№9 (1401), декабрь 2023 года

Проект «Возрождение русской оперной классики» стал доброй традицией в жизни Московской консерватории. Идея его создания возникла в период подготовки к празднованию 150-летия нашей Alma Mater. Первым сочинением, возвращенным на сцену в 2016 году, стала мелодрама Евстигнея Фомина «Орфей» – уникальное произведение конца XVIII столетия. В 2017 году была воссоздана опера Дмитрия Бортнянского «Сын-соперник». Одноактная опера Антона Аренского «Рафаэль» продолжила проект в 2019 году. Следующим спектаклем был «Карантин» – комическая опера-водевиль Алексея Верстовского. В 2022 году навстречу 150-летию со дня рождения Сергея Рахманинова публике была показана опера «Скупой рыцарь». В этому году перед слушателями открылся простор подлинной русской древности и средневековой архаики: 7 ноября на сцене Большого зала, спустя более века после премьеры в 1903 году, ожила древняя легенда о чудесном спасении града Китежа от нашествия войска Батыева – прозвучала воссозданная опера Сергея Никифоровича Василенко «Сказание о граде Великом Китеже и тихом озере Светояре».

Забытое однажды и, как оказалось, надолго, произведение вновь зазвучало там, где оно родилось 120 лет назад – в стенах Московской консерватории. Творческий коллектив под руководством заведующей кафедрой истории русской музыки, профессора И.А. Скворцовой, автора и вдохновителя проекта «Возрождение русской оперной классики», дал новую жизнь сочинению С.Н. Василенко.

Сергей Никифорович Василенко (1872–1956) принадлежит к числу русских композиторов, которые, переступив исторический рубеж 1917 года, продолжили профессиональную деятельность на родине. Талантливый композитор, дирижёр и педагог, окончивший юридический факультет Московского университета в 1895 году, а затем Московскую консерваторию по классу свободного сочинения профессора М.М. Ипполитова-Иванова, Василенко впитал лучшие традиции нашей Alma mater от своих учителей – С.И. Танеева (контрапункт, фуга, форма), В.И. Сафонова (хоровой класс), Д.С. Шора (фортепиано), И.Н. Протопопова и Г.Э. Конюса (теоретические предметы). Сразу после окончания консерватории Василенко стал дирижером в Московской частной русской опере С.И. Мамонтова, в 1907–1917 годах дирижировал серией учрежденных им общедоступных Исторических концертов, с 1925 года принимал участие в организации радиотрансляций классической музыки, был одним из инициаторов создания музыкальной редакции Всесоюзного радио.

Василенко проявлял большой интерес к русской народной песне, к поэзии Древней Руси. Под руководством С.В. Смоленского изучал крюковое пение, образцы которого использовал в Первой симфонии (1906). В предреволюционные годы увлекся эстетикой символизма (симфоническая поэма «Сад смерти» по О. Уайльду, 1908). Затем испытал влияние импрессионизма, стремился к красочности и изысканности оркестрового стиля. Особое место в творчестве Василенко принадлежало образам Востока («Экзотическая сюита» для голоса и инструментального ансамбля, 1916). С.Н. Василенко – автор 9 опер, 8 балетов, 5 симфоний, хоровых и камерных произведений, а также обработок русских народных песен. Писал он и сочинения для духовых и народных инструментов, более 200 романсов, музыку к драматическим спектаклям, а в возрасте 60 лет начал сочинять музыку к «первенцам» советской киноиндустрии.

Круг общения Василенко был обширен: ему довелось лично знать П.И. Чайковского, Ф.И. Шаляпина, Л.В. Собинова, А.К. Лядова, А.К. Глазунова…  Около 50 лет жизни Сергей Никифорович отдал Московской консерватории. С 1906 года он преподавал композицию и инструментовку, а с 1932 и до кончины в 1956 году – заведовал кафедрой инструментовки. В 1943 году, в разгар Великой Отечественной войны, ему была присуждена ученая степень доктора искусствоведения. Среди учеников Василенко – А.В. Александров, А.Н. Александров, Н.С. Голованов, Д.Р. Рогаль-Левицкий, Н.А. Рославец, Ю.А. Фортунатов, П.Г. Чесноков, А.И. Хачатурян.

Музыкально-драматический эпизод «Сказание о граде Великом Китеже и тихом озере Светояре» стал дипломной работой Василенко – студента Московской консерватории, которую он окончил с малой Золотой медалью. Для молодого композитора это был первый серьезный опыт написания крупного полотна. Изначально автор трактовал произведение как кантату, исключающую сценичность. После исполнения на выпускном экзамене комиссия во главе с В.И. Сафоновым способствовала ее премьере в будущем концертном сезоне, и 16 февраля 1902 года «Китеж» Василенко был впервые исполнен в концерте Симфонического собрания Московского отделения Императорского русского музыкального общества. 

Публика тепло приняла сочинение, газеты подчеркивали его музыкальные достоинства, о недавнем студенте писали, как о «Новом русском композиторе» – таково название статьи Н.Д. Кашкина, опубликованной в «Московских ведомостях»: «Мы не можем перечислять в музыке отдельные замечательные эпизоды, ибо их слишком много, но скажем вообще, что Сказание г. Василенко представляет настолько выдающееся явление в русской музыкальной литературе, что оно одно может дать имя своему автору». В других рецензиях был отмечен новый прием, который редко применялся в то время – пение хора с закрытым ртом. Так, Ю. Энгель в «Русских Ведомостях» за 18 февраля 1902 года написал, что Василенко «несомненно обладает даром изобретения: мелодии его красивы и певучи; гармонии не шаблонны; на всей музыке, по общему характеру примыкающей к Бородину и позднему Римскому-Корсакову, лежит отпечаток свежести и благозвучия […] Автор в конце заставил […] всю хоровую массу петь с закрытым ртом, что дает своеобразное и сильное впечатление, – точно пение доносится действительно откуда-то из-под воды». Эта премьера сделала Сергея Василенко знаменитым, и он принимает предложение М.М. Ипполитова-Иванова преобразовать кантату в одноактную оперу. 

Заметим, что «Китеж» Василенко появился на пять лет раньше, чем хорошо известная всем опера Н.А. Римского-Корсакова на тот же сюжет. И концепции двух «Китежей» различны. Как известно, древняя китежская легенда восходит к XIII веку и имеет три варианта окончания: первый – средневековый град опускается на дно озера Светояр (именно этот финал выбирает Василенко); второй – град становится невидим, но стоит на земле, отражаясь в озере; и третий вариант – он поднимается на небо, охваченный золотистым свечением (так у Римского-Корсакова). В отличие от Василенко, Римский-Корсаков пишет лирическое полотно с элементами эпоса, героических и фантастических мотивов народной поэзии. В его опере переплелись две легенды: о невидимом граде Китеже и о святой Февронии Муромской. Замысел оперы композитор вынашивал долго, но из-за отсутствия либретто, которое бы его устроило, дальше набросков дело не шло. В сентябре 1902 года, Николай Андреевич даже послал стих своему либреттисту В.И. Бельскому: «Вянет лист,/Проходит лето,/Мокрый снег валится,/От неймения либретто/Можно застрелиться». Пройдет еще год, прежде чем летом 1903-го Римский-Корсаков начнет активно работать над созданием музыки.

Тем временем, в течение 1902 года, шла подготовка нового представления «Китежа» Василенко: Н.А. Маныкин-Невструев расширил изначальный текст либретто, партитура была дополнена новыми ансамблевыми номерами и антрактом ко второй картине. Аполлинарий Васнецов, младший брат знаменитого художника В.М. Васнецова, создал эскизы декораций к опере. В период сочинения «Китежа» Василенко погружается в изучение древнерусской певческой культуры под руководством профессора Московской консерватории и директора Синодального училища церковного пения С.В. Смоленского.

Премьера оперы состоялась 22 марта 1903 года в московском Солодовниковском театре под управлением М.М. Ипполитова-Иванова. Партитура не была издана, и с того момента более столетия опера не видела театральной сцены. В чем же причина такого забвения? Возможно, в том, что требования оперного сценического жанра обычно предполагают более динамичное развитие сюжета, а в интерпретации Василенко активное действие, столкновение и борьба отсутствуют. Музыкальные достоинства сочинения и великолепные декорации А.М. Васнецова отсылают к русской былинности, с ее неспешностью и красочностью. В первой картине повествование ведет Гусляр, нет драматического столкновения русских с татарами, враги показаны обобщенно, что вполне в русле традиции, идущей от опер Глинки. 

Органично вписываясь в контекст русской оперной классики XIX века, опера Василенко воплощает сюжет, интерес к которому возрос в контексте Серебряного века. Нынешнее концертное исполнение оперы в Большом зале сопровождалось видеорядом в духе китежской легенды: на огромном экране, размещенном над сценой, проплывала череда картин и образов Древней Руси, ее природы, Китеж-града, волшебного озера Светояра и Батыева войска.

Камерный оркестр МГК под управлением Народного артиста России, доцента Ф.П. Коробова и Камерный хор Московской консерватории под руководством профессора А.В. Соловьёва – неизменные участники проекта «Возрождение русской оперной классики». Оркестровое письмо Василенко тяготеет к традициям Римского-Корсакова, в вокальных партиях и хоровой строке очевидно присутствие кантатного стиля Танеева. И в трактовке дирижера-постановщика музыка Василенко сохранила те музыкальные достоинства, о которых писали рецензенты столетие назад: баланс кантатно-эпического и оперно-диалогичного компонентов. Яркие симфонические эпизоды рисовали пейзаж озера Светлояр в 1-й картине, городскую площадь в ночном свете, стремительное появление татар и исчезновение Китежа во 2-й картине, образ спасенного города в 3-й картине. Хору были поручены сразу три характеристики – иноки, народ Великого Китежа и «татары войска Батыева». Каждая из них, рельефно написанная Сергеем Василенко, была так же искусно исполнена. Убедительно прозвучали интонации знаменного распева в хоре иноков и марш вражеского войска с интересным использованием пентатоники. Для характеристики татар композитором была избрана подлинная татарская мелодия.

Солисты Большого театра и Музыкального театра им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко ярко представили главных героев. Рассказ седого Гусляра о городе «в глуби Светояровой» и его жителях, вспоминающих «о чуде неслыханном, что над Китежем градом случилося» в исполнении Владимира Дмитруказахватил внимание зала. Ярко и искусно прозвучали партии князя Георгия (Федор Костюков), княгини Евпраксии (Екатерина Лукаш), княжича (Михаил Басенко) и его невесты (Наталья Петрожицкая). 

Так, на крепкой и почвенной основе в начале XX века, с его ожиданием катастрофы и переплетением множества новых тенденций в искусстве, возникло яркое патриотическое произведение. Возрождением «Сказания о граде Великом Китеже и тихом озере Светояре» в 2023 году творческий коллектив отдал дань памяти талантливому композитору, профессору Сергею Никифоровичу Василенко, посвятившему Московской консерватории всю свою жизнь.

Доцент Н.В. Гурьева, студент НКФ Виктор Череповский

Фото Дениса Рылова

№4 (1387), апрель 2022 года

Вы задумывались, как живет духовная музыка в реалиях нашей бурной и быстро меняющейся современной жизни? Как исконно русская церковно-певческая традиция влияет на новые поколения молодых композиторов? Каково отношение Русской православной церкви к современному духовно-музыкальному творчеству? Эти вопросы оказываются на пересечении научных осмыслений музыковедов с творческими исканиями композиторов и исполнителей. Они созвучны тем поискам, которые много десятилетий продолжаются в поэзии и литературе, в смежных видах искусства: живописи, графике, архитектуре. Духовность – это, конечно, и философская категория, восприятие и осмысление которой меняется в каждую эпоху.

MUSICA SACRA NOVA – так называется новый многолетний масштабный проект, которому был дан старт 16 февраля 2022 года в стенах Московской консерватории. В этот день состоялся первый концерт цикла: «Musica sacra nova. Духовная музыка Второго авангарда». На инициативу Фонда Николая Каретникова осуществить исполнение духовных сочинений композиторов-шестидесятников для хора a cappella откликнулись Молодежный хор НТЦ церковной музыки при кафедрах хорового дирижирования и истории русской музыки Московской консерватории, а также Мужской хор Alexios.

В творческом диалоге директора Фонда Антона Каретникова, сына композитора, с руководителем НТЦ церковной музыки Наталией Гурьевой, главным дирижером Молодежного хора центра Михаилом Котельниковым, хормейстером Мужского хора Alexios Вячеславом Половяновым и куратором концерта, преподавателем кафедры хорового дирижирования Сергеем Терентьевым возникла идея украсить музыкальный вечер выставкой работ мистической живописи и графики художников того же поколения. Решено было предложить широкому слушателю и консерваторскую площадку для диалога – организовать живую и неформальную дискуссию о современной духовной музыке, поэзии, живописи, графике, их взаимовлияниях и пересечениях с современными философскими воззрениями и богослужебной практикой.

Эта идея заинтересовала многих, и к участию подключились проф. М.С. Высоцкая, преп. В.В. Тарнопольский, доц. Р.А. Насонов. К разговору пригласили не только музыковедов, композиторов и исполнителей, но и художников, поэтов, переводчиков, критиков, священнослужителей, регентов и, конечно, слушателей. Так, совместными усилиями Фонда, двух Научно-творческих центров и нескольких кафедр Московской консерватории стартовал грандиозный проект Musica sacra nova.

16 февраля получился, действительно, насыщен событиями и богат на эмоции. Международный Круглый стол собрал огромное количество участников, как очно – в Конференц-зале, так и онлайн – в Виртуальном конференц-зале консерватории (см. в статье «В мыслях о новой сакральности»). Модераторы диалога (Н.В. Гурьева и В.В. Тарнопольский) предложили собравшимся порассуждать на темы: Какова роль духовной музыки в современной музыкальной и, шире, культурной жизни России? В чем специфика существования духовной музыки в эпоху государственного атеизма в советский период? Как сейчас, в третьем десятилетии XXI века, выглядит диалог с церковной музыкальной традицией, и возможно ли исполнение духовной музыки, не предназначенной для богослужения, в православных храмах сегодня? Нельзя было обойти вниманием и тему «Musica sacra nova и современная молодежь».

По окончании дискуссии, в 18:00, в Выставочном зале Московской консерватории при поддержке галереи «Веллум» (основатель Любовь Агафонова) и Музея Анатолия Зверева открылась выставка «Ars sacra nova. Мистическая живопись и графика художников-нонконформистов». Были представлены экспонаты из собрания этих галерей и частных коллекций – более тридцати графических и живописных работ выдающихся художников-«шестидесятников»: Оскара Рабина, Владимира Вейсберга, Владимира Стерлигова, Владимира Яковлева, Михаила Шварцмана, Владимира Янкилевского, Михаила Гробмана, Эдуарда Штейнберга, Анатолия Зверева, Валентины Кропивницкой, Дмитрия Плавинского, Игоря Ворошилова и др. Три недели студенты, преподаватели и слушатели всех концертов, проходивших в Малом зале, могли знакомиться с ее экспонатами – шедеврами художников-нонконформистов.

А вечером в Малом зале состоялся первый концерта цикла «Musica Sacra Nova. Духовная музыка второго авангарда». Впервые все эти опусы композиторов-«шестидесятников» самых разных эстетических взглядов и направлений, условно объединяемых термином «Второй русский авангард», были представлены в рамках одного вечера.

Со вступительным словом выступила поэт, филолог и переводчик Ольга Седакова. Она прочла отрывок из стихотворения (1930) признанного классика новейшей европейской литературы, французского поэта XX века Поля Клоделя, в ее переводе:

Когда поднимается ветер, все мельницы 

крутятся, как одна.

Но есть другой ветер: Дух, который гонит 

перед собой народы и племена

И который после длительного затишья встает

и треплет человеческий пейзаж до окоёма!

Мысль во всех концах земли вспыхивает, как солома!

Что-то похожее, по мнению О.А. Седаковой, случилось и у нас в середине 60-х годов XX века. В стране победившего атеизма и материализма поднялся этот «другой ветер»: «Он, конечно, коснулся не всех, совсем немногих, но зато какие это были люди, какие авторы!» У каждого из них была своя история личной встречи с верой и Богом. «Им открывалось нечто совершенно новое, – продолжает О. Седакова, – новые смыслы, по-другому виделась картина жизни: и настоящего, и истории». 

Символично, что концерт открылся сочинением Николая Каретникова, посвященным памяти Бориса Пастернака: «Восемь духовных песнопений для мужского хора» (1969–1989). Его исполнил Мужской хор Alexios (худ. рук. М. Котельников, хормейстер – В. Половянов). «Путь Пастернака к Богу» – так сам автор говорил о своем сочинении. Цикл написан на тексты Ветхого и Нового Заветов при духовном наставничестве отца Александра Меня. 

Затем, на суд слушателей был представлен Духовный концерт Николая Сидельникова для смешанного хора, сочиненный композитором на тексты служб Великого Поста, за полтора года до смерти. Его исполнил Молодежный хор Научно-творческого центра церковной музыки Московской консерватории (худ. рук. проф. Л.З. Конторович, дирижер М. Котельников). 

Программу второго отделения украсили сочинения Арво Пярта «Богородице Дево» и «Два славянских псалма». На творческое и личное мировоззрение композитора повлияло общение с архимандритом Софронием (Сахаровым), учеником и биографом афонского схимонаха преподобного Силуана. Опусы Пярта каноничны и церковны – и по форме, и по содержанию. 

Контрастом к ним прозвучал «Свете тихий» Эдисона Денисова. Он говорил, что главное в духовной музыке – нести свет людям: «Lux aeterna – свет истины, свет вечности». Гимн Спасителю, явившему человечеству тихий свет божественной славы, поется сейчас на вечернем богослужении. В древности этот момент совпадал с закатом солнца, и в храме зажигали свечи, а люди благодарили Господа за прожитый день. Из последования православной вечерни Э. Денисов берет только текст и сочиняет к нему собственную музыку, которая стилистически очень напоминает древнерусское гетерофонное многоголосие – троестрочие. Он привносит в партитуру и элементы западноевропейского мотета (имитации, инверсии), а в кульминации доводит число голосов до девяти – звучат три с половиной октавы! Использован прием ротации тематического материала, а это уже признак додекафонной техники. Так, композитор словно перекидывает арку от музыки эпохи Возрождения к современности.

Были также исполнены «Три духовных хора» Альфреда Шнитке на тексты православного Обихода, пожалуй, единственное духовное сочинение композитора, которое может быть исполнено в православной Литургии, за богослужением. В стилистике «Трех хоров» отразилось авторское кредо в отношении церковной музыки: по его словам, «цитирование или псевдоцитирование [древних распевов – Н.Г.], стилистически ограничивающее, есть обязательная вещь не потому, что это лицемерная демонстрация твоей кротости, а потому, что по сути дела это означает, что ты сознаешь необходимость моральных ограничений, которые ты сам себе должен ставить. Ты должен ежесекундно быть выше себя» (из книги «Беседы с Альфредом Шнитке»).

В завершении вечера хор исполнил «Две рождественские колыбельные» Валентина Сильвестрова. В окружении множества авангардных, а иногда и эпатирующих публику опусов, соревнующихся между собой в оригинальности, партитуры Сильвестрова и их стиль «новой простоты» производят незабываемое впечатление. В них композитор обращается к самым светлым сторонам человеческой натуры, к лирико-созерцательному состоянию души и спокойному течению мыслей. 

В литургической практике христиан музыкальное оформление молитвы издревле было и по сей день является устойчивой многовековой традицией. Эта традиция – церковно-певческий канон – всегда остается «живым организмом», который как сохраняет лучшие черты ушедших эпох, так и постоянно впитывает стилевые элементы современности. Один из древнейших элементов канона – пение a cappella.

Все опусы первой концертной программы Musica sacra nova с этой точки зрения традиционны и каноничны. Но возникает вопрос: всегда ли именно следование канону и только ли оно позволяет нам отделить священное от несвященного, церковное от нецерковного, духовную музыку от светской? Несомненно, на наш взгляд, одно: обращение к церковной тематике и литургическому тексту, внутренний поиск света, Бога и добра, правды и морального стержня, человечности в повседневной жизни, либо, наоборот, уход от этой действительности в создаваемый композитором лучший мир – все это явные признаки неравнодушного отношения автора к миру и к своей собственной жизни. Очень часто именно так композитор приходит к вере, позволяя нам расслышать личный, сакральный путь познания истины. А сакральность в любом искусстве несет миру исключительную значимость, непреходящую ценность и требует благоговейного к себе отношения.

Доцент Н.В. Гурьева, руководитель НТЦ церковной музыки МГК

Фото Дениса Рылова

№4 (1387), апрель 2022 года

Круглый стол на тему Musica Sacra Nova открылся приветствием проректора по научной работе, доктора искусствоведения, профессора К.В. Зенкина: «Эта тема предполагает не просто ряд научных вопросов, а целый комплекс, целый «узел» самых животрепещущих научных проблем, причем не только музыковедческих, но и историко-культурных, историко-философских… Что такое священное, духовное? На этот вопрос даются совершенно разные ответы: с одной стороны, представителями мировых традиционных религий, с другой стороны – представителями внерелигиозной мистики. Это очень сложная тема и даже совсем пока еще не музыковедческая, просто историко-культурная. Авангард, теперь уже не только авангард, но и постмодерн, и метамодерн… этот открытый ряд будет все время привлекать наше внимание».

В своем напутственном слове зав. кафедрой хорового дирижирования, профессор Л.З. Конторович рассказал о многолетнем опыте исполнения нашими консерваторскими хоровыми коллективами православной и западноевропейской духовной музыки. Он также отметил, что современная музыка, которая написана, учитывая каноны православной службы, может исполняться во время службы: «Те композиторы, которые желают, чтобы их музыка зазвучала в Церкви, должны придерживаться канонов. Если эта музыка содержит настоящее, высокое по мысли и содержанию, то мы ее с удовольствием, как исполнители, будем петь».

О духовной музыке Н.Н. Сидельникова в завершении жизненного пути рассказала доктор искусствоведения, профессор кафедры теории музыки Г.В. Григорьева. Профессор ГИТИСа, доктор искусствоведения А.А. Баева поделилась мыслями о дилогии Н. Каретникова в контексте времени и места. С текстологическим анализом духовных песнопений композитора выступил куратор проекта, хоровой дирижер С.С. Терентьев. Отдельные замечания о специфике композиций для исполнения на клиросе высказала доктор искусствоведения, профессор кафедры истории русской музыки Т.А. Старостина, сопроводив свое выступление фрагментами сочинений, написанных для клироса игуменом Силуаном (Тумановым) и регентом, основателем Московских православных регентских курсов Е.С. Кустовским.

О жанрово-стилевых особенностях в творчестве Софии Губайдулиной рассказала кандидат искусствоведения, профессор кафедры хорового дирижирования Н.В. Кошкарева. Музыковед и независимый исследователь из Берлина Т.И. Фрумкис задалась вопросом – к какой традиции отнести, так называемые, «сакральные» сочинения: языческой, православной, католической, протестантской, экуменической? Личным 35-летним опытом духовно-музыкального творчества поделился композитор, доцент кафедры композиции РАМ им. Гнесиных А.И. Микита. О музыке как средстве богообщения порассуждал кандидат искусствоведения, доцент кафедры истории зарубежной музыки Р.А. Насонов.

В диалог с музыкантами включились и представители смежных видов науки и искусства. Поэт, филолог, переводчик, старший научный сотрудник Института мировой культуры (МГУ), член Амвросианской академии, кандидат филологических наук О.А. Седакова рассказала о «Новой религиозности» в европейской поэзии XX века и поэзии русского андеграунда. Искусствовед, коллекционер, основатель галереи «Веллум», почетный академик РАХ, куратор выставки Musica Sacra Nova, исследователь творческого наследия художников-символистов и художников Второго авангарда Л.Л. Агафонова представила чашно-купольную систему живописи Владимира Стерлигова. Ее рассуждения хочется привести:

«Второй авангард был прямым потомком Первого… Неотъемлемой чертой этого явления был синтез поэзии, музыки, текста и пластического осуществления философских изысканий молодых художников… Так, художник и поэт Игорь Ворошилов сформулировал поэтико-философскую концепцию о художнике-творце, рукой которого водит Бог, а ученик Малевича Владимир Стерлигов создал чашно-купольную теорию существования мира, в которой жертвенная чаша, отдав жертву Богу, переворачивается и защищает, став куполом. Все эти теории сегодня кажутся несколько наивными, надуманными, прямолинейными. Но, находясь в условиях религиозного вакуума, не имея практически никаких теологических источников, поэты и художники были искренни в своих изысканиях… [они] преследовали единственную цель, совсем не политическую, – создать идеальный гармоничный мир».

О музыке современных авторов в богослужебной и концертной жизни Феодоровского собора Санкт-Петербурга говорил Я.А. Стародубцев – руководитель храмового выставочного пространства «Арт-Фео», бакалавр теологии, член правления Союза музыкальных деятелей Санкт-Петербурга, член правления Гильдии храмоздателей, художественный руководитель и директор студии иконописи и дизайна «Артодокс». Продолжить диалог и расширить спектр обсуждаемых проблем, сопоставив тенденции и течения в европейской духовной музыке, побудил собравшихся музыковед из Ростовской консерватории имени С.В. Рахманинова К.А. Жабинский. Его рассуждения об опыте постижения «тайны святости и Бога» Э. Артемьевым в композиторской транскрипции органной хоральной прелюдии Баха Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ зачитала и прокомментировала доктор искусствоведения, профессор М.С. Высоцкая. 

«Очень важно, что Фонд Каретникова смог проявить такую инициативу – обобщил происшедшее в целом его исполнительный директор А.Н. Каретников. – Мне кажется, что это вообще начало хорошей традиции… Все, конечно, занимаются своими делами, но, посмотрите, если все объединяются, какие интересные результаты! У Консерватории потрясающие возможности с вашим научным потенциалом, профессорами и с исполнителями. Первый шаг был самый очевидный: подойти к разговору об этой закрытой, специальной, «капсульной» (я бы так ее назвал) ветви русского авангарда – литургической музыке композиторов-нонконформистов. Мы начали с «шестидесятников», потом будут и «семидесятники», и «восьмидесятники», и перейдем к началу века, к современным авторам… Так что планы у нас большие. Я надеюсь, что наша идея окажется удачной, и она продолжится не один год…»

Доцент Н.В. Гурьева

Фото Дениса Рылова

№2 (1385), февраль 2022 года

Текущий музыкальный сезон ознаменован важной для отечественной музыкальной культуры датой – 100-летием со дня рождения одного из крупнейших трубачей XX века, изменившего представление об исполнительстве на духовых инструментах: Тимофея Александровича Докшицера (1921–2005). 10 января 2022 года в Рахманиновском зале состоялся концерт, которым кафедра медных духовых и ударных инструментов Московской консерватории почтила память выдающегося музыканта современности. Это событие увенчало череду юбилейных торжеств 2021 года, объявленного коллективным решением Президиума Ассоциации «Духовое общество имени Валерия Халилова» годом Тимофея Докшицера.

Тимофей Докшицер был легендарным трубачом. Дирижер и педагог, выпускник Московской консерватории (1957), Народный артист РСФСР, профессор, инициатор создания Российской гильдии трубачей – он был удостоен титула пожизненного члена Совета директоров Всемирной гильдии трубачей (ITG), наряду с Луи Давидсоном и Рональдом Шилке. Одна из крупнейших фирм-производителей музыкальных инструментов Vincent Bach долгое время выпускала мундштуки серии TD (Timofey Dikshizer), а сегодня имя Докшицера носят учебные заведения, фестивали и конкурсы.

Исполнения Тимофея Александровича стали эталонными, а пластинки и диски с его записями до сих пор слушают как образцы, на которые молодым стóит равняться. Его труба звучала как скрипка – певуче и выразительно, она порой вторила человеческому голосу, «пела» со свойственной инструменту серебристостью, яркостью и тембровым многообразием. Об игре Докшицера и его трубном belcanto говорили, что звучание королевского инструмента в руках этого мастера освещало зал радостью, заполняло вокруг себя все пространство и заставляло сердца слушателей резонировать с ним на одной волне.

Пресса единодушно отмечала красоту тона, пластичность фразировки и ювелирную отточенность его техники. Докшицер поднял трубу на пьедестал, доказал, что это не только великолепный оркестровый тембр, но и виртуозный солирующий инструмент. «Будучи музыкантом до мозга костей, он буквально заставляет жить свой инструмент. Чудная техника позволяет ему всецело сосредотачиваться на интерпретации музыки», – напишет о его игре швейцарский журнал Brass Bulletin. «Докшицер умеет петь на своем инструменте с особой теплотой, элегантностью, нежностью и мягкостью, играть с такой быстротой и ловкостью, словно он виртуознейший скрипач. Ему подчиняются вихревые, ураганные пассажи; его техника удивительна…» – из отзыва в американской газете The New York Sun.

Докшицер воспитал более ста музыкантов-профессионалов, давал многочисленные мастер-классы в нашей стране и за рубежом. В репертуар Тимофея Александровича входили как классические сочинения для трубы, так и произведения, написанные специально для него А. Пахмутовой, Э. Тамбергом, М. Вайнбергом, А. Арутюняном и многими другими композиторами. Создатель уникальной нотной «Антологии для трубы», Докшицер был талантливым аранжировщиком различной инструментальной и вокальной музыки, которую он адаптировал для своего инструмента. Великому музыканту посвящали стихи и живописные полотна.

В память о Тимофее Александровиче Докшицере программа первого в 2022 году кафедрального концерта была составлена из действительно виртуозных сочинений для медных духовых и ударных. Сцена Рахманиновского зала в этот вечер была украшена новогодними декорациями, которые еще больше подчеркивали праздничность мероприятия. Зал был полон: пришли семьями, многие привели с собой детей. И это неудивительно, ведь концерты с участием медных инструментов становятся все популярнее.

Кафедра под руководством профессора Э.Б. Юсупова определила концепцию концерта так, чтобы публике представилась возможность услышать все разнообразие медных духовых и ударных. Акцент был сделан на ансамблевой игре – на совместном музицировании, в масштабном концерте приняли участие более пятидесяти человек: солисты, «Хор тромбонистов» под руководством А.В. Старкова, «Хор тубистов» класса С.Ф. Бармина. Выступления сопровождались интересными экскурсами ведущего А. Водопьянова, который легко и свободно дополнял и комментировал происходящее на сцене.

Концерт традиционно открыла вступительная фанфара, придавшая торжественность праздничному вечеру. Первое отделение было насыщено яркими сольными номерами студентов. В их исполнении прозвучали виртуозные произведения А. Дезенкло, Ф. Хидаша, С. Прокофьева, А. Попла, М. Дэвиса, В. Пескина, Дж. Стивенса. Закончилось отделение феерическим выступлением брасс-квинтета Московской консерватории.

Вторая часть вечера началась выходом на сцену ансамбля ударных инструментов, которые исполнили эффектное Trio per uno сербского композитора и перкуссиониста Н. Живковича, очаровав слушателей своим задором и мастерством владения инструментами. Следующим вышел давно полюбившейся слушателям лауреат международных конкурсов и фестивалей – Большой брасс-ансамбль под руководством Ярослава Белякова. В этот вечер выступление коллектива сложилось в яркую, интересную программу, которая продемонстрировала многообразие медных духовых инструментов и богатейшую палитру их технических возможностей. Особый интерес у публики вызвало то, что солистами, выступавшими с ансамблем, были не только студенты, но и преподаватели кафедры – музыканты ведущих оркестров и театров. 

В этот вечер солировали: преподаватели Артур Арзуманов (валторна) и Сергей Бармин (туба), доцент Алексей Корнильев (труба) и профессор Эркин Юсупов (тромбон). Коллективное музицирование студентов и педагогов несомненно дает возможность молодому поколению перенимать практический опыт своих учителей. Такая совместная творческая работа на кафедре медных духовых и ударных инструментов является одним из основных методов передачи знаний. Это благоприятно воздействует и на профессиональную подготовку наших студентов, и на их готовность к сольной и оркестровой деятельности. 

Одним из самых запоминающихся моментов вечера стала финальная композиция Л. Андерсона «Парад трубачей», исполненная всеми участниками концерта. Завораживающий звук солирующих валторны, тромбона, тубы и труб в сопровождении Большого брасс-ансамбля покорил всех присутствующих.

Все два часа, в течение которых шел концерт, в Рахманиновском зале царила атмосфера всеобщего воодушевления. Исполнителей объединяло чувство гордости за причастность к истории и к личности Тимофея Александровича Докшицера, к его наследию, которое бережно передается через поколения. Слушатели благодарными аплодисментами провожали музыкантов, которые подарили им незабываемые впечатления и эмоции, а каждый участник концерта ощутил себя частью великой отечественной школы исполнительства на медных духовых инструментах!

Преп. С.Ф. Бармин, кандидат искусствоведения Н.В. Гурьева

Фото Панкрата Колесникова

№9 (1383), декабрь 2021 года

В Москве состоялось грандиозное культурное событие, в котором приняло участие большое количество брасс-музыкантов со всей страны: с 5 по 8 октября 2021 года в концертных залах РАМ им. Гнесиных прошел I Фестиваль оркестровых медных духовых и ударных инструментов, носящий имя знаменитого на весь мир музыканта, заслуженного деятеля искусств РФ, профессора В.Н. Досадина (1933–2012).

Фестиваль был организован благодаря совместной творческой работе двух ведущих музыкальных вузов России: кафедры медных духовых инструментов РАМ имени Гнесиных в лице преподавателя по классу тубы Ф.Т. Мусина и кафедры медных духовых инструментов МГК имени П.И. Чайковского под руководством заведующего кафедрой, профессора Э.Б. Юсупова. Консерваторская кафедра постоянно находится в авангарде отечественного исполнительства, ориентируется на зарубежный опыт и предлагает свои творческие наработки, создает новаторские проекты, аккумулирует вокруг себя лучших музыкантов. Ее действующий проект «Новая духовая школа», в рамках которого организован фестиваль, – яркое тому доказательство.

Масштабные фестивали, направленные на популяризацию медных духовых инструментов в России, – явление в наши дни достаточно редкое и, конечно, значимое. Особенно востребованы события, которые отражают современное состояние отечественной духовой школы и концертного исполнительства на медных инструментах и ориентированы на все возрастные категории участников: от воспитанников детских музыкальных школ до признанных мастеров-виртуозов. Каждый подобный брасс-форум – настоящее событие, несомненно перспективное и имеющее большой потенциал для организации педагогической работы в сфере музыкального исполнительства.

Имя Владимира Николаевича Досадина хорошо знакомо музыкантам-профессионалам и любителям духовой музыки. Выдающийся тубист, профессор В.Н. Досадин в течение десяти лет возглавлял оркестровый факультет РАМ, был председателем творческой комиссии исполнителей на медных духовых инструментах Международного союза музыкальных деятелей. Он создал свою школу тубного исполнительства, вел постоянную работу по расширению педагогического репертуара для тубы и совершенствованию методики преподавания на этом инструменте. Для него написаны Концерт для тубы с оркестром Аркадия Нестерова, Концерт для тубы с оркестром и Фантазия на темы Римского-Корсакова Валерия Струкова, Соната для тубы Николая Ракова.

Владимир Николаевич воспитал не одно поколение тубистов. Среди его учеников более шестидесяти лауреатов Международных и Всероссийских конкурсов тубистов, чья игра запоминается не только отточенной техникой, но и яркостью тембра, бережным звуковедением. Коллеги высоко ценили талант музыканта. Так, Геннадий Рождественский называл Досадина «замечательным музыкантом и многолетним сотоварищем по БСО». Свою симпатию выражал и Арам Хачатурян, называя Досадина «талантливым и очень милым человеком, прекрасным музыкантом». Сохранилась открытка, посланная Ириной Архиповой из Домского Собора Риги: «Володе Досадину на память и с наилучшими пожеланиями в творчестве, в личной жизни».

Задумывая фестиваль памяти выдающегося музыканта, артиста яркого дарования и огромного таланта, благородного и душевного человека, его ученики и коллеги стремились сделать это событие неформальным. Оргкомитет фестиваля видел свою задачу в создании непринужденной атмосферы и моделировании яркой творческой среды, которая наполнялась бы новыми культурными веяниями и отвечала потребностям современного слушателя. Концепция фестиваля органично сложилась из синтеза современных тенденций в исполнительстве и новейших методических разработок в преподавании игры на медных духовых инструментах в Московской консерватории.

Все мероприятия фестиваля были направлены на формирование общей культуры у московского и, шире, российского студенчества, морально-духовных ценностей и эстетических ориентаций у совсем еще юных исполнителей – учащихся детских музыкальных школ и училищ. Программа концертов и мастер-классов, дискуссии на Круглом столе формировались организаторами с целью сохранения и развития культурного наследия России, распространения музыкально-педагогического творчества выдающихся музыкантов, популяризации исполнительства на оркестровых медных духовых и ударных инструментах, в том числе – и на поддержание интереса к исполнительской культуре разных этносов и народностей нашей страны.

Дата торжественного открытия фестиваля, посвященного памяти талантливого педагога совпала с Международным Днем учителя 5 октября и была приурочена к этому празднику. В масштабном концерте приняли участие более тридцати ведущих российских исполнителей-солистов, среди которых были педагоги Московской консерватории профессор Э.Б. Юсупов, доцент А.А. Раев, доцент А.В. Старков, ст. преподаватель Я.А. Беляков, а также знаменитые коллективы: брасс-квинтет Большого театра России, квартет тромбонистов и Большой брасс-ансамбль ГАСО имени Е.Ф. Светланова, брасс-ансамбль Music brass, брасс-квинтет и квартет тромбонов РАМ имени Гнесиных, ансамбль ударных инструментов Percarus Duo и Большой брасс-ансамбль Московского молодежного Брасс содружества. Это был настоящий праздник духовой музыки!

Во второй фестивальный день в Музыкальной гостиной Дома Шуваловой состоялись мастер-классы ведущих педагогов: Эркина Бахтияровича Юсупова – солиста и концертмейстера группы тромбонов Большого театра России, профессора и заведующего кафедрой медных духовых и ударных инструментов Московской консерватории; Юрия Алексеевича Афонина – солиста оркестра Большого театра России, преподавателя тубы кафедры оркестровых духовых и ударных инструментов ГМПИ имени М.М. Ипполитова-Иванова; Алексея Александровича Раева – солиста и концертмейстера группы валторн Большого театра России, доцента кафедры медных духовых и ударных инструментов Московской консерватории; Евгения Анатольевича Алимова – солиста группы труб Государственной симфонической капеллы России п/у Валерия Полянского, преподавателя Академии джаза.

Мастер-классы, как и концерты ведущих педагогов, были объединены общей благородной идеей: созданием условий молодому поколению для осознанного выбора будущей профессии. Они отличались не только царившей дружеской и высокопрофессиональной атмосферой, но и глубиной теоретического анализа, высокой практической ценностью рекомендаций и рассматриваемых проблем. В ходе занятий педагоги использовали современные образовательные технологии – развивающего, коллективного, интерактивного обучения, а также исследовательский подход. Конечно, мастера учитывали индивидуальные возможности учеников: доступное и понятное изложение материала о технике исполнительства и современных приемах игры на духовых инструментах способствовали моментальному применению полученных знаний на практике. Все четыре мастер-класса были продуманы педагогами таким образом, что позволяли присутствующим проявить свои способности, навыки владения инструментом, информированность и заинтересованность в знаниях. Дети с большим желанием учились у известных исполнителей, а профессиональные музыканты с радостью делились своим творчеством, передавая свой опыт молодому поколению.

7 ноября, в третий день фестиваля, состоялся концерт учащихся детских музыкальных школ и средних специальных учебных заведений. Большой творческий вклад в реализацию детского концерта внес Я.А. Беляков. Под его руководством большой Брасс-ансамбль Московской консерватории исполнил торжественную фанфару и с первых звуков задал высокую планку мероприятию.

Торжественное закрытие фестиваля 8 ноября ознаменовалось Гала-концертом с участием ведущих солистов, ансамблей и губернских оркестров России: ансамбля барабанщиков «Фиеста» Института военных дирижеров Военного Университета МО РФ п/у заслуженного артиста России В.И. Аникина; Нижегородского губернского оркестра п/у заслуженного артиста России Е.Н. Петрова; Губернаторского оркестра Московской области Московского губернского драматического театра (Худрук театра – народный артист РФ С.В. Безруков), главный дирижер – заслуженный артист РФ С.В. Пащенко, дирижер К.О. Черчик.

Слушатели и гости фестиваля познакомились с удивительным миром музыкальной романтики, услышали захватывающие выступления разнообразных творческих коллективов, оценили красоту, изящество и мастерство сольных исполнителей, а также получили возможность представить себя в роли оркестрового музыканта. Фестиваль оказался очень востребованным, стал настоящим событием и в музыкантской среде, и для слушателей концертов, среди которых были люди разных возрастных и социальных групп. Пожелаем же Первому Фестивалю имени В.Н. Досадина продолжения и будем ждать новый праздник духовой музыки в следующем году!

Преп. С.Ф. Бармин, кандидат искусствоведения Н.В. Гурьева

Фото Панкрата Колесникова

№6 (1362), сентябрь 2019

Стало доброй традицией в дни Великого Поста исполнять в стенах Московской консерватории духовную музыку. Лучшие хоровые коллективы, ведущие ученые-музыковеды и представители Церкви объединяются ради совершения совместного благого дела – возрождения традиции исполнения духовной музыки и осмысления ее истоков. В этом году весной прошел уже Второй Международный Великопостный хоровой фестиваль.

Фестиваль – совместный музыкальный проект Московской консерватории имени П.И. Чайковского и Общецерковной аспирантуры и докторантуры им. святых равноапостольных Кирилла и Мефодия. Он проходит при содействии Министерства культуры РФ и поддержке Церковно-общественного Совета при Патриархе Московском и Всея Руси по развитию русского церковного пения, АНО «Страна Воскресения», Фонда содействия возрождению Синодального хора и Фонда развития творческих инициатив. Художественные руководители фестиваля – ректор Московской консерватории проф. А.С. Соколов и председатель Отдела внешних церковных связей Московского Патриархата, ректор Общецерковной аспирантуры и докторантуры, митрополит Волоколамский Иларион. Инициатором проведения фестиваля стал Народный артист РФ, зав. кафедрой хорового дирижирования МГК, профессор Л.З. Конторович, исполнительный директор – профессор А.В. Соловьев.

Открылся фестиваль не на концертной сцене, а в стенах храма иконы Божией Матери «Всех скорбящих Радость» на Большой Ордынке. Академический Большой хор «Мастера хорового пения» п/у Льва Конторовича исполнил «Всенощное бдение» Рахманинова на службе, в которой участвовал и Московский Синодальный хор п/у Алексея Пузакова. Во время исполнения Всенощной Рахманинова в стенах храма многие, даже не воцерковленные слушатели, испытали моменты высочайшего взлета помыслов и очищения.

Следующий концерт принимала консерватория в Рахманиновском зале. В первом отделении звучала музыка А. Архангельского, М. Балакирева, П. Чеснокова, А. Шнитке, А. Фатеева и Н. Кедрова в исполнении хора юношей Хорового училища имени А.В. Свешникова п/у Дениса Храмова и хора мальчиков и юношей этого училища п/у Алексея Петрова, которым дирижировал Алексей Пушкарев. Всегда приятно наблюдать за подрастающим поколением, которое, очень вероятно, скоро вольется в составы наших ведущих хоров.

На одной сцене с юными, начинающими артистами в этот вечер выступали и взрослые коллективы: Московский Синодальный хор, Молодежный хор НТЦ церковной музыки при кафедре хорового дирижирования (худ. рук. проф. Л.З. Конторович, дирижер Михаил Котельников), Тульский государственный хор (худ. рук. Александр Соловьев) и Преображенский хор прихожан Храма Христа Спасителя п/у Сергея Сидоренко. Они исполняли духовную музыку разных столетий – от «Свете тихий» А. Кастальского до «Хвалите имя Господне» митрополита Илариона (Алфеева). Наверное, в таком совместном выступлении юных и маститых музыкантов и проявляется преемственность поколений, продолжаются традиции отечественной хоровой исполнительской школы. После концерта в фойе зала маленькая девочка радостно напевала только что прозвучавшую мелодию – трудно придумать большую похвалу для музыкантов.

В дни Великопостного хорового фестиваля Московская консерватория и Общецерковная аспирантура проводят Международную научную конференцию. В этом году она была посвящена памяти нашего выдающегося соотечественника – князя Владимира Федоровича Одоевского. В день открытия конференции, вечером в Большом зале звучали богослужебные песнопения и молитвы русских композиторов трех последних столетий: Д. Бортнянского, С. Рахманинова, С. Дегтярева, Г. Свиридова, А. Кастальского, митрополита Илариона (Алфеева), А. Шнитке, М. Шорина и других авторов. На сцену поочередно выходили хоры из Москвы и Санкт-Петербурга: Концертный хор детской хоровой школы имени Г.А. Струве п/у Елены Веремеенко, Праздничный хор храма Сергия Радонежского в Солнцево п/у Варвары Волковой, Государственная академическая хоровая капелла имени А.А. Юрлова п/у Геннадия Дмитряка, Детский хор «Весна» имени А.С. Пономарева п/у Надежды Авериной, женский хор Санкт-Петербургского музыкального училища имени Н.А. Римского-Корсакова п/у Сергея Екимова и Камерный хор Московской консерватории, которым руководит Александр Соловьев.

Концертные программы фестиваля продолжались и в Храме Усекновения главы Иоанна Предтечи под Бором, и в храме иконы Божией Матери «Всех скорбящих Радость» на Большой Ордынке, и в Рахманиновском зале. А завершился фестиваль концертом в Большом зале: в исполнении «Мастеров хорового пения» и Российского национального молодежного симфонического оркестра прозвучали произведения митрополита Илариона: духовная музыка для хораa cappella – «Благослови, душе моя, Господа», «Блаженны», «Ектения сугубая», «Херувимская песнь», «Тебе поем», «Свете тихий», «Ныне отпущаеши», «Богородице Дево, радуйся», «Под Твою милость», а также произведения для хора и оркестра Stabat Mater и «Песнь Восхождения». С хором выступили великолепные певцы: солистка «Новой оперы» Полина Шамаева (меццо-сопрано) и лауреаты международных конкурсов Вячеслав Воробьев (тенор) и Дмитрий Кузнецов (баритон). Дирижировал Лев Конторович. Публика тепло и долго приветствовала музыкантов.

Великопостный хоровой фестиваль стал воплощением гармонии между физическим и эмоциональным, между исполнителями и слушателями, их единым устремлением к божественно прекрасному. Каждое его событие, будь то концерт, служба, конференция или мастер-класс открывали участникам красоту отечественной православной хоровой музыки; каждое сочинение, звучавшее со сцены или под сводами храмов Москвы, приближало к свету и истине. Как говорил наш выдающийся соотечественник, писатель и историк, создатель «Истории государства российского» Н.М. Карамзин: «Что может быть прелестнее гармонии человеческих голосов?»

Доцент Н.В. Гурьева, руководитель НТЦ церковной музыки

Михаил Котельников, дирижер Молодежного хора НТЦ

№4 (1360), апрель 2019

В этом году исполняется 215 лет со дня рождения Владимира Федоровича Одоевского (13 августа 1804 года) и 150 лет со дня его кончины (11 марта 1869 года). Так удивительно сложилось… Литераторы, философы, музыканты чтут нашего выдающегося соотечественника – князя Одоевского, его огромный вклад в развитие русской культуры. Нам, музыкантам, В.Ф. Одоевский известен, прежде всего, как основоположник русского музыкознания, музыкальной критики и музыкальной лексикографии.

Владимир Федорович Одоевский был последним потомком старинного княжеского рода – одной из старших ветвей Рюриковичей. Все мы, конечно, читали в школе «Городок в табакерке», роман «Русские ночи», знакомы с Одоевским как с русским писателем-романтиком, философом и мыслителем. Он был общественным деятелем, издателем ряда журналов и альманахов, директором Румянцевского музея, помощником директора Императорской публичной библиотеки, с молодых лет активно занимался благотворительностью. В годы службы в Цензурном комитете Министерства внутренних дел в Петербурге он выступал за облегчение в стране цензурных правил, явился одним из авторов либерального цензурного устава и первых в России законов об авторском праве.

Будучи членом кружка великой княгини Елены Павловны, Одоевский горячо приветствовал отмену в России крепостного права. Став в 1861 году сенатором, он продвигал тюремную реформу, ратовал за введение в России суда присяжных и за другие преобразования. О кругозоре и масштабе личности князя говорит и тот факт, что он был одним из учредителей Русского географического общества, а также одним из основателей Русского музыкального общества. В.Ф. Одоевский участвовал в Комиссии по введению церковного пения в народные школы, был активным деятелем Общества древнерусского искусства.

Князь постоянно поддерживал молодых писателей, безошибочно распознавал в них талант и побуждал к достижению новых вершин. Одно из ярких свидетельств тому – дарственная надпись В.Ф. Одоевского в книге, отданной 26-летнему М.Ю. Лермонтову: «Поэту Лермонтову дается сия моя старая и любимая книга с тем, чтобы он возвратил мне ее сам, и всю исписанную». По роковому стечению обстоятельств поэт не смог вернуть эту книгу сам, так как через несколько месяцев был убит на дуэли.

В.Ф. Одоевский был одним из идеологов создания Московской консерватории. Его музыкальный архив – ноты, рукописи о музыке, энгармонический клавицин – послужили ядром созданного в начале XX века (11 марта 1912 года) Музея имени Н.Г. Рубинштейна. Одоевский был дружен со священником Димитрием Васильевичем Разумовским – исследователем древнерусской церковной музыки, который по его рекомендации возглавил новую кафедру истории и теории церковного пения в открытой в 1866 году Московской консерватории. Протоиерей Димитрий Разумовскийбыл духовником князя, именно он исповедал и причастил Одоевского перед смертью.

На церемонии открытия Московской консерватории В.Ф. Одоевский произнес речь «Об изучении русской музыки не только как искусства, но и как науки». Он говорил о будущем русской музыки, которая должна соединить творчество и научное знание, призывал к этому профессоров и студентов. Князь ратовал за сохранение исконно русской самобытности, за изучение и исполнение народных мелодий и церковных напевов. Вместе с тем, считал важным соединять национальное с фундаментальными основами общеевропейской музыки.

Начиная с 1850-х годов, Одоевский был увлечен историей и теорией «исконной великоросской музыки». От народной музыки он перешел к исследованию древних церковных ладов и понял, что и здесь традиция не укладывается в рамки, задаваемые равномерной темперацией. Он стал изучать возможности энгармонических музыкальных инструментов, опубликовав много работ и статей на эту тему. Наиболее значимы: «К вопросу о древнерусском песнопении», «Русская и так называемая общая музыка», «Об исконной великорусской песне», «Музыкальная грамота или основания музыки для немузыкантов», «Музыка с точки зрения акустики».

Долгое время князя Одоевского считали поборником официозной «народности». Между тем, он называл народность наследственной болезнью, «которою умирает народ, если не подновит своей крови духовным и физическим сближением с другими народами». Он полностью разделял идеи Шеллинга и всю жизнь был занят приобщением русской культуры к европейской. В своем романе «Русские ночи» он называл философа «Колумбом XIX века», который открыл человеку неизвестную часть его мира – его душу.

Одоевский считал, что в человеке слиты три стихии: верующая, познающая и эстетическая. Отстаивая свои общественные и философские взгляды, Одоевский полемизировал как с западниками, так и со славянофилами. В письме лидеру славянофилов А.С. Хомякову в 1845 году он писал: «Странная моя судьба, для вас я западный прогрессист, для Петербурга – отъявленный старовер-мистик; это меня радует, ибо служит признаком, что я именно на том узком пути, который один ведет к истине».

Литературный талант Одоевского восхищал многих. Известно, что Пушкин лично пригласил Одоевского к сотрудничеству в затеянном им «Современнике», издание которого продолжалось некоторое время и после смерти поэта только благодаря усилиям Одоевского, а позднее – Белинского. В статьях периодического сборника «Сельское чтение», издаваемого Одоевским, он (под маской дяди, а позднее «дедушки» Иринея) говорил о сложнейших вопросах простым народным языком, которым так восхищался В.И. Даль. В доме князя Одоевского был литературный салон, где собирались выдающиеся писатели, музыканты, издатели, ученые, путешественники. Там регулярно бывали Пушкин, Крылов, Грибоедов, Гоголь, Лермонтов, Кольцов, Тургенев, Достоевский, Островский, Гончаров, Глинка, Даргомыжский, Балакирев, Рубинштейн…

Музыка занимала в жизни Одоевского огромное место. Одоевским-писателем написано несколько романтических повестей с «музыкальными» сюжетами: «Последний квартет Бетховена», Opere del Cavaliere Giambattista Piranesi, «Себастиян Бах». Знаменита его «российская гофманиана» – повести «Сегелиель», «Косморама», «Сильфида», «Саламандра». Любовь к музыке возникла у него в раннем детстве. «Я могу припомнить своих первых учителей грамоты; но кто обучил меня нотам – положительно не знаю. С тех пор как я себя помню, я уже читал ноты», – рассказывал он А. Фету. В период обучения в Университетском благородном пансионе юный князь серьезно и с большим увлечением занимался музыкой, проявил себя как талантливый композитор и пианист.

Сохранились газетные сообщения о выступлениях Одоевского в качестве пианиста. Из «Воспоминаний» Е.В. Львовой мы знаем о незаурядных пианистических способностях Одоевского: «Мы… видели во Владимире какое-то чудо артиста, потому что он тогда уже играл с удивительной быстротой и беглостью на фортепиано самую трудную музыку, между прочим, Баховы фуги, сам сочинял и посвятил своего сочинения вальс сестре моей». В.Ф. Ленц – пианист, автор книги о Бетховене, свидетельствует, что Одоевский «был ученый музыкант… Бахова музыка была ему как своя. На Фильдов лад играл он превосходно, прямо читая ноты». Ю.К. Арнольд говорил, что «Глинка, князь Одоевский и Даргомыжский были хорошими пианистами». Сам Одоевский признавался в письме к Глинке: «Никакая партитура меня не пугает и всякая удобно ложится под пальцы». Антон Рубинштейн считал, что у Одоевского были выдающиеся, замечательные теоретические познания: «…он сочиняет органные фантазии, фуги, каноны и т.д., которые отвечают самым строгим требованиям искусства».

Успехи Одоевского-композитора не получили общественного признания, в отличие от его писательской и исполнительской деятельности. Между тем, он – автор многочисленных сочинений, из которых наиболее известны: «Сентиментальный вальс», канон, колыбельная, Andante grazioso памяти Й. Гайдна и «Молитва без слов» для органа, Сарабанда для органа в 4 руки. «Перо пишет плохо, если в чернильницу не добавить хотя бы несколько капель собственной крови» – эти слова, сказанные Одоевским о процессе литературного творчества, думаю, можно и должно отнести и к музыке – как к процессу создания научных текстов, так и к композиторскому творчеству.

Московская консерватория в год юбилея В.Ф. Одоевского посвящает его памяти конференции, заседания и творческие вечера. Совсем недавно, 3–4 апреля 2019 года, совместно с Общецерковной аспирантурой и докторантурой имени святых равноапостольных Кирилла и Мефодия мы организовали Международную научно-практическую конференцию «Владимир Федорович Одоевский и развитие церковно-певческой практики в России». Стало доброй традицией проводить научную конференцию в рамках Международного Великопостного хорового фестиваля.

Организаторы конференции – кафедра истории русской музыки и Научно-творческий центр церковной музыки при кафедре хорового дирижирования МГК – пригласили к участию ведущих музыковедов, историков, филологов, священнослужителей из разных городов России и из-за рубежа. Идею проведения конференции наиболее полно отражают слова В.Ф. Одоевского: «В нашем Отечестве искусство церковное непрестанно входит в интересы текущей жизни… это не прошедшее, а великое дело настоящего и будущего России».

Портрет нашего выдающегося соотечественника был бы неполным без его мудрого высказывания: «Мысль, которую я посеял сегодня, взойдет завтра, через год, через тысячу лет: я привел в колебание одну струну, оно не исчезает, но отзовется в других струнах».

Доцент Н.В. Гурьева

№ 7 (1281), октябрь 2010

Приходилось ли Вам когда-нибудь слышать, как звучат книги? Обычно, отправляясь на презентацию новых изданий научных трудов, ожидаешь услышать обстоятельный рассказ о новинках по интересующей тебя тематике. Как правило, это разговорный жанр с чередой выступлений авторов, которые стараются кратко и ярко рассказать о многом, и их коллег по «цеху», которые делятся своими впечатлениями от прочитанного или только что услышанного.

Необычной оказалась презентация последних изданий научных трудов кафедры истории русской музыки, состоявшаяся 1 октября в Конференц-зале. Это событие уникально как по широте охвата исследуемого материала и традиций, жанров и столетий, так и по форме самой презентации, их объединившей. В общей панораме были представлены книги, ноты и учебники, которые написаны на кафедре и изданы за последние два года по разным направлениям ее деятельности. Они демонстрируют труд практически всех ее педагогов, а также трех научных центров при кафедре: Научно-исследовательского центра древнерусской музыки имени протоиерея Димитрия Разумовского, Научного центра народной музыки имени К. В. Квитки и Научно-исследовательского центра «Наследие».

(далее…)