой изоритмической техники, барочной пассакалии и квазисерийности театрально передан в духе фантасмагорического похоронного марша. Особенно выделялась партия альта с завораживающими тремоло, подобными «замогильному» ветру и грозные стучащие ритмы у фортепиано.

Иного рода ассоциации, связанные со старинными жанрами, возникают в следующем номере Дьёрдя Лигети – в трех пьесах для клавесина: «Венгерский рок» (чакона), «Венгерская пассакалия» и Continuum в исполнении Моны Хабы. В интерпретации чаконы исполнитель великолепно передал радостное и при этом гротескное настроение пьесы, обусловленное специальной настройкой инструмента, где терции почти превращались в натуральные. Особенно хорошо удались ловкие, «пружинистые» короткие гаммообразные фигуры на фоне ритма регтайма. Несмотря на внешнюю статичность сочинения, исполнитель умело наполнил музыкальное полотно разными красками. Исполнение пассакалии, напротив, было суровым, слегка суховатым, что обусловлено строгостью самого жанра. Continuum – пример сонорной техники в интерпретации для клавесина. Тревожный дух сочинения, передающийся в застывшей и одновременно подвижной сонорной полосе, был воплощен органично.

Завершавший первое отделение Камерный концерт для 13 инструментов (в исполнении ансамбля под управлением Игоря Дронова) резко контрастировал с предшествующими номерами, поскольку, по словам В.Г. Тарнопольского, «слуху здесь не за что уцепиться». Тут слушатель не отыщет никакой стилизации, никакого намека на ассоциацию. Это уже чистый образец техники Лигети, строящейся исключительно на разного рода кластерах, сквозь которые прорезаются короткие мелодические фразы, сливающиеся с общим звуковым массивом.

Второе отделение открывалось Четвертым квартетом Бартока вовсе не случайно: именно здесь слушатель мог почувствовать творческую связь классика с двумя младшими коллегами. В одном из самых популярных произведений композитора раскрывается фактически вся энциклопедия его стиля. Тут есть и бартоковская симметрия формы, и индивидуальное претворение 12-тоновости, и «варварские» диссонансы, своеобразная манипуляция с шестизвучиями, а также красочная имитация народных инструментов посредством бартоковских пиццикато. Все это музыканты струнного квартета (С. Малышев, И. Зильберман, А. Бурчик, О. Калинова) передали органично, с увлечением.

Стилевой репризой всего концерта явилась …quasi una fantasia Куртага для фортепиано и ансамбля – миниатюрный фортепианный концерт, где можно найти аллюзии на циклы венских классиков, в частности, Бетховена. Возможно, хорошо было бы, если бы в программе прозвучало еще одно сочинение Бартока, но, тем не менее, благодаря удачному подбору программы в целом публика смогла ощутить все разнообразие венгерской академической музыки ХХ века.

Андрей Жданов, студент НКФ, музыковедение

Памяти А.И. Пирумова

Авторы :

№3 (1368), март 2020

28 февраля в Рахманиновском зале состоялся концерт, посвященный 90-летию со дня рождения композитора Александра Ивановича Пирумова (1930-1995). Во вступительном слове проф. А.А. Кобляков рассказал о многогранном творчестве композитора, упомянул его замечательного педагога, композитора Д.Б. Кабалевского (ученика Н.Я. Мясковского), неоднократно отмечавшего талант А.И. Пирумова, и напомнил об его учениках, разбросанных по всему миру. Ведь профессор Пирумов проработал в Московской консерватории более 30 лет.

В первом отделении концерта прозвучали два фортепианных произведения, которые были обязательными в программах конкурсов имени П.И. Чайковского. «Прелюдию и токкату» (1962) в этот вечер блестяще сыграла Нина Шимкунас, палитра красок ее игры поразила. «Скерцо» (1974) прозвучало в исполнении Михаила Турпанова, его необыкновенная трактовка превзошла все ожидания. Он не только блестящий пианист, но и музыковед, который очень интересно рассказал о музыкальном строении произведения. М. Турпанов так же исполнил «Прелюдии и фуги» из полифонической тетради и сонату для скрипки и фортепиано с Елизаветой Кошкиной, которая хорошо справилась со сложнейшей технической задачей, предложенной этим интересным произведением. Завершала отделение хоровая музыка, увы, редко исполняемая: Четыре стихотворения на стихи Пушкина, Лермонтова, Гамзатова и Маяковского, а также «Дорога» из цикла «Письмена» на слова Расула Гамзатова. Хор звучал как единое целое в исполнении студентов ГМПИ имени М.М. Ипполитова-Иванова и вокально-хорового ансамбля «Логос» под управлением Владимира Красова.

Второе отделение началось с выступления внучки композитора – актрисы Софьи Торосян, которая сыграла пьесу из тетради «Сонатины для фортепьяно», посвященную ей дедушкой. Сколько нежности и лиризма было в ее исполнении! Она была и ведущей концерта. Следующим номером была «Ариэтта» из «Партиты», которую замечательно исполнили Араик Симонян (скрипка) и Софья Торосян (фортепиано).

Продолжили концерт великолепные музыканты: Петр Бобровский (1-я скрипка), Евгений Иков (2-я скрипка), Антон Хлынов (альт) и Максим Тарноруцкий (виолончель), исполнившие Четвертый квартет А. Пирумова. Ансамблисты виртуозно справились со сложным произведением, полным боли и лиризма.

А в завершение программы прозвучал великолепный Концерт для гобоя. Исполнивший его Михаил Чакрыгин позднее написал в соцсетях: «Открыл для себя чудесный Концерт для гобоя и камерного оркестра Александра Пирумова, который мне выпала честь исполнять на вечере памяти композитора! Хочу выразить огромную благодарность: Софье Торосян за доверие и предоставленную возможность; Илье Маркееву и студентам Московской консерватории за творческую инициативу; Алексею Сорокину за компьютерный набор партии гобоя; и всем тем, кто в тот вечер разделил радость от музыки Александра Ивановича вместе с нами!».

Действительно, его гобой то пел нежно, проникновенно и лирично, то звучал с юмором и задорно. А дирижерское чутье и техника молодого маэстро Ильи Маркеева (класс В.А. Валеева) не оставили сомнений, что оркестр Московской консерватории находился в тот вечер в надежных руках, а потому заслуживал особой похвалы.

Какие же удивительные музыканты выступали на этом празднике музыки Александра Ивановича Пирумова, творчество которого произвело на меня неизгладимое впечатление!

Андрей Панферов, студент КФ

В позитивном мироощущении

Авторы :

№2 (1367), февраль 2020

В Московском доме композиторов осенью ушедшего года (26 октября) состоялся хоровой авторский вечер композитора, профессора В.Г. Агафонникова. Впервые прозвучала Литургия св. Василия Великого (2018), были также исполнены Шесть хоров на стихи Риммы Казаковой и обработки русских народных песен.

Музыка Литургии св. Василия Великого отличается от предыдущих циклических духовных произведений композитора (Литургия св. Иоанна Златоуста, Всенощное Бдение). В этом семичастном сочинении композитор использовал только тот текст, который отличает Литургию Василия Великого от Литургии Иоанна Златоуста. Первый антифон «Благослови Душе моя Господа» (33-й Псалом) основан на том же роспеве, который использован во Всенощном бдении, но гармонический язык и композиционные приемы работы с текстом отличаются. «Иже херувимы» начинает исполнять женский хор, распевная мелодика в сочетании с тихой динамикой создает ощущение светлого пространства, наполненного невидимо присутствующими ангельскими силами. Со слов «Яко да царя» подключается мужской хор, текст «Ангельскими» звучит вновь нежно, воздушно, витиевато. «Достойно и праведно есть» (из «Милости мира») звучит торжественно, протяжно, утверждающе. В праздничном хоре «О Тебе радуется» (вместо «Достойно есть»), восславляющем Божию Матерь, слова «Слава Тебе» повторяются многократно с различными гармоническими красками. Молитва «Отче наш» начинается тихо, сокровенно, постепенное вступление голосов приводит к кульминации – «но избави нас от лукаваго», а в конце молитвы первоначальное обращение к Господу «Отче наш» повторяется несколько раз. Последний номер Литургии – утверждающий хор-многолетие, торжественная здравица «Богохранимую страну нашу Российскую».

Прозрачные хоровые акварели «Шесть хоровых поэм на стихи Риммы Казаковой» воссоздали разные настроения: в начале возникают зарисовки подмосковного пейзажа; мужской хор «Обнимаются лошади стоя» – философское размышление о дружбе; женский хор «В речке женщина стояла, белье полоскала» – рассказ о нелегкой женской доле; «Живут на свете» – сатирическая зарисовка, полная необычных звуковых эффектов, насмешек. Последняя часть цикла «Героям войны» – хорал, посвященный памяти погибших на фронтах Великой Отечественной войны.

Завершали программу три обработки русских народных песен: историческая «Уж как тысяцкий воевода», плясовая «Как на Волге валя бьют» и самая известная в хоровой практике шуточная песня «Посеяли лен за рекою». Все прозвучавшие в тот вечер произведения объединяло радостное, позитивное мироощущение композитора.

В заключение концерта ректор Академии хорового искусства, дирижер смешанного хора академии Алексей Петров сказал, что для него огромное счастье в очередной раз подтвердить свою любовь к музыке Владислава Германовича Агафонникова. Слушатели получили целостное, многогранное представление о музыке композитора.

Елизавета Чернова, аспирантка ГИИ

Viva «Кастальский»!

Авторы :

№5 (1361), май 2019

В этом году Московский мужской камерный хор «Кастальский» отметил свое 15-летие. Празднование юбилея прошло с большим размахом. Художественному руководителю и главному дирижеру коллектива, профессору А.М. Рудневскому удалось осуществить в консерватории два грандиозных проекта с участием приглашенных зарубежных дирижеров: 30 января в рамках фестиваля «Вселенная русского хора» в Рахманиновском зале состоялся первый концерт, а 18 марта коллектив принял участие в XIX Московском Международном органном фестивале.

Хор «Кастальский» представлять не нужно. Он с успехом гастролирует в разных странах, выступает с ведущими коллективами и солистами, участвует в масштабных культурных мероприятиях и международных проектах, таких как исполнение «Братского поминовения» А. Кастальского к столетию Первой мировой войны, концерт «Богатство церковных композиторов зарубежья» к столетию духовно-музыкального наследия Русского Зарубежья, фестиваль «Жаровские певческие ассамблеи», концерты к 150-летию А.Д. Кастальского, к юбилеям Р.С. Леденева, В.Г. Кикты, осенний хоровой и органный фестивали Московской консерватории, фестиваль античной драмы на Кипре и «Русские дни на Лемносе» в Греции.

Основу репертуара хора составляют классические образцы отечественного церковно-певческого искусства – от знаменного распева до современных сочинений. Главное место занимают произведения композиторов Московской синодальной школы: С. Смоленского, А. Кастальского, П. Чеснокова, А. Гречанинова, А. Никольского, Вик. Калинникова, Н. Данилина, Н. Голованова, К. Шведова, С. Рахманинова. Участники хора исполняют сочинения западноевропейских авторов, композиторов Русского Зарубежья (И. Лямина и династии Кедровых, Франция), а также киномузыку Ю. Потеенко, народные песни и многое другое. Особое место принадлежит специально созданным для коллектива опусам и транскрипциям в сочетании с органом, фортепиано, ударными, арфой и другими инструментами.

В первом юбилейном вечере, прошедшем 30 января при полном аншлаге, приняли участие четыре приглашенных дирижера, которые в разное время сотрудничали с хором «Кастальский»: Боряна Найдёнова (Болгария), Александр Кедров (Франция), Йозеф Дёллер (Австрия) и Пётр Ермихов (США). В программе прозвучали уникальные сочинения П. Динева, Н. Кедрова-отца, Г. Попова, К. Сандера, некоторые из которых были представлены в России впервые.

Концерт в Малом зале оказался не менее запоминающимся. Хор выступил в сочетании с органом как в камерном (мужском и женском), так и в расширенном составе, исполнив сочинения композиторов-синодалов, западноевропейскую музыку и современные произведения.

В первом отделении, которое прошло под управлением А. Рудневского, прозвучали опусы В. Агафонникова («Отче наш…»), А. Гречанинова («Хвалите Господа с Небес…» и «Сугубая ектения» из «Демественной литургии»), П. Чеснокова («Русалка»), («Сам един…», «Аллилуия» и «Глубиною мудрости…» из «Братского поминовения» А. Кастальского) и два произведения Е. Бутузовой (транскрипция «Волшебного озера» А. Лядова и «Софийский собор»). Несколько переложений для хора и органа сделал А. Рудневский. Во втором отделении за дирижерский пульт встал известный хормейстер Рихард Майлендер (Германия). В его интерпретации прозвучали сочинения зарубежных авторов: Hör mein Bitten Ф. Мендельсона, Der 23. Psalm (Gott ist mein Hirt) и Sehnsucht Ф. Шуберта, Psalm 130 (De profundis) А. Пярта.

Главное достоинство коллектива проявилось в умении выразить смысл исполняемых сочинений, передать основные образы и настроение. «Кастальский» показал виртуозное владение разными техническими приемами – от тончайшего «пианиссимо» до мощного «форте»; пение отличалось красотой звуковедения, чистотой и стройностью, богатством тембровых решений. В ансамбле с хором выступили органистки Любовь Шишханова и Нина Рудневская, партию рояля исполнил Тимофей Доля. Замечательно показали себя все солисты – Илья Алтухов, Дмитрий Фадеев, Юрий Ростоцкий и Анна Пегова.

Как выдающийся дирижер, мастер своего дела, Алексей Рудневский в очередной раз проявил высочайший профессионализм: ему удалось выстроить концепцию каждого произведения, сплотить коллектив в единое целое. Глубоким знатоком западной церковной традиции показал себя музыкальный директор Кёльнской епархии, преподаватель литургического пения в Кёльнской Высшей школе музыки Рихард Майлендер. Все сочинения были исполнены качественно и безукоризненно с точки зрения стиля.

Зал был полон. Публика с восторгом внимала всему происходящему на сцене. Настоящие овации выпали на долю произведения В. Кикты, которое прозвучало в завершение хорового вечера. В Концерте для мужского хора, органа (Григорий Васильев), кельтской арфы (София Кипрская) и ударных (Сергей Шамов) композитор изысканно и искусно воссоздал музыкальную атмосферу старинной Шотландии с ее строгой природой и зажигательными кельтскими танцами.

Концерт состоялся в результате огромной совместной работы целого ряда единомышленников, беззаветно преданных искусству, и прежде всего, конечно, самого А.М. Рудневского. Именно благодаря его подвижничеству удалось сделать столь интересную программу, собрать замечательный состав исполнителей. Нельзя не выразить также благодарность ректорату и концертному отделу консерватории. Низкий поклон вдохновителю и организатору фестиваля, заведующей кафедрой органа и клавесина, профессору Н.Н. Гуреевой, а также выдающемуся мастеру своего дела – заведующей органной мастерской Н.В. Малиной.

Viva «Кастальский»!

Мария Макарова
Фото Анатолия Шишкина

Красота, логика, ясность…

Авторы :

№1 (1357), январь 2019

 декабря 2018 года в Малом зале состоялся сольный концерт одного из легендарных пианистов и фортепианных педагогов XX–XXI веков – профессора М.С. Воскресенского. В программу вечера вошли произведения Моцарта, Бетховена и Шопена. Исполнение музыки, не подвластной времени, стало само по себе сильным высказыванием человека, принадлежащего к легендарной школе Игумнова – Оборина. Знаменитые шедевры прозвучали с новой силой.

Открыла концерт «Фантазия» ре минор Моцарта. В исполнении М.С. Воскресенского она звучала по-настоящему трагично. Здесь присутствовали роковые и бесстрастные образы (например, вступление), которые вызывали чувство оцепенения, почти священного трепета. Им противопоставлялись образы, полные тревоги, горестных восклицаний (одна из побочных тем с интонациями lamento). Вторая главная тема передавала потрясающую энергетику, живость.

Центральное место в концерте заняли три великие фортепианные сонаты – Соната ля минор Моцарта, «Патетическая» соната Бетховена, Третья соната Шопена. Моцарт был исполнен крайне напряженно и страстно. Первые звуки можно было сравнить с началом Второй сонаты Шумана, и во всем Allegro активное развитие не останавливалось ни на миг. Не ослабело оно и во второй части, во вступительных тактах ее разработки впечатляюще объемно звучали аккорды в левой руке, которые трансформировались затем в мрачные, угрожающие триоли. Финал же был представлен сдержанно, но с неотвратимым ощущением надвигающейся катастрофы.

«Патетическая» Бетховена раскрыла две образные сферы – грозной, не ведающей компромиссов окружающей действительности и человека, ни при каких обстоятельствах не теряющего веры в свои силы, целеустремленности и чувства прекрасного. Ярким выражением этой антитезы стала экспозиция первой части. Главную партию и ее «железный» ритм сменила побочная –  музыка вначале робкая, но постепенно обретающая мощную внутреннюю энергию. С самых первых нот это была полностью человечная музыка, и итогом ее развития стал впечатляющий порыв заключительной партии. Вторую часть пианист преподнес как восторженный гимн красоте с всеобъемлющей полнотой звучания.

Третью сонату Шопена отличали классическая выстроенность, единство и цельность. Исполнитель представил ее героическим, волевым произведением, в частности, буквально «по-рыцарски» сыграл побочную партию первой части. А лирическая третья часть словно была наполнена чистотой и прозрачностью.

Бисы, завершившие концерт, воспринимались как жемчужины. Необыкновенно свежо Михаил Сергеевич воспроизвел «Апрель» Чайковского. Тема весеннего обновления продолжилась и в пьесе «Птица-пророк» из «Лесных сцен» Шумана.

В сольном концерте выдающийся музыкант показал свои пианистические принципы – индивидуальную образность каждой темы, подчиненность всех процессов единой драматургии, красоту, логику и ясность звучания при любой фактуре. Эти же замечательные качества профессор М.С. Воскресенский воспитывает и у своих талантливых учеников.

Степан Игнатьев,

студент ФФ

 

 

 

Венок воспоминаний

№5 (1352), май 2018

Ректор А.С. Соколов:

Нечасто говорится в чей-либо адрес – «педагог от Бога». В этой высокой оценке человека, оставляющего добрый след на земле, совмещается многое. Это не только оснащение учеников тонкостями ремесла, привитый им истинный вкус и способность самостоятельно мыслить. Это и нравственные уроки, преподносимые на своем личном примере в сложных жизненных ситуациях.

Камерный ансамбль – сфера, где была сосредоточена творческая деятельность Т.А. Гайдамович, выдающийся педагогический дар которой сочетался с богатейшей эрудицией, проницательностью ученого. Будучи доктором искусствоведения, заслуженным деятелем искусств РФ, профессор Гайдамович многие годы возглавляла кафедру истории и теории исполнительского искусства в Московской консерватории, работая параллельно на кафедре камерного ансамбля. Из ее класса вышло немало первоклассных ансамблей, получивших широкую известность. Воспитанники Т.А. Гайдамович не только перенимали у нее секреты ремесла, приобщаясь к знаменитой московской школе, которую она унаследовала и ярко продолжила. Главное, чему учила своих питомцев Татьяна Алексеевна, это беззаветная преданность искусству, бескомпромиссность в восхождении к его вершинам.

Такой была Татьяна Алексеевна Гайдамович. Такой мы ее помним и любим. И лучшая дань ее светлой памяти, приносимая учениками, коллегами, последователями – это те творческие встречи на фестивалях, конкурсах, конференциях, где особенно ценится духовная атмосфера, неизменно окружавшая Татьяну Алексеевну, где и сегодня ощутимо ее незримое присутствие.

Александр Бондурянский, Владимир Иванов, Михаил Уткин:

Татьяна Алексеевна Гайдамович навсегда осталась в памяти своих воспитанников. Ее преданность Alma mater, верность своим учителям – носителям великих традиций – являла собой яркий пример служения делу воспитания молодых музыкантов.

Она поражала глубокими знаниями в области музыкального искусства, живописи, литературы, истории и, вместе с тем, относилась к своим ученикам как к младшим сотоварищам по искусству. Отсюда особая атмосфера класса, близкая по духу «боттеге» эпохи Возрождения.

Для нас, участников «Московского трио», она сделала невероятно много. И сегодня, когда мы отмечаем 100-летний юбилей педагога и 50-летний юбилей нашего ансамбля, мы переполнены чувством глубочайшей благодарности: Татьяна Алексеевна царила в классе, царила в консерватории, она продолжает царить в нашей памяти.

Татьяна Садовская:

Я была первой ученицей Татьяны Алексеевны в Московской консерватории. Вспоминаю о моментально возникшей симпатии. Ее темперамент, увлеченность музыкой не могли оставить равнодушными меня и моих партнеров. К каждому она относилась как к родному человеку. Уроки в камерном классе доставляли удовольствие и вызывали восхищение. Татьяна Алексеевна была удивительным музыкантом и мудрым педагогом, тонко чувствующим заинтересованность и стремления ученика. Я очень люблю Татьяну Алексеевну и всегда с теплотой вспоминаю о ней.

Ирина Красотина:

Мой горячо любимый Учитель был со мной в студенческие годы, в период совершенствования в ассистентуре-стажировке, в пору первых шагов в педагогике. Именно Татьяна Алексеевна заинтересовала меня научно-исследовательской работой, настоятельно рекомендовала преобразовать мой исполнительский опыт в диссертационное исследование. Именно она, в том числе и собственным примером, убедила в том, что административная деятельность тоже может быть творческой. Разделяя с нами тревоги и радости, Татьяна Алексеевна во многом определила наши мировоззренческие ориентиры, воспитала преданность к славным традициям Московской консерватории, навсегда увлекла любовью к искусству камерного исполнительства.

Наталия Рубинштейн:

Я помню первый урок, как и все последующие, в мельчайших деталях, почти дословно. Татьяна Алексеевна рассказывала так ярко, что, казалось, сама была свидетелем и участником всех событий и судеб. Она говорила с нами о Бетховене, перед которым преклонялась, и Александре I, о Наполеоне и Габсбургах, о Чайковском, которого обожала. Она рассказывала нам про Шостаковича – «ДД», как она его называла, про Свиридова, Амосова и Голованова, которых хорошо знала, про Елену Фабиановну Гнесину, у которой училась. Она будто протягивала нам эти нити, связывающие сегодняшних консерваторцев с великой традицией, частью которой была; с ошеломляющей щедростью делилась своими знаниями, передавала из рук в руки, в уши, в души свой восторг перед неизъяснимостью божественного дара и мощью человеческого гения, перед музыкальными сокровищами, наследницей которых она себя ощущала.

Почти тридцать лет назад я впервые вошла в 15-й класс. Сегодня мне страшно подумать, что этого могло не случиться…

Алексей Селезнев:

На моей книжной полке на видном месте находится книга «Т. Гайдамович. Избранное» с трогательной дарственной надписью автора «С искренней симпатией и неизменно дружескими чувствами». Свыше 30 лет я учился у этого Человека с большой буквы. Чему? С годами все лучше понимаю, что главным были отнюдь не только ее блестящее знание мирового искусства, великолепная музыкальная одаренность и незаурядный педагогический талант. Татьяна Алексеевна была подлинным наставником в жизни, в профессии, в этике отношений с коллегами и учениками.

Тамара Оганезова:

Она всегда работала на максимуме. Поразительной была ее энергия, трудоспособность, не было предела выдержке и такту, дружеской поддержке и неистощимому терпению, желанию максимально приблизиться к высокому качеству игры ансамбля. Ее знания камерной литературы, музыки, да и искусства в целом казались безграничными. И в то же время – ни следа высокомерия и демонстрируемого профессионального превосходства.

Наталия Липкина:

В классе Гайдамович нельзя было делать что-то вполсилы. К музыке Татьяна Алексеевна относились с трепетом и уважением, а заслужить ее уважение можно было только самым честным служением музыке.

Гугули Ревазишвили:

В юбилейный год 100-летия со дня рождения мы благодарно вспоминаем ее добро и то, как заработанный всей жизнью авторитет она умела направить на содействие благим начинаниям. Многочисленные ученики не могут забыть педагогической щедрости Татьяны Алексеевны и сегодня. Закономерно, что к юбилею заслуженного деятеля искусств РФ Т.А. Гайдамович приурочен праздник музыки – фестиваль «Дань почтения мастеру».

Валерий Попов:

Т.А. Гайдамович – значительная личность в истории Московской консерватории и, в частности, оркестрового факультета. В деятельности Гайдамович-декана сказались стратегические свойства ее склада ума, колоссальное дипломатическое умение налаживать контакт с людьми. Как обычно, большое видится на расстоянии, и сейчас, спустя много лет, можно сказать, что в подборе кадров и в умении руководить ими ошибок у нее практически не было. Будущее подтвердило верность ее выбора. Оглядываясь назад, понимаю, что было чрезвычайно трудно сочетать руководство факультетом, преподавание камерного ансамбля с научной и общественной работой… Я благодарен Татьяне Алексеевне за ту роль, которую она сыграла лично в моей судьбе.

Сергей Кравченко:

Я знал Татьяну Алексеевну с момента поступления в консерваторию. Она только стала деканом, это был 1965 год. И с тех пор мы шли по творческой жизни вместе. От нее я получил огромное количество тепла, буквально материнского. По любому вопросу, не только профессиональному, она всегда шла навстречу, и всегда это было искренне, от всего сердца. Она была великолепным человеком, замечательным педагогом, прекрасным справедливым деканом с характером. Это осталось у нас на всю жизнь.

Феликс Коробов:

Татьяна Алексеевна – тот человек, который тебя по жизни ведет. Речь, конечно, не о какой-то протекционной помощи. Просто у каждого, наверное, в жизни есть кто-то, перед кем может быть стыдно. И я всегда проверяю себя: не будет ли потом неловко попасться случайно на глаза Татьяне Алексеевне?

Владислав Агафонников:

Это был очень одаренный человек – и как музыкант, и как организатор. Она была замечательным деканом, к ней с огромным уважением относился А.В. Свешников – ректор консерватории. Трудно поверить – 100 лет со дня рождения, это ведь целая история! Но Татьяна Алексеевна и была этой историей – историей жизни и творчества человека, отдавшего много таланта, сил и здоровья воспитанию молодых музыкантов и созданию русской музыкальной культуры в том виде, в котором она является образцом для всех стран и народов мира.

Ольга Галочкина:

Мои первые воспоминания о Татьяне Алексеевне относятся к разряду детских впечатлений – я росла в семье музыкантов, в стенах Московской консерватории. Детские глаза всегда выхватывают из жизни все самое яркое. Татьяна Алексеевна была личностью неординарной: высокая, красивая дама, всегда одетая с безупречным вкусом и обладающая волевым характером… Человеком, к мнению которого прислушивались самые выдающиеся профессора консерватории. И, пожалуй, самый главный урок жизненный – это ее необычайная преданность нашей Alma mater. С огромной благодарностью храню память о выдающемся учителе.

Борис Лифановский:

Татьяну Алексеевну отличала невероятная серьезность и бескомпромиссность в отношении к музыке и музыкантам, нежелание делать скидки. Многие считали ее жесткой. Да, она умела быть такой: резкой, язвительной, «неудобной». Но это не было капризом – за каждым ее словом всегда была видна четкая позиция. В основе этой позиции лежало неумение и нежелание прощать «половинчатость» как в игре, так и в жизни. Она часто говорила на уроках: «Не надо себя беречь!» Сама не умела быть равнодушной, и не способна была вынести, когда кто-либо проявлял равнодушие по отношению к профессии и вообще к музыке.

Максим Пурыжинский:

Как точно несколькими словами она могла направить наше исполнение в правильное русло, помочь найти музыкальное решение в каждом непонятном для нас случае! Ее советами мы пользуемся и по сей день, понимая, что лучшего не придумаешь, как ни старайся…

Наталия Купцова (Злобина)

Татьяна Алексеевна не признавала халтуры. И, не умея учить спустя рукава, прекрасно обучила меня ни при каких жизненных обстоятельствах не снижать заданной профессиональной планки. За это я благодарна – судьбе, консерватории, и… ей.

Борис Петрушанский:

Это был поистине удивительный человек – в ней сочеталась твердость, без которой невозможно было руководить оркестровым факультетом, и, в то же время, чуткость, почти что нежность к каждому своему ученику. Она никогда себя не жалела, полностью отдаваясь искусству в любой своей ипостаси – педагогической, научной, организаторской, административной. И эта любовь к Музыке навсегда передалась её ученикам.

Ирина Коженова:

Татьяна Алексеевна – яркое явление. Мне кажется, ее присутствие в консерватории ощущается по сей день. И когда мы вспоминаем любимую ею, вечно актуальную чеховскую фразу «Всякое безобразие должно иметь свое приличие!»… И когда я прихожу на лекцию в 15-й класс, где висит ее портрет, и красивая гордая голова оказывается так близко…

Татьяна Алексеевна обладала очень сильным, мужественным характером. Но при этом была настоящей женщиной. И когда она выходила на сцену Большого зала, чтобы произнести вступительное слово, ее статная фигура и блистательная речь – все производило прекрасное впечатление. В ней гармонично сочетались самые разные таланты, и эта многогранность приносила несомненный успех. Она была победитель.

Праздник органной музыки

Авторы :

№5 (1352), май 2018

С 12 по 25 марта 2018 года в Московской консерватории и Академическом музыкальном колледже при МГК прошел XVIII Московский международный органный фестиваль. Руководитель фестиваля, зав. кафедрой органа и клавесина, профессор Н.Н. Ведерникова-Гуреева и в этом году традиционно выделила два направления: в программах приняли активное участие как состоявшиеся, известные музыканты России и Европы, так и совсем юные органисты – учащиеся детских музыкальных школ Москвы и области, а также музыкального колледжа при МГК.

Открытие фестиваля и, пожалуй, одно из самых ярких его событий состоялось 12 марта. В Малом зале консерватории дал концерт профессор Парижской консерватории, органист Парижской церкви Успения Богородицы Леонид Карев (Франция). Своими впечатлениями о концерте поделился доцент Московской консерватории, органист и композитор Д.В. Дианов:

«Я очень хорошо помню Леонида по его студенческим годам в консерватории. Он обучался по классу органа у Н.Н. Гуреевой, по классу композиции у К.К. Баташова, по классу оркестровки у Ю.М. Буцко. Потом продолжил обучение в Парижской национальной консерватории (класс органа М. Шапюи, класс композиции А. Бланкара и Ж. Шарпантье) и в Нормальной школе музыки Парижа у Ж. Гийю и А. Изуара (орган). Творческий облик Карева органично объединяет русскую композиторскую и органную школу с фундаментальными принципами французской органной школы, основывающимися на ее богатейшей истории».

Программа концерта включала два больших раздела, основу которых составляли органные транскрипции.                  В первом, помимо виртуозных циклов Баха, сыгранных во французской манере, были исполнены Трио-соната Перселла (переложение для органа А. Изуара) и редко звучащая фантазия на тему песни Une jeune fillette Э. дю Корруа, композитора XVI века, малоизвестного в России, но популярного на родине (он являлся автором неофициального гимна Франции).

Кульминация программы – II отделение, полностью состоявшее из произведений Буцко и Рахманинова в транскрипциях и переложениях Л. Карева, который считает себя творческим последователем композитора. Прозвучали сочинения Буцко из двух «Органных тетрадей» для органа, а также его Andante tranquillo из «Ричеркара» (виолончельного концерта). Завершили концерт «Русская песня» и хор «Слава» Рахманинова. Объединяющим звеном этой части программы стали глубокие пласты русской фольклорной музыки. В своих транскрипциях, отличительной чертой которых является аккуратное, корректное отношение к первоисточнику, Л. Карев предстал музыкантом, не гоняющимся за внешними эффектами, а старающимся точно и глубоко передать все, что задумано автором».

17 марта в Малом зале прошел концерт органистки Натальи Ужви. Программа полностью состояла из произведений Баха, и была приурочена ко дню рождения великого немецкого композитора. Наталья окончила Московскую консерваторию (класс Н.Н. Гуреевой), неоднократно становилась лауреатом престижных международных конкурсов и фестивалей. Затем продолжила свое обучение в магистратуре Высшей школы музыки в Любеке (класс А. Гаста), с 2014 г. была ассистентом главного органиста церкви Св. Марии в Любеке, в настоящее время – кантор Евангелическо-лютеранской церкви Св. Северини в Гамбурге. Отметим зрелый стиль исполнения Н. Ужви, нестандартный подход к органным регистровкам. Выбор программы был своеобразным вызовом, но ей покорилась и эта высота. Особенно впечатлило исполнение хоральных прелюдий и партит Баха, после которого публика долго не отпускала талантливую органистку со сцены.

25 марта на закрытии фестиваля выступили вокальный ансамбль «Intrada» (худрук Е. Антоненко) и известный российский органист и композитор, доцент ФИСИИ Федор Строганов. Запомнилось яркое произведение Строганова «Колокола святой Женевьевы» для органа соло и кантата «Тебе Бога хвалим» Д. Бортнянского, прозвучавшая в версии для двух хоров и органа, что стало масштабным завершением фестиваля.

Детские и юношеские концерты фестиваля, проходившие при полных аншлагах, были встречены публикой с особым воодушевлением. 14 марта в Концертном зале АМУ при МГК выступали студенты органного класса училища (рук. Г.В. Семенова). 18 марта на сцене Малого зала состоялся концерт совсем юных органистов (13–17 лет), лауреатов международных и всероссийских конкурсов. Выступали: победители III Международного конкурса «Юный органист», V Всероссийского конкурса органистов «Sancta Caecilia», Всероссийского открытого фестиваля-конкурса органной музыки «Золотая лира», Всероссийского конкурса органистов им. В.Ф. Одоевского, Открытого Фестиваля-конкурса органной музыки «Гатчина – Санкт-Петербург» и многих других.

Благодаря фестивалю молодые музыканты получили возможность прикоснуться к лучшим органам Москвы, окунуться в интереснейшую, насыщенную творческую жизнь. С каждым годом повышается общий уровень игры на органе российских детей, не имеющей аналогов в мире, что подчеркивают приезжающие в Россию серьезные западные органисты. Отрадно, что на смену нынешним музыкантам растет очень серьезная, одаренная и влюбленная в органную культуру смена.

24 марта в консерваторском зале им. Н.Я. Мясковского прошел концерт «Музыка в старинном стиле». Выступали ученики органных классов двух музыкальных школ Москвы: ДМШ имени А.Т. Гречанинова и МГДМШ имени И.О. Дунаевского (преп.  А.Е. Максимова и О.В. Кравченко), а также постоянный участник фестиваля Детский ансамбль старинной музыки FIORI MUSICALI (худрук Е.В. Киракосова), который стал настоящим украшением программы. Дети исполнили фрагменты сюиты из балета Стравинского «Пульчинелла» и менуэт из Бранденбургского концерта фа мажор Баха. Во многом, благодаря умению, вкусу и подвижнической работе руководителя, игра ребят поразила и взволновала публику своей увлеченностью, слаженностью и удовольствием, с которым они музицировали.

Запомнились ансамблевые номера концерта: переложение концерта для гобоя и оркестра В. Беллини в исполнении Т. Мусина (труба, преп. В.И. Королев) и В. Филатова (орган, преп. А.Е. Максимовой), а также «тембровое открытие» концерта – дуэт Т. Романюка (гусли, преп. Е.Н. Карсакович) и С. Фукалова (орган, преп. О.В. Кравченко), проникновенно исполнивший «Прелюдию в классическом стиле» Е.  Дербенко. Среди сольных выступлений выделялась игра самого младшего участника концерта А. Заморова (ДМШ им. А.Т. Гречанинова) и П. Бондаревой (выпускницы МГДМШ им. И.О. Дунаевского).

Подводя итоги прошедшего фестиваля, выразим огромную благодарность всем, кто подарил нам этот праздник музыки – художественному руководителю Н.Н. Ведерниковой-Гуреевой за титаническую работу по его подготовке и проведению, как и за саму идею объединить музыку разных эпох и исполнителей всех возрастных категорий. И, конечно же, органным мастерам – заведующей клавишной мастерской Н.В. Малиной и ее коллегам, ценой напряженного труда оберегающих органы Московской консерватории.

Олеся Кравченко