Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

Сказка – ложь, да в ней урок!

№2 (1403), февраль 2024 года

Доброй традицией творческого коллектива программы «Консерватория  детям» стала постановка детских музыкальных спектаклей. В этом году выбор пал на чудесный сюжет русской народной сказки – оперу «Морозко» выдающегося современного композитора, народного артиста России, профессора МГК Владислава Германовича Агафонникова.

Новую сценическую версию оперы «Морозко» представил режиссер-постановщик, лауреат премии Москвы и премии «Овация» Петр Татарицкий на основе либретто Андрея Альбанова. Герои истории – озорной Морозко, отзывчивая Настенька, ее злая мачеха и капризные сестры, простодушный солдат Иван и коварная Баба Яга оказались персонажами, которые обрели узнаваемые нами черты. Таких людей мы встречаем на улице, в школе, видим по телевизору. Мелодичная музыка с цитатами хорошо известных русских народных песен «Ой, Мороз, Мороз» и «Калинка» помогает понять характеры персонажей – кому-то посочувствовать, а над кем-то и посмеяться.

Юные зрители активно сопереживали всем артистам, аплодируя особенно понравившимся моментам. Специальную аранжировку, позволяющую исполнять спектакль на различных площадках, сделал выпускник МГК, кандидат искусствоведения Михаил Кривицкий. Сохранив яркие тембры трубы, арфы, ударных, добавив фортепиано и орган, он лаконичными средствами добился иллюзии богатого звучания оркестра. Музыкальным руководителем постановки стала пианистка МГК Тамара Еприкян, под ее профессиональным руководством состоялся дебют студенческого ансамбля солистов «Звук». Яркие краски добавило участие танцевального коллектива кафедры СКД Московского государственного института культуры под руководством доцента Марины Кернерман и ансамбля балалаечников ДШИ имени Калинникова под руководством Михаила Киселева – тембры русских народных инструментов усилили национальный колорит спектакля.

Важным аспектом стало объединение артистов разных поколений – от известных мастеров, таких как заслуженная артистка России Людмила Бодрова (Мачеха), солист Москонцерта Илья Ушуллу (Морозко), доцент МГК Мария Федорова (арфа) со студентами и аспирантами Московской консерватории Максимом Шабановым (Баба Яга), Марией Авдеевой (Настенька), Андреем Коденко (Иван), юными артистками Майей Соловьевой и Полиной Кабалевской(вредные сестры) и другими. По словам ректора, профессора А.С. Соколова «этот принцип перекрестного опыления, когда взрослые заслуженные музыканты делятся своим мастерством с молодым поколением, в Московской консерватории постоянно дополняется, расцветает новыми гранями».

По словам автора идеи и исполнительного директора постановки – лауреата Премии Москвы, доцента МГК Ярославы Кабалевской, «такие творческие коллаборации – неотъемлемая часть творческих проектов Московской консерватории. С помощью наших партнеров мы имеем возможность ставить новые и новые детские спектакли с музыкой российских композиторов, на которые приглашаются особые зрители – дети с ограниченными возможностями и дети-сироты. Разработана целая Благотворительная программа «Консерватория – детям», которая выполняет важную социальную миссию – приобщает детскую аудиторию к лучшим образцам нашей культуры, а также способствует инклюзивности через музыку и традиционные духовные ценности».

Опера была показана трижды. 14 декабря в Рахманиновском зале Московской консерватории состоялся благотворительный показ для подопечных программы «Консерватория – детям» в рамках новогодней программы Фонда «Серебряная нить». Спектакль посетили более 100 детей-сирот и детей с ограниченными возможностями. С приветственным вступительным словом к юным слушателям обратился сам композитор.

28 декабря опера была показана в павильоне Министерства культуры РФ «Наша культура» на выставке «Россия» (ВДНХ) как мероприятие, соответствующее программе патриотического и духовно-нравственного воспитания детей и подростков.

6 января «Морозко» приехал в концертный зал музея «Новый Иерусалим», который не смог вместить всех желающих посмотреть представление. Мероприятие прошло экспертную модерацию по программе «Пушкинская карта». Сказка не оставила равнодушными ни маленьких зрителей, ни их родителей – организаторы  получили множество положительных отзывов лично и в социальных сетях, среди которых: «Спектакль получился на славу», «Он полезен и детям, и взрослым своими жизненными советами, обращением к русскому фольклору», «Органично и гармонично все, опера смотрится на одном дыхании»«Морозко учит различать добро и зло, так как сейчас эти понятия сильно размыты» и т.п.

Выражаем благодарность проректору по творческой и международной деятельности МГИК Н.В. Калашниковой, благотворительному фонду «Серебряная нить» и АНО по развитию искусства и просветительства «ЗВУК» за организацию и сопровождение волшебного представления.

Профессор Е.Д. Кривицкая, доцент Я.А. Кабалевская

В.Г. Агафонников: «Детской музыки я много писал…»

Фото: Денис Рылов

В преддверии премьеры оперы «Морозко» состоялось интервью с ее автором, композитором, профессором В.Г. Агафонниковым:

– Владислав Германович, как Вы пришли в музыку?

– Я начал учиться музыке в Подольске. Вспоминаю свою учительницу Розанову Веру Николаевну, которая вела у нас в Доме пионеров музыкальные классы, потому что сама музыкальная школа во время войны была закрыта. Она всегда очень интересно объясняла: «до» и «ми» – это домик, а в этом домике живет нотка «ре», и вот этот цикл очень легко найти между двумя черными клавишами. Ученик играет одну ноту постоянно и уже потом выдерживает паузу – и это обязательно нужно уметь. Пауза – это великая вещь в музыке. 

Взять, например, детскую музыку Прокофьева, это же сверхгениальная музыка. Все его творческие новации отражены в детской музыке, как в капле воды. У Кабалевского то же самое. Помню из детства, как в победном 1945-м я играл на радио пьесу Кабалевского «Клоуны». Я очень волновался и бесконечно повторял слова перед выступлением, боясь забыть их: «Я сыграю пьесу «Клоуны», музыка Дмитрия Кабалевского». На тот момент я был учеником второго класса, очень много играл Кабалевского и Прокофьева – честь и хвала моему педагогу тех лет, Нине Михайловне Шлыковой!

В 1944 году я поступил в Московское хоровое училище. А после училища – в Московскую консерваторию, в класс композитора Висссариона Яковлевича Шебалина. Я занимался на двух факультетах: фортепианном и композиторском. Фортепианный я со второго курса вынужден был оставить, потому что было тяжело, и Шебалин говорил, что «сочинением нужно заниматься так же, как на рояле, не меньше четырех часов в день». И на рояле я, конечно, много занимался, и вот на первом курсе у меня был экзамен по фортепиано, а на следующий день – по композиции. На экзамене по роялю я получил пятерку, а свои сочинения, естественно, толком не выучил, и Шебалин поставил мне четверку со словами: «Свои сочинения нужно учить не хуже, чем чужие, потому что сыграешь кое-как, и впечатление будет кое-каковое».

Мне кажется, у Шебалина любимым композитором был А.П. Бородин. Шебалин настаивал на том, что профессионал должен уметь делать все, от песни до симфонии, потому что одно другое оплодотворяет, помогает ориентироваться. Поэтому у меня есть своя композиторская программа, определенный план, которого я всю свою жизнь придерживаюсь, несмотря на разные бытовые отвлекающие процессы. Но все же своей основной линией я считаю симфоническую. 

Педагоги обычно дают что-то анализировать, и вспоминаю, как мне однажды достался сборник «30 русских народных песен» М.А. Балакирева. Там очень хорошо показана преемственность развития музыкального материала. Он начал с самых истоков, с русской народной песни. Это оказало огромное влияние на всех кучкистов. Это все нужно знать, нужно познать историю развития музыки, всевозможных музыкальных этносов. Очень важны в народной музыке распевы, идущие от колыбельных. Они есть и у Чайковского, и у Мусоргского, и у Лядова, и у Бородина – любимого композитора Шебалина.

С IV курса я начал преподавать в училище гармонию, полифонию и даже сольфеджио. У нас по сольфеджио был потрясающий педагог Николай Иванович Демьянов, который был мастером своего дела. Он был выпускником Синодального училища церковного пения, очень хорошо знал нашу простую мальчишескую жизнь, поэтому относился к нам с огромным пониманием. С Николаем Ивановичем мы издали много сборников детских пьес. Детской музыки я в то время много писал.

– А как родилась Ваша опера «Морозко»?

– С 1968 года я возглавлял в Союзе композиторов СССР направление по музыкально-эстетическому воспитанию детей и юношества. И у нас ежегодно проходил и проходит до сих пор фестиваль «Композиторы России – детям», который охватывает многие города нашей необъятной Родины. И вот в очередной раз местом проведения фестиваля стал Саратов. А поскольку я уже давно был знаком с дирижером Юрием Леонидовичем Кочневым (художественный руководитель и главный дирижер Саратовского театра оперы и балета – Н.Д.), и наш заключительный концерт фестиваля проходил на их сцене, то он предложил мне написать для их театра оперу. Я с удовольствием согласился. Так появилась моя первая детская опера «По щучьему велению» (1997).

В Саратовском театре в это время работал замечательный режиссер Андрей Вениаминович Альбанов. Он был потрясающим либреттистом, хорошо знал и понимал детей. Каждую сцену оперы Альбанов словно проживал сам, и получилось так, что многие цитаты очень откликнулись пожеланиям детей, поскольку Андрей Вениаминович удивительно тонко их чувствовал. Он-то и стал либреттистом моей второй оперы «Морозко».

– Почему Баба-Яга у Вас – баритон?

– Есть такой японский театр, где играют одни мужчины. Любую роль. Это нужно, чтобы показать мастерство артистов, чтобы они умели входить в любой образ – это называется экзальтацией образа. Вообще, в свое время в церковных хорах пели только мальчики. Жизнь прекрасна, только ее нужно знать, поэтому нужно общаться с людьми, знать разные направления в искусстве, интересоваться.

– Что Вы хотите передать детям своей музыкой?

– Во-первых, любовь к жизни. Любовь во всех ее ипостасях – это самое главное в жизни. Любовь к семье, к родным, к близким, к Родине… Все это очень тесно друг с другом связано. Во-вторых, любовь к народной песне. Я много ездил в фольклорные экспедиции: когда я писал оперу «Анна Снегина», то ездил в Константиново, чтобы почувствовать эту тонкую есенинскую ауру. Михаил Иванович Глинка был прав, когда сказал, что музыку создает народ, а мы, композиторы, ее аранжируем. Преподносим с какими-то своими добавлениями и посылами, вносим то, что не успели записать, договорить… Мы словно доделываем это.

– Каким главным принципам в музыке Вы учите своих студентов?

– Я учу своих студентов, что главное в музыке – это интонация. Есть интонация, есть и музыка. Часто бывает, что интонацию излагают так, что она расцветает благодаря теоретическим умениям, полученным уже в чисто композиторском образовании – без знания базовых профессиональных вещей невозможно делать музыку. А природа, сама интонация в народной музыке уже есть, она очень хорошо ощущается. Мало того, возьмите любую народную песню. Есть такие вибрации и мелизмы в народных песнях, которые просто невозможно передать, но это опять зависит от голоса, от умения.

– Ваши пожелания юным зрителям?

– Дорогие ребята, вам я желаю в наступившем году всего того, что вы сами себе пожелаете. Обращайтесь к Деду Морозу, он добрый человек, он принесет вам подарки, которые вы ему закажете. Желаю вам здоровья, успехов в учебе, благополучия вашим родителям! Трудитесь и добивайтесь своих целей, вырастайте большими и замечательными людьми нашей Родины – России!

Беседовала преподаватель Тамара Еприкян, записала Наталья Денисенко 

«Нам дороги эти позабыть нельзя…»

Авторы :

№5 (1388), май 2022 года

Майские дни в России традиционно ассоциируются с двумя датами – один, Первомай, уже потерял идеологическую привязку и воспринимается, как удачный повод отдохнуть. А вот День Победы по-прежнему остается для многих «самым важным праздником» – об этом свидетельствуют и высказывания в личных страницах в соцсетях, где люди выкладывают фотографии близких, отдавших жизнь в боях за Победу. Поэтому появление в 2013 году фестиваля, посвященного событиям и страницам Великой Отечественной войны, стало естественным шагом. «Высокая нравственная миссия фестиваля – через музыкальное искусство способствовать патриотическому воспитанию наших соотечественников», – считает профессор А.С. Соколов, ректор Московской консерватории. С 4 по 11 мая в Московской консерватории прошел Десятый Международный фестиваль искусств «Дню Победы посвящается…».

БЗК. Закрытие фестиваля 11 мая.
На фото: Дмитрий Хромов, Дмитрий Крюков,
Александр Соловьёв, Пётр Татарицкий

«Память о главном, о подвигах во имя жизни – в основе концепции программ фестиваля. С глубоким почтением склоняем головы перед теми, кто, не жалея жизни, защищал соотечественников на фронте и в тылу», – подчеркнул инициатор и бессменный художественный руководитель, профессор Александр Владиславович Соловьёв. Также стоит отметить искренний посыл организаторов: «Наш фестиваль не приурочен к круглым датам: ведь есть события, которым мы должны отдавать дань памяти вне зависимости от их юбилейности – по велению сердца и совести. К таковым, прежде всего, относится годовщина Дня Победы в Великой Отечественной войне».

«Для меня тема войны особенно близка, так как мой дед Василий Иванович Алексеенко – летчик-испытатель, участник Великой Отечественной войны, награжден пятью боевыми орденами и многими медалями – признается А. Соловьёв. – Одна из его известных работ по истории авиации и авиационной техники: “Советские ВВС накануне и в годы Великой Отечественной войны”. На важности знания этих трагических страниц истории нашей страны для самоидентификации каждого человека также делал акцент основатель Камерного хора Московской консерватории, профессор Борис Григорьевич Тевлин. Он неоднократно организовывал программы, связанные с Днем победы в Великой Отечественной войне, и через этот репертуар мы “приближались” к событиям тех лет».

Уникальность фестиваля в том, что на сегодняшний день – это единственный фестиваль искусств в России, целиком посвященный теме Великой Отечественной войны; она осмысляется через существующие в самых различных жанрах произведения искусства. Именно за такую оригинальность концепции и мощный патриотический пафос Министерство обороны РФ отметило фестиваль вначале специальным дипломом (2016), а затем премией в области культуры и искусства в номинации «Культурно-просветительские проекты» (2017).

Пролистывая буклеты фестиваля, видишь, сколько ярких гала-концертов, театрализованных постановок состоялось за этот период. «Молитва о России» (2013) режиссера П. Татарицкого; «Хотят ли русские войны» (2014) – проект Камерного хора МГК совместно с актерами театра «Ленком»; танцевально-драматический спектакль «Письма памяти» (2015) режиссера О. Николаева и артистов «Театра Луны»; «Зори здесь тихие…» (2016) – опера К. Молчанова в концертном исполнении Госкапеллы России под управлением В. Полянского; «Бабий Яр» (2017) – опера-оратория Д. Кривицкого в постановке режиссера А. Цветкова-Толбина; «Дорогами Высоцкого» (2018) – концерт-спектакль с участием актера Н. Высоцкого, сына легендарного барда; «Из тени в свет!» (2019) – музыкально-поэтическая композиция театра-студии «Человек»…

«Любимые песни маршалов» (2014) и «Песни. Память. Война» (2021) – музыкально-драматические композиции по воспоминаниям великих военачальников ВОВ и их близких. Проект возник как результат многолетней дружбы фестиваля с Фондом памяти полководцев Победы и лично с Натальей Родионовной Малиновской, дочерью прославленного маршала. В 2019 году в буклете она написала пронзительные строки: «Это счастье, что сегодня среди наших музыкантов есть не только профессионалы высочайшего класса, но и люди, для которых Память, обращенная к тем, благодаря кому и мое поколение, и ваше, и самые юные живут на свете, – не пустой звук. Категорический императив благодарной памяти заставляет их вновь и вновь обращаться к великой трагической странице нашей отечественной истории. Сердечная благодарность Московской консерватории за эту благородную инициативу, за то, что в наши беспамятные времена они — помнят».

Уже стало традицией, что на открытие приглашается легендарный Академический дважды Краснознаменный, ордена Красной Звезды ансамбль песни и пляски Российской Армии имени А.ВАлександровапод управлением Геннадия Саченюка. «Большой зал консерватории – особый. Он прекрасен акустически. Сцена намолена великими артистами. Что бы мы ни исполняли, лирические песни или патриотические – все здесь звучит великолепно, – рассказал в интервью журналу “Музыкальная жизнь” Геннадий Саченюк. – Особенно радует то, что на наши выступления приходит много молодежи. Любовь к произведениям, созданным в советские времена и отразившим подвиг наших отцов и дедов, насильно привить нельзя. А вот увлечь примером можно. Именно это и делает наш ансамбль на каждом выступлении, в любой аудитории».

«Для нас особенно важно, чтобы об уроках истории и войны размышляли молодые артисты», –подчеркивает ректор А.С. Соколов. Поэтому в нынешнем году с программой «В песнях останемся мы» были приглашены выступить хоровые коллективы Академии хорового искусства имени В.С. Попова, отмечающей в нынешнем году 30-летие основания. А в концерте «Внуки Победы помнят» продемонстрировали свое искусство Смешанный хор Калужского областного музыкального колледжа имени С.И. Танеева и его руководитель Максим Пимонихин и Хор студентов ГМПИ имени М.М. Ипполитова-Иванова с Владимиром Красовым, а также иностранные учащиеся Московской консерватории. Интересной краской стали программы Мужской военной капеллы под управлением Максима Попова и Оркестра русских народных инструментов «Москва» МГИМ имени А.Г. Шнитке с Николаем Алдановым.

Постоянный участник и Академический Большой концертный оркестр имени Ю.В. Силантьева со своим художественным руководителем и главным дирижером Александром Клевицким. В этом году их выступление пришлось на 9 мая, отмеченное трогательным музыкально-поэтическим вечером «Где бы мы ни были, с нами Россия» по песням Марка Фрадкина с участием актеров театра и кино Елены Захаровой и Александра Головина. Инициатор и автор сценария  Антон Фрадкин, внук прославленного композитора, поделился, что всегда мечтал сделать концерт деда на этой исторической сцене. Такие хиты, как «Дорога на Берлин», «У деревни Крюкова», «А годы летят…» слушатели услышали в тонко сделанных хоровых аранжировках Алексея Лёвина в исполнении Камерного хора Московской консерватории. Восторженных аплодисментов удостоились солисты Софья Онопченко, проникновенно спевшая «Течет река Волга» и «Там, за облаками», и Илья Ушуллу, чей обаятельный тембр внес новые краски в «Случайный вальс» и «За того парня».

С 2015 года фестиваль имеет собственную региональную программу, чья география чрезвычайно широка: Боровск, Красноярск, Нижний Новгород, Санкт-Петербург, Саратов, Тамбов, Тула, Улан-Удэ. Важной ежегодной частью фестиваля является музыкально-просветительский проект патриотической направленности «Вахта памяти Московской консерватории» в Смоленске (руководитель – доцент Я.А. Кабалевская).

Но не только фестиваль выходит за пределы столицы, но и региональные коллективы имеют возможность выступить в Московской консерватории. Можно вспомнить композицию «Ленинград и Победа» с песнями Якова Дубравина в исполнении Женского хора Санкт-Петербургского училища имени Н.А. Римского-Корсакова под управлением композитора и дирижера Сергея Екимова, приезд Хора студентов Саратовской государственной консерватории имени Л.В. Собинова и Владимирской капеллы мальчиков и юношей… 

Эту линию продолжил концерт-закрытие Десятого фестиваля, целиком отданный Национальному симфоническому оркестру Республики Башкортостан. Его главный дирижер Дмитрий Крюков придумал амбициозную программу, включившую симфоническую поэму «Салават» З. Исмагилова, Пятую симфонию С. Прокофьева, мировую премьеру «Военной кантаты» Д. Кривицкого (к 85-летию со дня рождения композитора) и Dixi Г. Канчели. К гостям из Уфы присоединились детский хор «Пионерия», Камерный хор МГК и Тульский государственный хор.

Серьезная философская музыка не оставила равнодушными слушателей, стоя приветствовавших каждое сочинение. Подтверждением успеха служит и статистика: онлайн-трансляция собрала более 117 тысяч просмотров! Да и другие события фестиваля благодаря трансляциям Телевидения Московской консерватории имели всероссийский охват и резонанс.

Тема Дня Победы  неисчерпаема, и, хотя события удаляются, но размышления о них дают импульс к преодолению трагических последствий Великой Отечественной войны, чье эхо доносится вплоть до сегодняшнего дня.

Профессор Е.Д. Кривицкая

Осеннее преображение

Авторы :

№7 (1381), октябрь 2021 года

В череде событий к 155-летию Московской консерватории яркой акцией стал XVII Осенний хоровой фестиваль имени Б.Г. Тевлина. Уже сама цифра вызвала особые чувства – такие проекты-«долгожители» нечасто встречаются в нашей концертной жизни, и уже сам факт столь длительного существования является оценкой значимости и авторитетности фестиваля. В этом году он прошел под знаком 90-летия со дня рождения его основателя, народного артиста России, профессора Бориса Григорьевича Тевлина.

К концерту-открытию приурочили мемориальную выставку (сделанную силами Архива МГК), которая была развернута в фойе партера Большого зала Консерватории. И в антракте многие зрители не рванули в буфет, а пришли к стендам, чтобы послушать воспоминания и дискуссии о выдающемся музыканте и о той эпохе (вторая половина XX – начало XXI века), когда разворачивалась его деятельность. На фото с юбиляром: Валерий Гергиев, Мстислав Ростропович, Родион Щедрин, Майя Плисецкая, Александр Чайковский… Практически все великие артисты этого времени дружили, выступали, посвящали Тевлину свою музыку. Об этом рассказали художественный руководитель Фестиваля и преемник на посту главы Камерного хора Московской консерватории, профессор Александр Соловьёв, декан дирижерского факультета профессор Алексей Рудневский, композитор Ефрем Подгайц.

Многие авторитетные музыканты начинали свою карьеру с пения в хоре у Б.Г. Тевлина, как это было с Львом Конторовичем – ныне заведующим кафедрой хорового дирижирования МГК и руководителем коллектива «Мастера хорового пения». Именно им выпала честь дать старт Фестивалю в БЗК с программой, символично посвященной творчеству композиторов – выпускников Московской консерватории.

Л. Конторович выстроил музыкальный дискурс по хронологии, от С. Танеева, С. Рахманинова – к авторам советского времени (А. Флярковский, Р. Бойко, А. Шнитке), а затем и к нашим современникам – Р. Щедрину, В. Рубину, В. Агафонникову, В. Кикте, Е. Подгайцу. Сложность такого калейдоскопа в том, чтобы показать индивидуальность каждого автора, его образный мир. И хору под управлением Л. Конторовича это прекрасно удалось. Особо отметим интерпретации хора «Парус» В. Рубина, прозвучавшего как красочная поэма, композиций В. Кикты и, конечно, «К вам, павшие» Р. Щедрина, трактованного как погребальная молитва, обращенная персонально к каждому слушателю.

Преобладание музыки авторов наших дней стало отличительной чертой этого фестиваля, что также связано с личностью Б.Г. Тевлина, который в 2011 году инициировал создание отдельной кафедры современного хорового исполнительского искусства. Программы, подготовленные коллективами, показали, насколько интересен, разнообразен в стилистическом отношении мир современной музыки. Саратовский театр хоровой музыки под управлением Людмилы Лицовой обратил на себя внимание качеством и колоритом звучания – светлым, легким, но вместе с тем богатым на агогические нюансы. Отдав дань уже ушедшим композиторам – Р. Леденёву, Ю. Фалику, Д. Кривицкому – коллектив с азартом взялся за ноты, написанные в XXI веке. Разные техники, фактурные приемы, представленные в сочинениях С. Екимова, С. Нестеровой, Р. Имамутдинова, были не просто освоены, а осознаны, и потому новый язык оказался понятен и интересен и певцам, и публике.

Сергей Екимов не только фигурировал в фестивальных программах как автор музыки, но и сам принял участие как хоровой дирижер. Это отнюдь не первый приезд музыканта в Москву, но в этот раз – дебют в качестве художественного руководителя Хора студентов Санкт-Петербургской консерватории. Молодые артисты уверенно вступили на новую для них репертуарную территорию и показали, что она им по силам. Эффектно был исполнен сокровенный Хорал К. Бодрова, которым С. Екимов дирижировал из партера, драйвовая миниатюра «О светло-светлая» А. Танонова «завела» зал, а духовный пафос хора «О, Святый» из «Акафиста Александру Невскому» в авторском прочтении Екимова усилили поэтические строки К. Филипповой, прочитанные в жанре мелодекламации актером и ведущим фестиваля Петром Татарицким.

В том же концерте на сцену БЗК вышли детские коллективы, показавшие, какая замечательная смена подрастает и даже «наступает на пятки» взрослым. Детский хор «Весна» имени А.С. Пономарёва со своим руководителем, профессором Надеждой Авериной представил кантату «Весеннее преображение» В. Рубина. А Большой Детский хор имени В.С. Попова с Анатолием Кисляковым – цикл А. Вискова «Слободские песни» и фрагменты цикла «Земля моя златая» А. Пахмутовой.

Единственным «традиционным» произведением в фестивальной афише оказался «Реквием» Верди. Несколько выбиваясь из общей репертуарной концепции, он, тем не менее, вписался в ту линию, которая связана с демонстрацией хоровых сил. Дирижером Вячеславом Валеевым был собран огромный сводный хор, куда вошли студенты хора Московской консерватории, ГМПИ имени Ипполитова-Иванова, Камерный хор «Мирэа» Российского технологического университета, Камерный хор Lauda. Соединение молодежных, любительских и профессиональных коллективов – важная примета нашего времени, когда мастера передают опыт непосредственно, в живом творческом контакте.

Финалом осеннего марафона стало выступление хоров Московской консерватории. Хор студентов Московской консерватории под управлением Алексея Рудневского представил антологию советской хоровой классики: русские народные песни в обработках А. Свешникова, В. Калистратова, С. Жарова, опусы В. Гаврилина и Г. Свиридова.

Камерный хор МГК под управлением Александра Соловьёва показал премьеры авторов XXI века. Торжественная «Стихира» П. Корягина задала проникновенный настрой, подхваченный чудесной ажурной пьесой «Богородице, дево» Т. Шатковской. Исполнение «Притчи» Р. Щедрина продолжило поиски коллектива в сфере хорового театра. В предыдущем сезоне состоялась премьера «Пяти русских пословиц» этого композитора в сценической редакции с театральными мизансценами Н. Нижарадзе. В «Притче» на стихи Н. Глазкова («Обнаружили воровку, Что похитила веревку…») иронично-метафоричный подтекст был визуализирован, что подчеркнуло трагическую суть сочинения.

Центром программы Камерного хора МГК ожидаемо стал десятичастный цикл «Русский букет» Ефрема Подгайца. Его замысел вызревал постепенно: одну из частей (Элегия) исполнял Б.Г. Тевлин с Госхором имени Свешникова, а миниатюра «В минуты музыки», изначально написанная для хора a cappella в 2013 году, посвящена его памяти. Вместе с пианисткой Екатериной Мечетиной хор и солисты (Мария Челмакина, Валерия Мыльникова, Давид Посулихин, Денис Тепаев) создали галерею образов. Тут нашлось место и философским мыслям (знаменитое «Умом Россию не понять…»), и настроенческой лирике («День вечереет», «Как неразгаданная тайна…»), и романтическим мечтам («В минуты музыки»), и карнавальной иронии («Винная ягодка», «Сумерки», «Букет», «Смехачи»). В обзорной рецензии нет возможности остановиться подробно на каждой пьесе – это серьезная, интересно сделанная партитура, где все участники смогли показать себя во всем разнообразии творческих возможностей. Завершал отделение «Торжественный мотет в честь юбилея Московской консерватории»: автор, Кузьма Бодров, посвятил новый опус Камерному хору, и эта композиция, продолжающая принципы Глинки (повенчать фугу с русской песенностью) стала отличным завершением отделения.

«В 2021 году мы отмечаем юбилейный День рождения профессора, ставшего наставником для нескольких поколений хоровых дирижеров и сумевшего создать собственную Школу, основанную на базовых принципах высокого профессионального мастерства. Устремленность в будущее, воспитание воли через ежедневное «преодоление себя», бескомпромиссность к халтуре, скрупулезное следование авторскому тексту, требовательность к окружающим, начинающаяся опять же, с себя, строгое понимание иерархии и вертикали – это малая толика качеств, которые он взращивал в своих воспитанниках», – поделился воспоминаниями об Учителе художественный руководитель фестиваля, профессор А.В. Соловьёв. Эти характеристики применимы и к нынешнему составу Камерного хора, который на любом концерте показывает исключительно высокое качество исполнительского мастерства и вдохновенные интерпретации: эти музыканты и их нынешний руководитель умеют удивлять, очаровывать своим искусством.

Фестиваль стал значительным событием не только внутриконсерваторской жизни: благодаря трансляциям Телевидения Московской консерватории концерты увидел весь мир, и это также важнейшая задача проекта – показать, как прекрасно, как значительно хоровое искусство и артисты, которые его представляют.

Профессор Е.Д. Кривицкая

Фото Ирины Полярной

Эдуард Грач: «Я не подвожу итоги…»

Авторы :

№9 (1374), декабрь 2020 года

19 декабря отмечает 90-летие народный артист СССР, заведующий кафедрой скрипки Московской консерватории профессор Эдуард Давидович Грач. Он являет собой пример удивительного творческого долголетия и витальной энергии. Попасть в «класс Грача» заветная цель многих молодых скрипачей, ведь его воспитанники это поколения успешных и востребованных артистов. Когда беседуешь с Эдуардом Давидовичем, всегда ощущаешь силу его темперамента, горячность эмоций, неравнодушие ко всему, что происходит вокруг него – будь то профессиональные вопросы или результаты футбольного матча. Жизнь вокруг него кипит, в его квартире постоянно звонит телефон, включаются позывные WhatsApp, Skype – весь мир с ним «на проводе»! Мы не стали специально фокусироваться на воспоминаниях о прожитом – в настоящем у маэстро Грача столько всего интересного и актуального, что пока не до мемуаров.

На пороге юбилея мы лишь приоткрыли завесу: в чем секрет «педагогического чуда» прославленного музыканта, куда движется современное исполнительство и счастлив ли он…

– Эдуард Давидович, начнем с «наболевшего»: как Вы переживаете самоизоляцию и карантинные меры?

– С февраля я никуда не удалялся из Москвы, мы с супругой никого у себя дома не принимаем. Хотя бы так пытаемся себя обезопасить.

– Дистанционно преподаете?

– Безостановочно! Провел уже несколько конкурсов, огромное количество зачетов, экзаменов по интернету. Но я не поклонник дистанционных занятий. По интернету звучание не качественное, да и не у всех хорошая связь. Объяснить и научить тонкостям по интернету сложно. Что является плюсом? Те, кто активны в занятиях и часто ко мне обращаются, успели пройти много произведений. До таких деталей, в которые мы погружались в классе на нормальных занятиях, мы не можем дойти здесь. Качество звучания, окраска, фразировка – добиться глубины в этих моментах дистанционно сложно. Я пошел по иному пути, наращивая и расширяя репертуар моих студентов.

– Вы пользуетесь для этого программой Microsoft Teams?

– В нее захожу только для присутствия на заседании Ученого совета Консерватории. А так – только Skype. Я провел масштабные мастер-классы для Израиля, школа «Кешет Эйлон», где курс включал 70 уроков – все через Skype и Zoom.

– Когда наблюдаешь Вашу работу в классе, то понимаешь, что педагогика Ваша стихия. Однако Вы пришли в Консерваторию, когда Вам было около 60 лет. Почему так поздно?

– Это произошло в конце 1988 года. Расскажу обстоятельства. Я в молодости много ездил, концертировал. И меня уже не воспринимали как потенциального педагога. Но вдруг мне позвонил Валерий Климов, бывший в то время заведующим кафедрой скрипки в Московской консерватории. В то утро я улетал в Тбилиси вместе с Маринэ Яшвили – тогда я начинал дирижировать, и концерт с ней был одним из моих первых опытов. В общем, я уже паковал чемодан, когда раздался тот судьбоносный звонок, и Климов сказал примерно следующее: «Слушай, Эдик, хватит дурака валять, пора уже преподавать». Я ему возразил, что меня никто не приглашал. На что он мне ответил, что есть конкретное предложение: как раз уехал за рубеж Олег Крыса, и остался его класс, не слишком яркие студенты, но все же – реальная нагрузка. Так я стал работать в Московской консерватории.

– Сразу целый класс?

– Ко мне пришли три студента – не знаю, был ли это весь класс Крысы или нет, но ребята действительно оказались не очень сильными, и занятия не доставляли большого удовольствия. Я даже подумал: «И к этому я стремился?! Как же это неинтересно, как же я был прав, что не преподавал». Но Россию вскоре покинул и Валерий Климов. Как я понимаю, он позвал меня с дальним прицелом, собираясь переехать в Германию, и считал, что по статусу я мог бы его заменить и возглавить кафедру. Так вскоре и случилось.

Новогодний бал с Эдуардом Грачом

Ваше восхождение действительно получилось стремительным. «Сарафанное радио» сработало, к Вам стали рваться талантливые, амбициозные ребята?

– Да, я как бы перескочил через несколько ступенек в педагогической карьере. Расскажу такой эпизод. На Ученом совете меня выдвинули на должность доцента, но мой друг и соратник по трио пианист Евгений Васильевич Малинин отвел мою кандидатуру. Он выступил и сказал: «Грачу – доцента? Это смешно. Ему или профессора, или пусть будет педагогом. Хотя должен быть профессором». Я оставался простым преподавателем, пока не получил звание народного артиста СССР, и тут уже в один день стал профессором, получив вскоре и «корочку». Все произошло моментально. Это был 1991 год.

Я рад, что пришел в педагогику зрелым артистом, познавшим большой успех, признание, и уже не ревновал к достижениям моих учеников. Наоборот, хотел, чтобы они стали лучше меня. Мне кажется, что такое положение дел дает в преподавании более весомые результаты.

– Для вас неизменный ориентир Абрам Ильич Ямпольский, в классе которого вы учились и в ЦМШ, и в Консерватории, и в аспирантуре?

– Для меня Абрам Ильич – педагогическое совершенство. Во всем: в методике, в отношении к студентам, в своей доброте, принципиальности и вместе с тем доброжелательности. Он свое дело знал феноменально, ему достаточно было посмотреть и его лицо говорило нам все. Или его любимое выражение: «так это…». Он произносил его с разной интонацией, например, с сожалением, и мы понимали, что играли «не очень», что он ждал большего, что надо лучше заниматься. Он был немногословен, но его выразительная мимика, реакции на то, как мы играем, помогали иногда лучше всяких слов.

– Педагог это профессия или призвание? Любой может преподавать?

– Педагог – это особый талант. Смотрите, Абрам Ильич был прекрасным скрипачом, но не был солистом, зажимался на публике. А педагогом оказался «от Бога». Так что далеко не всегда удачная сольная карьера и педагогика идут рука об руку.

Вы задумывались о своей миссии продолжателя педагогических традиций Ямпольского?

– Знаете, так получилось само собой. Я остаюсь до сих пор его адептом.

А в чем его секрет, как Вы считаете?

– Он не просто подтягивал слабые стороны ученика, во всяком случае – не ставил это во главу угла, а развивал преимущества его таланта. Поэтому его ученики – индивидуальности, каждый – со своим «лицом». Возьмем, к примеру, его великих воспитанников, таких как Леонид Коган и Юлиан Ситковецкий – два величайших скрипача XX века, но как они не похожи друг на друга! А мое поколение? Мы много лет были рядом с Игорем Безродным, учились вместе в ЦМШ, начиная с 7 класса. Я ведь приехал в Москву из Новосибирска, где меня считали звездой, но в ЦМШ я был просто одним из учеников. И Безродный оказался для меня таким «маяком». Когда я впервые его услышал, то начал мечтать достичь подобного исполнительского уровня. Но при этом я не стал его «клоном», каждый из нас обладал своим темпераментом, имел свои репертуарные предпочтения.

– Педагог может навредить ученику, дав, например, слишком сложное произведение?

– Стараюсь, чтобы ученики проходили больше произведений, находя потом то, что им ближе и естественней. Пусть экспериментируют, не боясь «проб и ошибок». В учебе надо быть всеядным, а на концертах, на конкурсах играть то, в чем ты можешь себя показать наилучшим образом.

– Что Вы думаете о состоянии скрипичного исполнительства?

– Двадцатый век давал звезд. Сейчас есть много замечательных скрипачей, но таких личностей как Хейфец, Менухин, Стерн, Ойстрах, Коган я среди нынешних исполнителей не вижу. Общий уровень – необычайно высокий, многие очень хорошо играют, но художественных озарений не наблюдаю. Я назвал некоторых великих, но ведь были еще Сигетти, Цимбалист, Шеринг – с каждым из них связана своя глава в развитии скрипичного искусства. Разве сейчас мы о ком-то так можем сказать?

– А вам известна, например, скрипачка Патрисия Копачинская?

– Нет, я не слышал ее.

– Очень яркая и эпатажная, может выйти на сцену в противогазе…

– И что в этом исключительного? Можно и лежа играть. Меня когда-то Виктор Пикайзен спрашивал, а ты можешь сыграть Perpetuum mobile Паганини лежа? Я ему ответил тогда: «Знаешь, я думаю, что и стоя не смогу сыграть»! Это мы так между собой шутили.

– То есть, эпатаж Вы не одобряете?

– Нет, я слишком серьезно отношусь к профессии. Вспомните архивные видеозаписи – как стояли великие скрипачи? Это были исполины, изваяния. Теперь трясутся, шатаются, крутятся – и это еще не самое худшее. При этом, повторюсь, есть прекрасные музыканты. Но мне ближе аристократический стиль.

– С момента Вашего обучения у Ямпольского прошло более 60 лет. Не устарела ли его система, его подход к технологии игры?

– Скажу так: на базе того, что я получил у Абрама Ильича, я веду свои занятия, но, конечно, многое пересматриваю. С другой стороны, я не все могу принять, что сейчас делают. Борюсь, например, с игрой в нижней половине смычка. У молодых скрипачей сейчас тенденция играть ближе к колодочке, из-за чего у них инструмент звучит грубовато и однообразно. Но принципам Ямпольского я не изменяю, и как сейчас понимаю, он был во всем прав. У него очень верная, замечательная скрипичная школа – это образец, которому стоит следовать.

– Все же, я бы не была столь категорична. Спустя время, возможно, про Ваших питомцев – Алёну Баеву, Айлена Притчина, Никиту Борисоглебского, Гайка Казазяна (я могла бы назвать еще немало имен!), – также скажут, что они определяли нашу эпоху…

– Такие, как они – уникальные, и я горд, что их воспитывал!

– Вы с ними поддерживаете общение?

– Конечно. Сейчас время трудное, пандемия, естественно мы общаемся в масках и только на улице. За последний месяц на «свидание» со мной во дворе приходили и Алёна, и Айлен.

– Все они принимают участие в работе жюри конкурса Эдуарда Грача, проходящего нынешней осенью. Расскажите о Вашем конкурсе, пожалуйста.

– Было подано 37 заявок. География невероятная: США, Великобритания, Испания и даже Бразилия, конечно, юго-восточные страны: Китай, Корея… Примерно половина прошла отбор и будет участвовать в основном состязании. Все конкурсанты записывают часовые программы, и жюри онлайн отслушивает их. Результаты будут объявлены в день моего 90-летия 19 декабря. Я не участвую в голосовании и ни в коей мере не влияю на решение жюри. Могу послушать присланные записи – для своего удовольствия или чтобы иметь собственное представление и оценить уровень Конкурса.

– Вы счастливы?

– Вот уже тридцать лет я посвящаю педагогике, также эти тридцать лет связаны с дирижерской деятельностью в основанном мной в 1990-м году Камерном оркестре «Московия». Это и тридцать лет брака и творческого союза с моей любимой Валечкой (Валентина Павловна Василенко – супруга и концертмейстер Московской консерватории Е.К.). Я не подвожу итоги, но это самый счастливый период в моей жизни.

– Удивительно, обычно с ностальгией вспоминают юность, первые тридцать лет…

– Но ведь это очень хорошо, когда жизнь идет на крещендо! Ну, немножко изменился имидж: предыдущие годы я был известным исполнителем, одним из самых популярных гастролеров и в нашей стране, и за рубежом. Сейчас поменялся профиль, но я себя и в нем абсолютно реализовал. И я счастлив!

Беседовала профессор Е.Д. Кривицкая

Прав ли был Нестор-летописец?

Авторы :

№3 (1368), март 2020

…В освещенном портале появляется одинокая фигура правителя Всея Руси: шапка Мономаха тяжела, ее надо не просто удержать, но и подчинить своей воле всех: бояр, солдат, простой люд. Он, прихрамывая, медленно спускается по высокой лестнице – все ближе и ближе, словно пересекая границы времени и пространства. А вокруг него – жизнь, певцы хора, одетые в серые балахонистые рубахи, выстроились по бокам на ступенях амфитеатра. «Вышгород, собирайся, новый князь, окончательный, собирайся народ, князь из Киева зовет» – толпа бурлит, волнуется на авансцене, и охрана в кольчугах пытается сдержать натиск толпы…

В Москве и в Сочи прошли премьерные показы новой оперы Александра Чайковского «Сказание о Борисе и Глебе, братьях их Ярославе Мудром и Святополке Окаянном, о лихих разбойниках и добром народе русском». Чтобы писать оперу на исторический сюжет, тем более на такой древний, нужна творческая смелость и живой интерес к теме. Но Александру Чайковскому – ни смелости, ни тем более опыта не занимать. Из композиторов нашего времени его, пожалуй, единственного можно сравнить с классиками прошлого – у него в активе уже три исторические оперы (в 2011-м он создал «Легенду о граде Ельце, деве Марии и Тамерлане», а в 2019-м – оперу «Ермак»), а еще – оратории «Государево дело» (2013) к 400-летию Дома Романовых и «Слово о полку Игореве» (2018). 

Когда А. Чайковский берется за подобную тему, то ему важно найти ниточку, связывающую «дела давно минувших дней» с современностью. Как правило – это прием ретроспекции, герои сегодняшнего дня перелистывают страницы прошлого, переживая его вновь вместе с действующими персонажами. В «Сказании о Борисе и Глебе» все немножко по-другому.

Сюжет, описанный в XII веке Нестором-летописцем, сам по себе оказался острым и проецируемым на нашу действительность. Политические дрязги, подставы и убийства – этой тематикой забиты новостные ленты и телевизионные выпуски. И нет принципиальной разницы, в какой точке мира и в какую эпоху это происходит. «Ничего не изменилось, и все страсти, какие были в XII веке, происходят и сейчас, – объясняет Александр Чайковский – Манипуляция общественным мнением, борьба за власть, толкающая на преступления. Тогда просто все было грубее и проще: не нравился человек – его сразу убивали…». Поэтому повествование ведется от первого лица, устами князя Ярослава Мудрого, который взялся за расследование убийств своих двух младших братьев – Бориса и Глеба, совершенных старшим – Святополком (хорошо, что их отец – Владимир Красное Солнышко, – не дожил и не увидел, кого породил!).

События происходят в двух временных планах: Ярослав ищет убийц и одновременно «диктует» Нестору-летописцу узнанные им страшные подробности, переживая все на наших глазах. Ярослав пытается и посулами, и угрозами покорить бояр и народ, а главное – добиться признания своего законного права на престол и легитимность власти. 

Либретто по заказу инициаторов этого проекта – Юрия Башмета и его соратника, директора «Русского концертного агентства» Дмитрия Гринченко – написал драматург Михаил Дурненков. И перед ним была поставлена нелегкая задача – создать народную политическую драму, где нет ни любовной интриги, ни каких-либо побочных линий. Даже привычных персонажей, по сути, нет: все комментарии и переживания вложены в уста хоров. Они – и толпа, и слуги, и убийцы. Им приходится и молиться, и бунтовать, и сопереживать.

Ансамблево «сводить» всю эту разноголосицу пригласили профессора А.В. Соловьёва, чья хормейстерско-дирижерская репутация очень высока. Как художественный руководитель Камерного хора Московской консерватории, а с 2016 года и Тульского государственного хора, он подготовил уже не один десяток новых партитур, включая и опусы Александра Чайковского. Интонация, голосоведение, артикуляция текста, темпо-ритм, коммуникация разных групп – все было «поставлено на рельсы» и доведено Соловьёвым до такого автоматизма, что на первой сценической репетиции пели с таким качеством, что впору было публику звать!

По его предложению в состав сводного коллектива вошли хоры из разных регионов: в Филармонии-2 в Москве к упомянутым выше присоединился Муниципальный камерный хор «Нижний Новгород». Группу Народного хора РАМ имени Гнесиных (внесшего фольклорный колорит) и Мужской хор Центрального пограничного ансамбля ФСБ России (с их брутальным монолитным звучанием) выдвинули на авансцену, и они активно принимали участие в действии.

Для исполнения в рамках XIII Зимнего Международного фестиваля искусств в Сочи присоединилась также Капелла Абхазии. В дальнейшем это будет еще одной «фишкой» проекта – уже запланированы показы в Ярославле, Самаре, Клину, и везде местные коллективы будут добавляться к основной части хора. Понятно, что стояла задача не только «выучить ноты», но осмыслить образную сторону, а главное – добиться единой манеры пения, что было решено главным хормейстером проекта блестяще.

Жанр хоровой оперы – особый. Популярная в эпоху Возрождения, мадригальная комедия была быстро вытеснена опытами флорентийской камераты, опусами Монтеверди и всем ходом музыкальной истории. И вновь заявила о себе в XXI веке, единичным примером в творчестве Щедрина. Его «Боярыню Морозову» Александр Чайковский конечно же слышал, но сделал все по-своему. Например, у Щедрина из инструментов только ударные и труба, тогда как в «Борисе и Глебе» на сцене расположился ансамбль (дирижер Денис Власенко), включавший цимбалы, домру, духовые, ударные и даже такой экзотичный инструмент, как цуг-флейта. Поскольку сочинение было написано для Юрия Башмета, то не обошлось без соло альта. Это тоже персонаж – его монологи то дополняют речь Ярослава Мудрого, то корреспондируют с голосами Бориса и Глеба.

Да, оговорки нет – это не персонажи, а бесплотные аллегории чистоты и невинности, «совести», как считает композитор, и поручает выразить сакраментальные слова двум контртенорам. Это очень выразительные, мистические моменты оперы, потому что андрогинные тембры певцов «завораживают», переводя людские страсти в метафизическую плоскость. «Узри, что я заповеди Твои возлюбил» – с этой фразы начинается опера, а завершается мольбой об упокое. Борис и Глеб оказываются проводниками Божественного Слова, высшей силы, которая подчиняет народы. 

Приглашенные в проект Владимир Магомадов и Олег Рябец не сразу нашли верный образ. В Москве их голоса звучали резковато, слишком конкретно, но на фестивале в Сочи они пели гораздо пластичнее, добиваясь красоты звуковедения – пространство сочинского Зимнего театра оказалось для них более благоприятным.

Кристаллизовался от спектакля к спектаклю и образ Ярослава Мудрого в исполнении Андрея Мерзликина. Актер рассказывает: «Мне никогда в голову не приходило, что смогу принять участие в хоровой опере. Когда поступило такое предложение – это было как извержение вулкана, стало вызовом. Пока мы репетировали, я принимал уверенный вид, но внутри трепетал, переживал. Я был обескуражен, забыл про текст, про то, что я драматический актер, оказавшись внутри. Это совсем иное восприятие, нежели из зала. Но в то же время с первой репетиции я ощутил огромную радость, когда услышал музыку, прекрасное исполнение». 

Действительно, Александр Чайковский сумел написать захватывающее, драматургически точно выстроенное сочинение. С первого раза даже все и не расслышишь, не вычленишь слухом, настолько много деталей и смыслов в этой многофигурной партитуре. Будучи современным композитором, постоянно общаясь с молодежью и наблюдая за реакцией публики, Александр Чайковский прибегает (возможно, интуитивно) к кинематографическому формату: короткие эпизоды, панорама, отдельные группы и крупные планы – фокус его «камеры» все время держит внимание в напряжении.

С точки зрения хоровой фактуры – это энциклопедия приемов и контрастов. Есть имитационные эпизоды, сменяющиеся хоральными, использован говорок, скандирование слогов с постепенным крещендо, эффектно примененный композитором для изображения «ползущих по земле слухов», встречаются тутти, доходящие (как гласит авторская ремарка) до крика.

Остроту действию добавил танцевальный коллектив Алишера Хасанова «Мим-оркестр». Именно они создают динамику в развитии действия, перевоплощаясь то в разбойников, то в прислужников, то в бесов. Они кружат вокруг Ярослава, их пластика, выросшая из массовок мюзикла, выразительна и ясно читаема. Идея режиссера Павла Сафонова «разделить» функции поющих и двигающихся оказалась удачной и правильной, она позволила добиться выразительных мизансцен не в ущерб качеству исполнения (сценограф Алексей Трегубов).

Андрей Мерзликин признался: «Мечтаю, чтобы эта постановка не осталась только фестивальной, чтобы спектакль постоянно где-то шел. Я бы приглашал друзей, всех, кто любит ходить ко мне в театр, моих подписчиков в Инстаграме, всем бы говорил: приходите, послушайте эту замечательную оперу».

Профессор Е.Д. Кривицкая

Фото Виталия Пустовалова

Эдуард Грач: «Музыка для меня – вся жизнь…»

Авторы :

№ 8 (1328), ноябрь 2015

За дирижерским пультом

1 декабря в Большом зале консерватории начинается юбилейный фестиваль Народного артиста СССР, заведующего кафедрой скрипки Московской консерватории, профессора, уникального музыканта и человека Эдуарда Грача. 85-летие – уже повод для торжеств, но эта дата умножается рядом знаковых для него событий, выпадающих на этот год: 125 лет со дня рождения любимого учителя, одного из корифеев отечественной скрипичной педагогики А. И. Ямпольского, 25 лет с момента основания Камерного оркестра «Московия», наконец, 25 лет счастливого супружеского и творческого союза с заслуженной артисткой России, пианисткой Валентиной Василенко.

Каждое число – не просто цифра, за ней – огромная череда поисков, восхождений, артистических свершений. О многом сказано в нашей книге «Эдуард Грач. От первого лица», вышедшей в 2012 году. Но время не стоит на месте, особенно, когда речь идет о такой многогранной личности – скрипаче, альтисте, педагоге, дирижере, организаторе конкурсов. Эдуард Грач – деятелен и энергичен, заряжая своей энергией студентов, публику, коллег. Он строг, даже неумолим к себе и к окружающим, когда дело касается профессии, и чрезвычайно обаятелен и артистичен в дружеском общении. Выкроив минутку в напряженном графике, маэстро поделился новостями в творческой жизни, рассказав, какие подарки ждут его слушателей в эти юбилейные дни.

Эдуард Давидович, помню ваш прошлый концерт в день 80-летия – яркая, с фантазией придуманная программа. Что нас ждет в этот раз?

С супругой в зале «Гаво». Париж, 2014

— Невозможно делать юбилеи по шаблону, так что я попытался придумать что-то новое. 1 декабря в БЗК примут участие представители мастер-классов, конкурсов, где я – почетный профессор. Например, курсы в Кешет-Эйлоне, откуда меня приедут поздравить директор Ицхак Рашковский и его супруга Аня Шнарх, которая выступит как солистка с «Московией». Будут играть и молодые скрипачи, участники этих мастер-классов, и мои воспитанники – Игорь Хухуа и Гайк Казазян.

Другие мои давние друзья – Камерный оркестр «Виртуозы Якутии», считающий меня своим патроном. Многие участники этого коллектива выросли на моих глазах, оркестр неоднократно ездил со мной на мастер-классы. Жду их в гости. Будет и мировая премьера современного сочинения: «Апофеоз любви» Давида Кривицкого, посвященная мне и Валентине Василенко. Для грандиозного состава – 24 скрипок и фортепиано, партию которого исполнит внук композитора, студент Московской консерватории Михаил Кривицкий.

В вашем репертуарном списке большое место занимают сочинения композиторов XX и XXI века, созданные и посвященные вам.

— Всю жизнь я охотно играл современную музыку, прежде всего российских композиторов. Когда занялся подсчетами, то получилось, что только крупных партитур в жанре концерта оказалось больше двадцати – Эшпая,  Светланова, Крейна, Балтина, Акбарова, Ходяшева… Это наша миссия исполнителя – давать жизнь новым сочинениям.

Огромная часть вашей жизни связана с Московской филармонией, которая также собирается вас чествовать.

На фестивале «Золотые скрипки Одессы», 2015

— День рождения 19 декабря я проведу на сцене Концертного зала имени Чайковского. Так было на прошлом юбилее, прошедшем с аншлагом, мне было предложено сохранить это число. Первое отделение вижу как скрипичное гала и хочу назвать «Звезды XXI века», поскольку дали согласие участвовать мои ученики прошлых лет – Алена Баева, Никита Борисоглебский, Гайк Казазян, Айлен Притчин, Сергей Поспелов. Они все имеют сольные карьеры, их любит публика – и заслуженно.

В каком репертуаре мы их услышим?

— Исхожу из того, что можно саккомпанировать составом оркестра «Московия». Первым прозвучит сочинение, очень значимое для меня. Чакона Витали – с нее начинался мой публичный дебют, состоявшийся в 1944 году в Новосибирске. А сейчас в ней будет солировать Никита Борисоглебский. Надеюсь услышать произведения Шуберта, Сен-Санса, «Кармен» Бизе-Ваксмана… А во втором отделении ожидаются музыкальные поздравления, сюрпризы – приходите, увидите сами.

Главным музыкальным событием нынешнего года стал Международный конкурс имени Чайковского. Ваш класс блистал на нем, и как мне кажется, профессор Эдуард Грач установил личный рекорд по количеству участвовавших студентов: трое прошли предварительный отбор, один из них завоевал премию. Браво!

— Спасибо за поздравление. Я конечно следил за ходом конкурса и отслушал все туры по трансляции. Качество вещания было великолепное, не сравнить с прошлым разом.

Вы действительно прослушали всех участников?

- Да, всех без исключения.

- Еще один рекорд! Поделитесь вашими впечатлениями…

- После драки кулаками не машут (улыбается). Могу, конечно, что-то прокомментировать. Конкурс был очень сильный, и, на мой взгляд, безусловно, должен был увенчаться первой премией.

Ваш выбор?

У зала «Гаво». Париж, 2014

— Клара-Джуми Кан. Я знал ее раньше, слушал на конкурсе в Сеуле, будучи там в жюри. Уже тогда обратил на нее внимание, но за эти годы она феноменально выросла, развилась. Теперь это превосходная скрипачка, очень увлеченная – ее спокойно слушать невозможно. Хотя в третьем туре Концерт Чайковского не стал ее высшим достижением, и тут, как мне кажется, Гайк Казазян ее переиграл. Но, тем не менее, по результатам всех туров она, безусловно, заслуживала первого места. Как и Гайк – второй премии. Но жюри вынесло решение – первую премию не присуждать! И так второй конкурс подряд. Ощущение, что есть какие-то силы, желающие убедить, что скрипичная школа деградирует, что в упадке российская школа. Это несправедливая и предвзятая позиция.

Я работал в жюри многих конкурсов, в том числе таких известных как Венявского в Польше или Лонг-Тибо в Париже. Считаю, что такого бы не случилось, если бы был председатель жюри. Пусть в Москве собрали ведущих звезд, но все равно организующее начало должно быть. Потом член жюри должен присутствовать на всех турах, чтобы, оценивая, иметь целостную картину. Да, бывали прецеденты – Менухин приезжал на финал конкурса в Брюсселе. Но это Менухин, и ему подражать надо не в этом.

Конкурс совпал с 175-летием со дня рождения Чайковского. Ваше отношение к этому композитору?

— Гениальный композитор, я с благоговением играю его произведения. Среди скрипичных концертов, его – самый трудный, и с технической, и с художественной стороны. Говорили же: «Это концерт – не для скрипки, а против скрипки». Действительно Чайковский использует нетрадиционные скрипичные приемы. Но трудность заключается и в том, что бы суметь сыграть его просто и благородно, передать его лирическую суть. С «Московией» сделана программа из его сочинений: «Воспоминание о Флоренции», Струнная серенада, оркестровая версия пьес из «Времен года», скрипичные миниатюры. Ее мы собираемся показать весной 2016 года, в день рождения Чайковского, 7 мая, в Большом зале консерватории. Планировал сыграть ее в этом году, но из-за конкурса Чайковского не удалось. В консерватории ведь традиционно сокращается на месяц учебный год, сессия проходит уже в мае, и работать с оркестром не было возможности.

А кто ваш любимый композитор?

С А. И. Ямпольским. Москва, 1949. На вокзале после победы на конкурсе в Будапеште

— Творческая жизнь длинная и выделить кого-то одного не смогу. Когда-то для меня Брамс был самым любимым композитором. Обожаю французскую музыку: Дебюсси, Равеля. Конечно Моцарта – все, что вышло из-под его пера, настолько вдохновенно. Но соглашусь с Рихтером, который говорил, что Моцарт – самый трудный композитор. Последние годы я еще больше полюбил Шуберта: что-то в нем есть щемящее, интимное. А вообще мне повезло: я не играл нелюбимых композиторов.

Расскажите, что было интересного в вашей творческой жизни в этом году?

— Музыканты живут не годами, а сезонами. Этот еще только начался, а вот прошлый получился очень насыщенным – могу подвести некие итоги. Летал вновь в Китай, где провел мастер-классы в Шанхае, прошлой осенью работал в жюри Международного конкурса имени Лонг-Тибо в Париже. Невероятная ностальгия – сидеть в зале Гаво и невольно вспоминать 1955 год, когда я сам играл на этом конкурсе. Сейчас в Оргкомитете работал сотрудник, который меня слушал полвека назад – очень волнительное событие! И я счастлив, что мой ученик Айлен Притчин победил на этом конкурсе, завоевал Гран-при.

Традиционно принимал участие в жюри Скрипичного конкурса в Астане, который организует ректор Казахского университета искусств Айман Мусаходжаева. А между поездками – концерты класса, «Московия».

Вы недавно вернулись из Одессы… Как вас встречали в это тревожное время на Украине?

– Я получил приглашение приехать на фестиваль «Золотые скрипки Одессы». Приятная атмосфера, в зале меня встречали восторженным скандированием: никакой враждебности… Я встал за дирижерский пульт и аккомпанировал Сергею Ивановичу Кравченко Полонез ре мажор Венявского. Концерт длился три с половиной часа, собрав многих одесситов, разбросанных по всему миру. Приехали Александр Винницкий, Павел Верников, преподающий в Швейцарии, Дора Шварцберг, работающая в Вене, Михаил Вайман, живущий теперь в Германии.

Три дня, проведенные в моем родном городе, очень согрели меня. Нас прекрасно принимали, организовали прием у мэра, где я произнес от имени всех участников речь, поблагодарив за гостеприимство.

Конечно, прогулялся к своему дому на Пушкинской улице, где состоялся типично одесский диалог. Я стал фотографировать, а ко мне подошел мужчина и говорит: «Вы лучше сфотографируйте соседний дом, там Пушкин жил два года». А я в ответ: «Обязательно, ну а в этом доме родился я».

Вы меня встретили репликой, что проигрыш Марии Шараповой испортил вам настроение на весь день. Какую роль играет в вашей жизни спорт?

— Все началось с футбола, которым увлекался с детства. Сам играл, ходил на стадион болеть за «Динамо» – до сих пор любимую команду. Потом прибавился хоккей, а сейчас я увлекся теннисом – в этих матчах завязываются невероятные интриги. Из женщин-теннисисток болею за Шарапову: ее проигрыш действительно меня так расстроил, что думал, не смогу дать интервью. А из мужчин слежу за Новаком Джоковичем. Он мне реже портит настроение – сейчас он «первая ракетка» мира.

Я настолько много работаю – и ученики, и оркестр, и концерты, и поездки, что спорт мне необходим для разрядки. Возможность посмотреть интересный матч – теннисный или футбольный, дает мне переключение. Хотя хладнокровно, просто ради удовольствия смотреть не могу: я человек горячий, азартный, радуюсь победам и принимаю близко к сердцу неудачи…

Музыка для меня – вся жизнь, иначе я бы не работал до такого возраста. Если выдается пара свободных дней, я начинаю хандрить, а когда преподаю или репетирую к концертам, то сохраняю жизненный тонус.

Беседовала профессор Е. Д. Кривицкая

«Война впечатана в наши гены…»

Авторы :

№ 4 (1324), апрель 2015

В залах Московской консерватории с 5 по 14 мая пройдет Третий Международный открытый фестиваль искусств «Дню победы посвящается…». Это – уникальный прецедент в стенах вуза: не просто концерт патриотических песен к 9 мая, а концептуально продуманная серия событий, включающая хоровые-гала, выступления мэтров российской культуры, музыкально-драматический спектакль, концерты с участием оркестровых и детских хоровых коллективов. Масштабный проект Московской консерватории поддержали серьезные институции: среди партнеров фестиваля «Дню победы посвящается…» – Министерство культуры РФ, Департамент культуры Правительства Москвы, Управление культуры Министерства обороны РФ, Фонд памяти полководцев Победы.

У фестиваля, который в этом году проводится в третий раз, всегда есть сквозная тема: данный посвящен 70-летней годовщине Великой победы. «Есть события, которым мы должны отдавать дань памяти по велению сердца и совести, – так, задумывая фестиваль, сформулировал свое кредо его художественный руководитель, доцент Московской консерватории Александр Соловьёв. – Для меня тема войны близка. Мой дед, Василий Иванович Алексеенко – летчик-испытатель, участник ВОВ, награжденный пятью боевыми орденами и многими медалями… С глубоким почтением склоняем головы перед мужеством тех, кто, не жалея жизни, защищал Отечество на фронте и в тылу. День Победы – это день национальной гордости!»

Эту мысль подхватывает в своем приветствии фестивалю Наталья Малиновская, дочь легендарного советского маршала Родиона Яковлевича Малиновского: «9 мая – самый светлый и самый печальный день в году, самый главный и бесспорный из наших государственных праздников. Война кончилась семьдесят лет назад – давно или недавно? Если мерить сроками человеческой жизни – давно, если историческими сроками – только вчера. Первым послевоенным поколениям, детям воевавших и победивших, достался в наследство глоток завоеванной старшими свободы, оплаченный ценой, которую не исчислить никакой статистике. Песни той войны были нашими колыбельными, и на первых страницах семейных альбомов молодые наши родители запечатлены еще в гимнастерках, пилотках и при орденах. А рядом – фотографии тех, кто не вернулся, кого мы никогда не видели, но о ком слышали столько, что, кажется, невозможно поверить, что они погибли еще до нашего рождения – совсем молодыми. Война впечатана в наши гены».

Н. Р. Малиновская и А. В. Соловьев

В фестивальной афише сразу привлекает внимание концерт-открытие, собравший грандиозные творческие силы. Для исполнения кантаты Прокофьева «Александр Невский» на сцену Большого зала консерватории вместе с Центральным военным симфоническим оркестром России (руководитель генерал-лейтенант Валерий Халилов) выйдет сводный хор, объединивший коллективы Москвы, Санкт-Петербурга и Казани. А во втором отделении бессмертные песни Александры Пахмутовой будут звучать в исполнении Иосифа Кобзона, Тамары Гвердцители, Василия Ладюка, группы «Кватро», солистов Молодёжной оперной программы Большого театра.

Еще одна идея объединяет программы фестиваля – перелистать страницы истории Великой отечественной войны. Об этом – спектакль «Письма памяти», который состоится 6 мая в Рахманиновском зале. Глубокий, насыщенный музыкой военных лет рассказ через письма тогда еще юных ее участников – спектакль-реквием.

9 мая в Малом зале пройдет совместный концерт композиторского факультета и деканата по работе с иностранными студентами. На вечере под названием «Памяти героев», при участии Московского Камерного оркестра п/у Владислава Булахова, будет звучать музыка композиторов свидетелей военного времени: С. Прокофьева, А. Хачатуряна, А. Эшпая, Г. Фрида, Н. Голубева, М. Ройтерштейна, А. Гейфмана; а также пройдут премьеры сочинений лауреатов конкурса молодых композиторов «К 70-летию Великой Победы».

День Победы был бы невозможен без героизма ленинградцев, отстоявших свой город в блокадной осаде. Несломленная воля и беззаветное мужество ленинградцев вдохновили миллионы людей на самоотверженную борьбу. 10 мая в Большом зале консерватории будет представлен цикл «Ленинград и Победа» Якова Дубравина, чьи песни о городе на Неве обрели всероссийскую популярность. Вместе с автором цикл исполнит хор Музыкального училища имени Римского-Корсакова под управлением Сергея Екимова и замечательная эстрадная певица Этери Бериашвили.

Не забыто и детское творчество – в залах консерватории выступят Концертный хор «Радуга» (руководитель Анна Московчук), Владимирская хоровая капелла мальчиков и юношей (руководитель Эдуард Маркин), Большой детский хор имени В. С. Попова (руководитель Анатолий Кисляков). Так, пока не оборвалась последняя нить связи с реальными героями Победы, к теме войны прикоснется поколение, которое знает о ней лишь по книгам и фильмам.

А. Н. Пахмутова

Трагическим событиям Холокоста будет отдана дань памяти на закрытии фестиваля в БЗК в рамках совместной акции с проектом «Образовательный мост» Бостонского университета. Выбор музыки нетривиален: рядом с «Траурным концертом» Карла Хартмана и кантатой «На этот горный склон крутой» Тонни Шеммера прозвучат «Песни войны и мира» Альфреда Шнитке. Это будет мировая премьера версии для солирующего фортепиано, меццо-сопрано (Лариса Костюк), хора (Камерный хор Московской консерватории) и камерного оркестра (Ансамбль «Студия новой музыки»), осуществленная по заказу фестиваля «Дню Победы посвящается…» композитором Андреем Кулигиным.

Впервые фестиваль, организованный Московской консерваторией, выйдет за пределы столицы, объединив многие регионы постсоветского пространства. Среди них: Астана, Минск, Санкт-Петербург, Калуга, Красноярск, Киров, Ижевск, Магнитогорск, Саратов, Смоленск, Улан-Удэ… Концерты включат в свою орбиту сочинения разных жанров, связанные с темой Великой отечественной войны и Победы.

Программа фестиваля изящно закольцована симфоническими сочинениями Александры Пахмутовой, отмечающей в этом сезоне юбилей. Среди исполнителей ее музыки – блестящие солисты: Владислав Лаврик (труба) и Алексей Татаринцев (тенор). Все музыканты откликнулись на приглашение принять участие в фестивале горячо и сразу. «Для меня события Великой Отечественной войны – это не монументы из гранита и бронзы, – подчеркнула в эксклюзивном интервью фестивалю сама Александра Николаевна. – Я родилась в Сталинграде, встретила в этом городе войну и помню ту великую битву за Сталинград, ее героев – мужественных, но в тоже время простых, добрых, ласковых  людей. Во всей моей творческой жизни – и в симфонической музыке, и в песнях – стараюсь рассказать о подвигах нашей армии, о людях, отдавших жизнь во имя того, чтобы мы жили сегодня. В моей душе всегда будет жить благодарность им, и для меня великая честь участвовать в фестивале Московской консерватории, посвященном 70-летию Великой Победы».

Профессор Е. Д. Кривицкая

70 лет на сцене без компромиссов

Авторы :

№ 5 (1316), май 2014

«Я не люблю подводить итоги», – напомнил народный артист СССР, профессор Э. Д. Грач, отвечая на мой вопрос об идее фестиваля. Четыре концерта и Международный конкурс объединила серьезная дата: 70-летие с момента первого сольного выступления. И тогда, в июле 1944 года этот концерт оказался вовсе не рядовым событием. В разгар войны, в эвакуации в далеком Новосибирске 13-летний Эдуард Грач сыграл большую и сложную программу, куда вошли пьесы Вьетана, Крейслера, Венявского… Как вспоминает артист, «в зале были одни музыканты: и оркестранты заслуженного коллектива республики, и Квартет имени Глазунова, и дирижеры – Евгений Мравинский, Курт Зандерлинг, Абрам Стасевич. Все высказали единое мнение, что надо срочно ехать учиться в Москву»…

Сейчас фестиваль начался с «высокой ноты». В Большом зале консерватории артист собрал своих воспитанников разных лет – тех, кому суждено определять моду в скрипичном исполнительстве по крайней мере ближайшее десятилетие. Алена Баева, Никита Борисоглебский, Гайк Казазян, Сергей Поспелов, Лев Солодовников, Юлия Игонина, Айлен Притчин, Елена Таросян – все такие разные, но имеющие в основе «закалку» школы Грача. Голоса их скрипок – поющие, обольщающие слушателей – доставили в тот вечер огромное наслаждение.

Безусловно, все они блестяще оснащены технически, что и продемонстрировала программа концерта, основанная на виртуозной скрипичной музыке. Но ведь главное, что их техника одушевлена мыслью, эмоцией, обаянием. Оттого мы вновь сопереживаем истории Фауста и Маргариты в Фантазии Венявского, прозвучавшей в благородной трактовке Н. Борисоглебского, покоряемся темпераменту равелевской «Цыганки» у А. Притчина, остаемся очарованными пластикой музыкальной речи А. Баевой в «Интродукции и рондо-каприччиозо» Сен-Санса. Завершал вечер фантастический по энергетике номер – Фантазия для двух скрипок с оркестром на темы «Кармен» Бизе, сочиненная и сыгранная Е. Гречишниковым вместе со своей супругой Е. Гелен, также воспитанницей Э. Д. Грача. Артисты, давно уже работающие в Германии, специально выбрались на юбилейный вечер Учителя, умеющего не только передать знания, но и объединять вокруг себя музыкантов-единомышленников.

Кроме солистов на сцене весь вечер находился камерный оркестр «Московия» – любимое детище маэстро, где его же студенты получают великолепные уроки оркестровой игры. Солировать с таким партнером, как этот оркестр и его руководитель, – одно удовольствие, потому что каждая нота им не просто известна – она прожита, выстрадана. И остается восхититься профессиональной честностью маэстро, готовящего каждую программу, как некогда свой первый публичный концерт – с юношеским трепетом и пиететом перед намолеными консерваторскими сценами. Да, наверное, перед любыми сценами – компромиссы этот артист не допускает.

Празднование юбилея продолжится вплоть до третьей декады июня: в Малом зале в рамках филармонического вечера с «Московией» выступали нынешние студенты и аспиранты Грача, сюда же подверстался его классный вечер в Рахманиновском зале – всегда событие для публики. Трогательное приношение сделал подмосковный наукоград Дубна, с которым юбиляра связывают многолетние творческие контакты. Местный симфонический оркестр выдвинул инициативу – провести Международный конкурс скрипачей, присвоив ему имя Эдуарда Грача. Хотя идея пришла в январе текущего года, спонтанно, и времени на подготовку оставалось мало, тем не менее, 20 и 21 июня в Дубне пройдут конкурсные прослушивания. В жюри – все заведующие скрипичными кафедрами Московской консерватории, профессора И. В. Бочкова, Э. Д. Грач, В. М. Иванов, С. И. Кравченко, а также ректор Института имени Ипполитова-Иванова В. И. Ворона. Программа свободная, на 40 минут, в один тур, дающая максимальную возможность показать участникам свои достоинства концертантов. Единственное обязательное сочинение – знаменитая Чакона Витали
в редакции Шарлье. Выбор именно этого опуса связан с памятным первым публичным выступлением героя нашей публикации.

Так закольцовываются эпохи, но Эдуард Грач уже перелистывает новую страницу в своих дневниках, куда несколько десятилетий вносит каждое творческое событие. Впереди лето – время не отпусков, а новых художественных впечатлений. В Дубне с 10 по 18 июля пройдут мастер-классы профессора: кажется, еще есть возможность успеть записаться.

Профессор Е. Д. Кривицкая

После боя сердце просит музыки вдвойне…

Авторы :

№ 6 (1308), сентябрь 2013

Патриотическое воспитание – одна из проблемных тем в нашем обществе. Как, избежав назидательности и популизма, привлечь внимание к судьбоносным страницам отечественной истории, как вызвать искреннюю любовь «к родному пепелищу» у молодых людей, отделенных от военных годин несколькими десятилетиями благополучной жизни?! Свое решение предложил Александр Соловьев, худрук Камерного хора Московской консерватории, инициировав проведение фестиваля «Дню Победы посвящается…». В ситуации, когда победа в Великой Отечественной войне отмечается сугубо по круглым датам, появление в столичной афише фестиваля, объединившего шесть разноплановых программ, смотрелось событийно.

Инициативу Московской консерватории поддержало Управление культуры Министерства обороны РФ, с которым благодаря этому начинанию теперь налажено тесное сотрудничество. «Мы счастливы поздравить этот молодой амбициозный проект с началом творческого пути», – сказал в своем приветствии на открытии в Большом зале консерватории глава Управления Антон Губанков.

Выбранный формат – международный фестиваль искусств – предопределил добавление к концертной части театральной линии, приглашение гостей из-за рубежа. Под знамена Победы призвали Президентский оркестр РФ (руководитель – Антон Орлов), сыгравший на открытии фрагменты из партитур Прокофьева – оратории на «Страже мира» и кантаты «Александр Невский».

В контексте ширящегося хорового движения в фестивале приняли участие «Мастера хорового пения» (руководитель – Лев Конторович), Саратовский губернский театр хоровой музыки (руководитель – Людмила Лицова), а одну из программ отдали детским певческим коллективам. Людмила Лейбман, музыковед из Бостона и руководитель проекта «Образовательный мост» (в прошлом наша соотечественница, выпускница Ленинградской консерватории), подготовила интересный концерт-лекцию на тему Холокоста.

Но главной «изюминкой» фестиваля стал приглашенный «в гости» в консерваторию театр. 9 мая в Рахманиновском зале состоялся показ спектакля «Надежда, Вера и Любовь» режиссера Екатерины Гранитовой из репертуара «Et Сetera». Присутствовавший в тот вечер худрук театра Александр Калягин отметил: «Рад тому, что искренняя, пронзительная, лирическая интонация Музыки Победы была услышана в зале».

В другой программе – концерте-спектакле «Соловьи, не тревожьте солдат…», прошедшем в рамках проекта «Открытая сцена», удачно соединились военные песни разных эпох – от Александра Вертинского до Александры Пахмутовой, и поэзия – от Давида Самойлова до Юрия Ряшенцева и Карины Филипповой. По замыслу соавторов, дирижера Александра Соловьева и актера, режиссера-постановщика Петра Татарицкого, каждая песня становилась небольшой театрализованной сценкой, где герои объясняются в любви перед разлукой, размышляют о цене жизни перед лицом смерти, о проблемах нравственного выбора.

Молодые певцы Концертного хора А. Соловьева исполняли «Где же вы теперь, друзья-однополчане?», «Хатынские звоны», «Поклонимся великим тем годам», «Смуглянку» (солисты – воспитанники Камерного хора МГК Дмитрий Волков, Мария Пигарева, Мария Челмакина, Алексей Вязников, Тарас Ясенков) без ложного пафоса, но с трогательной искренностью и увлеченностью. Главный смысл этой истории оказался вовсе не в том, чтобы романтизировать героику: все участники, знающие о войне лишь по книгам и фильмам, просто захотели самостоятельно разобраться в «мифах о России», вместе с театральными костюмами, сапогами и гимнастеркой, «примерить на себя» то время, мысли и чувства.

Это прекрасно ощутила публика в зале, стоя аплодировавшая в финале вечера. Дорого стоят и слова благодарности, произнесенные затем со сцены потомками героев Великой Отечественной войны, учредителями Фонда памяти полководцев Победы Натальей Малиновской, Эрой Жуковой, Ольгой Зотовой-Бирюзовой. Они преподнесли организаторам копию знамени Победы, водруженного над Рейхстагом, символически передав эстафету памяти нынешнему поколению.

Профессор Е. Д. Кривицкая

Диалог поколений

Авторы :

№ 5 (1307), май 2013

Если перелистать биографию Камерного хора Московской консерватории, то сразу привлекает внимание обилие имен выдающихся дирижеров, приглашавших коллектив участвовать в статусных проектах: Валерий Гергиев, Михаил Плетнев, Юрий Симонов, Владимир Юровский… Но в не меньшей степени важны творческие связи с мэтрами хорового дела: только в этом сезоне прошла целая серия мастер-классов, позволивших существенно расширить представления молодых хормейстеров о художественных тенденциях и стилях, культивируемых их старшими коллегами. Уже приходилось писать о мастер-классе Хельмута Риллинга (февраль, 2013); в марте последовали мастер-классы руководителей ведущих российских профессиональных хоров, таких как «Мастера хорового пения» (Лев Конторович), Капелла имени Юрлова (Геннадий Дмитряк), Госхор имени А. В. Свешникова (Евгений Волков), Саратовский хоровой театр (Людмила Лицова).

Инициатива интенсивного творческого обмена, принадлежащая худруку Камерного хора МГК Александру Соловьеву, нашла кульминационное завершение в апрельском мастер-классе народного артиста СССР, основателя Московского камерного хора Владимира Минина. Его обстоятельные репетиции, в том числе открытые в Рахманиновском зале, позволили достаточно ясно представить устремления маэстро и идеалы, которые он стремился внушить артистам консерваторского коллектива.

Выбор программы соответствовал направлению деятельности кафедры современного хорового исполнительского искусства: опусы Свиридова и Буцко – представителей отечественной композиторской школы, и фрагменты из «Маленькой торжественной мессы» Россини – духовная линия. Именно эти два вектора были доминантными в репертуаре основателя хора и кафедры профессора Б. Г. Тевлина.

Если суммировать впечатления, то во главу угла Владимир Минин ставит два аспекта: организацию музыкального времени (ощущение событийности каждого мгновения) и эмоциональную наполненность интерпретации. Об этом артист часто говорит в разных интервью, подчеркивая, что самое важное – это «интонирование смысла». Три миниатюры Свиридова – «Как песня родилась», «К Мэри», «Любовь святая» – Минин трактовал как театральные сценки, где каждая тесситурная группа персонифицировалась. Перед слушателями открылись колоритные страницы «деревенской» лирики, нашедшие затем своеобразное продолжение в кантате Буцко «Свадебные песни». Партитура, развивающая стилистику «Свадебки» Стравинского, ставит, наряду с поисками образных контрастов, и сложные певческие задачи, блестяще разрешенные Камерным хором.

Во втором отделении в россиниевской мессе к консерваторцам присоединился Московский камерный хор, добавив монументальности этой партитуре. Минин не увлекается аутентичными интерпретациями, «прямым звуком» и штрихом деташе в полифонии: его кредо – «чтобы выражать чувства, надо, чтобы голос трепетал». Подобный подход к западной духовной музыке, разумеется, полемичен: в этой манере не всегда возможно прочертить все мелодические изгибы и контрапунктические сплетения, особенно в таких подвижных частях как Sanctus.

Что, безусловно, роднит два коллектива – это постоянные контакты с замечательными солистами – не только певцами, но и инструменталистами. Пианистка Екатерина Мечетина, которая неоднократно выступала с Б. Тевлиным, продолжает сотрудничество и с В. Мининым: в этой программе она не только оказалась надежным ансамблистом в кантате Буцко, но и успешно заменила целый оркестр в «Маленькой торжественной мессе». Среди солистов-вокалистов особо выделялись серебристый точеный тембр сопрано Людмилы Ерюткиной в свиридовской «Любви святой» и – по контрасту – густой породистый бархат меццо Ларисы Костюк в «Свадебных песнях». Из мужских голосов – Тигран Матинян, продемонстрировавший безупречную кантилену в россиниевском Domine Deus. Приятно отметить, что молодой тенор за последние сезоны вырос в очень серьезного музыканта, стремительно и качественно осваивающего разный репертуар – от ренессансных мадригалов до немецкой романтической Lied.

Разница в несколько поколений не помешала найти общий язык патриарху отечественного хорового искусства со студентами кафедры современного хорового исполнительского искусства. Об этом красноречиво свидетельствует памятная надпись в альбоме Камерного хора МГК: «Дорогие мои будущие коллеги! Желаю вам здоровья, настойчивости и целеустремленности. С любовью, Владимир Минин».

Профессор Е. Д. Кривицкая

Фото Ирины Шымчак

В ореоле божественной радости

Авторы :

№ 3 (1305), март 2013

6 февраля в Рахманиновском зале состоялась встреча основателя Баховской академии музыки Хельмута Риллинга с педагогическим составом кафедры современного хорового исполнительского искусства и Камерным хором Московской консерватории.

Имя гуру баховского творчества особенно хорошо известно консерваторцам: памятны его мастер-классы в 1990-е годы, когда благодаря Риллингу открывались тонкости европейской манеры исполнения кантатно-ораториального наследия Баха. Нынешний визит в Московскую консерваторию стал возможным благодаря приглашению заведующего кафедрой современного хорового исполнительского искусства профессора Л. З. Конторовича. С его коллективом «Мастера хорового пения» Риллинг параллельно готовил ораторию «Сотворение мира» Гайдна, успешно прозвучавшую в Светлановском зале ММДМ.

Риллинг известен не только как выдающийся дирижер, педагог, но и как потрясающий мастер устного жанра. Со своими концертами-лекциями он объездил весь мир, и его ораторскому умению «держать зал» стоит также поучиться. Во вступительной преамбуле мэтр сам напомнил о том, как протекала работа с русскими хорами над Рождественской ораторией, Мессой си минор. «У меня сохранились воспоминания об общении с очень заинтересованными и прилежными студентами», – лукаво заметил Риллинг. Затем рассказал о хоровых традициях Германии, тесно связанных с протестантизмом, и затронул животрепещущий вопрос: «Как исполнять Баха?»

Разумеется, готовых рецептов мэтр не предложил – даже подчеркнул, что взгляды на эту проблему менялись и тема продолжает оставаться дискуссионной. «Мы видим амплитуду от предельно романтических трактовок до камерных. Стоковский, – вспомнил Риллинг, – играл транскрипции органных сочинений Баха огромным составом оркестра, и это звучало прекрасно. В Америке сейчас утвердилась традиция минимальных составов: на одну партию – один певец или инструмент. Как человек, исполнивший все сочинения Баха, скажу: “Самое важное, чтобы его музыка хорошо слушалась, чтобы была донесена ее идея”».

Затем состоялся импровизированный мастер-класс. Камерный хор МГК под управлением Александра Соловьева с воодушевлением спел заключительный хорал из «Страстей по Иоанну» Баха. Кажется, что мы уже все-все знаем и про эту музыку, и про аутентичные традиции, но встреча с гениальной личностью позволяет расслышать что-то новое и расставить свежие акценты в привычных подходах.

Думается, что событийная встреча немецкого мастера с консерваторцами заслуживала внимания не только хоровиков, но вообще музыкантов любых специальностей. Риллинг затронул и проблему помещения в контексте влияния его объема и акустики на моменты интерпретации, поговорил о темпе и выборе оптимального движения. В частности, весьма важным видится его замечание о ферматах у Баха. Глубоко воцерквленный человек, Риллинг обратил внимание, что для прихожан в Германии очевиден факт, что фермата в лютеранских хоралах – это не знак остановки, а маркировка дыхания. Соответственно, темп надо выбирать такой, чтобы хор смог спеть на одном дыхании фразу до ферматы.

Не обошлось без обсуждения вопроса о тексте хорала. Сколько бы раз ни проходили мастер-классы, касающиеся хоралов Баха, каждый раз мысль о том, что надо знать перевод текста, оказывается для российских студентов настоящим открытием. Удивительно, как живуча привычка изучать зарубежную вокальную литературу, не обращая внимания на смысловые детали и полагаясь только на интуицию.

Риллинг был настойчив и непреклонен: «Музыка оживает только тогда, когда вы знаете ее содержание, понимаете, что хотел выразить Бах, используя те или иные слова и эпитеты». Детально объяснив потаенный смыслы хорала «Господь, по-ангельски дозволь…», проработав фактуру и «вытащив» все риторические фигуры, Риллинг затем вновь исполнил с Камерным хором это произведение, теперь овеянное золотым блеском божественной радости.

Профессор Е. Д. Кривицкая

Великий созидатель

Авторы :

№ 6 (1299), сентябрь 2012

Начало нового учебного года ознаменовалось концертами памяти дорогого профессора, народного артиста России Бориса Григорьевича Тевлина. Он ушел из жизни 2 июля, за десять дней до своего 81-летия, и прощалась с ним буквально вся Россия. О горестном событии сообщили центральные газеты, телеканалы, новостные ленты в интернете: ведь деятельность Бориса Григорьевича в последние годы обрела действительно всероссийский масштаб.

Основав в 1994 году Камерный хор Московской консерватории, он вывел его на ведущие позиции: коллектив задорных консерваторцев гастролировал по всему миру, пользовался благосклонностью крупнейших дирижеров наших дней. А в 2008 году Тевлин параллельно возглавил Государственный академический русский хор имени А. В. Свешникова, по статусу – первый хоровой коллектив страны. Работал деятельно, плодотворно, буквально вдохнув в Госхор новые силы. Много гастролировал с певцами по России, причем в программы включал самые сложные партитуры современных композиторов. Надо было видеть, с каким вниманием люди слушали и «Боярыню Морозову» Р. Щедрина, и хоры Р. Леденева, Ю. Фалика, А. Чайковского… Концерты заканчивались неизменными стоячими овациями, за которыми обязательно следовало «третье отделение» – «бисы».

В Московской консерватории Б. Г. Тевлин также был всегда в эпицентре событий. Будучи по натуре великим созидателем, в 2011 году он стал инициатором создания новой кафедры – «современного хорового исполнительского искусства». Борис Григорьевич позаботился о том, чтобы сплотить вокруг себя профессионалов-единомышленников. И теперь традиции и заветы Учителя продолжают его ученики. Они и воплотили в жизнь последние задумки Б. Г. Тевлина – концертные программы, запланированные на нынешний год.

29 августа, еще до официального открытия сезона, Большой зал консерватории распахнул двери для мемориального вечера памяти известного хорового дирижера И. Г. Агафонникова: ему в эти дни исполнилось бы 80 лет. С Камерным хором выступил Александр Соловьев, а с Госхором – Евгений Волков: оба музыканта все последние годы были ближайшими соратниками Маэстро, они же и возглавили теперь тевлинские коллективы.

Каждый из дирижеров – самодостаточная артистическая индивидуальность. Их профессионализм и владение хоровым ремеслом подкреплены содержательно: им есть, что сказать людям, они могут зажечь зал своими музыкальными идеями. Е. Волков обнаружил несомненную склонность к театрализации: многие сочинения трактовались им как драматические сцены, например, эффектный хор Архангельского «Блажен разумевайя» (солист А. Николаев). А. Соловьев более лиричен в своих интерпретациях. С замечательной теплотой прозвучал у него хор П. Чеснокова «Блажен муж» (солист М. Давыдов), трепетно и проникновенно – знаменитое рахманиновское «Тебе поем» (солистка – М. Челмакина). А хор В. Кикты «Как за церковью, за немецкою» стал настоящим реквиемом и запомнился точно рассчитанными кульминациями и динамическими контрастами.

Символичным было совместное исполнение Госхором и Камерным хором сочинений Р. Щедрина («Тиха украинская ночь») и В. Агафонникова («Вокализ»): хоровое братство не должно распадаться, оно приносит зрелые творческие плоды. Было заметно великолепное звучание обоих коллективов. Требующая глубины духовная музыка и сложнейшие современные произведения были выучены досконально, с той дотошностью и основательностью, которые были «фирменным» стилем Б. Г. Тевлина, а теперь и его преемников.

С Камерным хором (2008)

6 сентября, спустя неделю, в Большом зале состоялся большой мемориальный концерт, посвященный Б. Г. Тевлину. Его открыл ректор Московской консерватории профессор А. С. Соколов теплым приветственным словом об ушедшем Художнике. Дань памяти выдающемуся музыканту в этот вечер отдавал художественный руководитель Госоркестра имени Е. Ф. Светланова и Лондонского филармонического оркестра Владимир Юровский, один из ярких дирижеров современности. Блестящие страницы их музыкальной дружбы – это участие Камерного хора в фестивалях В. Юровского в Лондоне, в программах Российского национального оркестра в Москве… После исполнения «Истории доктора Иоганна Фаустуса» А. Шнитке Юровский написал маэстро: «Огромное спасибо замечательному Камерному хору Московской консерватории за чудо, произошедшее сегодня в Лондоне, – чудо по имени Фауст! Без вас все это не было бы возможным! Спасибо! С нетерпением жду новых встреч, с любовью, Владимир Юровский».

В первом отделении чередовались симфонические и хоровые номера, объединенные траурной тематикой. Перед началом В. Юровский предложил публике не аплодировать после первых двух пьес Моцарта: «Я верю, что дух Бориса Григорьевича сегодня с нами. Послушаем тишину!»… Проникновенную молитву в память о Б. Г. Тевлине вознес Камерный хор под управлением А. Соловьева, исполнив вторую часть кантаты «Иоанн Дамаскин» Танеева и Концерт для хора Вик. Калинникова. А «Мастера хорового пения» под управлением Л. Конторовича почтили память Артиста духовными сочинениями Архангельского и Голованова.

«Реквием» Моцарта во втором отделении был символичным: Б. Г. Тевлин сам продирижировал этой великой партитурой в прошедшем сезоне, и его интерпретация поразила величественным трагизмом, словно музыкант незримо для нас заглядывал в Вечность. Трактовка В. Юровского, разумеется, была иной: по-европейски выточенной, стремительно-витальной, лишенной всякой слезливости. Объединившись вместе, Камерный хор и «Мастера хорового пения» точно и четко следовали руке дирижера, ни на миг не теряясь в лабиринтах моцартовской полифонии…

Открывая вечер, А. С. Соколов зачитал строки из письма Родиона Щедрина, большого друга ушедшего Музыканта: «Борис Тевлин был выдающимся и пытливым музыкантом. Великим тружеником, педагогом и Учителем с большой буквы, блестящим организатором, верным, надежным другом. Моя память до конца моих дней будет хранить о нем самые светлые и добрые чувства…»

Профессор Е. Д. Кривицкая