На пороге XVIIКонкурс им. П.И. Чайковского один из его будущих участников – трубач, тогда студент V курса Московской консерватории Дмитрий Синчинов рассказал нашему корреспонденту, студентке научно-композиторского факультета, о грядущем событии, о своих представлениях о жизни и музыке.
– Дмитрий, для Вас это первый такой знаковый конкурс?
– Да, для меня такой значительный конкурс впервые. Естественно, я волнуюсь, но в меру, конечно. Подкрепляю это усиленной подготовкой.
– И кто Вас поддерживает?
– Меня поддерживают друзья, большая часть которых – коллеги. Также некоторые уже состоявшиеся артисты и, само собой, педагоги. Я учусь у действующего музыканта – Алексея Олеговича Корнильева, солиста Большого театра. Он много выступает сольно в разных городах.
– А кто-то еще из Ваших знакомых участвует в конкурсе?
– Да, некоторые мои однокурсники. Но из трубачей, насколько знаю, заявился я один.
–Расскажите о своей программе. Есть ли какая-то концепция в ее построении?
– Программа у нас определена по большей части условиями Конкурса. Я лишь выбрал из предложенного и составил порядок исполнения по своим каким-то профессиональным «технологическим» взглядам.
–Кого Вы можете назвать примером для себя по жизни и в музыке?
– Для меня примером очень долгое время являлся и, наверное, до сих пор является мой преподаватель Владислав Михайлович Лаврик, у которого я четыре года учился в консерватории. С самого начала я вдохновлялся его выступлениями. Также есть артисты, на которых я обращаю внимание, так как со многими выступал в России и за рубежом. Кроме того, я бы назвал, конечно, Тимофея Александровича Докшицера, который меня с детства вдохновлял своими записями, артистизмом, тягой к игре соло. В то время на трубе мало солировали, а он сделал очень много переложений. Одно из них – «Цыганские напевы» Пабло Сарасате – играю на выпускном экзамене. Из своих кумиров я бы назвал еще Уинтона Марсалиса – выдающегося джазового трубача и скрипачку Викторию Муллову.
– Играете ли Вы современную музыку?
– К современной музыке я отношусь с осторожностью, потому что имею в этом мало опыта. Но я все-таки играл, например, сочинение Татьяны Смирновой. Была такая женщина-композитор здесь, в консерватории. Она писала для интересных составов – с медными, просто с трубами, с детским хором. У нее есть репертуарные сочинения для трубы. Также я готовился к нашему консерваторскому конкурсу, который проходил осенью. Там во втором туре нужно было сыграть современное сочинение. Но в конкурсе я в итоге не участвовал, хотя сочинение разобрал. Еще из современной музыки я играл TrombaLontana Джона Адамса – в театре «Новая опера», где я работаю, две трубы играли соло на балконе, а внизу сидел остальной оркестр, которым управлял Филипп Чижевский. Там же мы готовили оперу «Доктор Атом» того же Джона Адамса. По музыкальному языку она очень сложная, и репетировали мы долго и тяжело.
–Помогает ли игра в оркестре развитию навыков сольного исполнительства?
– Она, конечно, в чем-то помогает, но на самом деле специфика игры в оркестре усложняет сольное исполнительство. Соло всегда требует от тебя и гибкости в исполнительском аппарате, и иной концентрации. А в оркестре ты привыкаешь выполнять какие-то задачи. Редко встречаются очень сложные сольные места, к которым готовишься так же, как к сольному выступлению. К тому же в оркестре иногда присутствует доля рутины.
–Номинация «Духовые инструменты» недавно появилась в конкурсе – Валерий Гергиев предложил ввести ее в 2019 году. Насколько это целесообразно, ведь сольных сочинений для духовых инструментов у Чайковского нет?
– Да, действительно. Но мы не можем сказать, что Чайковский не любил трубу или валторну, так как он пишет замечательные соло для этих инструментов в своих симфониях и не только. Возможно, не было в то время таких ярких исполнителей, либо он не был с ними лично знаком. Ведь за много лет до Чайковского для трубы писали очень много. Поэтому я не думаю, что вводить нашу номинацию неправильно – это, наоборот, хорошо. Появляется много исполнителей, которые претендуют на звание участника конкурса, открываются новые имена. Тем более Тимофей Докшицер, по-моему, давно уже доказал, что на трубе можно сыграть многое. И Морис Андре всю свою карьеру доказывал, что труба играет все. Как и другие инструменты.
– А что Вы будете исполнять из Чайковского на конкурсе?
– Я играю арию Ленского из «Евгения Онегина».
–Сейчас непростое время для нашей страны: русскую культуру «отменяют», российских артистов бойкотируют или не допускают к участию в престижных фестивалях, конкурсах. Как Вы считаете, не должны ли организаторы конкурса Чайковского поступать также? Или Россия по-прежнему открыта для всех?
– Я считаю, что обязательно надо всех приглашать, но отбирать очень тщательно. Если не хотят, чтобы мы у них участвовали, пусть участвуют у нас – у нас есть залы и компетентное жюри.
– Дмитрий, спасибо. Успеха на конкурсе!
Беседовала Софья Игнатенко, V курс НКФ, музыковедение
Так рождается весна: бурно, порывисто, потоком солнечных лучей, жаждой растопить снеговые залежи, открыть дорогу яркой зелени и цветам… Изменить мир, наполнить его новой мелодией, новым звучанием… Именно с весенним обновлением у меня связано восприятие неповторимо-романтичной фортепианной игры Александра Малкуса. И каково же было мое удивление, когда я узнала, что родился этот талантливый человек в день весеннего равноденствия – 21 марта! Как все гармонично и промыслительно…
Мое открытие этого прекрасного музыканта началось с исполнения им рахманиновcкой прелюдии до-диез минор. Это произошло на заседании Школы русского слова в Государственном институте русского языка им. А.С. Пушкина, куда музыкант был приглашен в качестве почетного гостя. В большой лекционной аудитории рояль оказался в рабочем состоянии, и все присутствующие были потрясены рахманиновской музыкой в его исполнении.
Александр Маркович Малкус – яркое явление в современной музыкальной культуре. Его главные ипостаси – пианист и педагог, а интересы и репертуар широки и многообразны – от старинной музыки и признанной классики до авангарда наших дней. Он сформировался как личность под влиянием своего учителя, профессора В.А. Натансона, который был учеником выдающегося советского композитора, пианиста и педагога С.Е. Фейнберга, традиции школы которого, несомненно, повлияли и на молодого Александра Малкуса.
Мне посчастливилось в этом сезоне несколько раз насладиться его исполнительским искусством. Это были выступления в Московской консерватории – Музее им. Н.Г. Рубинштейна, Зале им. Н.Я. Мясковского, а также в других камерных залах столицы. Особенно ярким было его выступление в Большом зале консерватории в ноябре 2022 года на концерте, посвященном 100-летию Александра Зиновьева. Там прозвучали две пьесы А. Лядова и Basso ostinato Р. Щедрина, как бы предваряя юбилейные концерты А.Малкуса в 2023 году в Рахманиновском и Большом залах Московской консерватории.
Концерт в Большом зале состоялся 22 мая. Он в определенной степени подвел итог творческой деятельности А. Малкуса и ни у кого не оставил сомнения в том, что он яркий и серьезный музыкант. Зал был полон. На концерте, куда пришли не только почитатели и поклонники юбиляра, его коллеги и ученики, но и просто ценители музыки, царила особая атмосфера радостного общения как с прекрасными произведениями музыкального искусства, так и с личностью самого исполнителя. И градус этого общения повышался от номера к номеру, музыкальный нерв достигал необычайной высоты и завершался шквалом аплодисментов.
В игре А. Малкуса раскрылся не только высокий уровень владения техникой, смелость проникновения в сложный мир образов композитора, но и глубина собственного прочтения, понимания этого мира. Программа была составлена таким образом, чтобы слушателю открылась звуковая палитра во времени и пространстве, чтобы показать, как бьется и развивается музыкальная мысль, способная передавать божественную сущность бытия. Пианист словно приглашал в музыкальное путешествие и в большей части программы сам участвовал и в качестве солиста, и в составе ансамблей, где он ярко продемонстрировал значение фортепианной партии, как важной составляющей художественного произведения.
Музыкальное путешествие началось с первой половины XVIII века, с эпохи барокко – Концертом для двух клавиров с оркестром до минор И.С. Баха (BWV 1060). Солировали Александр Малкус и Михаил Рыба́. Это исполнение запомнилось тем, что музыканты как бы перенесли музыку Баха в бетховенскую эпоху. Они выявили драматизм диалога в первой части, производящий динамическое впечатление борьбы, который во второй части сменился медлительным и печально-напевным размышлением о текучести бытия, а в Allegro третьей части вновь возник диалог-спор, завершающийся в финале единением противоположностей.
Уже после концерта в ходе беседы с А. Малкусом на мой вопрос о любимом композиторе он ответил, что в течение всей жизни особенно ценил Бетховена, Шопена и Чайковского, а в последние годы у него все более усиливалось преклонение перед музыкальным гением И.С. Баха, а также повысился интерес к творчеству Скрябина и Листа, две рапсодии которого прозвучали на этом юбилейном концерте (Венгерская рапсодия №11 и Испанская рапсодия). Оба произведения, основанные на народных танцевальных ритмах и мотивах, были исполнены блестяще.
В Испанскую рапсодию особый колорит внес оркестр (прозвучала версия для фортепиано и струнного оркестра известного пианиста и композитора Михаила Петухова). В программе принимал участие оркестр «Новая Москва» (художественный руководитель и дирижер Даяна Гофман), сопровождавший клавирный концерт Баха и Испанскую рапсодию Листа, а также исполнивший почти не звучащий в России Langsamer Satz Антона Веберна – в переложении для струнного оркестра. Это очень красивое произведение, написанное в позднеромантическом стиле, было выбрано совместно Д. Гофман и А. Малкусом и исполнено с тончайшими звуковыми нюансами.
Во втором отделении музыкальное путешествие продолжилось образами России и Армении. Вначале свежо прозвучало Трио для скрипки, виолончели и фортепиано ре мажор талантливого русского композитора и пианиста А.В. Станчинского (1888–1914), чье 135-летие отмечалось в этом году. Партию скрипки исполнил лауреат международных конкурсов, преподаватель МГК Геннадий Акинфин, виолончели – профессор МГК Андрей Спиридонов. Кстати, творчество этого композитора, прожившего всего 26 лет, А. Малкус ценит очень высоко и постоянно к нему возвращается. Весной этого года он вместе с певицей Марленой Мош посетил с концертами город Иваново и Ивановскую область (село Оболсуново, где родился Станчинский). Ранее фирма «Мелодия» выпустила грампластинку, а впоследствии и компакт-диск с его музыкой в исполнении А. Малкуса.
Как это бывает часто в юбилейных концертах, в нем также была представлена педагогическая деятельность доцента А.М. Малкуса: две сказки Метнера из соч. 51 сыграл талантливый пианист из Китая Пань Юэ, который в этом году закончил курс ассистентуры-стажировки Консерватории (класс А.Малкуса); его исполнение было тепло принято слушателями. Затем сам юбиляр превосходно сыграл «Весну» из цикла Метнера «Забытые мотивы» (соч. 39 №3).
Звучание музыки Армении добавило музыкальному путешествию новые краски. Это были как древние христианские песнопения (шараканы), так и сочинения Саят-Нова. Их с большим успехом исполнила известная певица Марлена Мош, и сольно, и с фортепиано и виолончелью (Андрей Спиридонов). Голос певицы наполнил зал глубокой и возвышенной атмосферой духа древней Армении. Кроме того, нельзя не сказать о тонкой звуковой атмосфере песни «Весна» классика армянской музыки Комитаса в фортепианной транскрипции Р. Андриасяна в проникновенном исполнении Пань Юэ. Он также деликатно аккомпанировал Марлене Мош, с которой сотрудничает в течение нескольких лет.
Продолжением программы в той части, где играл юбиляр, стала Фантазия на темы Римского-Корсакова для кларнета и фортепиано Александра Розенблата, современного композитора, известного своими фантазиями на музыку классиков («любовью к сочинениям на чужие темы», как иронично замечает сам автор). Выбор и исполнение этого произведения А. Малкусом свидетельствует о том, как важна для него преемственность в музыкальной культуре, говорит о стремлении открыть новое в знакомом. Партию кларнета виртуозно исполнил профессор МГК Евгений Петров.
Исполнение «Марша-плаката» В.П. Задерацкого (1891–1953), «потерянного классика ХХ века», показало неподдельный интерес А. Малкуса к редко звучащим шедеврам, относящимся как к классике, так и к авангарду. А завершающим аккордом концерта стало мощное звучание незабываемого Basso ostinato для фортепиано Родиона Щедрина. Это исполнение поистине стало триумфом, зал ликовал и не отпускал артиста.
Одним из главных свойств мастерства Александра Малкуса можно назвать его способность влюблять в музыку, которую он исполняет. Его смелая, масштабная, но в то же время легкая, виртуозная игра, передающая движения души, вызывающая радостный отклик в сердцах, заставляет думать, вспоминать, прощать и любить…
Антонина Белова, поэт, член Союза писателей России, кандидат филологических наук, доцент
С 13 по 17 июня в Московской консерватории состоялись IV Всероссийские семинары ансамбля «Студия новой музыки». Соорганизатором проекта выступил научно-творческий Центр современной музыки, который уже 30 лет является мобильной платформой для экспериментов и смелых творческих высказываний.
В этом году семинары проходили под названием «NEформат», а их участниками были молодые композиторы и исполнители из разных регионов России. В течение пятидневного интенсива с ними занимались композиторы Юрий Каспаров, Ольга Бочихина и Владимир Горлинский, а также солисты «Студии»: Ольга Галочкина (виолончель), Анастасия Табанкова (гобой), Екатерина Фомицкая (скрипка), Мона Хаба и Наталия Черкасова (фортепиано). В качестве приглашенных гостей выступили с лекциями Антон Каретников – арт-менеджер, исполнительный директор Фонда Николая Каретникова и создатель проекта Musica Sacra Nova, и Фёдор Софронов, музыковед и композитор.
В семинарских тренингах, лекциях и дискуссиях участники Семинаров исследовали актуальные вопросы, которые уже поставлены композиторами, но еще ждут научного осмысления. Все они так или иначе были связаны с неформатными явлениями новой музыки. Однако что подразумевается под словом «неформат»? Ведь кому-то вся современная музыка может показаться неформатной. К тому же не совсем понятно, что именно сегодня можно считать форматом. Грани музыкального искусства все больше истончаются, а его прежнее определение уже не охватывает всех существующих явлений; поэтому понятие «формат» тоже размывается и видоизменяется. При этом появляются обширные территории, которые становятся объектами исследования современных авторов. Композиторы-кураторы нынешних семинаров предложили рассмотреть одну из таких областей в рамках дискуссии «Где (не) кончается музыка?». С нее и начался проект.
На второй день исполнители вместе с Наталией Черкасовой и Моной Хабой разбирали пьесу Джона Кейджа для чтецов и ударников Living Room Music, а молодые авторы под руководством Ольги Бочихиной нотировали окружающую среду и создавали музыкальные черновики. На другом тренинге Ольги Бочихиной композиторы и инструменталисты продолжили исследовать все, что звучит «вокруг, внутри, снаружи и между». Перед занятием каждый участник нашел емкость и положил в нее предметы, которые представляли «звучание» его внутреннего «я». Затем на практикуме Владимира Горлинского студенты погружались внутрь звука, исследовали процессы его рождения, сочинения и адаптации под задачи композиторской идеи.
Если звук в новой музыке превращается в объект сочинения, то ее главной координатой становится темброфактура. Этому элементу посвятил свою лекцию Юрий Каспаров. Темброфактура – принципиально новая координата, которую дал нам авангард 1950–1970-х годов. В музыке сегодняшнего дня, и, в частности, у молодых композиторов она заметно потеснила звуковысотность. Системообразующим элементом и носителем информации стало облако звуковых смыслов, меняющее цвет и форму, но остающееся единственной осязаемой координатой материала, как мелодия или гармония в «старой» музыке.
Финальной точкой проекта стал концерт в Парке Горького, курировала и вела его музыковед Мария Невидимова. Событие прошло в форме экскурсии по локациям парка, где звучали неформатные сочинения разных эпох: от «Застольной музыки» Георга Филиппа Телемана до театрализованной пьесы Джорджа Крама «Голос кита». Основную часть программы подготовили исполнители-семинаристы вместе с наставниками, а в исполнении Clapping music Стива Рейха приняли участие даже слушатели экскурсии.
Проект оказался очень цельным по духу. Он превратился в живое, сиюминутное исследование, в рамках которого опытные музыканты делились своими идеями и помогали молодым коллегам найти свой путь в искусстве звука. Однако главным в этом процессе оказался поиск не ответов, а вопросов – личных стратегий, которые каждому участнику предстоит развивать в будущем.
Фёдор Софронов,старший научный сотрудник Центра современной музыки
Майские дни в Московской консерватории традиционно наполнены памятными мероприятиями, посвященными празднованию Дня Победы. Современное поколение консерваторцев бережно чтит память о трагических событиях Великой Отечественной войны. По словам ректора, профессора А.С. Соколова, «наша высокая нравственная миссия – через музыкальное искусство способствовать патриотическому воспитанию наших соотечественников», что воплощается студентами, педагогами и консерваторскими коллективами с большим воодушевлением.
Праздничные мероприятия стартовали 1 мая – в Главном военном клиническом госпитале им. Н.Н. Бурденко состоялся концерт-открытие фестиваля «Память музыкальных сердец», организованного Студенческим союзом Консерватории. Программа фестиваля продолжилась 4 мая музыкально-поэтическим вечером литературного клуба «Между строк» в Выставочном пространстве Малого зала, где студенты проникновенно читали произведения поэтов-фронтовиков.
5 мая в Малом зале состоялся традиционный концерт-митинг, в котором приняли участие ректор, проф. А.С. Соколов, студенты и сотрудники Консерватории, а также почетные гости – профессор Института военных дирижеров Военного университета Минобороны РФ, полковник А.А. Бучнев и советник Управления общественных проектов Администрации Президента РФ, композитор П.А. Корягин.
В этот же день в ректорате были торжественно вручены памятные медали Следственного комитета РФ к 350-летию со дня рождения Петра I сотрудникам Консерватории за выдающиеся заслуги в области патриотического воспитания молодежи.
Открыл фестиваль «Дню Победы посвящается…» 5 мая в Большом зале сольный концерт Симфонического оркестра Министерства обороны под управлением заслуженного артиста РФ, полковника Сергея Дурыгина и художественного руководителя фестиваля, профессора Александра Соловьёва. В программе принял участие Камерный хор Московской консерватории, в качестве солистов выступили Софья Онопченко, Егор Фёдоров, Майя Соловьёва, учащиеся Хорового училища имени А.В. Свешникова Виктор Скоробродов, Егор Бобров. Особо стоит выделить в рамках программы-открытия форума первое исполнение в Москве оратории «Духом сильный народ» памяти воинов-сибиряков – мощное высказывание молодого композитора Алексея Чернакова.
6 мая фестиваль продолжился выступлением в Большом зале оркестра суворовцев Московского военно-музыкального училища имени генерал-лейтенанта В.М. Халилова, а также хора суворовцев Московского военно-музыкального училища (хормейстер – Екатерина Радостева, дирижеры: Кирилл Черчик, Михаил Куслин). Публика услышала произведения отечественных и зарубежных композиторов, оригинальную духовую музыку, популярные песни военных лет, сочинения для мужского хора.
8 мая в Рахманиновском зале была представлена постановка оперы Кирилла Молчанова «Зори здесь тихие»: спектакль был подготовлен силами ГМПИ имени М.М. Ипполитова-Иванова (режиссер-постановщик – Андрей Цветков). В качестве преамбулы были исполнены классические опусы артистами Театра неслышащих актеров «Недослов» Российской государственной специализированной академии искусств.
В День Великой Победы 9 мая в дневном концерте на сцене Большого зала состоялась премьера сольной программы Камерного хора Московской консерватории «Они сражаются за Родину!», специально созданной его художественным руководителем, профессором Александром Соловьёвым. Этот коллектив вместе с заслуженной артисткой России Екатериной Мечетиной (фортепиано), лауреатом Премии Москвы Евгенией Кривицкой (орган) исполнил любимые песни военных лет в эксклюзивных транскрипциях для хора, а также новые опусы Алины Небыковой (Москва) и Владимира Синенко (Владивосток). Сильнейшее впечатление оставило выступление специального гостя программы – актера и режиссера Никиты Высоцкого.
Одной из кульминаций программы стала мировая премьера сочинения для хора a capella Петра Корягина «Молитва матери». После концерта, поздравляя участников, композитор подчеркнул: «Вы задаете высокий эмоциональный тон. Сегодня в зале слушатели получили колоссальные переживания. И именно это мы считаем памятью, именно это мы отстаиваем сегодня как страна – наследник Победы».
10 мая в Малом зале Консерватории сцена была предоставлена великолепному Детскому хору «Аврора» ДМШ имени В. Крайнева под управлением Анастасии Беляевой и признанным хоровым коллективам Академии хорового искусства имени В.С. Попова (дирижеры: Денис Храмов и Алексей Петров); а также Камерному и Преображенскому хору Храма Христа Спасителя. «В нашем фестивале всегда участвуют не только известные мэтры, но и юные музыканты, – прокомментировал выступление Александр Соловьёв. – Для нас особенно важно, чтобы об уроках истории и войны размышляли молодые артисты».
11 мая программа, завершавшая фестиваль, была также посвящена теме памяти и связи поколений. В Большом зале на главную сцену Консерватории вышел прославленный Академический Ансамбль песни и пляски Российской армии, который носит имя легендарного профессора Московской консерватории, композитора и хорового дирижера, автора гимна России Александра Васильевича Александрова, 140-летний юбилей которого отмечается в 2023 году. За дирижерский пульт встал художественный руководитель-начальник ансамбля, заслуженный артист РФ, полковник Геннадий Саченюк.
Фестиваль «Дню Победы посвящается…» традиционно поддерживается Фондом памяти полководцев победы и лично Натальей Родионовной Малиновской: «Тем, кто тогда воевал и ни на секунду не усомнился в победе, мы обязаны жизнью. И не только мы — им обязаны жизнью все ныне живущие на той шестой части земного шара, что в 45-м была страной, победившей фашизм… Всякий раз, читая новую афишу, радуешься и постоянным участникам фестиваля, и новым именам, ждешь открытий и знаешь, что они не обманут ожиданий. Огромный труд, продиктованный высокой душевной потребностью, стоит за каждой строкой программы фестиваля».
Региональная программа фестиваля – традиционная Вахта памяти по местам боев 8-й Краснопресненской дивизии, где сражались консерваторские ополченцы, – пройдет в Смоленской области с 26 по 28 мая. В этом году запланированы концерты в Смоленской филармонии и Доме-музее М.И. Глинки в Новоспасском. Мастер-классы и творческие встречи пройдут в музыкальных учебных заведениях Смоленской области. Второй год подряд в Вахте памяти вместе со студентами, педагогами и сотрудниками Московской консерватории принимает участие делегация Российской академии музыки имени Гнесиных. В городе воинской Славы Ельне пройдет совместная акция «Культура памяти» – возложение венков к памятной плите, установленной Московской консерваторией в 2004 году на Аллее Славы.
В прошлом году в состав Попечительского Совета консерватории вошел еще один мировой бренд – Exeed. И новый партнер сразу же активно включился в жизнь Консерватории, оказывая существенную помощь в реализации наших программ. Подарком Exeed стал электронный орган, поселившийся в Рахманиновском зале, что расширило возможности выбора концертного репертуара. На деньги Exeed будет проведена реставрация старинного фламандского клавесина. Особенно заинтересовали наших партнеров проекты Центра Электроакустической музыки, финансирование которых также ими предусмотрено. И, наконец, основная продукция Exeed – высококлассный автомобиль – тоже предоставлена в безвозмездное пользование Консерватории. По просьбе Exeed ректор А.С. Соколов дал интервью, сокращенный текст которого редакция «РМ» предлагает вниманию своих читателей.
– Александр Сергеевич, что Вы вкладываете в слово «успех»?
– «Успех» – в отличие от «удачи» – это результат напряженного труда во имя достижения важной, поставленной перед собой цели. Чем сложней задача, тем радостней успех. Древнеримский философ, поэт, государственный деятель Сенека изрек доселе не забытую фразу: per aspera ad astra (через тернии к звездам). Можно считать ее формулой достижения успеха.
– Считаете ли Вы себя успешным человеком? Если да, то в чем?
– Пожалуй, могу ответить на этот вопрос утвердительно, потому что на самых важных этапах жизни мне удавалось отличать главное от второстепенного и верно определять цель, ради которой не жаль затраченного времени и труда. Удавалось, как мне кажется, извлекать уроки и из собственных ошибок, а потому не повторять их на пути к успеху.
– Что такое успех в музыкальной сфере? Что отличает талантливого музыканта или композитора от неуспешного?
– Думаю, что в самом вопросе заложена ошибка: нельзя противопоставлять понятия «талантливый» и «неуспешный», если речь идет о жизни в искусстве, о творческой судьбе. Успех как общественное признание таланта нередко запаздывает. А потому и высокоталантливый человек, творец может быть как «успешным», так и «неуспешным». Вспомним такие провальные премьеры истинных шедевров, как «Героическая» Бетховена, «Кармен» Бизе, «Весна священная» Стравинского. Как говорится, c’est la vie… А печальное писательское выражение «писать в стол» – это не тот же путь «через тернии к звездам»?!
– Расскажите про свой карьерный путь. Как Вы стали ректором?
– Ректор в Консерватории не назначается, а выбирается тайным голосованием общевузовской конференции. Критерии выбора очевидны: профессионализм как итог многолетней и успешной учебы и работы, достаточный административный опыт, самообладание в любых ситуациях. До начала работы ректором я уже 10 лет был проректором по научной работе, а также заведующим кафедрой и председателем Специализированного совета по защите диссертаций. Имел уже и звание профессора, и докторскую степень. Вот министром культуры я уже не выбирался, а назначался – это было решение Президента РФ. А после завершения министерских полномочий вновь вернулся на ректорский пост, и вновь в итоге альтернативных выборов.
– В чем Вы видите главное значение своей работы в Консерватории?
– Главная ответственность ректора – в обеспечении разумного баланса унаследованных традиций и новаторства. Здесь многое зависит именно от него. У каждого факультета в этом есть своя специфика, которую необходимо понимать. За этим стоит кадровая политика, проблема преемственности поколений. Важно вникать и в инициативы консерваторской молодежи, способствуя их реализации. Так порой рождаются новые консерваторские традиции. Например, традиция ежегодного весеннего студенческого бала.
– Что для Вас самое удивительное в истории Консерватории?
– МГК уже приближается к своему 160-летнему юбилею. В ее истории было много удивительного. Если же говорить о том, что довелось мне самому запечатлеть в памяти как интересное и важное событие, то могу, к примеру, назвать историю реставрации знаменитого органа Большого зала.
Орган БЗК – это истинное наше сокровище. Это «памятник в памятнике»: статус объекта культурного наследия федерального уровня имеет Большой зал. И такой же статус имеет находящийся в нем знаменитый орган французского мастера Аристида Кавайе-Коля. Этот орган на рубеже XIX–XX веков был специально заказан для Московской консерватории меценатом бароном фон Дервизом, и на протяжении всего последующего времени многими событиями вошел в историю нашей Консерватории.
Но время взяло свое и на рубеже уже следующих веков орган перестал использоваться по причине своей предельной изношенности. Реставрируя Большой зал, мы подготовились и к серьезной реставрации органа. И осуществляя эту сложнейшую задачу, фиксировали каждый этап работ на кинопленку. Так был собран материал для первого в истории Консерватории собственного кинофильма «Симфония органа», который содержит немало удивительных событий в жизни органа от времени его первого рождения и до второго – до наших дней. Сегодня этот фильм уже обрел достаточно широкую известность, демонстрировался не только в ряде городов России, но и за рубежом.
– Что для Вас лично значит Консерватория?
– Для меня Консерватория это моя счастливая судьба. В этом году я вместе со своими сверстниками буду отмечать 50-летие нашего окончания Консерватории. Соберу за дружеским столом представителей поколения, которое уже является старшим. Это нынешние профессора, заслуженные и народные артисты России, маститые ученые. Все они закончили МГК в 1973 году. Мы по традиции собираемся раз в 10 лет, в нынешнем году соберемся уже в пятый раз.
– Какими достижениями на посту Консерватории Вы гордитесь?
– Мне радостно, что в годы моего ректорства удалось при поддержке государства осуществить масштабные ремонтные, реставрационные и строительные работы. Это относится к четырем концертным залам, учебным корпусам, строительству современного студенческого комплекса. Важным событием стало и создание единственного среди консерваторий России Попечительского Совета, в который недавно вошел и Exeed. Очень важно, что, невзирая на все сложности жизни, в Консерватории продолжали реализовываться разнообразные творческие проекты, в числе которых международные концерты, фестивали, публикация научных трудов. Особое внимание по традиции уделялось просветительству, ориентированному на разные слои нашего общества.
– Как бы Вы охарактеризовали свою работу?
– Если совсем кратко, то это – “non-stop”. В моей работе переплетены самые разные ректорские полномочия (административные, хозяйственные, финансовые), помимо собственной научной и педагогической работы к этому добавляется руководство Ученым советом и кафедрой теории музыки. Также я являюсь председателем Всероссийского Общества теории музыки, председателем Совета ректоров российских консерваторий и консерваторий стран СНГ, председателем Московского музыкального общества, президентом Всероссийского Общества интеллектуальной собственности.
– Из чего состоит Ваш день?
– У меня всегда бывает по часам и по минутам расписана каждая неделя. Что-то известно и планируется заранее – командировки, участие в научных конференциях, работа в жюри и оргкомитетах международных конкурсов и т.д. Но помимо этого есть много непредсказуемых проблем и поручений, которые мне нужно решать и выполнять самому. При этом моя педагогическая работа со студентами и аспирантами – в приоритете.
– В чем отличия работы ректором от работы на должности Министра культуры? Какая работа приносит/приносила Вам наибольшее удовлетворение?
– Здесь больше отличий, чем сходств. Я был министром культуры и массовых коммуникаций РФ. То есть взял на себя ответственность не только за то, в чем я ранее и хорошо разбирался (образование, наука, филармоническая деятельность), но и за новые области (СМИ, ТВ, радио, архивы, библиотеки, музеи, проблемы реституции, авторского и смежных прав и т.д.). Мне удалось сформировать команду профессионалов, на которых можно было положиться. Но ответственность за все лежала, конечно, на мне. После 4-х лет работы в Правительстве возвращение к ректорским обязанностям стало более осмысленным. Я не только знал изнутри консерваторскую жизнь, но и то, что на нее влияет извне.
– Есть ли у Вас мечта, связанная с работой в Консерватории, и если да, то какая?
– Сегодня моя мечта и задача – оправдать оказанное мне доверие коллектива. Жизнь в наши дни значительно усложнилась и нужно соответствовать возросшим требованиям к руководителю такого национального достояния как МГК. Это реально, если сильна команда единомышленников, что, к счастью, так и есть.
– О чем мечтаете в целом?
– Целое – это «прочный тыл»: семья, дети и внуки, тепло домашнего очага. Мечтаю сохранить это и уметь защитить от любых превратностей судьбы.
– Какие аспекты Вашей работы для Вас особенно важны и интересны, и почему?
– Особенно важными можно считать те аспекты работы, которые выходят на первый план по объективным причинам. И они все время разные. Нужно уметь переключаться на новый «рельеф», не теряя из виду и остальной «фон», где уже зреет очередная «доминанта», на которой вскоре предстоит сконцентрировать свое внимание.
– Что для Вас значит фраза born for more (рожден для большего) – как в общем смысле, так и в отношении лично к Вам?
– Этот девиз Exeed я в полной мере отношу и к Консерватории, и к себе лично. А именно: достигнутый успех важен прежде всего как стимул в дальнейшем движении вперед. «Почивать на лаврах» – это значит отставать от жизни. Здесь вполне уместна метафора: «грести против течения». Если бросил весла – не задержишься на месте, неизбежно отнесет назад.
– Почему Московская консерватория, на Ваш взгляд, заключила партнерство с Exeed, что общее Вы видите у двух брендов?
– Это больше, чем партнерство. Партнеров у МГК очень много и все они по-своему важны. Но Exeed – это член Попечительского совета, в котором представлена элита бизнеса, науки, юриспруденции, медицины, политики и, конечно, культуры – как на российском, так и международном уровне. Бренд МГК созвучен бренду Exeed, а девиз born for more, как я уже сказал, нас роднит еще больше.
– Каких достижений, по Вашему мнению, МГК имени Чайковского и Exeed могут достичь вместе в будущем?
– Перспективы несомненны. То, что происходит в МГК, наблюдает весь мир. В рейтингах последних лет МГК входит в десятку лучших вузов мира в сфере искусства. Поддержка Exeed в реализации наших международных проектов (фестивали, конкурсы, научные форумы, мастер-классы, гастроли коллективов МГК) – это плодотворное участие Exeed в жизни Консерватории, а в итоге – наш общий успех.
18 апреля 2023 года в Конференц-зале МГК состоялась презентация книги «Стиль Рахманинова» – коллективной монографии кафедры истории русской музыки Московской консерватории, подготовленной к юбилею композитора.
С.В. Рахманинов – один из самых исполняемых композиторов как в России, так и за рубежом. Почти невозможно представить себе человека, который бы никогда не слышал его сочинений. Тем не менее, несмотря на популярность музыки композитора, ее мелодическую красоту и эмоциональную открытость, кажущуюся понятность, легкость для восприятия, задача вербализовать авторский стиль Рахманинова представляется весьма непростой, а многие особенности его музыкального языка остаются непроясненными. «Я никогда не делаю сознательных усилий во что бы то ни стало быть оригинальным», – говорил композитор. Но самобытность, неповторимое своеобразие его письма очевидны. В чем же заключается феномен стиля Рахманинова? Ответ на этот вопрос содержится на страницах книги – первого в русском музыкознании комплексного исследования, посвященного именно стилевым аспектам творчества композитора.
«Мы стремились создать целостную картину композиторского стиля, реконструировать и проследить его онтогенез», – отмечает заведующая кафедрой истории русской музыки, профессор И.А. Скворцова в предисловии к книге. В ее семи главах с разных сторон освещается специфика музыкального письма Рахманинова: претворение стиля модерн в его творчестве и эволюция авторского стиля; модели, на которые ориентировался композитор – их круг необычайно широк, от барокко до позднего романтизма; особенности формообразования и звуковысотной организации его произведений; идиостиль на примере фортепианных концертов; стилевые особенности духовных сочинений – соотношение в них степени следования принципам православного церковно–певческого канона и авторской свободы; проблемы стиля симфонических опусов.
Презентация книги «Стиль Рахманинова» в Конференц-зале МГК. Профессор И.А. Скворцова
Авторский коллектив монографии – доктора искусствоведения, профессора И.А. Скворцова, К.В. Зенкин, Т.А. Старостина, кандидаты искусствоведения, доценты Н.В. Гурьева, Н.Д. Свиридовская, Д.И. Топилин – обеспечили ее научную ценность. Но важно и превосходное художественное оформление, разработанное совместно художественным руководителем проекта И.А. Скворцовой, главным художником Консерватории С.А. Бароновым и редактором книги Н.В. Гурьевой. Каждая из глав открывается портретом композитора, а в центре монографии находятся цветные иллюстрации, изображающие Рахманинова в разных жизненных ситуациях: за корректурой своих сочинений и за рулем автомобиля, на репетициях и во время летнего отдыха в любимой Ивановке. Украшением книги явился портрет Рахманинова на обложке: проникновенный взгляд композитора будто бы приглашает к вдумчивому, серьезному чтению.
Настоящим праздником стала презентация монографии в Конференц–зале Консерватории. Открывая собрание, ректор, профессор А.С. Соколов подчеркнул значимость выхода книги в контексте юбилейных торжеств и заметил, что ее возникновение стало «подведением итогов очень большой предварительной работы, связанной с традициями науки Консерватории и ее кафедр». С видеопрезентацией книги выступила профессор Скворцова, указав в своем докладе на особое значение, которое в наше время приобретает творчество Рахманинова: «музыка Рахманинова своей человечной теплотой и чувственной эмоциональностью становится в высшей степени востребована». Сходную мысль высказал и профессор Зенкин, автор одной из глав книги: «Рахманинов оказался очень современным, теперь никому в голову не придет говорить, что он ретроград или эпигон». Отметил ученый и эстетизм ее оформления: по его словам, «это именно такая книга, которую хочется читать».
Выступление на презентации книги профессора Т.А. Старостиной
Главный художник Консерватории, автор верстки и дизайна С.А. Баронов
Уникальность исследования, в котором вопросы стиля Рахманинова занимают центральное место, подчеркнула его рецензент, профессор Н.И. Ефимова (Академия хорового искусства им. В.С. Попова): «Книга впервые поднимает емкий вопрос стиля Рахманинова и открывает широкие возможности для его дальнейшего углубленного изучения». Поддержали новое издание и другие выступавшие профессора: Н.И. Тарасевич,М.А. Сапонов, Е.Д. Кривицкая. А заведующий кафедрой хорового дирижирования, профессор Л.З. Конторович и ректор Академии хорового искусства им. В.С. Попова, профессор А.В. Соловьёв, неоднократно обращавшиеся к хоровым сочинениям композитора в своей дирижерской деятельности, указали на значимость книги не только для ученых-музыковедов, но и для практиков-исполнителей.
Конечно, презентация такого издания не могла обойтись без живого звучания музыки. В завершении вечера перед собравшимися выступил Молодежный хор Научно-творческого центра церковной музыки при кафедрах хорового дирижирования и истории русской музыки, который под управлением дирижера Вячеслава Половянова (солистка Алена Кузнечикова) вдохновенно исполнил фрагменты из «Всенощного бдения» и «Литургии Иоанна Златоуста». Был представлен и знаменитый «Вокализ» – квинтэссенция поэтической лирики Рахманинова. Звучание этой музыки в стенах родной композитору Московской консерватории подтвердило главную мысль большинства выступавших на презентации: ВРЕМЯ РАХМАНИНОВА ПРИШЛО.
Анна Горшкова, преподаватель кафедры истории русской музыки
Во внеконкурсной программе «Арт-кор» 45-го Московского международного кинофестиваля показали фильм «В поисках гармонии». Ленту снял музыковед и музыкальный критик Сергей Уваров на базе телевидения Московской консерватории, продюсерами выступили профессора Консерватории ректор А.С. Соколов и М.В. Карасёва. В центре внимания фильма – четыре композитора: Николай Попов, Александр Хубеев, Денис Писаревский и Ярослав Судзиловский.
«В поисках гармонии» – второй опыт Сергея Уварова в кино. Автор кандидатской диссертации о музыке в фильмах Александра Сокурова и преподаватель дисциплины «Музыка в кино», Уваров естественным образом перешел от теории к практике. И его предыдущая лента «Симфония органа», и новый фильм связаны с Московской консерваторией: оба фильма имеют документальную интонацию, но не наделены дидактической функцией. Таким образом, по жанру они приближаются к псевдодокументальному повествованию, о чем и предупредила продюсер фильма Марина Валериевна Карасёва в преддверии показа.
Фильмы в псевдодокументальном жанре интересны тем, что обычные вещи и события в них могут свободно наделяться иными смыслами. Иногда режиссеры используют это, чтобы создать фильм-притчу. Как и в любой притче, за пределами того, что возможно осознать, остаются послания, не претендующие на дословную расшифровку, однако претендующие на работу чувства (возможно, шестого). В фильме «В поисках гармонии» деятельность этого чувства интенсивна, ведь на языке притчи «гармония» – это не только духовная и музыкальная стройность, а смысл вообще, смысл, познаваемый сердцем, а не умом.
На экране зритель видит композиторов кардинально разных эстетик и взглядов на устройство мира. До последнего момента каждый из них будет существовать в собственном «вакууме» – не только музыкальном, но и в архитектурно-пространственном. Николай Попов демонстрирует чудеса электроники в Центре электроакустической музыки МГК, Александр Хубеев обитает на сцене Большого зала в компании пластиковых пятилитровых бутылок и ведер, необходимых для исполнения пьесы «Остров Возрождения»», Денис Писаревскийне отходит от органа в Римско-католическом кафедральном соборе на Малой Грузинской, а Ярослав Судзиловскийчередует композиторскую работу за столом с прогулками в огороде. В одиноком созидании проходит утро, день, вечер и ночь (так же называются и четыре эпизода фильма), и вдруг композиторы попадают в общий вакуум – пространство диалоговых окон Zoom.
О чем, казалось бы, им, таким разным, говорить? Если о земном, то, действительно – не о чем. Но герои вспоминают трагически ушедшего коллегу Георгия Дорохова, одного из ведущих композиторов начала 2000-х годов, и разговор перетекает в трансцендентное русло… Фильм сопровождает закадровый голос Игумена Фотия.Чем обусловлен подобный выбор, режиссер намекает в финальной сцене, описывать которую было бы несправедливо по отношению к будущим зрителям. Однако трактуя фильм как притчу, наблюдая за жизнью композиторов и прослеживая судьбу тех, кто уже ушел, кажется, что миссией по поиску гармонии наделены самые неподходящие для этого люди – уязвимые и мятущиеся, в самом деле не обладающие ничем, кроме того, что нельзя даже потрогать – их музыки.
Ленту «В поисках гармони» ждет судьба фестивального кино, а в свободном доступен она появится в онлайн-кинотеатре Okko. Те же зрители, что присутствовали на показе, восприняли увиденное по-настоящему неравнодушно. И хотя лента скроена постмодернистски и изобилует киноцитатами (от «Прибытия поезда» Люмьер до «Соляриса» Тарковского), визуальными и вербальными арками, все внимание публики сосредоточилось на музыке.
Во время публичного обсуждения после показа звучали разные отзывы: кто-то услышал авангардные произведения впервые и благодарил за необычный опыт, кто-то интересовался процессом сочинения, а кто-то высказал мысль об опасности сакрализации музыки – особенно авангардной, рискующей еще много лет оставаться тем самым «необычном опытом» для подавляющего большинства слушателей, если не вести дискуссии о социальном контексте, в котором она родилась. И только киновед Наум Клейман, зажатый разгоряченной консерваторской публикой, спокойно улыбался, словно процесс поиска гармонии в его случае уже увенчался успехом…
12 апреля профессор Владимир Михайлович Иванов, народный артист России, известный музыкант и педагог, заведующий кафедрой скрипки и декан Оркестрового факультета Московской консерватории отпраздновал свой 75-летний юбилей. Корреспондентка нашей газеты побеседовала с именитым профессором.
– Владимир Михайлович, как Вы пришли в музыку?
– Достаточно просто. У меня мама – музыкант. Работала пианисткой в институте имени Гнесиных концертмейстером у вокалистов, а также преподавала в Гнесинской семилетке. Дома с колыбели слышал музыку: певцы приходили домой заниматься, пели различные арии. Когда начал ходить, уже многое из вокального репертуара мог спеть, многое нравилось. Слух абсолютный сам собой проявился.
Мне было не больше 5 лет, когда я посетил первый инструментальный концерт – в Гнесинском зале на скрипке играл Виктор Пикайзен. Концерт произвел на меня огромное впечатление. Я начал имитировать игру на скрипке: подбирал палки, водил одной по другой. В 6 лет пришел в Гнесинскую десятилетку на прослушивание. Проверили ритм, слух, попросили спеть песенку. Я сказал, что хочу спеть арию Канио – могу на русском и на итальянском. Вызвал всеобщее удивление. Моментально зачислили в «подготовишку». Инструмент выбрал сам – очень попросил, чтобы была скрипочка.
– Очень интересно услышать о Ваших педагогах…
– Первый педагог – Владимир Миронович Вульфман, преподавал в «Гнесинке» – школе и институте. Замечательный человек и музыкант, ученик Жака Тибо. Начинал я у него, 4 года проучился в Гнесинской десятилетке. Одним из друзей Вульфмана был Юрий Исаевич Янкелевич, я ему очень нравился своей детской непосредственностью и природной постановкой рук. Через 4 года Вульфман уехал в Мексику и открыл там музыкальную школу, которая существует и в наши дни и носит его имя. О сроках его возвращения информации не было, и Юрий Исаевич перевел меня к себе в ЦМШ.
Там была особая обстановка, и это производило огромное впечатление, было другое отношение к гаммам и упражнениям. «Коридорные скрипачи» соревновались друг с другом в игре гамм, арпеджио, двойных нот на спор – с любой ноты, с любой позиции, в любой тональности, виртуозно – так, что «дым шел»! Сейчас этого не наблюдается, и мы видим, что даже из спецшкол многие приходят с большим отставанием в плане техники.
Проучился я в ЦМШ не долго. В середине 8 класса исключили из школы «за поведение», как говорят: «попал под раздачу». Я был учеником, которому было скучно учиться по общеобразовательным предметам – они давались мне очень легко, и я был очень активным мальчиком – на уроках получал замечания, бывало, что выгоняли из класса. Но вредительством я никогда не занимался, а про тех, кто ломал имущество, я знал, но не продал.
Обратно в ЦМШ я уже не вернулся, хотя потом хотели восстановить. Меня моментально «подхватила» директор училища при Консерватории Лариса Леонидовна Артынова, и я остался в «Мерзляковке» официально у Майи Самуиловны Глезаровой, которая была ассистентом Ю.И. Янкелевича. У нее я закончил училище, потом вернулся к Юрию Исаевичу Янкелевичу в Консерваторию и аспирантуру. Он очень рано ушел из жизни – в 64 года, скончался во время операции. Огромная трагедия, величайший был педагог, который вырастил огромную плеяду талантливых скрипачей.
– А когда Вы начали концертировать?
– Концертировать начал рано, еще обучаясь в училище, ездил по стране с небольшими концертными программами. Впервые вышел на сцену БЗК с оркестром в 1966 году, в рамках цикла концертов, посвященных 100-летию Московской консерватории. Очень памятное событие, фотография с этого концерта до сих пор висит в нашем училище. Исполнял «Венгерские напевы» Андрея Эшпая со студенческим оркестром под управлением И.А. Аркина. Произведение посвящено Эдуарду Грачу, первым исполнителем был он, а вслед за ним был я.
Еще до того, как получил первую премию на конкурсе Баха, много выступал с концертами в Союзе и за рубежом. Активно работал как солист. А в конце 1975 года профессор Т.А. Гайдамович пригласила меня заменить скрипача в Московском трио. Там в первоначальном составе были: пианист – Александр Бондурянский, виолончелист – Мирон Ямпольский, скрипач – Михаил Безверхний (кстати, тоже ученик Ю.И. Янкелевича). Постепенно виолончелиста заменил Михаил Уткин, потом я заменил М. Безверхнего. Первый концерт со мной состоялся в начале 1976 года, и с этого времени состав уже не менялся. Кстати,Московское трио занесено в Книгу рекордов России, как самый долговечный ансамбль в едином составе.
– В чем секрет такого долголетия?
– В камерном музицировании из трех разных инструментов нужно создавать четвертый. Если удается – это уже не три разных человека, а единый организм. Просто не всегда и не всем это удается.
– Какой исполнительский репертуар Вам ближе и почему?
– Ближе то, что исполняешь в данный момент. Так должно быть. Хотя, конечно, я в душе романтик. Исполнению нужно отдаваться полностью. Когда музыкант выходит к публике, ему должно быть, что сказать, что ей отдать. Тогда тебя оценят, тебя поймут и тебе поверят. Знаю достаточно много и о европейских традициях исполнения барочной музыки, с которой мы сталкиваемся буквально каждый день. Со своими учениками стараюсь много внимания уделять не только Баху, но и всей эпохе. Современная же музыка – не вся близка, хотя в репертуаре много шедевров ХХ века. В ХХI веке шедевров… не густо.
Поздравление ректора на юбилейном концерте в БЗК
– А как Вы пришли в педагогику?
– Я давно преподаю в Консерватории, с 1974 года. Начал преподавать сразу после окончанияассистентуры-стажировки. Сначала на кафедре истории и теории исполнительского искусства, также занимался квартетом, помогал Д.В. Шебалину. В полной мере совмещать исполнительскую и педагогическую деятельность было довольно сложно. Первые годы моя основная работа была в Москонцерте и Московской филармонии, а в Консерватории – на полставки. Концертов, гастролей по всему миру было очень много.
После распада СССР в 1991 году постепенно гастрольные планы у всех значительно уменьшились. Ссокращением концертного графика я перешел на основную работу в МГК, получил специальный класс скрипки и начал активно заниматься педагогической деятельностью, которая бурно развивалось, и со временем мой класс стал одним из самых сильных в Консерватории.
Помимо консерватории преподаю еще в «Мерзляковке». Большим подспорьем является то, что моя супруга – Алена Чверток, ныне тоже профессор Консерватории, очень мне помогает. Она очень хороший специалист, талантливый человек и замечательный методист, известный на всю страну и не только. Она еще работает в ЦМШ. У нас практически общий класс. Она занимается с моими учениками, а я – с ее. Среднее звено у нас охвачено, готовим студентов в Консерваторию.
– Как Вы оцениваете современное музыкальное образование? Есть ли отличие от музыкального образования, существовавшего в начале Вашей педагогической деятельности?
– Раньше существовало государственное распределение, которое было обязательным. Многие известные исполнители проводили минимум 2–3 года в регионах и передавали подрастающему поколению свое мастерство, опыт, видение, школу. С исчезновением СССР исчезло распределение, и плоды этого мы на себе ощущаем все больше. А в регионах последние 20–30 лет происходит полное увядание профессионального подхода к обучению.Уровень всегда виден по поступающим абитуриентам. Конечно, каждый год есть талантливые «звездочки», ноименно общий уровень все больше снижается. На нашем оркестровом факультете 70–80 % студентов – иногородние. Это хорошо. Но из них к себе домой после обучения не возвращается практически никто. Все оседают в Москве, и это приводит к тому, что общий уровень в регионах падает.
Сейчас у обучающихся отмечается очень большое отставание именно техническое. И, если левые руки, бывает, развиты достаточно неплохо, хотя у большинства – серьезные проблемы с интонацией, то правые руки корявые почти у всех! А это и владение смычком, штрихами, и звукоизвлечение. Мало кто имеет об этом представление. Это заметно, отставание очень серьезное. Я много езжу по стране, сейчас это в основном мастер-классы и конкурсы, и я вижу, что происходит. Если педагог сам никогда не мог это сделать, как он может этому научить! Основная проблема – отсутствие квалифицированных педагогов. В стране их остались единицы, и это в основном специалисты преклонного возраста.
– Можно ли что-то сделать, чтобы улучшить ситуацию?
– Последние годы нас загоняли в рамки, не свойственные творческому развитию, они продолжаются отчасти до сих пор. Хотя некоторые сдвиги намечаются – например, отказ от Болонской системы. Бакалавриат не предполагает появление специалистов ни в какой области. Многие с большим энтузиазмом отнеслись к этой системе, стали безоговорочно ее внедрять. Противостояли только мы и питерцы, и мы выдержали, хотя давление было очень серьезным.
Творческие вузы нужно убрать из подчинения Министерству науки и образования и оставить только в ведении Министерства культуры, как, кстати, когда-то и было. Министерство образования, к сожалению, не понимает специфику творческих вузов. Знаю, что у нашего президента есть понимание этой проблемы, но решить задачу непросто, в том числе с экономической точки зрения.
Юбилейный концерт. Поздравление директора АМУ при МГК Владимира Демидова
– Возвращаясь к теме молодого поколения: какие навыки необходимы молодому музыканту, чтобы стать успешным?
– Я считаю, что нужна рациональность. Она заключается в умении владеть временем. Очень многое необходимо знать, интересоваться всем на свете. Не зацикливаться только на своих упражнениях, расширять кругозор. Чем больше будут успевать делать, тем выше будет результат, и никогда не будет скучно. Должен быть охват знаний, не обязательно глубокий во всех областях, но разбираться нужно очень во многом. И активно отдыхать. Надо уметь и успевать – в этом и заключается рациональность. А если человек способный, он обычно способен во многих видах деятельности. И еще: необходимо много читать художественной литературы, а то у нас наблюдается большое количество недостаточно грамотных молодых людей. Причем все, о чем я говорю, должно происходить в юном возрасте, потому что потом на это будет гораздо меньше времени, будут другие дела и заботы.
– Как Вы относитесь к конкурсам? Нужны ли они музыканту?
– Наша профессия – артистическая, поэтому, как возможность выходить и играть перед людьми, конкурсы – это хороший вариант. Мы играем не для себя, а для людей, и с точки зрения приобретения концертного опыта это необходимо.
Но то, что у нас сейчас происходит с детскими и юношескими конкурсами, «не есть хорошо». Они проводятся практически «на каждом углу» и каждую неделю, в таких конкурсах толком нет программных требований. Еще система так устроена, что подобные конкурсы нужны педагогам школ: благодарности педагогам за подготовку лауреатов помогают благополучно пройти очередную аттестацию, что, конечно же, является для них хорошей мотивацией. К таким конкурсам у меня отношение крайне отрицательное!
Бывает, на мастер-классы приходят ученики, которые играть вообще не умеют, но за последний год имеют 10–15 наград – первые места и гран-при. Конкурсы не должны быть раздачей дипломов за деньги, где дают бесконечное количество призовых мест. Такие конкурсы портят и губят музыкантов. Программа должна состоять не из двух пьесок по пять минут, а из двух-трех туров с серьезными требованиями, финал желательно с оркестром. И вообще конкурсов не должно быть много. На конкурсе должны быть премии, участники должны понимать, за что они борются.
– Как Вам видится будущее академической музыки?
– Надеюсь, что академическая музыка останется. Что-то же должно воспитывать в людях эстетические и нравственные критерии! Музыка продолжает существовать за счет того, что в нее вкладывается индивидуальность. Поэтому мы и слушаем живое исполнение – мы получаем какие-то ощущения, опыт, пусть даже опыт восприятия. У каждого исполнителя и каждый раз это все происходит немножко по-разному. Иначе нет смысла в существовании музыки.
– Владимир Михайлович, в Консерватории Ваш юбилей был особенным, было много концертов. Как они прошли?
– Юбилейные празднества совпали с классным и кафедральным концертами, скрипичным гала-концертом и выступлением лауреатов международного конкурса «ДеМЮКС», председателем жюри которого я являюсь уже много лет. Мы решили объединить серию апрельских концертов в фестиваль. В результате получился очень хороший фестиваль из пяти концертов, посвященный моему юбилею. Большой зал был полон, остальные концерты в Малом зале также были аншлаговыми. Заключительный концерт фестиваля 18 апреля, где играли мои воспитанники разных лет, был просто шикарный!
– Дорогой Владимир Михайлович, от лица всех читателей газеты «Российский музыкант» поздравляю Вас с юбилеем! Мы все желаем Вам здоровья, яркой творческой жизни и хороших учеников! Многая лета!
Ансамбль солистов «Студия новой музыки» под управлением дирижера Игоря Дронова исполнил концерт к 100-летию со дня рождения (28 мая) классика венгерского авангарда Дьёрдя Лигети. Концерт в Рахманиновском зале Московской консерватории вызвал большой интерес у широкой аудитории, к нему также была приурочена научная конференция. Оба мероприятия прошли под общим названием «Четыре времени Дьёрдя Лигети».
Когда говорят о Лигети, то подавляющему большинству культурной публики приходит на ум «Космическая одиссея» Кубрика, где звучит его музыка. И действительно, что может быть эффектнее звуковых облаков, сопровождающих космические пейзажи. Лигети изобрел прославившую его манеру письма, называемую сонористикой, в начале шестидесятых. Сам он называл ее микрополифонией, в которой отдельные множественные голоса сливаются в единую звуковую массу, образуя микроканоны, исполняемые часто десятками инструментов и создающие инопланетную гармонию. Таков Лигети в нашем обычном сознании. Но на самом деле Лигети на протяжении своего творческого пути менял манеру письма, подобно Стравинскому, радикальным образом.
Концерт к 100-летию со дня рождения композитора демонстрировал все его типы письма, манифестированные в знаменитом рисунке Лигети – от неофольклоризма до постмодерна. Поэтому и конференция, и концерт были названы «Четыре времени Дьёрдя Лигети». Эта изменчивость и, в то же время, единство его стиля были главной проблемой, обсуждавшейся на конференции, предшествовавшей концерту. В ней приняли участие музыковеды из разных стран (Россия, Италия, Израиль), предлагавшие свои трактовки творчества Лигети.
Открыли концерт Шесть багателей для духового квинтета. Здесь Лигети отдает дань своему первому, неофольклоному стилю, идущему от Бартока, у которого Лигети мечтал учиться, для чего он в 1941 году бежал через румынскую границу в Будапешт. Шли военные годы, Холокост унес почти всех его родственников, остававшихся в Румынии. Но Барток, в 1940 году эмигрировавший в США, не приехал и после окончания войны. Он скончался в Америке в сентябре 1945 года. Одна из «Багателей» посвящена его памяти.
Послушав эти пьесы и зная о том, что Лигети писал в 1970–80-е годы (после оперы «Великий Мертвиарх»), слушатели могли себе ясно представить мост, перекинутый из его неофольклорного периода в постмодернистский. Яркий образец постмодернистского периода – «Венгерский рок» для клавесина, исполненный Моной Хаба. Он написан в жанре пассакальи, однако пропущенной через призму массовой венгерской музыки. Кажется, пьеса собрала все штампы «венгерскости», но при этом не манифестирует, а уничтожает ностальгию по родине.
Лигети покинул Венгрию после восстания 1956 года (вновь бегство) и попал в Кёльн, где ему открылся способ сонористического письма после ряда психоакустических экспериментов. Что получилось у Лигети, мы слышим в его эталонных вещах, прозвучавших на концерте в Рахманиновском зале. Это, в первую очередь, Камерный концерт, редко исполняемый в России, Второй струнный квартет и Continuum для клавесина. Даже в камерном жанре письмо Лигети сонористического периода впечатляет. Звуковые массы, в которых не различить инструментальные голоса, наполняли все пространство Рахманиновского зала, производя ровно тот же эффект, что и огромные оркестровые массы «Атмосфер», «Лонтано».
Поздний период творчества Лигети хорошо прослушивался в двух этюдах для фортепиано, блестяще исполненных Наталией Черкасовой. Один этюд – нежное перебирание белых клавиш инструмента, сменяемое «вихрем белого снега». Второй навеян ритмами Африки, которыми композитор увлекался и для которых создал особый прием исполнения: закрытие определенных клавиш рукой и игра по клавишам, оставшимися свободными.
Слушатели, собравшиеся в довольно большом количестве в этот вечер в зале, восторженно принимали музыку Лигети. Ведь музыкальный мир, во всяком случае, сонористического периода, плохо себя чувствует в записи. И нельзя было не воспользоваться редким случаем исполнения ключевых камерных сочинений Дьёрдя Лигети!
Фёдор Софронов,старший научный сотрудник НТЦ современной музыки
Если говорить языком символов, то число 8 – это символ бесконечности, совершенства и жизненной энергии. Именно кипучая жизненная энергия и высокий уровень профессионализма являются ключевыми качествами консерваторского детского мультимедийного лектория «Большая музыка для маленьких». В этом году завершился уже 8-й сезон этого проекта, что говорит о неизменной любви к нему слушателей – как маленьких, так и больших.
Ради интереса обратимся к нумерологии. Не думаю, что уважаемый читатель встретит на страницах нашей почтенной музыкальной газеты иное упоминание о данной науке, поэтому автор позволила себе некоторую вольность, дабы развлечь любого, чей взор милостиво пробежится по этой статье. Итак, если мы все же обратимся к нумерологии, то увидим, что восьмерка еще в Древнем Египте считалась символом всемирного баланса, а в Древнем Китае даже стороны света делились на 8 частей. К чему бы это все? А вот к чему: раз уж древние настолько полагались на это число и его достоинства, не поискать ли нам его и в современности? Вот тут и начинается самое интересное: «Большую музыку», созданную под руководством Ксении Бондурянской, можно «разъять» ровно на 8 составляющих:
1. музыка – живое исполнение музыкальных произведений, которое неизменно составляет основу каждого концерта;
2. изобразительное искусство (картины и иллюстрации) и
3. кинематограф (анимация, фрагменты [мульт]фильмов) – вместе они составляют мультимедийную сторону проекта, представляя собой по большей части развлекательный контент;
4. ораторское искусство – речь ведущего, рассказывающего историю той или иной музыкальной эпохи, композитора или его произведения;
5. танец – компонент программ, связанных с танцевальной музыкой;
6. актерское искусство – компонент программ, включающих чтение фрагментов литературных произведений профессиональным актером;
7. иммерсивность – важное качество проекта, дающее детямвозможность стать соисполнителями музыкальных сочинений (с помощью шумовых инструментов, пения хором) или даже покинуть свои кресла и разучить некоторые танцевальные движения с профессиональным танцором;
8. диалог – прямое взаимодействие ведущего со слушателями в форме опроса (выражение мнения или же ответ на поставленный вопрос).
Восьмой сезон «Большой музыки» успешно сочетает все эти компоненты, создавая органичный и завораживающий синтез различных искусств внутри каждого концерта. Среди находок этого сезона отмечу новые программы: к ним относится «Музыкальное сочинение о летних каникулах», изюминку которой составляет чтение актером юмористических рассказов таких авторов, как М. Зощенко, В. Голявкин, Н. Носов и В. Драгунский. Наблюдать за тем, с каким живым интересом дети ловят каждое слово рассказчика, как заливисто они хохочут над проделками своих советских сверстников – это отдельное удовольствие. Не меньшее наслаждение получают и их родители: то тут, то там раздается в зале смешок взрослого, который тоже невольно вспоминает свое детство, отдавая должное мастерству рассказчика.
Еще одна новая программа этого сезона предложила своим слушателям совершенно иной формат встречи, на который намекает само ее название: «Вы поедете на бал?». Иммерсивная форма концерта, участие в которой поощряет детей прийти в бальных костюмах, представляет собой уникальный экскурс в историю танца: от старинного менуэта до фокстрота ХХ века, где танцмейстер дает всем желающим уроки танцев.
Команда «Большой музыки» продолжает и обновляет уже имеющуюся серию встреч, посвященных оркестровым инструментам. Так, в новом сезоне впервые были представлены медные духовые инструменты: их история, особенности звучания, а также произведения, написанные специально для них. Говоря об оркестре и продолжении традиций, отмечу также программу «Музыкальный зоопарк»: за всю историю проекта здесь впервые прозвучал «Карнавал животных» Сен-Санса в оркестровом исполнении, а красочности музыке добавили стихотворения Олега Сердобольского, написанные специально для этого цикла пьес.
В этом сезоне команда «Большой музыки» также провела ряд «выездных сессий», став частью проекта «Классика в школе». Выступления прошли на двух площадках: в Доме культуры «Горки-10» и в Культурно-досуговом центре имени И.Д. Кобзона. Всего таких встреч было восемь. Случайно ли это? В любом случае, автор искренне верит, что магия этого числа обеспечит проекту творческое долголетие и продолжит помогать его создателям продолжать свое великое дело – знакомить детей с Прекрасным и прививать им вкус к хорошей музыке. В конце концов, как говорил один из главных героев мультфильма «История игрушек»: «Бесконечность – не предел!..».
Маргарита Попова,редактор Отдела фестивалей, конкурсов и специальных мероприятий
В концертном зале Культурного центра «Минин-хор», особняке конца XIX века, некогда принадлежавшего звезде немого кино Вере Холодной, 22 марта состоялась презентация юбилейного выпуска старейшего музыкального журнала страны – «Музыкальная Академия». 90-летие журнала сопровождало громкое событие – мировая премьера доселе неизвестного «Торжественного марша Шамиля» М.П. Мусоргского.
Ярослав Тимофеев, Н.И. Тетерина, В.А. Александрова
«Марш Шамиля» Мусоргский сочинил в 1859 году. Ранее часть этого хора считалась утерянной, а в 2021 году в Российской национальной библиотеке музыковед, научный сотрудник Государственного института искусствознания Василиса Александрова обнаружила полную рукописную копию «Марша Шамиля». Сенсационная находка послужила поводом к научной статье, открывшей юбилейный, 780-й выпуск «Музыкальной Академии». Над ней работали сразу три исследователя творчества Мусоргского – Е. Левашев, В. Александрова и Н. Тетерина. К выпуску – он уже имеется в продаже – приложена хоровая партитура «Марша», отредактированная Н. Тетериной, а также компакт-диск и цифровой альбом, выпущенные в партнерстве с Союзом композиторов России и фирмой «Мелодия».
Мусоргский посвятил «Марш Шамиля» А.П. Арсеньеву, которого в балакиревском кружке ласково называли «Мустафой», «Сарфокузан» за его интерес к исламу и арабскому языку. Кавказский воин имам Шамиль в то время был известен по всей России. В 1859 году, в конце длительной Кавказской войны против Российской империи, он был пленен, помилован, позднее возведен в потомственное дворянство и даже отпущен в Мекку совершить хадж, где и скончался (похоронен в Медине). Столь яркая самобытная фигура как Шамиль, который, будучи врагом, вызывал неподдельное любопытство, а в некоторых кругах вовсе считался народным героем, оказался воспет художниками, поэтами. Лев Толстой упомянул его в рассказе «Рубка леса» и в поздней повести «Хаджи-Мурат». Не остался в стороне от кавказской темы и Мусоргский.
Празднование началось приветственным словом Ярослава Тимофеева – главного редактора журнала «Музыкальная Академия». Затем выступили авторы статьи о «Марше» Мусоргского Н. Тетерина и В. Александрова. А шеф-редактор издательства «Композитор» Петр Поспелов поведал краткую, но очень остроумную историю сотрудничества издательства и журнала, а также историю публикации партитуры.
Первыми исполнителями «Марша» посчастливилось стать «Минин-хору» – Московскому государственному академическому камерному хору под руководством Тимофея Гольберга. За рояль сел Ярослав Тимофеев. «Торжественный Марш Шамиля», созданный для мужского хора, прозвучал очень ярко и выразительно как благодаря музыкантам, так и свежей, необычной музыке Мусоргского. Коллектив «Минин-хора» порадовал слушателей приятным сюрпризом, дав небольшой концерт. Кроме трех песен (русская народная «Ах ты, степь широкая», молдавская и украинская «Засвечу свечу»), в концерте прозвучали Три русских песни op. 41 для хора и оркестра (в переложении для хора и фортепиано) Рахманинова, «Ти-ри-ри», «Вечерняя музыка» и «Страшенная баба» из хоровой симфонии-действа «Перезвоны» Гаврилина.
Последнее сочинение еще в конце 1970-х – начале 1980-х годов Гаврилин создал специально для камерного хора и посвятил его хормейстеру В.Н. Минину. Солистами выступили: Татьяна Земляная, Юлия Золотарева, Татьяна Метлина, Светлана Николаева, Маргарита Петухова, Ольга Федорещенко, Алена Шебалина, Александр Белецкий, Андрей Иванов, Григорий Медведь, Семен Мусатов. За роялем была Елена Ильина. Музыканты исполняли произведения с большим вдохновением и воодушевлением, что естественно передалось слушателям. Поразило и мастерство общения с хором молодого дирижера Тимофея Гольберга.
Неожиданным окончанием премьерного вечера стало повторное звучание «Марша Шамиля». Я. Тимофеев, подчеркнув, что «Марш» стал еще одной (после «Перезвонов») «визитной карточкой» хора, высказался по этому поводу: «В начале XX века была прекрасная традиция: когда композитор-авангардист сам дирижировал премьерой своего сочинения и чувствовал, что публика ничего не поняла, он брал и дирижировал это сочинение снова, второй раз. Я не сомневаюсь в том, что вы все поняли, но мы хотим эту традицию возобновить».
Официальная и концертная часть юбилея плавно перешла в приятную душевную атмосферу торжества, где каждому предлагался бокал шампанского, а также дружеское общение и обмен впечатлениями. Трансляцию, а теперь и запись, можно посмотреть на YouTube-канале, а также в группе VK Союза композиторов России и «Музыкальной Академии».
В Рахманиновском зале Московской консерватории состоялось интересное событие – концерт Центра электроакустической музыки «Музыка машин» и сопровождавшая его выставка в новом АРТ-пространстве Консерватории. Уникальность этого проекта заключалась в его акценте на взаимодействии искусства и технологий.
Матьяж Веттль. «Ноктюрн» для четырех исполнителей
В программе концерта «Музыка машин», который прошел 1 марта, были представлены как произведения современных композиторов, так и переосмысленные конструктивистские опусы отечественных композиторов начала XX века. Каждый номер программы сопровождался светом и видеоинсталляциями, которые по-своему преображали пространство Рахманиновского зала.
Для создания звука в концерте использовались самые разнообразные музыкальные инструменты: от традиционных до различных электронных устройств. Так в пьесе «Ноктюрн» Матьяжа Веттля звук был сконструирован исключительно с помощью переключения выключателей настольных ламп. Яркой частью программы стали композиции Владимира Дешевова, Сергея Прокофьева и Александра Мосолова зазвучавшие по-новому в обработке Александра Хубеева и Николая Попова.
Концерт «Музыка машин» еще раз наглядно показал, как использование технологий может стать инструментом для создания новых форм музыкального искусства. Он также послужил настоящим открытием для тех зрителей, которые ранее не имели возможности познакомиться с современной академической музыкой.
Лекция О.Е. Бочихиной на открытии выставки «Музыка машин»
Параллельно концерту в тот же день в новом Арт-пространстве Московской консерватории открылась необычная выставка, подготовленная Центром электроакустической музыки (ЦЭАМ) и художником Давидом Ру при поддержке автомобильного бренда EXEED. Оригинальная экспозиция, наполненная интереснейшими инсталляциями, картинами и световым оформлением погрузила всех присутствующих в самую суть события.
Этот проект оказался особенным и, несомненно, успешным благодаря сотрудничеству Московской консерватории и автомобильного бренда EXEED. Организаторы и кураторы создали по-настоящему уникальное и запоминающиеся событие.
