Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

«О, дивный остров Валаам!»

Авторы :

№7 (1408), октябрь 2024 года

ПАЛОМНИЧЕСКАЯ ПОЕЗДКА НА ОСТРОВ ВАЛААМ

В конце августа от лица Московской консерватории студентки Анна Коломоец, Ксения Чикобава, Меланья Точилова, Александра Прохорова и Ангелина Самойлова вместе с преподавателем Межфакультетской кафедры фортепиано Юлией Сергеевной Куприяновой совершили свою первую паломническую поездку на святые валаамские земли. Нам выпал действительно счастливый билет! Но мы даже не представляли, что нас ожидает…

Путь до острова был непростым. В дороге мы находились шестнадцать часов, консерваторская делегация добиралась буквально на перекладных: поездом до Санкт-Петербурга, автобусом до Приозерска, кораблем по Ладоге до Валаама. Долготерпение вознаграждается: нас ожидали незабываемые увлекательные три дня!

В первый день Валаам приветствовал нас дождем и ветром. Однако паломников это не испугало. В сопровождении экскурсовода Андрея Теплоухова они вдоволь нагулялись по окрестностям Спасо-Преображенского собора, дошли до Никольского скита, полюбовались зарисовками суровых карельских пейзажей. Несмотря на всю усталость, на лицах «сестер из Консерватории» были улыбки; по пути они жевали ягоды и много беседовали, бурно обсуждая увиденное. Особенно вдохновились фресками на стенах храма Николая Чудотворца. На их удивление расписан он был силами местной братии, но в изображениях чувствовалась рука талантливого мастера! Затем – долгожданный обед, заселение в уютные номера «Дома паломника». Отдых. Вечерня. Ужин.

Второй день разбудил нас ослепительно ярким солнцем и заутренним звоном. После завтрака «сестры» отправились в Воскресенский скит, который расположен на живописном берегу Никоновской бухты – главной гавани Валаама. Согласно преданию, здесь святой апостол Андрей Первозванный воздвиг каменный крест. Строить этот скит начали в первые годы ХХ века благодаря пожертвованию мецената Иннокентия Сибирякова. В 1901 году был заложен фундамент, а уже через пять лет скит предстал во всем своем великолепии. Выложенный из кирпича терракотового цвета, скит состоит из верхнего и нижнего храмов. Нижний – подобие пещеры храма Гроба Господня в Иерусалиме, в мраморном гроте хранится частица истинного гроба Господня – камень из Иерусалима. Верхний храм с тонким фарфоровым иконостасом освящен во имя Святого Христова Воскресения.

Затем паломники отправились в долгую пешую прогулку (четыре километра). Они шли по красным, из-за избытка железа в почве, тропам, в которые своими мощными кореньями «вгрызались» грандиозные сосны. Путь лежал от скита к скиту. Эталоном силы человеческого духа и глубины веры является светлый Гефсиманский скит у подножия Елеонской горы, где нас встретил кот Гефсиман (в народе – Снежок). Скит воздвиг в 1911 году игумен Маврикий. Сама церковь с голубыми куполами богато украшена резьбой.

Вдохновившись очарованием красоты, путники отправились дальше, на гору Елеон. В чаще леса слышались тихие звуки скрипки – популярнейшая мелодия Огинского: на туристической тропе часто выступает местный житель. Чудеса! В конце долгого, но бодрого путешествия группа добралась до местной фермы, где смогла подкрепиться булочками, а также приобрести продукцию местного производства: сыр, изготавливаемый по итальянским технологиям, йогурт, сгущенку. После небольшой передышки паломников ждали прогулка по Игуменскому кладбищу, а затем и долгожданный обед.

Этим «программа дня» не была исчерпана. Вместе с экскурсоводами Андреем Теплоуховым и Ириной Васильевой группа отправилась в Смоленский скит, где мне удалось пообщаться с настоятелем скита и регентом братского хора Валаамского монастыря отцом Давидом и поговорить об особенностях валаамского распева. Затем по ухабистым и крутым дорогам группа дошла до неприступного (для женской половины паломников) скита Всех Святых. Вход сюда разрешен только мужчинам.

Пришла пора набраться сил перед Всенощным бдением. Ночное таинство… Есть нечто неотразимо притягательное в валаамских напевах. Поразительный синтез: древняя традиция знаменного пения и мелодии восточного, византийского происхождения! После трехчасовой службы одухотворенные «сестры из Консерватории» отправились почивать.

Последний день на острове выдался умиротворенным и самым коротким. Консерваторцы посетили утреню, познакомились с еще одним музыкальным коллективом острова – «прекраснозвучным» хором Валаамского монастыря, который часто гастролирует по разным городам России, исполняя не только валаамские напевы, но и светский репертуар.

…Валаам – это тихие молитвы, божественное откровение, можжевеловые тропки, скалистые берега, бородатые сосны, спокойствие и благодать. А Ладога сурова и изменчива. До последнего моменты не было ясно, удастся ли студентам выехать с острова, ведь шторм мог случиться в любую минуту. Но все сложилось наилучшим образом: хлесткими волнами и палящим солнцем Валаам провожал благодарных паломников.

За такое путешествие нам очень хочется поблагодарить главных вдохновителей поездки – ректора Московской консерватории, профессора А.С. Соколова, игумена Спасо-Преображенского Валаамского монастыря, епископа Троицкого Панкратия (Жердева) с братией, начальника Московского подворья Валламского монастыря – игумена Петра (Романова), а также наших педагогов: декана НКФ, профессора И.А. Скворцову и руководителя НТЦ церковной музыки, профессора Н.В. Гурьеву. За познавательные экскурсионные проповеди мы благодарим Андрея Теплоухова, а за чуткую организацию нашей поездки – Илью Рыбакова и Ирину Васильеву. Всем спасибо!

Анна Коломоец,

студентка НКФ, музыковедение

Паломнические записки

№7 (1408), октябрь 2024 года

Ксения Чикобава:

Окончание этого лета останется со мной надолго — мы были на Валааме! Это место не похоже на другие. Тут останавливается время. Здесь ты открываешь в себе абсолютно новые грани, до этого тебе незнакомые. За такой короткий срок ты буквально преображаешься! Я с уверенностью могу сказать, что подобного еще не испытывала. В этом весь парадокс: казалось бы, всего лишь три неполных дня, а столько впечатлений и новых открытий! Их ты обретаешь на всю жизнь.

Здесь ты засыпаешь после вечерней службы с улыбкой на лице, а в голове непрестанно звучит Валаамский распев, просыпаешься с колокольным звоном, бродишь по лесу, ешь малину, все время останавливаешься, чтобы как можно сильнее запечатлеть, оставить в памяти увиденное. Все время дышишь полной грудью и думаешь, как бы этот воздух и настоящую благость увезти с собой. Она здесь везде: в Храме, в крике чаек, в солнечном свете и звездном небе, в глазах каждого человека, а теперь и в нас.

О Валааме можно говорить очень долго, но на это, мне кажется, ни бумаги, ни жизни не хватит. Чувство благодарности за все то, что со мной произошло, будет со мной всегда. Спасибо!»

Анна Коломоец:

Путешествие на остров Валаам мне запомнится на долгие годы! Для нас, желторотых студентов научно-композиторского факультета и нашего руководителя Юлии Сергеевны Куприяновой, этот путь дался с трудом. Но «мучения» того стоили! Как только ступаешь на Валаамскую землю, душа наполняется благодатью Божьей, а суетные мирские мысли улетучиваются (даже несмотря на дождливую и ветреную погоду, которая нас хмуро приветствовала на острове).

В этой поездке у меня было много целей, но была и главная – познакомиться с Валаамскими напевами, разузнать их секреты, ведь в этом семестре я пишу курсовую работу, в которой мне предстоит осветить особенности местных распевов. Большой удачей оказалась возможность лично познакомиться со скитоначальником Смоленского скита и регентом братского хора Валаамского монастыря отцом Давидом. С ним мы мы успели поговорить не только о церковном пении, но и о традиции Валаамских звонов. Комментарии отца Давида были важными и я использую их в своем труде.

На острове я обрела не только знания о Валаамском распеве, но еще и просветление, умиротворение и покой, которые так сложно обрести в мегаполисе. От чистого сердца говорю спасибо нашим проводникам-экскурсоводам Ирине и Андрею за увлекательные истории о Валааме и за опеку над «сестрами из Консерватории». Валаам не только вдохновляет на дальнейшие свершения, но, как сказал Андрей, остров еще и «преображает людей». И это самое важное…

Александра Прохорова:

«Чем ближе к Богу, тем дальше от людей», – слова Александра Ясноокого очень точно описывают дорогу до Валаама. Путешествие до святой обители осилит не каждый, но испытания стоят того: суровый край со строгим монастырским уставом встретил нас с распростертыми объятиями. Нас заботливо называли «сестрами из Консерватории», рассказывали про путешествие Чайковского на остров.

Валаам – историческое место со своими тайнами. Благодать чувствовалась в каждом храме, скиту, в каждом камне этой святой земли. Отдаленное место хранит не только божественную силу, но и уникальный Валаамский распев, который можно услышать во всей своей красе и благости только здесь. Совершенно иначе слушаются знакомые молитвы в исполнении валаамских певчих. Паломничество в святую обитель – особенный духовный и музыкальный опыт, за которым хочется снова вернуться…

У подножия Воскресенского скита
У дверей Спасо-Преображенского сабора

Ангелина Самойлова:
«Я слышала, как обрывались слова
и падали в небо камнями Ладоги.
Я помню, как трепетно ты замерла
к иконе лбом приложившись.
Долго ли ты спрашивала себя, отчего
сегодня поверила белым стéнам?
Боишься, что крошечное тепло
растает слезой на холодном лике? Нет!
Хоть, может, и вера моя не больше,
чем ягеля стебель. Ответь мне, господи!
Ты тоже когда-то был юн и тоже
дрожал от ветров, темноты и мороси?
Не хочешь со мной исповедаться здесь
сосне, можжевеловым дюнам?
Зажжется свечами роса, причастимся светом,
что огнём благодатным сойдёт к лицу.
На том берегу — половина меня,
но ты не печалься, от нас не убудет,
корзинками яблок монастыря
мы все отдадим, чтобы точно вернуться.
Готова штóрмы я переплыть
на самом худеньким плотике.
…«Сестра, ты благословишь улыбкой?»
…«Мы поку́мились в плеске волн…»
Сегодня я здесь, на большой земле,
вздохну и заплачу, в оглушительном гаме
закрою глаза, и послышится мне,
что мир весь кричит лишь одно: «Валаам!»…

Недетский «Детский альбом»

Авторы :

№7 (1408), октябрь 2024 года

2 сентября в ознаменование открытия очередного филармонического сезона в Большом зале Московской консерватории состоялся концерт из фортепианных произведений П.И. Чайковского, в рамках которого с «Детским альбомом» композитора выступил пианист Андрей Писарев.

Выбор именно этого цикла для такого торжественного случая явно нетривиален. Одно дело, когда известные пианисты, записывающие монографический диск или альбом из всех фортепианных произведений Чайковского, исполняют эти миниатюры, и совсем другое, когда эти с виду непритязательные пьески выносятся на сцену БЗК да еще в такой торжественный момент. Надо отдать должное смелости пианиста, рисковавшего собственной репутацией и значимостью праздничного события.

Скажем сразу: риск оказался не только оправданным, но и плодотворным. Пианист сумел найти необычную образную тональность в прочтении цикла. Он прочитал «детский» опус Чайковского в духе «Детских сцен» Шумана, который, как известно, отмечал, что это его сочинение создано взрослым и для взрослых. Именно так, как нам представляется, читает эту музыку Андрей Писарев.

Впрочем, дело не только в этом. Примерно так, то есть не просто как детские непритязательные «мгновения», наверняка воспринимали эти пьески и другие взрослые исполнители, осуществившие запись цикла, – такие, например, как А.Б. Гольденвейзер, Я.В. Флиер, В.В. Горностаева, А.Г. Севидов, В.В. Постникова, М.В. Плетнев и другие. А.А. Писарев, как думается, весьма определенно выдвигает на первый план еще один важный ракурс рассмотрения – момент «воспоминательности», впечатление временнóй отстраненности, эффект «давно прошедшего».

На это работает и чисто внешний антураж: седовласый (хотя совсем не старый) профессор исполняет пьески, игранные им в годы детства. Лицо пианиста все время остается спокойно отстраненным, не реагируя на давно прошедшие события в жизни ребенка. Отсюда, очевидно, и общий приглушенный (сколько лет прошло!) эмоциональный колорит, подернутый дымкой «милой старины», и, соответственно, мягкие тембро-динамические краски. Мы не услышим при такой концепции ни драматического напряжения в «Похоронах куклы», ни захлебывающейся радости в «Новой кукле»; не ощутим ни острой злобы в «Бабе-Яге», ни жутких «пуганий» в «Няниной сказке», ни разудалой молодцеватости в пьесах «Русская песня» и «Мужик на гармонике играет»; не уловим ни экстатической любви в миниатюре «Мама», ни донельзя упоительных мечтаний в «Сладкой грезе». Разумеется, в трактовке Писарева не место и несколько натуралистическим «улыбкам» в духе того, как Владимир Фельцман исполняет сценку «Игра в лошадки» – в намеренно медленном темпе, имитируя скромные пианистические возможности маленького ученика…

Такой общий подход может привести к некоторой звуковой и художественной монотонности. Но здесь выручает, прежде всего, большое мастерство Писарева-пианиста, в совершенстве владеющего четким, прозрачным фортепианным туше и, в частности, мельчайшими динамическими градациями звука от pianissimo до mezzo-forte. С помощью тщательно выверенных выразительных средств артист убедительно реализует тонкие поэтические образно-смысловые оттенки.

Наиболее ярким проявлением общей образной тональности целого в интерпретации Писарева является исполнение им «Старинной французской песенки», и это не случайно. Здесь уже в самом замысле пьесы непосредственно содержится фактор старины, параметр некой отдаленности, являющийся в трактовке пианиста лейтобразом целого. Отметим, что обычно педагоги требуют здесь от ребенка подчеркнутой выразительности: «жирное» crescendo к вершине первой фразы и наполненное звучание с помощью legatissimo, тем более что автор снабдил музыку ремаркой espressivo. Писарев играет эту миниатюру тихо, легко, прозрачно – как будто смотрит на что-то в перевернутый бинокль… Интересно, что в таком же ключе в своем переложении цикла для струнного оркестра трактует этот номер аранжировщик и дирижер Ю. Туровский: данная пьеса исполняется с использованием легчайших флажолетов (музыка высоких «небесных сфер»); отстраненность здесь подчеркнута, таким образом, с помощью регистра и тембра. Примерно так по смыслу трактует этот номер и Писарев.

А.А. Писарев

Но все-таки ближе к окончанию цикла флер воспоминаний неожиданно прерывается. К суровой реальности возвращает мрачный хорал «Господи, помилуй», помещенный Чайковским в начале пьесы «В церкви». Песнопение резко выделено пианистом с помощью впервые столь мощно звучащего fortissimo и воспринимается как приговор судьбы, как своего рода заклинание Memento mori. (Особенно впечатляюще оно звучит a capella в записи Хора им. А.В. Свешникова.) Этот внезапный явственный переход в иную смысловую плоскость – из зыбкого мира воспоминаний в неумолимую действительность – можно условно сопоставить с появлением заключительной постлюдии «Поэт говорит» в «Детских сценах» Шумана. Дальнейшее течение музыки в пьесе Чайковского воспринимается, с одной стороны, как отзвуки неземного (излучающие свет аккорды в верхнем регистре) и, с другой, как зловещие, угрожающие, дьявольские отголоски в повторяющихся нотах нижнего регистра (все почти так, как в окончании Сонаты hmoll Листа). Столь многозначительные образные переклички придают целому философскую значимость…

После такого погружения в «размышления о вечном» (вспоминается также шумановский вопрос «Не слишком ли серьезно?») происходит поворот к обычному, неостановимому, неумирающему потоку жизни. Завершающая цикл пьеса «Шарманщик поет» – символ этой повседневной суетности и безучастной отстраненности. Пианист следует здесь порядку номеров, предусмотренному в первой, неокончательной версии, и это вполне логично. Такое объективно нейтральное окончание как нельзя лучше подходит к его концепции.

Оригинальная интерпретаторская версия Андрея Писарева не выглядит надуманной и, по-видимому, органично вытекает из творческой индивидуальности артиста. Трактовка Андрея Писарева украсила вечер открытия концертного сезона в Большом зале Московской консерватории и была овациями встречена благодарными слушателями.

Профессор А.М. Меркулов

Из Петербурга – в Москву

Авторы :

№7 (1408), октябрь 2024 года

В Концертом зале им. Н.Я. Мясковского 14 мая 2024 года состоялся авторский вечер известного композитора и музыковеда, доктора искусствоведения, профессора Санкт-Петербургской консерватории И.С. Воробьёва. Творческие встречи с Игорем Станиславовичем уже давно полюбились консерваторской публике, став замечательной традицией. Они проходят почти каждый год и всегда – в неизмененной теплой дружеской атмосфере и с новой программой. Представляла композитора слушателям доктор искусствоведения, профессор Е.С. Власова.

И.С. Воробьёв

Панорама различных жанров и периодов творчества И.С. Воробьёва открылась фортепианной композицией «Контррельефы» в исполнении Михаила Турпанова, которому удалось передать идею графичности, рафинированной звукописи в духе Веберна. По словам автора, это сочинение было создано в период творческого становления и стилевых экспериментов.

Если «Контррельефы» можно было бы назвать своеобразным эпиграфом к творческому стилю, то ARARA для фортепиано, скрипки и фортепиано – это яркая репрезентация музыкальной поэтики композитора. Светлое, полное нежных образов и смыслов сочинение о первоистоках жизни – любви и семье – прозвучало в исполнении Трио имени С. Кнушевицкого в составе: Вера Иофе (ф-но), Анастасия Никопольская (скрипка), Давид Ежов (виолончель).

Особого внимания заслуживает трактовка слова в вокальных сочинениях И.С. Воробьёва, большая работа по осмыслению, прежде всего, ритмической стороны поэтических текстов. В авторском вечере прозвучало несколько вокальных композиций: «Два сонета» Микеланджело Буонарроти в переводе Вяч. Иванова (исполнили Максим Шабанов, баритон, и Николай Манаков, ф-но), а также цикл «Зимние песни» на стихи Б. Пастернака (исполнили Екатерина Семёнова, меццо-сопрано, и Карина Погосбекова, ф-но). Обращает на себя внимание развернутая и весьма виртуозная фортепианная партия во всех этих сочинениях, далеко выходящая за рамки простого аккомпанемента и требующая от исполнителей значительной подготовки.

Еще одна грань творчества И.С. Воробьёва – связь с русской музыкальной традицией, опора на национальные истоки музыки. В завершении концерта прозвучала яркая неофольклорная фреска «Плачи» на русские народные темы для солистки, фольклорного ансамбля, четырех контрабасов и фортепиано. В исполнении приняли участие солистки фольклорного ансамбля Санкт-Петербургской консерватории, специально приехавшие в Москву для выступления: Алёна Быстрова, София Кефер, Владислава Сидорская, а также ансамбль контрабасов из Московской консерватории: Яна Сахно, Анна Терехова, Николай Черниговцев, Никита Хлебков. Партию фортепиано исполнял Михаил Турпанов, а Игорь Воробьёв, выступил в этом сочинении в качестве дирижера.

Энергетику концерта и музыки очень трудно передать словами. Но она всегда оставляет след в душе слушателя. Ощущение, никогда не покидающее при соприкосновении с творчеством Игоря Воробьёва – это чувство художественной правды, естественности музыкального высказывания. В его музыки нет ничего искусственного, вымышленного ради какой-нибудь модной, «актуальной» концепции. Это всегда – искренний монолог о самом важном, о человеке и для человека, это искусство воспевать жизнь здесь и сейчас.

По словам Игоря Станиславовича, он чувствуют себя носителем великой русской музыкальной традиции, частью которой себя считает, прежде всего, через петербургскую композиторскую школу. Обладая безупречным композиторским мастерством, И.С. Воробьёв ставит перед собой большие духовно-эстетические задачи, обращаясь к вечным ценностям, таким как красота, творчество, любовь, семья. Свет и добро, мощная позитивная энергетика произведений композитора очень востребованы в сегодняшней непростой жизни, полной деструктива и неуверенности, вселяя надежду, что красота все-таки должна «спасти мир».

В заключение хотелось бы выразить признательность руководству Московской консерватории и лично проректору по научной и воспитательной работе, профессору К.В. Зенкину и начальнику Учебного отдела А.А. Баранову за помощь в организации концерта и возможность творческого сотрудничества с коллегами из Санкт-Петербурга.

Ст. преподаватель кафедры теории музыки М.В. Воинова,

кандидат искусствоведения

Художник и композитор

№7 (1408), октябрь 2024 года

Горит весь мир, прозрачен и духовен,

Теперь-то он поистине хорош…

Н.А. Заболоцкий «Вечер на Оке»

10 июня в столице весь вечер шел проливной дождь… И, кажется, только в одном, новоотстроенном «Московском дворике» между Большой Никитской улицей и Средним Кисловским переулком люди совсем не заметили непогоды. В этот вечер в Московской консерватории состоялся концерт «В.Д. Поленов – художник и композитор» к 180-летию со дня его рождения.

Василий Дмитриевич Поленов (1844 – 1927) обладал незаурядным исполнительским и композиторским талантом. Он был «одним из немногих живописцев, кто постоянно сочинял музыку – симфонические и духовные произведения, романсы, квартеты, оперы», –пишут авторы проекта «В.Д. Поленов – художник и композитор» в своем замечательном буклете, специально изданном в честь события.

На сцене Рахманиновского зала музыкантам удалось воссоздать атмосферу теплого летнего вечера на Оке. Именно там, близ города Тарусы, недалеко от села Бёхово с 1890 года художник отстроил большой каменный дом, мастерскую и обосновался вместе с семьей. В своей усадьбе в Борке, как называл ее сам живописец, вдохновленный «очарованьем русского пейзажа» Поленов много работал над своими полотнами, а по вечерам с удовольствием отдавался музицированию.

Картины художника сменяли друг друга на большом экране над сценой: во всей красе предстали заокские пейзажи, запечатленные рукой живописца. По бокам сцены симметрично расположились бережно привезенные из Поленово портреты Василия Дмитриевича Поленова и его жены, Натальи Васильевны Якунчиковой, выполненные рукой Н.Д. Кузнецова. Казалось, будто хозяева Борка тоже присутствовали на музыкальном вечере. Перед началом концерта был показан небольшой фильм о современной культурной жизни Музея-заповедника.

Собравшихся приветствовал ректор Московской консерватории, профессор А.С. Соколов, рассказав и о многолетней традиции просветительских проектов кафедры истории русской музыки, и о творческом содружестве Консерватории с Музеем-заповедником, и о многогранности таланта В.Д. Поленова. Со вступительным словом к гостям вечера обратилась художественный руководитель проекта, его инициатор и вдохновитель – декан научно-композиторского факультета, заведующая кафедрой истории русской музыки, доктор искусствоведения, профессор И.А. Скворцова. Она поделилась своими впечатлениями от знакомства с музыкой В.Д. Поленова, рассказала о стиле его музыкальных сочинений, рукописном нотном архиве и о концепции юбилейного вечера.

В первом отделении концерта исполнялись сочинения самого композитора-художника. Некоторые из них были специально восстановлены для этого вечера по рукописям, предоставленным Государственным мемориальным историко-художественным и природным музеем-заповедником В.Д. Поленова и лично его директором Н.Ф. Поленовой. Молодежный хор НТЦ церковной музыки Московской консерватории (художественный руководитель проф. Л.З. Конторович) во главе с дирижером Михаилом Котельниковым исполнил хоровые сочинения Поленова. Песнопения из Литургии сопровождались сменявшими друг друга, словно ожившими на огромном мультимедийном экране, полотнами В.Д. Поленова. И как одухотворенно и празднично, на шестой седмице по Пасхе, звучали песнопения из Литургии св. Иоанна Златоуста, а на полотне художника возвышенно белела на берегу Оки Троицкая «Церковь в Бёхове»!

Современные программы и компьютерные средства обработки изображений, действительно, позволяют иллюстрациям «оживать»: приближать и удалять наиболее значимые элементы картины, добавлять пейзажам движения, водной глади – ряби или капель, солнечным лучам – яркости или бликов, облакам – воздушности и парения. Так, на восприятие Херувимской песни настраивал вид «Благовещенского собора в Москве» (1877), хоровому «Тебе поем» гармонировал вид «Церкви у озера» (1880), во время торжественного «Хвалите Господа с небес» на экране блистал «Вид на Тарусу вечером», запечатленный художником в 1910-е годы.

Шесть фрагментов Литургии вместе с четырьмя хорами на стихи М.Ю. Лермонтова обрамляли в первом отделении Трио для фортепиано, скрипки и виолончели Поленова. Не случайно это сочинение Поленов назвал «Фантазия-мозаика»: словно чистые краски на поленовских импрессионистических пейзажах, будто кусочки мозаики большого дома в Борке, в этом сочинении соединились яркие музыкальные темы. В Трио композитор воссоздал целый мир: здесь и огненная «Марсельеза», и «Рейнская» симфония Шумана, и величественная «Слава» Мусоргского… Чем ясней становились все детали большой мозаики Поленова во время исполнения, тем «необъятней делались дали речных лугов, затонов и излук», как писал Заболоцкий.

В конце первого отделения на сцену вновь вышел Молодежный хор, на этот раз с солистами. Четыре хора Поленова – «Горные вершины», «Белеет парус», «По небу полуночи» и «Ночевала тучка» – сопровождались его живописными картинами и этюдами «Гора Хермон с Фавора», «Вход в Смирнскую бухту (Смирнский залив)», «Сумерки» и др. Музыка Поленова, как и его пейзажи, силой точного образа рождала не только восхищение и умиротворение, но порой и «грусть, волнение… и даже слезы. Те редкие слезы, которые вызывает прекрасное. Русский пейзаж с его мягкостью, застенчивыми веснами, с его невзрачностью, которая через короткое время оказывается тихой красотой…» (К.Г. Паустовский).

Во втором отделении концерта звучала музыка Баха – композитора, творчество которого высоко ценил Василий Поленов. Народный артист РФ Александр Князев (виолончель) исполнил три части из Партиты №2 (BWV.1004) в собственном переложении для виолончели. Затем он, совместно с лауреатом всероссийских и международных конкурсов Филиппом Копачевским представил на суд слушателей Сонату С.В. Рахманинова для виолончели и фортепиано соль-минор (опус 19) – любимое сочинение художника, часто звучавшее на музыкальных вечерах в Борке. Чувственная игра А. Князева никого не могла оставить равнодушным, тембр виолончели звучал как человеческий голос. Быть может, то был голос великого Баха, гениального Рахманинова или самого Василия Поленова, чьи фотографии сменялись на экране. И в теплой, точно домашней обстановке слушатели, позабыв о традициях светского концерта, с упоением и благодарностью аплодировали музыкантам после каждой исполненной части.

Творчество Поленова, так гармонично сочетающее в себе изобразительное искусство и музыку, несомненно, уникальная страница русской истории и культуры. И многогранный талант мастера рубежа XIX-XX столетий вдохновил организаторов мультимедийного проекта объединить на сцене звуковые и живописные произведения Василия Дмитриевича. Нет сомнения, что каждый слушатель-зритель, вышедший в тот вечер из светлого Рахманиновского зала, с восторгом и наслаждением шагал по мокрым от дождя московским улицам…

Софья Бердникова,

студентка НКФ, музыковедение

«Музыка, даже самая сложная, пишется не для музыкантов…»

№7 (1408), октябрь 2024 года

Беседа с доцентом Московской консервватории, кандидатом искусствоведения Д.Р. Петровым

Даниил Рустамович, помните ли Вы тот момент, когда точно решили избрать музыку своей профессией?

В моем случае это была встреча с педагогом по музыкальной литературе, и с самим предметом. Роль музыкальной литературы в школе очень важна. Когда ребенок начинает учиться музыке, то по специальному инструменту или по сольфеджио он может делать довольно скромные успехи из-за возникающих сразу трудностей. Но при этом его привлекает сама музыка, которую он может слышать. Музыкальная литература в этом смысле приближает ученика к интересующей его музыке. Наверное, я не сразу на тот момент решил, что буду продолжать заниматься, но постепенно это понимание пришло. И позднее я поступил в Казанское музыкальное училище на теоретическое отделение.

Расскажите о своей учебе в Московской консерватории. Что Вам запомнилось больше всего?

Когда вы в возрасте от восемнадцати до двадцати четырех лет, это время очень счастливое, которое я запомнил именно таким. Это период взросления и важных открытий в жизни и профессии… И это вещи неотделимы друг от друга. Когда я вспоминаю то время, важное место в этих воспоминаниях занимают мои сокурсники. Наша жизнь в консерватории отличалась тем, что мы очень много общались друг с другом на профессиональные темы и проводили много времени вместе, обсуждали все, что с нами происходило на занятиях или концертах. На моем курсе было много талантливых людей. О них я вспоминаю с большой благодарностью. Конечно, консерватория во-многом ассоциируется у меня с моими учителями. Мне повезло учиться, например, у Ю. Н. Холопова, Ю. А. Фортунатова, А. И. Кандинского, Е. М. Левашева, быть среди слушателей самых первых лекций, которые прочли в рамках музыкально-исторических курсов для студентов-музыковедов М. А. Сапонов или безвременно ушедшая от нас И. Е. Лозовая. Вообще, многих своих учителей я вспоминаю очень часто. Пожалуй, отдельно нужно сказать об А. В. Михайлове, крупнейшем ученом-гуманитарии. Как раз незадолго до моего поступления в консерваторию он был приглашен В. Н. Холоповой для чтения авторских курсов, некоторые из которых сегодня опубликованы в виде конспектов. Встреча с Александром Викторовичем произвела на меня неизгладимое впечатление. При этом мне совсем не свойственно думать, что раньше, что называется, было лучше, чем сейчас. Напротив, среди Ваших педагогов есть те, у которых я бы тоже хотел учиться.

Даниил Петров

Какая область истории музыки Вас интересовала во время обучения в консерватории?

Не помню, чтобы у меня было желание четко определять сферу моих интересов. Могу сказать, что она лежала всегда в области истории музыки. Чего я сознательно избегал, так это обращения к сферам, которые требуют очень специальных знаний и навыков, глубокого в них погружения. Например, таким,  как медиевистика. Не хотел оказаться в ситуации, когда придется пожертвовать своими более широкими интересами. Что касается выбора отдельных тем, то дипломную работу о раннем творчестве Густава Малера я писал в классе И.А. Барсовой. Еще в подростковом возрасте музыка Малера была для меня очень сильным впечатлением, и даже потрясением. И тогда у меня появилась книга Инны Алексеевны о симфониях Малера. А во время учебы в консерватории мне посчастливилось общаться с автором. И когда я узнал, что в творчестве Малера есть сферы относительно малоизвестные, мне показалось интересным обратиться к таким темам под руководством самой Инны Алексеевны.

. И когда я узнал, что в творчестве Малера есть сферы относительно

Вы стажировались в Европе, какие у Вас остались впечатления?

Все стажировки проходили по программе академических обменов. При работе над диссертацией, которая тоже была связана с творчеством Малера, было важно ближе познакомиться с зарубежным малероведением в Австрии, где находится международное малеровское общество (Internationale Gustav Mahler Gesellschaft). Получив такую стажировку на три месяца, я оказался впервые в другой стране, в контексте другого языка. Хорошо помню, как в ситуации ограниченного общения я много времени проводил один и таким образом мог спокойной изучать Вену, погружаться в жизнь этого города. Жалею только, что первоначальная трудность понимания устной речи не дала мне тогда в полной мере воспринять то, что меня окружало; так, не сразу я решился посещать лекции и семинары в Венском университете, к которому был прикреплен. Следующие стажировки состоялись, когда я уже преподавал и начал вести курс «Источниковедения и текстологии» в консерватории. Мне хотелось познакомиться с работами зарубежных коллег, прежде всего, немецких. В Берлине моим консультантом был прекрасный музыковед-текстолог Кристиан Мартин Шмидт, и общение с ним многое дало. Такого рода стипендии — очень положительный опыт. Вы получаете возможность провести несколько месяцев вдали от ваших будней и забот. Для профессионала это важно, особенно в период работы над какой-то крупной темой.

Существенно ли отличается европейская методика обучения от нашей?

Никакой единой европейской методики не существует. Когда говорят о различных моделях музыковедческого образования российской или европейской, западной обычно имеют в виду консерваторское образование и университетское. Наше музыковедение сосредоточено только в музыкальных учебных заведениях. В Европе оно изучается в основном в университетах. Сами эти модели не имеют национальности. Музыковедение как отдельная специальность, которая изучается в вузах явление сравнительно молодое, по существу, только ХХ века. И тогда были реализованы эти два пути. Наше музыковедческое образование было выстроено в консерватории по модели композиторского, один из главных разделов нашего плана музыкально-теоретические предметы, которые являются в большой степени практическими. Университетская модель музыковедческого образования возникла на исторических и филологических факультетах, не предполагающих такого количества практических и индивидуальных занятий. Тем не менее, теория музыки существует в Европе как дисциплина в высших музыкальных учебных заведениях, она является ответвлением теории композиции. То есть там две модели, а у нас одна. При нашей системе в музыкальную науку приходят только те, кто уже получил специальное музыкальное образование. Но ведь этой сферой могут заинтересоваться и люди из гуманитарных специальностей и западная система музыковедения открыта для таких людей. Наша сосредоточенность на специальных учебных заведениях в чем-то ограничивает возможности тех, кто хотел бы прийти в нашу сферу извне и обогатить музыкальную науку.

Как Вы работаете со студентами-дипломниками?

Когда мы говорим о методике, думаем о чем-то устоявшемся и определенном. Для меня методика существует в рамках того, что называют индивидуальным подходом. Он начинается с выбора темы, интересной автору будущей работы. Желательно для дипломной работы брать тему достаточно широкую, или, если в центре внимания находится какое-то ограниченное явление, то тема должна предполагать учет широкого контекста или рассмотрение явления в разных аспектах. Если выбирается слишком узкая тема или слишком специальный подход, то это сильно ограничит возможности начинающего исследователя. Дипломная работа произведение крупной формы, значит, в ней требуется получить опыт работы с обширным материалом. Трудности тоже индивидуальны. Но я стараюсь замечать в чем студент их испытывает, что-то ему посоветовать, и, возможно, развернуть работу в направлении, представляющем автора прежде всего с его положительных сторон.

Знаю, что Вы преподаете в Литературном институте им. Горького. Что именно?

Случайным образом мне предложили вести курс истории музыки, который длится всего один семестр. Дело в том, что курс истории искусств там поделен на части, посвященные их разным видам. Сначала мне казалось, что преподать историю музыки в течение одного семестра просто невозможно. Я строил курс очень свободно: он состоял из отдельных проблемных тем, которые с разных сторон освещали специфику музыки. Никакого последовательного исторического изложения, там не было. Сейчас же, когда потребовался календарный план, указать темы в той свободной и на посторонний взгляд непонятной последовательности уже не удалось. Я подумал, а нельзя ли все-таки в эти немногие занятия уложить то, что можно будет назвать историей музыки, которая проведет нас от древности до современности. Мне показалось это вполне возможным. Оказаться перед другой гуманитарной аудиторией, для которой этот предмет не является специальным, очень интересно. Это увлекает и самих студентов, и преподавателя. Музыка, даже самая сложная, пишется не для музыкантов и музыковедов, и обычные слушатели могут быть ее глубокими знатоками и ценителями.

Беседовала Полина Радугина,

студентка НКФ

Музыкальный диалог Россия — Албания

Авторы :

№7 (1408), октябрь 2024 года

Данил Севостьянов

19 августа в рамках Международного фестиваля «Собираем друзей» в Рахманиновском зале состоялся концерт «Музыкальный диалог Россия Албания». В концерте прозвучали произведения П.И. Чайковского, А. Станчинского, Б. Чайковского, а также сочинения молодых композиторов Михаила Ковалева и Данила Севостьянова. Албанская музыка была представлена фортепианными произведениями Александра Печи (р. 1951) – классика современной албанской музыки, известного музыкально-общественного деятеля, профессора Университета искусств в г. Тиране.

Главные участники концерта – Данил Севостьянов и Михаил Ковалев, выпускники Московской консерватории (классы композиции профессоров Ю.С. Каспарова, В.Г. Агафонникова, и фортепиано В.К. Мержанова, Н.Н. Деевой). Лауреаты международных конкурсов, уже получившие общественное признание, они проявили себя как талантливые композиторы и пианисты, обладающие незаурядным мастерством и артистическими качествами. Важно, что сочетание композиторской и исполнительской деятельности – одна из славных традиций Московской консерватории, которая получает продолжение и в XXI веке.

Албанский композитор А. Печи является автором более 500 произведений и работает во многих жанрах, в том числе, таких, как опера, симфония, балет, хоровая, вокальная и камерно-инструментальная музыка, киномузыка. Его произведения исполняются в Австралии, странах Латинской  Америки, Азии и Европы. Он является обладателем более 20 наград  национальных и международных конкурсов. В истоках его творчества – богатый фольклор народов Средиземноморья, неповторимый колорит древнего гетерофонного пения, включенного ЮНЕСКО в список мирового культурного наследия (2008).

В концерте прозвучали две пьесы А. Печи в исполнении Д. Севостьяноваи Соната №7 «Spectralia» (в исполнении М. Ковалева).Пьеса «Sharki e ngujuar» – трагическая музыка, отражающая драматический эпизод истории: вынужденное заточение семьи в ожидании нападения врага. Пьеса «Cartesius cantus» №2 – это солнечный ритуал в сопровождении национального инструмента – берёзового барабана. Содержание сонаты «Spectralia» также связано с историческими и религиозными корнями, отражая вехи истории от глубокой древности до космических перспектив будущего. Автор экспериментирует со звуком и цветом, выстраивает уникальные пространственно-временные композиции, использует новейшие композиторские техники,  открывающие новые выразительные и интонационные возможности исполнения.

В первом отделении были также исполнены Ноктюрн и «Думка» П.И. Чайковского, а также Вторая соната и три духовных романса на стихи Пушкина и Лермонтова М. Ковалева (солист – Д. Стефанович). Во втором отделении прозвучала Первая соната А. Стачинского в интерпретации Д. Севостьянова, который также представил исполнение своей пьесы «Поединок со страхом» для гобоя и фортепиано (солист – П. Степанов). С большим воодушевлением слушатели встретили также его исполнение Концерта для кларнета и камерного оркестра Б. Чайковского в авторском переложении (солист – А. Акимов).

Ежегодный музыкальный фестиваль «Собираем друзей» – грандиозный музыкальный проект, который проходит в Московской консерватории в течение 18 лет под руководством М.И.Каратыгиной, руководителя НТЦ «Музыкальные культуры мира». Поистине, музыка – это универсальный язык, понятный во всем мире, укрепляющий дружбу и творческое сотрудничество народов разных стран.

Профессор Н.Н. Деева,

Межфакультетская кафедра фортепиано

МНОГАЯ ЛЕТА!

ЮБИЛЕЙ РЕКТОРА МОСКОВСКОЙ КОНСЕРВАТОРИИ А.С. СОКОЛОВА

№6 (1407), сентябрь 2024 года

Уважаемый Александр Сергеевич!
Примите поздравления с 75-летним юбилеем.
За годы насыщенной творческой, научно-организаторской работы, на ответственном государственном поприще Вы внесли значимый личный вклад в развитие великих традиций отечественной культуры, международного гуманитарного сотрудничества. И конечно, особо отмечу Вашу многолетнюю деятельность на посту ректора Московской государственной консерватории имени П.И. Чайковского, искреннюю заботу о воспитании талантливых музыкантов.
Президент Российской Федерации Владимир Путин

Деятель исторического масштаба

Размышляя об Александре Сергеевиче Соколове, невольно вспоминаешь ряд крупнейших музыкантов прошлого, деятельность которых была плодотворна в самых разных областях: братья Рубинштейны, Танеев, Сафонов, Ипполитов-Иванов, Рахманинов, Яворский, Асафьев… Александр Сергеевич Соколов – представитель именно нашего времени, современной музыкальной культуры России и, надо сказать, сейчас фигуры такого масштаба и разносторонности встречаются совсем нечасто.

Ведущий музыковед-теоретик Московской консерватории, что отражается и в его официальном статусе заведующего кафедрой теории музыки, он уже давно посвятил себя исследованию музыки новейшего времени. Этому исследованию присущ широкий гуманитарный подход, философско-эстетический и искусствоведческий, а также погруженность в исторический контекст – многолетнее преподавание курса «музыкальная форма» не позволяет ограничиться только проблемами новейшей музыки.

Названия главных трудов Александра Сергеевича говорят сами за себя: «Музыкальная композиция XX века: диалектика творчества» (М., 1992), «Введение в музыкальную композицию XX века» (М., 2004), главы коллективного кафедрального труда «Теория современной композиции» (М., 2005): «Музыкальная хронология XXвека», «Пространственная музыка» (в соавторстве с Е.В. Назайкинским), «Спектральный метод»

Этот целенаправленный интерес к самому новому дал свои плоды, распространившись на сферу административной деятельности. По инициативе А.С. Соколова, сначала проректора по научной работе (1992–2001), а затем ректора Московской консерватории (2001–2004; 2009 – настоящее время) были созданы специализированные Научно-творческие центры: электроакустической музыки, современной музыки, оркестр современной музыки. В итоге наша Консерватория может гордиться тем, что, наряду с традиционным, «академическим» образованием, она стала оплотом новейшей музыкальной эстетики и технологии – и это ее положение уникально среди российских консерваторий.

Не могу не вспомнить и другое важное событие, ставшее судьбоносным для всего российского музыкального образования. А именно, когда практически все консерватории страны, повинуясь непродуманным, поспешным решениям министерств, принимавшимся только ради того, чтобы у нас было, «как на Западе», согласились на самые разрушительные меры, требуемые так называемым Болонским процессом – переход на бакалавриат и магистратуру взамен традиционного пятилетнего обучения, – наш ректор решительно обосновал необходимость сохранения специалитета, и в итоге к этому решению Московской консерватории тут же присоединились остальные. 

Замечательная веха нашей истории – празднование 150-летия Консерватории (2016) и ремонт ее зданий, включая все концертные залы. Все это осуществлялось под прямым руководством ректора, проявившего недюжинные способности и в хозяйственно-строительной сфере. А впереди – новые планы: завершение строительства студенческого общежития, здания библиотеки, оперного театра…

Можно было бы еще привести множество самых разнообразных примеров перспективных организационных решений, продиктованных опытом ученого-исследователя и руководителя высочайшего ранга.

Отдельная и очень важная глава биографии – работа в должности Министра культуры и массовых коммуникаций России (2004–2008). На этом посту деятельность А.С. Соколова вышла далеко за рамки его основной профессии, но, как и на посту ректора Московской консерватории, талант и опыт крупного ученого-музыковеда позволили принимать оптимальные решения, способствующие совершенствованию культурного пространства России. Даже на посту министра Александр Сергеевич не оставил свое любимое дело – музыковедение, продолжая работать в Консерватории в качестве профессора, заведующего кафедрой теории музыки и председателя Диссертационного совета.

С 2011 года Александр Сергеевич Соколов стал бессменным председателем Совета Общества теории музыки (ОТМ) – общественной организации, объединившей музыковедов различных регионов России. Он не только руководит работой Общества, но и сам делает ключевые установочные доклады на его конгрессах – в Санкт-Петербурге, Москве, Казани, Екатеринбурге, предлагая новые, оригинальные темы и решения. 

Продолжая традиции высокой русской культуры, Александр Сергеевич олицетворяет собой единство науки и искусства – вплоть до изысканного искусства человеческого общения и управления большим, непростым коллективом. Благодаря Александру Сергеевичу Соколову Московская консерватория не только остается тем, чего она достигла за полтора века своей жизни, но и уверенно идет вперед, чутко реагируя на, как принято сейчас говорить, «вызовы времени».

Проректор по научной и воспитательной работе профессор К.В. Зенкин

Уважаемый Александр Сергеевич! Сердечно поздравляю Вас с 75-летием.

Многие годы Вы возглавляете один из прославленных музыкальных вузов России и всего мира, вносите важный вклад в развитие лучших культурных традиций нашего народа, воспитание новых поколений творчески одарённых молодых людей. Ваш богатый опыт и профессионализм, востребованные как в административной, так и в образовательной сфере, снискали Вам заслуженное уважение коллег и общественности. С особой признательностью хотел бы отметить Ваше деятельное участие в реализации значимых церковных просветительских программ, а также в работе Патриаршего совета по культуре. Во внимание к Вашим трудам и в связи с празднуемым юбилеем полагаю справедливым удостоить Вас ордена преподобного Серафима Саровского (II степени). Желаю Вам крепкого здоровья, душевного мира, щедрой помощи Божией и творческих успехов.

Патриарх Московский и Всея Руси Кирилл

Взгляд однокурсника

Голос Александра Сергеевича Соколова – в беседе и прилюдно в зале – воздействует почти терапевтически, вселяя уверенность в успехе и в справедливом исходе дела. В нем слышна результативность работы этого человека, а не просто природная «постановка тембра». Нам, его однокурсникам, со студенческой поры знакомы его настоящие мужские качества – профессионализм во всем до мелочей, решительность и бесстрашие в жестких обстоятельствах, меткость формулировок, твердость в отстаивании правоты. Еще в студенческую пору, в начале 1970-х годов он убеждал нас в том, что интеллигенция должна отстаивать свою позицию. Речь шла, как было сразу понятно, не о капризах интеллектуалов и артистов, а о совестливости и о тяге к справедливости, к праведности.

И тогда, и сегодня, Александр Соколов не сдавался и никогда не сдается (это на заметку всем недоброжелателям Консерватории!). Примеров его оригинальных решений не счесть. А Консерватории, прошедшей через разруху 1990-х и прочее, такие стойкие праведники ох как нужны были и тогда, и сейчас! Мое поколение помнит периоды так называемых «конверсий», «приватизаций» и «демилитаризаций». Нечто подобное попытались учинить, повально заменив великолепное советское устройство образования суррогатом бакалавриатов, хотя даже пресловутая «болонская система» сама по себе подобного фундаментализма не предписывает. Тем не менее все музыкальные вузы России поспешили «лечь» под западное чиновничье предписание. Все, кроме Московской Консерватории, возглавляемой А.С. Соколовым. Не буду пояснять, каким именно образом ему это удалось. Ведь тогда придется вместо краткой приветственной заметки приводить еще более яркие примеры его решений, инициатив и реформ на страницах нескольких томов. Речь не только о преобразовании Консерватории в подлинный университет с обилием новых секторов, программ и живых практик – от музыки древнейшей до электроакустической, от исследований на стыке гуманитарных и точных наук до методических пособий, от просветительства до курсов высшего профессионального мастерства в музыкальном искусстве.

Ректор не «везет» все сам на себе, а структурирует и стимулирует начинания в нужный момент и в нужном месте. Впрочем, и без постоянного его вникания не было бы таких самых заметных преобразований, как недавно появившиеся новые пространства в зданиях Консерватории, как возрожденный орган в обновленном Большом зале, как, наконец, уникальная реставрация всех залов и зданий.

Не буду превращать свое приветствие в юбилейный тост. Достойный анализ деятельности, концепций и решений выдающегося ректора нашей Консерватории еще впереди, в контексте истории музыкальной культуры нашей Родины.

Многая лета Александру Сергеевичу Соколову!

Заведующий кафедрой истории зарубежной музыки профессор М.А. Сапонов

Уважаемый Александр Сергеевич! От всего сердца поздравляю Вас с днём рождения!

Спасибо за Ваш труд, доброту, житейскую мудрость и большой вклад вразвитие нашего любимого города. Хорошего Вам здоровья, радости и долгих лет жизни. Всегда с Вами,

Мэр Москвы Сергей Собянин

В служении Alma Mater

Роль личности в истории обычно определяется по прошествии временного интервала. Московская консерватория приближается к своей очередной кратной и весомой дате – 160-летию основания. Несомненно, периодизация ее творческих вех связана с выдающимися именами профессоров и, в особенности, интервалами правлений ректоров, в ряду которых масштабная, протяженная и созидательная деятельность профессора Александра Сергеевича Соколова и в настоящее время являет собой пример удивительного просветительского служения Alma Mater.

Хотел бы напомнить о грандиозной, успешно проведенной в кратчайшие сроки реконструкции Большого зала консерватории, которому возвращен его исторический облик, открытие четвертого корпуса, появление пристройки к первому корпусу, благодаря чему у Малого зала появились современные артистические, интересные атриумные пространства. Пройдя цикл полной реновации, общежитие превращается на наших глазах в многофункциональный студенческий комплекс, сопоставимый по уровню комфорта с зарубежными аналогами.

Государственный масштаб личности нашего ректора позволяет Консерватории динамично развиваться и соответствовать всем необходимым и постоянно меняющимся стандартам и критериям современной образовательной организации, что особенно ценно, улавливать творческие, научные тенденции.

При непосредственном участии Александра Сергеевича, его поддержке и внимательном многолетнем попечении были созданы ансамбль «Студия новой музыки» и Камерный хор Московской консерватории, которые за три десятилетия зарекомендовали себя как всемирно признанные бренды и драйверы развития не только исполнительского, но и композиторского направления в Консерватории. Инициатива по созданию Камерного хора Московской консерватории для меня и многих коллег по специальности «хоровое дирижирование» стала определяющей в личной и профессиональной судьбе! Он также способствовал созданию студии электроакустической музыки, давшей импульс в наши для появления нового креативного пространства «Артемьев-центр».

На протяжении четверти века активно развивается концертно-фестивальная деятельность. Консерватория во главе с А.С. Соколовым инициировала яркие программы с участием выдающихся дирижеров, проведение мастер-классов и конференций, конкурсов и фестивалей, большинство из которых стали по-настоящему знаковыми не только музыкальными событиями, но и важными составляющими общественной жизни. В их числе организация благотворительного участия консерваторских творческих сил в концертах, проводимых для сотрудников и ветеранов силовых ведомств, обеспечивающих как внешнюю, так и внутреннюю безопасность нашей страны, внимание к участникам и членам семей специальной военной операции.

Системное качество профессора Соколова как ректора – понимание необходимости сохранения традиций и связи поколений, умение находить баланс и решение порой неразрешимых противоречий своими мудрыми и всегда умиротворяющими кадровыми назначениями… Понимание уникального микроклимата и персональное знание профессорско-преподавательского состава, всех сотрудников Консерватории, – это, уверен, и есть одно из самых важных составляющих в деятельности Александра Сергеевича как руководителя.

Многочисленные общественные ипостаси А.С. Соколова отмечены регалиями почетного доктора ряда крупнейших университетов Европы и Азии, действительным членством в российских и международных академиях. Особое место занимает музыкально-просветительская программа «Академия музыки – новое передвижничество», за создание которой ему была присвоена Государственная премия Российской Федерации в области литературы и искусства.

В день знаменательного юбилея хочется пожелать Александру Сергеевичу МНОГАЯ ЛЕТА сохранять мощь атланта, мудрость первопроходца, лидерский креативный и созидательный подход в решении управленческих, научных и творческих задач, семейного благополучия и удачи во всем!

Художественный руководитель Камерного хора МГК,

Ректор Академии хорового искусства им. В.С. Попова профессор А.В. Соловьев

Уважаемый Александр Сергеевич! Примите мои искренние поздравления с 75-летием.

Выдающийся музыковед, яркий и многогранный человек, Вы внесли значительный вклад в развитие отечественной культуры и искусства. Ваши заслуги отмечены высокими государственными наградами и премиями. На протяжении долгих лет Вы возглавляете один из лучших вузов страны — Московскую консерваторию, делаете все для сохранения и приумножения богатейших традиций российского музыкального образования. Здесь внедряются уникальные учебные программы, ведется масштабная научно-методическая и концертная деятельность. Благодаря Вашему педагогическому таланту, опыту и знаниям, которыми Вы делитесь со своими воспитанниками, многие из них стали профессионалами высочайшего класса.

Желаю Вам дальнейших успехов, интересных проектов, крепкого здоровья и благополучия. С уважением,

Председатель Правительства Российской Федерации Владимир Мишустин

ПОЗДРАВЛЯЕМ!

Дорогой Александр Сергеевич! От имени всех читателей газет Московской консерватории, от наших многочисленных, неиссякаемых авторов, прежде всего студентов, которые благодаря Вам получили четверть века назад свою «Трибуну молодого журналиста», и, конечно, от меня лично позвольте поздравить Вас с замечательным юбилеем! Мы все желаем Вам еще долгих и успешных лет на благо Московской консерватории и всей российской культуры, которым Вы так верно и так ярко служите все эти годы. Пусть Вас и дальше ведет по жизни Музыка, ее божественные звуки, ее гармония и возвышенная красота. Многая лета!

Главный редактор газет МГК, профессор Т.А. Курышева

Уважаемый Александр Сергеевич, сердечно поздравляю Вас с днем рождения!

Ваша преданность искусству служит ярким примером коллегам. Благодяря Вам Государственная консерватория имени П.И.Чайковского продолжает лучшие традиции музыкального образования. Благодарю Вас за многолетнюю неустанную работу.

В этот праздничный день примите искренние пожелания крепкого здоровья, благополучия и реализации всех намеченных планов!

Министр культуры Российской Федерации Ольга Любимова

Загадки великой личности

Авторы :

№6 (1407), сентябрь 2024 года

Михаил Иванович Глинка (1804–1857) и его творчество — одна из трудных тем истории русской музыки. И это несмотря на то, что о его жизни и произведениях известно и написано очень много. Но повторение и усвоение известного не равно пониманию. Понимание всегда есть нечто актуальное и в какой-то мере субъективное, поскольку возникает только в результате индивидуальных усилий.

То, что сочинения Глинки с самого начала были восприняты как особо значимый предмет для размышлений, оценок, интерпретаций, мы знаем из отзывов его современников. Знаменитые слова Владимира Одоевского, завершающие его отклик на «Руслана» (1843) – «О, верьте мне! на русской музыкальной почве вырос роскошный цветок…», – представляют собой не просто красивую метафору, а заключенную в рамки поэтического образа теоретическую мысль, которая была глубоко укоренена в эстетических представлениях того времени. Это мысль о связи авторского творчества и того, что было сознательно или бессознательно усвоено композитором из традиций его музыкальной культуры.

И о существенном отличии уникального создания-«цветка» от породившей его «почвы» — они ведь, действительно, внешне не имеют между собой ничего общего! Здесь же угадывается и мысль о возможности будущих «плодов», которые, всем обязанные предшествующему цветению, снова окажутся чем-то иным.

Так, через ассоциации с живым, развивающимся организмом складывалось представление о стадиальном развитии русской музыки, в котором Глинка выступает в двоякой роли: он и результат предшествующего этапа, и начало следующего. Знаменитый «желудь» (то есть одновременно и плод, и источник для будущего дерева!), с которым Чайковский, через несколько десятилетий после Одоевского, сравнивал «Камаринскую» – один из отголосков подобных представлений, глубоко усвоенных музыкально-историческим сознанием в России.

В то же время «русская музыкальная почва» не изолирована, и понимать творчество Глинки только как выражение ее самобытных черт невозможно. Ведь в музыке нет чего-то подобного родному языку, который мы усваиваем в детстве и потом всю жизнь пользуемся им, ясно отличая его от прочих языков. Свое и родное для композитора возникает из всей суммы музыкальных впечатлений, разнородных, растущих, меняющихся. С сегодняшней точки зрения, отраженной в литературе последних двух-трех десятилетий, стиль музыки Глинки предстает скорее как сочетание и сплав различных усвоенных им традиций, среди которой особое место принадлежит итальянской.

Внимательное чтение отзывов на его творчество показывает, что феномен стиля, наряду с определением места композитора в развитии русской музыки, сразу стал одной из сквозных тем и проблем глинкианы. Литератор, журналист и музыкальный критик Николай Мельгунов, знавший Глинку еще по годам учения в Благородном пансионе, а затем сочувственно следивший за его творчеством, в статье 1836 года «Глинка и его музыкальные сочинения» допускал, казалось бы, противоречащие друг другу высказывания. (Это был вообще первый опыт целостной характеристики творчества композитора, сделанный на основании знакомства с ним лично, с его ранними сочинениями и материалами сочинявшейся оперы «Жизнь за царя».) По Мельгунову, с одной стороны, Глинка «открыл целую систему русской мелодии и гармонии, почерпнутую в самой народной музыке и несходную ни с одною из предыдущих школ». С другой — положить «основание новой музыкальной школе» может только человек, который «в своих произведениях заключит все, что предыдущие школы имеют отличительного, и из этого выбора, сделанного русской душой, создаст свою оригинальную русскую музыку».

Даже Одоевский, много думавший и писавший о самобытных элементах русской школы и ценивший их претворение в музыке Глинки, признавал (в одной из статей 1837 года о «Жизни за царя»), что, «передавая совершенно верно звуки родные», композитор должен был пользоваться для этого средствами «общей европейской музыки», и добавлял: «трудность чрезвычайная…». Что «свое» и «чужое», «родное» и «иностранное» не суть противоположности – об этом не дают нам забыть ни музыка Глинки, ни его проницательные современники.

С течением времени многогранный стиль музыки Глинки оценивался по-разному. Так, Владимиру Стасову мешали в «Жизни за царя» места, которые он находил эклектичными и воспринимал как «мозаику [из] более или менее русской мелодии, итальянской певческой виртуозной манеры и немецкой инструментовки» (из монографической работы о Глинке, вышедшей в год смерти композитора, 1857). В отношении единства стиля Стасов, как вслед за ним и Герман Ларош, отдавал безусловное предпочтение «Руслану». Напротив, для Стравинского в 1920-е годы свободный выбор материала и манеры его обработки, который он усматривал в произведениях Глинки, был безусловно привлекательным и вызывал ощущение духовного родства с одним из русских европейцев.

Сама личность Глинки была притягательной темой, своего рода загадкой, которую невозможно разгадать до конца. Прежде всего, пожалуй, на память приходит ряд высказываний Чайковского, который и в письмах, и в дневниках возвращался к «тревожащему до кошмара» вопросу о том, как сочетались в Глинке «дилетант, от нечего делать сочиняющий музыку», «человек добрый и милый, но пустой…», каким он, по мнению Чайковского, предстает в своих «Записках», и – автор «архигениальных» созданий, ставящих его «наряду с Моцартом, Бетховеном и с кем угодно». Чайковскому, который сознательно воспитал в себе музыканта-труженика, привыкшего к каждодневной работе, психология творческой личности Глинки была, следовательно, непонятной, а появление глинкинских шедевров представлялось своего рода чудом.

Однако люди, хорошо знавшие Глинку, отмечали скорее иное: его почти постоянную погруженность в музыку, неизбывную потребность отдаться во власть своей творческой фантазии. Свидетель его юношеских лет, Мельгунов вспоминал, что ни занятия в пансионе, ни чиновничья служба не могли отвлечь Глинку от главного. Стасов, который, напротив, знал композитора в его поздние годы, но реконструировал его биографию полностью, особо настаивал на том, что обстоятельства и образ жизни только благоприятствовали раскрытию всех задатков творческой натуры композитора. Его сравнительно малая продуктивность, подчас некоторая медлительность или даже «барская лень» суть не досадное недоразумение, а внешняя сторона напряженной духовной жизни. Понятно, что, веди себя Глинка иначе, стремись он к планомерной и внешне более продуктивной работе, созданное им никогда бы не существовало.

Едва ли не все крупные произведения Глинки – обе оперы, испанские увертюры и «Камаринская», музыка к «Князю Холмскому» и даже сравнительно ранние фортепианные ансамбли («Патетическое трио» и Большой секстет) – обладают характером чего-то исключительного. И теперь, по прошествии длительного времени, мы, думается, еще способны это чувствовать, возвращаясь вместе с тем к вопросу об историческом месте творчества Глинки. По мере того, как мы лучше узнаем музыку конца XVIII и первых десятилетий XIX века, становится ясно, сколь многим обязан Глинка своим предшественникам и старшим современникам, в том числе в России. Если рассматривать его сочинения с каких-либо отдельных сторон, в них обычно обнаруживаются параллели с иными явлениями музыки того времени. Но взятые в единстве своих составляющих, они, как правило, не вписываются в существовавшие традиции музыкальных жанров и полностью обнаруживают свой исключительный характер. Сколько бы истоков (русских, итальянских или французских) мы ни выявляли в музыке и драматургии «Жизни за царя», невозможно назвать оперы, на которые она походила бы как художественное целое.

Авторское произведение, как и авторский стиль, оказывается в итоге значимее и сильнее каких-либо стереотипов. По существу, Глинка в России был тем композитором, через творчество которого выразила себя общая эволюция европейской музыки в первой половине XIX века. Вспомним, что он был младшим современником позднего Бетховена, почти ровесником Берлиоза, старшим современником Шумана, Шопена, Листа, Верди, Вагнера… Всё это композиторы, создавшие свои уникальные художественные миры, выстроенные не обязательно вопреки жанровым и стилевым нормам, но как бы поверх них.

Некоторые из этих композиторов были восприняты как подлинные выразители своей национальной культуры, хотя по отношению к ней их творчество являлось чем-то новым и уникальным — как «цветок» по отношению к «почве». Таков был передний край музыкального искусства, именно там и находилось место нашего национального классика.

В изучении и осмыслении глинкинского наследия Московской консерватории и ее деятелям принадлежит заметная роль. Здесь преподавал молодой Г. А. Ларош, когда в 1867–1868 годах выпустил большую работу «Глинка и его значение в истории музыки», ставшую, вслед за стасовской монографией, еще одним серьезным опытом интерпретации творчества композитора. В 1920-е годы в консерватории начал работать К. А. Кузнецов, подготовивший в то время серию сборников «История русской музыки в исследованиях и материалах», один из выпусков которой, под названием «Глинка и его современники» (1926), фактически открыл эту тему для музыкальной науки. Одна из кандидатских диссертаций, защищенных в эвакуированной в Саратов консерватории, – работа В. О. Беркова «Гармония М. И. Глинки» (1942), известная по книжной публикации (1948). Другое событие военных лет (1943) – организация при консерватории Научно-исследовательского кабинета под руководством Б.В. Асафьева, который также возглавил одну из составлявших кабинет комиссий, а именно глинкинскую; среди ее сотрудников были Т.Н. Ливанова и В.В. Протопопов, впоследствии авторы фундаментальных работ о композиторе. В 1957-м вышла ставшая классической монография В.А. Цуккермана, еще одного выдающегося ученого и профессора Московской консерватории, – «“Камаринская” Глинки и ее традиции в русской музыке».

Из событий начала столетия многим, скорее всего, запомнился глинкинский юбилей 2004 года, по случаю которого две старейшие русские консерватории провели совместные конференции. Думая о глинкиане, развивавшейся в стенах Московской консерватории, нельзя не вспомнить и о лекциях в рамках спецкурса истории русской музыки, которые читал недавно ушедший от нас Е. М. Левашев (1944–2022). Без преувеличения можно сказать, что его анализ первой оперы Глинки, на который Евгений Михайлович никогда не жалел времени, запечатлелся в памяти всех, кто эти лекции слышал.

Нынешний год – снова юбилейный. О его результатах судить рано, однако несомненно то, что он приносит и еще принесет новые встречи с музыкой Глинки, новые опыты исполнительской и научной интерпретации его творчества.

Доцент Д.Р. Петров, кафедра истории русской музыки

Наконец, это свершилось!

Авторы :

20 мая 2024 года в Рахманиновском зале Московской консерватории состоялся финал Всероссийского конкурса имени С.Н. Василенко по инструментовке и композиции для ансамбля русских народных инструментов. Конкурс стал большим событием, которое в консерватории ждали уже давно. Оргкомитет провел огромную работу, чтобы воплотить в жизнь идею подобного конкурса. И вот, наконец, это свершилось!

Талант Сергея Никифоровича Василенко (1872–1956), выдающегося русского композитора, раскрылся в разных областях музыкального искусства. Он был также и дирижером, музыкальным ученым, педагогом, более 40 лет отдавшим служению Московской консерватории. Был лично знаком с П.И. Чайковским, учился у таких корифеев как М.М. Ипполитов-Иванов, С.И. Танеев, В.И. Сафонов. Сергей Никифорович воспитал плеяду талантливых музыкантов, среди которых А.Н. Александров, Н.С. Голованов, В.В. Нечаев и другие. С.Н. Василенко – автор опер, балетов, симфоний, инструментальных концертов, камерных инструментальных и вокальных сочинений, музыки к театральным постановкам и кинофильмам, но особенно ценно его обращение к русским народным инструментам.

С.Н. Василенко стал одним из первых, кто создал крупные сочинения в этой области: Концерт для балалайки с оркестром (1929), Симфония № 3 для народного оркестра (1934), циклы пьес для балалайки и фортепиано (1932, 1955). Его творчество оказало несомненное воздействие на формирование новых классиков русской музыки и в настоящее время является образцом высочайшего профессионализма, «золотым фондом» национальной культуры страны. «Жить – это значит работать во всю силу своих способностей и возможностей на благо Родины», – так определил музыкант своё жизненное кредо.

Жюри конкурса возглавил профессор кафедры композиции МГК, заслуженный деятель искусств России и Украины, композитор Валерий Кикта. В состав жюри вошли известные композиторы и дирижеры, чье творчество напрямую соприкасается с деятельностью русских оркестров. Это доцент кафедры композиции МГК изаведующий кафедрой композиции РАМ имени Гнесиных, композитор Кузьма Бодровзаведующий кафедрой народных инструментов ГМПИ имени М.М. Ипполитова-Иванова, художественный руководитель и главный дирижёр Государственного академического русского народного ансамбля «Россия» имени Людмилы Зыкиной, профессор Дмитрий Дмитриенко; доцент кафедры композиции МГК, автор курса «Инструментовка для оркестра русских народных инструментов», композитор Олеся Евстратова; заведующий кафедрой народных инструментов и оркестрового дирижирования Челябинского государственного института культуры, народныйартист РФ и художественный руководитель и главный дирижер Челябинского государственного русского народного оркестра «Малахит», профессор Виктор Лебедев (Челябинск); заведующий кафедрой оркестрового дирижирования РГК имени С.В. Рахманинова, профессор Юрий Машин (Ростов-на-Дону); профессор кафедры народных инструментов Тамбовского ГМПИ имени С.В. Рахманинова, художественный руководитель и главный дирижер оркестра русских народных инструментов «Россияне» ТОГАУК «Тамбовконцерт» Юрий Храмов(Тамбов).

В финале конкурса были представлены работы участников из Москвы, Тамбова, Перми, Казани, Сеула. В номинации «Инструментовка для ансамбля русских народных инструментов» лауреатами стали: Александра Торяник (1-е место), Елизавета Альбицкая, Юнсун Джи, Никита Точилкин (2-е место), Альберт Шарафутдинов(3-е место). Дипломы получили Виктор Олехнович, Вячеслав Моргунов, Илья Юркин. Лауреаты в номинации «Произведение для ансамбля русских народных инструментов»: Борис Вишневский (1-е место), Анжелика Комиссаренко, Алина Подзорова, Игорь Андросов (2-е место), Игорь Шаманов, Алексей Епишев, Мария Генченкова(3-е место).

Инструментовки и сочинения финалистов прозвучали в исполнении ансамбля «Россия» им. Людмилы Зыкиной – коллектива с уникальной историей. В 1977 году Людмила Георгиевна Зыкина, вдохновленная советом известного импресарио Соломона Юрока, инициировала создание компактного музыкального коллектива, состоящего из солистов-виртуозов. Пройдя «музыкальное крещение» в легендарном Карнеги-Холле, коллектив вот уже почти 50 лет радует слушателей своим искусством. За эти годы ансамбль с неизменным успехом выступал на пяти континентах, во многих странах мира, во всех уголках России, записал более 30 компакт-дисков и пластинок, принял участие в записи музыки к фильму «Отель Гранд Будапешт» (удостоен премии Оскар за лучший саундтрек). В репертуар ансамбля, помимо оригинальных обработок классических произведений русских и зарубежных композиторов, музыки народов мира, входят произведения современных авторов. Художественным руководителем и главным дирижером ансамбля с 2010 года является выдающийся музыкант, лауреат всероссийских и международных конкурсов Дмитрий Дмитриенко. Выпускник факультета народных инструментов РАМ им. Гнесиных, Д. Дмитриенко совмещает свою дирижерскую деятельность с сольными выступлениями на престижных концертных площадках, он хорошо известен на родине и за рубежом как один из самых ярких представителей современного поколения музыкантов.

Участники конкурса получили возможность услышать свои работы в прекрасном исполнении, понять и осмыслить их достоинства и недостатки. Интересным моментом финала стало исполнение различных инструментовок одного и того же сочинения. Букет авторских произведений был очень разнообразным: среди представленных работ оказались сочинения не только для ансамбля, но также и с солистами (аккордеон, балалайка, сопрано). Концерт прошёл в теплой, творческой обстановке, которую для слушателей создал ансамбль «Россия» и его талантливый дирижер Сергей Корняков.

Мария Генченкова, кандидат искусствоведения

Мелодии южных ночей

№6 (1407), сентябрь 2024 года

Последний месяц лета студенты и педагоги Консерватории встретили в Краснодарском крае – с 31 июля по 3 августа состоялась очередная гастрольная поездка в рамках региональной музыкально-образовательной программы «Молодые звезды Московской консерватории», которая вот уже третий год проходит при поддержке Министерства культуры РФ и ФГБУК «Росконцерт».

1 августа в Концертном зале Сочинской камерной филармонии «Под Чайкой» состоялась премьера литературно-музыкальной программы «Мелодии южных ночей». Программа была вдохновлена эстетикой литературно-визуальных симфоний Серебряного века в новом прочтении. Органичное сочетание шедевров мировой поэзии и прозы о море – от Шекспира до Ричарда Баха, от Пушкина до Волошина, популярных джазовых и танцевальных ритмов в уникальных авторских обработках Ансамбля солистов Московской консерватории «ЗВУК» и проекции живописных полотен выдающихся художников на интерактивных экранах подарили зрителям незабываемые впечатления и яркие эмоции.

В программе приняли участие: актриса театра и кино, лауреат премии «Чайка» Елена Захарова, доцент кафедры сольного пения Екатерина Скусниченко, преподаватели межфакультетской кафедры фортепиано Юлия Куприянова и Тамара Еприкян, студенты и аспиранты Консерватории Мария Соколова (флейта), Аскар Михайлов(ударные), Александр Копылов (ударные), Андрей Павлик (труба). Сценарий подготовили кандидат искусствоведения, доцент Ярослава Кабалевская и литературовед Наталья Денисенко (ее перу также принадлежал один из пронзительных рассказов о море «Лекарство», вызвавший горячий отклик у публики). По словам Е.И. Скусниченко, «откровением для меня стал писательский талант нашей коллеги Натальи Денисенко. Ее рассказ заставил плакать прямо находясь на сцене». Визуальную партитуру выступлений подготовил Константин Куприянов. Партнерами концерта выступили члены Попечительского совета Консерватории – премиальный автомобильный бренд «EXEED».

2 августа в том же концертном зале «Под Чайкой» состоялась премьера литературно-музыкальной программы «Любовь вне времени». В ее основу легли бессмертные строки Роберта Рождественского: «Современная женщина, суетою замотана, но как прежде божественна! Пусть немного усталая, но, как прежде, прекрасная! До конца непонятная, никому не подвластная!» Со времен Шекспира писателей, поэтов, музыкантов, художников, воспевавших возвышенные чувства, сближало вдохновение любовью. Недаром великий английский бард провозглашал: «Любовь – над бурей поднятый маяк!». 

В программе была представлена моноопера Микаэла Таривердиева «Ожидание» на слова Р. Рождественского (к 40-летию со дня создания) в концертном исполнении. «Я предпочитаю язык эмоциональный» – писал о своей работе сам композитор. Единственная героиня оперы, чью партию проникновенно исполнила Екатерина Скусниченко, приходит на свидание на 32 минуты раньше мужчины и за время ожидания успевает пережить целую бурю различных эмоций – от восторга и любовного трепета до отчаяния. Партию фортепиано, заменяя целый оркестр, вдохновенно исполнила Юлия Куприянова. Опера вызвала настоящее потрясение у публики, исполнителей трижды вызывали на бис. По их словам, «за каждым удачным выступлением стоит большая работа. За четыре месяца подготовки мы, кажется, вышли на новый уровень творческих взаимоотношений – научились чувствовать друг друга спинами и другими невидимыми каналами передачи данных». Надеемся, что в ближайшее время моноопера «Ожидание» прозвучит в залах Московской консерватории.

Также в концертной программе прозвучали шедевры киномузыки о любви Д. Шостаковича, И. Дунаевского, А. Зацепина, Е. Доги, А. Рыбникова, В. Лебедева, Э. Артемьева, Г. Гладкова в исполнении Ансамбля МГК «ЗВУК» и Тамары Еприкян (фортепиано). Вела концерт Ярослава Кабалевская.

Над музыкально-образовательной программой «Молодые звезды Московской консерватории» работали: художественный руководитель, проректор по концертной деятельности В.А. Катков, исполнительный директор, помощник ректора Я.А. Кабалевская, музыкальный руководитель Ю.С. Куприянова. Координаторы программы – А. Дамарская и Н. Денисенко, руководитель пресс-службы – И. Горькова. Благодарим директора Сочинской камерной филармонии Сергея Сергеевича Цедрика, генерального директора ООО «Боско Ривьера» Евгения Евгеньевича Балакина и дирекцию АНО по развитию искусства и просветительства «ЗВУК» за неоценимую помощь в организации и проведении мероприятий программы.

Доцент Я.А. Кабалевская

Средневековая литургическая монодия. От истоков до наших дней

Авторы :

№6 (1407), сентябрь 2024

Широкомасштабная международная научная конференция «Средневековая литургическая монодия и ее исторические перспективы», проходившая в стенах Московской консерватории под эгидой кафедры теории музыки в течение четырех дней с 27 февраля по 1 марта 2024 года, была событием долгожданным. Газета Консерватории уже рассказывала о ней своим читателям («РМ» 2024, №4), но осмысление важного научного события нуждается в дополнительном подведении итогов.

Еще в 1989 году доцент кафедры теории музыки МГК Т.Б. Баранова-Монигетти провела международную конференцию «Старинная музыка в контексте современной культуры: проблемы интерпретации и источниковедения». Тогда же были опубликованы материалы докладов. Эстафету перехватил Научный центр церковной музыки им. протоиерея Д. Разумовского: под руководством главы центра профессора И.Е. Лозовой начиная с 1996 г. было проведено пять конференций (материалы изданы). Однако со времени последней из них прошло уже десять лет – тем настоятельнее назрела потребность в проведении нового научного форума международного ранга по проблемам литургической монодии. Показательно, что практически сразу после размещения его анонса на консерваторском сайте (еще в конце 2022/2023 учебного года) появились первые заявки на участие. Пользуясь возможностью, приносим глубокую благодарность ректору Московской консерватории профессору А.С. Соколову и проректору по научной и воспитательной работе профессору К.В. Зенкину за поддержку нашей инициативы и оказанное доверие при выработке концепции конференции, отборе заявок и составлении программы. В приветственном слове на открытии форума профессор К.В. Зенкин обратил внимание на многообразие аспектов исследования и широкую географию.

В конференции приняли участие 37 ученых из шести стран: России (Москва, Санкт-Петербург, Новосибирск, Кызыл, Ростов-на-Дону, Саратов, Свирск), Италии (Рим, Больцано/Боцен), Швейцарии (Базель), Венгрии (Будапешт), Австрии (епархия Фельдкирх), Аргентины. Тематика изначально не была ограничена ни конфессионально, ни географически: христианская линия в восточных (русская и византийская) и западных (католическая и лютеранская) разновидностях, была дополнена музыкальными традициями иудаизма и буддизма. Заседания велись по пяти направлениям.

Самое представительное из них – «Древнерусская литургическая монодия и ее многоголосные обработки» – открыли доклады коллег кафедры древнерусского певческого искусства СПбГК: проф. Е.В. Плетнёвой, которая рассмотрела функциональные и структурные особенности древнерусской псалмодии в чине Освящения храма, и проф. Н.Б. Захарьиной, выявившей типологию зрительных образов древнерусского певческого искусства. Научный сотрудник НТЦ церковной музыки МГК И.В. Старикова продемонстрировала типы мелизматических формул в песнопениях Великой Пятницы по певческим рукописям XII–XIII вв. Ее коллега по НТЦ ст. научный сотрудник О.В. Тюрина провела сравнительный анализ Евангельской стихиры в средневизантийском и большом знаменном распевах. Доцент кафедры древнерусского певческого искусства, гл. научный сотрудник Научно-исследовательской лаборатории русской музыкальной медиевистики СПбГК М.С. Егорова представила результаты исследования песнопения «Иже херувимы» в дониконовской традиции Кирилло-Белозерского монастыря. Доцент Коломенской духовной семинарии, иеромонах Павел (Д.А. Коротких) выявил изменение традиции знаменного пения Троице-Сергиева монастыря в XVII в. Ст. преп. ПСТГУ А.А. Лукашевич предложил новое объяснение происхождения термина «путь» от греческого термина «демество». Руководитель хора Патриаршего центра древнерусской богослужебной традиции доц. каф. регентования ПСТГУ В.Ю. Григорьева описала процесс образования мелодических формул в древнерусских внегласовых «опекаловских» песнопениях в лингвистических терминах. Соисктель кафедры древнерусского певческого искусства СПбГК С.Г. Кудрявцева рассказала о процессах формирования и бытования топоса «прекрасная пустыня», а доцент кафедры Н.В. Мосягина выявила приемы нотирования отклонений от обиходного звукоряда. Объектом исследования старшего науч. сотрудника ГПНТБ Сибирского отделения РАН, профессора Новосибирской консерватории Т.Г. Казанцевой стала старообрядческая рукопись «Обиход нашего напева» из Красноярского края. Ассистент-стажер кафедры хорового дирижирования МГК Е. Шафранов сфокусировался на вопросах интерпретации демественного роспева в старообрядческих общинах Новосибирска и Нижнего Новгорода. В докладе руководителя НТЦ церковной музыки МГК, доцента кафедры истории русской музыкиН.В. Гурьевой прослежены особенности гармонизации знаменных песнопений Литургии в рукописях XVII–XVIIIвв. из Синодального певческого собрания ГИМ.

Направление «Григорианский хорал» отличала многоаспектность. Так, доцент кафедры музыкально-информационных технологий МГК П.А. Песенка обсудила проблемы цифровизации григорианики как отдельной области знаний и исследований, выделив ее магистральные линии. Профессор кафедры теории музыки МГК Ю.В. Москва посвятила доклад способам исполнения эпистолы в монастыре Св. Петра и Павла в Мерзебурге по рукописи ф. 183 № 1913 из РГБ и с учетом Бурсфельдской реформы. Преподаватель Школы искусств «Ars Nova» в Москве Е.С. Дубравская осветила проблематику григорианского хорала в трактате Дж.-Б. Мартини «Esemplare o sia Saggio fondamentale pratico di contrappunto sopra il canto fermo» (1774)

Певчий Папской музыкальной капеллы в Ватикане Р. Перейра Мартинес представил исследование основного григорианского исполнительского штриха — legato в историческом, теоретическом, литургическом и богословском ракурсах. Профессор Консерватории Больцано / Боцен М. Джулиани впервые ввел в научный обиход старопечатную (XVI в.) книгу Страстей Христовых «Cantus Passionum Secundum Quatuor Evangelistas».

В блоке «Григорианика в музыке Возрождения и барокко» выступили коллеги по кафедре теории музыки МГК: преп.  Л.И. Сундукова обратилась к поликантусным мессам раннего Возрождения; преп. Т.А. Гордонразвернула проблему композиционных особенностей месс De Beata Virgine; принципы работы О. Лассо с кантиком «Nunc dimittis» раскрыла преп. Ю.В. Москвина; доц. Г.И. Лыжов на примере больших полифонических циклов Лассо и Щютца сделал вывод об изменении функции псалмового тона на протяжении позднего Ренессанса и раннего барокко. Преп. и аспирантка кафедры истории зарубежной музыки МГК А.А. Хлюпина предложила новый подход к изучению нотных источников «Miserere» Г. Аллегри: от схематичной основы виртуозной многоголосной импровизации до строго фиксированного текста. 

Тематический блок «Литургическая монодия в музыкальном искусстве современности» охватил период XIX–XXI вв. Заведующая кафедрой истории музыки Ростовской консерватории, доцент Е.Э. Лобзакова рассмотрела последний опус Юрия Буцко «Ангел пустыни» в диалектике авторской поэтики и обрядового мелоса. Независимый исследователь из Базеля доцент Т.Б. Баранова-Монигетти впервые выделила западноевропейское Средневековье как один из важных истоков творчества И. Стравинского, выявив соответствующие жанры, приемы, структуры, ладовые образования и документально доказав целенаправленную работу композитора с историческими источниками. Аспирантка РГУ им. А.Н. Косыгина Г.А. Наварро Ландаверрия представила григорианские источники в органной школе Страны Басков и Наварры XIX – первой половины XX вв. В фокусе внимания доцента кафедры теории музыки МГК И.В. Висковой – старинная религиозная песня «Богородица», в качестве знаковой многократно обретавшая новую жизнь в композиторском творчестве вплоть до наших дней. Объект исследования преподавателя ДМШ г. Свирска А.В. Потапцева – кондак «Со святыми упокой» был представлен в разных версиях первоисточника и его цитирований в русской и зарубежной музыке XIX–XXI вв. Профессор кафедры истории музыки, проректор по научной и международной деятельности Саратовской консерватории И.В. Полозова вскрыла принципы воплощения литургической монодии во «Всенощном бдении» С. Рахманинова.

Мастер-класс Раймундо Перейра-Мартинеса

Последний день конференции составил блок «Вопросы современной литургической практики». Научный сотрудник НТЦ церковной музыки МГК А.А. Елисеева изложила методические принципы сочинения песнопений византийского распева на церковнославянском языке на примере самогласных стихир. Докторант Музыкальной академии им. Ф. Листа в Будапеште А. С. Уткин ознакомила аудиторию с первым печатным нотированным певческим сборником закарпатской певческой традиции «Церковное простопение» Бокшая–Малинича (1906). Способам преломления средневековой монодии «Немецкой мессы» М. Лютера в современной лютеранской литургической практике посвящено выступление ответственного редактора епархиальных изданий, преподавателя Теологического института Евангелическо-лютеранской церкви Ингрии Д.А. Шкурлятьевой (Санкт-Петербург). Клириком Римско-Католической Церкви В.В. Прусаковым (епархия Фельдкирх, Австрия) рассмотрены факторы непрерывности кидрихской традиции григорианского пения. В выступлении ведущего научного сотрудника ГИИ Г.Б. Шамилли обсуждена первая нотная запись молитвы «Avinu Mailkeinu» в исполнении кантора Исаака Мачоро. В финале конференции прозвучал совместный доклад независимого исследователя Ч.О. Адыгбай и ст. научного сотрудника Международной академии «Хоомей» Е.К. Карелиной (Новосибирск – Кызыл) о практике бытования ритуала «Гуру-пуджа» в буддизме Тувы (традиции школы гелуг).

В рамках конференции состоялись два мастер-класса Р. Перейра-Мартинеса по стилистике и технике исполнения григорианского хорала на примере проприя III Воскресенья Четыредесятницы в редакции «GradualeNovum» (новейшего критического издания Римского Градуала), а также концерт ансамбля древнерусского певческого искусства «Асматикон» под управлением А.А. Елисеевой «Сокровища византийской и древнерусской певческой традиции».

Констатируя высокие результаты проведенного научного симпозиума по проблемам литургической монодии, выражаем надежду на его регулярное возобновление, необходимое для консолидации научных сил, обмена опытом и вдохновения.

Профессор Ю.В. Москва, кафедра теории музыки МГК