Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

«Моя профессия – это игра на рояле…»

Авторы :

№7 (1345), октябрь 2017

Начало концертного сезона ознаменовалось большим событием – выступлением пианиста Евгения Кисина. Его карьера давно развивается за рубежом, однако он старается не забывать и концертные площадки родной страны – в том числе и Большой зал Московской консерватории, ставший для него в свое время творческим стартом. Нынешний klavierabend Кисина состоялся в рамках благотворительной программы и Премии Союза журналистов России «Камертон» имени Анны Политковской. Вечер также был посвящен трагически погибшим журналистам, чьи фотографии в виде коллажа-мишени смотрели в зал.

В этом году премию получили корреспондент ВГТРК Е. Поддубный и обозреватель «Новой газеты» и радио «Эхо Москвы» Ю. Латынина – но не смогли забрать награду: один находится в Сирии, другая вынуждена была уехать, опасаясь за свою жизнь. На пресс-конференции после концерта Кисин признался, что не мог не откликнуться на приглашение приехать в Москву именно в День Международной солидарности журналистов, ибо он не только следит за политическими ситуациями, но и нередко делает по этому поводу заявления в прессе. Сам музыкант не пишет статьи, однако сейчас с успехом осваивает «словесную» профессию – сочиняет стихотворения на идише и даже выпустил собственную книгу (ее презентация прошла на следующий день в Центральном Доме журналистов).

Положив цветы к портрету А. Политковской, Кисин почтил ее память минутой молчания, после которой публика услышала строки из «Гладиаторов» Иосифа Бродского: «Простимся. До встреч в могиле. Близится наше время. Ну, что ж? Мы не победили. Мы умрем на арене»…

Пианист открыл вечер без вступительного комментария, словно стремясь продлить в звуках возникшую атмосферу. «Большая соната для Хаммерклавира» (№29) Бетховена, занявшая одно отделение, позволила ему поделиться со слушателями своими чувствами и мыслями – возможно, о тех, кто погиб за смелость высказываний. Горделиво-торжественный и одновременно драматический «Хаммерклавир» Кисин, на удивление многих, уложил в стройную полицентричную форму. Две первые части, сыгранные без перерыва, предстали как патетический монолог из маршеобразных аккордов и энергичных пассажей; две последние образовали контрастную и ярко-образную пару «прелюдия – фуга». Третья часть (Adagio cantabile) в интерпретации Кисина и вовсе превратилась в романтический ноктюрн, словно существующий отдельно от цикла. В ней музыкант проявил большую свободу – и в темпе, и в характере тем, бережно прикасаясь к клавишам рояля в надежде, что публика мысленно откликнется на его горькое раздумье.

Двенадцать прелюдий Рахманинова во второй части музыкального действа сложились в пеструю мозаику образов. Это и приятное воспоминание (прелюдия ре мажор), и звенящий восторг (си-бемоль мажор), и рахманиновская тоска по родине (до-диез минор) с картинами русской природы, которых Кисин не наблюдал целых шесть лет… И здесь индивидуальный подход к известной музыке, отсутствие больших пауз между пьесами и уверенное понимание авторского текста. Словом, блестящий цикл Рахманинова, как и великий бетховенский опус, которые пианист играет уже год, он каждый раз пытается вывести на новый уровень.

Решив эффектно завершить вечер, Евгений Кисин на «бис» исполнил «Багатель» того же Бетховена и «Токкату» собственного сочинения. На композиторский путь в свое время его натолкнули Александр Чайковский и Арво Пярт, однако мало кто слышал результаты его трудов – а они оказались весьма любопытными. «Токката», которую Кисин начал, будучи 13-летним подростком, соединила в себе русскую напевность, техничную виртуозность и элементы джаза. На пресс-конференции на вопрос о том, будет ли он в дальнейшем писать музыку или продолжать литературное творчество, он ответил: «Моя профессия – это игра на рояле. Остальное – не загадываю и не планирую…»

Надежда Травина, ответственный редактор «РМ»

Художник эпического размаха

Авторы :

№7 (1345), октябрь 2017

Сергею Михайловичу Слонимскому – 85. В это поверить очень трудно, учитывая его сегодняшнюю активность в творчестве, педагогике, общественной жизни. Деятельность выдающегося русского композитора посвящена музыке, ныне широко известной во всем мире, постоянно звучащей в лучших залах Петербурга и Москвы.

Путь композитора проходил через постоянный творческий поиск. Он обретал новые музыкальные средства и весьма самобытно трактовал традиционные. О себе Слонимский говорит: «Я – типичный петербуржец. В чем это выражается? Может быть, в самоуглубленности, в меньшей, по сравнению с московской, внешней экспансивностью, в отсутствии стремления «дружить» со знаменитостями и властями. А может, и в наивности: я часто сам себе вредил, удивляясь, если меня хвалили».

Хвалить Слонимского начали еще в раннем детстве известные писатели – например, К. Федин или М. Зощенко, горячо поддержавший Скрипичный концерт юного автора. Сергей Михайлович родился в семье писателя Михаила Леонидовича Слонимского, участника знаменитой литературной группы «Серапионовы братья», которую высоко оценивал М. Горький. И по сей день музыкант живет в доме литераторов, что на канале Грибоедова, возле храма Спаса на крови. С 1959 года по одним и тем же дням приходит в «свой» класс к тем, кто выбрал нелегкую профессию композитора.

Самому же Слонимскому повезло с учителями (кстати, не только в Петербурге, но и в Москве, где несколько военных лет он обучался в Центральной музыкальной школе при Московской консерватории). Среди его наставников были – А. Д. Артоболевская и С. И. Савшинский (ф-но), В. Я.  Шебалин, Б. А. Арапов, Е. О. Месснер (сочинение). В 1955 году Слонимский оканчивает Ленинградскую консерваторию по классу композиции профессора О. А. Евлахова, а 1956 году по фортепиано у профессора В. В. Нильсена.

Петербургский композитор был свидетелем важнейших событий в отечественной культуре и многое в ней предопределил. Произведения Слонимского, действительного члена Российской Академии образования, профессора Санкт-Петербургской консерватории изучаются молодежью в учебных заведениях. Сегодня он автор тридцати трех симфоний, девяти опер, трех балетов, серии кантат и ораторий, инструментальных концертов, камерной музыки – инструментальной и вокальной.

Поразительное многообразие созданного Сергеем Михайловичем позволяет сравнить его творчество с музыкальным музеем, где из Античного зала вы попадаете в Древний Восток, из сферы Барочного в Классицизм. XIX же век ныне ценится композитором особо: он неизменно делает ему приношения (в посвящениях, например, фортепианных пьес Григу и Брамсу, вокальных сочинений – Лермонтову и Пушкину). В этом виртуальном музее можно встретить звуковые картины в облике лирических пейзажей, портретов, бытовых шаржей, а также в виде психологических зарисовок, исторических фресок. Некоторые – плод мгновенных эскизов, иные – плод длительных раздумий нам вечными темами.

С годами возрастал интерес Слонимского к исследованию противоречий общественного развития и их влияния на судьбы личностей (оперы «Король Лир», «Царь Иксион», «Мария Стюарт», «Антигона») и людей из народа (опера «Виринея», балет «Икар»). Слонимский – художник эпического размаха (опера «Видения Иоанна Грозного»), который мощно претворяет лиризм (оперы «Мастер и Маргарита», «Смерть поэта»). И в симфонической, и в театральной, и в камерной музыке проявляется уникальный мелодический дар петербургского мастера. Не случайно он стал автором более чем 300 романсов на тексты от Г. Державина до И. Бродского и Е. Рейна.

Свой «литературный ген» Слонимский проявил в разных сферах творчества: например, в составлении либретто камерных вокальных циклов («Песни вольницы» на фольклорные тексты), кантат («Голос из хора» по А. Блоку), ораториальных хоровых сюит («Виринея») и хоровых концертов («Тихий дон»). Около десяти лет он трудился на музыковедческой кафедре, где создал свое новаторское исследование «Симфонии Прокофьева». А за ним последовало более десяти книг, композиторских эссе, посвященных истории русской музыки, петербургской композиторской школе. В июне – августе этого года Слонимский разработал курс и создал исследование об истории мелодии (разных эпох и национальных школ).

Симфония стала музыкальной формой его дневников. Но и камерные жанры постепенно вышли на первый план. Одной из своих самых знаковых работ Слонимский называет Реквием: «Мне особенно необходимо было написать одно в жизни сочинение, в котором абсолютно искренне, от души я должен был сам исповедаться, причаститься, высказать свои сокровенные мольбы об отпущении грехов; пожелать вечного света невинно убиенным людям и праведникам, обычно этим людям очень плохо на этом свете».

Размышляя о пройденном пути, Слонимский говорит, имея в виду судьбы наиболее ярких композиторов-соотечественников, что истинный путь отечественной музыки XX века надо прослеживать, прежде всего, по тогда запрещённым сочинениям. Сам он не раз познавал запреты. В годы советской власти подверглись резкой необоснованной критике опера «Мастер и Маргарита», кантата «Голос из хора», не разрешен был к печати квартет «Антифоны». В свой юбилейный год композитор пожелал услышать в Петербурге именно эти сочинения — они триумфально прозвучали в залах Филармонии, а также в Санкт-Петербургской консерватории.

Музыканты Москвы и, прежде всего, молодежь от всего сердца готовили свои исполнительские подарки для московских премьер его новых произведений – «Легенды» для скрипки (по «Песне торжествующей любви» И. Тургенева) и новых циклов романсов на стихи М. Лермонтова. Юбилейные концерты прошли в Большом театре и РАМ имени Гнесиных, Московской консерватории и Центральной музыкальной школе. Концертный фестиваль, однако, на этом не заканчивается и будет продлен приношениями молодых исполнителей других вузов, в частности, Музыкально-педагогического института им. Ипполитова-Иванова.

Завершая свою книгу о русской музыке под названием «Свободный диссонанс», Слонимский пишет: «Музыкальная речь столь же неисчерпаема, как и сама душа человеческая, ибо музыка – язык души… Смело отправимся в тот путь, который начали творцы Серебряного века к новому возрождению культуры, к русскому Ренессансу,              к новому возрождению человеческой души… Вперед – от русского Серебряного века к русскому Ренессансу».

профессор Е. Б. Долинская

К 20-летию ФИСИИ Московской консерватории. Первопроходцы

Авторы :

№ 6 (1344), сентябрь 2017

Факультету исторического и современного исполнительского искусства Московской консерватории – двадцать лет! Это настоящий праздник для родной Alma mater, которая обрела уникальный факультет, первая в России получила возможность обучать некогда совершенно неизведанной области исполнительского искусства – закрытой, нежелательной и даже запрещаемой в эпоху «железного занавеса».

Марк Пекарский, Наталия Гутман, Алексей Любимов (1998)

Конечно, 20 лет – возраст молодой, даже юный. Но в рамках жизни одного взятого поколения консерваторцев – это уже путь, пройденный более чем достойно. Юбилей позволяет подвести некоторые итоги, оглянуться на сделанное и признать, что сегодня уже нет никакой необходимости доказывать, что данное направление имеет полное право на существование в стенах ведущего вуза страны.

Создание ФИСИИ в 1997 году стало для Московской консерватории поистине эксклюзивным проектом, делом столь же авангардным, сколь историческим. Начав работу как факультет экспериментальный, в 2002 году по решению Ученого совета ФИСИИ стал полноправным структурным подразделением вуза. Благодаря ректору, проф. А.С. Соколову, были созданы беспрецедентные условия для творческих инициатив самого высокого уровня.

Возникновение нового факультета также было бы невозможно без непосредственного участия всемирно известных музыкантов: Наталии Гутман и Алексея Любимова (впоследствии возглавившего факультет), Назара Кожухаря (тогда – представителя нового поколения исполнителей, а ныне выдающегося скрипача).

Бесспорным результатом создания ФИСИИ можно считать тот факт, что сегодня подавляющее большинство молодых российских музыкантов, владеющих техниками исполнения старинной музыки, получили образование не где-то на Западе, а у нас – в Московской консерватории! Имена многих на слуху во всем мире, это выпускники ФИСИИ: дирижер и клавесинист М. Емельянычев, мультиклавиристки М. Успенская, Е. Миллер и О. Пащенко, скрипач и певец Д. Синьковский, пианист С. Каспров и многие, многие другие.

Первое исполнение ХТК (том 1) на исторических инструментах в Российском фонде культуры (27.03.2000). Слева направо: первый ряд – А. Шевченко, С. Каспров; второй ряд – В. Манукян, Ю. Мартынов,          А. Любимов, О. Мартынова, А. Карпенко; третий ряд – В. Годовикова, А. Черток, О. Андрющенко, К. Волостнов, М. Успенкая

В двуплановой модели образования на факультете совмещено обучение игре на старинных и современных инструментах. Созданы уникальные учебные программы и индивидуальные методики, даже целые «школы», дающие необходимый комплекс знаний и навыков, приводящих к поразительным результатам. Выпускники кафедры клавишных инструментов, например, за последние десять лет стали призерами и победителями практически всех известных международных конкурсов старинной музыки. Это конкурс Oude Muziek в Брюгге в номинациях «хаммерклавир» и «клавесин», конкурс имени И. С. Баха в Лейпциге, Международный конкурс «Пражская весна», Международного конкурса имени Бибера в Австрии, Yamanashi competition в Японии, Международного конкурса клавесинистов имени А. М. Волконского, Erster Internationaler Hammerklavierwettbewerb Schloss Kremsegg в Австрии, Международного конкурса хаммерклавиристов Premio Ferrari и Международного конкурса старинной музыки Circulo Bach в Мадриде, Международного клавесинного конкурса Gianno Bergamo Classic Music Award в Лугано (Швейцария), Международного конкурса хаммерклавиристов Geelvinck и конкурс ансамблей ранней музыки International Van Wassenaer Competition Amsterdam в Амстердаме. И это – далеко не все!

Летом 2017 года состоялся дебют выпускницы факультета М. Шабашовой на прославленном Зальцбургском летнем фестивале в качестве исполнительницы континуо в постановке оперы Моцарта «Милосердие Тита» под управлением Теодора Курентзиса. Это событие стало настоящей сенсацией фестиваля, объектом восторженных откликов критиков и прессы.

С юбилеем ФИСИИ поздравили выдающиеся российские и зарубежные музыканты, специалисты в области исторического исполнительства, видные музыкально-общественные деятели, в числе которых М. Венгеров, И. Антонова, Т. Курентзис, К. Шорнсхайм, М. Хазельбёк, М. Билсон, А. Штайер, Р.  фон Нагель, А. Мустонен,              Б.  ван Оорт и многие другие.

Преподаватели и студенты ФИСИИ ведут активную концертно-просветительскую работу и исследовательскую деятельность. Заметными событиями стали реконструкции опер О. Козловского «Зельмира и Смелон, или Взятие Измаила», мировая премьера восстановленной оперы В. А. Моцарта «Каирский гусь», водевиль А. Алябьева «Лунная ночь, или Домовые», опера-балет Ж. Ф. Рамо «Пигмалион», мелодрама Е. Фомина «Орфей», балет К. В. Глюка «Дон Жуан», опера-балет Ж. Б. Люлли  «Времена года», мелодрама И. Бенды «Медея». Под эгидой ФИСИИ в феврале 2010 года состоялся Первый Международный конкурс клавесинистов имени А. М. Волконского, теперь проходящий в Московской консерватории регулярно.

Выпускники ФИСИИ преподают, дают концерты по всему миру, сотрудничают с многочисленными ансамблями старинной музыки, такими как «Music Aeterna» под управлением Т. Курентзиса, оркестр исторических инструментов «Pratum integrum» под руководством выпускника ФИСИИ П. Сербина, Академический камерный оркестр «Musica viva», оркестр «Эрмитаж», Государственный камерный оркестр, Госоркестр имени Е. Ф. Светланова, РНО, оркестр Большого театра России и многими другими.

«Time of Dance» – ансамбль исторического танца. Художественный руководитель Наталия Кайдановская

По случаю празднования юбилея коллектив ФИСИИ подготовил обширную программу, стартом которой стал концерт в БЗК 10 сентября. В нем приняли участие барочный ансамбль и камерный оркестр ФИСИИ и камерный хор Московской консерватории под управлением Александра Соловьева. Руководителем программы стал выдающийся австрийский дирижер Рубен Дубровски. Юбилейным торжествам будут посвящены абонементы факультета «Двойные портреты» и «Четыре века транскрипции»; в сезоне 2017–2018 года продолжится также концертный цикл «Все сонаты Бетховена на исторических инструментах».

Феномен ФИСИИ невозможно осознать без глубинного контекста, как традиций, заложенных полтора века назад основателями Московской консерватории, так и современного музыкального исполнительского искусства в целом. Подобные явления – яркие, уникальные, порой неоднозначные – ступени интеграции нашей культуры в мировой художественный процесс, ставшие его неотъемлемой и весьма значимой частью. Поздравим же друг друга: двадцать лет назад в Московской консерватории родилась новая исполнительская школа, дружная команда единомышленников, энтузиастов-первопроходцев, у которой есть не только прошлое, настоящее, но и будущее!

М. В. Воинова

преподаватель кафедры теории музыки, кандидат искусствоведения

Музыкальный Эдикт

Авторы :

№ 6 (1344) сентябрь 2017

Академический хор Московской государственной консерватории под управлением профессора С. С. Калинина в июне посетил столицу Сербии – Белград и город Ниш в рамках Международного фестиваля хоровой музыки «Музыкальный Эдикт» с программой русской духовной музыки            XIXXX веков. Выступления московского хора удостоились посещения высоких гостей в лице Патриарха Сербии Иринея и мэра города Ниш Зорана Перишича.

Участие коллектива в музыкальных событиях на концертных площадках и в главных соборах Сербии проходили с неизменным успехом. Важно отметить, что особое расположение публики заслужили номера с сольными партиями: визитная карточка хора Московской Консерватории – «Свете Тихий» Н. С. Голованова (солисты Иван Любимов и Екатерина Дондукова), «Ангел Вопияше» П. Г. Чеснокова, одного из основателей кафедры Хорового дирижирования МГК (с сольной партией Яны Межинской), и «Любовь святая» Г. В. Свиридова с проникновенным соло Юлии Черской. Отклик зала был столь искренним и непосредственным, что и техническая сложность программы, и глубина музыкальных образов лишь способствовали вдохновению дирижера и хора.

«Сербский и русский народы объединены в истории верой и судьбой. Мы – братья! Какая радость, что теперь мы связываем наши сердца любовью к музыке и прекрасному хоровому пению!» – так начал свое приветственное слово патриарх Сербский в крипте главного собора на Балканах, как его называют сами сербы: в Храме Святого Саввы в Белграде. И действительно, чувство родственного единства, сопричастности слушателей хоровому искусству остро ощущалось на протяжении всей поездки. Петь для столь внимательной публики было легко как никогда. Этот удивительный опыт невозможно забыть, ведь именно для создания такой артистической атмосферы на сцене, такого уникального доверия между людьми и проходит каждодневный тяжелый труд каждого ученика хора.

Пребывание в городе Ниш стало блестящим финалом этой гастрольной поездки. Сложно вообразить себе более сильную любовь к хоровому искусству и более гостеприимный прием, чем те, что встретил хор в этом славном городе. Академия Богословия приютила коллектив на время фестиваля, предоставив прекрасные апартаменты с видом на живописный город с его красными крышами. А забота и искреннее внимание волонтеров принимающей стороны нашло отклик в сердце каждого участника.

Хоровое пение на площадях, слушатели в проходах и коридорах, стоя аплодирующий зал, непрекращающиеся овации, несмотря на позднее время и долгий, наполненный серьезной музыкой концерт – все говорило об искреннем и глубоком интересе. По лицам публики, по их пронзительному взгляду, затаенному дыханию, можно было понять, какой поразительной силой, преображающей душу человека, является русская духовная музыка.      Как и истинную цену того редчайшего момента, когда исполнители и слушатели становятся близки словно братья, несмотря на то, что они никогда не были знакомы и даже не видели друг друга до этого дня.

Именно такие минуты составляют главную радость творческой жизни артиста. Лишь глубокую и искреннюю благодарность консерватории и руководству хора желают выразить студенты за эти непродолжительные, но такие насыщенные гастроли!

Ирина Панфилова,

студентка ДФ

Эдуард Грач: «Чтобы его имя продолжало жить…»

Авторы :

№ 6 (1344) сентябрь 2017

С 28 апреля по 7 мая 2017 года в Москве прошел VII Международный конкурс скрипачей имени А. И. Ямпольского. Имя великого педагога и музыканта Абрама Ильича Ямпольского – создателя легендарной скрипичной школы, воспитавшего целую плеяду блестящих скрипачей – гордость скрипичного искусства ХХ века. Конкурс его имени основан и проводится по инициативе выдающегося ученика Ямпольского, профессора Московской консерватории, народного артиста СССР Э. Д. Грача, продолжающего замечательные исполнительские и педагогические традиции своего Учителя.

Впервые этот конкурс проводился в Дубне (1996), затем дважды (1999, 2002) в Пензе, куда в годы войны, вместе с классом А. М. Ямпольского была эвакуирована Центральная музыкальная школа, а начиная с четвертого он стал частью культурной жизни Москвы (2006, 2009, 2012, 2017). По сложившейся традиции все конкурсные прослушивания проходят в ЦМШ, а концерты – в залах Московской консерватории. Жюри бессменно возглавляет профессор Э. Д. Грач.

В этом году в конкурсе, проходившем в 3 тура, участвовало более 40 человек. Они выступали в двух возрастных категориях: младшей (до 15 лет включительно) и старшей (с 16 до 32 лет). Соревновались молодые скрипачи из России, Казахстана, Узбекистана, Греции, Китая, Японии, Австралии, Австрии, Германии, Великобритании и США. В жюри вошли известные профессора: Л. И. Габышева (Якутия), М. Х. Гантварг (Россия), В. М. Иванов (Россия), А. Кандинская (Австрия), Лина Ю (Китай), П. Мунтяну (Румыния-Германия), Р. К. Мусахаджаева (Казахстан), И. Рашковский (Израиль-Великобритания).

Соревнования завершились внушительным списком лауреатов. В младшей группе победили: Вон Пуй Ин (Гон-Конг, Китай)1 премия, Мария Артеева (Россия) – 2-я, Юй Сычень (Китай) – 3-я, Матвей Блюмин (Россия)4-я, Дарья Лист (Австрия)5-я; 6-ю премию получили Стефания Поспехина (Россия) и Мария Качарина (Россия), диплом лауреата – Валерия Cвичкаренко (Россия). В старшей группе: Нинагава Хироко (Япония) –1-я премия и спецприз жюри за лучшее исполнение «Рондо-каприччиозо» Мендельсона-Ямпольского, Агафия Григорьева (Россия) – 2-я, 3-ю премию поделили Сан Эмили (Австралия – Великобритания), Ишибаши Хаято (США), Чен Цзаи (Китай) и Анна Савкина (Россия); дипломы лауреатов получили участники из России – Ангелина Гвоздарева, Даниил Коган и Андрей Кузнецов.

Итогом конкурса стал грандиозный гала-концерт 7 мая в Большом зале консерватории, на котором выступали победители с камерным оркестром «Московия». По завершению всех событий мне удалось побеседовать с президентом конкурса профессором Э. Д. Грачом.

Награждается Нинагава Хироко – 1-я премия и спец приз жюри

– Эдуард Давидович, Вы были инициатором создания этого конкурса, расскажите, пожалуйста, какая идея лежала в основе?

– Абрам Ильич Ямпольский – один из основоположников русско-советской скрипичной школы. Его класс всегда был самым сильным в ЦМШ и Консерватории, среди его учеников было больше всего лауреатов, а впоследствии – выдающихся артистов. И до войны, и во время войны, и после войны вплоть до его кончины в 1956 году. Но все забывается… Моей идеей было увековечить его имя, чтобы оно продолжало жить. Поэтому я счастлив, что конкурс имени моего великого Учителя проходит уже в седьмой раз.

– Каким был уровень подготовки нынешних участников?

– Невероятно высоким! По мнению жюри, он превзошел уровень скрипичной группы на последнем конкурсе им. П. И. Чайковского. Во всяком случае, не уступал ему. Что ни скрипач, то претендент на премию! Я могу назвать достаточное количество ребят, которые могли бы быть в финале, но они туда не попали. Например, в старшей группе – Джанай Туленова, замечательная скрипачка из Казахстана, я слышал ее в Астане и пригласил на конкурс в Москву. На мой взгляд, также очень сильные скрипачи – Александр Котельников, Алги Акбике, а в младшей группе Илюшина Валерия. Они уверенно шли в финал, но, как видите, остались «за бортом». Конкурс есть конкурс. По его условиям в старшей группе в финал могли выйти только 8 претендентов, мы пропустили 9, но, на мой взгляд, достойных было не менее 12 человек!

– Расскажите, пожалуйста, о Ямпольском, в честь которого Вы создавали этот конкурс.

– С уверенностью могу заявить, что таких людей я больше не встречал. Интеллигентность высшей пробы. Добряк невероятный, порядочность невероятная. Я всегда говорю, что мне повезло с учителями – я начинал в классе профессора П. С. Столярского, позже учился у профессора И. А. Гутмана, затем четыре года в ЦМШ, пять лет в консерватории и три года в аспирантуре в классе профессора А. И. Ямпольского. Я счастлив, что мог провести с ним столько времени и так многому от него научиться.

Ямпольский был уникальным скрипачом – руки просто фантастические. Но он очень волновался перед выступлениями, поэтому и карьеры исполнителя не было. Зато стал великим педагогом. Он умел развить яркую индивидуальность в каждом ученике, они все – очень разные, и в этом величие школы Ямпольского. И у него была феноменальная память. Как-то на уроке зашла речь о произведении, которое он слышал очень давно, в 20-е годы: «Дай-ка мне скрипку» – сказал он, и сыграл с начала до конца.

Абрам Ильич для меня – святая личность. Он был очень человечным, встречал меня на вокзале, когда я одержал первую победу, получив золотую медаль на Международном конкурсе в Будапеште в 1949 году…

– Вы, наверное, рады, что задуманный Вами мемориальный конкурс сейчас привязан к стенам,           в которых когда-то Вы занимались с Ямпольским?

– Да, для меня глубоко символично, что прослушивания идут в залах Центральной музыкальной школы, где я впервые встретил моего дорогого Учителя. Я верю, что этот Международный конкурс останется значимым событием как в музыкальной культуре России и мира, так и в творческой судьбе каждого его участника.

Беседовала Яна Катко,

 студентка ИТФ

Виолончельный «голос» Шаховской

Авторы :

№ 5 (1344) сентябрь 2017

Не стало Наталии Николаевны Шаховской… В это невозможно поверить. Имя профессора Шаховской, народной артистки СССР, первого победителя конкурса имени П. И. Чайковского (1962), заведующей кафедрой виолончели Московской консерватории, вписано золотыми буквами в историю отечественного и мирового музыкального искусства.

Виолончельный «голос» Шаховской, его теплоту, трепетность и глубину невозможно было спутать ни с кем из самых крупных мастеров виолончели.          В ее игре были благородство вкуса, невероятная чистота инструментального «произнесения» и редкая красота тона, глубина и масштаб интерпретации, яркий темперамент и истинно русская эмоциональная насыщенность.                     В репертуаре Шаховской была практически вся классическая сольная и ансамблевая литература для виолончели, ей посвящали свои сочинения А. Хачатурян и С. Губайдулина, С. Цинцадзе и Н. Сидельников, С. Беринский и Л. Книппер… Многие годы она играла с Е. Малининым и Э. Грачом в составе фортепианного трио, выступала с дирижерами К. Зандерлингом, Д.  Китаенко, К. Кондрашиным, К. Мазуром, Н. Рахлиным, Г. Рождественским, М. Ростроповичем, А. Хачатуряном, М. Шостаковичем.

Без малого 60 лет продолжалась педагогическая деятельность Наталии Николаевны. С 1974 года она заведовала кафедрой виолончели и контрабаса Московской консерватории, с 1996 года одновременно преподавала в Высшей школе музыки королевы Софии в Мадриде. В 2000 году Шаховская образовала из своих учеников кафедру виолончели Московской консерватории, работа которой плодотворно продолжается и по сей день.

Всемирно известная школа Шаховской успешно продолжает и развивает козолуповскую метóду и музыкальные новации Ростроповича. Среди учеников Шаховской – профессора и доценты консерваторий, заслуженные артисты России, концертмейстеры крупнейших оркестров, свыше 40 лауреатов международных конкурсов, среди которых К. Родин, Д. Шаповалов, С. Антонов, Б. Андрианов, А. Рамм, В. Бальшин, О. Галочкина, Е. Горюнов, А. Демин, Т. Заварская, А  Загоринский, И. Зубковский, О. Коченкова, А. Найденов, Е.  Сущенко, М. Тарасова, Н. Хома, Д. Цирин, Д. Чеглаков, Т. Мерк (Норвегия), Г. Торлеф и У. Шайфер (Германия), Д. Урба и Д. Озолиня (Латвия), Э. Валенсуэло (Чили), Д. Вейс (Чехия), С. Аттертон (Франция), С. Багратуни (США), В. Пономарев (Швейцария)… Она проводила мастер-классы по всему миру, работала в жюри престижных международных конкурсов, среди которых «Пражская весна», АРД в Мюнхене, конкурс в Претории, имени Ростроповича в Париже, Лютославского в Варшаве, Поппера в Венгрии, Давыдова в Латвии, и многих других.

Имя Шаховской стало настоящим «знаком качества», как исполнительского и педагогического, так и просто человеческого. До последних дней она отдавала всю себя ученикам, кафедре, консерватории, невзирая на ухудшающееся здоровье.

Ушла целая эпоха. Ушла гениальная Артистка, великий Педагог, удивительный Человек. Мы всегда будем помнить заветы нашего Учителя. Никто не сможет нам заменить ее. Но наш долг, долг ее учеников и коллег – сохранить ее школу и достойно продолжить дело Шаховской.

Профессор А. Н. Селезнев

Эрудит с тонким художественным вкусом

№ 6 (1344) сентябрь 2017

9 июля 2017 года на 68-м году жизни, после тяжелой и продолжительной болезни скончалась И. Е. Лозовая, профессор кафедры истории русской музыки и руководитель Научно-исследовательского центра церковной музыки им. прот. Димитрия Разумовского.

Ирина Евгениевна родилась в Москве. В 1976 году с отличием окончила Московскую консерваторию и поступила в аспирантуру (научный руководитель – проф.  В. Н. Холопова). Еще в студенческие годы Ирина Евгениевна стала заниматься знаменной певческой традицией русской церковной музыки – писала исследовательские работы, занималась расшифровками песнопений, записанных крюковой нотацией. Начала изучать православное богословие и литургику, в то время практически недоступные для ученых и не входившие в образовательную систему Московской Патриархии: книги по истории Церкви, богословским дисциплинам можно было достать только у частных лиц, имевших отношение к церковной среде.

Уяснив значение византийского музыкального наследия для своей научной деятельности, она стала изучать греческий язык (на филологическом факультете МГУ им.  М. В. Ломоносова) и византийские невмы. По ее словам, «…без владения комплексом сведений в области византийской певческой культуры многое в древнерусской церковно-певческом искусстве остается непонятным – ведь его корни исходят из этой великой музыкально-литургической традиции. Богослужебный устав, система песнопений и их тексты, система осмогласия, способы построения мелоса и формы его записи – нотация – все это было принесено на Русь из Византии и осваивалось с помощью византийских священнослужителей и мастеров пения». В 1987 г.  защитила кандидатскую диссертацию на тему «Самобытные черты знаменного распева».

В 1976 – 1989 И. Е. Лозовая работала научным редактором в издательстве «Советская энциклопедия», в котором в эти годы выпускалась 6-томная «Музыкальная энциклопедия». Это уникальное издание, не имевшее в нашей стране сопоставимых предшественников в области музыкальных справочников, во многом несет на себе отпечаток личности И. Е. Лозовой: четкости мышления, безукоризненности формулировок, огромной (уже в том возрасте) эрудиции. За годы этой работы у нее выработался энциклопедический подход ко многим сферам музыкально-исследовательской деятельности, который проявился в написании фундаментальных статей, составлении разного рода справочных материалов и т. п. Ее работы печатали многие отечественные и зарубежные сборники и энциклопедии (в том числе немецкая «Die Musik in Geschichte und Gegenwart»). В начале 1990-х годов ей поступило предложение от издателей из Германии разработать концепцию и словник 3-томного словаря «Древнерусская музыка», который предполагалось написать силами русских и зарубежных исследователей, а также издать параллельно на русском и немецком языках. В течение нескольких лет Ирина Евгеньевна работала над этим проектом, однако, к сожалению, он не был осуществлен по экономическим причинам. Тем не менее, эти разработки пригодились, когда в 1998 г. возник проект «Православной энциклопедии», в котором должна была быть отражена и церковная музыка.

С 1993 г. И. Е. Лозовая преподавала на кафедре истории русской музыки Московской консерватории, вела спецкурс истории русской церковной музыки XI – XVII веков. С 1995 г. и до своей кончины была научным руководителем Научно-исследовательского центра церковной музыки имени прот. Димитрия Разумовского. За эти годы она организовала 5 международных научных конференций в консерватории (1996, 2000, 2005, 2009, 2014), по материалам которых под ее редакцией были изданы сборники ученых записок «Гимнология» (2-м выпуском стал библиографический указатель по русскому церковному пению за период 1917–1999 гг., 4-м – юбилейный сборник в честь 80-летия выдающегося американского исследователя сербского происхождения Милоша Велимировича; в настоящее время в печати находится 7-й выпуск).

С 1998 года Ирина Евгеньевна сотрудничала с Церковно-научным центром «Православная энциклопедия» в качестве автора словника редакции музыки, ряда статей, куратора по теме «Церковная музыка», а также стала членом его Научно-редакционного совета.

Главной темой ее собственных научных исследований стала древнерусская певческая книга Параклит (монография: «Древнерусский нотированный Параклит XII в.: Византийские источники и типология древнерусских списков» и ряд статей). Присущие Ирине Евгеньевне исключительные добросовестность и требовательность проявлялись не только в написании собственных научных трудов, но и в руководстве Центром и в работе с учениками, которым она отдавала много душевных и интеллектуальных сил и проявляла искреннюю заботу и любовь. Под ее руководством были защищены кандидатские диссертации О. В. Тюриной («Древнерусская мелизматика: Большой роспев», 2011) и И. В. Стариковой («Псалмодия всенощного бдения в древнерусском певческом искусстве (раздельноречная редакция)», 2013).

Обладая тонким художественным вкусом, Ирина Евгеньевна была постоянным вдохновителем созданного по ее инициативе при Научно-исследовательском центре ансамбля древнерусского и византийского певческого искусства «Асматикон». За свои труды И. Е. Лозовая награждена орденом святой равноапостольной княгини Ольги III степени (2007), Почетной грамотой Министерства культуры РФ (2011). Коллеги, педагоги и ученики Московской государственной консерватории выражают глубокое соболезнование родным и близким Ирины Евгеньевны.

И. В. Старикова,

научный сотрудник МГК

 

Воспоминания о И. Е. Лозовой почти неразрывно связаны для меня с ее квартирой. Мы, общежитские студенты, чаще всего ходили заниматься к ней домой – Ирина Евгеньевна жила рядом. С первого же раза запомнилась комната, в которой она принимала учеников: книги, книги повсюду – в шкафу, на полках, на пианино… И множество икон. Могу предположить, что большая часть их была дорогими ее сердцу подарками. В непосредственной близости от рабочего места, рядом с внушительного размера монитором, находился образ св. Иоанна Дамаскина. Музыкантам хорошо известно это имя – автор многих церковных песнопений и гимнов, он считается их покровителем. На уроках Ирины Евгеньевны мы узнали о том, что Дамаскин был еще и теоретиком музыки, одним из создателей системы церковного осмогласия.

Я проходила курс древнерусской музыки у Ирины Евгеньевны в 2013–2014 годах. Большинство лекций читала она сама, иногда приглашая коллег, специалистов по той или иной теме. Ее лекции, изложенные всегда выверенным языком, шаг за шагом вводили нас в огромный и прекрасный мир византийского и древнерусского пения. Стремление к точности формулировок профессор старалась привить и нам – тем, кому посчастливилось писать под ее руководством курсовые работы или совместно с ней заниматься дипломом.

Думается, что для многих, выбравших в свое время древнерусскую музыку в качестве научной специальности, это было связано с личным обаянием Ирины Евгеньевны, ее любовью к своему предмету и умением заинтересовать учеников. У меня особенную радость вызывали индивидуальные занятия. Мы анализировали византийские и древнерусские песнопения, Ирина Евгеньевна проверяла сделанные расшифровки. Было приятно, что профессор относится к хорошо знакомым ей образцам не как к учебному пособию, а старается раскрыть их логику и красоту. Удачно выполненный анализ всегда вызывал доброжелательный отклик, дополнялся ее собственными меткими наблюдениями. В то же время недобросовестный студент рисковал получить в свой адрес порицающий взгляд, а то и слово. Впрочем, мне кажется, что большинство студентов занимались хорошо – боялись огорчить и расстроить.

Обладая глубочайшим профессионализмом, Ирина Евгеньевна отнюдь не ограничивала свои интересы древнерусской музыкой. Она любила мировое искусство, поэзию, литературу. Каждая беседа с ней, пусть даже краткая, вела к новым открытиям в мире знаний, расширяла интеллектуальный горизонт. Ирина Евгеньевна обладала тонким чувством юмора, что делало встречи с ней не только познавательными, но и веселыми. При всем этом она оставалась добрым и отзывчивым человеком, умеющим поддержать и ободрить любого, кто в этом нуждался. Пожалуй, именно этот главный, человеческий талант притягивал к ней стольких людей – коллег, друзей, учеников… Светлая память!

Оксана Усова,

аспирантка МГК

Десять лет в России

Авторы :

№ 6 (1344) сентябрь 2017

В артистическом мире трудно найти человека, которому неизвестно имя Yamaha. Молодые музыканты, студенты школ и консерваторий всех континентов постигают тайны профессионального мастерства на пианино и роялях Yamaha. Самые успешные из них завоевывают престижные премии и получают мировое признание, разделяя свой успех с уникальными высококлассными концертными роялями Yamaha, украшающими сцены значимых концертных залов мира.

Юбилейный концерт в БЗК 29 мая 2017 года

Открытие в России в 2007 году компании Yamaha Music стало важным событием для развития корпорации, ведь ее с нашей страной связывают многие годы сотрудничества и дружбы с выдающимися музыкантамипедагогами, среди которых легендарные имена – Святослав Рихтер, Мстислав Ростропович, Вера Горностаева и многие другие.

Компания Yamaha Music (Russia) – многолетний партнер Московской государственной консерватории имени П. И. Чайковского. Лучшие рояли Yamaha CFX украшают сцены ее легендарных концертных залов – Большого и Малого. Без музыкальных инструментов Yamaha (рояли, пианино, духовые и ударные инструменты) трудно представить себе учебный процесс одного из старейших музыкальных учебных заведений России. Являясь членом Попечительского совета консерватории, компания Yamaha Music (Russia) на протяжении многих лет традиционно поддерживает исполнительские конкурсы, фестивали, научные издания ведущего музыкального вуза страны.

Уникальным концертом YаmahaGALA в Большом зале консерватории 29 мая 2017 года был отмечен 10-летний юбилей российского представительства корпорации Yamaha Music. Открыл этот вечер Президент корпорации Yamaha господин Такуя Накатута, выступивший с видеообращением. А со сцены гостей юбилейного вечера приветствовали Его Превосходительство Чрезвычайный и Полномочный Посол Японии в Российской Федерации Тоехиса Кодзуки и Генеральный директор компании Yamaha Music (Россия) Есинори Саваки.

Главным действующим лицом в этот вечер стал рояль, а точнее – пять (!) концертных роялей. Программа концерта, арт-куратором которой предстал известный российский музыкант, друг и давний партнер компании Yamaha – Александр Гиндин, была выстроена по принципу ансамблевых концертных бисов – от одного рояля в 4 руки до пяти роялей (и 20 рук!). Прозвучали оригинальные пьесы, написанные для фортепианных ансамблей («Квартет» К. Черни, «Фантазия на темы Бетховена» К. Сен-Санса), и переложения известных оркестровых и фортепианных хитов – «Мазепа» Ф. Листа, «Ода к радости» Л. Бетховена и др.). Вел программу Юлиан Макаров.

Фортепианная «команда», выступавшая в тот вечер на сцене прославленного Большого зала, объединила музыкантов трех поколений: от маститых пианистов, составляющих славу российской исполнительской школы — Александра Гиндина, Екатерины Мечетиной, Филиппа Копачевского, студентов консерватории (Канон Мацуда), Училища при консерватории (Алина Понарьина) и Колледжа им. Шопена (Глеб Романчукевич) до совсем юных, но уже завоевавших международное признание учащихся ЦМШ при консерватории (Шио Окуи) и ССМШ им. Гнесиных (Александр Малофеев, Егор Опарин, Федор Орлов).

Демонстрация красоты и мощи роялей была великолепно дополнена звучанием духовых и ударных инструментов, которыми так славится Yamaha во всем мире. Истинным украшением программы стало выступление Артистов Ямаха – Ростислава Шараевского (маримба), братьев Юрия и Александра Компанейцев (перкуссия), брасс-квинтета «New Life Brass». Специально для Юбилейного концерта Игорем Холоповым были написаны транскрипции известных произведений для ансамбля роялей, ударных и духовых.

Публику ждали музыкальные сюрпризы и импровизации. Впервые на исторической сцене Большого зала была продемонстрирована уникальная технология Дисклавир, «knowhow» компании Yamaha. Рояль Дисклавир – это инновационный инструмент, в котором достоинства акустического рояля сочетаются с оптическими, цифровыми и компьютерными технологиями. Его возможности поражают воображение. Например, Вы можете записать свое исполнение и воспроизвести с 100-процентной идентичностью. Вы можете также в режиме реального времени транслировать его в любую точку земного шара через Интернет-соединение. Главное – на другом конце должен быть такой же инструмент.

Можно вспомнить, что еще в начале ХХ века популярность механических фортепиано в России была настолько высока, что их не оставили без внимания не только русские писатели, но и выдающиеся пианисты. Среди музыкантов, которые записали свои выступления на роловых автоматических пиано, были Рахманинов и Горовиц. Специалисты компании Ямаха создали целую библиотеку исторических исполнений. «Авторское исполнение» сочинений С. В. Рахманинова не оставляет равнодушными даже самых консервативных профессоров.

А в 2012 году, в рамках празднования 125-летнего юбилея компании Yamaha Элтон Джон давал в Лос-Анджелесе концерт на Дисклавире. Этот концерт транслировался по всему миру в реальном времени. Гости артистического центра Ямаха в Москве могли видеть на экране изображение и слышать реальное звучание рояля под руками всемирно известной поп-звезды…

И на прошедшем юбилейном вечере в Большом зале присутствующие стали свидетелями уникального выступления, придуманного специально для музыкального праздника. Автор этой идеи Александр Гиндин сыграл в дуэте с Эдуардом Кунцем (а вернее, с его исполнением, которое заранее записали на Дисклавире) известное переложение Э. Грига для двух роялей до-мажорной фортепианной сонаты Моцарта (KV 545). Затем, уже в начале второго отделения, с приветствием к гостям вечера обратился выдающийся пианист и общественный деятель, более 20 лет являющийся Артистом Yamaha – Народный артист России Денис Мацуев. Он записал свое музыкальное поздравление накануне в артистическом центре Ямаха, а прозвучало оно в режиме реального времени прямо на юбилейном вечере.

Эмоциональный градус события был настолько высок, что публика долго не отпускала участников. И была вознаграждена триумфальным бисом – 20-ручным исполнением «Болеро» М. Равеля в версии для пяти роялей в четыре руки!

 Доцент О. А. Левко,

Руководитель Артистического центра Yamaha

Мы вместе – Бессмертный полк

Авторы :

№ 5 (1343), май 2017

«Эхо военных событий не смолкает сквозь десятилетия. И в эти майские дни мы вновь и вновь отдаем дань мужеству защитников Отечества, вернувших нам мир ценой собственных жизней. Московскую консерваторию война не обошла стороной: преподаватели и студенты бесстрашно шли в бой с оружием в руках, участвовали в концертах фронтовых бригад. Мы чтим их подвиг, совершенный во имя мира на планете», – с такими словами на сцене БЗК обратился к залу ректор, профессор А. С. Соколов, приветствуя пятый Международный открытый фестиваль искусств «Дню Победы посвящается…».

Фестиваль был задуман как ежегодная акция, не приуроченная к специальным датам. Есть события в истории России, о которых мы должны помнить вне зависимости от юбилейности – по велению сердца и совести. Именно об этом говорят темы фестивалей прошлых лет: «После боя сердце просит музыки вдвойне», «Хотят ли русские войны?..», «К 70-летию великой Победы», «У войны не женское лицо», каждая из которых не оставляла равнодушных… В этом году наша тема звучит особенно актуально и волнующе: «Мы вместе – Бессмертный полк».

Фестиваль уже стал ожидаемым событием майских дней – времени, когда мы отдаем дань памяти героям Великой отечественной войны. В этом году в его творческой палитре нашли место разные музыкальные жанры: песни, камерные ансамбли, хоровые миниатюры, кантаты, инструментальные концерты, симфонии. А также смешанные, такие как концерт-спектакль, синтезирующий в пространстве концертного зала разные виды искусств: музыку, театр, танец, мультимедийные технологии. Отдельное место занимает проведение тематических фотовыставок в фойе Большого зала. Впервые в рамках фестиваля открыта персональная выставка Народного художника СССР А. А. Пластова.

4 мая в Большом зале состоялся грандиозный гала. Публику ожидало уникальное представление с участием Симфонического оркестра Министерства обороны под управлением начальника оркестра Заслуженного артиста РФ полковника Сергея Дурыгина, трёх хоров (Камерный хор Московской консерватории, Концертный хор МГИМ имени А. Г. Шнитке, Тульский государственный хор) и блестящих солистов. Сюрпризом стало и яркое видеопредставление хроникальных кадров. В фойе партера была размещена фотовыставка памяти артистов Академического Ансамбля песни и пляски им. А.В. Александрова, приуроченная к концерту возрождённого коллектива, прошедшему с огромным успехом 6 мая в БЗК (художественный руководитель полковник Г. Саченюк).

С 2015 года фестиваль вышел за пределы Москвы и включил в свою орбиту разножанровые концертные программы, связанные с темой Великой отечественной войны. Он объединил многие регионы постсоветского пространства, среди них: Астана, Минск, Санкт-Петербург, Белгород, Калуга, Красноярск, Киров, Ижевск, Новомичуринск, Магнитогорск, Оренбург, Саратов, Тула, Улан-Удэ и др. Особое место в нем заняла и традиционная «Вахта памяти» (руководитель – Я. А. Кабалевская), организуемая Московской консерваторией в Смоленске.

Яркие страницы фестивалей прошлых лет связаны с театральными замыслами. Прежде всего вспоминается совместный проект Московской консерватории и Московского театра «Ленком» под управлением Марка Захарова. Сценарий программы «Хотят ли русские войны?», подготовленный главным хормейстером театра Заслуженной артисткой РФ Ириной Мусаэлян, собрал лучшие песенные и стихотворные строки, объединённые в день славы и памяти мыслью о подвиге наших дедов и отцов, о главных ценностях нашей жизни – свободе, мирном небе, дружбе и созидании.

В 2015 году, в год 70-летия Победы, 5 мая в Большом зале звучали кантата «Александр Невский» Сергея Прокофьева и песни Александры Пахмутовой. Вместе с композитором в их исполнении участвовали звезды эстрады и оперы Иосиф Кобзон, Тамара Гвердцители, Василий Ладюк, Аскар Абдразаков, Ренат Ибрагимов, Андрей Жилиховский, Ольга Кульчинская, солисты Молодёжной оперной программы Большого театра России Богдан Волков и Павел Валужин, группа «Кватро», а также сводный хор, объединивший коллективы из Казани, Санкт-Петербурга и Москвы, и Центральный военный симфонический оркестр России, за дирижёрским пультом которого стоял Народный артист России генерал-лейтенант В. М. Халилов.

День Победы был бы невозможен без героизма и беззаветного мужества ленинградцев, отстоявших свой город в блокадной осаде. Они выдержали – и вся страна поверила в близость победы. В рамках фестиваля 10 мая 2015 года в БЗК прошла программа Якова Дубравина «Ленинград и Победа»: популярные песни о городе на Неве исполнялись хором Музыкального училища имени Римского-Корсакова под управлением Сергея Екимова при участии Этери Бериашвили, эстрадной певица яркого лирического дарования. За этот проект Народный артист РФ Я. Дубравин был удостоен Премии Правительства Санкт-Петербурга.

В 2016 году мы вынесли в заглавие фестиваля название книги Нобелевского лауреата по литературе 2015 года Светланы Алексиевич «У войны не женское лицо», в которой чрезвычайно остро и правдиво переданы тяготы и ужасы, выпавшие на долю женских судеб в годы лихолетья. В программе фестиваля была показана опера Кирилла Молчанова «А зори здесь тихие…» в исполнении Государственной академической симфонической капеллы России п/у Народного артиста РФ Валерия Полянского.

Отдельное место в истории фестиваля занимает дружба с Н. Р. Малиновской, членом правления «Фонда памяти полководцев Победы», дочерью прославленного Маршала Советского Союза. Благодаря её поддержке стало возможным рассказать живые истории, пронесенные через годы войны, а уже ставший традицией выход на сцену дочерей легендарных полководцев неизменно трогает до слез зрителей фестиваля. Достаточно вспомнить инициированный Н. Р. Малиновской проект «Любимые песни маршалов» и процитировать её слова: «Я точно знаю: есть вещи, которые еще в детстве нужно увидеть своими глазами, а не просто прочитать про них или услышать на уроке. Надо увидеть, ужаснуться, почувствовать и запомнить – навсегда. И понять, что нет у человека на земле другой задачи, кроме одной: стать человеком и остаться человеком».

Словно в подтверждение сказанного на концерте-закрытии нынешнего фестиваля 15 мая прозвучала опера-оратория Давида Кривицкого «Бабий Яр». Музыку, нелегкую для восприятия, исполняли ГСО «Новая Россия» (худ. руководитель Народный артист СССР Ю. Башмет), детский хор «Пионерия» п/у Е. Веремеенко, Мужской хор Центрального пограничного ансамбля ФСБ РФ (руководитель – Заслуженный артист РФ полковник А. Капралов) и чтец (Народный артист Е. Герчаков) под управлением дирижёра Владислава Лаврика. Это сочинение требует от каждого слушателя душевного труда и отзывается болью – но болью целительной. Ибо – вспомним слова, процитированные композитором – «Если замолкнет эхо их голосов, мы погибли».

Пятилетие фестиваля ознаменовалось почетной наградой – Премией в области культуры и искусства Министерства обороны РФ в номинации «Культурно-просветительские проекты». По словам заместителя Председателя Правительства РФ О. Ю. Голодец: «Фестиваль «Дню Победы посвящается…» – это уникальная культурная акция, единственный в России фестиваль искусств, целиком посвящённой теме Великой Отечественной войны. Каждый из восьмисот музыкантов, которые выступили на концертах фестиваля за пять лет, считает своё участие в нём великой честью. Хочу поблагодарить коллектив Московской государственной консерватории имени П.И. Чайковского и всех, кто причастен к проведению фестиваля, за идею этого проекта и колоссальный труд по его воплощению в жизнь».

Профессор А. В. Соловьёв,
художественный руководитель фестиваля «Дню Победы посвящается…»

Фото Эмиля Матвеева

Эпос о Московской консерватории

Авторы :

№ 5 (1343), май 2017

М.: Прогресс-Традиция, 2016

Год 150-летия со дня основания Московской консерватории ознаменовался событием, которое достойно венчает юбилейный сезон: вышла в свет двухтомная энциклопедия «Московская консерватория. 1866–2016», посвященная замечательному учебному заведению.

У этого издания есть своя предыстория, и довольно длительная. Уже к 100-летию консерватории, в 1966 году, увидел свет солидный том – своего рода летопись вуза. К 140-летию был выпущен Энциклопедический биографический словарь, со статьями о педагогах и сотрудниках консерватории на всех этапах ее существования. К той же дате на русском и английском языках вышел богато иллюстрированный двухтомный альбом, где также был представлен ценный исторический материал. Я называю лишь издания-вехи. Кроме них постоянно «в рабочем режиме» публиковались различные материалы и документы, посвященные консерваторскому прошлому и настоящему.

Нынешнее издание можно смело назвать итогом и кульминацией всех этих трудов – и одновременно новым этапом в процессе изучения и обобщения славной истории консерватории и ее современной жизни. Впервые была издана именно энциклопедия – а это жанр очень строгий и ответственный, предполагающий максимальную полноту, точность и систематичность информации. Впервые, помимо биографического, появился отдельный тематический том, включающий огромный объем сведений о кафедрах и структурных подразделениях в их историческом развитии, об отдельных учебных дисциплинах, исполнительских коллективах, разнообразных формах творческой, просветительской, педагогической, научной и издательской деятельности, комплексе зданий и концертных залов…

Подобное издание как история отдельно взятого вуза, представленная во всей ее полноте, для нашей страны беспрецедентно. Насколько мне известно, нечто похожее существует лишь о Московском университете – вышедший в 2010 году энциклопедический словарь «Императорский Московский университет (1755–1917)». Однако его авторы приняли в качестве верхней исторической границы год Октябрьской революции. Создатели энциклопедии «Московская консерватория» поставили перед собой гораздо более амбициозную задачу: основной массив данных в ней приводится на начало 2016 – юбилейного – года, но отдельные коррективы вносились вплоть до отправки в печать. И для энциклопедического издания это тоже беспримерно.

Энциклопедии создаются в России с огромным трудом. Они очень немногочисленны, и работа над ними нередко растягивается на десятилетия. Сложно организовать процесс, сложно создать авторский коллектив, обеспечить квалифицированное научно-издательское сопровождение. В этом плане подготовка энциклопедии «Московская консерватория» может служить примером успешного и конструктивного воплощения задуманного.

Всего три года понадобилось на выполнение огромной работы (проект был поддержан Российским гуманитарным научным фондом). Над энциклопедией трудилась, без преувеличения, вся консерватория. Ее авторы исчисляются многими десятками, в редколлегию вошли представители различных кафедр и подразделений. «Интеллектуальный штаб», разработавший ее концепцию и координировавший все этапы создания, возглавил проректор по научной работе профессор К. В. Зенкин. Подготовка издания шла главным образом в недавно созданном Научно-исследовательском центре методологии исторического музыкознания, силами ведущего научного сотрудника М. В. Есиповой (научно-энциклопедический редактор) и руководителя Центра, заведующего кафедрой истории зарубежной музыки профессора М. А Сапонова (автора первоначального варианта словника, многих статей и объемистого введения).

Работа над энциклопедией позволила заполнить многие «белые пятна» в сложной, разветвленной истории вуза. Одновременно какие-то из подобных пробелов были впервые выявлены и послужат предметом будущих изысканий. В биографическом томе, с учетом опыта предыдущего словаря десятилетней давности, были дополнены сведения о педагогах и научных сотрудниках консерватории, а уже имевшиеся статьи расширены и/или уточнены. Тематический том, как уже говорилось, создан заново, и уже он послужит основой для последующих редакций. Ведь работа над энциклопедией – это в принципе «work in progress», безостановочный процесс. Но важно, что вышедшее издание фиксирует определенный момент в истории консерватории – какой она подошла к полуторавековому рубежу.

Значение энциклопедии выходит далеко за пределы локальной, «внутренней» публикации. Это фундаментальный труд по истории музыкального образования и, шире, музыкальной культуры России, которая во многом создавалась и продолжается создаваться в стенах Московской консерватории. А всем причастным к современной жизни вуза она поможет осознать себя частью единого блистательного коллектива музыкантов, которые служили здесь, начиная с памятного сентября 1866 года.

Н. О. Власова,
доктор искусствоведения,
руководитель Научно-издательского центра «Московская консерватория»

Перестройка длиною в пятьсот лет

Авторы :

№ 5 (1343), май 2017

Центр современной музыки Московской консерватории совместно с Гете-Институтом представил новый проект, посвященный двум ключевым датам в истории: 500-летию немецкой Реформации и 30-летию советской Перестройки. Близкие по смыслу понятия, относящиеся, прежде всего, к социуму и политике, нашли свое отражение в культуре. Многогранное мероприятие, озаглавленное как «музыкальный симпозиум», включало в себя пленарные доклады профессора Лейпцигской консерватории и Венского университета музыки и исполнительского искусства Гезины Шредер, доцента Московской консерватории Романа Насонова, а также концерт ансамбля «Студия новой музыки» под управлением дирижера Феликса Коробова.

Дневные лекции приглашенных спикеров охватывали круг проблем, связанных с претворением идей Реформации и Перестройки в музыке. Как был трактован лютеранский хорал композиторами позднесоветского периода? Что изменилось в современной российской музыке после распада СССР? Насколько сейчас актуальна протестантская тематика в странах Запада? Постоянный участник научных конференций МГК профессор Г. Шредер ответила на эти вопросы, не ограничивая себя в рассуждениях.

Другое, не менее интересное ее выступление касалось тенденций в музыковедении немецкоязычных стран, в котором также произошла своя реформация. Заинтересованные слушатели не уставали задавать вопросы, которые, как и ответы докладчицы, переводил аспирант кафедры зарубежной музыки консерватории Сергей Никифоров.

Его старший коллега, доц. Р. А. Насонов рассказал о том, как воспринимали фигуру И. C. Баха в искусстве 80-х – начала 90-х годов прошлого века. Показанные на экране эпизоды из фильма «Послесловие» режиссера М. Хуциева не только подтвердили его слова, но и вызвали у многих сидящих в Конференц-зале ностальгию по безвозвратно ушедшей эпохе.

Обсуждение плавно перетекло в концерт «Студии новой музыки». Он состоял из произведений, где в той или иной степени претворились идеи Реформации – от обращения к религиозным темам до цитирования лютеранского хорала. Открывший вечер знаменитый хорал «Es ist genug» в версии для квартета медных духовых Г. фон Айнема прозвучал сурово-торжественно – как голос прошлого сквозь призму настоящего. Он же стал основой Вариаций (на тему Баха) для альта и фортепиано Э. Денисова, где первоисточник по мере развития претерпел мелодические и фактурные трансформации и окончательно потерял свой узнаваемый контур.

Другое обращение к баховскому хоралу можно было наблюдать в «Медитации «Von Deinen Thron tret ich hiermit» для фортепиано и струнного квинтета С. Губайдулиной. Здесь произошло обратное явление – хоральная мелодия и аккорды постепенно вызревали в колористически-сонорном пространстве для того, чтобы предстать у всех инструментов.

Вершиной интерпретации музыки Баха стало оркестровое переложение его Фуги-Ричеркаты из «Музыкального приношения», осуществленное А. Веберном. Не меняя структуру и нотный текст, композитор мастерски инструментовал шестиголосную полифоническую ткань, создавав тем самым новое, стилистически реконструированное сочинение. Ансамблю «Студия новой музыки» удалось точно показать тонкие смены тембровых мелодий, равно как и все исполнительские нюансы.

Весьма оригинальное обращение к творчеству Баха наблюдалось у современного композитора Иоганнеса Шельхорна. Основой его сюиты «Anamorphoses» послужил материал контрапунктов «Искусства фуги», от которого в итоге остались отдельные интонации и мотивы, сплетенные в единое целое. Распространенная в живописи техника анаморфоз (отсюда и название пьесы) позволила автору представить баховский оригинал под новым «углом зрения». Возможно, благодаря столь изощренной обработке и без того сложной музыкальной фактуры, произведение показалось несколько «перемудренным», хотя на слух воспринималось без особого усердия.

Наконец, последнее переосмысление Баха продемонстрировал Х. Лахенман: он дописал третий голос к ре минорной инвенции великого композитора, не меняя строгость звучания и не внося значительного контраста в тематизм. За счет органичного добавления мелодической линии к знакомой со школьных лет композиции и возникло то самое ощущение «взгляда сквозь призму времени».

Пожалуй, самое яркое впечатление осталось после исполнения пьесы «Иисус, твои глубокие раны» В. Тарнопольского. Хоральная прелюдия, основанная на протестантском песнопении XVI века «Jesu, deine tiefen Wunden», воссоздала знаменитую сцену распятия. Для этого композитор использовал жанр инструментального театра: два перкуссиониста, продвигаясь через зал на сцену, разными способами игры изображали бичевание, а дирижер в самом конце застыл с раскинутыми руками, словно олицетворяя трагический исход, венчающий Страсти Христовы.

Струнное трио, по мысли автора, символизировало троичное единство – мрачно-торжественный хорал духовых, вторгнувшийся в их печальные переклички, предстал как роковая неизбежность. Подобные ощущения – резкое обновление, внезапное исчезновение привычной реальности, перемены в сознании – возможно, были знакомы многим и в годы советской Перестройки, и в эпоху Реформации. Для каждого времени существовало свое музыкальное зеркало жизни – и в нем находилось место вечным темам, не теряющим свою актуальность и в нынешнее время.

Надежда Травина,
редактор «РМ»

Фото Дениса Рылова

Российская музыка в Китае

Авторы :

№ 5 (1343), май 2017

13 апреля 2017 года состоялось открытие Научно-исследовательского института российской музыки при Университете города Линьи (Шаньдун, Китай). Это первое в Китае научное заведение, которое будет специализироваться на изучении российской музыки и российской традиции музыкального образования.

Открытие Научно-исследовательского института российской музыки. В первом ряду: пятая слева — Чен Ипин, второй справа — Пэн Чэн

Задачи, поставленные перед Институтом, иллюстрируют интерес, который вызывает российская музыка и музыкознание у китайских коллег. Среди этих задач — исследование творчества современных российских композиторов, традиций исполнительского искусства и педагогики, изучение трудов ведущих российских музыковедов и педагогов, изучение российской системы профессионального и общего музыкального образования, создание условий для научного обмена и совместной исследовательской работы российских и китайских учёных.

В Институте организованы три секции: российской музыки, российской теории музыки и российского музыкального образования.

Секцией российской музыки будут разрабатываться две темы. Первая из них — «Портреты современных российских композиторов» — предполагает организацию и проведение бесед-интервью с современными российскими авторами. Предполагаются переводы и публикации (в «Научном вестнике» Университета г. Линьи и в других научных изданиях) текстов интервью с московскими и петербургскими композиторами. В рамках этой работы уже ведётся рубрика «Портреты современных российских композиторов» в китайском журнале «Музыкальная жизнь». Вторая тема, интересующая Секцию российской музыки — «Музыка современного балета в России», которая будет разрабатываться совместно с Шанхайской консерваторией.

Секция российской теории музыки разделит своё внимание между несколькими темами. Во-первых, Институт будет изучать труды различных российских авторов в области теории музыки. Во-вторых, предполагается освоение обширного опыта преподавания теоретических дисциплин в российских учебных заведениях.

Секция российского музыкального образования станет заниматься изучением российской музыкально-педагогической науки. Во-первых, запланировано знакомство с научными материалами по проблемам общего и профессионального российского музыкального образования, трудами российских исследователей в области истории, теории и методики музыкального образования. Во-вторых, организуется работа с учебно-методическими материалами российских авторов, включая перевод учебных пособий по различным исполнительским специальностям.

Директором Института стал профессор Пэн Чэн (и.о. директора музыкального института Университета г. Линьи), а в число научных сотрудников вошли наиболее уважаемые китайские исследователи, такие как декан музыковедческого факультета Шанхайской консерватории, профессор Чен Ипин, профессор Центральной консерватории (Пекин) Бянь Мэн и др. В качестве работников Института с особыми условиями (как иностранцы) были приглашены и три представителя Московской консерватории: в качестве почётного директора Института — доктор искусствоведения, профессор В.Н. Холопова, как научные сотрудники — доктор искусствоведения, профессор Т.С. Кюрегян и доктор искусствоведения, профессор А.П. Груцынова.

Надеемся, что работа Института будет плодотворной и способствующей установлению ещё более прочных научных связей между российскими и китайскими научными школами.

Профессор А. П. Груцынова