№ 3 (1341), март 2017

25 февраля в зале имени Н. Я. Мясковского состоялась творческая встреча с известным педагогом и музыкантом, замечательным человеком, выдающимся композитором нашего времени, профессором Санкт-Петербургской консерватории Сергеем Михайловичем Слонимским. Совсем недавно он вновь приехал в Москву и, не теряя времени, посетил Московскую консерваторию, ее педагогов и студентов. В начале вечера со вступительным словом к присутствующим обратилась профессор Е. Б. Долинская, близкий друг Сергея Михайловича, поздравив его с 85-летием. После чего «ответственность» за беседу взял на себя гость и до конца встречи отвечал на вопросы, беседовал на различные темы и импровизировал за роялем.

Сергей Михайлович предложил следующие тезисы для обсуждения: взаимоотношения Петербургской и Московской школ, а также совместимость мелодии и современной музыки. Композитор, будучи человеком остроумным, вставлял в разговор забавные истории из жизни, интересные случаи, которые очень живо и радостно воспринимали присутствующие, аплодируя Мастеру. Вопросы задавали и студенты, и педагоги – все хотели услышать точку зрения Сергея Михайловича на интересующие их темы. Композитор успел остановиться на каждом проблемном моменте и дал развернутые комментарии.

Наверное, самой ожидаемой частью встречи стала импровизация. Все, кто знаком с творчеством Сергея Слонимского, наслышаны о его удивительном таланте. Как известно, что не раз подтверждал и сам композитор, большая часть его сочинений начиналась с простого подбора мелодии.

«Виновник» вечера попросил написать ему темы для импровизации. Были предложены две музыкальные, а также литературные и художественные темы (одна из них – Сальвадор Дали «Искушение святого Антония»). Публика была в восторге! В последовавшей импровизации автор задействовал не только клавиши, но и струны и крышку рояля. Известно, что такие приемы присутствуют во многих произведениях Слонимского. Творческий вечер дал возможность услышать также и его некоторые пьесы в авторском исполнении. Каждая миниатюра сопровождалась небольшой предысторией, связанной с этой музыкой.

Завершением вечера стало прослушивание кантаты «Голос из хора» на стихи А. Блока. Сочинение было довольно длинным, и композитор беспокоился, не будет ли это трудно для аудитории, все время порывался выключить запись, но публика его останавливала, желая дослушать до конца.

Творческая встреча прошла более чем успешно. Невероятным оказалось количество желающих увидеть и пообщаться с Мастером. Пришло так много людей, что не все поместились в зале: многие стояли у дверей, в проходах, в коридоре. Это стало подтверждением того, что композитор Слонимский и его творчество интересны современной молодежи. А это ли не прекрасно?! Московское студенчество надеется еще неоднократно встретиться с этим выдающимся художником современности.

Антонина Чукаева,
бакалавриат

№ 1 (1330), январь 2016

26 ноября в Малом зале состоялся ежегодный концерт класса Народного артиста России, профессора Рафаэля Оганесовича Багдасаряна. По уже сложившейся традиции он привлек большое количество поклонников и молодежи. И в этот раз Малый зал был переполнен, а программа весьма насыщенна – концерт продолжался около трех часов. Каждое выступление сопровождали бурные аплодисменты, а заключительный номер программы, который прошел под руководством самого профессора, был несколько раз бисирован – публика встречала его стоя.

Все выступления, а их было двадцать одно, прошли на высоком художественном уровне. Рафаэлю Оганесовичу удалось выстроить программу так, что звучала и классика, и ультрасовременная музыка. Конечно, кларнет лидировал, но в концерте приняли участие исполнители на других духовых инструментах (саксофон, флейта, фагот), а также медные и ударные (труба, тромбон, литавры и даже треугольник!). Кроме того, участвовали и струнники – скрипка, виолончель и контрабас. Получился не скромный концерт класса, а настоящий гала-концерт инструментальной музыки, на котором и сам маэстро Багдасарян продемонстрировал высокое дирижерское искусство!

Жаль, что у нас такие концерты проходят на небольших учебных концертных площадках. Мастерство исполнителей-духовиков достигло такого уровня, что оно могло бы сыграть большую роль в музыкально-просветительской деятельности, в воспитании патриотизма. Однако наши концертные организации относятся весьма индифферентно к пропаганде духовых инструментов. Даже в Москве – столице нашей Родины – вы редко встретите афишу, посвященную этому жанру, а на периферии их нет вовсе. Люди старшего поколения еще помнят, как на торжественных мероприятиях звучала духовая музыка, а на демонстрациях через каждые сто метров шел духовой оркестр. Духовая музыка звучала в скверах и парках, поднимая слушателям настроение, вызывая желание активно участвовать в жизни страны!

Возвращаясь к концерту Рафаэля Оганесовича, важно подчеркнуть, что профессор выступает хранителем наших лучших музыкальных традиций и активным пропагандистом духового музыкального искусства. Хочется пожелать ему крепкого здоровья, больших творческих и педагогических успехов!

Профессор Авангард Федотов,
Президент Фонда развития исполнительства на духовых и ударных инструментах, Народный артист России

№ 1 (1330), январь 2016

Юбилейный благотворительный марафон в честь Alma mater продолжил симфоничес-кий концерт, прошедший в Большом зале 5 декабря. В этот раз со студенческим оркестром Московской консерватории выступали ее именитые выпускники и нынешние профессора – Юрий Башмет и Александр Чайковский.

В программе была своя «изюминка»: классические партитуры Петра Ильича Чайковс-кого – Увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта» и Пятая симфония – обрамляли эффектный современный опус композитора Александра Владимировича Чайковского «Этюды в простых тонах» (1992). Сочинение, имеющее подзаголовок «Второй концерт для альта с оркестром», было посвящено, как и Первый альтовый концерт (1979) композитора, Ю. Башмету, давнему другу и соратнику в искусстве. Но в выборе именно этого сочинения для юбилейной программы была вторая «изюминка» вечера: наряду с основным солистом его партитура предполагает участие солирующего фортепиано. В результате оба музыканта выступали вместе – автор сел за рояль, за дирижерский пульт встал Валентин Урюпин. Музицирование, глядя «глаза в глаза», сидевших на сцене Ю. Башмета и А. Чайковского, то серьезное, то иронично-насмешливое, наэлектризовало зал. Публика, заведенная музыкой, не отпустила исполнителей – финал сочинения, завершавшего первое отделение программы, солисты с оркестром повторили на «бис».

«Ромео и Джульеттой», открывшей вечер, и Пятой симфонией Чайковского, звучавшей во втором отделении, дирижировал Юрий Башмет. Представ перед публикой в своей второй творческой ипостаси – дирижера, он в этот раз стоял не во главе своего коллектива – оркестра «Новая Россия», а Оркестра студентов МГК. Профессор А. А. Левин, художественный руководитель и главный дирижер студенческого оркестра, разумеется, готовил ребят к работе с другим дирижером, помогал заранее освоить программу. И все же такую возможность трудно переоценить: современный оркестрант должен уметь играть «под разную руку», должен быть гибким и чутким, воплощая замыслы разных художников. А оркестрант-студент – тем более: репетируя с крупнейшими мастерами, он уже в процессе такой работы приобретает новые знания и опыт, растет.

Дирижер стремился особенно подчеркнуть романтический дух шедевров Чайковского. Музыка, где каждый звук, каждый контрапункт и каждая фраза прекрасно известна и любима слушателем, воссоздавалась исполнителями как можно более выразительно, тщательно и деликатно.

Напротив, «Этюды» А. Чайковского для многих в зале стали неожиданным открытием. Четырехчастная партитура «Этюдов» – музыка подлинно концертной природы. Она рассчитана на эффект, будь то разноплановые тембровые находки или токкатная моторика, колоритные «маски» то альта, то фортепиано, то оркестра, забавные театрализованные «представления» солиста или дирижера (который один раз даже покинул свое место и присел на дирижерский подест – пусть музицируют сами!). Дух игры и импровизации привел в финальной части сочинения к неожиданному и, одновременно, естественному эпизоду в джазовом стиле. Начавший его пианист втянул в эту веселую атмосферу всех остальных музыкантов. А затем и публика с удовольствием включилась в предложенную игру, и, восторженно аплодируя, заставила повторить столь впечатливший всех финал.

Собкор «РМ»
Фото Дениса Рылова

№ 9 (1329), декабрь 2015

Действо тазийе

Очень грустно закончилась научная часть Международного симпозиума «Музыкальная карта мира»: гость из Индии Атиш Мукхопадхьяй, вдохновенно описывающий уровни духовности в индийской классической музыке, столь последовательно раскрывал тему своего доклада, что жадно слушающая его аудитория так бы и не заметила, что на часах уже 23:15, если бы музыкант не достал из футляра свой сарод и не издал невыразимо печальные звуки раги Дарбари-Каннада, приуроченной к началу ночи. Сумрак охватил сердца и от горестно «вздыхающей» ступени «дха», характерной для данной раги, и от того, что всем стало ясно: завтра – последняя встреча в череде ярких и необычных событий симпозиума, за которой последует неизбежное возвращение к обыденной жизни.

Очень радостно, однако, завершился симпозиум, что, в сущности, парадоксально, так как присоединившиеся 27 октября к сопереживанию мистеральному иранскому действу тазийе «Магталь Аббаса», посвящённому оплакиванию мученически погибших Имама Хосейна и его сподвижников в пустыне Кербеле, испытали искреннее потрясение от разыгранной драмы. Битком забитый Большой зал Центра Вс. Мейерхольда горячо рукоплескал крошечной труппе из шести человек, сумевшей развернуть в воображении зрителей картину вселенской битвы Добра и Зла.

Атиш Мукхопадхьяй читает доклад

Труппа, показавшая это действо, развивает традиции города Казвина, считающегося, благодаря высокому уровню своих певцов и актёров, «столицей тазийе». Она приглашается Московской консерваторией уже во второй раз: в 2014 году, также в рамках Международного симпозиума, ею был представлен маджлес «Хорр» в театре «Сфера». Чтобы подготовить непривыкшую к такого рода действам московскую аудиторию, накануне спектакля в рамках симпозиума была прочитана лекция «Традиция тазийе в иранской культуре», автор которой, иранский певец Хосейн Нуршарг многократно участвовал в подобных представлениях и знает традицию изнутри. Сам факт появления тазийе на московских площадках, как и последовательное развитие иранского направления в научной и творческой деятельности МГК – результат многолетнего подвижнического труда этого иранского консультанта центра «Музыкальные культуры мира».

Таков был финал международного форума «Музыкальная карта мира», а его великолепной увертюрой стал концерт «Музыка Персии в Оружейной палате Московского Кремля». Музеи Кремля предложили организовать эту программу для II Международ-ного музыкального фестиваля «Посольские дары». Сегах, Хомаюн – это названия старинных иранских дастгахов (ладовых систем), которые иранские музыканты – певец Хосейн Нуршарг и девушки из группы «Караван» – избрали для создания звуковой атмосферы, соответствующей формам придворного этикета, принятым при персидском дворе, с которым общались русские дипломаты времён Бориса Годунова. На следующий день иранские музыканты были в гостях у первокурсников историко-теоретического факультета с разговором о своей удивительной традиции и, конечно, с живой музыкой.

Итиро Макихара

Присутствие традиций Ближнего и Среднего Востока в программе симпозиума было впечатляющим. Учитывая, что тема «Музыкальная карта мира» имела в этом году подзаголовок «Музыка и религия», многие выступления концентрировались на духовной стороне культурных явлений. При этом речь идёт не только о научных сообщениях, таких как доклад «Музыка в средневековых традициях исламской цивилизации (VII–XVII века)», прочитанный востоковедом Тамилой Джани-заде (РАМ им. Гнесиных). Впервые в стенах МГК был проведён цикл традиционных молитвенных повествований о духовном подвиге Имама Хосейна и его сподвижников, характерных для арабских обществ, воспринявших ислам в его шиитской форме. Помимо сказаний, включающих в себя рассказы, песнопения, проповеди, молитвы, плачи и другие виды творчества, исполнитель этого действа Казем Шамас (Ливан) и журналист Ахмад Хаж Али провели два насыщенных семинара, разъясняющих содержание и структуру этого культурного феномена.

Зороастрийская традиция получила освещение в докладе «Музыкальная основа Авесты», прочитанном профессором МГУ им. М. В. Ломоносова Владимиром Ивановым. Многие из нас впервые услышали, как в живую звучат сочинённые, как утверждают зороастрийцы, самим Пророком Заратуштрой, молитвенные песнопения гаты, пропетые в лекции-демонстрации «Пение Авесты – священной книги зороастрийцев» мобедом (зороастрийским священнослужителем) Камраном Лорианом (Иран).

Лазо Монгуш и Валерий Монгуш

Во многом родственные иранской тематике проблемы обсуждались в «индийской части» симпозиума. Здесь прозвучали два доклада: «Звук и Сакрум в культурах Южной Азии» Елены Гороховик (Беларусь), представляющий собой философское размышление о роли звука в ведийской ритуально-религиозной практике, и «Пути духовного совершенствования в музыке уп-шастрия» Татьяны Карташовой (Саратов), выявляющий разные типы соотношения «земного и возвышенного» в особой сфере культуры, самими индийцами осознаваемой в качестве полуклассики (уп-шастрии). Рассуждения музыковедов были дополнены выступлениями индийских музыкантов, содержащими в себе и теоретическую часть, и живой показ рассматриваемых музыкальных явлений: «Вклад Хазрата Амира Хусроу в традицию суфийской музыки в Индии» педагога Культурного центра имени Джавахарлала Неру Посольства Индии в Москве Гульфама Сабри и «Индийская музыка и духовность» уже упомянутого известного исполнителя на сароде Атиша Мукхопадхьяя. Цикл мастер-классов дали оба индийских музыканта, а также японский исполнитель на сякухати Итиро Макихара, известный своей приверженностью к практике странствующих монахов комусо, которые по сей день ходят по дорогам городов и деревень в надетых на голову соломенных корзинах и неустанно играют на японской флейте, собирая подаяние.

Камран Лориан и Авеста

Многогранное освещение на симпозиуме получила музыкальная культура Японии. Традиция комусо была преподнесена Итиро Макихарой в его сольном концерте «Звучание бамбука» и цикле мастер-классов. О влиянии индийской духовной традиции на Японию поведала в своём докладе «Косики-сёмё: буддистская пение-проповедь» директор Центра традиционных исследований Киотоского отделения Национального университета искусств Алисон Токита. Доцент того же Центра Эмико Такэноути в докладе «Культура цитры в Японии» описала пути проникновения конфуцианства из Китая в Японию и исполнила несколько пьес на китайской цитре гуцинь. Образец традиции, адаптирующейся в условиях чужой культуры, рассмотрела сотрудник МГК Наталья Клобукова (Голубинская), прочитавшая доклад «Японский православный певческий канон: история создания и особенности».

Фольклорный ансамбль Московской консерватории

От православия в Японии был перекинут мостик к «Народному православию в России», докладу руководителя Научного центра народной музыки имени К. В. Квитки, профессора Натальи Гиляровой. И сам доклад, и продемонстрированные видеоматериалы, и проведённый ранее концерт «Кому повем печаль мою» Фольклорного ансамбля Московской консерватории, руководимого Натальей Николаевной, продемонстрировали неразрывную связь религиозных христианских канонов с древними традиционными верованиями людей, живущих в окружении природы и зависящих от её стихий.

Наиболее очевидная связь Человека и Природы была проявлена в выступлениях гостей из Тувы: шамана-хоомейжи Лазо Монгуша и Народного хоомейжи Республики Валерия Монгуша (традиция хоомей известна под названием «горловое пение»). Их концерт «К духам тайги взываем» и последующая лекция-демонстрация «Шаманские и обрядовые традиции Тувы» не просто удивили и порадовали слушателей, но безоговорочно убедили нас в том, что есть реальные носители экстраординарных способностей, обладающие силой воздействия на окружающих людей, их состояние, здоровье, судьбу и ведущие свою деятельность на основе чистых помыслов и истинной любви к людям и природе.

Гость из Китая, великолепный мастер игры на китайских флейтах сяо и дицзы Цзян Вэйцян изложил своё видение духовных основ китайской классической музыки в лекции «Объяснение эстетики и выразительности китайской музыки на примере флейт дицзы и сяо». В концерте китайскому гостю помогли участники класса китайской музыки НТЦ «Музыкальные культуры мира»: Евгения Глухова, Сергей Нарышкин и Евгения Тарабарина.

Исполнительница иранской музыки

На симпозиуме прозвучали темы, связанные с музыкальными культурами Европы и Америки. Красочный доклад Джозефа Лиа «Музыка и религия на Мальте», снабжённый видеозаписями, запечатлевшими разнообразные религиозные праздники-шествия фесты, подтвердил мнение о мощном участии персидского и египетского мистериального опыта в генезисе этой традициии, пышно процветающей сегодня на Мальте. Доклад «Любовные мадригалы Монтеверди в контрфактуре Коппини: о духовном эросе», прочитанный аспиранткой МГК Надеждой Игнатьевой, обратил внимание слушающих на специфику взаимоотношений светского и религиозного начал в мадригальном творчестве. Духовная музыка США получила панорамное обозрение в концерте «Как сладок звук!», включившем американские гимны, афроамериканские спиричуэлы и духовные песнопения Англии времён Тюдоров в исполнении Вокального ансамбля «Цецилия» (город Эйкен, Южная Каролина). Руководитель коллектива, доцент Университета Южной Каролины Джоэл Скрейпер предпослал концерту лекцию «Духовные песнопения Американского Юга», которая открыла теоретическую часть симпозиума.

Грустно констатировать, что насыщенная удивительными встречами, впечатлениями, открытиями жизнь Международного симпозиума «Музыкальная карта мира» сегодня уже ушла в область воспоминаний. Радостно, однако, осознавать, что участники этого незабываемого события обрели новых друзей, заглянули в неведомые доселе уголки мировой культуры. Впереди нас ждут новые события НТЦ «Музыкальные культуры мира»: ежегодные фестивали «Душа Японии», «Вселенная звука», «Собираем друзей» и россыпь встреч с музыкантами многих стран мира.

Доцент М. И. Каратыгина

№ 8 (1328), ноябрь 2015

«Хоровая музыка представляется мне близкой по духу театральному действу» – эти слова Н. Н. Сидельникова, замечательного композитора, полностью раскрыли свой смысл на концерте, завершившем II Международный хоровой конгресс. Программа была посвящена хоровой музыке Сидельникова, едва ли не лучшей части его богатого творческого наследия. В нее были включены опусы, относящиеся к разным годам – оратория-реквием «Смерть поэта», финальный хор «Memento» из цикла «Романсеро о любви и смерти» на стихи Ф. Г. Лорки, два номера из хорового цикла «Сычуаньские элегии» на стихи Ду Фу («Олень» и «Стихи о том, как осенний ветер разломал камышовую крышу моей хижины»). Открывал вечер Духовный концерт №1, впервые прозвучавший в тот день.

Композитору Н. Сидельникову в этом году исполнилось бы 85 лет. Он рано ушел из жизни, не осуществив множества творческих планов. Музыка его звучит в концертах достаточно редко, и этот вечер стал без преувеличения выдающимся событием.

Хоровая музыка Сидельникова – мир особый, несущий слушателю истинную мелодическую красоту, полнозвучную красочную гармонию, богатство изобретательной многоголосной ткани. Во всех исполненных произведениях слушатель смог ощутить и индивидуальное своеобразие «китайских» интонаций, и истинно русский дух духовных песнопений, а в «испанском» цикле окунуться в неожиданно романтический, возвышенный характер заключительного «Мemento» (он сопровождался партией фортепиано – А. Бугаян, и электрогитары – П. Фролов-Багреев).

Хоры разных лет исполнялись в первом отделении. Программу второго составило исполнение оратории-реквиема «Смерть поэта», сочинения, в высшей степени сложного, не лишенного элементов театральности.

Инициатива этого исполнения принадлежит С. С. Калинину, впрочем, как и как сама идея концерта из произведений Сидельникова в рамках хорового конгресса. Трудности были связаны уже с доставанием партитуры, не говоря о разучивании этого опуса силами хора и оркестра студентов консерватории. Произведение необычно по жанру: хор выступает здесь в роли комментатора трагических событий, оркестр берет на себя функцию эмоционального «досказывания», чтец (в этой роли выступил артист Николай Бурляев) произносит бессмертные стихи Лермонтова, написанные на смерть Пушкина («Погиб поэт, невольник чести…»).

Музыкальный язык оратории включает самые разные технико-стилистические элементы – здесь и «говор» толпы (звукоизобразительные приемы у хора), и молитвенное пение, и реакция хора на произносимые строки стихотворения. В оркестром пласте важное место занимает тема знаменитого похоронного марша Шопена, она гармонически «остранена», и в контексте сочинения звучит поэтому особенно трагично и болезненно. Очень выразительно был исполнен оркестровый фрагмент, оплакивающий безвременную гибель поэта.

Исполнение оратории потребовало огромного количества участников: на сцене было 160 человек (был задействован также хор мальчиков ДМХШ «Алые паруса» под руководством Е. Толстогузовой), огромный состав оркестра (художественный руководитель В. Валеев). Собрать все это воедино, выстроить целое, соотнести партию чтеца со звучанием музыки, с возможностями певцов-солистов (Д. Давыдова, Е. Кузнецова, М. Сажин, К. Сучков) – задача наитруднейшая. С. С. Калинин показал себя как опытный дирижер-симфонист, оратория была исполнена прекрасно, с полной отдачей сил, воспринята публикой с большим энтузиазмом. Неожиданным «сюрпризом» была бурная реакция группы слушателей из подразделения МЧС, с которым связан по роду своей деятельности Н. Бурляев; молодые люди, одетые в форму, вели себя почти как на стадионе, но свист, видимо, должен был выразить их наивысшее одобрение услышанному.

Консерваторский хор под управлением его художественного руководителя, профессора С. С. Калинина проделал гигантскую работу, прекрасно освоив хоровые опусы Сидельникова со всеми их интонационными, тембровыми и ритмическими трудностями. Завораживали удивительные тихие звучности, где была слышна линия каждого голоса, красиво звучали мощные кульминации, трогательные сольные голоса наших студенток и студентов (Е. Дондуковой, Н. Даньковой, Г. Болотова). Вероятно, автор порадовался бы, услышав свою музыку, исполненную столь любовно, тщательно, с пониманием каждой детали, каждой ремарки, каждого нюанса этих воистину бессмертных произведений.

Профессор Г. В. Григорьева

№ 8 (1328), ноябрь 2015

Московская консерватория имени П. И. Чайковского уже открыла свои эффектные юбилейные программы. Обрамляя праздничный день 150-летия – 13 сентября 2016 года, – два насыщенных концертных сезона («до» и «после») предлагают любителям музыки и преданным слушателям целый букет уникальных художественных событий. Среди задуманного и ожидаемого – выступления выдающихся дирижёров и исполнителей, в основном – всемирно известных выпускников Московской консерватории.

5 ноября в переполненном Большом зале состоялся именно такой концерт под заголовком «Денис Мацуев и друзья…». Это был благотворительный вечер в дар готовящейся к своим торжествам Московской консерватории, музыкальное приношение Маэстро и его друзей своей Alma Mater. «Друзьями» популярного музыканта в тот вечер были: другой именитый выпускник Московской консерватории Михаил Плетнёв и Российский национальный оркестр. «Я преклоняюсь перед этим выдающимся музыкантом, знаю все его записи, много ходил на его концерты. Это легендарный пианист и дирижёр», – говорит о Плетнёве Денис Мацуев. В результате тандем двух блестящих консерваторцев превратил музыкальный вечер в подлинный праздник к восторгу всех присутствующих.

В первом отделении дирижер Михаил Плетнёв, известный своим просветительским энтузиазмом, познакомил столичную публику с Симфонией «Возрождение» (1902) классика польской музыки Мечислава Карловича (1876–1909). Композитор и скрипач, проживший короткую жизнь (он погиб в Татрах под снежной лавиной в возрасте 32 лет), предстал перед слушателями тонким романтиком и богатым мелодистом. Дирижер тщательно и с вниманием к нюансам прочел это выразительное и классически выстроенное сочинение.

Во втором отделении царил Денис Мацуев. В программе стояли Третий фортепианный концерт Бетховена и «Пляска смерти» Листа (парафраз на тему «Dies irаe» для фортепиано с оркестром). «Мы записали с РНО и Плетнёвым четыре года назад монографический листовский диск – два концерта и “Пляску смерти”, и переиграли с ним эти сочинения во многих странах мира, – рассказывает Д. Мацуев. – Где-то в прессе появились отзывы, что я лучший исполнитель Листа в наше время. Это приятно. Третий концерт Бетховена мы, напротив, вместе никогда не исполняли: это будет наша премьера, и я очень жду встречи на сцене».

Именно Концерт Бетховена стал абсолютной вершиной музыкального вечера. Музыканты буквально священнодействовали. Мацуев был серьёзен, глубок и точен в каждой детали бетховенского текста, завораживая графикой воспроизводимых мелодических плетений, четкостью формы и тончайшим пианиссимо медленной части. Оркестр аккомпанировал очень чутко и ярко выходил на авансцену только в моменты своего одиночества. Зал буквально не дышал, пока «на глазах», словно впервые, рождалась так хорошо известная и, казалось, совсем новая музыка…

Купаясь в волнах слушательского признания, пианист с нескрываемым удовольствием играл на бис, завершив музыкальное выступление искрометной и как всегда блестящей джазовой импровизацией. А за ней последовали обращенные в зал его теплые слова любви и благодарности великой Московской консерватории, несравненному Большому залу, чьи совершенные портреты благосклонно наблюдали за всем происходящим, и своему Учителю – профессору С. Л. Доренскому, свидетелю феерического успеха знаменитого Ученика.

Профессор Т. А. Курышева
Фото предоставлены пресс-службой Дениса Мацуева

№ 7 (1327), октябрь 2015

Фото Олимпии Орловой

В Московской консерватории в последний день сентября состоялось уникальное событие – творческая встреча с Хайнером Гёббельсом (Германия), которая прошла в Центре электроакустической музыки. Известный композитор, музыкант, режиссер музыкального театра приехал в столицу на репетиции своего спектакля «Макс Блэк или 62 способа подпереть голову рукой», премьера которого ожидается в Электротеатре «Станиславский». Он рассказал любителям современного театрального искусства о своих постановках, музыкальных композициях и принципах работы с актерами и публикой.

Присутствовавшим на этой встрече, состоявшейся по инициативе ее организатора, музыковеда Владислава Тарнопольского, выпала редкая возможность не только увидеть фрагменты спектаклей, но и узнать основные творческие позиции режиссера. По его мнению, важнейшее эстетическое качество в искусстве – это различие между тем, что мы видим, и тем, что мы слышим. В качестве примера Гёббельс привел воспоминание о концерте Давида Ойстраха, на котором он присутствовал в юности: в своем исполнении великий скрипач удивительным образом сочетал эмоциональное звучание с внешней статичностью. Эта творческая позиция «соединения несоединимого» впоследствии отразится в его режиссерских опытах, к которым он пришел спустя 15 лет после утверждения этой идеи.

Говоря о своей композиторской деятельности, Гёббельс остановился на раннем произведении – пьесе для радио «Berlin Q-damm» (1981). По его словам, это сочинение отражает дух того времени: вспышки в социуме, массовые протесты. Находясь под впечатлением от услышанного по радио репортажа об аресте на одном из бульваров Берлина, он попытался передать напряженность этой сцены посредством звуков. Вдохновленный экспериментами Кейджа, Гёббельс помимо препарированного фортепиано использует два звуковых устройства с магнитофонной лентой, которая запускается в определенное время. Фактически вся композиция основана на технике фриппертроникс, где происходит взаимодействие ленты и звука электрогитары. Сочетание звучания клавесина, гитары и электронной аранжировки, напоминающей современный жанр дабстеп, с криками и речью из сводок новостей – все это позволяет назвать его раннюю работу выдающимся экспериментом в контексте академического авангарда. Дальнейший композиторский опыт заключался в работе с голосом и текстами Хайнера Мюллера, между которыми путем «нарезки» вставлялись музыкальные эпизоды.

В инструментальном театре «Черное на белом» для восемнадцати музыкантов (исполняет знаменитый коллектив Ensemble Modern), есть стремление избежать некой централизации и акцентов на том или ином персонаже (в 2004 г. в рамках Года Германии в России спекакль был представлен на Новой сцене Большого театра – прим. ред.). Гёббельсу важно, чтобы зрители сами выбирали то, что привлечет их внимание в театральном действии, где нет главных лиц и персонификации. Музыканты представлены единым коллективным целым, чередующим исполнение, перемещения по сцене с игрой в теннис – словом, находятся в постоянном процессе импровизации. Одна из драматургических находок – пение еврейского хорала и чтение на разных языках притчи «Тень. Парабола» Э. По. Статичное движение музыкантов, чьи перемещения определяла структура декораций, отбрасывало на полуосвещенной сцене таинственные тени, отражающие философско-мистическую концепцию притчи: Тень явилась к тем, кто не умел ценить жизнь.

Взаимодействие зрителя и музыканта-актера с идеей децентрализации продолжилась в музыкальном спектакле «Eislermaterial», где музыканты исполняют гимн США, отдавая дань уважения его авторам, Г. Эйслеру и Б. Брехту. Отказываясь от дирижера, Гёббельс оставляет середину сцены пустой, располагая исполнителей по разным сторонам, и разделяет струнную группу, помещая ее части на расстоянии. Каждый солист ансамбля задает свой ритм, не координируясь с остальными, а пианисты видят друг друга только в автомобильные стекла.

Иные задачи исполнителям пришлось выполнить в следующей ключевой работе Гёббельса – опере «Пейзаж с дальними родственниками», где им предстояло сменить 300 костюмов, петь, танцевать, вращаться и даже… выступать в масках боевиков. По словам автора, опера была написана вскоре после американского теракта 11 сентября, но не содержала прямого политического подтекста, а идея исполнения в масках пришла к нему после просмотра кадров с освобождением заложников мюзикла «Норд-Ост». При этом основная концепция сочинения – воспевание пейзажных картин и перенесение их на сцену так, как «если бы мы прошлись по ним, как по музею».

В завершение вечера Гёббельс продемонстрировал отрывок из своего спектакля «Вещь Штифтера», который в прошлом году был показан на фестивале «Золотая маска». В роли актеров здесь выступают рояли и пианино, три бассейна с водой, лучи света, которые создают мир без человеческого присутствия. Закадровый текст писателя А. Штифтера о чуде превращения живого в неживое на фоне пейзажа превратил спектакль-инсталляцию в философское размышление о влиянии различных вещей на нашу жизнь (в качестве катарсиса здесь выступает запись приветственного пения гречанки, встречающей чужие корабли).

Творческая встреча с таким художником мирового уровня, как Хайнер Гёббельс, безусловно, останется ярким событием. Режиссер, изменивший представление о современном театре, экспериментальный композитор, незаурядная личность в художественной среде, он на протяжении двух часов искал взаимодействие с публикой – со своим «коллективным зрителем». И в этот вечер они были единым живым организмом. Остается надеяться, что подобные встречи не станут единичным случаем в жизни нашей консерватории, которой не чуждо актуальное искусство.

Надежда Травина,
студентка ИТФ

№ 5 (1325), май 2015

Томас Троттер

Первый месяц весны традиционно прошел под знаком органного марафона – в консерватории состоялся XV Московский международный органный фестиваль. Подготовка к грандиозному мероприятию началась задолго до его старта – в преддверии фестиваля прошли еще два значительных состязания: II Международный конкурс молодых дарований «Юный органист» (завершившийся 14 и 19 марта концертами лауреатов) и VI Всероссийский конкурс молодых композиторов на лучшее сочинение для органа (заключительный тур состоялся 21 марта).

Честь открывать фестиваль выпала почетному доктору Бирмингемского университета, органисту церкви Св. Маргариты Вестминстерского аббатства, профессору Королевского Северного музыкального колледжа Томасу Троттеру. Маэстро вынес на суд публики сочинения разных национальных школ, стилей и эпох, поражая широтой музыкантского кругозора и размахом своего творческого диапазона. 10 марта в его исполнении прозвучали Концерт № 2 Генделя для органа, струнных и basso continuo (в транскрипции для органа), вторая трио-соната Баха, третья соната Хиндемита, четвертая соната Мендельсона, Прелюдия и танцевальная фуга Литеза, Фантазия № 1 Сен-Санса, а также произведения молодых авторов – К. Кульковой, Дж. Макмиллана и Э. Уоллена. Благодаря изысканной регистровке и непередаваемому «туше» известные сочинения заблистали в руках мастера неожиданными красками. Профессор показал безукоризненное владение инструментом (казалось, что его технические возможности просто безграничны!), необыкновенную глубину и убедительность трактовок, покорив эмоциональную публику яркостью и живостью своей игры. Столь же интересен был и мастер-класс, проведенный Троттером на следующий день.

С каждым годом можно наблюдать, как повышается уровень юных органистов. И неудивительно, ведь этот инструмент осваивают теперь не только в вузах и училищах, но и в музыкальных школах России. О своих творческих достижениях заявили школьники: М. Милованов, Е. Моисеева, Ф. Скопин, Г. Федотов, Е. Дзахоева, И. Колесова, С. Красная, А. Кундухов, – и учащиеся колледжа: И. Гавриков, Г. Калис, В. Скоморохов и И. Царёв (кл. Г. В. Семёновой). 15 марта с сольным концертом выступила студентка консерватории, лауреат всероссийских и международных конкурсов, обладатель Премии Правительства Москвы М. Черепанова (кл. проф. Н. Н. Гуреевой). Органный вечер украсили певица Е. Афанасьева и флейтист С. Журавель.

Мария Черепанова

Одним из самых запоминающихся событий фестиваля для всех, кто интересуется новейшими достижениями в области академической культуры, стал заключительный тур конкурса молодых композиторов (председатель жюри – проф. В. Г. Агафонников). Финалисты продемонстрировали высочайший профессиональный уровень, индивидуальность почерка и хорошее знание традиций, а исполнители (часто в их роли выступали сами композиторы) – великолепную техническую оснащенность и творческую смелость. Пожалуй, о каждом сочинении можно говорить как о своеобразном явлении в области современной музыки.

Награды же распределились следующим образом. В номинации «орган соло» II премию (I премия присуждена не была) поделили А. Килин (Маленькая полифоническая фантазия, исп. А. Сидоркина) и М. Иглицкий (Прелюдия и фуга, исп. А. Демидова); III премия досталась И. Шашковой-Петерсон (историческая поэма «Севастополь», исп. автор) и И. Татаринову (фантазия на тему «Vater Unser», исп. автор); диплом получила А. Ведякова (сочинение «3D», исп. В. Королевский). В номинации «орган в ансамбле» I премия была отдана Д. Бородаеву («Арабески» для гитары и органа, исп. автор и Г. Еприкян) и А. Ананьеву («Моление Святого Благоверного Великого Князя Андрея Боголюбского» для органа и вокального ансамбля; исп. М. Каталиков и ансамбль «Эйдос» под руководством А. Капланова); II-я премия присуждена не была, а III -ю поделили Д. Славникова («Приношение Рождеству» для двух флейт, саксофона, виолончели и органа; партия органа Е. Королёва) и И. Абрамов («Der Reise» для скрипки и органа; исп. Э. Хечикян и Я. Станишевский); диплом достался Я. Крулю (Интерлюдия и токката для флейты и органа; исп. С. Журавель и М. Черепанова). Приз зрительский симпатий завоевал композитор Д. Бородаев.

В заключительном концерте памяти профессора А. Ф. Гедике (29 марта) приняли участие студенты, ассистенты-стажеры кафедры органа и клавесина, а также солисты филармонии, оперных театров и оркестров: С. Ермасова (скрипка), Д. Короновский (валторна), А. Варенцов (баритон), А. Конева (сопрано). Прозвучали произведения Баха, Генделя, Брунса, Франка, Букстехуде, Мендельсона, Сибелиуса, Д. Писаревского, а также Танеева и Форе в транскрипции Д. Дианова.

По праву вошедший в летопись консерваторской жизни и в хронику жизни столицы фестиваль с каждым годом испытывает не только новый подъем, но и новые трудности. Все они лежат на плечах зав. кафедрой органа и клавесина – проф. Н. Н. Гуреевой, которой каким-то непостижимым образом удается привлекать множество талантливых людей, благодаря чему фестиваль превращается в настоящий музыкальный праздник. Тяготы подготовки мероприятия разделяют с ней коллеги по цеху: органисты (А. А. Паршин, Л. Б. Шишханова, А. С. Семёнов, Д. В. Дианов, А. М. Шмитов, К. С. Волостнов) и композиторы (В. Г. Агафонников, В. Г. Кикта, Л. Б. Бобылёв, С. В. Голубков, Д. В. Дианов). Огромный и самоотверженный вклад в общее дело вносит заведующая органной мастерской Н. В. Малина с подопечными (А. К. Шаталовым и В. Э. Ауловым), благодаря которым инструменты всегда находятся в прекрасной рабочей форме.

С добрыми пожеланиями в адрес всех участников марафона и с надеждой на новые художественные открытия будем ожидать следующий фестиваль – 2016.

Ирина Новосёлова

№ 5 (1325), май 2015

Первое выступление «Ансамбля 2012» в Московской консерватории, ноябрь 2012

В праздничные майские дни Московская консерватория предложила своим слушателям знаковый концерт: 4 мая в Малом зале выступил «Ансамбль 2012»  Российско-немецкой музыкальной академии. Это событие – часть важного проекта, который успешно развивается уже несколько лет и заслуживает широкого освещения. Собеседником газеты «Российский музыкант» стала берлинский музыковед и музыкальный деятель Татьяна Рексрот (Rexroth) – огромный энтузиаст русско-немецких культурных связей, организатор и исполнительный директор Академии:

— Татьяна, что такое «Российско-германская музыкальная академия» – коллектив или серия мероприятий?

— Это серия мероприятий. Большой художественно-просветительский и образовательный проект. Началось с того, что в июне 2012-го на открытие культурного года Германия-Россия мы с Московской консерваторией собрали оркестровый ансамбль, 12 на 12 – из молодых музыкантов России и Германии. Ввели возрастной ценз: от 18 до 22 лет, чтобы это были молодые музыканты, ставшие уже лауреатами каких-то конкурсов, солисты и ансамблисты. Будущая музыкальная элита.

— Целью было не единичное выступление?

— Нет. Мы сразу решили работать по нескольким направлениям. Это мастер-классы для участников Академии с ведущими музыкантами-педагогами обеих стран, исполнение редких и забытых произведений композиторов России и Германии и исполнение сочинений современных российских и немецких композиторов. И, конечно же, общение, интересные беседы… Ведь совместная подготовка программы – это непросто: немецкие музыканты скрупулезно точно исходят из нотного текста, русские могут относиться к тексту несколько более свободно, главное – показать эмоциональное содержание произведения.

— А когда идут эти беседы? Вы не только репетируете?

Концерт 4 мая в Малом зале

— Каждая программа требует пяти-шестидневной подготовки. Прежде всего, идут очень интенсивные репетиции. Часто наши выступления связаны с какими-то знаковыми местами: это «эмоциональные инъекции», которые невозможно забыть. Например, во время открытия Года культуры Германии в регионах России мы ездили по различным городам Урала. Дом-музей Чайковского в Алапаевске выглядит так, будто хозяева недавно оттуда уехали. Потрясенный немецкий скрипач, глядя на засыпанный снегом каменный храм перед домом Чайковского, сказал: «Я никогда это не забуду, для меня теперь концерт Чайковского звучит по-другому!»… Аналогично, когда мы выступаем в доме-музее Бетховена, где находится его архив, для русских музыкантов это тоже память на всю жизнь.

— Такая обширная деятельность требует какой-то солидной базы?

— Я обратились к В. А. Гергиеву как к одному из крупнейших музыкантов мира, будущему шефу Мюнхенской филармонии, очень много исполняющему немецкую музыку, а также русскую музыку в Германии. И, к нашей большой радости, эта идея нашла у него отклик – с сентября 2013 года он является художественным руководителем Академии: предлагает программы, отбирает музыкантов. Он – мотор всего, а Мариинский театр – наша крепость.

— При всей кипучей энергии Валерия Абисаловича, этого, наверное, не достаточно? Кто еще вам помогает?

— Сначала нас очень поддерживало Министерство иностранных дел Германии. Мы с ними начинали этот проект. Много делают и послы обеих стран. Московская консерватория является нашим активным помощником, мы регулярно встречаемся и многое обсуждаем с ректором А. С. Соколовым. А главная финансовая поддержка – компания «Газпром-Германия».

— Вы музыкантов на каждое событие отдельно набираете?

— По-разному. Многие хотят продолжать играть в ансамбле, но поскольку все – люди много играющие, не у каждого это получается. Но мы очень рады, что Академия от раза к разу пополняется новыми замечательными музыкантами. А с участниками всех прошлых проектов обязательно поддерживаем контакты.

— А есть ли количественный ограничитель участников на момент конкретного выступления?

— Сначала задумывается программа, в зависимости от которой определяется состав. Затем на паритетных началах мы набираем участников из обеих стран.

— И сколько уже прошло таких концертов?

После выступления в Клину 5 мая

— Довольно много. Сначала в Москве два концерта, один из них в стенах Консерватории. Потом в Берлине – три. Потом было три концерта в Сибири. Летом прошлого года прошли два очень важных концерта в Петербурге в рамках фестиваля «Звезды Белых ночей». В первом из них состоялась премьера сочинения В. Тарнопольского на стихи современных немецких поэтов – это был год немецкой литературы.  Потом мы сыграли совершенно неизвестную в Германии Камерную симфонию Г. Попова. А на втором концерте мы показали то, что в Германии играется очень часто, а в России намного реже – ранних нововенцев: Адажио Веберна, Сонату Берга, «Просветленную ночь» Шенберга… Молодые музыканты из Мариинского театра сказали, что они привыкли много работать, но столько они никогда не репетировали, буквально целыми днями.

— После выступления в Малом зале со студентами Московской консерватории вы в том же составе повторили его на следующий день в Клину. Там с 30 апреля по 7 мая состоялся первый Международный музыкальный фестиваль им. Чайковского, который обещает стать ежегодным музыкальным событием мирового масштаба. Участвовали выдающиеся коллективы. Ваша программа была объявлена как связанная не только с юбилеем Чайковского, но и с 70-летием Великой победы над фашизмом?

— Да, для нас – музыкантов обеих стран – было важно отдать дань этой дате и внести свою лепту в череду юбилейных мероприятий. Мы исполнили сочинения Чайковского и Мендельсона – композиторов, которые не звучали в нацистской Германии. Октет Мендельсона – это визитная карточка нашей камерной программы, мы неоднократно играли его с разными участниками. Это виртуознейшее, крайне сложное сочинение. В его исполнении участвуют 4 русских музыканта и 4 немецких. И инструменталистам интересно, и для публики яркое произведение.

— А что прозвучало из Чайковского?

— У нас возникла идея показать фортепианные «Времена года» Чайковского в обработках для камерного ансамбля. К. Бодров из Москвы и В. Барыкин из Екатеринбурга сделали переложения семи пьес, которые прозвучали в Москве и в Клину. А оставшиеся пять пьес мы подготовим с немецкими композиторами и исполним летом.

— То есть эта программа выступлениями в Москве и Клину не заканчивается?

— В июле, на фестивале в Баварии мы покажем уже все 12 пьес. 2 августа на фестивале «Ammerseerenade» мы планируем провести день России: своеобразный пикник-концерт на открытой сцене. А потом в Мюнхене и в Касселе этот цикл, может быть, исполним с видеорядом. Это будет уже мультимедийный вариант.

И еще: после 25 мая мы собираем в Санкт-Петербурге целый совместный оркестр, будем репетировать оркестровую программу-посвящение 70-летию Победы. Концерты под управлением маэстро Гергиева пройдут 31 мая в Петербурге в Концертном зале Мариинского театра и 8 июня в берлинском Концертхаусе.

— У Вас большие ближайшие планы!

— Главное, что инициатива сотрудничества исходит «снизу», от самих музыкантов. Это очень приятно, потому что общая политическая ситуация сейчас совсем непростая. И вместо того, чтобы искать, что нас разобщает, наша Академия ищет то, что нас объединяет. Надо учиться слушать друг друга и относиться друг к другу с уважением. И в музыкальном, и в человеческом смысле.

Беседовала проф. Т. А. Курышева

№ 8 (1319), ноябрь 2014

Десятого ноября на сцене Большого зала состоялось закрытие Первого Международного хорового конгресса – события масштабного и значимого как для самих хористов, так и для слушателей. По словам его инициатора и вдохновителя, заведующего кафедрой хорового дирижирования профессора С. С. Калинина, идея конгресса – объединение и возможность творческого общения любительских и учебных хоров из разных уголков России. И не только России.

Почему возникла такая идея? Быть может, потому, что важно дать возможность музыкантам, поющим в непрофессиональных хорах, послушать друг друга, научиться чему-то новому на мастер-классах. А, возможно, для того, чтобы публика смогла услышать известную и малознакомую музыку в исполнении людей, любящих пение и поющих не в силу профессиональной обязанности, а по зову сердца.

Трудно представить себе физика-ядерщика, будь то доцент или студент, который придет на репетицию после насыщенного дня, не чувствуя в этом душевной потребности. Хотя и среди профессионалов есть счастливчики, у которых долг и желание не создают диссонанса. Кстати, во многих оперных театрах мира хоры не профессиональные, а любительские. А ведь как звучат! Есть такой опыт и в Новосибирском оперном театре: в «Аиде», «Борисе Годунове» и некоторых других спектаклях когда-то почти половину хора составляли студенты, поющие в любительском коллективе…

Концерт, как и весь конгресс, был просветительским событием для публики: ее вниманию предлагалась широкая палитра хоровых стилей. Вечер открыл Академический мужской хор МИФИ. Пели Чайковского. Слушателю могла показаться несколько необычной хоровая интерпретация такого камерного, интимного по настроению романса как «Нет, только тот, кто знал». Но голоса звучали ровно, бархатно, тепло, не было ни лишнего форте, ни нарочитого пиано. Хор смог выполнить очень сложную задачу – искусно переплетенным многоголосием передать ощущение переживаний человека, его любовь, его печаль, его одиночество и тоску в разлуке. Басам – отдельное «браво», а руководителю хора Надежде Малявиной – низкий поклон за такую радость и труд.

Студенческий хор из Могилева (филиал Белорусской государственной академии музыки) сумел создать настоящую «звуковую картину» – было слышно пение птиц, шелест деревьев, голоса людей… Академический хор «Подлипки» удивил внешним перевоплощением: сброшенные с плеч русские разноцветные шали, в которых исполнялась песня «Перевоз Дуня держала» (маленький яркий спектакль из народной жизни), мгновенно преобразили наряды певцов в костюмы для спиричуэлов. Правда, хотелось бы не только внешнего, но и вокального разнообразия в исполнении столь диаметрально противоположных произведений.

Академический хор МГУ, накануне представивший слушателям Большого зала вместе с симфоническим оркестром Приморского театра оперы и балета две масштабных вокально-симфонических фрески классиков русской музыки – поэму «Казнь Степана Разина» Д. Шостаковича и «Половецкие пляски» из оперы А. Бородина «Князь Игорь», в этот раз выступал a capella. Под управлением художественного руководителя коллектива дирижера Мирзы Аскерова прозвучали «Последний плач гармошки» из кантаты «Сокровенные разговоры» Н. Сидельникова и эффектная «Рамочка» латышского музыканта Р. Кауперса в обработке для хора Э. Эшенвальдса (солировала А. Челпанова). Университетский хор, в котором поют студенты, аспиранты, педагоги и выпускники почти всех факультетов прославленного вуза, отличала высокая вокальная культура, достойная великой сцены БЗК и собственной более чем двухсотлетней истории.

Завершавший отделение хор Московской консерватории во главе с проф. С. С. Калининым порадовал классическим звучанием и, конечно, самим музыкальным материалом. В хоровой сюите из песен разных лет Андрея Эшпая звучали ностальгические нотки далекого, но еще родного и знакомого многим времени. Эти напевы знали, их напевали, и хорошо, что сейчас они входят в репертуар хора молодых музыкантов. Пройдут годы и, возможно, те, кому сейчас двадцать лет, будут учить этим песням своих детей и внуков. И музыкальная нить поколений не прервется.

После антракта на сцену вышел сводный хор участников конгресса и музыканты оркестра Приморского театра оперы и балета, за два дня до этого прилетевшие из Владивостока. Перед началом кантаты Прокофьева «Александр Невский» главный дирижер оркестра Антон Лубченко сделал потрясшее зал заявление: более тридцати его оркестрантов не смогут принять участие в концерте из-за сильнейшего пищевого отравления, но, к счастью, нашлись московские музыканты, которые пришли на выручку. В итоге исполнение состоялось не только сводным хором, но, по сути, и сводным оркестром. Вопреки уже появившимся на тот момент анонсам в Интернете о возможной отмене концерта он состоялся.

Кантата прозвучала блистательно, причем после всего лишь одной тридцатиминутной общей репетиции! Сводный хор, стоявший не только на сцене, но и на балконах, пел величаво-прекрасно. Казалось, звук шел отовсюду, проникая прямо в душу. Захотелось почувствовать себя частью этой совершенной живой музыкальной «махины», и это желание, наверняка, посетило многих зрителей…

В хоровом искусстве кроется невероятная возможность объединения людей через совместно исполняемую музыку во имя радости и любви, ради мира и благоденствия. Если бы юношей со всего света собирали не в войска, а в хоры, как прекрасно зазвучала бы Вселенная!

Ирина Егорова-Свечникова, 
слушательница ФПК МГК по музыкальной журналистике

№ 8 (1319), ноябрь 2014

Не секрет, что в последнее время в России происходит активное возрождение хорового дела. Страна поет – от мала до велика, от Красной площади до Красной поляны, от Дня славянской письменности и культуры до Олимпиады. И старейший в России институт хорового дела – кафедра хорового дирижирования Московской консерватории гордо несет знамя флагмана. С 13 сентября по 10 ноября в стенах нашей Alma mater прошел Первый международный хоровой конгресс. Его география – обширна, его участники – заслуженные хоровые мастера и творческая молодежь.

Масштаб события впечатляет: в рамках конгресса состоялось шесть концертов, а закрытие соединило всех участников в составе сводного хора на сцене Большого зала – прозвучали «Александр Невский» Прокофьева и Финал «Патетической оратории» Свиридова. Одним из открытий для московской публики стало центральное событие конгресса: мастер-класс и заключительный концерт «Антология американской хоровой музыки». По приглашению заведующего кафедрой хорового дирижирования профессора Станислава Калинина в Москву прилетел известный американский хоровой дирижер и композитор Майкл Шасбергер, который делится с нами своими впечатлениями:

— Майкл, расскажите, пожалуйста, о Вашей работе с хором Московской консерватории. Насколько сильно проявляется иной менталитет, ощущаете ли Вы это при работе с коллективами абсолютно разных культур?

— Ваш коллектив – это первый русский хор, с которым я общаюсь продолжительное время. Раньше я встречался с другими хорами из России, но такое близкое общение с русским коллективом у меня впервые. И я не думаю, что характер хора, принцип работы с ним сильно зависит от национальности, это, скорее, проявление некоторых межкультурных понятий: профессионализм, дисциплина, выучка, умение сконцентрироваться. Это либо есть, либо нет. Ваш хор был готов петь, с первого мгновения. И для меня было большим удовольствием работать, оттачивать стилистические и музыкальные тонкости, достигать желаемого результата.

Но если все-таки говорить о разнице – в Америке сложнее работать в дисциплинарном плане. Певцов необходимо развлечь, завладеть их вниманием, а иногда отвлечься вместе с ними. Вы гораздо более дисциплинированы. Или, к примеру, мои студенты – большие скептики! Они задают каверзные вопросы, особенно о той музыке, которая как-то их зацепила, а bногда выступают ярыми адвокатами того или иного сочинения.

— Как Вы подошли к выбору программы мастер-класса?

— Я предоставил профессору Станиславу Калинину много пьес, и он сказал: «Я думаю, нужно это, это и вот это». И потом мы уже прорабатывали вопрос репетуара совместно. Я написал многим своим коллегам-композиторам, друзьям, рассказал об идее поделиться с Московской консерваторией неизвестной в России американской хоровой музыкой, и они откликнулись.

Одно из особенно дорогих мне произведений в этой программе – A Jubilant Song («Песнь Ликования») для смешанного хора и фортепиано Нормана Делло Джойо. Эта музыка была написана вскоре после окончательной победы над фашизмом. Но сейчас она, к сожалению, редко звучит в Америке.

— Если подвести некий итог совместной работы, что Вам хотелось бы выделить в первую очередь?

— Мы, конечно, очень разные в физическом восприятии пения. Вы вкладываете в звучание такую силу, любовь и энергетику, что это стесняет свободу движения тела. Это огромное достоинство – такая мощь и точность хорового звука, даже когда при этом недостаточно грациозности, подвижности и свободы в певческом ощущении. Но сравнивать невозможно – это как вождение разных типов автомобилей. Все равно, что водить спортивную машину, а потом сесть в комфортабельный салон люкс-класса. Русский хор – это как… лимузин! А американский – спорткар. И мне очень интересно пытаться совместить эти музыкальные миры. Нам есть чему у вас поучиться в красоте, плавности и глубине звука, и в свою очередь, мы были бы рады поделиться с вами энергией и эмоциональностью.

Майкл Шасбергер провел с хором Московской консерватории четыре насыщенных репетиционных дня, завершившихся ярким концертом в Большом зале. Что-то удалось в полной мере, что-то в меньшей степени, но от недели, проведенной с профессором Шасбергером осталось необыкновенно полетное чувство абсолютной радости. Человек, который всегда улыбается, он мягко исправлял ошибки хора и добивался своего, не скрывал восторга от особенно успешных исполнений в процессе работы.

Неделя мастер-класса стала яркой кульминацией Первого международного хорового конгресса, как нельзя лучше воплотив его суть, радостную и объединяющую весь мир. Об этом звучали прекрасные слова из партитуры Нормана Делло Джойо (перевод Софьи Аверченковой): «Слушайте песнь ликования! Радость духа нашего не знает границ. Мы воспеваем радость юности».

Ольга Ординарцева

№ 8 (1319), ноябрь 2014

Ансамбль Академии шашмакома Таджикистана

Феерическим концертом корейской музыки самульнори завершился 26 октября 2014 года грандиозный по своей культурной и общественной значимости международный симпозиум «Музыкальная карта мира», организованный научно-творческим центром «Музыкальные культуры мира» Московской консерватории. Неукротимые барабанщики ансамбля «Мэк» корейской школы Вон Гван настолько «зажгли» слушателей, переполнивших зал Центральной детской библиотеки, что многие из них, юных и не очень, по первому зову музыкантов ринулись на сцену, чтобы самим стать непосредственными участниками этого жизнеутверждающего звукового буйства. А двумя днями раньше руководитель школы, мастер Хан Санг Дон досконально разъяснял в своем докладе, уже в научной части симпозиума, суть и технические каноны музыки

Ансамбль музыки тасаввуф Министерства культуры и туризма Турецкой Республики

самульнори, и выступление его заняло целый час, поскольку вопросов у слушателей было много, а ответы порождали новые вопросы.

За три часа до концерта ансамбля «Мэк», в том же зале детской библиотеки с неменьшим успехом выступал Фольклорный ансамбль Московской консерватории, и люди, присутствовавшие до этого на докладах руководителя ансамбля, профессора Н. Н. Гиляровой и ее недавней аспирантки Марины Альтшулер, могли на живом примере сопоставить полученную информацию с бесценными образцами песен и обычаев, бережно записанных в экспедициях и с любовью воспроизводимых ансамблем. Подобный принцип соотнесения темы научного доклада и живой демонстрации, сопряженной с данным исследованием традиции, сопровождал всю работу симпозиума и, кажется, этот метод оказался результативным, поскольку в адрес организаторов поступило множество благодарных откликов от слушателей докладов и концертов.

Доклад Халмурзы Курбанова. Таджикистан

Международный симпозиум «Музыкальная карта мира» проводился впервые, но в основе его концепции лежит 30-летний исследовательский опыт научно-учебного направления «Музыкальные культуры мира», развиваемого в Московской консерватории на основе методологии Дж. К. Михайлова (1948–1995). Концепция симпозиума опиралась на представление о многополярность звукового мира планеты, пронизанного сегодня и во все времена интенсивными процессами информационного обмена. О маршрутах распространения музыкальных традиций по территории земного шара, о циркуляции звуковых идей между цивилизациями, о древних традициях, продолжающих свою жизнь в сегодняшних культурах, рассказывали участники форума из разных стран.

Закончился концерт Хосейн Нуршарга и группы Фераг, Иран

Показательным было, например, выступление австралийской исследовательницы Алисон Токиты, руководителя Научного центра традиционной японской музыки при Университете искусств в Киото, попытавшейся представить музыкальную культуру Японии в системе взаимосвязей традиций на территории всей Восточной Азии. Японский ученый Гэнъити Цугэ, создавший ряд антологий и энциклопедических работ по японским, арабским, иранским и другим музыкальным традициям, обратился к теме влияния монгольских музыкальных явлений на культуры Западной Азии.

Особое место в программе симпозиума заняли системно-аналитические исследования ведущих принципов модального мышления в регионах Ближнего и Среднего Востока и Южной Азии (раги, мугама, макома и др.). Важно, что именно эта часть теоретических рассуждений была убедительнейшим образом подкреплена концертами, демонстрирующими живые традиции. Так, в исполнении бакинского ансамбля «Гадим Шарг» («Древний Восток»), руководимого Махмудом Салахом, уникальным

Китайский гуцинь, играет Сергей Нарышкин

исполнителем на гавале, прозвучали образцы азербайджанского мугама. Мастер индийского классического вокала и игры на табла Гульфам Сабри вместе с известным исполнителем на сароде Акашем Сергеем Анцуповым и Лилой Людмилой Журковой (тампура) из Латвии выразительно продемонстрировали неумирающее искусство раги. Ансамбль Академии шашмакома Таджикистана под руководством Абдували Абдурашидова, виртуоза-исполнителя на струнно-смычковом инструменте сато, привезли масштабную программу уже полузабытого в Москве таджикского макома. И было чрезвычайно интересно сопоставлять слуховые впечатления от звукового строя этой музыки с соседней, родственной, но в то же время абсолютно другой фергано-ташкентской традицией макома, которой щедро поделились с нами мастер Ульмас Расулов (гиджак) и Кахрамон Тураев (дойра).

Иранская культура была представлена на симпозиуме двумя мощными явлениями, входящими в мировое культурное наследие: иранским классическим авазом, блистательно прозвучавшим в Рахманиновском зале в исполнении Хосейна Нуршарга в сопровождении группы «Фераг», и поистине уникальной традицией та’зийе – одного из древнейших на земле мистериально-театральных действ. Этот спектакль (меджлес шаби-хани
«Хорр») в исполнении известной группы из города Казвина был показан в театре «Сфера» с подробным предварительным и последующим разъяснением специально приехавшего для этого на симпозиум иранского исследователя Ардешира Салехпура, признанного лучшим специалистом в области изучения иранского традиционного театра. Особую атмосферу на симпозиуме создала серия докладов и концертов, посвященных мировой традиции суфизма. В этом русле прошли события, связанные с празднованием под эгидой ЮНЕСКО

Концерт фольклорного ансамбля МГК

столетнего юбилея Зиедулло Шахиди, удивительной личности, основателя таджикской композиторской школы, но при этом страстного защитника (это в советское-то время!) идей и традиций суфизма. О судьбе и творчестве композитора, а также о путях таджикской музыки поведала дочь композитора, востоковед и культуролог Мунира Шахиди. Наряду с уже упомянутым концертом таджикской музыки, приуроченным к данному юбилею, в концертную программу форума был включен концерт канадского квартета саксофонов «Квазар», представившего аранжировки произведений Зиедулло Шахиди, сделанные внучкой композитора Фарангис Нуруллой-Хаджой, а также музыку самой Фарангис и некоторых канадских композиторов, обращающихся в своем творчестве к звуковому материалу разных народов мира. Тему непреходящего значения культуры суфизма для огромного региона Ближнего и Среднего Востока выдвинули на обсуждение исследователи из Турции Ондер Озкоч и Бурак Тюзюн в своих докладах о звуковой символике и о феномене музыканта в мевлевийской традиции. В связи с этой сферой научных интересов впервые в стенах Московской консерватории прозвучала подлинная музыка священного мевлевийского ритуала «Аджембуселик Айин-и Шерифи» в исполнении музыкантов высочайшего уровня, приехавших в Москву из мирового центра суфизма – турецкого города Коньи.

Концерт фольклорного ансамбля МГК

В числе участников симпозиума в качестве признанных исследователей в своей области были приглашены и люди, чье научное становление связано с Московской консерваторией. Это Кэтти Вонг (Эквадор) с ее оригинальным исследованием механизмов китайского влияния на латиноамериканскую сальсу. Это Елена Гороховик (Беларусь), выступившая с концептуальным докладом о современных процессах, видоизменяющих «музыкальную карту мира». Это Татьяна Карташова (Россия, Саратовская консерватория), поднявшая тему современности на материале сегодняшней культуры Индии. Это недавняя аспирантка консерватории Чэнь Чжэнтин (Тайвань), исследующая философско-символические параллели между китайской и европейской культурами. Это

Сцена из иранской мистерии тазийе

Анастасия Новоселова (Россия, Московская консерватория), являющаяся на сегодняшний день единственным специалистом в России в области изучения древней традиции гуциня в Китае.

Симпозиум «Музыкальная карта мира» проявил реальный, можно сказать жгучий интерес современного музыкознания к проблеме жизни древних традиций в современном мире. А не менее горячий интерес публики к сопровождавшим его концертам стал свидетельством неугасающей потребности человеческих сердец прикоснуться к глубоким, истинным корням музыкальных культур мира.

Доцент М. И. Каратыгина,
руководитель научно-творческого центра «Музыкальные культуры мира»
Фото Яхья Джебели

Отклики участников симпозиума

Елена Гороховик (Беларусь):

Современного музыканта, активно функционирующего в мире своей профессии, трудно чем-либо удивить. Мы оказались в ситуации, когда сняты все барьеры, которые ещё недавно ограничивали нас в постижении музыки различных эпох и народов. Доступно абсолютно всё, стоит только нажать кнопку компьютера, пойти в концертный зал или зайти в ближайший музыкальный магазин. И всё же, это иллюзия. Иллюзия вседозволенности, которая размывает истинные смыслы того сакрального пространства, имя которому — Звук. И вот наступает час, и мы встречаемся с явлениями, постижение которых делает нас глубже, мудрее, человечнее. В этом смысле для меня уникальными событиями не только профессиональной, но и общечеловеческой значимости становятся мероприятия, проводимые научно-творческим центром «Музыкальные культуры мира». Нынешний международный симпозиум «Музыкальная карта мира», с его ошеломляющей своим разнообразием и глубиной программой, не просто впечатлил. Он вселил во всех нас, кто был причастен к работе этого уникального мероприятия, оптимизм и веру в то, что истинные ценности человеческого духа, не лежащие на поверхности, не поддаются тлену и по-прежнему хранят в себе мощный заряд созидательной энергии.

Акаш Сергей Анцупов, Лила Людмила Журкова (Латвия):

Международный симпозиум «Музыкальная карта мира», прошедший в Москве 18–26 октября, в котором мы приняли участие, оставил глубокое впечатление и запомнится нам, как самое яркое событие 2014 года. Хочется сразу отметить, что симпозиум «Музыкальная карта мира» стал логичным продолжением уже существующих проектов Центра «Музыкальные культуры мира» Московской консерватории, таких как Международный научно-практический семинар «Многоликий Chronos Musicus», Международный круглый стол «Звуковые архетипы индоевропейской культурной общности», ежегодные Международные музыкальные фестивали «Вселенная звука», «Душа Японии», “Собираем друзей” и множество других не менее интересных проектов. 

Деятельность Центра «Музыкальные культуры мира», на наш взгляд, сродни Александрийской библиотеке. Собирать уникальные образцы музыкальных традиций мира, бережно сохранять опыт старых мастеров, помогать, развивать, обучать, делиться — это бесценный вклад в сохранение и популяризацию музыкальной культуры мира. Нет необходимости говорить об огромной образовательной работе, которую Центр «Музыкальные культуры мира» беспрерывно проводит, открывая новые имена талантливых молодых исполнителей и маститых, но малоизвестных музыкантов, достигших вершин мастерства.

Благодаря уникальной научной методологии изучения музыкальных культур мира, созданной Дж. К. Михайловым, его ученикам и последователям, сегодня Московская консерватория несомненно заняла лидерские позиции и в этом аспекте изучения музыки в мире. Достаточно вспомнить несколько выступлений участников «Музыкальной карты мира», чтобы осознать верность сказанного.

Самым поразительным открытием симпозиума, на наш взгляд, была древняя мистерия «Та’зийе», в которой музыка, реальность, прошлое и настоящее, смерть и будущее всё слилось и перенесло нас в мир, где добро всегда побеждает зло. Китайский гуцинь, иранский аваз, мугамы, скрипки, кеманчи, табла, раги…. — всё соединилось, переплелось и очень наглядно продемонстрировало, как бесценен каждый звук, каждый народ, каждая традиция, потому что всё это вместе бесконечная любовь и гимн Творцу.

Чэнь Чжэнтин (Тайвань):

В этом симпозиуме меня поразила идея, что звуки сами говорят за себя. Того, что изложено письменно или устно, не хватает, чтобы объяснить музыку, без показа реальной звуко-музыкальной традиции. Несколько концертов подряд, представляющих музыку стран — бывших членов Советского Союза, казавшуюся уже устравшей темой, наглядно продемонстрировали нам действительные следы перемещения и развития системы макама в Средней Азии. Причём, это единство является не только следствием политических процессов в последние столетия, но проявляет жизнь культуры как живого организма с древности до сих пор.

Благодаря концертам и докладам мы получили возможность узнать ближе различные музыкальные традиции: корейские, китайские, японские и другие, — их современное развитие и историю, происхождение инструментов, разные правила организации музыкальных элементов. Таким образом, действительно была проявлена «музыкальная карта мира» с тонкими, деликатными и условными контурами между разными музыкальными традициями. Я благодарю Московскую консерваторию и организаторов этого симпозиума за возможность участия в столь знаменательном собрании, которое продемонстрировало тонкий вкус и мудрость в понимании чужих культур.

Ондер Озкоч (Турция):

В целом я считаю, что такое мероприятие, как симпозиум «Музыкальная карта мира», на котором собралось множество исследователей и музыковедов из разных стран, позволяет взглянуть на вещи по-новому, осознать тот факт, что межкультурное взаимодействие гораздо важнее той разобщенности, которая господствовала в прошлом. Ведь если мы посмотрим на то, как музыка воспринимается во всем мире, то поймем, что каждый обладает своей собственной перспективой в отношении к ней.

Я желаю, чтобы данный симпозиум и в будущем не утратил своей актуальности, и чтобы та новая перспектива, которую он открыл перед своими участниками, позволила бы и впредь постигать глубокие корни музыкальной концепции. Я хотел бы также выразить свою искреннюю благодарность организаторам за оказанный нам теплый прием.

Халмурза Курбанов (Узбекистан):

Огромное спасибо за приглашение принять участие в таком солидном культурном форуме, как симпозиум «Музыкальная карта мира». Организация симпозиума, без лести, была на высшем уровне — об этом мне сказали и наши музыканты. Места проведения конференции и концертов часто менялись. Не знаю, с чем это было связано, но для меня это обернулось выгодной стороной, так как дало возможность посмотреть разные залы и аудитории, корпуса консерватории. Это было своего рода экскурсией, а сдругой стороны, позволило мне ощутить саму консерваторию полнее.

Если быть откровенным, мы перед поездкой несколько сомневались по поводу восприятия узбекской традиционной музыки вашей аудиторией. На это есть основания, потому что узбекские макомы не всегда легкопринимаются современным слушателем даже у себя в Узбекистане (особенно молодежью), не говоря о близких соседях — Казахстане, Киргизии, Туркменистане. Но поразила осведомленность и жажда московского слушателя по макомной музыке таджиков, узбеков, да и вообще, традиционной музыки народов Востока.

После концерта к нашим музыкантам подходили люди из зала, большинство не музыканты, а представители разных других профессий, задавали вопросы, завязались беседы с последующим фотографированием на память. И слушатели проявили не только обычный интерес, но и определённые знания о нашей культуре. Вот это больше всего поразило. По словам наших музыкантов, такой живой интерес московских слушателей придал им чувство удовлетворенности своей работой. Адекватная реакция со стороны публики дала нам почувствовать взаимную пользу от этих концертов и докладов.

Конечно, каждый судит по себе, но думаю после данного симпозиума каждый из музыкантов и докладчиков уезжал домой с большой надеждой ещё раз вернуться в Москву для участия в таких симпозиумах в стенах Московской консерватории.

Земной поклон всем организаторам симпозиума за их работу. Мы все чувствовали себя уютно, комфортно на протяжении всего мероприятия.

Кэтти Вонг (Эквадор):

Я хотела бы поздравить Московскую консерваторию с организацией симпозиума «Музыкальная карта мира», который дал участникам возможность познакомиться с разными музыкальными традициями мира через доклады и выступления выдающихся ученых, музыкантов и ансамблей. Будучи представителем Латинской Америки, занимающимся этномузыкологией в Соединенных Штатах Америки, я особенно высоко оценила возможность приобщиться к таким малоизвестным в Америке музыкальным культурам, как, например, музыка Азербайджана, Узбекистана и Таджикистана. Я считаю, что организаторам симпозиума удалось с успехом обеспечить обмен опытом и знаниями между представителями разных музыкальных культур. Например, обсуждения иранской музыкальной мистерии Та’зийе и турецкой традиции Мевлеви, проходившие в первой половине дня, сопровождались живыми выступлениями музыкантов вечером. Будучи сама выпускницей Консерватории я была рада, вернувшись в свою альма-матер, узнать, что Московская Консерватория проводит подобные международные симпозиумы, которые важны для стимулирования культурной осведомлённости и взаимопонимания между людьми разных регионов, религий и культурных наследий. Всех сотрудников центра «Музыкальные культуры мира» благодарю как за замечательную организацию мероприятия, так и за их доброе гостеприимное отношение к участникам симпозиума.