Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

Двери Московской консеватории открыты!

Авторы :

№4 (1405), апрель 2024 года

6 апреля в Московской консерватории уже вторично прошел  День открытых дверей Отличительной чертой встречи стало максимально полное погружение будущих абитуриентов в повседневную творческую жизнь знаменитого российского вуза.

Оргкомитет мероприятия – Центр организации практической подготовки и карьеры выпускников Учебно-методического управления – постарался не только учесть пожелания абитуриентов прошлогодней встречи, но и максимально творчески отнестись к самому его проведению. А кто лучше расскажет о родном вузе гостям? Конечно же те, кто в нем обучается. Потому к мероприятию были привлечены волонтеры – студенты разных курсов и разных специализаций. Они, вчерашние абитуриенты, стремились показать Alma Mater во всей красе.

Гости увидели отремонтированные концертные залы, прекрасно оборудованные по последнему слову техники групповые аудитории, классы по специальностям, где в воздухе витают традиции лучших исполнителей страны, чьи имена выгравированы золотыми буквами на мраморной доске у Малого зала. Мероприятие получилось массовым. В нем приняли участие 187 гостей, из которых 83 человека приехали из регионов Российской Федерации. Были представлены 42 учебных заведения страны из 35 областей и 6 республик. 

Весь субботний день в Консерватории было оживленно и многолюдно. Общение с вузом начиналось еще на пороге Большого зала – волонтеры, куда вошли и представители Студенческого совета, устроили блиц-опрос подходящей к залу молодежи. В небольшом фильме, который они снимали по ходу мероприятия, видны воодушевленные лица ребят, приехавших из разных городов нашей огромной страны, их стремление не только познакомиться с вузом и его профессорами, но и «напитаться» атмосферой встречи, найти силы для дальнейшей подготовки к приемной кампании.

Звучали разные ответы наших гостей на вопрос, что они ожидают от сегодняшнего дня: 

«Волнующе! Мне очень нравится атмосфера учебного заведения, я мечтаю сюда поступить»

«Мне кажется, сегодня будет очень ярко, круто»

«Для нас это праздник! Такая замечательная возможность побывать в стенах, где мы мечтаем учиться»

«Очень хочется приобщиться к ауре этих стен, к вековой истории Консерватории»

«Хочу узнать новое, получить сильный заряд эмоций»

Атмосфера праздника «включилась» в тот момент, когда заиграла музыка П.И. Чайковского. Сосредоточенные до того лица волонтеров и организаторов, в очередной раз обсуждавших план встречи, расплылись в улыбке, кто-то даже решил пройтись по фойе Большого зала в движении вальса, как это случается на весенних балах студентов.

С большим интересом гости прослушали приветственное слово ректора, профессора А.С. Соколова, говорившего об огромных возможностях Московской консерватории в отношении учебы и быта. В частности, Александр Сергеевич рассказал об уникальном студенческом комплексе, в котором предусмотрены классы, репетитории, концертные залы и бассейн. 

Особому настроению Дня открытых дверей сопутствовала большая подготовительная работа многих служб Консерватории. В частности, праздничная атмосфера была продумана Начальником отдела по информационной политике и рекламе И.А. Горьковой. В памяти остались прекрасные пресс волл (press wall  баннер, натянутый на каркас), ролл-апы (roll-up – мобильный раздвижной рекламный стенд с баннером, сматывающимся в рулон), флаги, лифлет и многое другое, объединенные общим замыслом главного художника Отдела дизайна С.А. Баронова. Ему принадлежит и эмблема Дня открытых дверей, которая теперь будет сопровождать подобные события ежегодно.

Гости получили подробную информацию, касающуюся подготовки к поступлению. Помимо организованных консультаций по музыкально-теоретическим дисциплинам, включенным в приемные испытания, они посетили открытые уроки профессоров и другие творческие события. Огромное впечатление произвела работа профессора А.В. Соловьёва с Камерным хором Консерватории. Примечательно то, что абитуриентов-хоровиков на репетицию хора привела студентка I курса Татьяна Исаченкова, которая ровно год назад сама сидела в качестве гостя на такой же репетиции. Тогда она, студентка 4 курса Нижегородского музыкального училища имени М.А. Балакирева, случайно попала в кадр нашего фотографа.

Wow-эффектом можно назвать встречу в недавно открытом арт-пространстве «Артемьев», где были продемонстрированы возможности Научного центра электроакустической музыки. Руководитель Центра Н.А. Попов рассказал об истории его возникновения и развития, об уникальных возможностях, открывающихся перед обучающимися в консерватории композиторами при овладении электроакустическими техниками. Музыковедов заинтересовала презентация совместных с композиторами коллабораций таких проектов Центра как «Биомеханика», «Музыка машин» и пр.

Как и в прошлом году, многие посетили открытый урок по сольному пению Заслуженной артистки РФ, доцента Л.Б. Рудаковой. Самая большая аудитория наших гостей – вокалистов – с особым интересом наблюдала за тем, как педагог филигранно отрабатывает со студентом не только технику, но и нюансы исполнения. К тому же им удалось побывать на репетиции оперы «Севильский цирюльник» Дж. Россини в постановке Оперного театра консерватории.

В этом году мы представили абитуриентам не только студенческий симфонический оркестр Московской консерватории, но и дали возможность увидеть, как студенты-симфонисты готовят программу к государственной итоговой аттестации. Студент-выпускник В. Попов репетировал с оркестром Третью симфонию А. Брукнера. 

Жизнь любого вуза не может обойтись без места, в котором обсуждаются новости студенческой жизни – столовой и кафетерия. Мероприятие было организовано таким образом, чтобы гости могли подкрепиться, отдохнуть и немножко пообщаться друг с другом.

В завершении дня сюрпризом стал концерт студентов в Рахманиновском зале, который открыл проректор по учебной и методической работе, профессор Н.И. Тарасевич. Николай Иванович выразил надежду, что будущие студенты получили необходимый заряд бодрости для дальнейшего овладения специальностью и что прощаемся мы ненадолго, до периода приемной кампании летом 2024 года. Концерт вела председатель студенческого совета М.Клюева. Завершившие концерт «Румынские танцы» Б. Бартока в исполнении камерного ансамбля «Prometheus»под руководством студента IV курса М. Калицкого были встречены овациями. Казалось, никто не хотел никуда уходить…

Педагоги, участвовавшие в проведении открытых уроков, также делились своими впечатлениями, выкладывая их в соцсетях вместе с фотографиями. В частности, на информативную заметку с фотографиями мероприятия на странице доцента Ф.В. Ноделя на момент написания статьи было более трех тысяч просмотров. Уверена, профессора были вдохновлены проходящим не менее самих абитуриентов.

Огромное спасибо всем, кто помог этому празднику состояться!

Доцент Л.Р. Джуманова, кандидат искусствоведения, начальник Центра организации практической подготовки и карьеры выпускников

Фото Эмиля Матвеева

Римский-Корсаков

Авторы :

В служении русской культуре

№3 (1404), март 2024 года

18 марта 2024 года исполнилось 180 лет со дня рождения великого русского композитора, дирижера, педагога, музыкального критика, профессора Санкт-Петербургской консерватории, одного из крупнейших представителей классической русской композиторской школы – Николая Андреевича Римского-Корсакова.
В.А. Серов. Портрет Н.А. Римского-Корсакова. 1898

Мыслить о Римском-Корсакове – означает усмотреть огромную значимость древнейших пластов русской истории и культуры. Понять его – значит приблизиться к целостному охвату многовековой истории русской духовности: от зарождения славянства, принятия христианства и последующего существования в условиях православной культуры со скрытыми проявлениями прежних языческих верований, вплоть до новейших тенденций русского искусства на рубеже XIX–XX веков.

Стержневое значение в истории русской музыки – от Глинки до Скрябина и раннего Стравинского… Календарная обрядовость древних славян и цикличность человеческого бытия… Пантеистические мотивы и звон колоколов града Китежа… Шлейф томления «Шехеразады», манящий восточный колорит темы пери Гюль-Назар из «Антара» и «угрюмая страна» берендеев из «Снегурочки»… Историческое полотно «Псковитянки» и размах шекспировских страстей в «Царской невесте»… Сохранение интереса к сказочным образам на протяжении творческой жизни и достижение в этом уровня трагического пророчества исторического масштаба – в «Кащее Бессмертном» и «Золотом петушке»… От мистической «Майской ночи» и былинного повествования о русском Орфее в «Садко» до приближения к несказуемой тайне славянского космоса, сакральной выси русского мира как цивилизационного феномена – в «Сказании о невидимом граде Китеже и деве Февронии»… Из множества этих граней складывается величественный художественный портрет патриарха русской классической музыки.

Римский-Корсаков – это искусство зрелости, требующее серьезного и уравновешенного отношения к прочтению смыслов. При обозрении его творческого пути создается впечатление, что он родился уже старцем, возвышенным мыслителем, словно лишенным юношеской чувственности. Однако романтический мир сказочного повествования об Антаре во Второй симфонии (Симфонической сюите «Антар») или томные мотивы «Испанского каприччио» исполнены подлинной страсти, душевного смятения и искрящейся радости в красках южного темперамента. Продолжая глинкинскую линию, Римский-Корсаков последовательно расширял границы русского историко-культурного пространства, объединившего множественные тенденции Запада и Востока. Русский мир в мировоззрении Римского-Корсакова предстает цельным славянским космосом со сбалансированным сочетанием христианских и языческих мотивов.

Скрытые смыслы «Снегурочки», одной из самых корсаковских опер, в настоящее время продолжают раскрываться в новых контекстах. Сказочное существо гибнет как живой человек, осознавший ценность жизни и любви. Лиричность образа Снегурочки создает особое впечатление душевной теплоты и обостряет ощущение трагической утраты, по мысли самого композитора, на фоне «безначального и бесконечного царства» берендеев, неукоснительно продолжившего свой исторический путь. Пушкинский тезис из «Евгения Онегина» – «привычка свыше нам дана: замена счастию она», фигурировавший в одноименной опере Чайковского, – будто звучит и у Римского-Корсакова. Ярило-Солнце – славянский высший логос, божество, довлеющее надо всем, подчиняющее своей воле, а берендеи, застывшие в ожидании восхода Ярилы-Солнца, не заметили колоссальных изменений, произошедших в утонченном сознании Снегурочки. «Общество» потеряло нового прекрасного «человека»!

Римский-Корсаков в кабинете. 1897

Одними из основополагающих черт мировоззрения Римского-Корсакова следует признать неотступное следование логике и принципу нерушимости классических основ музыкального искусства. Он обладал редчайшей для композитора способностью к объективной теоретизации личного творчества, и именно он породил научную традицию рассмотрения своего художественного наследия. Он был автором «Мыслей о моих собственных операх», обнаружив и литературный талант, а в искусстве был тонким музыкальным «исследователем» противоречивого и многогранного русского сознания. «Аристотель» русской музыки имел в некоторой степени ученое дарование, хотя несколько сторонился полного погружения в научные и философские труды.

Однако, переступив порог XX века, Римский-Корсаков осознал стихийное приближение новой музыкальной эстетики. Дух времени, серьезных социальных и политических перемен, отразился в его искусстве: одноактная опера «Кащей Бессмертный», по мнению многих исследователей, самое новаторское корсаковское сочинение, предстало перед слушателями принципиально новым сказочно-метафорическим полотном, где действуют незыблемые законы природных стихий. Символическим видится ее окончание: сломленная сила Кащея будто «просвечивает» зловещей чернотой победную «белизну» партитуры последней картины оперы. И Шемаханская царица из оперы «Золотой петушок», подобно врубелевскому «Демону» и пуччиниевской «Турандот», дополняет галерею трагических модерновых образов начала века. Она – возвышенное зло, «бальзам с мышьячком», абсолютная красота с затаенным разрушительным эффектом, катастрофичность с чарующей улыбкой.

Римский-Корсаков, «гарант» музыкального канона, на рубеже XIX–XX веков, несомненно, «вдохнул» аромат новой эпохи: шарм декадентства с его культом эстетического, отблески французского ар-нуво, утонченные образы русского модерна, дышащие «духами и туманами», призрачная вуаль русского символизма. Возникает ассоциация с мыслями Скрябина о «гармонии запахов», встретивших, как известно, непонимание у Римского-Корсакова во время знаменитого парижского вечера в квартире Скрябина, где автор «Снегурочки» слушал фрагменты из «Поэмы экстаза» в авторском исполнении.

Но у самого Римского-Корсакова также немало «эффектов плацебо», имеющих совершенно разную природу: «золотые слитки» из «Садко», «медицинский», «нашатырно-химический» лейтмотив Бомелия из «Царской невесты», модерновые лубочные картинки из «Сказки о царе Салтане», «музыкальный дурман» оперы «Кащей Бессмертный», волшебная декоративная колористика «Китежа»… Красочная симфоническая партитура Римского-Корсакова переливается и искрится как драгоценные изумруды, ибо «не счесть алмазов в каменных пещерах, не счесть жемчужин в море полудённом» оркестрового письма композитора.

К.А. Коровин. «Невидимый-град Китеж». 1930

Венец творчества Римского-Корсакова – литургическая опера «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии». Последняя великая русская опера классического периода отечественной музыкальной культуры. Здесь существенно расширилось круговое обозрение композитора, усилился рельеф историко-культурных проблем времени, потому что «Китеж» Римского-Корсакова – это уровень всевидения. Он позволяет приоткрыть не только тайны, касающиеся художественного творчества, но и, в большей степени, демонстрирует проблемы, связанные с вечными вопросами национальной истории.

Великое произведение искусства в смысловом отношении всегда масштабнее изначально задуманного художником. Это и есть «большое время» Бахтина. Существование «Китежа», как символа обновляемой истории русской духовности, началось задолго до его появления и продолжается поныне. «Китеж» вершит линию обращения Римского-Корсакова к христианским образам, но при этом содержит идею поклонения Земле в «природном храме». Ранее обозначенная религиозная тематика в «Псковитянке», «Царской невесте» и «Сервилии» достигает здесь наивысшего воплощения, однако дева Феврония – символ спасения русского мира – выступает и как носитель народного верования. Авторская позиция застывает между христианским милосердием и языческим великогуманным пантеизмом в поисках русского духовного абсолюта.

Жизненный и творческий путь Римского-Корсакова был полон множества высоких нравственных обязательств. И активное участие в становлении русского академического музыкального образования с воспитанием в консерватории нескольких поколений композиторов от Лядова и Глазунова до Стравинского и Прокофьева. И создание музыкально-теоретических работ, среди них «Практический учебник гармонии», «Основы оркестровки», а также автобиография «Летопись моей музыкальной жизни». И многократные выступления в качестве дирижера в России и за рубежом. И музыкально-критическая и общественная деятельность. Колоссальной духовной силы требовала и сложнейшая работа по завершению неоконченных произведений русских композиторов: «Каменного гостя» Даргомыжского, «Князя Игоря» Бородина, «Хованщины» Мусоргского.

Внешний облик и характер Николая Андреевича Римского-Корсакова блестяще передан на знаменитом портрете кисти В.А. Серова (1898): композитор изображен за рабочим столом с карандашом в руке, его взгляд отражает сосредоточенность и эмоциональную сдержанность. Римский-Корсаков, несомненно, может быть воспринят нашим временем как непревзойденный пример строгой самоорганизации. У него не было праздного времени, современников поражала его работоспособность и неотступность от целей. При пристальном взгляде на жизнь Римского-Корсакова как на «фугообразное сплетение нитей» в служении искусству, возникает фигура титанического масштаба. Именно тогда размышление о нем приводит к пониманию значения его гения для русской и мировой культуры.

Доцент Д.И. Топилин, кафедра истории русской музыки

Сказка – ложь, да в ней урок!

№2 (1403), февраль 2024 года

Доброй традицией творческого коллектива программы «Консерватория  детям» стала постановка детских музыкальных спектаклей. В этом году выбор пал на чудесный сюжет русской народной сказки – оперу «Морозко» выдающегося современного композитора, народного артиста России, профессора МГК Владислава Германовича Агафонникова.

Новую сценическую версию оперы «Морозко» представил режиссер-постановщик, лауреат премии Москвы и премии «Овация» Петр Татарицкий на основе либретто Андрея Альбанова. Герои истории – озорной Морозко, отзывчивая Настенька, ее злая мачеха и капризные сестры, простодушный солдат Иван и коварная Баба Яга оказались персонажами, которые обрели узнаваемые нами черты. Таких людей мы встречаем на улице, в школе, видим по телевизору. Мелодичная музыка с цитатами хорошо известных русских народных песен «Ой, Мороз, Мороз» и «Калинка» помогает понять характеры персонажей – кому-то посочувствовать, а над кем-то и посмеяться.

Юные зрители активно сопереживали всем артистам, аплодируя особенно понравившимся моментам. Специальную аранжировку, позволяющую исполнять спектакль на различных площадках, сделал выпускник МГК, кандидат искусствоведения Михаил Кривицкий. Сохранив яркие тембры трубы, арфы, ударных, добавив фортепиано и орган, он лаконичными средствами добился иллюзии богатого звучания оркестра. Музыкальным руководителем постановки стала пианистка МГК Тамара Еприкян, под ее профессиональным руководством состоялся дебют студенческого ансамбля солистов «Звук». Яркие краски добавило участие танцевального коллектива кафедры СКД Московского государственного института культуры под руководством доцента Марины Кернерман и ансамбля балалаечников ДШИ имени Калинникова под руководством Михаила Киселева – тембры русских народных инструментов усилили национальный колорит спектакля.

Важным аспектом стало объединение артистов разных поколений – от известных мастеров, таких как заслуженная артистка России Людмила Бодрова (Мачеха), солист Москонцерта Илья Ушуллу (Морозко), доцент МГК Мария Федорова (арфа) со студентами и аспирантами Московской консерватории Максимом Шабановым (Баба Яга), Марией Авдеевой (Настенька), Андреем Коденко (Иван), юными артистками Майей Соловьевой и Полиной Кабалевской(вредные сестры) и другими. По словам ректора, профессора А.С. Соколова «этот принцип перекрестного опыления, когда взрослые заслуженные музыканты делятся своим мастерством с молодым поколением, в Московской консерватории постоянно дополняется, расцветает новыми гранями».

По словам автора идеи и исполнительного директора постановки – лауреата Премии Москвы, доцента МГК Ярославы Кабалевской, «такие творческие коллаборации – неотъемлемая часть творческих проектов Московской консерватории. С помощью наших партнеров мы имеем возможность ставить новые и новые детские спектакли с музыкой российских композиторов, на которые приглашаются особые зрители – дети с ограниченными возможностями и дети-сироты. Разработана целая Благотворительная программа «Консерватория – детям», которая выполняет важную социальную миссию – приобщает детскую аудиторию к лучшим образцам нашей культуры, а также способствует инклюзивности через музыку и традиционные духовные ценности».

Опера была показана трижды. 14 декабря в Рахманиновском зале Московской консерватории состоялся благотворительный показ для подопечных программы «Консерватория – детям» в рамках новогодней программы Фонда «Серебряная нить». Спектакль посетили более 100 детей-сирот и детей с ограниченными возможностями. С приветственным вступительным словом к юным слушателям обратился сам композитор.

28 декабря опера была показана в павильоне Министерства культуры РФ «Наша культура» на выставке «Россия» (ВДНХ) как мероприятие, соответствующее программе патриотического и духовно-нравственного воспитания детей и подростков.

6 января «Морозко» приехал в концертный зал музея «Новый Иерусалим», который не смог вместить всех желающих посмотреть представление. Мероприятие прошло экспертную модерацию по программе «Пушкинская карта». Сказка не оставила равнодушными ни маленьких зрителей, ни их родителей – организаторы  получили множество положительных отзывов лично и в социальных сетях, среди которых: «Спектакль получился на славу», «Он полезен и детям, и взрослым своими жизненными советами, обращением к русскому фольклору», «Органично и гармонично все, опера смотрится на одном дыхании»«Морозко учит различать добро и зло, так как сейчас эти понятия сильно размыты» и т.п.

Выражаем благодарность проректору по творческой и международной деятельности МГИК Н.В. Калашниковой, благотворительному фонду «Серебряная нить» и АНО по развитию искусства и просветительства «ЗВУК» за организацию и сопровождение волшебного представления.

Профессор Е.Д. Кривицкая, доцент Я.А. Кабалевская

В.Г. Агафонников: «Детской музыки я много писал…»

Фото: Денис Рылов

В преддверии премьеры оперы «Морозко» состоялось интервью с ее автором, композитором, профессором В.Г. Агафонниковым:

– Владислав Германович, как Вы пришли в музыку?

– Я начал учиться музыке в Подольске. Вспоминаю свою учительницу Розанову Веру Николаевну, которая вела у нас в Доме пионеров музыкальные классы, потому что сама музыкальная школа во время войны была закрыта. Она всегда очень интересно объясняла: «до» и «ми» – это домик, а в этом домике живет нотка «ре», и вот этот цикл очень легко найти между двумя черными клавишами. Ученик играет одну ноту постоянно и уже потом выдерживает паузу – и это обязательно нужно уметь. Пауза – это великая вещь в музыке. 

Взять, например, детскую музыку Прокофьева, это же сверхгениальная музыка. Все его творческие новации отражены в детской музыке, как в капле воды. У Кабалевского то же самое. Помню из детства, как в победном 1945-м я играл на радио пьесу Кабалевского «Клоуны». Я очень волновался и бесконечно повторял слова перед выступлением, боясь забыть их: «Я сыграю пьесу «Клоуны», музыка Дмитрия Кабалевского». На тот момент я был учеником второго класса, очень много играл Кабалевского и Прокофьева – честь и хвала моему педагогу тех лет, Нине Михайловне Шлыковой!

В 1944 году я поступил в Московское хоровое училище. А после училища – в Московскую консерваторию, в класс композитора Висссариона Яковлевича Шебалина. Я занимался на двух факультетах: фортепианном и композиторском. Фортепианный я со второго курса вынужден был оставить, потому что было тяжело, и Шебалин говорил, что «сочинением нужно заниматься так же, как на рояле, не меньше четырех часов в день». И на рояле я, конечно, много занимался, и вот на первом курсе у меня был экзамен по фортепиано, а на следующий день – по композиции. На экзамене по роялю я получил пятерку, а свои сочинения, естественно, толком не выучил, и Шебалин поставил мне четверку со словами: «Свои сочинения нужно учить не хуже, чем чужие, потому что сыграешь кое-как, и впечатление будет кое-каковое».

Мне кажется, у Шебалина любимым композитором был А.П. Бородин. Шебалин настаивал на том, что профессионал должен уметь делать все, от песни до симфонии, потому что одно другое оплодотворяет, помогает ориентироваться. Поэтому у меня есть своя композиторская программа, определенный план, которого я всю свою жизнь придерживаюсь, несмотря на разные бытовые отвлекающие процессы. Но все же своей основной линией я считаю симфоническую. 

Педагоги обычно дают что-то анализировать, и вспоминаю, как мне однажды достался сборник «30 русских народных песен» М.А. Балакирева. Там очень хорошо показана преемственность развития музыкального материала. Он начал с самых истоков, с русской народной песни. Это оказало огромное влияние на всех кучкистов. Это все нужно знать, нужно познать историю развития музыки, всевозможных музыкальных этносов. Очень важны в народной музыке распевы, идущие от колыбельных. Они есть и у Чайковского, и у Мусоргского, и у Лядова, и у Бородина – любимого композитора Шебалина.

С IV курса я начал преподавать в училище гармонию, полифонию и даже сольфеджио. У нас по сольфеджио был потрясающий педагог Николай Иванович Демьянов, который был мастером своего дела. Он был выпускником Синодального училища церковного пения, очень хорошо знал нашу простую мальчишескую жизнь, поэтому относился к нам с огромным пониманием. С Николаем Ивановичем мы издали много сборников детских пьес. Детской музыки я в то время много писал.

– А как родилась Ваша опера «Морозко»?

– С 1968 года я возглавлял в Союзе композиторов СССР направление по музыкально-эстетическому воспитанию детей и юношества. И у нас ежегодно проходил и проходит до сих пор фестиваль «Композиторы России – детям», который охватывает многие города нашей необъятной Родины. И вот в очередной раз местом проведения фестиваля стал Саратов. А поскольку я уже давно был знаком с дирижером Юрием Леонидовичем Кочневым (художественный руководитель и главный дирижер Саратовского театра оперы и балета – Н.Д.), и наш заключительный концерт фестиваля проходил на их сцене, то он предложил мне написать для их театра оперу. Я с удовольствием согласился. Так появилась моя первая детская опера «По щучьему велению» (1997).

В Саратовском театре в это время работал замечательный режиссер Андрей Вениаминович Альбанов. Он был потрясающим либреттистом, хорошо знал и понимал детей. Каждую сцену оперы Альбанов словно проживал сам, и получилось так, что многие цитаты очень откликнулись пожеланиям детей, поскольку Андрей Вениаминович удивительно тонко их чувствовал. Он-то и стал либреттистом моей второй оперы «Морозко».

– Почему Баба-Яга у Вас – баритон?

– Есть такой японский театр, где играют одни мужчины. Любую роль. Это нужно, чтобы показать мастерство артистов, чтобы они умели входить в любой образ – это называется экзальтацией образа. Вообще, в свое время в церковных хорах пели только мальчики. Жизнь прекрасна, только ее нужно знать, поэтому нужно общаться с людьми, знать разные направления в искусстве, интересоваться.

– Что Вы хотите передать детям своей музыкой?

– Во-первых, любовь к жизни. Любовь во всех ее ипостасях – это самое главное в жизни. Любовь к семье, к родным, к близким, к Родине… Все это очень тесно друг с другом связано. Во-вторых, любовь к народной песне. Я много ездил в фольклорные экспедиции: когда я писал оперу «Анна Снегина», то ездил в Константиново, чтобы почувствовать эту тонкую есенинскую ауру. Михаил Иванович Глинка был прав, когда сказал, что музыку создает народ, а мы, композиторы, ее аранжируем. Преподносим с какими-то своими добавлениями и посылами, вносим то, что не успели записать, договорить… Мы словно доделываем это.

– Каким главным принципам в музыке Вы учите своих студентов?

– Я учу своих студентов, что главное в музыке – это интонация. Есть интонация, есть и музыка. Часто бывает, что интонацию излагают так, что она расцветает благодаря теоретическим умениям, полученным уже в чисто композиторском образовании – без знания базовых профессиональных вещей невозможно делать музыку. А природа, сама интонация в народной музыке уже есть, она очень хорошо ощущается. Мало того, возьмите любую народную песню. Есть такие вибрации и мелизмы в народных песнях, которые просто невозможно передать, но это опять зависит от голоса, от умения.

– Ваши пожелания юным зрителям?

– Дорогие ребята, вам я желаю в наступившем году всего того, что вы сами себе пожелаете. Обращайтесь к Деду Морозу, он добрый человек, он принесет вам подарки, которые вы ему закажете. Желаю вам здоровья, успехов в учебе, благополучия вашим родителям! Трудитесь и добивайтесь своих целей, вырастайте большими и замечательными людьми нашей Родины – России!

Беседовала преподаватель Тамара Еприкян, записала Наталья Денисенко 

Прометей новой музыки

Авторы :

1924 – Луиджи Ноно – 2024

№1 (1402), январь 2024 года

В созвездии творцов «второго авангарда» (Карлхайнц Штокхаузен, Пьер Булез, Янис Ксенакис, Дьёрдь Лигети) ярко сияет звезда Луиджи Ноно. Он родился в Венеции 29 января 1924 года и умер там же 8 мая 1990 года. Траектория жизни Ноно включала в себя Дармштадтские летние курсы новой музыки, где он дебютировал в 1950 году, путешествия в США и страны Латинской Америки в 1960-х годах, несколько визитов в СССР, успех и признание в конце 1970–1980-х годах, поиски новых путей в поздний период… 

Фото: Graziano Arici

ичность Ноно принято считать противоречивой. Коммунист – и авангардист; человек редкого обаяния и неподдельной доброты – и бескомпромиссный борец за свои идеи. На самом деле, кажущиеся крайности составляли гармоничное единство. Считая коммунистическое учение устремленным вперед, к техническому и социальному прогрессу, он полагал, что этому учению прекрасно соответствует искусство авангарда. А будучи итальянцем, выросшим среди многовековых напластований разнородной красоты (на античном фундаменте может стоять средневековая церковь с барочным фасадом и ренессансными росписями внутри), Ноно никогда не отрекался от наследия великого прошлого. Однако он умел видеть в этом наследии зерна будущего и остроумно обосновывал свои новаторские приемы аналогиями из музыки предыдущих веков, от архаики и фольклора до творчества классиков и романтиков (включая Беллини и Верди). 

По словам самого композитора, в начале 1950-х годов появились три важных сочинения, обозначившие линии разлома в поэтике «дармштадтского» авангарда. Это «Структуры» Булеза, «Перекрестная игра» Штокхаузена и «Эпитафия Федерико Гарсиа Лорке» Ноно. Булез пытался достичь «нулевого» уровня экспрессии, создав музыку, не несущую в себе никаких внемузыкальных идей; Штокхаузен привнес в абстрактную «геометрическую» форму идею увлекательной игры; Ноно же сознательно поставил авангардную стилистику на службу откровенно выраженной гражданской и человеческой позиции. Трагическая судьба Лорки, великого поэта, убитого в начале франкистского переворота в Испании, вдохновила Ноно на триптих, в котором он использовал средства, которых другие авангардисты всячески избегали. В первой части триптиха Ноно процитировал (в партии ударных инструментов) гимн итальянских коммунистов – «Красное знамя», а финал третьей части, «Романс о гражданской жандармерии», завершил тихим, чисто диатоническим, напевом. 

Карен Хачатурян, Луиджи Ноно, Юрий Любимов, Нурия Шёнберг, Серена и Сильвия Ноно, Юлия Добровольская. Москва, 1973

Споры и критику с разных сторон вызвало ключевое произведение Ноно – кантата «Прерванная песня» (1956), написанная в строгой сериальной технике на тексты предсмертных писем узников фашистских тюрем и концлагерей. Эти душераздирающие тексты Ноно подверг разным трансформациям: раскладывал их на слоги и фонемы, использовал в контрапункте друг с другом, подсвечивал отдельными звуками оркестровых инструментов. Ни Булез, ни Штокхаузен замысла Ноно не поняли, что привело к разрыву давних дружеских отношений. При этом Булез предпринял нечто подобное в своем «Молотке без мастера», а Штокхаузен – в «Песне отроков». Естественно, в Советском союзе «Прерванная песня», несмотря на ее антифашистский посыл, не имела никаких шансов на исполнение. Сейчас она воспринимается как классика музыки XX века, но в нашей стране по-прежнему практически не звучит. 

В 1960-х годах Ноно отошел от чистого сериализма и начал экспериментировать с сочетаниями живых и электронных звучаний. Он использовал в своих композициях аудиозаписи исторических документов (например, речей кубинского лидера Фиделя Кастро), воспевая революционеров и мучеников тирании. 

Эти опыты привели к появлению крупнейшего произведения Ноно центрального периода его творчества – оперы «Под жарким солнцем любви» (1974–1975). Заказ поступил от театра «Ла Скала», и Ноно захотел, чтобы спектакль непременно поставил Юрий Петрович Любимов – создатель и главный режиссер московского Театра на Таганке. Огромных усилий Ноно стоило сломить упорство советского Министерства культуры, не желавшего выпускать за границу режиссера-нонконформиста. Любимов олицетворял тот тип театра, о котором много лет мечтал сам Ноно: публицистического искусства, развивающего традиции Маяковского и Брехта и разрушающего стереотипы театра-храма, активно воздействующего на публику и несущего в себе общественно важные идеи. 

Эдисон Денисов и Луиджи Ноно. Москва, 1968

Тема оперы — женщина и революция. В бессюжетной двухактной композиции проходит вереница образов девушек и женщин из разных стран и эпох, участвовавших в революциях и зачастую погибавших в этой борьбе. Наряду с исторически реальными персонажами (Таня Бунке – сподвижница Че Гевары, Луиза Мишель – деятельница Парижской коммуны, кубинские революционерки) представлены и вымышленные героини, в том числе Мать из одноименной повести Максима Горького. Согласно объяснениям Ноно, революция – это рождение нового мира, и, как всякие роды, сопровождается кровью и мучениями, однако остановить наступление будущего невозможно, и самопожертвование «матерей революции» — акт высшей любви. Не изменяя авангардному музыкальному языку, Ноно использует здесь узнаваемые цитаты из символически нагруженных песен: «Интернационала», «Красного знамени», «Дубинушки», кубинского «Гимна 26 июля». Так он воплощает идею «ангажированного искусства», понимаемого как личный отклик художника на животрепещущие проблемы современности. 

С начала 1980-х годов Ноно, не изменяя своим принципам, продолжает искать новые средства выразительности, обращаясь к исследованию звука и тишины. Он подолгу работает в акустической лаборатории города Фрайбурга на юге Германии, экспериментируя с преобразованиями живых и электронных звучаний. Его занимает идея «подвижного звука», свободного от оков темперации и распространяемого в пространстве нелинейным способом, возникающего из тишины и уходящего в тишину. За этими поисками стояла не просто эстетика, а философия бытия, которую требовалось осмыслить и сформулировать. Ноно нашел друга и единомышленника в лице философа Массимо Каччари. 

Так возникло еще одно итоговое произведение весьма необычного жанра – «Прометей, трагедия слышания» (1984–1985). Каччари создал компиляцию текстов на разных языках – Эсхила, Вальтера Беньямина, Фридриха Гёльдерлина. Образ титана Прометея, прикованного к скале за непокорность Зевсу, трактуется здесь не в тираноборческом, а в созерцательном ключе. При первых исполнениях этой своеобразной оперы-мистерии публика располагалась внутри конструкции, созданной архитектором Ренцо Пиано и напоминавшей то ли огромный деревянный корабль-ковчег, то ли колоссальную лютню. Исполнители же, инструменталисты и певцы, находились над публикой по обе стороны «корабля», а электроника помогала звуку путешествовать по обширному пространству. 

Большинство поздних произведений Ноно либо предвосхищают «Прометея», либо исходят от него, будто искры, разлетающиеся от огня. В этом образе композитор запечатлел свой собственный творческий дух, ибо само имя Прометей по-гречески означает «Провидец» или «Видящий вдаль». 

Музыка Ноно непроста для восприятия и не рассчитана на коммерческий успех. Он никогда не был шоуменом, не окружал себя толпой верных адептов, не пытался быть мэтром и гуру для молодых композиторов. В последние годы жизни он нередко ощущал себя одиноким и недопонятым. Но сделанное им рассчитано на долгую жизнь и неспешное осмысление. 

Профессор Л.В. Кириллина, кафедра истории зарубежной музыки

Ожившая легенда

№9 (1401), декабрь 2023 года

Проект «Возрождение русской оперной классики» стал доброй традицией в жизни Московской консерватории. Идея его создания возникла в период подготовки к празднованию 150-летия нашей Alma Mater. Первым сочинением, возвращенным на сцену в 2016 году, стала мелодрама Евстигнея Фомина «Орфей» – уникальное произведение конца XVIII столетия. В 2017 году была воссоздана опера Дмитрия Бортнянского «Сын-соперник». Одноактная опера Антона Аренского «Рафаэль» продолжила проект в 2019 году. Следующим спектаклем был «Карантин» – комическая опера-водевиль Алексея Верстовского. В 2022 году навстречу 150-летию со дня рождения Сергея Рахманинова публике была показана опера «Скупой рыцарь». В этому году перед слушателями открылся простор подлинной русской древности и средневековой архаики: 7 ноября на сцене Большого зала, спустя более века после премьеры в 1903 году, ожила древняя легенда о чудесном спасении града Китежа от нашествия войска Батыева – прозвучала воссозданная опера Сергея Никифоровича Василенко «Сказание о граде Великом Китеже и тихом озере Светояре».

Забытое однажды и, как оказалось, надолго, произведение вновь зазвучало там, где оно родилось 120 лет назад – в стенах Московской консерватории. Творческий коллектив под руководством заведующей кафедрой истории русской музыки, профессора И.А. Скворцовой, автора и вдохновителя проекта «Возрождение русской оперной классики», дал новую жизнь сочинению С.Н. Василенко.

Сергей Никифорович Василенко (1872–1956) принадлежит к числу русских композиторов, которые, переступив исторический рубеж 1917 года, продолжили профессиональную деятельность на родине. Талантливый композитор, дирижёр и педагог, окончивший юридический факультет Московского университета в 1895 году, а затем Московскую консерваторию по классу свободного сочинения профессора М.М. Ипполитова-Иванова, Василенко впитал лучшие традиции нашей Alma mater от своих учителей – С.И. Танеева (контрапункт, фуга, форма), В.И. Сафонова (хоровой класс), Д.С. Шора (фортепиано), И.Н. Протопопова и Г.Э. Конюса (теоретические предметы). Сразу после окончания консерватории Василенко стал дирижером в Московской частной русской опере С.И. Мамонтова, в 1907–1917 годах дирижировал серией учрежденных им общедоступных Исторических концертов, с 1925 года принимал участие в организации радиотрансляций классической музыки, был одним из инициаторов создания музыкальной редакции Всесоюзного радио.

Василенко проявлял большой интерес к русской народной песне, к поэзии Древней Руси. Под руководством С.В. Смоленского изучал крюковое пение, образцы которого использовал в Первой симфонии (1906). В предреволюционные годы увлекся эстетикой символизма (симфоническая поэма «Сад смерти» по О. Уайльду, 1908). Затем испытал влияние импрессионизма, стремился к красочности и изысканности оркестрового стиля. Особое место в творчестве Василенко принадлежало образам Востока («Экзотическая сюита» для голоса и инструментального ансамбля, 1916). С.Н. Василенко – автор 9 опер, 8 балетов, 5 симфоний, хоровых и камерных произведений, а также обработок русских народных песен. Писал он и сочинения для духовых и народных инструментов, более 200 романсов, музыку к драматическим спектаклям, а в возрасте 60 лет начал сочинять музыку к «первенцам» советской киноиндустрии.

Круг общения Василенко был обширен: ему довелось лично знать П.И. Чайковского, Ф.И. Шаляпина, Л.В. Собинова, А.К. Лядова, А.К. Глазунова…  Около 50 лет жизни Сергей Никифорович отдал Московской консерватории. С 1906 года он преподавал композицию и инструментовку, а с 1932 и до кончины в 1956 году – заведовал кафедрой инструментовки. В 1943 году, в разгар Великой Отечественной войны, ему была присуждена ученая степень доктора искусствоведения. Среди учеников Василенко – А.В. Александров, А.Н. Александров, Н.С. Голованов, Д.Р. Рогаль-Левицкий, Н.А. Рославец, Ю.А. Фортунатов, П.Г. Чесноков, А.И. Хачатурян.

Музыкально-драматический эпизод «Сказание о граде Великом Китеже и тихом озере Светояре» стал дипломной работой Василенко – студента Московской консерватории, которую он окончил с малой Золотой медалью. Для молодого композитора это был первый серьезный опыт написания крупного полотна. Изначально автор трактовал произведение как кантату, исключающую сценичность. После исполнения на выпускном экзамене комиссия во главе с В.И. Сафоновым способствовала ее премьере в будущем концертном сезоне, и 16 февраля 1902 года «Китеж» Василенко был впервые исполнен в концерте Симфонического собрания Московского отделения Императорского русского музыкального общества. 

Фёдор Костюков, Екатерина Лукаш, Михаил Басенко, Наталья Петрожицкая

Публика тепло приняла сочинение, газеты подчеркивали его музыкальные достоинства, о недавнем студенте писали, как о «Новом русском композиторе» – таково название статьи Н.Д. Кашкина, опубликованной в «Московских ведомостях»: «Мы не можем перечислять в музыке отдельные замечательные эпизоды, ибо их слишком много, но скажем вообще, что Сказание г. Василенко представляет настолько выдающееся явление в русской музыкальной литературе, что оно одно может дать имя своему автору». В других рецензиях был отмечен новый прием, который редко применялся в то время – пение хора с закрытым ртом. Так, Ю. Энгель в «Русских Ведомостях» за 18 февраля 1902 года написал, что Василенко «несомненно обладает даром изобретения: мелодии его красивы и певучи; гармонии не шаблонны; на всей музыке, по общему характеру примыкающей к Бородину и позднему Римскому-Корсакову, лежит отпечаток свежести и благозвучия […] Автор в конце заставил […] всю хоровую массу петь с закрытым ртом, что дает своеобразное и сильное впечатление,  точно пение доносится действительно откуда-то из-под воды». Эта премьера сделала Сергея Василенко знаменитым, и он принимает предложение М.М. Ипполитова-Иванова преобразовать кантату в одноактную оперу. 

Заметим, что «Китеж» Василенко появился на пять лет раньше, чем хорошо известная всем опера Н.А. Римского-Корсакова на тот же сюжет. И концепции двух «Китежей» различны. Как известно, древняя китежская легенда восходит к XIII веку и имеет три варианта окончания: первый – средневековый град опускается на дно озера Светояр (именно этот финал выбирает Василенко); второй – град становится невидим, но стоит на земле, отражаясь в озере; и третий вариант – он поднимается на небо, охваченный золотистым свечением (так у Римского-Корсакова). В отличие от Василенко, Римский-Корсаков пишет лирическое полотно с элементами эпоса, героических и фантастических мотивов народной поэзии. В его опере переплелись две легенды: о невидимом граде Китеже и о святой Февронии Муромской. Замысел оперы композитор вынашивал долго, но из-за отсутствия либретто, которое бы его устроило, дальше набросков дело не шло. В сентябре 1902 года, Николай Андреевич даже послал стих своему либреттисту В.И. Бельскому: «Вянет лист,/Проходит лето,/Мокрый снег валится,/От неймения либретто/Можно застрелиться». Пройдет еще год, прежде чем летом 1903-го Римский-Корсаков начнет активно работать над созданием музыки.

Тем временем, в течение 1902 года, шла подготовка нового представления «Китежа» Василенко: Н.А. Маныкин-Невструев расширил изначальный текст либретто, партитура была дополнена новыми ансамблевыми номерами и антрактом ко второй картине. Аполлинарий Васнецов, младший брат знаменитого художника В.М. Васнецова, создал эскизы декораций к опере. В период сочинения «Китежа» Василенко погружается в изучение древнерусской певческой культуры под руководством профессора Московской консерватории и директора Синодального училища церковного пения С.В. Смоленского.

Профессор И.А. Скворцова

Премьера оперы состоялась 22 марта 1903 года в московском Солодовниковском театре под управлением М.М. Ипполитова-Иванова. Партитура не была издана, и с того момента более столетия опера не видела театральной сцены. В чем же причина такого забвения? Возможно, в том, что требования оперного сценического жанра обычно предполагают более динамичное развитие сюжета, а в интерпретации Василенко активное действие, столкновение и борьба отсутствуют. Музыкальные достоинства сочинения и великолепные декорации А.М. Васнецова отсылают к русской былинности, с ее неспешностью и красочностью. В первой картине повествование ведет Гусляр, нет драматического столкновения русских с татарами, враги показаны обобщенно, что вполне в русле традиции, идущей от опер Глинки. 

Органично вписываясь в контекст русской оперной классики XIX века, опера Василенко воплощает сюжет, интерес к которому возрос в контексте Серебряного века. Нынешнее концертное исполнение оперы в Большом зале сопровождалось видеорядом в духе китежской легенды: на огромном экране, размещенном над сценой, проплывала череда картин и образов Древней Руси, ее природы, Китеж-града, волшебного озера Светояра и Батыева войска.

Камерный оркестр МГК под управлением Народного артиста России, доцента Ф.П. Коробова и Камерный хор Московской консерватории под руководством профессора А.В. Соловьёва – неизменные участники проекта «Возрождение русской оперной классики». Оркестровое письмо Василенко тяготеет к традициям Римского-Корсакова, в вокальных партиях и хоровой строке очевидно присутствие кантатного стиля Танеева. И в трактовке дирижера-постановщика музыка Василенко сохранила те музыкальные достоинства, о которых писали рецензенты столетие назад: баланс кантатно-эпического и оперно-диалогичного компонентов. Яркие симфонические эпизоды рисовали пейзаж озера Светлояр в 1-й картине, городскую площадь в ночном свете, стремительное появление татар и исчезновение Китежа во 2-й картине, образ спасенного города в 3-й картине. Хору были поручены сразу три характеристики – иноки, народ Великого Китежа и «татары войска Батыева». Каждая из них, рельефно написанная Сергеем Василенко, была так же искусно исполнена. Убедительно прозвучали интонации знаменного распева в хоре иноков и марш вражеского войска с интересным использованием пентатоники. Для характеристики татар композитором была избрана подлинная татарская мелодия.

Солисты Большого театра и Музыкального театра им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко ярко представили главных героев. Рассказ седого Гусляра о городе «в глуби Светояровой» и его жителях, вспоминающих «о чуде неслыханном, что над Китежем градом случилося» в исполнении Владимира Дмитруказахватил внимание зала. Ярко и искусно прозвучали партии князя Георгия (Федор Костюков), княгини Евпраксии (Екатерина Лукаш), княжича (Михаил Басенко) и его невесты (Наталья Петрожицкая). 

Так, на крепкой и почвенной основе в начале XX века, с его ожиданием катастрофы и переплетением множества новых тенденций в искусстве, возникло яркое патриотическое произведение. Возрождением «Сказания о граде Великом Китеже и тихом озере Светояре» в 2023 году творческий коллектив отдал дань памяти талантливому композитору, профессору Сергею Никифоровичу Василенко, посвятившему Московской консерватории всю свою жизнь.

Доцент Н.В. Гурьева, студент НКФ Виктор Череповский

Фото Дениса Рылова

«СтудияФест»

Авторы :

№8 (1400), ноябрь 2023 года

Ансамбль «Студия новой музыки» с 18 сентября по 30 октября отмечал свой тридцатилетний юбилей фестивалем «СтудияФест». Тридцать лет – это большой возраст, если речь идет об ансамбле современной музыки, и не очень большой, если сравнивать, например, с симфоническими оркестрами. Тридцатилетняя панорама творчества – это много: 6 концертов, 1 выставка, 3 дня научных чтений, презентация книги Юрия Каспарова и проекта хрестоматий по новым инструментальным техникам. Фестиваль не только подвел итоги деятельности такого крупного, системообразующего явления как «Студия новой музыки», но и указал на пути будущего искусства, преодолевающего ситуацию постмодерна, в которой мы пребывали десятилетиями.

Первый концерт фестиваля прошел 18 сентября и носил название «Студия 3.0», где «3.0» – это игра цифр, указывающая, с одной стороны, на количество прошедших лет, а с другой – говорит об устремленности ансамбля в будущее, по аналогии с Web 3.0, где мы все будем жить. В центре программы концерта оказалось исполнение цикла Фаусто Ромителли Professor Bad Trip. Сочинение Ромителли, навеянное психоделическими мотивами рок-музыки и открытиями французских авторов «спектральной школы» повествует об экзистенциальном одиночестве человека в информационную эпоху. Но ведь тогда, когда произведение было написано, она еще только начиналась! Дребезжание одинокой электрогитары (Алексей Чичилин), теснимой со всех сторон ревущими духовыми, поражало слушателей реалистичностью ощущений человека времени цифры. А вот сочинения Алексея Сюмака, Владимира Дешевова, Александра Мосолова, Юрия Каспарова говорили со зрителем об индустриальном веке соответствующим языком. У Сюмака и Каспарова, например, центральным образом пьес (Parovoz structures, «Посвящение Онеггеру») становится паровоз, у Дешевова – рельсы, у Мосолова – завод.

Иные произведения программы, такие как пьеса Владимира Тарнопольского (композитора, стоявшего у основания ансамбля и его бессменного художественного руководителя на протяжении 29 лет из 30) и уже упомянутого Ромителли, слушались совершенно по-другому. Как это часто бывает у Тарнопольского, «Форсаж» (Overdrive) – это очень динамичная ансамблевая пьеса. Тема звуковой перегрузки в звуке хорошо изучена исследователями сонористики, однако у Тарнопольского это исследование осуществлено чисто драматургическими методами. С одной стороны, этот тип развития сейчас кажется рудиментом из времен Малера и Шостаковича, с другой стороны, благодаря выдающемуся таланту композитора, он обретает второе дыхание в абсолютно современных средствах: это и электронное звучание, и новые исполнительские приемы (которыми, впрочем, автор не злоупотребляет).

Концерт 9 октября в Большом зале консерватории был чисто историческим, посвященным сотрудничеству Пикассо с дягилевской антрепризой. На концерте прозвучала музыка трех из семи балетов, в создании которых принимал участие великий испанский художник: «Парад» Эрика Сати, «Треуголка» Мануэля де Фалья и «Голубой экспресс» Дариуса Мийо. Синхронно с исполнением на экране воспроизводился видеоряд с реконструкциями спектаклей «Русских сезонов» в исполнении трупп Europa Danse и Grand Opera. Многие слушатели недоумевали: как же удается синхронизировать звучание музыки с движением на экране? Но на то и опыт главного дирижера «Студии новой музыки» Игоря Дронова, который проработал многие годы в ГАБТ, дирижируя балетными спектаклями.

Строго говоря, юбилейный год ансамбль отметил не только фестивалем. За рамками «СтудияФест» остались концерты двух больших циклов «Путеводитель по ансамблю» и «История открытий/Открытия истории». Последний был посвящен композиторам, музыку которых открывала «Студия новой музыки», в их числе такие авторы современной сцены, как Горлинский, Сюмак, Курляндский и другие. Кульминация этого концертного исследования«Студии новой музыки» пришлась на 19 октября: в зале имени Чайковского состоялась российская премьера сочинения Лучано Берио Laborinthus II и мировая премьера сочинения Горлинского «За светом».

Произведение Лучано Берио манифестирует окружающий мир как просвеченный культурой насквозь. В этой реальности мы прилично существовали, и из нее мы оказались не так давно выброшены. Век постмодерна прошел, и Горлинский, написав пьесу «За светом» в 2023 году, манифестирует уже другое: возврат в первобытное состояние, когда надо ходить за светом и перебирать все инструменты оркестра на ощупь. Да, это преувеличение, но на фоне пьесы Горлинского Беат Фуррер с его просчитанной партитурой Nuun выглядел совсем чужеродным элементом, несмотря на блестящее исполнение (солистки Мона Хаба и Наталия Черкасова, фортепиано). 

Самое интересное с исторической и теоретической точки зрения организаторы фестиваля представили на выставке и конференциях. Куратором выставки «Студия / Объекты» в арт-пространстве «Артемьев» выступила виолончелистка и администратор «Студии новой музыки» Александра Кобрина. На выставке можно было увидеть различные объекты, антимузыкальность которых бросалась в глаза: пила, мегафон, пишущая машинка. Такая «материя жизни», ставшая впоследствии частью музыкального инструментария, соседствовала с объектами из сценических постановок «Студии»: «Красной шапочки» Апергиса, Boxing Pushkin – совместного музыкального произведения, поставленного в Амстердаме в 2007 году композиторами-участниками группы «Пластики звука». А на стенах арт-пространства разместились фото из богатейшего медиа-архива Студии, запечатлевшие ее солистов в разных составах и на многочисленных концертных площадках по всему миру…

Другим важным аспектом фестивальной программы стали научные чтения «Студия/Science», которые прошли «в трех отделениях», объединив научно-теоретическую («30 лет новой музыки»), научно-практическую («Новые инструментальные практики») и молодежную («Это будет завтра») секции. Музыковеды из России и Белоруссии выступили с докладами о композиторах, которые являются авторами-резидентами «Студии новой музыки», об истории ансамбля и о других аспектах, связанных с практическим воплощением идей современной музыки в современной концертной жизни.

Финальным аккордом фестиваля стал концерт «Вечное возвращение», состоявшийся в Доме культуры «ГЭС-2». Здесь сошлись воедино все линии, которые связывали концепцию фестиваля, контраст между ушедшей эпохой постмодерна и новой, которой мы еще не придумали название. Концерт был приурочен к еще одному юбилею года – 80-летию композитора Фараджа Караева. По замыслу автора вместе с его собственными сочинениями на концерте прозвучали произведения его коллег по АСМ-2: Виктора Екимовского, Александра Раскатова и Владимира Тарнопольского. Пьеса В. Екимовского «Вечное возвращение», давшая название концерту, была исполнена солистом студии Никитой Агафоновым и прозвучала три раза с небольшими сокращениями. Альтовая пьеса В. Тарнопольского «100 дней одиночества», написанная в ковидный 2020 год, произвела особое впечатление: она завершается уходом музыканта (Станислав Малышев, альт) со сцены под ритмичный стук каблуков, в который трансформировалось инструментальное pizzicato.

Кульминацией концерта стал последний номер, монодрама Ф. Караева «Посторонний» для солиста, хора и ансамбля. Участие в ее исполнении принял тенор Юрий Ростоцкий и Камерный хор Московской консерватории. Обрывающийся на полуслове текст, парадоксальная логика изложения музыкальных и драматических мыслей, тонко выявленных режиссером Алексеем Смирновым, не только продемонстрировали почерк мастера, но и подытожили весь фестиваль. «Посторонний» прозвучал подобно плачу по временам покрова абсурда, стремительно облетающего с «тела» культуры, но и одновременно – с тайной радостью погружения в уже новый, еще неведомый нам порядок вещей.

Концертный зал им. П.И. Чайковского. «Другое пространство. Continuo». Фото: Московская филармония

Доцент Ф.М. Софронов

АРХИВУ МОСКОВСКОЙ КОНСЕРВАТОРИИ 90 ЛЕТ!

Авторы :

№7 (1399), октябрь 2023 года

Архив Московской консерватории в 2023 году отмечает свое 90-летие. Точкой отсчета принято считать 1933 год, когда в штатное расписание Консерватории была введена ставка архивариуса. Но история Архива началась задолго до этого, ведь с первого дня существования Консерватории в делопроизводстве стали образовываться и откладываться различные документы.

Диплом первой выпускницы Московской консерватории Н.А. Муромцевой. 1871 год

В первые десятилетия за сохранность документов отвечала канцелярия, но накоплениям требовалась научно-техническая обработка. Первым человеком, внесшим заметный вклад в дело упорядочения Архива, стала архивариус В.Н. Тарасова, позднее переведенная на должность заведующей. Перед ней стояла очень непростая задача выстраивания работы вновь созданного отдела и первичной обработки документов. С большой отдачей она проработала в архиве с 1933 по 1959 год. Начатое дело продолжили заведующие Архивом: Л.П. Ларионова, Н.В. Акопова-Мурадова, Н.А. Иванова, И.В. Калмыкова, И.В. Глазнева, В.С. Белозерцев, Л.Н. Старостина.

Сейчас в Архиве насчитывается около 50000 единиц хранения, и это лишь небольшая часть богатейшей истории Консерватории. К сожалению, далеко не все исторические документы сохранились в нашем Архиве. В 30-х годах XX века началось движение по интегрированию документов ведомственных архивов в государственные; тогда часть документов Консерватории была передана на постоянное хранение в Центроархив, а в 1944 году внушительное количество документов поступило в ЦГЛА (Центральный государственный литературный архив, позднее РГАЛИ — Российский государственный архив литературы и искусства). В РГАЛИ находятся 2 фонда Московской консерватории: дореволюционный (2099) и фонд после 1917 года (658). При создании Музея имени Н.Г. Рубинштейна, значительная часть документов Архива пополнила его коллекцию. В 1943 году Музей отделился в самостоятельную государственную структуру – Государственный центральный Музей им. М.И. Глинки (позднее Всероссийское музейное объединение музыкальной культуры имени М.И. Глинки, затем Российский национальный Музей Музыки). Документы Архива вместе с материалами Музея оказались в его составе, и сейчас, находясь в Музее музыки, они насчитывают 6 фондов. Кроме того, некоторые из наших документов были переданы в ГАРФ (Государственный архив РФ), ЦГА Москвы (Центральный государственный архив Москвы) и РГИА (Российский государственный исторический архив). К сожалению, произошла утрата ряда документов во время пожара 2002 года.

Серьезным испытанием для Архива стал его переезд в 2005 году из Первого учебного корпуса, где он располагался в цокольном этаже, в помещение Большого зала. В этот поворотный момент весь состав сотрудников Архива уволился. Меня пригласили на должность заведующей в ноябре этого года, тогда же приступил к работе и новый штат сотрудников. Нам предстояла непростая задача добиться ремонта нового помещения, закупки и монтажа металлических стеллажей для размещения документов. Также требовалось укомплектовать архив металлическими картотечными шкафами, картонными коробами для горизонтального хранения документов, приборами климат-контроля для измерения температуры и влажности помещения. Весь огромный по объему архив, включающий в себя 630 больших картонных коробок, был рассредоточен в нескольких комнатах корпуса Большого зала. Нам предстояло реализовать перемещение всего массива документов в новое помещение Архива. Эта работа представляла собой длинную цепочку целого ряда организационных и такелажных действий. Весь документальный фонд был размещен в структурно-хронологическом порядке.

Наше подразделение является ведомственным архивом и источником комплектования РГАЛИ. Уже в марте 2007 года сотрудники Центра комплектования РГАЛИ посетили Архив Московской консерватории после его переезда. По итогам этого посещения директор РГАЛИ Т.М. Горяева составила письмо на имя ректора профессора Т.А. Алиханова, где указала: «В настоящее время архив Консерватории стал одним из лучших ведомственных архивов, с которыми работает РГАЛИ». А спустя всего лишь 3 года нам предстоял еще один переезд в другое, более просторное помещение, которое находилось также в корпусе Большого зала. Такое частое перемещение архива является чрезвычайно редким явлением; обычно местоположение архива остается неизменным в течение долгих лет. Нам опять предстоял ремонт, сбор и распаковка целого комплекса документов, расстановка его на стеллажах, с той лишь разницей, что на этот раз коробки компоновали мы сами, и у нас был заранее составлен четкий план сбора и последующего размещения документов по структурно-хронологическому принципу. Это позволило нам не прекращать работу по ответам на запросы граждан.

По штатному расписанию Консерватории Архив относится к административно-управленческому персоналу. Несмотря на это, команда сотрудников, которая сейчас работает в Архиве, способна выполнять задачи научного подразделения. В своей научной деятельности Архив работает в нескольких направлениях: написание статей, создание историко-документальных выставок, участие в научных конференциях и сотрудничество с различными организациями по научным и научно-методическим вопросам.

В Архиве работают как профессиональные историки-архивисты, выпускники Историко-архивного института РГГУ, так и профессиональные музыканты, окончившие Консерваторию. Такой симбиоз как нельзя лучше помогает наладить работу, в которой сочетаются документоведческая точность и дотошность, а также вдохновение чуткой души музыканта и тонкий художественный вкус.

Одним из особенно важных направлений работы Архива является создание электронного архива. Его наличие позволяет нам адаптироваться к современным реалиям использования документов, у нас идет удобный всем обмен электронными документами внутри структур Консерватории, и не только. Мы помогли многим сообществам, которые к нам обращаются за копиями документов: всемирная организация «Клейм Конференс» для получения пособий выпускникам Консерватории – жертвам нацизма; Большая Российская энциклопедия; издательство «Планета музыки»; акционерное общество «Мелодия». Кроме того, у Архива есть целый фронт работ, связанный с выполнением платных услуг, под которые подпадают некоторые виды социально-правовых, генеалогических запросов и заявок на сканирование документов. Пользователям нашего читального зала предоставляется возможность заказать цифровые версии архивных документов для текущей работы над статьями, диссертациями, а также для иллюстраций при издании книг.

В своих основных профессиональных функциях Архив похож на многие другие. Но в вопросах творчества наш Архив уникален, это происходит благодаря неповторимой документальной истории Консерватории. Наша научная и творческая работа идет параллельно с архивной. Мы увлеченно изучаем как историю самого Архива, так и историю Консерватории, ее студентов и профессоров. За период с 2008 года сотрудниками Архива написано около 100 статей по истории Консерватории, которые опубликованы в научных сборниках, журналах и энциклопедиях не только Москвы, но и других городов. Большую работу Архив проделал для подготовки к изданию таких публикаций, как Биографический энциклопедический словарь «Московская консерватории. От истоков до наших дней 1866-2006»«Московская консерватория в прошлом, настоящем и будущем», 2018; энциклопедия «Московская консерватория 1866–2016» в 2-х томах; «Концертмейстеры Московской консерватории», 2019, в 2-х томах и других.

Интересным стал факт публикации сборника «Наталья Андреевна Любомудрова. Избранные статьи и методические работы. Воспоминания коллег и учеников». Издание этого сборника, где я была одним из составителей, стало возможным благодаря тому, что мною было найдено замечательное машинописное учебное пособие Н.А. Любомудровой «О подготовке педагога-пианиста» среди документов административно-хозяйственного отдела Консерватории, подготовленных на уничтожение!

С результатами своих исследований сотрудники выступали на таких форумах, как Первая международная научная конференция «Наследие: русская музыка – мировая культура» (Москва, 2008), Международная научно-практическая конференция «Дирижерско-хоровое образование: традиции и современность» (Москва, 2011), II Международный конгресс Московской консерватории памяти Народного артиста СССР, профессора А.В. Свешникова (Москва, 2015), Международная научная конференция «Московская консерватория в прошлом, настоящем и будущем» (Москва, 2016), Международный семинар «История музыкального образования: новые исследования» в рамках шестой сессии Научного совета по проблемам истории музыкального образования (Воткинск, 2017); Международная конференция «Московский Синодальный хор: 300 лет служения Церкви, Отечеству и русской культуре» (Москва, 2021), I Всероссийская научно-практическая конференция «Жирковские чтения» (Якутск, 2021) и Международная конференции «Жирковские чтения» (Якутск, 2022 г), Международная конференция «Музыкальное образование в России: сохранение традиций и развитие новых стратегий» (Саратов, 2022) и другие.

Доброй традицией стала установка историко-документальных выставок Архива в разных залах Московской консерватории. Выставки являются яркой показательной частью нашей работы. Первые две выставки были созданы в 2008 году, одна из них посвящена дореволюционным студентам, а вторая – памяти главного казначея Московской консерватории В.С. Бояринова и инспектора Консерватории А.Н. Губерт. С того времени Архивом создано свыше шестидесяти тематических выставок. В основном они были установлены к юбилейным датам наших профессоров, среди которых: М.М. Ипполитов-Иванов, В.И. Сафонов, А.Б. Гольденвейзер, А.И. Зилоти, К.Н. Игумнов, Д.Д. Шостакович, Н.Я. Мясковский, А.Ф. Гедике, Г.Г. Нейгауз, Я.В. Флиер, М.В. Юдина, Т.П. Николаева, Ю.Н. Холопов, В.К. Мержанов, Р.Р. Давидян, К.С. Сараджев, В.Г. Дулова, Г.В. Крауклис, К.П. Кондрашин и многие другие известные музыканты.

Мы откликаемся и на общественно значимые события. Например, Архивом создано две выставки по военной тематике, они были посвящены участию студентов и педагогов Московской консерватории в Первой мировой войне и в Великой Отечественной войне. На выставке ко Дню России под названием «Великая страна – великие люди» большую часть экспозиции мы посвятили памяти В.М. Халилова – художественного руководителя Академического ансамбля песни и пляски Российской армии имени А.В. Александрова, что нашло живой отклик у многих ее посетителей. Еще один яркий пример: в 2021 году была установлена выставка «Мамонтовский кружок. Творчество во имя Отечества», посвященная 180-летнему юбилею со дня рождения С.И. Мамонтова, крупного мецената и создателя Московской русской частной оперы. В своей многогранной деятельности Савва Иванович напрямую не был связан с Московской консерваторией, хотя здесь он черпал талантливых исполнителей для своего детища – частной оперы. На праздновании этого юбилея была вручена медаль первому лауреату премии «Меценат года» имени С.И. Мамонтова, которая направлена на возрождение и развитие традиций меценатства, благотворительности и спонсорской деятельности. С этого момента в Московской консерватории ежегодно происходит награждение лауреатов этой премии.

Часто наши выставки приурочены к всероссийским и международным научным конференциям, фестивалям. Например, выставка к 100-летию со дня рождения К.Б. Птицы проводилась в рамках международной научно-практической конференции дирижерско-хоровой кафедры; выставка «Борис Тевлин. Формула успеха. К 90-летию со дня рождения» – в рамках XVII Осеннего хорового фестиваля имени профессора Б.Г. Тевлина; выставка, посвящённая 90-летнему юбилею Р.К. Щедрина – в рамках Всероссийского музыкального фестиваля «Запечатленный ангел» и т.д.

Интересной и плодотворной была работа по созданию совместных выставок Архива МГК с Российским национальным Музеем Музыки (Выставка «Вселенная Альфреда Шнитке» к 80-летию композитора в Энгельсе, Саратове и Москве); с Музыкально-педагогическим институтом имени М.М. Ипполитова-Иванова (посвящённая 150-летию со дня рождения); с Центром вокального искусства имени В. Левко (посвящённая Валентине Левко в рамках VII Международного вокального конкурса ее имени); с Мемориальным музеем А.Н. Скрябина (выставка «Владимир Софроницкий – поэт фортепиано. К 120-летию со дня рождения»); с Фондом семьи Ф.И. Стравинского и его сыновей (Выставка «Игорь Федорович Стравинский: жизнь и творчество. К 140-летию со дня рождения и 60-летию визита в СССР»); со Старочеркасским историко-архитектурным музеем-заповедником (выставка «Казаки-Некрасовцы. К 60-летию возвращения на Родину и 40-летию выступления в Малом зале Московской консерватории»); с Художественно-историческим центром «Сириус» города Сочи (выставка, посвящённая А.И. Хачатуряну). Архив поддерживает творческие связи с Военным институтом Военного университета: Архив установил передвижную выставку памяти профессора Б.А. Дикова и участвовал в торжественном открытии мемориального класса в его честь; совместно с Институтом была установлена выставка памяти профессора В.А. Блажевича в честь открытия его мемориального класса; также мы помогли материалами в создании класса-музея имени профессора Г.А. Орвида.

Концепцию каждой выставки мы тщательно продумываем, стараемся, чтобы она была цельной и в то же время доступной для восприятия. С каждым разом содержание наших выставок становится все глубже и информативнее, а художественное оформление – профессиональнее. Отобранные экспонаты мы сканируем в высоком разрешении, при необходимости ретушируем изображения в графическом редакторе, стараемся повысить разборчивость текста на старинных документах, а также улучшить качество и четкость фотографий. При подготовке проекта мы используем специализированные программы для создания цифровых макетов. Это позволяет нам заранее точно выверить размеры и подобрать наилучшую компоновку экспонатов. По завершении макетирования все экспонаты проходят дополнительный этап обработки и цветокоррекции, после чего направляются на печать в типографию. На всех этапах подготовки идет коллективная работа над художественным оформлением выставки. Мы горячо обсуждаем наполнение стендов, афиш и роллапов, выбираем стиль оформления, цветовую гамму и шрифты. Здесь необходима не только техническая подкованность, но и особое чутье, художественный вкус и включение творческого воображения.

Если первые выставки создавались преимущественно на материалах Архива, то позднее мы стали расширять круг поиска и исследования: стали привлекать коллег и учеников юбиляров, их родственников, которые с радостью делились с нами сохранившимися документами и фотографиями из своих семейных архивов. Интересные находки ждали нас и на полках государственных архивов, в коллекциях музеев и библиотек. При использовании партнерских архивных материалов мы всегда помещаем благодарности на выставке и отмечаем их участие в этикетаже.

Щедро делясь накопленным опытом по созданию и установке выставок, мы помогаем организациям в наполнении музеев, архивов и выставок на основе собрания документов нашего Архива. С такими просьбами к нам обращаются различные заведения: Государственный архив документов новейшей истории Калужской области; Школьный музей ДМШ №1 им. Т.П. Николаевой г. Брянска; Академический музыкальный колледж при МГК; Музей истории культуры городского поселения в Малаховке Московской области; Тверской музыкальный колледж; Школьный музей ДМШ № 1 им. С.И. Танеева.

Архив принимал участие в таких интересных проектах, как съемка документального фильма о Московской консерватории (канал ТВЦ), фильма о профессоре Ю.Н. Холопове (Свердловская киностудия). Наши материалы представляют уникальную возможность приобщиться к славной истории Московской консерватории, а вдумчивый ученый всегда найдет нишу для научного исследования в нашем Архиве.

Р.Н. Трушкова, заведующая Архивом Московской консерватории

Фото Дениса Рылова, Никиты Алексеева

ПРАЗДНИК ТВОРЧЕСТВА МОЛОДЫХ

№6 (1398), сентябрь 2023 года

Московская консерватория вновь стала куратором музыкального направления Всероссийской декады выпускников творческих вузов, которая прошла в мае-июне 2023 года (первая состоялась в прошлом году – см. «ТМЖ», 2022 №6). Организаторами мероприятия стали Министерство культуры РФ, Ассоциация учебных заведений искусства и культуры и «Росконцерт». Цель Декады – демонстрация дипломных работ студентов выпускных курсов творческих вузов России в формате яркого культурно-просветительского проекта – позволила представить широкой публике молодых талантливых музыкантов, актеров, артистов балета, кинематографистов и художников, и привлечь к ним внимание продюсеров и потенциальных работодателей.

Московская консерватория им. П.И. Чайковского и Российская академия музыки им. Гнесиных как организаторы музыкального направления Декады составили разнообразную программу, состоящую из концертов, мастер-классов, творческих встреч и даже интерактивной художественной выставки. Мероприятия прошли не только в Московской консерватории и РАМ имени Гнесиных, но и в Санкт-Петербургской и Уральской консерваториях.

22 мая в Большом зале Московской консерватории состоялось открытие музыкального направления – сводный концерт с участием Симфонического оркестра студентов Петрозаводской консерватории под руководством ректора Консерватории, доцента Алексея Кубышкина. В его программе приняли участие выпускники Московской, Санкт-Петербургской, Нижегородской, Саратовской, Уральской консерваторий, РАМ имени Гнесиных, Луганской академии культуры и искусств имени М.Л. Матусовского и Дальневосточного государственного института искусств. Поздравление в адрес участников направила заместитель Министра культуры РФ Н.А. Преподобная, с приветственными словами выступили ректоры двух ведущих музыкальных вузов Москвы профессор А.С. Соколов и профессор А.С. Рыжинский.

Образовательный блок Декады открылся 8 мая мастер-классом для симфонических дирижеров. Его провел Эдуардо Гарсиа Барриос, в прошлом – выпускник Московской консерватории, ныне – выдающийся мексиканский дирижер, основатель и руководитель Национальной системы музыкального развития Министерства культуры Мексики. Маэстро Барриос отметил искреннюю заинтересованность наших студентов в профессии дирижера, их открытость новой музыке. Большую помощь в организации мастер-класса оказал профессор А.М. Рудневский, декан факультета симфонического и хорового дирижирования МГК. Также Эдуардо Барриос провел мастер-классы для студенческого оркестра Музыкального училища РАМ имени Гнесиных.

22 мая в Московской консерватории с большим успехом прошел мастер-класс заведующего кафедрой медных духовых и ударных инструментов, солиста группы тромбонов Большого театра России, проф. Э.Б. Юсупова. Прошли выездные мастер-классы наших педагогов и в регионах. 20 мая в Санкт-Петербургской консерватории состоялся мастер-класс доцента М.И. Каратыгиной, руководителя Научно-творческого центра «Музыкальные культуры мира»; Маргарита Ивановна рассказала о международной деятельности Центра на примере фестиваля «Вселенная звука». 26 мая в Уральской консерватории имени М.П. Мусоргского состоялся мастер-класс профессора кафедры хорового дирижирования А.В. Соловьёва на тему «Современное хоровое исполнительское искусство», в котором принял участие хор студентов Уральской консерватории (художественный руководитель профессор В.Б. Завадский).

25 мая во ВГИКе студенты и педагоги Московской консерватории приняли участие в совместной конференции студенческих научно-творческих обществ ВГИКа, МГК и РАМ имени Гнесиных. А завершился образовательный блок 30 мая творческой встречей-презентацией научных работ выпускников Московской консерватории, РАМ им. Гнесиных и Санкт-Петербургской консерватории, организованной Центром практической подготовки и карьеры выпускников (руководитель доц. Л.Р. Джуманова).

С 1 июня по 15 июля в выставочном пространстве Малого зала МГК состоялась инклюзивная выставка студентов и выпускников Российской государственной специализированной академии искусств «Особенные шедевры от особенных авторов». Выставка сопровождалась концертами и перфомансами интерактивного проекта студенческого профкома Консерватории «Музыка кисти».

Официальная часть Декады завершилась грандиозным гала-концертом в зале «Зарядье». В нем приняли участие сводный хор выпускников творческих вузов, включая Камерный хор Московской консерватории (руководитель и дирижер проф. А.В. Соловьёв), оркестр «Академия русской музыки» (дирижер – выпускник и преподаватель МГК Иван Никифорчин) и солист Симон Бюрки (фортепиано; студент класса проф. А.А. Писарева). Члены рабочей группы по подготовке к Декаде под руководством ректора Консерватории, которые с успехом провели этот масштабный проект, удостоились именных благодарностей Министра культуры РФ О.Б. Любимовой.

ПОМНИМ О ГЛАВНОМ

№5 (1397), май 2023 года

Майские дни в Московской консерватории традиционно наполнены памятными мероприятиями, посвященными празднованию Дня Победы. Современное поколение консерваторцев бережно чтит память о трагических событиях Великой Отечественной войны. По словам ректора, профессора А.С. Соколова, «наша высокая нравственная миссия – через музыкальное искусство способствовать патриотическому воспитанию наших соотечественников», что воплощается студентами, педагогами и консерваторскими коллективами с большим воодушевлением.

Праздничные мероприятия стартовали 1 мая – в Главном военном клиническом госпитале им. Н.Н. Бурденко состоялся концерт-открытие фестиваля «Память музыкальных сердец», организованного Студенческим союзом Консерватории. Программа фестиваля продолжилась 4 мая музыкально-поэтическим вечером литературного клуба «Между строк» в Выставочном пространстве Малого зала, где студенты проникновенно читали произведения поэтов-фронтовиков.

5 мая в Малом зале состоялся традиционный концерт-митинг, в котором приняли участие ректор, проф. А.С. Соколов, студенты и сотрудники Консерватории, а также почетные гости – профессор Института военных дирижеров Военного университета Минобороны РФ, полковник А.А. Бучнев и советник Управления общественных проектов Администрации Президента РФ, композитор П.А. Корягин.

В этот же день в ректорате были торжественно вручены памятные медали Следственного комитета РФ к 350-летию со дня рождения Петра I сотрудникам Консерватории за выдающиеся заслуги в области патриотического воспитания молодежи.

Открыл фестиваль «Дню Победы посвящается…» 5 мая в Большом зале сольный концерт Симфонического оркестра Министерства обороны под управлением заслуженного артиста РФ, полковника Сергея Дурыгина и художественного руководителя фестиваля, профессора Александра Соловьёва. В программе принял участие Камерный хор Московской консерватории, в качестве солистов выступили Софья Онопченко, Егор Фёдоров, Майя Соловьёва, учащиеся Хорового училища имени А.В. Свешникова Виктор Скоробродов, Егор Бобров. Особо стоит выделить в рамках программы-открытия форума первое исполнение в Москве оратории «Духом сильный народ» памяти воинов-сибиряков – мощное высказывание молодого композитора Алексея Чернакова.

6 мая фестиваль продолжился выступлением в Большом зале оркестра суворовцев Московского военно-музыкального училища имени генерал-лейтенанта В.М. Халилова, а также хора суворовцев Московского военно-музыкального училища (хормейстер – Екатерина Радостева, дирижеры: Кирилл Черчик, Михаил Куслин). Публика услышала произведения отечественных и зарубежных композиторов, оригинальную духовую музыку, популярные песни военных лет, сочинения для мужского хора.

8 мая в Рахманиновском зале была представлена постановка оперы Кирилла Молчанова «Зори здесь тихие»: спектакль был подготовлен силами ГМПИ имени М.М. Ипполитова-Иванова (режиссер-постановщик – Андрей Цветков). В качестве преамбулы были исполнены классические опусы артистами Театра неслышащих актеров «Недослов» Российской государственной специализированной академии искусств.

В День Великой Победы 9 мая в дневном концерте на сцене Большого зала состоялась премьера сольной программы Камерного хора Московской консерватории «Они сражаются за Родину!», специально созданной его художественным руководителем, профессором Александром Соловьёвым. Этот коллектив вместе с заслуженной артисткой России Екатериной Мечетиной (фортепиано), лауреатом Премии Москвы Евгенией Кривицкой (орган) исполнил любимые песни военных лет в эксклюзивных транскрипциях для хора, а также новые опусы Алины Небыковой (Москва) и Владимира Синенко (Владивосток). Сильнейшее впечатление оставило выступление специального гостя программы – актера и режиссера Никиты Высоцкого.

Одной из кульминаций программы стала мировая премьера сочинения для хора a capella Петра Корягина «Молитва матери». После концерта, поздравляя участников, композитор подчеркнул: «Вы задаете высокий эмоциональный тон. Сегодня в зале слушатели получили колоссальные переживания. И именно это мы считаем памятью, именно это мы отстаиваем сегодня как страна – наследник Победы».

10 мая в Малом зале Консерватории сцена была предоставлена великолепному Детскому хору «Аврора» ДМШ имени В. Крайнева под управлением Анастасии Беляевой и признанным хоровым коллективам Академии хорового искусства имени В.С. Попова (дирижеры: Денис Храмов и Алексей Петров); а также Камерному и Преображенскому хору Храма Христа Спасителя. «В нашем фестивале всегда участвуют не только известные мэтры, но и юные музыканты, – прокомментировал выступление Александр Соловьёв. – Для нас особенно важно, чтобы об уроках истории и войны размышляли молодые артисты». 

11 мая программа, завершавшая фестиваль, была также посвящена теме памяти и связи поколений. В Большом зале на главную сцену Консерватории вышел прославленный Академический Ансамбль песни и пляски Российской армии, который носит имя легендарного профессора Московской консерватории, композитора и хорового дирижера, автора гимна России Александра Васильевича Александрова, 140-летний юбилей которого отмечается в 2023 году. За дирижерский пульт встал художественный руководитель-начальник ансамбля, заслуженный артист РФ, полковник Геннадий Саченюк.

Фестиваль «Дню Победы посвящается…» традиционно поддерживается Фондом памяти полководцев победы и лично Натальей Родионовной Малиновской: «Тем, кто тогда воевал и ни на секунду не усомнился в победе, мы обязаны жизнью. И не только мы — им обязаны жизнью все ныне живущие на той шестой части земного шара, что в 45-м была страной, победившей фашизм… Всякий раз, читая новую афишу, радуешься и постоянным участникам фестиваля, и новым именам, ждешь открытий и знаешь, что они не обманут ожиданий. Огромный труд, продиктованный высокой душевной потребностью, стоит за каждой строкой программы фестиваля».

Региональная программа фестиваля – традиционная Вахта памяти по местам боев 8-й Краснопресненской дивизии, где сражались консерваторские ополченцы, – пройдет в Смоленской области с 26 по 28 мая. В этом году запланированы концерты в Смоленской филармонии и Доме-музее М.И. Глинки в Новоспасском. Мастер-классы и творческие встречи пройдут в музыкальных учебных заведениях Смоленской области. Второй год подряд в Вахте памяти вместе со студентами, педагогами и сотрудниками Московской консерватории принимает участие делегация Российской академии музыки имени Гнесиных. В городе воинской Славы Ельне пройдет совместная акция «Культура памяти» – возложение венков к памятной плите, установленной Московской консерваторией в 2004 году на Аллее Славы.

Доцент Я.А. Кабалевская

Фото Эмиля Матвеева и Ирины Полярной

СЕНСАЦИОННАЯ НАХОДКА

Авторы :

№4 (1396), апрель 2023 года

В концертном зале Культурного центра «Минин-хор», особняке конца XIX века, некогда принадлежавшего звезде немого кино Вере Холодной, 22 марта состоялась презентация юбилейного выпуска старейшего музыкального журнала страны – «Музыкальная Академия». 90-летие журнала сопровождало громкое событие – мировая премьера доселе неизвестного «Торжественного марша Шамиля» М.П. Мусоргского.
Ярослав Тимофеев, Н.И. Тетерина, В.А. Александрова

«Марш Шамиля» Мусоргский сочинил в 1859 году. Ранее часть этого хора считалась утерянной, а в 2021 году в Российской национальной библиотеке музыковед, научный сотрудник Государственного института искусствознания Василиса Александрова обнаружила полную рукописную копию «Марша Шамиля». Сенсационная находка послужила поводом к научной статье, открывшей юбилейный, 780-й выпуск «Музыкальной Академии». Над ней работали сразу три исследователя творчества Мусоргского – Е. Левашев, В. Александрова и Н. Тетерина. К выпуску – он уже имеется в продаже – приложена хоровая партитура «Марша», отредактированная Н. Тетериной, а также компакт-диск и цифровой альбом, выпущенные в партнерстве с Союзом композиторов России и фирмой «Мелодия».

Мусоргский посвятил «Марш Шамиля» А.П. Арсеньеву, которого в балакиревском кружке ласково называли «Мустафой», «Сарфокузан» за его интерес к исламу и арабскому языку. Кавказский воин имам Шамиль в то время был известен по всей России. В 1859 году, в конце длительной Кавказской войны против Российской империи, он был пленен, помилован, позднее возведен в потомственное дворянство и даже отпущен в Мекку совершить хадж, где и скончался (похоронен в Медине). Столь яркая самобытная фигура как Шамиль, который, будучи врагом, вызывал неподдельное любопытство, а в некоторых кругах вовсе считался народным героем, оказался воспет художниками, поэтами. Лев Толстой упомянул его в рассказе «Рубка леса» и в поздней повести «Хаджи-Мурат». Не остался в стороне от кавказской темы и Мусоргский.

Празднование началось приветственным словом Ярослава Тимофеева – главного редактора журнала «Музыкальная Академия». Затем выступили авторы статьи о «Марше» Мусоргского Н. Тетерина и В. Александрова. А шеф-редактор издательства «Композитор» Петр Поспелов поведал краткую, но очень остроумную историю сотрудничества издательства и журнала, а также историю публикации партитуры.

«Марш Шамиля» М.П. Мусоргского. «Минин-хор», Ярослав Тимофеев (фортепиано

Первыми исполнителями «Марша» посчастливилось стать «Минин-хору» – Московскому государственному академическому камерному хору под руководством Тимофея Гольберга. За рояль сел Ярослав Тимофеев. «Торжественный Марш Шамиля», созданный для мужского хора, прозвучал очень ярко и выразительно как благодаря музыкантам, так и свежей, необычной музыке Мусоргского. Коллектив «Минин-хора» порадовал слушателей приятным сюрпризом, дав небольшой концерт. Кроме трех песен (русская народная «Ах ты, степь широкая», молдавская и украинская «Засвечу свечу»), в концерте прозвучали Три русских песни op. 41 для хора и оркестра (в переложении для хора и фортепиано) Рахманинова, «Ти-ри-ри», «Вечерняя музыка» и «Страшенная баба» из хоровой симфонии-действа «Перезвоны» Гаврилина.

Последнее сочинение еще в конце 1970-х – начале 1980-х годов Гаврилин создал специально для камерного хора и посвятил его хормейстеру В.Н. Минину. Солистами выступили: Татьяна Земляная, Юлия Золотарева, Татьяна Метлина, Светлана Николаева, Маргарита Петухова, Ольга Федорещенко, Алена Шебалина, Александр Белецкий, Андрей Иванов, Григорий Медведь, Семен Мусатов. За роялем была Елена Ильина. Музыканты исполняли произведения с большим вдохновением и воодушевлением, что естественно передалось слушателям. Поразило и мастерство общения с хором молодого дирижера Тимофея Гольберга.

Неожиданным окончанием премьерного вечера стало повторное звучание «Марша Шамиля». Я. Тимофеев, подчеркнув, что «Марш» стал еще одной (после «Перезвонов») «визитной карточкой» хора, высказался по этому поводу: «В начале XX века была прекрасная традиция: когда композитор-авангардист сам дирижировал премьерой своего сочинения и чувствовал, что публика ничего не поняла, он брал и дирижировал это сочинение снова, второй раз. Я не сомневаюсь в том, что вы все поняли, но мы хотим эту традицию возобновить».

Официальная и концертная часть юбилея плавно перешла в приятную душевную атмосферу торжества, где каждому предлагался бокал шампанского, а также дружеское общение и обмен впечатлениями. Трансляцию, а теперь и запись, можно посмотреть на YouTube-канале, а также в группе VK Союза композиторов России и «Музыкальной Академии».

Софья Игнатенко, студентка НКФ, музыковедение

Фото Анны Бобрик

Русский мир Рахманинова

Авторы :

№3 (1395), март 2023 года

1 апреля 2023 года исполняется 150 лет со дня рождения великого русского композитора Сергея Васильевича Рахманинова. Блестящий выпускник Московской консерватории –композитор, пианист, дирижер, – Рахманинов был человеком, мыслившим и в творчестве, и в жизни исключительно по-русски.

Рахманинова следует отнести к тем фигурам русской культуры, которые мгновенно ассоциируются в России и далеко за ее пределами именно с цивилизационным феноменом русского мира. Россия – это А.С. Пушкин, Ф.М. Достоевский, Л.Н. Толстой… П.И. Чайковский и С.В. Рахманинов… Романтическое и небезосновательное преувеличение «Пушкин – наше всё» в музыкальной культуре сопоставимо с Рахманиновым. Генезис такого понимания заключен в «человечности» его интонации, в рахманиновском мелодическом гении, в его неосознанном стремлении объять подлинную музыкальную Россию. Личностная и творческая нерасторжимость с русским миром подтверждается глубокой укорененностью Рахманинова в отечественной культуре, его интересом к извечным «русским темам» и сохранением особого русского взгляда на проблемы Запада и Востока.

Серебряный век русской культуры, дух новгородской старины и усадебная барственность, музыкальные вкусы имперского Санкт-Петербурга и златоглавой Москвы, исключительная романтическая аура творчества, колокольные аллюзии и храмовая величественность, дружба с Ф.И. Шаляпиным, Н.К. Метнером, плодотворное общение с И.А. Буниным, встречи с Л.Н. Толстым и А.П. Чеховым, внешняя суровость и артистическое обаяние, сочетание художественного гения и человечности, изгнанничество как «несение креста» и… неизменный аромат белой сирени… Все это исторические штрихи, создающие в сознании ценителей яркий образ трагика русской музыки – Сергея Васильевича Рахманинова.

В рахманиновском творчестве с новой силой раскрывается русская способность, впервые проявившаяся у истоков классической отечественной музыкальной традиции в мировоззрении М.И. Глинки, испытывать интерес к иным культурам: Запад и Восток только усиливают притяжение к русскому миру. «Тема Паганини», «тема Шопена», «тема «Корелли», средневековая богослужебная секвенция Dies irae как символ трагического конца и «восточный» цыганско-мистический колорит естественно сочетаются у Рахманинова с русской женской долей («Белилицы, румяницы вы мои» из «Трех русских песен») и блаженным созерцанием («Ныне отпущаеши» из «Всенощного бдения»).

Подобно Римскому-Корсакову, неизменно возвращавшемуся к древнему славянству, обрядовости, «солнечному культу», подобно Чайковскому, тяготеющему к теме фатума как воплощению тщетности надежд и высшей трагичности человеческой жизни, Рахманинов возлюбил «свою Россию», принимая ее в естественной красоте. Его интонация поистине отразила музыкальный «косм Руси»: древнерусская литургическая традиция, древние фольклорные первоистоки, «русская восточность», западноевропейская романтическая аура на русской почве.

 Россия без прикрас – в этом величие Рахманинова. Необычайно по-рахманиновски звучат слова Весны из пролога оперы «Снегурочка» Римского-Корсакова: «Нерадостно и холодно встречает // Весну свою угрюмая страна». Одухотворенный и скудный простор «Уж ты, нива моя» у Рахманинова дополняется восторженным очарованием тютчевских «Весенних вод»: здесь романтическое видение природы заставляет ненадолго забыть о прежнем лирико-трагическом созерцании в духе «Угрюмого края, туманного края» из Первой симфонии Чайковского. Но даже в оригинальном «русском» тематизме, имеющим скрытый намек на народное пение, наблюдается чарующий «восточный» привкус: будто лермонтовское «Ее степей холодное молчанье», объединенное с пребыванием между небом и землей перед степным азиатским зиянием. Здесь проходит сближение рахманиновских образов с половецким станом из оперы «Князь Игорь» Бородина.

Рахманинов довольно трудно поддается вербализации, что создает существенную сложность для исследователей. Однако многие его произведения исполнены атмосферы уединенности, отвечающей полотнам классической русской живописи XIX века – Шишкина, Поленова,  Левитана. В прелюдиях и этюдах-картинах «одушевленные» природные зарисовки напоминают о «Лесных далях» и «Дожде в дубовом лесу», «Бабушкином саде» и «Раннем снеге», «Березовой роще» и «Золотой осени». Любование природой порождает трагическую остроту, т. к. подлинное чувство всегда имеет оттенок «лирической трагедии», даже если вокруг благостность и яркое солнце. 

Во Второй симфонии Рахманинова потрясает глубина преданности русской земле – дух зеленого простора и ощущение неполноты пребывания в мирской гармонии, переходящее в тоску и предчувствие грядущей разлуки. Мерное течение времени в сельской глуши и «полуразмытые» образы деревни прочитываются в Этюде-картине op. 39 №4 h-moll, праздничные ярмарочные гуляния, напоминающие о знаменитом портрете Шаляпина и «Масленице» Кустодиева, узнаются в Этюде-картине op. 39 №9 D-dur. Наибольшая театрализация достигается в Этюде-картине op. 39 №7 c-moll – столпотворение у церкви при звучании набатного колокола, а поразительная кульминация – будто грандиозное шествие и колокольный перезвон! Скрытая сценичность этого произведения приближается к Мусоргскому – хоровым эпизодам из оперы «Борис Годунов».

В отличие от Скрябина, уходящего от исконно человеческого в искусстве, Рахманинов передает в музыке знакомые каждому эмоциональные состояния. Но он достигает столь высокого уровня художественного воплощения, что заставляет снова почувствовать боль, сострадание, романтическую любовь и божественное умиротворение. В этом проявляется извечная, пользуясь лексикой С.С. Аверинцева, русская славянская чувственность – обостренное видение мира, духовная ранимость. «Тема любви», «тема расставания», «тема несчастья» в рахманиновской интерпретации способны пронзить мощной силой убедительности и правдивости. И эволюция творческого гения Рахманинова подходит к вершине, когда складывается единение трех трагических тем – «тема пути», «тема России», «тема смерти». Трагедия Рахманинова – оглушающая, пронизывающая, она подобна провалу в безысходность – как в Третьей симфонии и Симфонических танцах.

Предчувствие роковых дней русской истории выразилось в Прелюдии op. 32 №10 h-moll – словно взгляд в будущее сквозь тяжесть свершившихся событий и дух изгнанничества. Прелюдия op. 32 №12 gis-moll нередко сопоставляется с пьесой «На тройке» Чайковского, но «зимняя дорога» у Рахманинова лишена солнечного света. Видится буран в степи из «Капитанской дочки» Пушкина, ибо Россия в 1910-х годах вновь оказывается перед «пугачевским пожаром». В прелюдии будто отображается вечерняя пелена морозной вьюги, бесконечная снежная пустыня как иносказательный образ родины накануне бури.

Гастрольные поездки Рахманинова на Запад и далее вынужденная эмиграция продолжают линию взаимодействия русских интеллигентов XIX века с западной культурой в постоянных размышлениях о будущем России: Гоголь и Белинский, Тургенев и Чайковский, Бунин и Рахманинов. Здесь уместна известная фраза Версилова из романа «Подросток» Достоевского о способности русского человека становиться еще более русским вдали от родины. В эмиграции Рахманинов обрел новую славу артиста, но в душе всегда оплакивал Россию.

Поиск высшей гармонии как противопоставления неустойчивости эпохи масштабных перемен позволил Рахманинову сохранить творческое равновесие. Художник-музыкант –великий феномен отечественной культуры, – «смягчает» ожесточенность исторического времени гармонией именно «русского свойства», подтверждая философский тезис XIX века о священном предназначении России для мира.

Доцент Д.И. Топилин, кафедра истории русской музыки

P.S. В 2023 году по случаю 150-летия Рахманинова запланировано огромное число памятных мероприятий. Проходят многочисленные концерты с участием крупных российских и зарубежных музыкантов. Столичные интеллектуальные площадки предлагают специальные тематические лекции, посвященные Рахманинову, а в эфире – документальные фильмы, просветительские теле- и радиопередачи…

Центральными событиями научной сферы станет подготовка и проведение Международного симпозиума «Рахманинов и его время» в Московской консерватории, Российском национальном музее музыки и Государственном институте искусствознания, как и VII Международная научно-практическая конференция «С.В. Рахманинов и мировая культура» на территории Музея-заповедника «Ивановка». Выходят в свет новые издания, касающиеся различных сторон жизни и творческой деятельности Рахманинова. В Московской консерватории подготовлена к печати коллективная монография кафедры истории русской музыки, крупный труд последних лет – «Стиль Рахманинова». В нем охвачена целостная картина развития его композиторского стиля, затронуты вопросы преломления модерновых тенденций русского искусства в музыкальном языке композитора, принципы эволюции духовных и симфонических сочинений, проблемы формообразования, особенности звуковысотной музыкальной организации, специфика воплощения стилевых моделей и идиостиль в фортепианных концертах… 

По случаю крупной даты пройдут специальные события и за рубежом – во Франции, США, Сербии, Венгрии, Финляндии, Швейцарии…

Взлет продолжается

Авторы :

№2 (1394), февраль 2022 года

Юрий Абрамович Башмет 24 января отпраздновал свой 70-летний юбилей. Сегодня Маэстро Башмет – звезда первой величины в большом музыкальном мире: солист-исполнитель и профессор Московской консерватории, дирижер и художественный руководитель нескольких созданных им оркестров (камерный «Солисты Москвы», симфонический «Новая Россия», Всероссийский юношеский симфонический оркестр), в течение многих лет (с 1989 года) ведущий оригинальной, им задуманной телевизионной музыкально-просветительской передачи «Вокзал мечты» и автор автобиографической книги того же наименования (2003), учредитель, президент или участник многих музыкальных фестивалей всемирного уровня за рубежом и в России, выдающийся музыкально-общественный деятель, поражающий «космическими» замыслами и их реализацией, творческая личность, непрерывно фонтанирующая все новыми идеями, уже воплощенными или только созревающими в его воображении, о которых еще услышим… А еще лауреат премии «ГРЭММИ», кавалер многих отечественных и зарубежных высоких наград, свидетель и участник неординарных исторических культурных событий, верный товарищ в творческой жизни и заботливый отец, муж и дедушка в своей семье…

На фоне всего этого пиршества регалий и россыпи разнообразных достижений прославленного музыканта, которые сложно просто перечислить, не рискуя что-то упустить, в моей памяти всплывает далекое прошлое…

Мы познакомились зимой 1986 года в Доме творчества композиторов в Рузе. Мы с мужем приехали на мои каникулы, а Юрий Абрамович жил там в одной из дач с женой и маленькой дочкой (младший сынок еще не появился на свет, но был «на подходе»!). Жизнь в Рузе давала возможность музыканту творчески работать – ни своей квартиры в Москве, ни тем более своего дома в Подмосковье у них еще не было. Хотя достигнуто уже было многое, из последнего – только что (в начале января) состоявшаяся мировая премьера Альтового концерта Альфреда Шнитке в Амстердаме. Российской премьере предстояло прозвучать только через год: Концерт Шнитке в Большом зале в мае 1987 года с фантастическим успехом снова исполнит Юрий Башмет, которому он посвящен, с Геннадием Рождественским за пультом, предварившим звучание музыки серьезной и восторженной преамбулой для публики. Это было яркое столичное событие, которое помнится в деталях. Но за год до того об этом сочинении еще мало кто знал…

В это время я вела на центральном телевидении передачу «Музыка наших современников» и после знакомства пригласила поучаствовать в одной из них Юрия Абрамовича. Разговор в этот раз шел о первом прочтении новой музыки. Слава о выдающемся молодом альтисте уже разнеслась по миру, он играл много премьер, ему посвященных. Даже звучало шутливое обозначение нового жанра: «Музыка для Башмета с оркестром». Но из всего написанного сам исполнитель абсолютно выделял как нечто необыкновенное, по его словам «гениальное», – Концерт для альта с оркестром Альфреда Шнитке. «Работа над этой музыкой стала для меня подлинным наслаждением», – сказал он в моей передаче и там же добавил, – вообще принцип вхождения в новое произведение – это попытка представить себе, примитивным языком, как будто я сам его сочинил. Когда я чувствую, что каждая нота и каждая фраза получают свое, оправданное уже мной значение, тогда я понимаю, что я готов».

Альтовый концерт Альфред Шнитке закончил незадолго до страшной болезни, которая его сразила летом 1985 года. И становятся понятны слова, которые я недавно прочла в одном интервью, где, отвечая, Ю. Башмет вспоминает композитора: «Я у него брал интервью для «Вокзала мечты», и тогда он сказал: «Это мой лучший инструментальный концерт… Я заболел смертельно, но меня решили еще подержать немножко наверху, потому что именно в этом концерте я заглянул туда, куда человек не имеет право заглядывать»…

Когда через 20 лет, уже после «слома страны», у меня вышла книга «Диалоги о музыке перед телекамерой» по материалам тех передач, в обобщающей главе о ее участниках я написала: «Читая все, что было сказано, понимаешь, что кто-то так и остался „документом ушедшей эпохи“, кто-то мудро или наивно парил в своих эмпиреях, кто-то, может быть, оказался пророком, а кто-то стоял в стартовой стойке, чтобы затем свободно и далеко взлететь». Последнее было написано с мыслью именно о Ю. Башмете. И этот взлет Маэстро продолжается до сих пор, теперь уже по многим творческим векторам, в разных художественных орбитах, и все к новым высотам.

А тогда… В какой-то день Юрий Абрамович собрался из Рузы в Москву, у меня в городе тоже были дела, и он пригласил поехать с ним. В его машине была шикарная по тем временам стереосистема и в дороге он мне сразу предложил послушать свежую запись амстердамской премьеры нового Альтового концерта Шнитке… Машина летела по заснеженной «минке», и в ней на полную концертную громкость звучала страстная, «нечеловеческая» по силе воздействия музыка в совершенном исполнении. Это было какое-то чудо – такого потока эмоций, такого звучания альта, сильного, глубокого, таинственного, я еще не слышала никогда! «Водитель» слушал вместе со мной и был справедливо горд, понимая мои чувства и уникальность происходящего…

С Днем рождения, дорогой Юрий Абрамович! Долгой Вам творческой жизни, здоровья и широкого признания всех Ваших достижений. Будьте счастливы и все также успешны на радость Вашим близким, друзьям и приверженцам!

Профессор Т.А. Курышева