№8 (1409), ноябрь2024 года

«В классе со скрипкой в руках он ошеломлял еще сильнее, чем со сцены…»

Все, кто лично знал Леонида Борисовича Когана (1924 – 1982), были очарованы не только его поразительным талантом, всех потрясал не только «его изумительный по красоте и многообразию тембров звук» (такую характеристику дал Дмитрий Шостакович), но и человеческие качества, обаяние, которому невозможно было противостоять.

«В предвкушении радости лично поприветствовать Вас посылаю Вам теплые объятия», – писал итальянский композитор Франко Маннино. «Уезжая в Льеж, я хочу Вам сказать, что был глубоко тронут Вашим сердечным приемом. Пусть эти скромные цветы, к которым я приложил письмо, напомнят Вам, что я очень горжусь Вашей дружбой», – признавался бельгийский виолончелист и дирижер Фернан Кине.

«Я горжусь нашими отношениями, горжусь тем, что они откровенны, они построены не на комплиментах. Тебя я люблю искренно и уважительно. Ты заставил многих, в том числе меня, любить, уважать и считаться с тобой. Твое стремительное движение вперед за последние годы – меня потрясает», – говорил Арам Хачатурян.

А вот какой портрет оставил другой российский классик, Родион Щедрин: «Леонид Коган был редкостно добрым человеком, сердечным, отзывчивым, я бы даже сказал, сердобольным. Он принимал деятельное участие не только в судьбах своих учеников, но и многих музыкантов, жизнь которых не всегда складывается просто. И неизменно делал это скромно, мягко, не афишируя своего благородства, как часто случается. Здесь не было позы, просто такова была сущность его натуры. В любом деле, если шла борьба за правду, восстановление справедливости, истины, на Когана можно было смело положиться. Тут он не жалел ни сил, ни нервов, ни времени. Несмотря на бесконечную занятость, несмотря на суетную жизнь (а другой у большого артиста и быть не может), Коган оставался человеком доступным, контактным, как сейчас принято говорить. И очень обязательным (качество, встречающееся все реже и реже). Общение с ним доставляло окружающим радость. Приятно было бывать в шумном и приветливом доме Коганов, где почти всегда можно было встретить интересных людей, где сама семейная атмосфера вызывала душевную симпатию. Приятно было видеть его отношение к детям, в котором совмещались строгая нежность и нежная строгость. Неоднократно, и у нас в стране, и за рубежом, мне доводилось наблюдать, как само имя этого артиста сближало даже незнакомых между собой людей, становилось своеобразным паролем, открывающим сердца».

Всю жизнь Леонид Коган был связан с Московской консерваторией. В 1943 году он поступает в класс профессора Абрама Ильича Ямпольского и оканчивает курс в 1948-м, затем идет к нему в аспирантуру и за год до окончания, в 1952 году начинает преподавать в своей Alma Mater. Он отдал педагогике ровно 30 лет, пройдя все ступени: от ассистента А.И. Ямпольского до профессора и заведующего кафедрой скрипки. Леонид Борисович воспитал десятки талантливых скрипачей, в том числе иностранных, которые затем несли славу русской исполнительской школы по всему миру.

Многие молодые скрипачи «влюблялись» в искусство Леонида Когана, слушая его записи, попадая на его живые выступления во время многочисленных гастрольных туров или побывав на его мастер-классах. Потом в СССР вдогонку летели письма: «Мое горячее желание сбылось бы, если я мог бы учиться у Вас, товарищ Профессор, поэтому очень прошу Вас, будьте любезны обеспечить мне место в Вашем классе» (Ласло Коте, Венгрия). «Я хотел бы – хотя бы в письме – поблагодарить Вас за Ваше усилие, терпение и такт, с которыми Вы работали со мной… Вы научили меня, что такое игра на скрипке, открыли мне новые горизонты, вернули почву под ногами. За это Вам большое, большое спасибо» (Йиндржих Паздера, Чехословакия).

Первый ученик Л.Б. Когана, Валентин Жук, думается, смог найти слова, передающие самую суть педагогического облика Л.Б. Когана: «В классе со скрипкой в руках он ошеломлял еще сильнее, чем со сцены. Его надо было слышать вблизи. Он буквально потрясал своим звучанием, блеском, совершенством техники, глубиной выражения. Какой-нибудь неподдающийся пассаж, на который дома уходила уйма времени и сил, под его пальцами просто сверкал и казался совершеннейшей безделкой. При этом, он часто говорил: «А можно это играть и такой аппликатурой». И тут же, с аналогичным напором и блеском играл данный пассаж совершенно по-другому. Технологические «секреты», которыми он с нами делился, показывали его огромное и глубокое знание скрипки, а о масштабе его музыкального мышления, проникновении в сокровенные тайны музыки нечего было и говорить. На уроке он всегда открывал нам новые горизонты искусства».

МУЗЫКА РАЗМЫШЛЕНИЙ

Уже более 40 лет Леонида Борисовича Когана нет с нами. Однако остались его письма, интервью разных лет, которые позволяют вести диалог с великим артистом, понять его отношение к творчеству, к музыке, к жизни.

О себе

Заниматься на скрипке я стал совершенно случайно. Мои родители не были музыкантами. Отец был фотографом, он играл на скрипке. В детстве она привлекала меня необычностью формы и удивительными звуками. Когда мне было три года, я не ложился вечером спать, если рядом со мной не клали скрипку.

В пять лет я уже пробовал сам играть на ней, но дотянуться левой рукой до шейки инструмента, как это делал отец, не удавалось. И это меня страшно злило. После долгих моих просьб, родные купили мне маленькую скрипку, что было для меня огромной радостью.

После первого публичного выступления в Харькове, которое, как говорят, прошло с успехом, родители решили продолжить мое образование в Москве. В девять лет я был принят в Особую детскую группу при Московской консерватории в класс профессора Абрама Ильича Ямпольского. Я занимался у него и в Центральной детской музыкальной школе, и в консерватории. Абрам Ильич сформировал меня как музыканта.

О семье

Жена моя – скрипачка, Елизавета Григорьевна Гилельс. Мы с ней очень много работали совместно, выступали в разных городах Советского Союза и за рубежом. Неоднократно записывали различные грампластинки. Наши дети, также как и мы, закончили Московскую государственную консерваторию. Павел стал скрипачом и дирижером. Нина играет на рояле. Часто мы выступаем вместе, и всех нас объединяет огромная любовь к музыке, к искусству вообще. Мы очень много времени проводим за инструментом, интенсивно работаем, друг другу помогаем, слушаем. Никогда не бывает без споров. Спорим часто, долго, иногда очень крепко. Но всегда по делу.

Были и концерты, где мы участвовали все вчетвером – мы на скрипках, а Нина с нами в ансамбле на рояле. Играем и с оркестром. Некоторые композиторы даже специально пишут для нас произведения. Так что в отношении семьи, мне думается, все стоят на правильном пути.

О педагогике и конкурсах

Метод работы с каждым учеником очень индивидуален. Со студентами одаренными обычно сразу можно просмотреть произведение, а затем перейти к частностям, объясняя те или иные фразы, куски. Ведь талантливому ученику нужно только не мешать, а помогать, способствовать выявлению его «я». Но есть и другие студенты, которые сами ничего не могут сделать, которым педагог должен «разжевать» каждую ноту. Для таких приходится даже писать подробнейшую аппликатуру, объяснять все.

Лауреат еще не значит артист. Как и наоборот, разумеется. Уверен, что нужна какая-то новая система, которая упорядочила бы сложившееся на сегодняшний день положение вещей. Следует давать возможность выступать перед широкой аудиторией не только лауреатам. А к лауреатам подходить с более строгой меркой. Когда артисты без титулов получат свободный доступ на эстраду и смогут занимать там прочное положение, это принесет огромное облегчение и студентам, и нам, педагогам.

О Большом зале Московской консерватории

Впервые пришел я в Большой зал как слушатель. Это было в 1934 году – мне было десять лет. Играл Яша Хейфец. В марте 1941 года я впервые выступил в Большом зале с оркестром – с Государственным симфоническим оркестром СССР под управлением Лео Гинзбурга. Играл Концерт Брамса. С тех пор неисчислимое количество раз приходилось бывать здесь и как слушателю, и как исполнителю. И всегда думал о том, что зал этот – музыкальный центр нашей страны.

О современной музыке

Иногда приходится слышать, что, дескать, только мода заставляет исполнителей искать и играть новые сочинения. Но, к счастью, это не так. Мы играем современных авторов совсем не потому, что боимся «оказаться в хвосте», отстать. Мы ищем в музыке XX века свежих мыслей, новых, ярких идей. Мы жаждем обновить круг выражаемых с помощью нашего инструмента эмоций, а быть может, хотим обновиться и сами… Много я исполняю произведений советских композиторов. С некоторыми выдающимися композиторами современности мне приходилось работать совместно, первым исполнять их сочинения. Встреч с советскими композиторами было много. Они принесли огромную пользу.

О творчестве

Путь изучения произведения – таинственный путь. Бывает, сначала оно нравится, представляется заманчивым, потом разочаровывает. И наоборот: то, что казалось колючим, неудобным, противным природе инструмента, вдруг начинает звучать в ушах, притягивать. «Соберешь» такой «ершистый» опус целиком – и его уже интересно играть. Так что предугадать окончательное решение довольно трудно, по-разному получается.

В юные годы я больше увлекался виртуозной музыкой – творчеством Паганини, Вьетана, Эрнста, Венявского, Шпора. Но постепенно начал ощущать, что мне недостает по-настоящему глубокой, большой музыки. А она, конечно, прежде всего – в творениях величайших классиков.

Публикацию подготовила профессор Е.Д. Кривицкая

Фотографии предоставлены Ниной Леонидовной Коган

№8 (1409), ноябрь2024 года

12–14 ноября 2024 года состоялся Седьмой профессорский форум – 2024 «Образование, наука, семья – основы развития России», на котором ректор Московской государственной консерватории имени П.И. Чайковского, профессор А.С. СОКОЛОВ удостоился звания лауреата Общенациональной премии «Российского профессорского собрания» в номинации «ЛИДЕР ВЫСШЕГО ОБРАЗОВАНИЯ».

№8 (1409), ноябрь2024 года

Научные конференции в Московской консерватории – явление обычное, традиционное. Так, уже в начале октября (1 и 2 октября) состоялась Всероссийская научная конференция «Методология исторического музыкознания», которая проводилась к 150-летию М. В. Иванова-Борецкого и 100-летию музыкально-исторического образования в России. Подчеркивая значимость этого мероприятия, на ее открытии выступил ректор А.С. Соколов. А вслед за ней, 9-10 октября шла конференция, связанная уже с именем самого Александра Сергеевича.

Конечно, не случайно инициаторами ее стали кафедра современной музыки и научно-творческий центр современной музыки Московской государственной консерватории, которые, вместе с Ансамблем «Студия новой музыки», являются детищами А.С. Соколова, хотя и не единственными нововведениями нашего ректора, выведшего Консерваторию на новый виток развития.

Название конференции – «Новая музыка в пространстве культуры» – как нельзя полно выражает и научные, и человеческие интересы профессора А.С. Соколова, именно «новая», а не «современная», хотя, казалось бы, его докторская диссертация, посвященная музыкальной композиции ХХ века, предполагает такой ракурс. Скорее это та музыка, независимо от времени и места еесоздания, которая включена в культурное пространство наших дней.

И поэтому в докладах были представлены имена итальянцев Сальваторе Шаррино и Стафано Джервазони, австрийца Георга Фридриха Хааса, француза Марка-Андре Дальбави, американцев Джорджа Рочберга и Джеймса Тенни, а также других значимых фигур ХХ и начала XXI века, некоторые из которых еще новы для отечественного музыковедения. Но наряду с этим в программе была представлена также восточная тематика в ее современном прочтении. Был и проблемный доклад профессора М. А. Сапонова «Археология авангарда», который разбирался с терминами и ещё раз поставил в один ряд проблему необходимости изучения произведений авангарда (и не только их) в тесной связи с исполнительской практикой. А аспирант МГИМО Н.С. Балабанов даже посвятил своё выступление американской поп-музыке начала 2020-х годов. К сегодняшнему дню приближали нас и сообщения, которые затрагивали проблемы существования музыки как части аудиовизуального синтеза, применения компьютерных технологий и даже ее существования в эпоху искусственного интеллекта.

Необычайно радует то, что на приглашение к участию в конференции откликнулись коллеги из Петрозаводской, Казанской, Саратовской консерваторий, Академии русского балета имени А. Я. Вагановой. Мой женский взгляд выделил проблемные, прочитанные на высоком теоретическом уровне, весьма интересные доклады М.С. Высоцкой, Е.Г. Окуневой, Т.В. Цареградской, И.В. Копосовой, А.А. Амраховой и других представительниц прекрасного пола.

Однако даже широта уже освещенной в данном обзоре тематики этого мероприятия, наверное, не выделила бы эту конференцию из традиционного ряда, если бы не ее главная фигура – Александр Сергеевич Соколов, который не только присутствовал на всех заседаниях оба дня, но и живо реагировал на выступления, вступал в дискуссию, задавал вопросы и, конечно, получал поздравления от выступающих. И часто мы слышали то, как высоко ценят именно его научные труды преподаватели других консерваторий, которые опираются на них и в своей научной работе, и в учебном процессе.

Но мы ценим деятельность Александра Сергеевича во всех его ипостасях, о чем и говорил на открытии конференции проректор по научной и воспитательной работе, профессор К.В. Зенкин, в том числе и зачитывая слова приветствия заведующей кафедры МСМ, профессора В.Н. Холоповой, которая поздравила с юбилеем не только своего ректора, но и всю Московскую консерваторию.

Первые пять докладов конференции были связаны с фигурой самого Александра Сергеевича и с тем, что происходило в Консерватории при его содействии и поддержке. К таким инициативам можно отнести просветительские проекты кафедры истории русской музыки, о которых рассказала заведующая кафедрой, профессор И.А. Скворцова. Речь шла о цикле концертов-лекций «Встречи в музыкальной гостиной», посвященных истории, традициям и школе Московской консерватории (ведутся начиная с 2001 года), и о новом проекте «Возрождение русской оперной классики ХVIII века», очередное, уже седьмое мероприятие которого состоялось 29 октября в Рахманиновском зале и было посвящено 220-летию М.И. Глинки.

О развитии мультимедийных проектов, и не только о преподавании сольфеджио, поведала профессор М.В. Карасёва, отметив участие А.С. Соколова в создании непосредственно связанных с Консерваторией полнометражных фильмов «Симфония органа» и «В поисках гармонии».

Весьма полезным был доклад профессора Е.И. Чигарёвой, которая напомнила о значении деятельности Александра Викторовича Михайлова в Консерватории. В начале 1990-х годов он способствовал развитию гуманитарной составляющей в подготовке музыкантов. Она обратила внимание на судьбу его научного наследия, неоходимость его публикации, и была услышана коллегами, прежде всего К.В. Зенкиным, который обещал свое содействие.

Но самое любопытное я позволила себе оставить на конец этого обзора. Во-первых, это выступление профессора Г.В. Григорьевой, представившей две книги А.С. Соколова – «Музыка вокруг нас» (1996) и «Мир музыки в зеркале времен» (дополненное и расширенное переиздание первой), где автор, рассматривая очень широкий спектр вопросов истории и теории музыки, обращается и к профессионалам, и к простым слушателям, давая им «ключи» к пониманию музыкального искусства, что имеет исключительное значение, и не только для произведений современных композиторов. Осталось дело за малым – переиздать эту ценную книгу, над которой, как заметил сам Александр Сергеевич после выступления Г.В. Григорьевой, он работал параллельно со своей докторской диссертацией.

Во-вторых, это выступление Александра Львовича Маклыгина, с некоторого времени представляющего не только Казанскую, но и Московскую консерваторию. Он дал нам возможность обратиться к истокам, сформировавшим личность нашего ректора, к фигуре его деда Ивана Сергеевича Соколова-Микитова. Думается, что именно широта и смелость этого классика русской литературы, круг его общения с писателями своего времени, среди которых были его друзья Александр Твардовский, Виктор Некрасов, Константин Федин, Владимир Лакшин, заложило фундамент его личности. Можно процитировать строки из воспоминаний Виктора Некрасова о нем. Он пишет о сложившемся в его представлении образе «идеального» писателя, и продолжает: «Мне повезло – много лет спустя я встретился с таким писателем. Более того, я подружился с ним и думаю, что все, кому выпало это счастье, благодарят судьбу за то, что она свела их с ним. Писатель этот Иван Сергеевич Соколов-Микитов». Свой долг деда и отца в одном лице этот человек выполнил сполна и своим внуком мог бы гордиться: ко времени ухода из жизни Соколова-Микитова в 1975 году А.С. Соколов уже прочно стоял на своем пути.

Постскриптумом к внушительному научному собранию безусловно стал вечерний концерт 10 октября в Рахманиновском зале, выстроенный не менее продуманно, чем и программа самой конференции. И поскольку его программа оставалась, очевидно, секретом до начала концерта (в афише ее не было), то позволю себе назвать номера, чтобы оставить их в нашей памяти.

Открывал концерт Камерный оркестр Консерватории во главе с Феликсом Коробовым, который не только дирижировал, но и вел диалог с юбиляром (исполнили Вариации А. Аренского на тему П. Чайковского «Был у Христа-младенца сад» и «Румынские танцы» Б. Бартока). Своеобразным лирическим интермеццо первого отделения стало выступление Андрея Писарева с шопеновскими ми-минорным ноктюрном и Вторым скерцо. Его сменил Камерный хор Консерватории во главе с Александром Соловьёвым, который исполнил хоры Т. Шатковской и Е. Атрашкевич, а завершил первую часть концерта финалом из «Песен Гурре» А. Шёнберга.

После перерыва прозвучало изысканное «Rumore e silenzio» («Шум и тишина») Софии Губайдулиной для ударных и клавесина/челесты в исполнении Андрея Винницкого и Михаила Дубова. А далее на сцену вышел ансамбль «Студия новой музыки» во главе с Игорем Дроновым, который исполнил оркестровую версию А. Веберна Фуги-ричеркара из «Музыкального приношения» И.С. Баха. Профессора И.А. Дронова сменил за дирижерским пультом Григорий Кротенко, перед этим игравший на контрабасе. С ним «Студия новой музыки» исполнила пьесу Жерара Гризе «Partiels» («Частицы») для 18 музыкантов, а затем прозвучало «Baletto» Виктора Екимовского для дирижера с оркестром (у автора – «для любого ансамбля»).

По окончании этого шоу юбиляр, как истинный популяризатор всего нового, не выдержал, встал и прокомментировал публике, заполнившей в этот вечер зал, необычное зрелище – причины странного поведения дирижера, который собственно следовал партии, предусмотренной композитором…

Доцент С. Г. Мураталиева

№8 (1409), ноябрь2024 года

Новый сезон в Московской консерватории ознаменован важной для отечественной музыкальной культуры датой: 100-летием со дня рождения великого русского тубиста Алексея Константиновича Лебедева (1924–1993), изменившего представление об исполнительстве на духовых инструментах. Кафедра медных духовых и ударных инструментов под руководством профессора Э.Б. Юсупова посвятила памяти своего выдающегося педагога, основателя специального класса тубы в Московской консерватории, масштабное музыкальное событие – III Фестиваль ансамблей медных духовых и ударных инструментов.

Творческое и педагогическое наследие А.К. Лебедева – тубиста, педагога, композитора, профессора Московской консерватории (1950-1993), члена Союза композиторов СССР – бесценное достояние отечественной духовой школы. Фундаментальный труд А.К. Лебедева – двухтомная «Школа игры на тубе» (1974, 1984) – считается непревзойденным пособием для исполнителей, педагогов и студентов. Издательство «Музыка», издавая школы для различных инструментов, обычно ограничивало авторов объемом в 20 печатных листов. Однако достоинства «Школы игры на тубе» Лебедева были настолько очевидными, что ее выпустили объемом, в два раза превышающим норму.

Виртуозное мастерство музыканта и сегодня вспоминают в стенах Большого театра, где он шестнадцать лет был солистом оркестра: «Его игра отличалась великолепным бархатным звучанием тубы во всём диапазоне, безупречным техническим мастерством, большой музыкальностью и чувством стиля». А.К. Лебедев играл в великолепном квинтете духовых инструментов ГАБТ вместе с Т. Докшицером, М. Зейналовым, Я. Ганделем и В. Полехом. Он был участником Фестивалей молодежи и студентов в Венгрии, Польше и Москве. В день шестидесятилетия музыканта его коллеги по Большому театру написали в приветственном адресе: «Вы были одним из тех, кто закладывал исполнительские традиции оркестра Большого театра».

А.К. Лебедев был человеком разносторонним и очень образованным, в его роду в нескольких поколениях были врачи, математики и священники. Свое природное музыкальное дарование Лебедев развивал с ранних лет. Так, будучи совсем юным, уже виртуозно владел инструментом, а в старших классах школы начал руководить местным оркестром. За три месяца до совершеннолетия, в 1942-м, он был призван на фронт, прошел ускоренную подготовку в Саранском военном пехотном училище и был отравлен на передовую; там получил серьезное ранение, потерял левый глаз, став инвалидом войны. В составе сводного оркестра он был участником исторического Парада Победы в Москве 24 июня 1945 года.

Многое испытавший и переживший, хотя и совсем еще молодой человек, орденоносец (он был награжден орденом Отечественной войны I степени и медалями), Алексей Лебедев выдерживает экзамен в Московскую консерваторию и заканчивает ее досрочно, его имя заносится золотыми буквами на мраморную доску (1949 год). Однако диплома оркестрового факультета ему показалось мало, и он начинает учиться на композиторском отделении, совмещая учебу с работой в Большом театре и преподаванием в консерватории.

Сочинять музыку он начал, еще будучи студентом оркестрового факультета: писал для тубы, делал для своего любимого инструмента обработки и переложения классических произведений. Тогда же появились знаменитый Первый концерт (1947), который он исполнил на выпускном экзамене, и «Концертное аллегро» (1949) для тубы и фортепиано. Эти студенческие опусы сразу же стали репертуарными для тубистов не только в России, но и за рубежом: их и в наши дни с удовольствием исполняют и многократно переиздают. Перу Лебедева принадлежат также Второй концерт для тубы, сборники этюдов, «Сказка» для валторны, «Классические пьесы» и другие сборники переложений. Им написано более шестидесяти песен – строевых, детских и лирических; многие из них исполнялись на Всесоюзном радио. Сочинения Лебедева для тубы прочно вошли в программные требования на всероссийских и международных конкурсах, исполняются в сольных концертах музыкантами разных стран.

В 1998 году Всемирная Братская Ассоциация Тубистов Tubists Universal Brotherhood Association (T.U.B.A.) удостоила его самой престижной почести – награды «За жизненный подвиг». Как пишет Tuba Journal (1998, №1), «эта посмертная награда была присуждена в знак признания важнейшего вклада А. Лебедева в дело тубы в течение всей его жизни». За все время существования ассоциации такую награду получили только 32 человека.

Выдающийся бас-тромбонист, профессор М.М. Зейналов, проработавший с А.К. Лебедевым в оркестре Большого театра много лет, характеризовал его как музыканта-виртуоза, обладавшего насыщенным тембром и мощным звуком, в совершенстве владевшего и мелкой техникой, и искусством исполнения кантилены. Он отмечал, что Алексей Константинович был лучшим исполнителем тубных партий в сочинениях Прокофьева. Эти партии и сейчас являются одними из самых трудных в репертуаре оркестрантов.

Профессор А.К. Лебедев вел в консерватории класс тубы и класс ансамбля. За 43 года своей педагогической деятельности он воспитал более пятидесяти музыкантов-солистов и подготовил более ста студентов-ансамблистов. Продолжая традиции ансамблевой работы кафедры и в память об А.К. Лебедеве состоялся III Фестиваль ансамблей медных духовых и ударных инструментов. Его организаторами выступили профессора кафедры Э.Б.Юсупов (тромбон), А.О.Корнильев (труба), А.А.Раев (валторна) и доцент С.Ф.Бармин (туба).

Прошедший фестиваль порадовал слушателей разнообразием творческих коллективов. В его трех концертах на одной сцене выступали и выдающиеся музыканты-профессионалы, и студенты, и совсем юные артисты. В эти дни залы консерватории наполнились мощными звуками медных духовых и яркими ритмами ударных.

30 октября на концерте-открытии сцена Рахманиновского зала собрала лучшие ансамбли медных духовых и ударных инструментов Московской консерватории: ансамбль трубачей, «Хор валторн», «Хор тромбонов», «Хор тубистов», ансамбль ударных, брасс-квинтеты. Предваряя торжество, слово об А.К. Лебедеве сказал заведующий кафедрой, профессор Э.Б. Юсупов. Он поведал о жизненном подвиге Алексея Константиновича, о его вкладе в отечественную школу исполнительства на медных духовых, о жизненных ориентирах и традициях, которые им закладывались.

Гостями вечера стали: квинтет трубачей РНМСО, исполнивший трехчастную сюиту Э. Эвайзена «Городские пейзажи», и ансамбль «Music-Брасс» п/у Дмитрия Булкина, разыгравший музыкальную сказку «Басни о возрастном». Гостям ответили хозяева вечера: прозвучали «Кузины» Г. Кларка в исполнении Эркина Юсупова (тромбон) и Степана Бачевича (труба). Затем на сцену вышли студенты консерватории Александр Чайковский, Давид Киклевич и Сергей Тарев, зажигательно представив «Trio per Uno» для перкуссии Н. Живковича.

В праздничном концерте выступил также Большой брасс-ансамбль МГК п/у доцента Ярослава Белякова, который открыл свою насыщенную программу сочинением А. Бабаджаняна «Верни мне музыку» (солисты – Алексей Раев, Артур Арзуманов и Елена Брагина, валторна). Эстафету солистов принял Алексей Корнильев (труба), солировавший в «Салюте любви» Э. Элгара, а затем Досхан Жексембай исполнил на тромбоне арию Короля Рене из «Иоланты» П.И. Чайковского. В завершении вечера, отдавая дань уважения А.К. Лебедеву – композитору и педагогу, Сергей Бармин (туба) исполнил его виртуозное «Концертное Аллегро».

Во второй части концерта на сцену поочередно выходила молодежь: коллективы Академического музыкального училища при Московской консерватории, Музыкального училища имени Гнесиных, Академии джаза и МГИМ имени Шнитке. Благодаря организаторам фестиваля юноши и девушки получили возможность выступить в Московской консерватории, в зале с великолепной ансамблевой акустикой.

7 октября в Рахманиновском зале состоялось закрытие фестиваля. Первое отделение стало настоящим парадом прославленных ансамблей, в числе которых брасс-квинтет «New Life Brass», «Union Brass», ансамбль ударных инструментов п/у профессора В.М. Баркова и доцента С.В. Соловьева, квартет тромбонов Московской консерватории п/у профессора Э.Б. Юсупова, «Хор тубистов» Московской консерватории п/у доцента С.Ф. Бармина.

Во втором отделении выступил главный гость фестиваля – Центральный образцовый оркестр Военно-морского флота России имени Н.А. Римского-Корсакова п/у главного дирижёра, капитана 2-го ранга В.К. Лященко. В сопровождении завораживающего и волшебного звучания оркестра публика услышала «Концертино» для тромбона Ф. Давида в переложении для четырёх тромбонов и духового оркестра (солисты Юрий Мажорин, Дмитрий Баранник, Дамир Матурин и Досхан Жексембай). Финальный аккорд фестиваля поставил Сергей Бармин, исполнивший Концерт для тубы с оркестром Ф. Спарка.

Получился настоящий праздник! В насыщенной и многоликой программе фестиваля приняли участие лучшие музыканты страны. Отрадно, что проведение таких масштабных событий стало уже доброй традицией кафедры медных духовых и ударных инструментов. Чествование памяти ее достойнейших профессоров – еще одна замечательная традиция. Вспомним яркий концерт кафедры, посвященный 100-летию легендарного трубача Т.А. Докшицера, концерт-приношение русскому тромбонисту Христофору Борку или недавний вечер в Малом зале (22 сентября) памяти валторниста В.С. Шиша, много лет возглавлявшего кафедру. Вклад выдающихся музыкантов и профессоров в историю Московской консерватории не только не забывается их коллегами, учениками и учениками учеников, но и бережно передается следующим поколениям музыкантов.

Доцент С.Ф. Бармин,
кандидат педагогических наук
Доцент Н.В. Гурьева,
кандидат искусствоведения

№8 (1409), ноябрь2024 года

«Приношением Мастеру» был назван Фестиваль камерной музыки Сергея Михайловича Слонимского (1932–2020), что проходил в залах столицы с 16 по 19 октября 2024 года. Концерты Фестиваля проводились в Государственном музыкально-педагогическом институте имени М.М. Ипполитова-Иванова, Государственном институте искусствознания и Московской государственной консерватории имени П.И. Чайковского. Одновременно Большой театр принимал у себя на Исторической сцене оперу С.М. Слонимского «Мастер и Маргарита», с успехом поставленную Самарским театром оперы и балета и уже представленную петербуржцам в Мариинском театре.

Со многими музыкантами этих культурных, учебных и исследовательских «очагов» петербургский мастер был связан лично: он охотно проводил творческие встречи со студентами разных специальностей, которым доверял первые исполнения своих сочинений. В частности, московская премьера труднейшего Концерта для альта с оркестром имела место в ГМПИ имени М.М. Ипполитова-Иванова (солист Чжан Кай Линь), где ректор, превосходный скрипач В.И. Ворона, сделал еще переложение романтической «Легенды» Слонимского для скрипки с камерным оркестром. Именно в зале института открывался Фестиваль, программа которого продемонстрировала богатство творческого наследия  петербургского композитора во всем его жанровом разнообразии. А своеобразным предвосхищением Фестиваля стало исполнение силами хора студентов ГМПИ и замечательных солистов Екатерины Соколовой и Владимира Красова сочинения Слонимского для хора a cappella «Видя разбойник», которое состоялось 15 октября в Римско-Католическом кафедральном соборе на концерте к 90-летию со дня рождения о. Александра Меня.

Напомним, что главными магистралями творчества Слонимского стали три пласта: симфонические партитуры (тридцать четыре симфонии и около десятка инструментальных концертов), музыкально-театральные сочинения (девять опер, три балета) и камерные композиции, инструментальные и вокальные.

Последний жанровый пласт на Фестивале был представлен исключительно широко. Романтические сочинения перемежались с авангардными, художественные диалоги с разными эпохами дополнялись удивительно свободным проникновением Слонимского в стили мировых национальных культур. Участие Раисы Николаевны Слонимской, вдовы композитора, выступавшей на всех концертах с живым словом о Мастере, внесло в Фестиваль особую краску достоверности.

В рамках Фестиваля состоялись интереснейшие московские премьеры сочинений Сергея Михайловича. Прозвучала пьеса «Lamento furioso» для скрипки, кларнета и фортепиано (исполнители: А. Попов, А. Ведякова и И. Александров). Эту скорбную песнь композитор посвятил памяти Эдисона Денисова, друга и коллеги по цеху, переписку с которым он опубликовал. Впервые прозвучала в столице «Русская токката» для арфы и скрипки (А. Уварова, класс профессора Е.Н. Ильинской). В числе прежде не звучавших в Москве миниатюр оказались «Бурлеска» для гобоя (А. Табачникова), «Токката» для органа (Е. Цыбко) и «Прелюдия-пиццикато» для виолончели соло без смычка (Е. Чуприкова).

Юмор, свойственный Слонимскому и заявленный в его главном литературном труде, книге «Абсолютный слух», получил свое отражение и в озорных инструментальных зарисовках. В их числе — «Джазелетта» и «Веселая интерлюдия», «Очень сентиментальный вальс» и «Типографические опечатки». Необычный звуковой мир последней из названных пьес во многом создала старая печатная машинка, на которой с серьезным удовольствием лихо солировал И. Александров. В его прекрасном исполнении прозвучало в дни Фестиваля многое, в том числе одна из самых популярных пьес Слонимского – знаменитые «Колокола», представляющие новый образ фортепиано (игра на струнах щипком и ударом кулака). Все знают, что Слонимский написал очень много музыки для детей и о детях, и было интересно услышать небольшую программную Сюиту по сказке Р. Баумбаха «Принцесса, не умевшая плакать», которую М. Шатковская не просто ярко исполнила, но и выразительно прочитала ее текст наизусть.

Подарком от петербургских музыкантов стал поздний программный опус Слонимского для камерного ансамбля «Время чудовищ», специально написанный для МАСМ. Как и последняя симфония композитора, эта музыка посвящена главной теме его творчества – борьбе со Злом, «монстрами» современного мира. Здесь страшно прозвучала тема Dies irae – символ неотвратимой смерти. Как часто бывает в музыке Слонимского, тембр здесь тоже определяет образно-смысловую ситуацию той или иной пьесы. В инструментальном театре лидирующую роль выполняла флейта-пикколо (Р. Турченко), бас-балалайка (С. Мотошин), три кларнета (А. Попов и другие участники ансамбля «Слонимский-Гала»). Дирижер А. Ведякова участвовала как ведущая скрипачка и в ансамблях (Трио №1, «Русская токката»).

В числе солистов особенно ярко проявила себя Лю Чжэ Хуэй (класс доцента Е.А. Леденевой), сыгравшая прелюдию и фугу из полифонического цикла Слонимского «24 прелюдии и фуги». Композитор в ней использовал черные клавиши для моделирования пятиступенной диатоники и говорил: «здесь китаянка пришла», что соответствовало ситуации фестивального концерта.

Удачной идеей организаторов стало включение в программы Фестиваля неизвестных в нашей стране произведений дяди Сергея Михайловича, Николая Леонидовича Слонимского (1894 – 1995), известного во всем мире собирателя и исполнителя-пропагандиста современных сочинений. Он был дирижером, композитором и, как и его племянник, блистательным выпускником Петербургской консерватории. В завершающий вечер впервые на родине Николая Леонидовича прозвучали его «Четыре русские мелодии» для кларнета и фортепиано (Н. Агеев и Р. Кудояров) и «Маленькая сюита» (ансамбль «Слонимский-Гала», дирижер А. Ведякова).

Очень ценным результатом прошедшего Форума стало рождение новых творческих содружеств, объединивших молодых музыкантов Москвы и Петербурга вокруг творческого наследия Сергея Михайловича Слонимского – одного из впередсмотрящих композиторов XX-XXI столетий.

Профессор Е.Б. Долинская

№8 (1409), ноябрь2024 года

В Рахманиновском зале 17 июня 2024 года состоялся концерт «Арфа от миниатюры до симфонии». Идея проведения концерта возникла на перекрестке двух крупных юбилеев: 150 лет со дня основания класса арфы в Московской консерватории и 60 лет творческой деятельности композитора, профессора Валерия Григорьевича Кикты.

Эти две даты неотделимы друг от друга. Хотя Валерий Григорьевич и не является арфистом, но его творческая судьба уже давно и прочно связана с арфой, и сегодня рассматривать развитие арфового искусства без наследия Кикты невозможно. Еще в середине семидесятых годов прошлого столетия началось тесное сотрудничество композитора с ведущими арфистами Советского Союза. Тогда никто даже не предполагал, во что оно выльется и какое историческое значение обретет эта дружба.

Спустя несколько лет, в 1985 году издательство «Советский композитор» опубликует целое собрание оригинальных арфовых опусов Кикты, разнообразных по форме и жанрам. С годами подобных изданий становилось все больше. Сочинения композитора сразу же начинают звучать на концертной эстраде, их включают в репертуар известные арфисты Вера Дулова, Ольга Эрдели, Одарка Вощак, Татьяна Тауэр и многие другие. Они становятся обязательными в программах всесоюзных, позднее всероссийских и международных конкурсов в номинации «арфа», записываются на грампластинках, издаются за рубежом.

Сегодня Валерий Кикта – крупнейший современный композитор в области создания музыки для арфы. Его перу принадлежат сочинения для исполнителей самого разного уровня от детских школ до консерваторий. Практически ни один арфовый концерт в наше время не обходится без музыки Кикты. Вечер 17 июня стал яркой презентацией творческого наследия композитора и продемонстрировал достижения автора от малых форм до масштабных симфонических опусов.

Концерт открылся сочинением с очень необычной судьбой. В конце 1970-х по случаю столетия украинского композитора Станислава Людкевича (1879 – 1979) Кикта создал цикл вариаций на тему одного из его романсов евангельского содержания. Через год этот опус прозвучал в гала-концерте всесоюзного музыкального конкурса во Львове в исполнении Веры Дуловой, и затем на протяжении нескольких десятилетий практически не исполнялся. Лишь в нынешнем году возродить эти вариации удалось солистке оркестра Большого театра Марине Чудаковой.

Многолетняя дружба связывает В. Кикту с известной российской арфисткой Наталией Шамеевой. Их творческое содружество привело к созданию нескольких оригинальных сочинений, и часть из них была представлена в программе концерта. Загадочные «Гимны Орфея» прозвучали в исполнении Наталии Шамеевой и тенора Юрия Ростоцкого. А в ансамбле с флейтистом Сергеем Журавлем арфистка сыграла двухчастный цикл под названием «Контрасты» для флейты и арфы.

Солисты оркестра Большого театра исполнили Трио в честь Марии Николаевны Ермоловой. Произведение является музыкально-философским обобщением жизни великой русской актрисы и иллюстрирует отдельные детали ее творческой биографии. В этом сочинении Кикта обращается к широко распространенной форме инструментального ансамбля – флейта (Мария Волкова), альт (Анна Сенина) и арфа (Ника Рябчиненко). А в исполнении ансамбля Большого детского хора имени В. С. Попова вместе с Мариной Подгузовой (арфа) и Мариной Бадмаевой (орган) прозвучала Украинская баркарола на тему народной песни XVIII века «Плывэ човэн». Солировал баритон Артур Теплицкий, дирижировал Георгий Журавлев.

Помимо оригинальных сочинений в программу концерта вошла и одна из транскрипций Валерия Кикты. Арфистка Мария Федорова совместно с квартетом солистов оркестра Camerata Komitas исполнила «Элегическую песнь» П. Чайковского op. 72 № 14. Выбранный композитором инструментальный состав – арфа и струнный квартет – это новое современное прочтение бессмертного наследия Чайковского, полностью сохраняющее оригинальный авторский замысел. Данная транскрипция стала второй работой композитора в области инструментальных переложений, созданных специально для М. Федоровой.

Кроме сочинений самого Валерия Григорьевича программа концерта включала музыку его учеников, подготовивших две премьеры. «Воспоминания из прошлого» Бориса Вишневского для очень необычного инструментального состава – альт (Никита Кожахметов), аккордеон (Иван Товолошкин) и арфа (Людмила Фролкова), – открывшие новую страницу в ансамблевых сочетаниях с арфой. Ярко прозвучало и новое сочинение Олеси Евстратовой «Мерцающая звезда» – романтический дуэт для гобоя (Александр Левин) и арфы (Нина Куприянова).

В завершении концерта слушателям было представлено легендарное творение Кикты – Концертная симфония «Фрески Софии Киевской» для арфы с оркестром. По своему содержанию сочинение возрождает историю христианской веры на нашей земле и воспевает святыни, общие для многих народов.

Наследие В.Г. Кикты обладает огромным масштабом: произведения для музыкального театра, симфонического оркестра, крупные вокально-хоровые опусы, сочинения для органа, камерная музыка и многое другое. В программе прошедшего концерта была представлена лишь малая часть сочинений композитора для арфы. Кикта – универсальный мастер, уже давно ставший признанным современным классиком. Однажды композитор сказал о себе так: «Я никогда не был секционистом, всегда стремился к расширению диапазона своей работы и освоению каких-то новых для себя сфер». Сегодня с уверенностью можно сказать, что диапазон творчества В.Г. Кикты поистине грандиозен, а новые сферы неисчерпаемы.

Александр Баранов,

начальник Учебного отдела МГК

№7 (1408), октябрь 2024 года

ПАЛОМНИЧЕСКАЯ ПОЕЗДКА НА ОСТРОВ ВАЛААМ

В конце августа от лица Московской консерватории студентки Анна Коломоец, Ксения Чикобава, Меланья Точилова, Александра Прохорова и Ангелина Самойлова вместе с преподавателем Межфакультетской кафедры фортепиано Юлией Сергеевной Куприяновой совершили свою первую паломническую поездку на святые валаамские земли. Нам выпал действительно счастливый билет! Но мы даже не представляли, что нас ожидает…

Путь до острова был непростым. В дороге мы находились шестнадцать часов, консерваторская делегация добиралась буквально на перекладных: поездом до Санкт-Петербурга, автобусом до Приозерска, кораблем по Ладоге до Валаама. Долготерпение вознаграждается: нас ожидали незабываемые увлекательные три дня!

В первый день Валаам приветствовал нас дождем и ветром. Однако паломников это не испугало. В сопровождении экскурсовода Андрея Теплоухова они вдоволь нагулялись по окрестностям Спасо-Преображенского собора, дошли до Никольского скита, полюбовались зарисовками суровых карельских пейзажей. Несмотря на всю усталость, на лицах «сестер из Консерватории» были улыбки; по пути они жевали ягоды и много беседовали, бурно обсуждая увиденное. Особенно вдохновились фресками на стенах храма Николая Чудотворца. На их удивление расписан он был силами местной братии, но в изображениях чувствовалась рука талантливого мастера! Затем – долгожданный обед, заселение в уютные номера «Дома паломника». Отдых. Вечерня. Ужин.

Второй день разбудил нас ослепительно ярким солнцем и заутренним звоном. После завтрака «сестры» отправились в Воскресенский скит, который расположен на живописном берегу Никоновской бухты – главной гавани Валаама. Согласно преданию, здесь святой апостол Андрей Первозванный воздвиг каменный крест. Строить этот скит начали в первые годы ХХ века благодаря пожертвованию мецената Иннокентия Сибирякова. В 1901 году был заложен фундамент, а уже через пять лет скит предстал во всем своем великолепии. Выложенный из кирпича терракотового цвета, скит состоит из верхнего и нижнего храмов. Нижний – подобие пещеры храма Гроба Господня в Иерусалиме, в мраморном гроте хранится частица истинного гроба Господня – камень из Иерусалима. Верхний храм с тонким фарфоровым иконостасом освящен во имя Святого Христова Воскресения.

Затем паломники отправились в долгую пешую прогулку (четыре километра). Они шли по красным, из-за избытка железа в почве, тропам, в которые своими мощными кореньями «вгрызались» грандиозные сосны. Путь лежал от скита к скиту. Эталоном силы человеческого духа и глубины веры является светлый Гефсиманский скит у подножия Елеонской горы, где нас встретил кот Гефсиман (в народе – Снежок). Скит воздвиг в 1911 году игумен Маврикий. Сама церковь с голубыми куполами богато украшена резьбой.

Вдохновившись очарованием красоты, путники отправились дальше, на гору Елеон. В чаще леса слышались тихие звуки скрипки – популярнейшая мелодия Огинского: на туристической тропе часто выступает местный житель. Чудеса! В конце долгого, но бодрого путешествия группа добралась до местной фермы, где смогла подкрепиться булочками, а также приобрести продукцию местного производства: сыр, изготавливаемый по итальянским технологиям, йогурт, сгущенку. После небольшой передышки паломников ждали прогулка по Игуменскому кладбищу, а затем и долгожданный обед.

Этим «программа дня» не была исчерпана. Вместе с экскурсоводами Андреем Теплоуховым и Ириной Васильевой группа отправилась в Смоленский скит, где мне удалось пообщаться с настоятелем скита и регентом братского хора Валаамского монастыря отцом Давидом и поговорить об особенностях валаамского распева. Затем по ухабистым и крутым дорогам группа дошла до неприступного (для женской половины паломников) скита Всех Святых. Вход сюда разрешен только мужчинам.

Пришла пора набраться сил перед Всенощным бдением. Ночное таинство… Есть нечто неотразимо притягательное в валаамских напевах. Поразительный синтез: древняя традиция знаменного пения и мелодии восточного, византийского происхождения! После трехчасовой службы одухотворенные «сестры из Консерватории» отправились почивать.

Последний день на острове выдался умиротворенным и самым коротким. Консерваторцы посетили утреню, познакомились с еще одним музыкальным коллективом острова – «прекраснозвучным» хором Валаамского монастыря, который часто гастролирует по разным городам России, исполняя не только валаамские напевы, но и светский репертуар.

…Валаам – это тихие молитвы, божественное откровение, можжевеловые тропки, скалистые берега, бородатые сосны, спокойствие и благодать. А Ладога сурова и изменчива. До последнего моменты не было ясно, удастся ли студентам выехать с острова, ведь шторм мог случиться в любую минуту. Но все сложилось наилучшим образом: хлесткими волнами и палящим солнцем Валаам провожал благодарных паломников.

За такое путешествие нам очень хочется поблагодарить главных вдохновителей поездки – ректора Московской консерватории, профессора А.С. Соколова, игумена Спасо-Преображенского Валаамского монастыря, епископа Троицкого Панкратия (Жердева) с братией, начальника Московского подворья Валламского монастыря – игумена Петра (Романова), а также наших педагогов: декана НКФ, профессора И.А. Скворцову и руководителя НТЦ церковной музыки, профессора Н.В. Гурьеву. За познавательные экскурсионные проповеди мы благодарим Андрея Теплоухова, а за чуткую организацию нашей поездки – Илью Рыбакова и Ирину Васильеву. Всем спасибо!

Анна Коломоец,

студентка НКФ, музыковедение

№7 (1408), октябрь 2024 года

Ксения Чикобава:

Окончание этого лета останется со мной надолго — мы были на Валааме! Это место не похоже на другие. Тут останавливается время. Здесь ты открываешь в себе абсолютно новые грани, до этого тебе незнакомые. За такой короткий срок ты буквально преображаешься! Я с уверенностью могу сказать, что подобного еще не испытывала. В этом весь парадокс: казалось бы, всего лишь три неполных дня, а столько впечатлений и новых открытий! Их ты обретаешь на всю жизнь.

Здесь ты засыпаешь после вечерней службы с улыбкой на лице, а в голове непрестанно звучит Валаамский распев, просыпаешься с колокольным звоном, бродишь по лесу, ешь малину, все время останавливаешься, чтобы как можно сильнее запечатлеть, оставить в памяти увиденное. Все время дышишь полной грудью и думаешь, как бы этот воздух и настоящую благость увезти с собой. Она здесь везде: в Храме, в крике чаек, в солнечном свете и звездном небе, в глазах каждого человека, а теперь и в нас.

О Валааме можно говорить очень долго, но на это, мне кажется, ни бумаги, ни жизни не хватит. Чувство благодарности за все то, что со мной произошло, будет со мной всегда. Спасибо!»

Анна Коломоец:

Путешествие на остров Валаам мне запомнится на долгие годы! Для нас, желторотых студентов научно-композиторского факультета и нашего руководителя Юлии Сергеевны Куприяновой, этот путь дался с трудом. Но «мучения» того стоили! Как только ступаешь на Валаамскую землю, душа наполняется благодатью Божьей, а суетные мирские мысли улетучиваются (даже несмотря на дождливую и ветреную погоду, которая нас хмуро приветствовала на острове).

В этой поездке у меня было много целей, но была и главная – познакомиться с Валаамскими напевами, разузнать их секреты, ведь в этом семестре я пишу курсовую работу, в которой мне предстоит осветить особенности местных распевов. Большой удачей оказалась возможность лично познакомиться со скитоначальником Смоленского скита и регентом братского хора Валаамского монастыря отцом Давидом. С ним мы мы успели поговорить не только о церковном пении, но и о традиции Валаамских звонов. Комментарии отца Давида были важными и я использую их в своем труде.

На острове я обрела не только знания о Валаамском распеве, но еще и просветление, умиротворение и покой, которые так сложно обрести в мегаполисе. От чистого сердца говорю спасибо нашим проводникам-экскурсоводам Ирине и Андрею за увлекательные истории о Валааме и за опеку над «сестрами из Консерватории». Валаам не только вдохновляет на дальнейшие свершения, но, как сказал Андрей, остров еще и «преображает людей». И это самое важное…

Александра Прохорова:

«Чем ближе к Богу, тем дальше от людей», – слова Александра Ясноокого очень точно описывают дорогу до Валаама. Путешествие до святой обители осилит не каждый, но испытания стоят того: суровый край со строгим монастырским уставом встретил нас с распростертыми объятиями. Нас заботливо называли «сестрами из Консерватории», рассказывали про путешествие Чайковского на остров.

Валаам – историческое место со своими тайнами. Благодать чувствовалась в каждом храме, скиту, в каждом камне этой святой земли. Отдаленное место хранит не только божественную силу, но и уникальный Валаамский распев, который можно услышать во всей своей красе и благости только здесь. Совершенно иначе слушаются знакомые молитвы в исполнении валаамских певчих. Паломничество в святую обитель – особенный духовный и музыкальный опыт, за которым хочется снова вернуться…

Ангелина Самойлова:
«Я слышала, как обрывались слова
и падали в небо камнями Ладоги.
Я помню, как трепетно ты замерла
к иконе лбом приложившись.
Долго ли ты спрашивала себя, отчего
сегодня поверила белым стéнам?
Боишься, что крошечное тепло
растает слезой на холодном лике? Нет!
Хоть, может, и вера моя не больше,
чем ягеля стебель. Ответь мне, господи!
Ты тоже когда-то был юн и тоже
дрожал от ветров, темноты и мороси?
Не хочешь со мной исповедаться здесь
сосне, можжевеловым дюнам?
Зажжется свечами роса, причастимся светом,
что огнём благодатным сойдёт к лицу.
На том берегу — половина меня,
но ты не печалься, от нас не убудет,
корзинками яблок монастыря
мы все отдадим, чтобы точно вернуться.
Готова штóрмы я переплыть
на самом худеньким плотике.
…«Сестра, ты благословишь улыбкой?»
…«Мы поку́мились в плеске волн…»
Сегодня я здесь, на большой земле,
вздохну и заплачу, в оглушительном гаме
закрою глаза, и послышится мне,
что мир весь кричит лишь одно: «Валаам!»…

№7 (1408), октябрь 2024 года

2 сентября в ознаменование открытия очередного филармонического сезона в Большом зале Московской консерватории состоялся концерт из фортепианных произведений П.И. Чайковского, в рамках которого с «Детским альбомом» композитора выступил пианист Андрей Писарев.

Выбор именно этого цикла для такого торжественного случая явно нетривиален. Одно дело, когда известные пианисты, записывающие монографический диск или альбом из всех фортепианных произведений Чайковского, исполняют эти миниатюры, и совсем другое, когда эти с виду непритязательные пьески выносятся на сцену БЗК да еще в такой торжественный момент. Надо отдать должное смелости пианиста, рисковавшего собственной репутацией и значимостью праздничного события.

Скажем сразу: риск оказался не только оправданным, но и плодотворным. Пианист сумел найти необычную образную тональность в прочтении цикла. Он прочитал «детский» опус Чайковского в духе «Детских сцен» Шумана, который, как известно, отмечал, что это его сочинение создано взрослым и для взрослых. Именно так, как нам представляется, читает эту музыку Андрей Писарев.

Впрочем, дело не только в этом. Примерно так, то есть не просто как детские непритязательные «мгновения», наверняка воспринимали эти пьески и другие взрослые исполнители, осуществившие запись цикла, – такие, например, как А.Б. Гольденвейзер, Я.В. Флиер, В.В. Горностаева, А.Г. Севидов, В.В. Постникова, М.В. Плетнев и другие. А.А. Писарев, как думается, весьма определенно выдвигает на первый план еще один важный ракурс рассмотрения – момент «воспоминательности», впечатление временнóй отстраненности, эффект «давно прошедшего».

На это работает и чисто внешний антураж: седовласый (хотя совсем не старый) профессор исполняет пьески, игранные им в годы детства. Лицо пианиста все время остается спокойно отстраненным, не реагируя на давно прошедшие события в жизни ребенка. Отсюда, очевидно, и общий приглушенный (сколько лет прошло!) эмоциональный колорит, подернутый дымкой «милой старины», и, соответственно, мягкие тембро-динамические краски. Мы не услышим при такой концепции ни драматического напряжения в «Похоронах куклы», ни захлебывающейся радости в «Новой кукле»; не ощутим ни острой злобы в «Бабе-Яге», ни жутких «пуганий» в «Няниной сказке», ни разудалой молодцеватости в пьесах «Русская песня» и «Мужик на гармонике играет»; не уловим ни экстатической любви в миниатюре «Мама», ни донельзя упоительных мечтаний в «Сладкой грезе». Разумеется, в трактовке Писарева не место и несколько натуралистическим «улыбкам» в духе того, как Владимир Фельцман исполняет сценку «Игра в лошадки» – в намеренно медленном темпе, имитируя скромные пианистические возможности маленького ученика…

Такой общий подход может привести к некоторой звуковой и художественной монотонности. Но здесь выручает, прежде всего, большое мастерство Писарева-пианиста, в совершенстве владеющего четким, прозрачным фортепианным туше и, в частности, мельчайшими динамическими градациями звука от pianissimo до mezzo-forte. С помощью тщательно выверенных выразительных средств артист убедительно реализует тонкие поэтические образно-смысловые оттенки.

Наиболее ярким проявлением общей образной тональности целого в интерпретации Писарева является исполнение им «Старинной французской песенки», и это не случайно. Здесь уже в самом замысле пьесы непосредственно содержится фактор старины, параметр некой отдаленности, являющийся в трактовке пианиста лейтобразом целого. Отметим, что обычно педагоги требуют здесь от ребенка подчеркнутой выразительности: «жирное» crescendo к вершине первой фразы и наполненное звучание с помощью legatissimo, тем более что автор снабдил музыку ремаркой espressivo. Писарев играет эту миниатюру тихо, легко, прозрачно – как будто смотрит на что-то в перевернутый бинокль… Интересно, что в таком же ключе в своем переложении цикла для струнного оркестра трактует этот номер аранжировщик и дирижер Ю. Туровский: данная пьеса исполняется с использованием легчайших флажолетов (музыка высоких «небесных сфер»); отстраненность здесь подчеркнута, таким образом, с помощью регистра и тембра. Примерно так по смыслу трактует этот номер и Писарев.

Но все-таки ближе к окончанию цикла флер воспоминаний неожиданно прерывается. К суровой реальности возвращает мрачный хорал «Господи, помилуй», помещенный Чайковским в начале пьесы «В церкви». Песнопение резко выделено пианистом с помощью впервые столь мощно звучащего fortissimo и воспринимается как приговор судьбы, как своего рода заклинание Memento mori. (Особенно впечатляюще оно звучит a capella в записи Хора им. А.В. Свешникова.) Этот внезапный явственный переход в иную смысловую плоскость – из зыбкого мира воспоминаний в неумолимую действительность – можно условно сопоставить с появлением заключительной постлюдии «Поэт говорит» в «Детских сценах» Шумана. Дальнейшее течение музыки в пьесе Чайковского воспринимается, с одной стороны, как отзвуки неземного (излучающие свет аккорды в верхнем регистре) и, с другой, как зловещие, угрожающие, дьявольские отголоски в повторяющихся нотах нижнего регистра (все почти так, как в окончании Сонаты h—moll Листа). Столь многозначительные образные переклички придают целому философскую значимость…

После такого погружения в «размышления о вечном» (вспоминается также шумановский вопрос «Не слишком ли серьезно?») происходит поворот к обычному, неостановимому, неумирающему потоку жизни. Завершающая цикл пьеса «Шарманщик поет» – символ этой повседневной суетности и безучастной отстраненности. Пианист следует здесь порядку номеров, предусмотренному в первой, неокончательной версии, и это вполне логично. Такое объективно нейтральное окончание как нельзя лучше подходит к его концепции.

Оригинальная интерпретаторская версия Андрея Писарева не выглядит надуманной и, по-видимому, органично вытекает из творческой индивидуальности артиста. Трактовка Андрея Писарева украсила вечер открытия концертного сезона в Большом зале Московской консерватории и была овациями встречена благодарными слушателями.

Профессор А.М. Меркулов

№7 (1408), октябрь 2024 года

В Концертом зале им. Н.Я. Мясковского 14 мая 2024 года состоялся авторский вечер известного композитора и музыковеда, доктора искусствоведения, профессора Санкт-Петербургской консерватории И.С. Воробьёва. Творческие встречи с Игорем Станиславовичем уже давно полюбились консерваторской публике, став замечательной традицией. Они проходят почти каждый год и всегда – в неизмененной теплой дружеской атмосфере и с новой программой. Представляла композитора слушателям доктор искусствоведения, профессор Е.С. Власова.

Панорама различных жанров и периодов творчества И.С. Воробьёва открылась фортепианной композицией «Контррельефы» в исполнении Михаила Турпанова, которому удалось передать идею графичности, рафинированной звукописи в духе Веберна. По словам автора, это сочинение было создано в период творческого становления и стилевых экспериментов.

Если «Контррельефы» можно было бы назвать своеобразным эпиграфом к творческому стилю, то ARARA для фортепиано, скрипки и фортепиано – это яркая репрезентация музыкальной поэтики композитора. Светлое, полное нежных образов и смыслов сочинение о первоистоках жизни – любви и семье – прозвучало в исполнении Трио имени С. Кнушевицкого в составе: Вера Иофе (ф-но), Анастасия Никопольская (скрипка), Давид Ежов (виолончель).

Особого внимания заслуживает трактовка слова в вокальных сочинениях И.С. Воробьёва, большая работа по осмыслению, прежде всего, ритмической стороны поэтических текстов. В авторском вечере прозвучало несколько вокальных композиций: «Два сонета» Микеланджело Буонарроти в переводе Вяч. Иванова (исполнили Максим Шабанов, баритон, и Николай Манаков, ф-но), а также цикл «Зимние песни» на стихи Б. Пастернака (исполнили Екатерина Семёнова, меццо-сопрано, и Карина Погосбекова, ф-но). Обращает на себя внимание развернутая и весьма виртуозная фортепианная партия во всех этих сочинениях, далеко выходящая за рамки простого аккомпанемента и требующая от исполнителей значительной подготовки.

Еще одна грань творчества И.С. Воробьёва – связь с русской музыкальной традицией, опора на национальные истоки музыки. В завершении концерта прозвучала яркая неофольклорная фреска «Плачи» на русские народные темы для солистки, фольклорного ансамбля, четырех контрабасов и фортепиано. В исполнении приняли участие солистки фольклорного ансамбля Санкт-Петербургской консерватории, специально приехавшие в Москву для выступления: Алёна Быстрова, София Кефер, Владислава Сидорская, а также ансамбль контрабасов из Московской консерватории: Яна Сахно, Анна Терехова, Николай Черниговцев, Никита Хлебков. Партию фортепиано исполнял Михаил Турпанов, а Игорь Воробьёв, выступил в этом сочинении в качестве дирижера.

Энергетику концерта и музыки очень трудно передать словами. Но она всегда оставляет след в душе слушателя. Ощущение, никогда не покидающее при соприкосновении с творчеством Игоря Воробьёва – это чувство художественной правды, естественности музыкального высказывания. В его музыки нет ничего искусственного, вымышленного ради какой-нибудь модной, «актуальной» концепции. Это всегда – искренний монолог о самом важном, о человеке и для человека, это искусство воспевать жизнь здесь и сейчас.

По словам Игоря Станиславовича, он чувствуют себя носителем великой русской музыкальной традиции, частью которой себя считает, прежде всего, через петербургскую композиторскую школу. Обладая безупречным композиторским мастерством, И.С. Воробьёв ставит перед собой большие духовно-эстетические задачи, обращаясь к вечным ценностям, таким как красота, творчество, любовь, семья. Свет и добро, мощная позитивная энергетика произведений композитора очень востребованы в сегодняшней непростой жизни, полной деструктива и неуверенности, вселяя надежду, что красота все-таки должна «спасти мир».

В заключение хотелось бы выразить признательность руководству Московской консерватории и лично проректору по научной и воспитательной работе, профессору К.В. Зенкину и начальнику Учебного отдела А.А. Баранову за помощь в организации концерта и возможность творческого сотрудничества с коллегами из Санкт-Петербурга.

Ст. преподаватель кафедры теории музыки М.В. Воинова,

кандидат искусствоведения

№7 (1408), октябрь 2024 года

Н.А. Заболоцкий «Вечер на Оке»

10 июня в столице весь вечер шел проливной дождь… И, кажется, только в одном, новоотстроенном «Московском дворике» между Большой Никитской улицей и Средним Кисловским переулком люди совсем не заметили непогоды. В этот вечер в Московской консерватории состоялся концерт «В.Д. Поленов – художник и композитор» к 180-летию со дня его рождения.

Василий Дмитриевич Поленов (1844 – 1927) обладал незаурядным исполнительским и композиторским талантом. Он был «одним из немногих живописцев, кто постоянно сочинял музыку – симфонические и духовные произведения, романсы, квартеты, оперы», –пишут авторы проекта «В.Д. Поленов – художник и композитор» в своем замечательном буклете, специально изданном в честь события.

На сцене Рахманиновского зала музыкантам удалось воссоздать атмосферу теплого летнего вечера на Оке. Именно там, близ города Тарусы, недалеко от села Бёхово с 1890 года художник отстроил большой каменный дом, мастерскую и обосновался вместе с семьей. В своей усадьбе в Борке, как называл ее сам живописец, вдохновленный «очарованьем русского пейзажа» Поленов много работал над своими полотнами, а по вечерам с удовольствием отдавался музицированию.

Картины художника сменяли друг друга на большом экране над сценой: во всей красе предстали заокские пейзажи, запечатленные рукой живописца. По бокам сцены симметрично расположились бережно привезенные из Поленово портреты Василия Дмитриевича Поленова и его жены, Натальи Васильевны Якунчиковой, выполненные рукой Н.Д. Кузнецова. Казалось, будто хозяева Борка тоже присутствовали на музыкальном вечере. Перед началом концерта был показан небольшой фильм о современной культурной жизни Музея-заповедника.

Собравшихся приветствовал ректор Московской консерватории, профессор А.С. Соколов, рассказав и о многолетней традиции просветительских проектов кафедры истории русской музыки, и о творческом содружестве Консерватории с Музеем-заповедником, и о многогранности таланта В.Д. Поленова. Со вступительным словом к гостям вечера обратилась художественный руководитель проекта, его инициатор и вдохновитель – декан научно-композиторского факультета, заведующая кафедрой истории русской музыки, доктор искусствоведения, профессор И.А. Скворцова. Она поделилась своими впечатлениями от знакомства с музыкой В.Д. Поленова, рассказала о стиле его музыкальных сочинений, рукописном нотном архиве и о концепции юбилейного вечера.

В первом отделении концерта исполнялись сочинения самого композитора-художника. Некоторые из них были специально восстановлены для этого вечера по рукописям, предоставленным Государственным мемориальным историко-художественным и природным музеем-заповедником В.Д. Поленова и лично его директором Н.Ф. Поленовой. Молодежный хор НТЦ церковной музыки Московской консерватории (художественный руководитель проф. Л.З. Конторович) во главе с дирижером Михаилом Котельниковым исполнил хоровые сочинения Поленова. Песнопения из Литургии сопровождались сменявшими друг друга, словно ожившими на огромном мультимедийном экране, полотнами В.Д. Поленова. И как одухотворенно и празднично, на шестой седмице по Пасхе, звучали песнопения из Литургии св. Иоанна Златоуста, а на полотне художника возвышенно белела на берегу Оки Троицкая «Церковь в Бёхове»!

Современные программы и компьютерные средства обработки изображений, действительно, позволяют иллюстрациям «оживать»: приближать и удалять наиболее значимые элементы картины, добавлять пейзажам движения, водной глади – ряби или капель, солнечным лучам – яркости или бликов, облакам – воздушности и парения. Так, на восприятие Херувимской песни настраивал вид «Благовещенского собора в Москве» (1877), хоровому «Тебе поем» гармонировал вид «Церкви у озера» (1880), во время торжественного «Хвалите Господа с небес» на экране блистал «Вид на Тарусу вечером», запечатленный художником в 1910-е годы.

Шесть фрагментов Литургии вместе с четырьмя хорами на стихи М.Ю. Лермонтова обрамляли в первом отделении Трио для фортепиано, скрипки и виолончели Поленова. Не случайно это сочинение Поленов назвал «Фантазия-мозаика»: словно чистые краски на поленовских импрессионистических пейзажах, будто кусочки мозаики большого дома в Борке, в этом сочинении соединились яркие музыкальные темы. В Трио композитор воссоздал целый мир: здесь и огненная «Марсельеза», и «Рейнская» симфония Шумана, и величественная «Слава» Мусоргского… Чем ясней становились все детали большой мозаики Поленова во время исполнения, тем «необъятней делались дали речных лугов, затонов и излук», как писал Заболоцкий.

В конце первого отделения на сцену вновь вышел Молодежный хор, на этот раз с солистами. Четыре хора Поленова – «Горные вершины», «Белеет парус», «По небу полуночи» и «Ночевала тучка» – сопровождались его живописными картинами и этюдами «Гора Хермон с Фавора», «Вход в Смирнскую бухту (Смирнский залив)», «Сумерки» и др. Музыка Поленова, как и его пейзажи, силой точного образа рождала не только восхищение и умиротворение, но порой и «грусть, волнение… и даже слезы. Те редкие слезы, которые вызывает прекрасное. Русский пейзаж с его мягкостью, застенчивыми веснами, с его невзрачностью, которая через короткое время оказывается тихой красотой…» (К.Г. Паустовский).

Во втором отделении концерта звучала музыка Баха – композитора, творчество которого высоко ценил Василий Поленов. Народный артист РФ Александр Князев (виолончель) исполнил три части из Партиты №2 (BWV.1004) в собственном переложении для виолончели. Затем он, совместно с лауреатом всероссийских и международных конкурсов Филиппом Копачевским представил на суд слушателей Сонату С.В. Рахманинова для виолончели и фортепиано соль-минор (опус 19) – любимое сочинение художника, часто звучавшее на музыкальных вечерах в Борке. Чувственная игра А. Князева никого не могла оставить равнодушным, тембр виолончели звучал как человеческий голос. Быть может, то был голос великого Баха, гениального Рахманинова или самого Василия Поленова, чьи фотографии сменялись на экране. И в теплой, точно домашней обстановке слушатели, позабыв о традициях светского концерта, с упоением и благодарностью аплодировали музыкантам после каждой исполненной части.

Творчество Поленова, так гармонично сочетающее в себе изобразительное искусство и музыку, несомненно, уникальная страница русской истории и культуры. И многогранный талант мастера рубежа XIX-XX столетий вдохновил организаторов мультимедийного проекта объединить на сцене звуковые и живописные произведения Василия Дмитриевича. Нет сомнения, что каждый слушатель-зритель, вышедший в тот вечер из светлого Рахманиновского зала, с восторгом и наслаждением шагал по мокрым от дождя московским улицам…

Софья Бердникова,

студентка НКФ, музыковедение

№7 (1408), октябрь 2024 года

Беседа с доцентом Московской консервватории, кандидатом искусствоведения Д.Р. Петровым

– Даниил Рустамович, помните ли Вы тот момент, когда точно решили избрать музыку своей профессией?

– В моем случае это была встреча с педагогом по музыкальной литературе, и с самим предметом. Роль музыкальной литературы в школе очень важна. Когда ребенок начинает учиться музыке, то по специальному инструменту или по сольфеджио он может делать довольно скромные успехи из-за возникающих сразу трудностей. Но при этом его привлекает сама музыка, которую он может слышать. Музыкальная литература в этом смысле приближает ученика к интересующей его музыке. Наверное, я не сразу на тот момент решил, что буду продолжать заниматься, но постепенно это понимание пришло. И позднее я поступил в Казанское музыкальное училище на теоретическое отделение.

– Расскажите о своей учебе в Московской консерватории. Что Вам запомнилось больше всего?

– Когда вы в возрасте от восемнадцати до двадцати четырех лет, это время очень счастливое, которое я запомнил именно таким. Это период взросления и важных открытий в жизни и профессии… И это вещи неотделимы друг от друга. Когда я вспоминаю то время, важное место в этих воспоминаниях занимают мои сокурсники. Наша жизнь в консерватории отличалась тем, что мы очень много общались друг с другом на профессиональные темы и проводили много времени вместе, обсуждали все, что с нами происходило на занятиях или концертах. На моем курсе было много талантливых людей. О них я вспоминаю с большой благодарностью. Конечно, консерватория во-многом ассоциируется у меня с моими учителями. Мне повезло учиться, например, у Ю. Н. Холопова, Ю. А. Фортунатова, А. И. Кандинского, Е. М. Левашева, быть среди слушателей самых первых лекций, которые прочли в рамках музыкально-исторических курсов для студентов-музыковедов М. А. Сапонов или безвременно ушедшая от нас И. Е. Лозовая. Вообще, многих своих учителей я вспоминаю очень часто. Пожалуй, отдельно нужно сказать об А. В. Михайлове, крупнейшем ученом-гуманитарии. Как раз незадолго до моего поступления в консерваторию он был приглашен В. Н. Холоповой для чтения авторских курсов, некоторые из которых сегодня опубликованы в виде конспектов. Встреча с Александром Викторовичем произвела на меня неизгладимое впечатление. При этом мне совсем не свойственно думать, что раньше, что называется, было лучше, чем сейчас. Напротив, среди Ваших педагогов есть те, у которых я бы тоже хотел учиться.

– Какая область истории музыки Вас интересовала во время обучения в консерватории?

– Не помню, чтобы у меня было желание четко определять сферу моих интересов. Могу сказать, что она лежала всегда в области истории музыки. Чего я сознательно избегал, так это обращения к сферам, которые требуют очень специальных знаний и навыков, глубокого в них погружения. Например, таким,  как медиевистика. Не хотел оказаться в ситуации, когда придется пожертвовать своими более широкими интересами. Что касается выбора отдельных тем, то дипломную работу о раннем творчестве Густава Малера я писал в классе И.А. Барсовой. Еще в подростковом возрасте музыка Малера была для меня очень сильным впечатлением, и даже потрясением. И тогда у меня появилась книга Инны Алексеевны о симфониях Малера. А во время учебы в консерватории мне посчастливилось общаться с автором. И когда я узнал, что в творчестве Малера есть сферы относительно малоизвестные, мне показалось интересным обратиться к таким темам под руководством самой Инны Алексеевны.

. И когда я узнал, что в творчестве Малера есть сферы относительно

– Вы стажировались в Европе, какие у Вас остались впечатления?

– Все стажировки проходили по программе академических обменов. При работе над диссертацией, которая тоже была связана с творчеством Малера, было важно ближе познакомиться с зарубежным малероведением в Австрии, где находится международное малеровское общество (Internationale Gustav Mahler Gesellschaft). Получив такую стажировку на три месяца, я оказался впервые в другой стране, в контексте другого языка. Хорошо помню, как в ситуации ограниченного общения я много времени проводил один и таким образом мог спокойной изучать Вену, погружаться в жизнь этого города. Жалею только, что первоначальная трудность понимания устной речи не дала мне тогда в полной мере воспринять то, что меня окружало; так, не сразу я решился посещать лекции и семинары в Венском университете, к которому был прикреплен. Следующие стажировки состоялись, когда я уже преподавал и начал вести курс «Источниковедения и текстологии» в консерватории. Мне хотелось познакомиться с работами зарубежных коллег, прежде всего, немецких. В Берлине моим консультантом был прекрасный музыковед-текстолог Кристиан Мартин Шмидт, и общение с ним многое дало. Такого рода стипендии — очень положительный опыт. Вы получаете возможность провести несколько месяцев вдали от ваших будней и забот. Для профессионала это важно, особенно в период работы над какой-то крупной темой.

– Существенно ли отличается европейская методика обучения от нашей?

– Никакой единой европейской методики не существует. Когда говорят о различных моделях музыковедческого образования – российской или европейской, западной – обычно имеют в виду консерваторское образование и университетское. Наше музыковедение сосредоточено только в музыкальных учебных заведениях. В Европе оно изучается в основном в университетах. Сами эти модели не имеют национальности. Музыковедение как отдельная специальность, которая изучается в вузах – явление сравнительно молодое, по существу, только ХХ века. И тогда были реализованы эти два пути. Наше музыковедческое образование было выстроено в консерватории по модели композиторского, один из главных разделов нашего плана – музыкально-теоретические предметы, которые являются в большой степени практическими. Университетская модель музыковедческого образования возникла на исторических и филологических факультетах, не предполагающих такого количества практических и индивидуальных занятий. Тем не менее, теория музыки существует в Европе как дисциплина в высших музыкальных учебных заведениях, она является ответвлением теории композиции. То есть там две модели, а у нас одна. При нашей системе в музыкальную науку приходят только те, кто уже получил специальное музыкальное образование. Но ведь этой сферой могут заинтересоваться и люди из гуманитарных специальностей и западная система музыковедения открыта для таких людей. Наша сосредоточенность на специальных учебных заведениях в чем-то ограничивает возможности тех, кто хотел бы прийти в нашу сферу извне и обогатить музыкальную науку.

– Как Вы работаете со студентами-дипломниками?

– Когда мы говорим о методике, думаем о чем-то устоявшемся и определенном. Для меня методика существует в рамках того, что называют индивидуальным подходом. Он начинается с выбора темы, интересной автору будущей работы. Желательно для дипломной работы брать тему достаточно широкую, или, если в центре внимания находится какое-то ограниченное явление, то тема должна предполагать учет широкого контекста или рассмотрение явления в разных аспектах. Если выбирается слишком узкая тема или слишком специальный подход, то это сильно ограничит возможности начинающего исследователя. Дипломная работа – произведение крупной формы, значит, в ней требуется получить опыт работы с обширным материалом. Трудности тоже индивидуальны. Но я стараюсь замечать в чем студент их испытывает, что-то ему посоветовать, и, возможно, развернуть работу в направлении, представляющем автора прежде всего с его положительных сторон.

– Знаю, что Вы преподаете в Литературном институте им. Горького. Что именно?

– Случайным образом мне предложили вести курс истории музыки, который длится всего один семестр. Дело в том, что курс истории искусств там поделен на части, посвященные их разным видам. Сначала мне казалось, что преподать историю музыки в течение одного семестра просто невозможно. Я строил курс очень свободно: он состоял из отдельных проблемных тем, которые с разных сторон освещали специфику музыки. Никакого последовательного исторического изложения, там не было. Сейчас же, когда потребовался календарный план, указать темы в той свободной и на посторонний взгляд непонятной последовательности уже не удалось. Я подумал, а нельзя ли все-таки в эти немногие занятия уложить то, что можно будет назвать историей музыки, которая проведет нас от древности до современности. Мне показалось это вполне возможным. Оказаться перед другой гуманитарной аудиторией, для которой этот предмет не является специальным, очень интересно. Это увлекает и самих студентов, и преподавателя. Музыка, даже самая сложная, пишется не для музыкантов и музыковедов, и обычные слушатели могут быть ее глубокими знатоками и ценителями.

Беседовала Полина Радугина,

студентка НКФ