Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

Событие мирового масштаба

Авторы :

№ 7 (1327), октябрь 2015

В Московской консерватории с блеском прошел Второй международный конгресс Общества теории музыки. Ректор Московской консерватории – крупный ученый-теоретик и президент Общества теории музыки в России, сделал все, чтобы оно развивалось. И на Втором конгрессе он смог повести за собой большой коллектив участников (из 150 поданных заявок было выбрано 80) и как организатор, и как ученый. Это и определило мой взгляд на событие. Все три ракурса – с точки зрения организатора (автор данных строк – один из инициаторов Общества), с точки зрения иностранного участника и с точки зрения российского теоретика-музыковеда, – отражают красоту идеи Общества теории музыки и богатую перспективу его развития.

Открывавший конгресс пленарный доклад проф. А. С. Соколова дал направление форуму: в сжатой форме он представил исследования нескольких поколений отечественных теоретиков. Концепция функциональности музыки во многих ее параметрах, таких как гармония, форма, драматургия, динамика, тембр, музыкальная коммуникация и другие, была и остается краеугольным камнем отечественной традиции от Асафьева, через Способина, Мазеля, Цуккермана, Бобровского, Назайкинского, Холопова до наших дней.

Еще одним пленарным докладчиком был профессор университета МакГилл (Монреаль) Уильям Каплин, последователь учения Шёнберга – Раца о музыкальной форме. Каплин на Втором конгрессе выступил с докладом о теории каденции для музыки романтизма. Он предложил классификацию и терминологию, которые никто еще не знает (в том числе и наши коллеги из Германии и Италии). Это дает нам шанс освоить их первыми. Это был его первый визит в Россию, и впечатления от нашей науки и от страны у проф. Каплина были самые позитивные. Его больше всего поразило величие Москвы.

К этому мнению присоединился и другой пленарный докладчик, профессор Римского университета, доктор Джорджио Сангвинетти (а также его супруга, доктор Тереза Гвильярдони, музыковед, исследователь жанра кантаты и главный редактор римского журнала «Studii musicali»). Сангвинетти совместно с Робертом Гьердингеном из Северо-Западного университета открыл метод композиции, превалировавший в неаполитанской традиции XVIII века и оказавший влияние на композиторов разных национальных и стилистических направлений, включая Доницетти, Беллини, Россини, Верди, а также Гайдна, Моцарта, Глинку и других. В современной западной теории музыки «партименти» считаются «третьим путем» в композиции, наряду с теорией гармонии и генералбасом. В докладе Сангвинетти сочетались академическая строгость с неотразимым обаянием итальянского музицирования, когда рождаются те сладчайшие созвучия, с которыми ассоциируется эта солнечная страна.

Названные пленарные докладчики – звезды первой величины в науке. Их приглашают на крупнейшие конференции и симпозиумы в США и в Западной Европе. Участие иностранных ученых вообще является отличительной особенностью конгрессов ОТМ, так было и в первый раз в Санкт-Петербурге. В Москве от немецкого Общества теории музыки выступили его Президент, профессор теории музыки Венской консерватории и Берлинского университета, доктор Гезина Шрёдер и ряд ее коллег; французское Общество музыкального анализа представляла Сусанна Касьян с докладом о теории гармонических векторов Николя Меюса; об итальянских ученых было сказано; американское Общество теории музыки было представлено, помимо Каплина, несколькими учеными, включая известных в США профессоров Дэвида Хааса из университета Джорджии и Джо Крауса из Нью-Йорка (который занимается теоретическими исследованиями музыки Чайковского!). С докладами о русской музыке приняли участие и два представителя Австралии – Дэнис Коллинз и Саймон Перри. Были и представители Болгарии: Димитар Нинов и Иван Янакиев. Порадовал визит Президента только что созданного польского Общества теории музыки, проф. Славомиры Камински. От России в еще одном пленарном докладе доктор Т. И. Науменко дала фундаментальный анализ диссертаций за 70 лет.

Программа Второго конгресса была составлена так, что участники оказались вовлеченными в бурное развитие событий в исторической и концептуальной перспективах. По удачной идее проф. К. В. Зенкина, конгресс имел единую тему – «Школы и направления в музыкальной науке, исполнительском и композиторском творчестве». Ожидалось, что она вызовет интерес как у профессоров России, так и у многих зарубежных участников. Ожидания оправдались полностью. А сама атмосфера Московской консерватории, готовящейся отметить свое 150-летие, усилила ощущение значимости темы.

В первый день прошли три параллельные секции: «Музыкально-теоретические традиции Б. В. Асафьева», «Школы Московской консерватории» и «Музыкальная наука: гармония». Стоит пожалеть, что никто не мог посетить все три одновременно – они были в равной степени важными и интересными.

Секция, посвященная Б. В. Асафьеву (ее вела проф. В. Н. Холопова), оказалась очень представительной – 7 докторов наук. На ней выступили К. В. Зенкин, В. Н. Холопова, Л. П. Казанцева, В. В. Медушевский, Е. И. Чигарева, А. Г. Коробова и др. А ведь казалось, что об этом основоположнике российского музыковедения стали забывать! Но категория, с которой уже начали прощаться, – интонация, – живет полной жизнью и в музыке, и в теории.

В секции «Школы Московской консерватории» (ее вела проф. И. А. Скворцова) прозвучали доклады о Л. А. Мазеле, В. А. Цуккермане, С. С. Скребкове. В последнее время некоторые молодые ученые стали относиться к их трудам как к пройденному этапу. Конгресс неожиданно раскрыл важность продолжения исследований трудов этих корифеев российской науки. Сегодня, в XXI веке, можно по-новому взглянуть и на масштабно-тематические структуры, и на историю художественных стилей, и на идеи производного контраста…

В секции о гармонии выступали представители разных школ. Это важно: соревнование двух традиций, московской и петербургской, часто проходившее в очень накаленной атмосфере, в ОТМ преодолено. И в уставе, и на деле представители всех школ и традиций имеют равный статус и права. Была представлена концепция гармонии Т. С. Бершадской в ее наиболее современном варианте, прозвучали доклады Е. В. Титовой и Д. В. Шутко (Санкт-Петербург). В этой же секции выступила и доцент МГК Л. Р. Джуманова, а также наши молодые коллеги из США.

В программе первого дня прозвучали доклады, которые можно назвать «мемориальными». Новую для многих информацию представил доклад И. П. Сусидко о Р. Н. Берберове, чьи термины анализа музыкальной формы остались в устной традиции. Запомнились доклады о циклических формах в учении Е. В. Назайкинского, о развитии идей Асафьева в теории В. П. Бобровского, о функциональной теории гармонии Ю. Н. Холопова…

Отдельная секция была отдана единственной новой научной концепции российского музыкознания в ХХI веке – теории музыкального содержания (один из создателей — проф. В. Н. Холопова). В своих докладах В. Б. Валькова ввела новый термин – «музыкальная идиома»; Н. В. Бойцова показала смысловую органику в соединении музыки с живописью; В. П. Чинаев представил творчество Игумнова и Гольденвейзера, используя идеи теории музыкального содержания. Е. Б. Журова в мастер-классе продемонстрировала связь теории содержания с игрой на инструментах и сольфеджированием. Были обрисованы пути к широкому музыкальному просвещению в нынешнем социуме.

Не только гармония, форма и анализ образуют область музыкальной науки в России. Уже второй раз свои достижения представляли ведущие ученые и педагоги в сфере развития слуха и сольфеджио. Направление настолько развито, что публикация докладов М. В. Карасевой, Л. М. Масленковой, Т. А. Литвиновой, Е. И. Фалалеевой внесет значительный вклад в развитие этого фундаментального компонента музыкальной науки в мировом масштабе. Как и на прошлом конгрессе, на этом была и секция по полифонии.

Очень глубокими и эмоционально-окрашенными оказались выступления на секциях, посвященных композиторским школам. В докладах были представлены Танеев и Скрябин, Филипп Гершкович, Николай Сидельников, Альберт Леман… Порадовала и отдельная секция, составленная из докладов молодых ученых – студентов и аспирантов. Интерес к ней был живой и неподдельный, в зале было много слушателей. Ведь молодежь – наша надежда, их отношение к миру науки – восторженное, реакция на музыку – молниеносная, идеи – оригинальные.

В конце конгресса прошла секция о восприятии концепций Хуго Римана и Хайнриха Шенкера в разных странах. Она была организована как концептуально-полемическая. По мнению очевидцев, накал страстей был высок, и многие «увидели» теорию музыки как увлекательное соревнование идей. Риман и Шенкер – два самых крупных теоретика недавнего прошлого, сошлись в благородном поединке, представленном (разыгранном как на сцене) наследниками англо-саксонской и российской традиций. Школы противопоставили свои базовые концепции. Функциональность – одна из главных тем конгресса, открытая для обсуждения в пленарном докладе А. С. Соколова и подхваченная в докладе Г. В. Лыжова, – была подвергнута на этой секции жесткому критическому переосмыслению.

Несмотря на некоторые чувствительные для обеих сторон моменты и «повисшие в воздухе» вопросы, в конечном счете восторжествовала дружба. И российская теория сохранила в этом поединке свое лицо, несмотря на аргументы против функциональности. А для разрядки бинарной оппозиции, молодой ученый Томас Кьеркегор-Ларсен представил доклад о применении функционального метода гармонии в Дании, о чем, кажется, до этого не знал никто из присутствующих. Получилось хорошо: вместо усталости и сонного состояния, столь характерных для заключительных заседаний, на конгрессе в конце был всплеск энергии. И остались вопросы, на которые можно будет ответить при будущих встречах на самом высоком, международном уровне.

Конгресс завершился, оставив глубокое удовлетворение у всех присутствовавших. По мнению многих коллег, его академический уровень был очень высоким, как в результате взаимодействия с крупнейшими представителями западной науки, так и в результате обсуждения самых ярких страниц советской и российской истории теории музыки. Отрадно, что все это богатство будет опубликовано в журнале Общества теории музыки на двух языках и станет достоянием глобального мира ученых. Впереди у Общества теории музыки России большие планы по взаимодействию с европейскими и американским коллегами, включая участие наших ученых в конференциях EUROMAC и SMT, и даже планируемое проведение всеевропейской конференции EUROMAC в России.

Доктор Ильдар Ханнанов,
зам. председателя научного комитета ОТМ, 
профессор теории музыки консерватории Пибади  университета Джонз Хопкинс (США)

Музыка войны и мира

Авторы :

№ 5 (1325), май 2015

Гостей и участников конференции «Двадцатый век. Музыка войны и мира» приветствует проректор по научной работе Московской консерватории, доктор искусствоведения, профессор Константин Владимирович Зенкин

Апрель в Московской консерватории оказался особенно богат научными дискуссиями – в Конференц-зале прошли пять конференций. Здесь были и однодневные мероприятия кафедры современного хорового исполнительского искусства – Научно-практическая конференция «Исполнительское искусство Б. Тевлина в контексте развития отечественной хоровой культуры ХХ – начала XXI веков» (8 апреля), которая в преддверии 150-летия Московской консерватории стала данью памяти выдающемуся хоровому дирижеру, профессору Б. Г. Тевлину (1931–2012). И научная конференция студентов «Современная хоровая музыка. История. Теория. Практика» (28 апреля). И две ежегодные международные конференции: 9-11 апреля – третья по счету «Музыка – Философия – Культура» под названием «Художественный смысл как проблема искусствознания и философии искусства», посвященная на этот раз 240-летию Шеллинга; 16–17 апреля – седьмая «Музыка народов мира: проблемы изучения», организованная при участии Международного Совета по традиционной музыке (ICTM) при ЮНЕСКО. Ставшие уже традицией научной жизни консерватории, они не только собрали вместе своих постоянных участников, но и привлекли внимание новых исследователей. Однако, безусловно, кульминацией апрельского «научного марафона» стала грандиозная Международная научная конференция «Двадцатый век. Музыка войны и мира», приуроченная к 70-летию Победы в Великой Отечественной войне.

Тематика, выбранная для научной дискуссии, многих не оставила равнодушными. Конференция длилась полных пять дней, с 21 по 25 апреля, и собрала 67 докладчиков, среди которых было много гостей не только из российских городов – Вологды, Нижнего Новгорода, Санкт-Петербурга, Ростова-на-Дону, Клина, Омска, Уфы, Новосибирска, Кемерово, но и зарубежных стран – Великобритании, Германии, США, Китая, Туркменистана, Украины, Белоруссии, Молдовы, Австрии, Турции, Италии и Казахстана.

Широкая география сделала дискуссию ученых многоплановой, поскольку собрала на одном мероприятии самые разные подходы к трагическим событиям прошлого, нашедшим особое воплощение в музыкальном искусстве. В зале постоянно присутствовало ощущение волнения, вызываемое то описанными докладчиками страшными событиями, то показанными ужасающими кадрами хроники военных лет, то смыслом звучащей музыки. Возникавшие споры были живым продолжением исследовательских поисков в осознании накопившихся проблем. Целью конференции её организаторы – проректор по научной работе, профессор кафедры истории зарубежной музыки К. В. Зенкин и профессор кафедры истории русской музыки Е. С. Власова – обозначили «внедрение в музыковедческий обиход новых данных, результатов новейших исследований».

Тематика выступлений была необычайно многообразна. Рассказывали о военной теме, нашедшей отражение в музыке разных стилей, в докладах «Антивоенная тема в русском роке» (А. М. Цукер, Ростов-на-Дону), «Гражданская война в хоровой музыке Георгия Свиридова: миф и реальность» (Т. Ю. Масловская, Москва), «Тема войны в башкирской художественной культуре и ее претворение в Шестой симфонии Рафаила Касимова» (Е. Р. Скурко, Уфа), «Антифранцузский порыв офранцуженного вьетнамца. Война в жизни и творчестве Нгуена Лантуата (1935–2014)» (А. М. Лесовиченко, Новосибирск), «Терпсихора в солдатской шинели: Тема Великой отечественной войны в балетном театре 1940-х годов» (Н. Н. Сурнина, Москва) и многие другие.

Огромное внимание было уделено историческим вопросам, связанным с жизнью музыкантов и музыкальных учреждений во время войны. Об этом были доклады «Московские музыканты на фронтах Великой Отечественной» (Е. В. Гувакова, Москва), «Маргарита Эдуардовна Риттих и судьба Клинского музея П. И. Чайковского в годы Великой отечественной войны» (П. Е. Вайдман, Клин), «Московская консерватория в первые годы Великой Отечественной войны» (С. С. Голубенко, Москва), «Музыкальная жизнь Вологды в годы Великой Отечественной войны» (М. Г. Долгушина, Вологда), «Консерватория в оккупированном Киеве (19.09.1941 – 6.11.1943)» (Е. С. Зинькевич, Киев).

Немало было сделано попыток осмыслить место художника в военных событиях. В этом русле были доклады «Клод Дебюсси в годы Первой мировой войны: композитор и гражданин» (Е. Д. Кривицкая, Москва), «Клод Дебюсси: “война” на двух фронтах» (М. И. Катунян, Москва), «Актуализация темы взаимоотношений художника и времени на примере кантаты “Дневник фронтовика” Варвары Гайгеровой» (Н. О. Баркалая, Москва), «Рихард Вагнер в годы Второй мировой войны: механизмы художественного и исторического мифа» (А. О. Гордон, Москва).

Представлены были и исследования особенностей музыкального языка в широком культурном контексте – «Музыкальная интонация в эпоху глобальных катастроф» (К. В. Зенкин, Москва), «Пути “ленинградской школы” в неизведанное: Музыка В. Дешевова к кинофильму Ф. Эрмлера «Обломок империи» (1929)» (М. Н. Щербакова, Санкт-Петербург), «Трансформация концепта музыкальной агрессии в симфоническом творчестве начала ХХI века» (Е. С. Мироненко, Кишинёв), «Метаморфозы “вооруженного человека”: месса The Armed Man К. Дженкинса в историко-культурном контексте XX–XXI веков» (К. А. Жабинский, Ростов-на-Дону) и прочие.

Большой интерес вызвали доклады зарубежных гостей, в которых были затронуты такие проблемы, как «Преодоление последствий войны в области культуры: конструкция и идеология немецкой музыки на востоке» (А. Вермайер, Регенсбург, Германия), «Музыка сопротивления в СССР и за рубежом» (Р. Дальмонте, Италия), «Электронная оратория Э. Кшенека “Spiritus intelligentiae” (1955/56) в контексте сериализма после Второй Мировой войны» (Ф. Хайдльбергер, Дентон, США), «Что должна обещать музыка. Инвестиции в музыкальную политику на Восточном фронте 1941–1942 гг.: австро-немецкий композитор Й. Н. Давид» (Г. Шрёдер, Австрия). Русским исследователям данные вопросы были особенно интересны, поскольку иностранные коллеги раскрывали многие аспекты с иных позиций.

Возможность высказать свои научные взгляды в рамках конференции получили и начинающие музыковеды. В последний день СНТО консерватории под руководством доц. Р. А. Насонова организовало молодежную секцию. В ней приняли участие студенты и аспиранты из Москвы, Саратова, Берлина, Санкт-Петербурга, Ашхабада. А дополнили насыщенную пятидневную программу два концерта, организованные также силами СНТО. 22 апреля в зале имени Н. Я. Мясковского и 25 апреля в конференц-зале были исполнены произведения композиторов, переживших страшные военные годы – Мясковского, Шостаковича, Хачатуряна, Глиэра, Стравинского, Шёнберга…

Столь огромное событие, которое прошло в консерватории, неповторимо и уникально по своей сути. Его тема – Двадцатый век. Музыка войны и мира – оказалась волнующей для каждого. Чувство единения, важность происходящего можно было понять, только находясь там, проживая всё то, о чем говорилось. А прозвучавшая музыка словно продолжила дело исследователей, уже без слов рассказывая присутствующим в переполненных залах о прошедшей мировой трагедии.

Елена Никифорова,
аспирантка МГК

Второе путешествие по выставке ARTинок

Авторы :

№ 9 (1320), декабрь 2014

Ансамбль «Студия новой музыки» и Центр современной музыки МГК вновь и вновь не перестают радовать слушателей интересными концертами. 13 и 25 ноября в кинотеатре «Ударник» прошел необычный музыкальный спектакль-путешествие по выставке номинантов Премии Кандинского под названием «ARTинки с выставки».

Год назад усилиями консерватории и организаторов данной премии уже состоялась экскурсия по выставке работ художников, итогом которой стал концерт в РЗК. (подробнее об этом см. в «РМ» 2013, № 8 и 2014, № 2). В этот раз сочинения современных российских композиторов исполнялись непосредственно перед самими арт-объектами, а зрители перемещались по пространству кинотеатра, следуя по определенной траектории музыкального маршрута. Инициатором и куратором проекта вновь выступил Владислав Тарнопольский. По его словам, главной задачей спектакля-путешествия является не только преодоление «разрыва коммуникации» между музыкальным и художественными сообществами, но и исследование жанровых границ на пересечении новой музыки, современного визуального искусства и постдраматического театра.

После приветственного слова организаторов публике предложили разделиться на две группы, каждая из которых начнет экскурсию по своему маршруту (подробнее о нем можно было узнать из программки, выданной перед началом действа). Оказавшись во второй группе, я вместе с остальными последовала за экскурсоводом Д. Карелиным, который сопровождал нашу процессию игрой на металлической пружине. Первой «остановкой» стала пьеса Н. Хруста «OF», которую исполнили С. Чирков (баян) и В. Мирошниченко (микрохроматический электроорган). Одновременно с этим мы могли наблюдать видеоинсталляцию «Триалог» арт-группы «Куда бегут собаки». Медленное вращение «снежных комьев» по белому пространству на экране словно гипнотизировало, а в синтезе с непрерывным длящимся звучанием создавало ощущение бесконечного движения. Инструменты, первые буквы которых обусловили название пьесы (organ, fisgarmonica), по словам автора, находились в состоянии единства, в котором баян оказался более статичен, чем меняющий параметры звука электроорган.

Увлекаемые загадочным шепотом нашего экскурсовода, я и моя группа обнаружили, что находимся в темном квадратном помещении, изобилующем различными объектами. Все тот же С. Чирков (теперь уже на аккордеоне) воспроизвел пьесу Н. Попова «Биомеханика», написанную специально для данного проекта. Арт-объектом выступила «Дефрагментация» В. Линского, которая, по его словам, сопоставляет память жесткого диска компьютера и свою собственную информацию, избираемую по определенным критериям. Композитор, в свою очередь, поставил перед собой задачу «трансформировать биологические процессы в механические и наоборот». Идеи художника и композитора слились в музыкально-световом действе, в котором яркие вспышки изображений на экране гармонировали с электроникой и звуками аккордеона – создавалось ощущение, будто из небольших хаотичных фрагментов рождалось единое целое, постоянно меняющее свою форму.

Центральной точкой спектакля стал музыкальный перформанс «Зеркало Галадриэль» Е. Рыковой, который вошел в финал Премии Кандинского 2014 года. В роли актеров-исполнителей выступили экскурсоводы Д. Карелин и А. Елина, которые расположились по разные стороны теннисного стола, разделенного сеткой, и совершали различные, зеркальные по отношению друг к другу движения. Их «инструментами» были сосновые и еловые шишки, которые издавали звуки при взаимодействии со столом. Этот завораживающий перформанс – история контакта двух людей на расстоянии, рассказанная без слов, – не оставил зрителей равнодушными. После этого сочинения обе группы поменяли свое направление и экскурсовода, продолжив маршрут в обратном порядке.

В фойе кинозала, где ранее проходил круглый стол с музыкантами этого проекта, нас встретил композитор В. Горлинский. Получив словесную партитуру его пьесы «Пойдем со мной?» с указаниями действий, мы должны были ее воплотить при помощи собственного голоса. Вместе со словами-призывами из видеоинсталляции «Добираясь вместе» художницы А. Барвер, композитор приглашал публику поучаствовать в эксперименте – петь и слушать не только себя, но и других, сливаться в звучании и абстрагироваться от него. Люди, не имеющие опыта в подобных перформансах, поначалу смущались и тихо пели в унисон с остальными, но потом игра их увлекла и многие воспроизводили различные жужжания, шепот и даже смех.

Путешествие продолжила пьеса Д. Бурцева «Mute» для флейты и ансамбля. Музыканты расположились в разных углах одного пространства и в процессе исполнения неоднократно перемещались. Слушателям было предложено надеть 3D-очки, в которых видеоинсталляция арт-группы «Синий суп» предстала в красно-зеленом цвете. По словам композитора, «идея пьесы состоит в наличии подозреваемой слушателем конструкции, которую он тщетно пытается уловить, осознанно или неосознанно строя различные предположения». Постоянно ускользающая структура не только звучания, но и изображения на экране призывала слушателя-зрителя не переставать фантазировать и создавать собственные объекты.

Пьеса В. Николаева «Кьюик амокусь» (новая версия была написана специально для данного мероприятия) стала финальным аккордом экскурсии обеих групп, которые встретились в фойе. Кстати, объединились и зрители и исполнители, которые на протяжении всего сочинения не только демонстрировали различные возможности своего инструмента (чаще всего сонорные звучания и шумы), но и произносили странные, искусственные слова тонкими голосами, вызывая аллюзии на «хливкие шорьки» Л. Кэррола. На этом сочинении, которое у многих вызвало улыбку, путешествие подошло к концу. Но всего на некоторое время – через полчаса маршрут стартовал уже с новыми группами.

Несомненно, этот проект – яркое событие. Синтез новой музыки, графики, постдраматического спектакля, перформанса, хэппенинга и инсталляции расширил границы восприятия участников. Диалог между исполнителями и слушателями, возможность самим поучаствовать в действе вне зависимости от профессии и возраста (в группах были и пожилые люди, которые с удовольствием следовали указаниям экскурсоводов) лишь подчеркнули неразрывное единство всех видов современного искусства, которое продолжает развиваться и обновляться.

Надежда Травина,
студентка ИТФ
Фото Егора Хрипко

Этот многополярный музыкальный мир

Авторы :

№ 8 (1319), ноябрь 2014

Ансамбль Академии шашмакома Таджикистана

Феерическим концертом корейской музыки самульнори завершился 26 октября 2014 года грандиозный по своей культурной и общественной значимости международный симпозиум «Музыкальная карта мира», организованный научно-творческим центром «Музыкальные культуры мира» Московской консерватории. Неукротимые барабанщики ансамбля «Мэк» корейской школы Вон Гван настолько «зажгли» слушателей, переполнивших зал Центральной детской библиотеки, что многие из них, юных и не очень, по первому зову музыкантов ринулись на сцену, чтобы самим стать непосредственными участниками этого жизнеутверждающего звукового буйства. А двумя днями раньше руководитель школы, мастер Хан Санг Дон досконально разъяснял в своем докладе, уже в научной части симпозиума, суть и технические каноны музыки

Ансамбль музыки тасаввуф Министерства культуры и туризма Турецкой Республики

самульнори, и выступление его заняло целый час, поскольку вопросов у слушателей было много, а ответы порождали новые вопросы.

За три часа до концерта ансамбля «Мэк», в том же зале детской библиотеки с неменьшим успехом выступал Фольклорный ансамбль Московской консерватории, и люди, присутствовавшие до этого на докладах руководителя ансамбля, профессора Н. Н. Гиляровой и ее недавней аспирантки Марины Альтшулер, могли на живом примере сопоставить полученную информацию с бесценными образцами песен и обычаев, бережно записанных в экспедициях и с любовью воспроизводимых ансамблем. Подобный принцип соотнесения темы научного доклада и живой демонстрации, сопряженной с данным исследованием традиции, сопровождал всю работу симпозиума и, кажется, этот метод оказался результативным, поскольку в адрес организаторов поступило множество благодарных откликов от слушателей докладов и концертов.

Доклад Халмурзы Курбанова. Таджикистан

Международный симпозиум «Музыкальная карта мира» проводился впервые, но в основе его концепции лежит 30-летний исследовательский опыт научно-учебного направления «Музыкальные культуры мира», развиваемого в Московской консерватории на основе методологии Дж. К. Михайлова (1948–1995). Концепция симпозиума опиралась на представление о многополярность звукового мира планеты, пронизанного сегодня и во все времена интенсивными процессами информационного обмена. О маршрутах распространения музыкальных традиций по территории земного шара, о циркуляции звуковых идей между цивилизациями, о древних традициях, продолжающих свою жизнь в сегодняшних культурах, рассказывали участники форума из разных стран.

Закончился концерт Хосейн Нуршарга и группы Фераг, Иран

Показательным было, например, выступление австралийской исследовательницы Алисон Токиты, руководителя Научного центра традиционной японской музыки при Университете искусств в Киото, попытавшейся представить музыкальную культуру Японии в системе взаимосвязей традиций на территории всей Восточной Азии. Японский ученый Гэнъити Цугэ, создавший ряд антологий и энциклопедических работ по японским, арабским, иранским и другим музыкальным традициям, обратился к теме влияния монгольских музыкальных явлений на культуры Западной Азии.

Особое место в программе симпозиума заняли системно-аналитические исследования ведущих принципов модального мышления в регионах Ближнего и Среднего Востока и Южной Азии (рагимугама, макома и др.). Важно, что именно эта часть теоретических рассуждений была убедительнейшим образом подкреплена концертами, демонстрирующими живые традиции. Так, в исполнении бакинского ансамбля «Гадим Шарг» («Древний Восток»), руководимого Махмудом Салахом, уникальным

Китайский гуцинь, играет Сергей Нарышкин

исполнителем на гавале, прозвучали образцы азербайджанского мугама. Мастер индийского классического вокала и игры на табла Гульфам Сабри вместе с известным исполнителем на сароде Акашем Сергеем Анцуповым и Лилой Людмилой Журковой (тампура) из Латвии выразительно продемонстрировали неумирающее искусство раги. Ансамбль Академии шашмакома Таджикистана под руководством Абдували Абдурашидова, виртуоза-исполнителя на струнно-смычковом инструменте сато, привезли масштабную программу уже полузабытого в Москве таджикского макома. И было чрезвычайно интересно сопоставлять слуховые впечатления от звукового строя этой музыки с соседней, родственной, но в то же время абсолютно другой фергано-ташкентской традицией макома, которой щедро поделились с нами мастер Ульмас Расулов (гиджак) и Кахрамон Тураев (дойра).

Иранская культура была представлена на симпозиуме двумя мощными явлениями, входящими в мировое культурное наследие: иранским классическим авазом, блистательно прозвучавшим в Рахманиновском зале в исполнении Хосейна Нуршарга в сопровождении группы «Фераг», и поистине уникальной традицией та’зийе – одного из древнейших на земле мистериально-театральных действ. Этот спектакль (меджлес шаби-хани
«Хорр») в исполнении известной группы из города Казвина был показан в театре «Сфера» с подробным предварительным и последующим разъяснением специально приехавшего для этого на симпозиум иранского исследователя Ардешира Салехпура, признанного лучшим специалистом в области изучения иранского традиционного театра. Особую атмосферу на симпозиуме создала серия докладов и концертов, посвященных мировой традиции суфизма. В этом русле прошли события, связанные с празднованием под эгидой ЮНЕСКО

Концерт фольклорного ансамбля МГК

столетнего юбилея Зиедулло Шахиди, удивительной личности, основателя таджикской композиторской школы, но при этом страстного защитника (это в советское-то время!) идей и традиций суфизма. О судьбе и творчестве композитора, а также о путях таджикской музыки поведала дочь композитора, востоковед и культуролог Мунира Шахиди. Наряду с уже упомянутым концертом таджикской музыки, приуроченным к данному юбилею, в концертную программу форума был включен концерт канадского квартета саксофонов «Квазар», представившего аранжировки произведений Зиедулло Шахиди, сделанные внучкой композитора Фарангис Нуруллой-Хаджой, а также музыку самой Фарангис и некоторых канадских композиторов, обращающихся в своем творчестве к звуковому материалу разных народов мира. Тему непреходящего значения культуры суфизма для огромного региона Ближнего и Среднего Востока выдвинули на обсуждение исследователи из Турции Ондер Озкоч и Бурак Тюзюн в своих докладах о звуковой символике и о феномене музыканта в мевлевийской традиции. В связи с этой сферой научных интересов впервые в стенах Московской консерватории прозвучала подлинная музыка священного мевлевийского ритуала «Аджембуселик Айин-и Шерифи» в исполнении музыкантов высочайшего уровня, приехавших в Москву из мирового центра суфизма – турецкого города Коньи.

Концерт фольклорного ансамбля МГК

В числе участников симпозиума в качестве признанных исследователей в своей области были приглашены и люди, чье научное становление связано с Московской консерваторией. Это Кэтти Вонг (Эквадор) с ее оригинальным исследованием механизмов китайского влияния на латиноамериканскую сальсу. Это Елена Гороховик (Беларусь), выступившая с концептуальным докладом о современных процессах, видоизменяющих «музыкальную карту мира». Это Татьяна Карташова (Россия, Саратовская консерватория), поднявшая тему современности на материале сегодняшней культуры Индии. Это недавняя аспирантка консерватории Чэнь Чжэнтин (Тайвань), исследующая философско-символические параллели между китайской и европейской культурами. Это

Сцена из иранской мистерии тазийе

Анастасия Новоселова (Россия, Московская консерватория), являющаяся на сегодняшний день единственным специалистом в России в области изучения древней традиции гуциня в Китае.

Симпозиум «Музыкальная карта мира» проявил реальный, можно сказать жгучий интерес современного музыкознания к проблеме жизни древних традиций в современном мире. А не менее горячий интерес публики к сопровождавшим его концертам стал свидетельством неугасающей потребности человеческих сердец прикоснуться к глубоким, истинным корням музыкальных культур мира.

Доцент М. И. Каратыгина,
руководитель научно-творческого центра «Музыкальные культуры мира»
Фото Яхья Джебели

Отклики участников симпозиума

Елена Гороховик (Беларусь):

Современного музыканта, активно функционирующего в мире своей профессии, трудно чем-либо удивить. Мы оказались в ситуации, когда сняты все барьеры, которые ещё недавно ограничивали нас в постижении музыки различных эпох и народов. Доступно абсолютно всё, стоит только нажать кнопку компьютера, пойти в концертный зал или зайти в ближайший музыкальный магазин. И всё же, это иллюзия. Иллюзия вседозволенности, которая размывает истинные смыслы того сакрального пространства, имя которому — Звук. И вот наступает час, и мы встречаемся с явлениями, постижение которых делает нас глубже, мудрее, человечнее. В этом смысле для меня уникальными событиями не только профессиональной, но и общечеловеческой значимости становятся мероприятия, проводимые научно-творческим центром «Музыкальные культуры мира». Нынешний международный симпозиум «Музыкальная карта мира», с его ошеломляющей своим разнообразием и глубиной программой, не просто впечатлил. Он вселил во всех нас, кто был причастен к работе этого уникального мероприятия, оптимизм и веру в то, что истинные ценности человеческого духа, не лежащие на поверхности, не поддаются тлену и по-прежнему хранят в себе мощный заряд созидательной энергии.

Акаш Сергей Анцупов, Лила Людмила Журкова (Латвия):

Международный симпозиум «Музыкальная карта мира», прошедший в Москве 18–26 октября, в котором мы приняли участие, оставил глубокое впечатление и запомнится нам, как самое яркое событие 2014 года. Хочется сразу отметить, что симпозиум «Музыкальная карта мира» стал логичным продолжением уже существующих проектов Центра «Музыкальные культуры мира» Московской консерватории, таких как Международный научно-практический семинар «Многоликий Chronos Musicus», Международный круглый стол «Звуковые архетипы индоевропейской культурной общности», ежегодные Международные музыкальные фестивали «Вселенная звука», «Душа Японии», “Собираем друзей” и множество других не менее интересных проектов. 

Деятельность Центра «Музыкальные культуры мира», на наш взгляд, сродни Александрийской библиотеке. Собирать уникальные образцы музыкальных традиций мира, бережно сохранять опыт старых мастеров, помогать, развивать, обучать, делиться — это бесценный вклад в сохранение и популяризацию музыкальной культуры мира. Нет необходимости говорить об огромной образовательной работе, которую Центр «Музыкальные культуры мира» беспрерывно проводит, открывая новые имена талантливых молодых исполнителей и маститых, но малоизвестных музыкантов, достигших вершин мастерства.

Благодаря уникальной научной методологии изучения музыкальных культур мира, созданной Дж. К. Михайловым, его ученикам и последователям, сегодня Московская консерватория несомненно заняла лидерские позиции и в этом аспекте изучения музыки в мире. Достаточно вспомнить несколько выступлений участников «Музыкальной карты мира», чтобы осознать верность сказанного.

Самым поразительным открытием симпозиума, на наш взгляд, была древняя мистерия «Та’зийе», в которой музыка, реальность, прошлое и настоящее, смерть и будущее всё слилось и перенесло нас в мир, где добро всегда побеждает зло. Китайский гуцинь, иранский аваз, мугамы, скрипки, кеманчи, табла, раги…. — всё соединилось, переплелось и очень наглядно продемонстрировало, как бесценен каждый звук, каждый народ, каждая традиция, потому что всё это вместе бесконечная любовь и гимн Творцу.

Чэнь Чжэнтин (Тайвань):

В этом симпозиуме меня поразила идея, что звуки сами говорят за себя. Того, что изложено письменно или устно, не хватает, чтобы объяснить музыку, без показа реальной звуко-музыкальной традиции. Несколько концертов подряд, представляющих музыку стран — бывших членов Советского Союза, казавшуюся уже устравшей темой, наглядно продемонстрировали нам действительные следы перемещения и развития системы макама в Средней Азии. Причём, это единство является не только следствием политических процессов в последние столетия, но проявляет жизнь культуры как живого организма с древности до сих пор.

Благодаря концертам и докладам мы получили возможность узнать ближе различные музыкальные традиции: корейские, китайские, японские и другие, — их современное развитие и историю, происхождение инструментов, разные правила организации музыкальных элементов. Таким образом, действительно была проявлена «музыкальная карта мира» с тонкими, деликатными и условными контурами между разными музыкальными традициями. Я благодарю Московскую консерваторию и организаторов этого симпозиума за возможность участия в столь знаменательном собрании, которое продемонстрировало тонкий вкус и мудрость в понимании чужих культур.

Ондер Озкоч (Турция):

В целом я считаю, что такое мероприятие, как симпозиум «Музыкальная карта мира», на котором собралось множество исследователей и музыковедов из разных стран, позволяет взглянуть на вещи по-новому, осознать тот факт, что межкультурное взаимодействие гораздо важнее той разобщенности, которая господствовала в прошлом. Ведь если мы посмотрим на то, как музыка воспринимается во всем мире, то поймем, что каждый обладает своей собственной перспективой в отношении к ней.

Я желаю, чтобы данный симпозиум и в будущем не утратил своей актуальности, и чтобы та новая перспектива, которую он открыл перед своими участниками, позволила бы и впредь постигать глубокие корни музыкальной концепции. Я хотел бы также выразить свою искреннюю благодарность организаторам за оказанный нам теплый прием.

Халмурза Курбанов (Узбекистан):

Огромное спасибо за приглашение принять участие в таком солидном культурном форуме, как симпозиум «Музыкальная карта мира». Организация симпозиума, без лести, была на высшем уровне — об этом мне сказали и наши музыканты. Места проведения конференции и концертов часто менялись. Не знаю, с чем это было связано, но для меня это обернулось выгодной стороной, так как дало возможность посмотреть разные залы и аудитории, корпуса консерватории. Это было своего рода экскурсией, а сдругой стороны, позволило мне ощутить саму консерваторию полнее.

Если быть откровенным, мы перед поездкой несколько сомневались по поводу восприятия узбекской традиционной музыки вашей аудиторией. На это есть основания, потому что узбекские макомы не всегда легкопринимаются современным слушателем даже у себя в Узбекистане (особенно молодежью), не говоря о близких соседях — Казахстане, Киргизии, Туркменистане. Но поразила осведомленность и жажда московского слушателя по макомной музыке таджиков, узбеков, да и вообще, традиционной музыки народов Востока.

После концерта к нашим музыкантам подходили люди из зала, большинство не музыканты, а представители разных других профессий, задавали вопросы, завязались беседы с последующим фотографированием на память. И слушатели проявили не только обычный интерес, но и определённые знания о нашей культуре. Вот это больше всего поразило. По словам наших музыкантов, такой живой интерес московских слушателей придал им чувство удовлетворенности своей работой. Адекватная реакция со стороны публики дала нам почувствовать взаимную пользу от этих концертов и докладов.

Конечно, каждый судит по себе, но думаю после данного симпозиума каждый из музыкантов и докладчиков уезжал домой с большой надеждой ещё раз вернуться в Москву для участия в таких симпозиумах в стенах Московской консерватории.

Земной поклон всем организаторам симпозиума за их работу. Мы все чувствовали себя уютно, комфортно на протяжении всего мероприятия.

Кэтти Вонг (Эквадор):

Я хотела бы поздравить Московскую консерваторию с организацией симпозиума «Музыкальная карта мира», который дал участникам возможность познакомиться с разными музыкальными традициями мира через доклады и выступления выдающихся ученых, музыкантов и ансамблей. Будучи представителем Латинской Америки, занимающимся этномузыкологией в Соединенных Штатах Америки, я особенно высоко оценила возможность приобщиться к таким малоизвестным в Америке музыкальным культурам, как, например, музыка Азербайджана, Узбекистана и Таджикистана. Я считаю, что организаторам симпозиума удалось с успехом обеспечить обмен опытом и знаниями между представителями разных музыкальных культур. Например, обсуждения иранской музыкальной мистерии Та’зийе и турецкой традиции Мевлеви, проходившие в первой половине дня, сопровождались живыми выступлениями музыкантов вечером. Будучи сама выпускницей Консерватории я была рада, вернувшись в свою альма-матер, узнать, что Московская Консерватория проводит подобные международные симпозиумы, которые важны для стимулирования культурной осведомлённости и взаимопонимания между людьми разных регионов, религий и культурных наследий. Всех сотрудников центра «Музыкальные культуры мира» благодарю как за замечательную организацию мероприятия, так и за их доброе гостеприимное отношение к участникам симпозиума.

Песня держит нас вместе

№ 1 (1312), январь 2014

А. В. Руднева в кабинете

В Московской консерватории с 7 по 10 ноября прошел Музыкальный фестиваль и Пятая международная научная конференция «Музыкальный фольклор и этномузыкология: век XXI», посвященные 110-летию со дня рождения выдающегося ученого-фольклориста и замечательного музыканта Анны Васильевны Рудневой (1903–1983). Все, кто знал Анну Васильевну, помнят, что народная песня не была для нее лишь материалом для изучения – она была частью ее жизни, предметом искренней и горячей любви. Эту любовь к народной песне, а вместе с ней к родной земле, Анна Васильевна старалась передать всем, кто ее окружал. Не случайно профессор А. С. Соколов, открывая конференцию, сравнил ее отношение к народной культуре с родительской любовью к новорожденному ребенку. Вступительное слово ректора, согретое личными воспоминаниями об увлекательных рудневских лекциях, сразу придало событию возвышенно-благожелательный тон.

Рубеж веков, а уж тем более тысячелетий, издавна служил основанием для подведения итогов, обобщения, предчувствия грядущих перемен. В известной мере это относится и к настоящему моменту в истории музыкально-фольклористической науки, ныне вошедшей в состав более обширной дисциплины – этномузыкологии. Упоминание XXI века в теме конференции отнюдь не случайно: этномузыкология, теснейшим образом связанная с собирательской работой, постоянно фиксирует реалии сегодняшнего дня – состояние народных певческих традиций, социальные процессы в разных регионах России; использует современные методы аудио- и видеозаписи, технологии реставрации записей на устаревших носителях. Если еще 20–30 лет назад собиратели и исследователи музыкального фольклора предпочитали тщательно изучать дохристианские реликты в региональных традициях, то в наши дни в научный обиход вошли жанры духовной тематики, поздние слои народной культуры, проблемы не только этнической, но и национальной специфики.

Конференция была исключительно «многолюдна» – в ней выступало без малого пятьдесят человек. Несмотря на непростые экономические обстоятельства, участники приехали из разных, иногда весьма далеких, регионов России и зарубежья. География конференции впечатляет своим размахом: Москва, Санкт-Петербург, Воронеж, Вологда, Ростов-на-Дону, Саратов, Казань, Тверь, Ижевск, Новосибирск, Вятка, Краснодар, Киев, Минск, Алма-Ата, Одесса, Париж, Вена, Бельско-Бяла (Польша).

Участники конференции

Музыкальное приношение А. В. Рудневой проходило в Рахманиновском зале — четыре вечера подряд на его сцене звучал фольклор. Все концерты отличала удивительная атмосфера – теплая и искренняя. Она рождалась живой памятью об Анне Васильевне: Рудневу вспоминали несколько дней как выдающегося ученого, замечательного человека, бескорыстно и преданно служившего своему делу, любившего студентов и коллег и щедро делившегося своей любовью, своими знаниями и идеями. Просто и задушевно о ней говорили Н. Н. Гилярова, В. Г. Агафонников, В. Ю. Калистратов, С. С. Калинин, И. А. Сосновцева, а также дочь Анны Васильевны – Е. В. Руднева, поблагодарившая всех участников, организаторов и гостей Фестиваля за преданность делу собирания и изучения фольклора. Хочется присоединиться к словам С. Н. Старостина: «Все меняется: судьбы, государства, а песня держит нас вместе. Да здравствует народная песня!»

Наибольший интерес у публики вызвал первый концерт 7 ноября, поскольку в программе был объявлен этнографический коллектив из Краснодарского края. Приезд народных исполнителей в Москву всегда привлекает невероятное число слушателей, в ожидании их выхода двери зала были открыты настежь на протяжении всего концерта, взрослые стояли вдоль стен и сидели на подоконниках, дети лежали на ковровых дорожках…

Программа вечера была удивительно монолитна: звучали песни южно- и западнорусской традиций. Сначала на сцене были молодежные коллективы: два возглавляемых С. Ю. Власовой фольклорных ансамбля – Гнесинской академии и «Ромода», и «Воля» Воронежской академии искусств (рук. Г. Я. Сысоева). Кульминацией концерта стало выступление ансамбля «Истоки» из станицы Тбилисская Тбилисского района Краснодарского края (рук. В. Д. Коленова): 14 участников (в большинстве своем весьма преклонного возраста) провели на сцене около часа (!), исполнив в общей сложности 13 песен самых разных жанров – протяжные и плясовые, фрагмент свадебного обряда, щедровки и др.

Ансамбль «Истоки»

Бесспорно, этнографические коллективы существенно отличаются от молодежных фольклорных ансамблей. Носители традиции живут в ней, органично перенимая её от старших поколений (порой, кажется, на генетическом уровне), в то время как городские коллективы всего лишь имитируют. Особенно заметно было иное отношение народных исполнителей к звуку: без малейшего форсирования, более богатое нюансами, бережное и деликатное, чем у молодежных ансамблей, пусть даже весьма опытных и профессиональных. Примером подобного превосходного владения традицией было пение запевалы ансамбля «Истоки», В. К. Мясищевой. Вместе с подголоском Л. В. Гулимовой и остальными участниками она устроила незабываемый праздник, вызвав восторг и благодарность публики, не желавшей отпускать гостей со сцены.

Жаль, местная администрация Тбилисского района Краснодарского края совершенно не ценит этого богатства. Было грустно слышать от исполнителей, что их коллектив собираются распустить в связи с недостатком средств. Да и официальные обещания краевого Министерства культуры профинансировать поездку «Истоков» в Москву не были выполнены, в итоге певцы приехали за свой счет. Спасибо Государственному республиканскому центру русского фольклора, выделившему средства на размещение их в гостинице!

На втором концерте выступили семейный ансамбль «Горошины» из пос. Небольсинский Жуковского района Брянской области, Фольклорно-этнографический коллектив «Межа» Тверского музыкального колледжа им. М. П. Мусоргского (рук. И. Н. Некрасова), фольклорные ансамбли Московской и Санкт-Петербургской консерваторий – старые добрые друзья, высокопрофессиональные музыканты, творческое сотрудничество которых насчитывает без малого 35 лет. А завершил программу ансамбль «Виртуальная деревня», состоящий из прежних участников фольклорного коллектива МГК, ныне живущих в разных городах и странах, но сохранивших любовь к народной песне и потребность в совместном концертировании. Конечно, «виртуальность» существования накладывает отпечаток на качество реального звучания, но эмоциональная выразительность и тембровая красота запевалы и подголоска (С. Концедалова), искренность и самоотдача на сцене всех исполнителей, их преданность фольклору и друг другу, безусловно, подкупают.

Ансамбль «Горошины»

Оба заключительных концерта были отданы профессионалам. Прозвучали интересные студенческие обработки народных песен, а также произведения Т. А. Чудовой, В. Г. Агафонникова, В. Ю. Калистратова, Р. C. Леденева. Участие в программах приняли Народный хор РАМ им. Гнесиных (рук. В. А. Царегородцев) и Хор Московской консерватории под управлением проф.С. С. Калинина. Причем в первый  вечер гнесинцы подарили публике обработки народных песен самой А. В. Рудневой, исполнив их тонко, музыкально и современно.

Уже в пятый раз Научный центр народной музыки им. К. В. Квитки выступает организатором конференции и фестиваля памяти А. В. Рудневой. Но в этом году они впервые имели статус мероприятия, посвященного предстоящему в 2016 году юбилею Московской консерватории. Поддержка ректората и многих других служб ВУЗа во многом облегчила работу по подготовке и проведению столь масштабного музыкального праздника, за что всем огромная благодарность. Особенно хочется выделить сотрудников архива, по собственной инициативе подготовивших чудесную выставку, посвященную А. В. Рудневой. А главная благодарность прозвучала со сцены из уст проф. Н. Н. Гиляровой, инициатора Фестиваля и бессменной ведущей всех концертов, в словах, обращенных к Анне Васильевне Рудневой: «Спасибо ей за все! И за эту встречу тоже!»

Ансамбль «Виртуальная деревня»

Е. В. Битерякова,
Т. А. Старостина,
НЦНМ им. К. В. Квитки

Из стали и золота

Авторы :

№ 6 (1308), сентябрь 2013

«Музыка прежде всего должна быть любима; должна идти от сердца и быть обращена к сердцу» – эти слова как нельзя более точно подходят к музыке их автора Сергея Васильевича Рахманинова. Действительно, все рахманиновское творчество – это высказывание невероятной искренности. И прав был И. Гофман, говоря: «Рахманинов был создан из стали и золота: сталь в его руках, золото – в сердце».

Весной 2013 года исполнилось 140 лет со дня рождения великого русского композитора. Вся культурная общественность откликнулась на это событие циклами концертов, лекций, научными конференциями. Одним из самых интересных и значительных мероприятий стала Международная научно-практическая конференция «Рахманинов и XXI век. Прошлое и настоящее», прошедшая с 18 по 20 апреля в Москве.

Это событие тщательно планировалось и готовилось Московской консерваторией совместно со Всероссийским музейным объединением музыкальной культуры имени М. И. Глинки и Русским музыкальным издательством. Безусловно, кафедра истории русской музыки МГК не могла не стать инициатором подобного мероприятия, но оно оказалось настолько ожидаемым и востребованным, количество заявок на участие было настолько велико, что стал необходим дополнительный день.

Такой живой отклик еще раз обращает внимание на невероятную популярность музыки Рахманинова в современном культурном пространстве. Более 40 участников представили свой взгляд на различные вопросы, связанные с рахманиновским миром, его личностью, творчеством. Российскими гостями научной конференции стали делегаты из Санкт-Петербурга, Саратова, Ростова, Уфы. Ближнее и дальнее зарубежье были представлены Украиной, Молдавией, Великобританией и США.

Проблематика, освещенная на конференции, явила собой широкий исследовательский спектр – от «Научных аспектов издания Полного собрания сочинений С. В. Рахманинова», представленных В. И. Антиповым, и до нестандартной постановки вопроса «Рахманинов в мире массовой музыки» в докладе А. М. Цукера. Особое внимание было уделено состоянию фондов композитора: «Вперед, к Рахманинову, или как это было. 1940-е…» И. А. Медведевой и «Ивановка. Создание усадьбы. Становление и развитие. Гибель. Возрождение. Перспективы развития» А. И. Ермакова.

Интересный взгляд на исполнительские вопросы предложил гость из Великобритании Д. Норрис («Фортепианные сонаты С. Рахманинова: дилеммы исполнителя»). Новое «звучание» обрела симфоническая поэма «Утес» в связи с вопросами рахманиновской программности, представленными К. В. Зенкиным («О программности в произведениях Рахманинова»). Отдельное тематическое ответвление образовали сообщения, связанные с сопряжением рахманиновского мира и национальных культур: Е. Р. Скурко («Творчество С. В. Рахманинова и некоторые проблемы развития национальных музыкальных культур XX века») и Е. С. Мироненко («Рахманинов и Молдова: биографические и творческие связи»).

Неизменно привлекающие исследовательский интерес вопросы взаимодействия слова и музыки были освещены Е. И. Чигаревой – «Рахманинов и Чехов (романс “Мы отдохнем”)» и Л. Л. Гервер – «Поэзия романсового творчества С. Рахманинова и Н. Метнера». Новый подход к анализу стиля композитора был предложен И. А. Скворцовой в докладе «Принципы модерна в творчестве С. В. Рахманинова. “Остров мертвых” в авторской интерпретации».

Целый ряд работ был связан с яркими современниками Рахманинова: «М. Глиэр – современник С. Рахманинова» (Т. Ю. Масловская), «Н. С. Голованов – интерпретатор музыки С. В. Рахманинова» С. Д. Дяченко, «С. Рахманинов и Вл. Немирович-Данченко. К вопросу о музыке в МХТ» (А. В. Наумов), «С. Рахманинов и Ф. Гартман: к истории переписки» (Н. Д. Свиридовская) и др. Интересные архивные исследования легли в основу сообщений Е. С. Власовой («Титулярный советник С. В. Рахманинов») и Е. М. Шабшаевич («»Он любил делать людям добро…» Рахманинов – участник московских благотворительных концертов»).

Научная часть проходила в конференц-залах консерватории и музея им. Глинки. Все три дня с утра и до вечера шла чрезвычайно интенсивная и интересная научная работа, царила творческая и теплая атмосфера. Все это говорит о высочайшем профессионализме участников и ведущих каждого заседания научной конференции. К большому сожалению, невозможно перечислить все доклады, можно лишь сказать, что среди них не нашлось неинтересных или неярких. Все представленные темы были актуальны, все сообщения находили самый живой отклик. Причем особой «изюминкой» конференции стало разнообразие форм «высказывания».

Помимо традиционных для подобного мероприятия научных выступлений в программу были включены кинопоказы, стендовые доклады, а также обширная концертная программа, образовавшая двухдневный мини-фестиваль. Он включил в себя камерные вокальные и инструментальные произведения Рахманинова, а также его хоровую музыку. Первый концерт прошел в Рахманиновском зале консерватории, а на следующий вечер слушателей принял Прокофьевский зал глинкинского музея.

В концертах участвовали лауреаты международных конкурсов – выпускники, студенты и аспиранты Московской консерватории. Два замечательных фортепианных дуэта И. СиливановаМ. Пурыжинский и П. СвиридовскаяВ. Румянцев исполнили, соответственно, Сюиту для двух фортепиано № 2 ор. 17 и Симфонические танцы ор. 45. С серией салонных пьес ор. 10 выступил яркий пианист С. Главатских. Одно из самых эмоциональных сочинений Рахманинова – виолончельную сонату соль минор – проникновенно исполнили Э. Мартиросян (виолончель) и К. Апалько (фортепиано). Вокальная музыка Рахманинова прозвучала в интерпретации К. Леонидовой (меццо-сопрано), К. Титовченко (сопрано), И. Поливановой (сопрано), И. Щербатых (бас). Нельзя не сказать о высочайшем мастерстве всех концермейстеров: К. Погосбековой, И. Соловьевой, И. Анохиной, Н. Авраменко.

В исполнении Камерного хора МГК (художественный руководитель А. Соловьев) прозвучали произведения Рахманинова для хора, а также хоровые обработки его романсов. А завершило двухдневную музыкальную программу «Новое трио» в составе С. Главатских (фортепиано), Д. Германа (скрипка) и О. Бугаева (виолончель), подарившее слушателям пронзительное Элегическое трио № 2.

Богатая и разнообразная программа конференции предстала словно увлекательная книга о великом русском композиторе, пианисте и дирижере Сергее Васильевиче Рахманинове, позволившая погрузиться в его необычайно богатый образный мир. Можно надеяться, что она воплотится в научном сборнике по материалам конференции, который готовит к выпуску кафедра русской музыки Московской консерватории.

Елена Потяркина,
преподаватель МГК

Каждый день — прекрасный день!

 № 7 (1300), октябрь 2012

Легко представить себе, как один из оригинально мыслящих и творчески неутомимых композиторов, создатель нетрадиционных способов сочинения музыки Джон Кейдж отпраздновал бы свое 100-летие: это был бы хэппенинг, соединивший все возможные виды интеллектуально-творческой деятельности юбиляра!

Он был и остается владельцем дум музыкантов и представителей других видов искусства. При жизни ему удалось создать особую, насыщенную, может быть дискуссионную творческую атмосферу и увлечь своими идеями деятелей культуры разных стран. Будучи одной из самых влиятельных фигур в истории современной музыки, Кейдж притягивал к себе людей не только своими яркими творческими находками, но в первую очередь – своей неординарной личностью. Одной из любимых у Кейджа была дзен-буддийская пословица «каждый день – прекрасный день». «Детская улыбка, мягкий и благородный голос, блестящий ум, стремление дотянуться до далекого горизонта, на котором все искусства сводятся вместе в единое целое», – таким, по словам американского музыковеда А. Рича, запомнился Джон Кейдж.

Этот «парадоксов друг» стал классиком авангарда и заслужил такой интересный и насыщенный событиями международный фестиваль «Musicircus Джона Кейджа», который с успехом прошел в Московской консерватории (5–20 сентября; художественный руководитель проф. А. Б. Любимов). Проф. А. З. Бондурянский, открывая мероприятие приветственными словами к публике, подчеркнул, что в международном музыкальном мире, отмечающем 100-летие со дня рождения Кейджа, московские «празднества» выделяются масштабом концертных программ, серьезностью подачи и широтой охвата творческих направлений «не композитора, а изобретателя, но – гениального».

Юбилейные торжества включили пять концертов и научно-практическую конференцию, на которых посетителям также показали несколько документальных фильмов, посвященных Джону Кейджу, прочли знаменитую «Лекцию о Ничто» в сопровождении музыки автора, представили ряд аудио- и видеопроекций, созданных Игорем Кефалиди. В Рахманиновском зале консерватории выступило несколько десятков музыкантов, в том числе Алексей Любимов, Иван Соколов, Светлана Савенко, Наталия Пшеничникова, Владимир Горлинский, Станислав Малышев, ансамбли ударных Марка Пекарского и «Opus Post» Татьяны Гринденко, Нью-Йоркский ансамбль Алана Файнберга  (США) и многие другие. Пожалуй, впервые в нашей стране на концертах фестиваля не только прозвучали наиболее знаковые сочинения знаменитого американца, включая пьесы для подготовленного фортепиано, ансамблей ударных инструментов и радиоприемников, опусы электронной и конкретной музыки, хэппенинги и перформансы, но и многое другое. В частности, был представлен богатый музыкальный мир Нью-Йорка эпохи Кейджа (Фелдман, Вольпе, Картер, Беббит, Вуоринен, Тюдор, Вулф), его предшественников (Сати, Шенберг, Айвз, Варез, Кауэлл), а также сочинения российских композиторов, связанные с творчеством юбиляра (Соколов, Корндорф, Карманов, Батагов, Загний, Мартынов, Тарасов, Горлинский). И сами программы концертов были интересны и названия выразительны: «Портрет художника в день рождения», «Путеводитель Джона Кейджа по грибным местам музыкального Нью-Йорка», «“Кейдж-марафон”: непреднамеренность и взаимопроникновение».

В конференции «Джон Кейдж: творческие пейзажи» (организатор – кандидат искусствоведения М. Переверзева) приняли участие музыковеды и искусствоведы из Московской, Санкт-Петербургской консерваторий, Пермского государственного института искусства и культуры, Государственного центра современного искусства и Института искусствознания Болгарской академии наук. Выступавшие стремились подытожить вековой композиторский путь Джона Кейджа, рассмотрев его в контексте истории американской музыки (О. Манулкина), ответив на непростой вопрос «почему все, что нас окружает, это музыка?» (К. Зенкин), найдя параллели между творчеством американца и Малевичем (В. Пацюков), Дюшаном (А. Бердигалиева), Беккетом (М. Божикова), Бэббитом (А. Ровнер), поп-культурой (Д. Ухов), а также отметив влияние Кейджа на органную музыку ХХ века (М. Воинова) и развитие алеаторики (М. Переверзева).

Джон Кейдж был философом в мире искусства. На протяжении всего творческого пути он искал необычные звучания, изобретал нетрадиционные способы игры, использовал различные предметы в качестве музыкальных инструментов, разрабатывал индивидуальные методы сочинения и формы. В своем творчестве он претворял фундаментальные принципы буддизма: в каждой, казалось бы, простой и случайной вещи он видел ее неслучайную и непростую суть, в каждом простом и случайном шуме слышал музыку, в каждом простом и случайном графическом рисунке находил нотную запись. Но, воплотив в звуках одну концепцию, Кейдж тут же оставлял ее и искал другую. Он придавал большое значение мобильности текста и формы и вообще творческого процесса, мышления, деяния, подчеркивая принципиальную незаконченность произведения, создаваемого непосредственно здесь и сейчас и наделяя исполнителя и слушателя авторскими полномочиями. И одной из целей фестиваля «Musicircus Джона Кейджа» была активизация творческой инициативы слушателей.

Фестиваль показал, что отношение к музыке Кейджа в России со стороны как устроителей, так и посетителей стало зрелым, профессиональным, объективным, многогранным. Если прежде реакция слушателей бывала бурной и непосредственной, а нередко и легковесной, то сейчас российские почитатели творчества Кейджа внимают его звуковым идеям на качественно ином уровне – с позиций знатоков мирового авангардного искусства, разные тенденции которого нашли отражение в опусах американца. Современная публика искушена и вправе оценивать убедительность той или иной трактовки. По признанию А. Б. Любимова, он составлял концертные программы так, чтобы наиболее полно охватить все творчество композитора:

«Мне хотелось развенчать миф о Джоне Кейдже. Он изменил искусство второй половины ХХ века едва ли не больше, чем Шенберг и Стравинский, однако репертуарной, устойчивой в слушательском сознании его музыка не стала: публике, нацеленной на индивидуальный объект музыкального искусства, в действительности далеки концепции, уводящие от традиционных форм художественной деятельности… Широта программ фестиваля показала, какое уникальное место Кейдж занимал в ХХ столетии: он стоял на самом перекрестке путей современного искусства и при этом не двигался в каком-то одном направлении, а предлагал выбрать любое из них. Достаточно вспомнить его верность таким разным мастерам сверхискусства, как Джойс, Сати, Дюшан, Судзуки, Торо. Это То, что Кейдж почерпнул у них, позволяет говорить о глубоком проникновении им в сон о жизни, в мечту о бытии, в пространство, где все объекты становятся текучими, не имеющими четких форм, прошлого и будущего, где реальность фантазии дает редкую возможность вылететь из клетки и погнаться за звуками, забытыми тишиной…. Поразительно, как Кейдж безответственно влиял, не оставляя собственных следов»…

Но фестиваль «Musicircus Джона Кейджа» оставил неизгладимый след в душах и умах московских слушателей!

М. В. Переверзева,
преподаватель МГК

 

 

Один взгляд

Авторы :

№ 7 (1300), октябрь 2012

Как писал Н. В. Гоголь, редкая птица долетит до середины Днепра. Эти строки невольно вспомнились 25 сентября в Рахманиновском зале на одном из концертов фестиваля «Музыкальные миры Юрия Николаевича Холопова». Взяв на себя смелость перефразировать писателя, я бы сказала так: редкий слушатель досидит до конца концерта из трех отделений. Хотя, чтобы вместить в себя хотя бы частицу музыкальных миров Ю. Н. Холопова, и трех отделений мало!

Для нас, нынешних студентов, Ю. Н. Холопов – человек-легенда. К сожалению, нам не довелось учиться у него, слушать лекции, писать работы под его руководством. Но все вокруг как будто проникнуто его мыслью, его присутствием. Фестиваль, в рамках которого прошли Международная научная конференция и ряд концертов, стал для нас моментом соприкосновения с Юрием Николаевичем.

Один из вечеров мне запомнился особо. Он действительно очень точно отразил название фестиваля: это не мир Юрия Николаевича, а именно мирЫ. Сочинения, которые в другом концерте противоречили бы друг другу, здесь прекрасно согласовывались. Трудно себе представить, но в одном отделении прозвучали Девятая соната Скрябина, Klavierstück IX Штокхаузена (исп. Михаил Дубов) и раннехристианское пение IV–IX веков (исп. профессор Парижского университета Егор Резников и ансамбль его учеников)! Этому нетрудно найти объяснение, ведь круг интересов Ю. Н. Холопова был необычайно широк и сочинения из разных «миров» естественно соседствовали в одной программе.

Но причина была не только в этом. Все произведения концерта стали своего рода «музыкальным приношением» великому ученому. Они звучали в этот вечер в одном настроении – in memoriam, – лишь обыгрывая его разными красками. И даже отсутствие ведущего этому способствовало: возникло ощущение, что друзья, коллеги, ученики Юрия Николаевича просто собрались, чтобы вспомнить его, сказать теплые слова и послушать любимую им музыку.

Особым подарком для всех стала «Импровизация на тему телефонного номера Ю. Н. Холопова» Давида Кривицкого, которая открыла концерт. Это произведение было исполнено впервые в мире и, возможно, стало своеобразным символом этого вечера или даже всего фестиваля. Ведь по телефону сегодня так просто связаться друг с другом! А если телефонный номер есть, а связаться уже не с кем?.. Символично и то, что «Импровизацию» исполнил внук композитора – Михаил Кривицкий. Преемственность поколений в этой известной музыкальной династии можно сопоставить с научной школой Ю. Н. Холопова.

В первом отделении также прозвучали Три песни на стихи Иона Барбу Ф. Гершковича и Пять песен Б. Бартока (соч. 15). Эти вокальные сочинения исполнили Светлана Савенко и Юрий Полубелов (ф-но). Проникновенное пение было неповторимым, заставляя замирать весь зал. Вот только неподкупные мобильные телефоны беспрестанно звонили, словно продолжая «Импровизацию» Кривицкого!

Выступление Ивана Соколова привнесло нотку юмора в этот музыкальный вечер. Он поделился с публикой своими воспоминаниями о Ю. Н. Холопове, веселыми изречениями, одно из которых: «смотрим в книгу – видим фугу»! Композитор-пианист, он исполнил два произведения: «Пение птиц» Эдисона Денисова и собственное сочинение «В небе», премьера которого состоялась на открытии мемориальной доски Э. Денисову в зале им. Н. Я. Мясковского. Два взаимосвязанных сочинения и музыкально, на мой взгляд, оказались очень близки. Разные техники, стили двух авторов объединила любовь к живой природе.

Из общего настроения in memoriam, пожалуй, выбивалось выступление последнего коллектива – театра джазовой импровизации «Импровиз-рояль» (г. Казань; художественный руководитель – Александр Маклыгин). Хотя порядком подуставшая и уже немногочисленная публика с удовольствием включалась в музыкальные игры ансамбля, наблюдала за перемещениями артистов по сцене от рояля к роялю и наслаждалась любимыми мелодиями…

«Музыкальные миры» Ю. Н. Холопова не охватить, не объять! Таков лишь один взгляд на один музыкальный вечер в память о нем.

Мария Тихомирова,
студентка
IV курса ИТФ

Монолог первокурсника

Авторы :

№ 7 (1300), октябрь 2012

Думаю, что в каком-то отношении я могу считать себя счастливым человеком. Мне выпала редкая удача выбрать в качестве будущей профессии свое любимое дело – музыку. А недавно я очутился в стенах Московской консерватории – учебном заведении не просто известном, но даже «легендарном», где все отличается от тихой провинциальной жизни. Насыщенные концертные программы. Возможность общаться со знаменитыми учеными, музыкантами, деятелями культуры. Международные связи. И самым ярким событием последних дней для меня стала Международная научная конференция в рамках фестиваля «Музыкальные миры Юрия Николаевича Холопова» (23–27 сентября при участии десяти стран, включая США).

Первое, что я почувствовал, когда попал на открытие конференции, – дух праздника, дух торжества: все мероприятия были посвящены 80-летию со дня рождения Ю. Н. Холопова. Казалось бы, это торжество – скорее дело учеников Холопова, а я… не его ученик. Но, во-первых, наследие Холопова уже давно перешло в ранг «музыковедческой классики», по которой учатся «от мала до велика» и «от Калининграда до Владивостока». А во-вторых (как заметил один из педагогов), попав в Московскую консерваторию, я автоматически стал «педагогическим внуком» Юрия Николаевича, что, мягко говоря, очень радует.

Я хочу сразу оговориться, что все из представленных докладов мне послушать не удалось. Но услышанное понравилось, заинтересовало и даже поразило. Поразило почти калейдоскопическим многообразием – тем, подходов, участников, приемов подачи материала, способов оформления, вопросов на дискуссиях… С трибуны прозвучало множество интересных фактов, которые можно отнести в разряд «а знаете ли вы?». Знаете ли вы, что книга Ю. Н. Холопова о гармонии Прокофьева при издании была сокращена более чем на треть? Что схема «пунктуации в периоде» впервые предложена И. Маттезоном? Что Чюрленис пользовался ладами ограниченной транспозиции? Что наскальные рисунки в пещерах находятся в наиболее резонирующих зонах? Что полифонисты эпохи Возрождения писали серийно?.. От богатства новых фактов у меня шла кругом голова.

Имя Ю. Н. Холопова для меня – «знаковое». Личное знакомство с Московской консерваторией началось с моего участия во Всероссийских конкурсах имени Ю. Н. Холопова, которые ежегодно проводятся коллегией профессоров под председательством И. В. Коженовой. Значение этого конкурса крайне велико – он помогает поддерживать в нашей стране интерес к музыковедению (ради чего и был впервые проведен в Рязани). Именно на пятом конкурсе им. Ю. Н. Холопова я впервые побывал в Московской консерватории и получил в подарок третий том «Гармонического анализа» Ю. Н. Холопова, «по крупицам» восстановленного Г. И. Лыжовым и М. В. Воиновой (к сожалению, понять что-то в этом томе мне пока не удалось…).

Под знаком посвящения Ю. Н. Холопову на конференции шла плодотворная научная работа и обмен опытом. А я сидел… с тетрадочкой и записывал свои впечатления. Хотя первокурснику непросто понять некоторые из представленных докладов, за выступлениями было очень интересно наблюдать (не только ЧТО, но и КАК это было сказано). Во время Круглого стола В. Н. Холопова (или, как называл ее Юрий Николаевич – «родственница первой степени родства») сказала, что каждый докладчик был представителем «холоповской школы», но при этом представлял «свое ответвление от нее». Многие участники словно проецировали в зал энергетику увлеченности, творческой заинтересованности, и во мне вновь и вновь разгорались интерес к профессии музыковеда и вера в то, что она нужна и востребована…

На всем протяжении конференции у меня было четкое ощущение, что Ю. Н. Холопов присутствует в зале. Этому способствовала и показанная видеозапись – на ней он был в том же конференц-зале, где показывался фильм, и было ясно, что он совсем недавно находился в этих стенах и беседовал с теми, с кем сейчас могу беседовать я. Его присутствие ощущалось и в той точности, с какой были организованы все выступления, за что нельзя не поблагодарить оргкомитет во главе с ректором А. С. Соколовым. Холопов присутствовал в виде той безграничной любви к музыке и профессии музыковеда, которой буквально был пропитан воздух. Но было и еще кое-что – портрет Ю. Н. Холопова, написанный Н. Н. Оленевой. С него сквозь толстые очки на нас смотрел великий человек и мудрый исследователь, который словно участвовал в конференции, принимая и обдумывая каждый вывод или предположение, но при этом зная что-то большее… Что-то великое, гармоничное, стройное, действительно «классичное». И потому бессмертное…

Дмитрий Белянский,
студент
I курса ИТФ

Пять дней в «Музыкальных мирах» Ю. Н. Холопова

Авторы :

№ 7 (1300), октябрь 2012

С 23 по 27 сентября 2012 года Московская консерватория широко отметила 80-летие со дня рождения Юрия Николаевича Холопова (1932–2003), выдающегося ученого-музыковеда, профессора кафедры теории музыки

Для каждого из нас годы, проведенные в консерватории, – несомненно, самые счастливые. Пролетевшие на «одном дыхании» в студенческую пору, они навек оставляют глубокий след в наших душах и вспоминаются с чувством теплой ностальгии и благодарности учителям. Особенно если эти учителя такие, как Юрий Николаевич Холопов…

Кажется, совсем недавно в консерватории с размахом отпраздновали его 70-летие; но эти десять лет промелькнули, как один миг. Нет с нами уже и самого юбиляра, и тех, кто принимал непосредственное участие в организации и проведении первого фестиваля «Музыкальные миры Юрия Николаевича Холопова» в 2002 году: Валерии Стефановны Ценовой и Бориса Григорьевича Тевлина – его соратников, верных сподвижников. Не вспомнить о них сегодня было бы несправедливо, ибо именно они тогда способствовали созданию особой атмосферы творчества вокруг юбилейных торжеств, задали высокую планку, на которую равнялись и нынешние организаторы. И надо признать, небезуспешно.

Состоявшиеся в честь 80-летия Ю. Н. Холопова мероприятия, инициированные кафедрой теории музыки и курировавшиеся лично заведующим кафедрой профессором А. С. Соколовым, поразили масштабом и своей концепцией. Это и три блестящие выставки, подготовленные НМБТ, Музеем имени Н. Г. Рубинштейна и Архивом Московской консерватории, и концертная программа, в которой достойное место заняли вечера-приношения Ю. Н. Холопову. Звучали старинная и фольклорная музыка, классика ХХ века и новейшие композиции, вплоть до премьер сочинений современных авторов, отразив сферу интересов и художественных вкусов Холопова.

Грандиозная конференция «Наследие Ю. Н. Холопова и современное музыкознание» (длившаяся четыре дня) собрала учеников и коллег ученого из самых разных регионов России (Санкт-Петербург, Казань, Владивосток) и зарубежья (Австрия, Бельгия, Болгария, Литва, США, Франция, Швейцария, Украина). Панорама научной проблематики и тематика докладов в полной мере продемонстрировали, сколь актуальны сегодня идеи Холопова, насколько динамично развивается созданная им научная школа.

На Круглом столе, который виртуозно провел проректор по научной работе профессор К. В. Зенкин, в финале конференции выступили В. Н. Холопова, Э. Б. Рассина, В. Г. Тарнопольский, Е. М. Царева, Л. З. Корабельникова, С. И. Савенко и другие. Прозвучали не только воспоминания о Юрии Николаевиче, его первых годах педагогической деятельности в стенах консерватории и Мерзляковского училища, но и размышления о путях развития современного музыкознания и музыкального творчества.

Своеобразным «лейтмотивом» почти каждого выступления звучала мысль о том, сколь важен вклад Ю. Н. Холопова в развитие нашей музыкальной науки, культуры, традиций Московской консерватории. Но не менее важным можно было бы назвать его вклад в каждого из нас – своих учеников, который не сводился только лишь к объему полученных знаний, профессиональным навыкам, методике… Пожалуй, не меньшим влиянием явилось для нас личное обаяние Юрия Николаевича, его удивительные человеческие качества, честность, порядочность, искренность, одержимость Наукой, необыкновенное уважение к другим людям. Вспоминается один случай. Зимой 2003 года, когда Юрий Николаевич был уже тяжело болен, студентка-теоретик очень плохо отвечала на одном из зачетов. С негодованием профессор Холопов пожурил ее: «У Вас что, семеро по лавкам, почему Вы не подготовились?» Девушка скромно промолчала и получила свою неудовлетворительную оценку. Когда она вышла из класса, один из педагогов уточнил, что эта студентка – молодая мать, недавно родила и, видимо, действительно не имела возможности подготовиться. Юрий Николаевич ничего не сказал, но спешно вышел из класса. Узнав в деканате, где сейчас может быть на занятиях эта студентка, он побежал в соседний корпус и, постучав в дверь, вызвал ее из аудитории со словами: «Простите меня, я не знал, что у вас грудной ребенок…»

В этом был весь Юрий Николаевич! Великий Ученый и великий Человек.

Доцент М. В. Воинова

Архивы и зарубежье

Авторы :

№ 4 (1296), апрель 2012

В течение многих лет Научная музыкальная библиотека имени С. И. Танеева Московской консерватории проводит Международную научно-исследовательскую конференцию «Русские музыкальные архивы за рубежом. Зарубежные музыкальные архивы в России». Каждый год она собирает научную общественность России и Зарубежья. В тринадцатый раз, 27-28 марта, двери Конференц-зала Рахманиновского корпуса вновь были открыты для участников и гостей этого события.

Благородный, всегда актуальный замысел конференции – воссоединение мирового наследия музыкантов и историков, оказавшихся по воле судьбы вдали от родины, – изложен в ее программе. География участников была представлена городами России, из ближнего зарубежья – Украиной. В этом году конференцию посетили европейские ученые из Великобритании и Нидерландов. Как выяснилось, значительный российский «след» имеет и далекая Аргентина. Масштаб изученных архивов оказался еще шире – на конференции были представлены результаты долговременной работы авторов докладов в документальных и нотных собраниях России, Великобритании, Нидерландов, Франции, Швейцарии, Аргентины, Канады и США.

На конференции обсуждались истории и судьбы архивов в целом, особенности отдельных произведений и документов. Сферу научных интересов авторов, сосредоточивших свое внимание на источниковедческих проблемах, составили самые разные аспекты жизни и творчества русских композиторов – О. А. Козловского, П. И. Чайковского, С. В. Рахманинова, Н. И. Зарембы, А. В. Абуткова, Ю. И. Арбатского, Н. С. Корндорфа. Зарубежная композиторская школа была представлена именами Дж. Сарти, Ф. Сантини, Ф. Листа. В ряде выступлений была освещена деятельность музыкальных исследователей Л. А. Бурго-Дюкудре, Э. Даннрейтера, А. Моозера, Л. С. Гинзбурга и исполнителей Р. Пюньо, М. П. Пантелеева, А. В. Святловской, М. В. Черносвитовой.

Собрание конференции приветствовал проректор по научной и творческой работе консерватории проф. К. В. Зенкин. Директор Научной музыкальной библиотеки консерватории Э. Б. Рассина произнесла вступительное слово. Выступающие говорили о большом научном пространстве, открывшемся перед исследователями русских архивов вне России, о необходимости объединять и преувеличивать знания о неизвестных источниках.

Чтения конференции открыли иностранные гости: исследователь Марти Северт (Библиотека музыки и радио Нидерландов) выступил с докладом о русских музыкальных архивах в Нидерландах, а историк музыки Диего Боскет (Национальный Университет Кужо провинции Мендоса) – о нотных рукописях композитора, педагога, музыкального просветителя А. Абуткова, который после революции 1917 года и Гражданской войны оказался в Аргентине.

На переднем плане: Э. Б. Рассина и Диего Боскет

В конференции приняли участие не только музыковеды. Н. С. Зелов, представляющий Государственный архив РФ, рассказал о переписке французского композитора, музыковеда-фольклориста Л. А. Бурго-Дюкудре с русскими музыкальными деятелями. Историк Н. В. Курков (Московский государственный областной университет) подготовил доклад по материалам архивного фонда Музея русской культуры Сан-Франциско (США) о деятельности певца М. П. Пантелеева. В докладе Д. Р. Лотова – органиста, пастора Евангелическо-лютеранской общины Св. Петра и Павла (Москва) – была отражена деятельность органистов лютеранских церквей Москвы.

Со временем у конференции сложился свой круг докладчиков. В числе ее неизменных участников – представители музеев, архивов и библиотек. Крупнейший специалист по творчеству П. И. Чайковского П. Е. Вайдман (Государственный Дом-музей П. И. Чайковского в Клину) посвятила свой доклад второй редакции Первого фортепианного концерта Чайковского в связи с исполнительской и исследовательской деятельностью Э. Даннрейтера, ее коллега по работе в Доме-музее Чайковского А. Г. Айнбиндер рассказала поистине детективную историю неизвестного письма Ф. Листа. Об открытии неведомого ранее рукописного сборника сочинений О. А. Козловского поведала сотрудник Отдела рукописей Российской государственной библиотеки Г. А. Тимощенкова. В. И. Антипов (Русское музыкальное издательство), ведущий проект издания полного собрания сочинений С. В. Рахманинова, сделал сообщение о творчестве композитора 1920-30-х годов, основанное на материалах зарубежных архивов Рахманинова.

С готовностью поддержали конференцию ее постоянные участники – педагоги и сотрудники консерватории Е. Д. Кривицкая, Ю. В. Москва, А. Е. Максимова, Г. А. Моисеев; их доклады были связаны с зарубежными архивами в России (письма пианиста Р. Пюньо, рукописный Эпистолярий из фонда РГБ, рукописи Дж. Сарти из РНБ, документы зарубежных музыкантов в архиве ИРМО). Представители библиотеки имени С. И. Танеева Г. М. Малинина и С. С. Мартьянова рассказали об источниках из консерваторских коллекций – рукописях аббата Ф. Сантини и нотном поступлении из библиотеки певицы М. В. Черносвитовой. Результаты исследования личного архива Н. С. Корндорфа в Канаде были изложены Е. А. Николаевой.

«Ветеран» конференции М. П. Пряшникова на этот раз поделилась с аудиторией сведениями о письмах А. Моозера к Л. С. Гинзбургу, а Ю. Я. Арбатская (Украина) совместно со С. Г. Зверевой (Великобритания) открыли публике имя композитора, органиста и музыковеда Ю. И. Арбатского. Юта Арбатская (внучка Ю. И. Арбатского) подарила библиотеке две свои книги о судьбе представителей ее семьи, основанные на архивных документах. Вызвал интерес также рассказ хранителя Музея истории Санкт-Петербургской консерватории А. А. Алексеева-Борецкого о музыкальном наследии Н. И. Зарембы в Базеле. В дар консерватории передана монография ученого. П. Е. Вайдман подарила библиотеке новые издания: «П. И. Чайковский. П. И. Юргенсон. Переписка. В 2 томах», т. 1 и цикл «Времена года» – уртекст и факсимиле (издательство «П. Юргенсон», 2011), выполненные Домом-музеем П. И. Чайковского в Клину.

Тринадцатая конференция – «чертова дюжина»… В действительности не одна дюжина открытий, знакомств с интересными людьми, с коллегами по профессии и единомышленниками. Остается поблагодарить устроителей конференции – Э. Б. Рассину, И. В. Брежневу и Г. М. Малинину за верность идее и старание в развитии общего дела.

Доцент А. Е. Максимова

«Время – мой самый лучший адвокат»

Авторы :

№ 4 (1296), апрель 2012

Герман Ханачек. Портрет В. И. Сафонова. Нью-Йорк, 1907. Холст, масло

Всякий раз любуясь уникальным архитектурным ансамблем нашей Alma mater, часто ли мы вспоминаем ее директора, усилиями которого она обрела свой неповторимый облик? В этом году исполнилось 160 лет со дня рождения Василия Ильича Сафонова (1852–1918) – выдающегося русского музыканта и просветителя. С начала февраля под эгидой Всероссийского музейного объединения музыкальной культуры имени М. И. Глинки, Московской государственной консерватории, Международного союза музыкальных деятелей и Фонда А. Н. Скрябина в Москве проходят конференции, концерты, выставки, посвященные этой дате, выходят новые публикации. Творческое наследие В. И. Сафонова переживает свое второе рождение.

«Сильный был человек, любопытнейшая, яркая фигура, сложность и одаренность удивительнейшие. Казак, старовер, нежнейший пианист, действительный статский советник, хозяин гостиницы в Кисловодске, превосходный капельмейстер, делец-администратор, чувствительнейший и добрейший человек, самовластнейший деспот в директорах консерватории, американец, европеец, остроумнейший и развеселый собеседник с меланхолическими глазами и червоточиною внутри. Воплощение того русского таланта, который на все годится и всюду чувствует себя неудовлетворенным…» Таким многоликим запомнился Василий Ильич Сафонов известному московскому литератору конца XIX – начала XX века А. В. Амфитеатрову.

А. С. Соколов и М. А. Брызгалов на открытии «Сафоновских чтений»

Оценивая значение этой личности в контексте эпохи Серебряного века, осознаешь, что по масштабу своей созидательной деятельности Сафонов сопоставим лишь с Антоном и Николаем Рубинштейнами. Такой же титанический размах, блестящее достижение поставленных целей, полная самоотдача. Такой же единоличный стиль управления: неслучайно современники определяли периоды их директорств как «царствования». Сафонов выступил продолжателем рубинштейновских инициатив и, вместе с тем, завершителем традиции дореволюционного русского музыкального просветительства, распространявшегося не только на Россию, но и далеко за ее пределы.

Путь Сафонова в музыке был неординарным. Уроженец Терского края, наделенный от природы блестящими музыкальными способностями, он избежал участи вундеркинда, получив образование в одном из привилегированных учебных заведений Российской империи – Александровском (бывшем Царскосельском) лицее и занимаясь частным образом по фортепиано (у А. И. Виллуана и Т. О. Лешетицкого) и теории музыки (у Н. И. Зарембы). Перед ним открывалась перспектива чиновничьей службы. Однако при первой возможности он оставил эту стезю и поступил в Петербургскую консерваторию (1879), закончив ее с золотой медалью всего через год (!) после поступления. Музыкальная карьера Сафонова развивалась стремительно: вчерашний студент превратился в преподавателя Петербургской (1880), через несколько лет – в профессора Московской консерватории (1885), а вскоре он возглавил ее в качестве директора (1889). Его 17-летнюю деятельность на этом посту без преувеличения можно охарактеризовать как подвижничество.

Участники «Сафоновских чтений»

История взаимоотношений Сафонова с Московской консерваторией драматична. Получив ее в состоянии потери лидерских позиций на музыкальной арене города, он поднял престиж учебного заведения на недосягаемую высоту: сформировал новый консерваторский оркестр, создал уникальную фортепианную школу. Из его класса вышли столь разные индивидуальности, как А. Н. Скрябин, Н. К. Метнер, И. А. Левин, Р. Я. Бесси-Левина. Но главное, он воздвиг новое великолепное здание консерватории. Сафонову пришлось услышать в свой адрес немало нелестной критики, в том числе упреки в непомерном честолюбии и амбициях. Но какова была его собственная мотивация?

«…Если бы каждый из нас делал бы возможно совершеннее свое дело, не примешивая к нему ничего постороннего, это было бы настоящее Царствие Божие. Так я всегда старался жить, оттого всегда мужественно нес всякие невзгоды и одно могу сказать – в гробу мне лежать не будет стыдно» – так писал Сафонов своему бывшему ученику Константину Игумнову, покидая директорский пост. Как известно, уход Василия Ильича был обусловлен его несогласием с мнением Художественного совета. Всегда открыто исповедовавший свои жизненные, художественные и идеологические принципы, Сафонов был убежден: «Искусство аристократично и монархично. Как нельзя “комитету” написать симфонию, также точно и большое художественное дело может вести только один человек, даже два будут друг другу мешать, а, следовательно, мешать и самому делу. Это для меня ясно. Иначе я не представляю себе правильной постановки художественного воспитания».

В. И. Сафонов

В 1906 году начался зарубежный, не менее насыщенный этап биографии Сафонова. Он приобрел мировую известность в качестве дирижера, активно пропагандируя русскую музыку. Аристократ и самовластный руководитель, Сафонов никоим образом не может быть назван музыкальным консерватором. Непревзойденный истолкователь классиков, он испытывал жгучий интерес к современности, в частности, к сочинениям Я. Сибелиуса, Р. Штрауса, Э. Элгара, ранним опусам С. Прокофьева. Огромны его заслуги в пропаганде сочинений Чайковского и Скрябина. Его концертный график не ослаб даже в период Первой мировой войны. Лишь в 1917 году он вынужден был прекратить заграничные выступления.

После смерти Сафонова его имя по идеологическим причинам оказалось в тени. Сын генерала царской армии, тесть министра финансов, отец возлюбленной адмирала Колчака не вписывался в каноны советской историографии. Круг молчания был разорван в конце 1950-х годов в связи с победой на Первом международном конкурсе имени П. И. Чайковского Вана Клиберна – «музыкального внука» Сафонова. Сейчас идет активная разработка его творческого наследия, по материалам которого подготовлен такой фундаментальный труд, как «Летопись жизни и творчества В. И. Сафонова» (М., 2009; сост. Л. Тумаринсон, Б. Розенфельд). Начиная с 1992 года регулярно проводятся всероссийские конференции и форумы, приуроченные ко дню рождения Василия Ильича (25 января / 6 февраля).

На сей раз статус «Сафоновских чтений» был особенно высок: они объявлены «международными». Чтения проходили в Музее-квартире А. Б. Гольденвейзера, который с 9 по 11 февраля 2012 года превратился в центр научно-музыкальной жизни. Хранителям этого уникального Дома – А. Ю. Николаевой и А. С. Скрябину – удалось создать неповторимое сочетание гостеприимства, доброжелательной ауры и старомосковского уюта. Звучание гольденвейзеровского «Бехштейна» воскресило дух ушедшей эпохи. Постоянную музейную экспозицию дополнял портрет В. И. Сафонова работы Г. Ханачека.

В приветствиях ректора Московской консерватории А. С. Соколова и генерального директора ВМОМК М. А. Брызгалова были затронуты проблемы преемственности музыкальных поколений, забвения и исторической памяти. Результаты своих изысканий представили ведущие музыковеды и молодые исследователи из России (Москва, Санкт-Петербург, Клин, Кисловодск, Пятигорск, Екатеринбург, Астрахань), Украины, Швеции, Италии. В докладах Сафонов был представлен во всех ипостасях – как пианист, педагог, дирижер, администратор, общественный деятель и, наконец, как гражданин мира и автор богатейшего эпистолярия: презентация «Избранной переписки» Сафонова (сост. Е. Кривицкая, Л. Тумаринсон) стала важным событием Чтений.

Не менее насыщенной была концертная программа из произведений, посвященных Сафонову композиторами-современниками. Она стартовала в Малом и завершилась в Большом зале Московской консерватории. Сейчас в его фойе размещена мемориальная сафоновская экспозиция. Безусловно, открытие нашего «Храма искусства» после прошедшей реставрации стало наиболее весомым приношением В. И. Сафонову. «Время – мой самый лучший адвокат» – пророчески писал Василий Ильич более века назад. Сейчас «время Сафонова» настало.

Г. А. Моисеев,
c
т. научный сотрудник МГК

Иллюстрации предоставлены ВМОМК им. М. И. Глинки