№9 (1410), декабрь 2024 года

ВОССОЗДАВАЯ РУССКУЮ ИСТОРИЮ…

29 октября в Рахманиновском зале Московской консерватории в рамках просветительского проекта «Возрождение русской оперной классики» состоялся концерт, посвященный 220-летию со дня рождения Михаила Ивановича Глинки. Проект возник в 2016 году по инициативе заведующей кафедрой истории русской музыки Московской консерватории, доктора искусствоведения, профессора И.А. Скворцовой.

Рахманиновский зал – место особенное. На протяжении многих десятилетий слушатели имеют возможность знакомиться с концертными программами как выдающихся деятелей музыки, признанных мастеров, так и молодых талантливых исполнителей, которые только начинают свой путь. Этот вечер объединил на сцене и тех, и других. Публике была представлена новая программа, состоявшая из двух весьма редко исполняемых произведений М.И. Глинки, созданных на слова Нестора Кукольника: музыка к трагедии «Князь Холмский» и вокальный цикл «Прощание с Петербургом» в оркестровой версии.

Проникнуться многогранной и совершенной музыкой Глинки и познакомиться с этими редко исполняемыми, практически забытыми шедеврами слушателям помогли постоянные участники проекта, творческие коллективы нашей Alma Mater – Камерный оркестр Московской консерватории (художественный руководитель и главный дирижер Народный артист России, доцент Ф.П. Коробов) и Камерный хор Московской консерватории(художественный руководитель и главный дирижер профессор А.В. Соловьёв). С оркестром и хором выступили замечательные вокалисты: солисты МАМТ имени К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко Наталья Петрожицкая (сопрано), Наталья Зимина (меццо-сопрано) и студент вокального факультета Консерватории Давид Саникидзе (тенор).

«Князь Холмский» – это гениальное произведение, образец зрелого стиля Глинки, принадлежащий ко времени совершеннейшего развития его таланта. По каким-то необъяснимым причинам оно практически не входит в концертный репертуар, его очень редко можно услышать со сцены. Музыковед Иосиф Райскин в своих размышлениях о малоизвестных творениях композитора задавал вопрос: «Любите ли вы Глинку?». И сам же отвечал на него: «Какой же русский не любит “Жизнь за царя”, “Руслана и Людмилу”, “Камаринскую”, “Вальс-фантазию”… Но не все вспомнят музыку к “Князю Холмскому”, которую Чайковский назвал “симфоническим чудом”. Странная, необъяснимая судьба!»

Прозвучавшие в этот вечер две жемчужины Глинки – «Князь Холмский» и «Прощание с Петербургом» – явились блестящим продолжением серии сочинений, возвращенных на музыкальную сцену творческим коллективом проекта «Возрождение русской оперной классики». Среди них были «Орфей» Евстигнея Фомина, «Сын-соперник» Дмитрия Бортнянского, «Рафаэль» Антона Аренского, «Карантин» Алексея Верстовского, «Скупой рыцарь» Сергея Рахманинова, «Сказание о граде Великом Китеже и тихом озере Светояре» Сергея Василенко. В этом году, почти два века спустя с момента сочинения, современному слушателю удалось услышать «Князя Холмского» Глинки, прикоснуться к этому «симфоническому чуду» и насладиться гениальной музыкой русского классика.

В первой части программы, после увлекательного вступительного слова профессора И.А. Скворцовой, художественного руководителя проекта, были исполнены все восемь музыкальных номеров из драмы «Князь Холмский»: увертюра; антракт ко второму действию, два вокальных номера – «Еврейская песня Рахили» и «Песня няни Ильиничны» с хором; антракт к третьему действию и «Сон Рахили»; антракты к четвёртому и пятому действиям.

В основе сюжета – исторические события: борьба Руси против Ливонского ордена в 1470-е годы. Действие разворачивается сначала в рыцарском замке, а затем во Пскове. Исторически достоверную атмосферу Древней Руси, колорит средневекового города, башни Псковского Кремля, сцены сражений и городского вече, воссозданные по летописным сводам и рукописям, и даже образ молодого московского воеводы, князя Даниила Дмитриевича Холмского, присланного Иваном III возглавить псковское войско, – все это можно было увидеть во время звучания музыки на огромном экране, размещенном над сценой.

Проникновенные голоса солистов и музыка оркестра, то парадная, бурная и драматичная, то лиричная и задушевная, погружали собравшихся в красоту этой инструментальной драмы, которую А.Н. Серов назвал одним из капитальнейших творений великого русского композитора. Высокий уровень вокального мастерства и профессионализм музыкантов, их самоотдача не оставили равнодушным никого из слушателей в зале. Подтверждением тому был постоянный шквал аплодисментов не только после завершения всей музыкальной драмы, но и в конце каждого из ее номеров.

Сценическая судьба трагедии Кукольника сложилась не очень удачно. Его стихотворный текст оказался тяжеловесным и трудным для восприятия, он не произвел должного впечатления на публику. В результате дивная музыка Глинки по мастерству, несомненно, в разы превосходящая поэтический текст Кукольника, оказалась несправедливо забыта. Тем более приятно было наблюдать, как замечательное сочинение благодаря научной и источниковедческой работе инициативной группы педагогов кафедры истории русской музыки – профессора И.А. Скворцовой, доцентов Н.В. Гурьевой, Д.И. Топилина и сотрудника факультета А.А. Дамарской, а затем и силой вдохновения и творческой самоотдачей музыкантов-исполнителей, – снова предстало перед слушателями во всей своей красе и многогранности.

В прекрасно иллюстрированном буклете, специально изданном к этому особенному музыкальному вечеру, отмечаются парадная триумфальность, неистовое буйство в драматических красках, очаровательные лирические темы, эпический размах, героическая бравурность в симфонических решениях Глинки, которые поражают своей многогранностью. Действительно, композитор стремился передать и воссоздать дух исторического времени укрепления Великого Княжества Московского.

Заложенная в опере «Жизнь за царя» (1836) народно-патриотическая тема спустя четыре года продолжилась в «Князе Холмском» (1840). Здесь она получила новое развитие и интересное сюжетное воплощение: в переплетении героических эпизодов и народных сцен с кознями врагов, с мыслями об отречении от отечества, с подкупами и хитроумными планами ливонцев, а также с яркой, запутанной любовной линией и сопутствующими ей обольщениями, колдовскими чарами, коварством Адельгайды и самоубийством несчастной Рахили… А после всего произошедшего – с возмездием Ивана III и наступлением долгожданного примирения.

Вторая часть концерта была посвящена премьерному исполнению вокального цикла «Прощание с Петербургом» в новой – оркестровой версии. Известно, что Глинка задумал и написал цикл быстро, летом того же 1840-го года, действительно намереваясь вскоре покинуть северную столицу. Параллельно он уже увлеченно работал над «Русланом». Впервые в истории русской вокальной лирики композитор писал именно цикл – серию романсов, объединённых одной темой, единой поэтической основой и названием.

Уникальность исполненного в Рахманиновском зале цикла М.И. Глинки – в оркестровой версии вместо фортепианного сопровождения. Это стало возможным благодаря таланту и мастерству композитора, доцента кафедры композиции К.А. Бодрова, который сделал замечательную оркестровку всего цикла: соединил традиции глинкинского оркестра – знаменитую легкость оркестровки – с реалиями современного звукового пространства. Кузьма Бодров тонко прочувствовал, что оркестр Глинки во многом предвосхитил импрессионистическую красоту последующей эпохи и изумительно точно рассчитал звуковой баланс расширенного состава Камерного оркестра и Камерного хора в акустике Рахманиновского зала с эмоционально насыщенной партией главного героя.

Огромная заслуга в оглушительном успехе премьерного исполнения оркестровой версии «Прощания с Петербургом» и всей концертной программы принадлежит опытному и талантливому дирижеруФеликсу Коробову, гордости Московской консерватории. Оркестр под его руководством весь вечер царил на сцене: замечательно исполнил воссозданную партитуру драмы «Князь Холмский», чутко и проникновенно аккомпанировал певцу в «Прощании с Петербургом».

Все двенадцать романсов прозвучали в одном концерте полностью, циклом, следуя подряд номер за номером. Это само по себе редкость, ведь такое исполнение предполагает не только большое мастерство вокалиста, но и его выносливость – и физическую, и эмоциональную. Переключаться солисту приходилось буквально «на лету» – в короткой паузе, а иногда и без нее, пока оркестр играет вступление к следующему номеру – очередной истории любви и ревности или размышлению и воспоминанию.

В этот вечер разнохарактерные романсы цикла «Прощание с Петербургом» блестяще исполнил студент Давид Саникидзе (класс проф. А.П. Мартынова; концертмейстер-репетитор Людмила Духан). Солист, без преувеличения, поразил публику своим безупречным вокальным мастерством, глубоким погружением в образ и, тем самым, сумел нарисовать перед слушателями картины странствий и скитаний, красоту русской природы и колорит дальних стран. Ему удалось выразить весь спектр разнообразных человеческих эмоций, которые Глинка вложил в свои камерные вокальные шедевры.

В конце программы слушателей в зале ждал сюрприз: во время исполнения заключительной «Прощальной песни» на сцену вновь вышел и присоединился к солисту Камерный хор Московской консерватории. Его хормейстером в этот вечер выступал Тарас Ясенков. Яркие хоровые акценты внесли торжественность, звонкость и мощь в звуковую палитру исполнявшихся партитур, а слаженное исполнение хоровых партий, великолепная артикуляция и позитивные эмоции студентов-хористов стали украшением вечера.

Заключительный номер с хором внес в финальную композицию цикла «Прощание с Петербургом» ликующее настроение, воспевая радость дружбы. Это яркое и вдохновенное звучание явилось достойным завершением уникального концерта, все участники которого не только показали высочайший уровень исполнительского мастерства и профессионализма, но и донесли до поклонников глинкинского таланта его абсолютную любовь к отечественной истории и культуре, к русской природе и человеку.

Хочется выразить огромную благодарность всем участникам и организаторам проекта, особенно Ирине Арнольдовне Скворцовой, благодаря которой великие, но забытые образцы русского сценического искусства много лет подряд обретают в Московской консерватории новую жизнь и вновь становятся доступны почитателям русской музыки.

Артём Паламарчук,
студент НКФ
Доцент Н.В. Гурьева,
кандидат искусствоведения

Фото Дениса Рылова

№9 (1410), декабрь 2024 года

28 октября состоялся финал Второго всероссийского конкурса для студентов высших музыкальных учебных заведений «Звезды EXEED». Конкурс, организованный Московской консерваторией совместно с ее официальным партнером, премиальным автомобильным брендом EXEED, прошел в Малом зале, открыв публике новые имена.

Конкурс стал успешным продолжением сотрудничества EXEED и Московской консерватории, которому уже исполнилось два года. За это время бренд оказал неоценимую поддержку нашей Alma Mater. Именно благодаря команде бренда EXEED в Рахманиновском зале установили портативный орган, а старинный клавесин, принадлежащий композитору Андрею Волконскому, отреставрировали. На концерте-презентации в честь этого события выступила победительница первого конкурса «Звезды EXEED»,скрипачка София Яковенко, причем с амбассадором EXEED, скрипачом Вадимом Репиным – студентка Московской консерватории впервые вышла на одну сцену с прославленным артистом.

В этом году EXEED провел реконструкцию трех томов уникальной рукописной коллекции западноевропейской музыки позднего Возрождения и барокко представителя старинного дворянского рода и любителя музыки Александра Скарятина, переданной в 1888 году Московской консерватории. Также EXEED сейчас занимается реставрацией рояля музыковеда и педагога Юрия Фортунатова – инструмента фирмы Stenway&Sons, хранящегося в музее имени Н.Г. Рубинштейна.

Благодаря EXEED молодые исполнители, учащиеся консерватории, неоднократно получают возможность выступать в концертных программах EXEED не только в Москве, но и в регионах – в Калининграде, Сочи. Проекты бренда без преувеличения дают путевку в жизнь студентам Московской консерватории, а для держателей автомобилей, постоянных клиентов EXEED – возможность услышать талантливую молодежь.

На конкурс «Звезды EXEED» в этом году поступило более 100 заявок, из которых эксперты выбрали 18 участников: по три в каждой номинации. В этом году конкурс включал в себя шесть номинаций: фортепиано, сольное пение, скрипка, виолончель, медные духовые инструменты и деревянные духовые инструменты. Последние были введены в программу конкурса впервые.

Молодые исполнители состязались с утра до позднего вечера в Малом зале: каждый конкурсант как соло, так и в дуэте со своими концертмейстерами представлял программу, состоящую из двух контрастных сочинений XVIII-XX веков. Прозвучали произведения Моцарта, Шопена, Листа, Равеля, Чайковского, Рахманинова, Свиридова, в которых исполнители раскрыли выразительные возможности своих инструментов и продемонстрировали свое мастерство. Финал конкурса транслировался в прямом эфире благодаря съемке Телевидения Московской консерватории: число зрителей превысило 60 тысяч.

Членами жюри в этом году стали ведущие российские музыканты, педагоги Московской консерватории. Пианистов оценивали профессора А.А. Писарев, А.Б. Диев, виолончелистов – профессор И.И. Гаврыш и доцент О.Б. Галочкина, исполнителей на медных духовых инструментах – профессора Э.Б. Юсупов и А.О. Корнильев, исполнителей на деревянных духовых инструментах – профессора А.М. Голышев, М.В. Урман, вокалистов – профессора П.И. Скусниченко и Е.И. Скусниченко, скрипачей – профессора В.М. Иванов и М.В. Федотов. Председателем Оргкомитета выступил ректор Московской консерватории, профессор А.С. Соколов, заместителем председателя – скрипач Вадим Репин, председателем Экспертного совета – профессор И.А. Скворцова.

На торжественной церемонии награждения, состоявшейся после очных прослушиваний, были объявлены имена финалистов и победителей, которым вручили памятные дипломы и денежные сертификаты. «Сегодняшний праздник – это наша новая традиция, которая обязательно будет продолжаться», – подчеркнул ректор А.С. Соколов и добавил, что финалисты и победители конкурса будут участвовать в будущих совместных проектах консерватории и бренда EXEED.

Победителями Второго всероссийского конкурса стали пианист Александр Мартьянов, виолончелист Богдан Ефремов, баритон Максим Морозов, трубач Ильяс Невретдинов, флейтист Петр Худоногов, скрипачка Мария Артеева. Мария также получила специальный приз от Московской консерватории – сольный концерт в одном из ее камерных залов. Еще одну награду – приз зрительских симпатий – забрал скрипач Александр Полторацкий. Финалистами в номинации «деревянные духовые инструменты» были названы Игорь Смалий и Елизавета Тананыкина, в номинации «медные духовые инструменты» – Степан Смирных и Полина Щербакова, в номинации «виолончель» – Михаил Пейсель и Андрей Гуськов, в номинации «скрипка» – Александр Полторацкий и Артур Кришчян, в номинации «фортепиано» – Максим Ли и Виталий Петров, в номинации «сольное пение» – Мария Мальцева и Максим Шабанов.

Конкурс «Звезды EXEED» завершился на самой торжественной ноте, собрав на одной сцене участников, членов жюри и команду организаторов. В этот вечер в стенах Московской консерватории родились новые звезды исполнительского искусства, чьи имена обязательно зажгутся на музыкальном небосводе.

Доцент Я.А. Кабалевская,
член оргкомитета Конкурса

№9 (1410), декабрь 2024 года

«Братских народов союз вековой!…»

С 14 по 16 сентября Московская консерватория и РАМ имени Гнесиных провели очередную совместную «Вахту памяти» по местам боев 8-й Краснопресненской дивизии, в составе которой воевали музыканты-добровольцы, многие из которых погибли.

В этом году «Вахта памяти» прошла с международным участием и была приурочена к 80-летию освобождения республики Беларусь от немецко-фашистских захватчиков, а также к 25-летию со дня подписания президентами России и Беларуси Договора о создании Союзного государства и посвящена грядущему празднованию 80-летия Победы в Великой Отечественной войне.

Программа «Вахты» традиционно началась с выступления в Смоленске. По словам ректора Московской консерватории, профессора А.С. Соколова, «Смоленск – это один из центров русской культуры. Это родина моего деда, писателя Ивана Сергеевича Соколова-Микитова. Смоленская земля дорога консерваторцам – в Великую Отечественную войну здесь воевали наши студенты и педагоги. И мы надеемся, что наше многолетнее творческое сотрудничество будет продолжаться и развиваться».

На сцене концертного зала Смоленской областной филармонии, постоянного партнера Московской консерватории, состоялся концерт, на котором выступили солисты и ансамбли двух московских вузов: проф. Екатерина Скусниченко (сопрано), доц. Николай Агеев (кларнет), преп. Александра Котляревская (фортепиано), женский вокально-хоровой ансамбль «VIRIBIS» под художественным руководством дирижера Марии Клюевой (в его составе студенты Московской консерватории и Музыкального училища при РАМ им. Гнесиных), ст. преп. Андрей Дубов (фортепиано), преп. Никита Говоров (балалайка), дуэт «Fusion» (Илона Савина, аккордеон и Никита Украинский, баян), преп. Максим Павлов (сольное народное пение), Квартет саксофонистов «Academic Quatro» (Леонид Друтин, Сергей Прашкович, Давид Турсуматов, Илья Харлов).

На концерте, который прошел в рамках гастрольной программы «Молодые звезды Московской консерватории» при поддержке Министерства культуры РФ и «Росконцерта», прозвучала также премьера сочинения композитора Артема Ананьева Хорал «Памяти…» на стихи А.Т. Твардовского, уроженца Смоленщины, в исполнении Камерного хора Московской консерватории под управлением профессора А.В. Соловьева. В качестве эпиграфа композитор использовал пророческие слова Твардовского из поэмы «Василий Теркин», написанной в 1943 году:

«Не зарвемся, так прорвемся,
Будем живы — не помрем.
Срок придет, назад вернемся,
Что отдали – все вернем».

На следующий день студенты и педагоги музыкальных вузов впервые с 1986 года посетили белорусский город Кричев, где расположен памятник «Поющие», установленный в честь консерваторцев Александра Окаёмова и Геннадия Лузенина. Когда началась война, артисты ушли в народное ополчение, не воспользовавшись консерваторской бронью, и стали бойцами Батальона имени П.И. Чайковского. Батальон разгромили немцы, и оставшиеся в живых добровольцы попали в плен. Так Лузенин и Окаёмов очутились в Кричевском лагере смерти, где вели активную подпольную борьбу. Фашисты узнали об их деятельности, и в феврале 1943 года артистов-подпольщиков расстреляли. Их подвиг помнят и чтят потомки и на русской, и на белорусской земле.

Делегацию из Москвы с большим теплом встретила администрация Кричевского района. «Приветствую гостей из России на Белорусской земле», – со вступительным словом обратился к гостям председатель Кричевского райисполкома Андрей Седуков. Он отметил, что как в Великую Отечественную войну советский народ сохранял единство в борьбе с врагом, так и сегодня белорусы и россияне в едином кулаке не дадут переписать историю, не допустят, чтобы родную землю топтали и унижали.

Возле памятника прошел торжественный митинг с возложением цветов и театрализованным представлением учащихся Кричевских школ. Прозвучал и знаменитый «Орленок» композитора Виктора Белого на стихи Якова Шведова, – песня, первым исполнителем которой был Александр Окаёмов. Акция продолжилась в Районном центре культуры г. Кричева совместным концертом творческих коллективов Московской консерватории, РАМ имени Гнесиных, Белорусской государственной академии музыки и Республиканской гимназии-колледжа при Белорусской академии музыки.

В процессе «Вахты памяти» ее участники также посетили экскурсии в Музее А.Т. Твардовского и в Музее М.И. Глинки в Смоленской области.

Фрагменты записи мероприятий прошедшей «Вахты памяти» войдут в создаваемый к юбилею Победы документальный фильм «Музы не молчат» – совместную работу Медиадепартамента Московской консерватории и Всероссийского государственного института кинематографии имени С.А. Герасимова.

Доцент Я.А. Кабалевская,
Руководитель «Вахты памяти» Московской консерватории
Фото Эмиля Матвеева

№9 (1410), декабрь 2024 года

16 ноября 2024 года в Рахманиновском зале консерватории состоялся концерт «Приношение Альфреду Шнитке», посвященный 90-летию со дня рождения выдающегося композитора XX века, одного из корифеев современной академической музыки Альфреда Гарриевича Шнитке (1934–1998).

На афише концерта, организованного Научно-композиторским факультетом (координатор Концертного сектора профессор С.В. Голубков), можно было прочитать: «А. Шнитке и молодые композиторы». В исполнении великолепных инструменталистов и вокалистов, лауреатов всероссийских и международных конкурсов, были представлены произведения Шнитке и молодых авторов – педагогов, выпускников и студентов Московской консерватории.

Первое отделение концерта открыла продолжающая лучшие традиции современной академической музыки композиция для саксофона, скрипки и фортепиано «Канун Праздника» Анжелики Комиссаренко в роскошном исполнении Алексея Круглова, Ивана Кузнецова и автора – новую версию сочинения украсила вступительная импровизация. Затем прозвучали Трио для скрипки, виолончели и фортепиано Альфреда Шнитке (авторская версия Трио для скрипки, альта и виолончели), справедливо считающееся одной из вершин камерного наследия композитора, и «Невидимые купола» для скрипки, виолончели и фортепиано Алины Подзоровой – четырехчастная композиция, созданная в рамках программы Союза композиторов России «Ноты и квоты». Мастерское воплощение этих произведений Трио им. М.Л. Таривердиева (Полина Желиба, фортепиано, Анастасия Кускашëва, скрипка и Екатерина Семёнова, виолончель), покорило слушателей глубиной, чувственностью и техническим совершенством.

Второе отделение началось Тремя прелюдиями для фортепиано Олега Давыдова (класс проф. Ю.В. Воронцова) в блистательном авторском исполнении. Вслед за ними прозвучала премьера виртуознейшего Трио для скрипки, виолончели и фортепиано (II и III части) Тяньхао Чжоу (класс проф. С.В. Голубкова). Интерпретация сочинения студента из КНР китайскими музыкантами (Хао Бай, Ен Чин Цэн и автор) была очень тепло принята взыскательной публикой.

Достойным завершением концерта стало выступление Струнного квинтета «MUSICUS» (Владимир Таланов, скрипка, Евгений Кузнецов, скрипка, Михаил Дормидонтов, альт, Святослав Тарасов, виолончель и Сергей Морозов, контрабас), великолепно исполнившего произведения Сергея Морозова. Это были «Грустный вальс» из цикла «Три лирические пьесы» для струнного квинтета, вокальный цикл «Три стихотворения Осипа Мандельштама» («Бессонница», «Ленинград», «На луне») в версии для сопрано и струнного квинтета (солистка Эллина Шатская), премьера накануне завершенной композиции «Стихи Ду Фу, отправленные Клингзору» для меццо-сопрано и струнного квинтета на текст Германа Гессе (солистка Ирина Дубкова) и, «на десерт» – Дуэт Мочалки и Щетки (Э. Шатская и И. Дубкова) из оперы «Великий Умывальник», воспринятый слушателями с неподдельным энтузиазмом. Музыкантам удалось в полной мере раскрыть художественное разнообразие музыки, а также подчеркнуть преемственную связь исполненных сочинений с отдельными образцами творчества Альфреда Шнитке.

Как всегда, элегантно вела программу вечера доцент А.В. Комиссаренко, создавая совершенно неповторимую атмосферу. Концерт получился интересным и разнообразным. Он запомнился поистине многообещающим потенциалом представителей молодого поколения современной композиторской и исполнительских школ. Быть непосредственным и самостоятельным в своем творческом развитии – лучшее приношение памяти Альфреда Гарриевича Шнитке!

Григорий Амосов
доктор физико-математических наук,
профессор кафедры методов современной математики МФТИ/МИАН,
ведущий научный сотрудник Математического института имени В.А. Стеклова РАН

Говорят слушатели:

Благодарим за концерт, впечатления незабываемые! Очень грамотно составлена программа: одно произведение едва ли не шокирует, другое, наоборот, расслабляет и позволяет погрузиться в медитацию – как, например, «Невидимые купола» Алины Подзоровой. Не знаю почему, но мне показалось, что эту музыку написала композитор с тонкой чувственной натурой: запомнились нежные созвучия в изумительном исполнении Трио имени М.Л. Таривердиева, в воображении возникали картины горных пейзажей и рассвета в поле, когда только занимается день… Струны души откликались!

Хочется отметить также Трио Тяньхао Чжоу – очень энергично и с большим мастерством играли это произведение китайские музыканты, интересно было слушать их игру в сплоченном музыкой ансамбле.

Композиции Сергея Морозова заставляли то улыбнуться, то прослезиться. Во время исполнения вокального цикла «Три стихотворения Осипа Мандельштама» иногда возникали мурашки, настолько глубоко певице удалось воплотить музыкально-поэтические образы. Очень забавным получился дуэт Мочалки и Щетки из оперы «Великий Умывальник», хотелось бы услышать эту оперу на одном из следующих концертов или в детском музыкальном театре. В целом произведения Сергея Морозова воспринимались сравнительно легко, как вокально-инструментальный «мини-спектакль», вызывавший самые разнообразные эмоции и ставший прекрасным завершением концерта: это было красиво (и визуально, и на слух), артистично, местами иронично, иногда смешно и очень талантливо!

Анастасия Сергеева и Ирина Мельникова,
выпускницы ГИТИСа

№9 (1410), декабрь 2024 года

8 ноября в Рахманиновском зале Московской консерватории состоялся концерт «Отзвуки театра», посвященный 95-летию со дня рождения Эдисона Денисова. Исполнял программу ансамбль «Студия новой музыки», в роли чтеца и актера выступил Вениамин Смехов, в качестве певицы– Алена Верин-Галицкая. Музыкальную часть возглавил бессменный художественный руководитель и дирижер «Студии» профессор И.А. Дронов.

Помимо «Голубой тетради» Эдисона Денисова, центрального сочинения концерта, прозвучали Пятая симфония Галины Уствольской «Amen» для скрипки, гобоя, трубы, тубы, деревянного куба и солиста на текст молитвы «Отче наш»; «Мелодекламации» Владимира Ребикова и Сюита из музыки к кинофильму «Маленькие трагедии» Альфреда Шнитке в переложении Юрия Каспарова.

Открывала концерт Симфония Уствольской. Минимум выразительных средств. Погруженность в пространство ритуала. Размеренное движение времени, которое стоит на месте. Ритмический параметр предельно ослаблен. Однако концентрация проживания момента времени и гипнотическая сила музыки зашкаливает благодаря энергии тембра — сгустком выразительности становится именно он. В нынешнем концерте Симфония стала мощным зачином-эпиграфом к иным мирам: «Мелодекламациям» Ребикова, которые живут где-то между шумановским порывом и скрябинским парением (иногда — в опасной близости от последнего), трагикомедии Сюиты Шнитке и, наконец, абсолютному одиночеству денисовской «Голубой тетради». Голос Смехова объединял разные художественные миры, одновременно представ и «инструментом» того или иного ансамбля (за исключением сочинения Шнитке), и проводником к пониманию музыки, вносящим в звучащее собственную личную «ноту».

Если «белых пятен» в наследии Уствольской и Шнитке почти нет (те же, что есть, активно заполняются музыковедами и исполнителями), то фигура Ребикова, чьи «Мелодекламации» оказались в роли скромного романтического интермеццо в драматургии концерта, заслуживает пояснений. Выпускник филологического факультета Московского университета, знаток философии, талантливый литератор, в чьих текстах уже порой звучит абсурд почти хармсовского толка, Ребиков рядовому меломану известен разве что своей «Елкой» и репутацией декадента со знаком минус. Между тем Владимир Иванович был активным общественным деятелем и плодовитым композитором, причем не только миниатюристом, но автором десяти опер, а его меломимики, мелодекламации, мелопластики, мелопоэзы и прочие жанровые изыски (например, музыкально-психографическая драма) стали заметными явлениями культуры Серебряного века, хотя фигура их создателя и была позже заслонена в глазах последующих поколений опытами радикальных экспериментаторов эпохи.

Мировая премьера «Голубой тетради» на тексты Хармса и Введенского для сопрано, чтеца, скрипки, виолончели, двух фортепиано, трех групп колоколов и световой проекции состоялась в апреле 1985 года в Ростове-на-Дону. Московская – в декабре того же года в Малом зале консерватории; в ней солировали Елена Комарова (сопрано) и Вениамин Смехов (чтец), также участвовали Евгения Алиханова (скрипка), Александр Ивашкин (виолончель), Людмила Голуб и Тигран Алиханов (фортепиано); дирижировал Александр Лазарев. 

В «Голубой тетради» образца 2024 года было много всего того, за что мы любим музыку поэта «хрупкой, исчезающей красоты мира». Исполнение было эталонным: хороши были и выразительный контрапункт с необычными акцентами певицы и чтеца в истории о Рыжем-человеке-которого-не-было (или это «томился в клетке Бог без очей без рук без ног»?). И скупо инструментованная миниатюра про Калугина («Сон»), сквозь нарочитую будничность которой то и дело «просвечивает» метафизический абсурд бытия и становится непонятно, где сон, а где – уже нет. И «галлюциногенное» звучание ансамбля, сопровождающее сценку про Машу и Гриб («Кассирша»). И, наконец, «Тюк» в жанре инструментального театра, который с абсурдистской невозмутимостью разыграли Алена Верин-Галицкая и Вениамин Смехов. Выдающийся актер, личность большого масштаба, ставший своего рода «голосом вечера», и молодая певица, активно и всесторонне осваивающая музыкантскую профессию (причем и в теоретическом ключе тоже – как музыковед и журналист), создали на сцене великолепный дуэт. Проза Хармса и поэзия Введенского перемежались репликами самого Вениамина Борисовича, создававшими второй план сочинения с акцентами и дыханием сегодняшнего дня, которому абсурд тоже далеко не чужд.

К концу «Тетради» атмосфера заметно сгустилась, и напряжение нашло выход в последнем номере цикла «Мне жалко что я не зверь», этой исповеди Введенского с ее монотонной магией, полной темного огня мрачных откровений. В 1934 году поэт, показав только что написанное стихотворение приятелям, заметил: «Тут все имеет для меня значение, так что, пожалуй, о нем можно было бы написать трактат». Трактат – не трактат, но кажущийся абсурд текста здесь оборачивается как минимум сжатой в стихе философией, как максимум – личной молитвой. И какая молитва ближе к Духу, начальная «Отче наш» или будничное до прозрачности слово Введенского в финале концерта – остается вопросом. Дух, как известно, дышит, где хочет. Впрочем, обэриуты никогда и не ставили чистый эксперимент во главу угла, спустя сто лет их тексты звучат ровно так, как были задуманы. При всей своей внешней интеллектуальной надуманности и кажущейся «неконтактности» они остаются документами эпохи, полными бесконечной любви к жизни, ко всему живому и настоящему – вопреки всему.

Концерт памяти Э. В Денисова, эталонный по своему замыслу и его воплощению, прошел с большим успехом. Умный и понимающий слушатель, заполнивший в тот вечер Рахманиновский зал, тепло приветствовал исполнителей благодарными овациями.

Мария Кузнецова,
кандидат искусствоведения,
Ответственный редактор газет МГК

№9 (1410), декабрь 2024 года

«Звучи, о арфа!»

С 28 ноября по 1 декабря 2024 года в МГК прошел фестиваль «К 150-летию класса арфы Московской консерватории». Солидной дате соответствовал и масштаб мероприятия: фестиваль включал в себя два концерта в Малом зале консерватории и две серии мастер-классов французской арфистки Катрин Мишель. Состоялось вручение специально объявленных по случаю юбилея благодарностей ректора Московской консерватории педагогам-арфистам как нашего вуза, так и других образовательных учреждений Москвы. Специально к памятной дате был издан иллюстрированный альбом и выпущен комплект из трех компакт-дисков. Автором идеи и организатором фестиваля стал музыковед, начальник учебного отдела МГК Александр Баранов. Он же был и ведущим концертов.

Первый концерт 29 ноября носил мемориальный характер. Он стал музыкальным приношением тем, кто работал в классе арфы Московской консерватории на протяжении 150 лет. Каждый номер программы был связан с именем того или иного арфиста – это были сочинения, созданные кем-то из педагогов, либо им посвященные, либо входившие в их концертный репертуар.

Класс арфы в Московской консерватории был основан в конце 1874 года по личной инициативе директора, Николая Григорьевича Рубинштейна. Первым педагогом класса стала Ида Ивановна Эйхенвальд – арфистка немецкого происхождения. Рубинштейн и Эйхенвальд вместе работали в Большом театре и в симфонических собраниях Русского музыкального общества, вместе выступали в концертах. Консерваторскому классу арфы Ида Ивановна отдала более тридцати лет жизни. В исполнении Полины Барановой прозвучала Серенада B-dur op. 83 для арфы соло Элиаса Пэриш-Алварса, когда-то входившая в репертуар немецкой арфистки.

Следующий номер посвящался Александру Ивановичу Слепушкину – настоящему революционеру арфового искусства. Валерия Вощенникова исполнила знаменитого «Жаворонка» Глинки–Балакирева. В арфовый репертуар это сочинение впервые ввел именно А. Слепушкин.

Отдельную значительную страницу истории класса арфы составляет династия Эрдели: Ксения Александровна, Ольга Георгиевна и Татьяна Глебовна. Когда-то педагог Екатерина Вальтер-Кюне, у которой училась К.А. Эрдели, создала музыкальное приношение своей ученице – Фантазию на темы из оперы П.И. Чайковского «Евгений Онегин». На концерте памяти педагогов-арфистов это сочинение блестяще исполнила Мария Крушевская.

Продолжился концерт посвящением Марии Александровне Корчинской – единственной арфистке, удостоенной золотой медали при окончании консерватории. Корчинская довольно много играла камерную музыку, демонстрируя широкие возможности арфы как ансамблевого инструмента. Следуя устремлениям арфистки, приношением ей стала Серенада для флейты, скрипки, альта, виолончели и арфы op. 30 Альбера Русселя, которую исполнил ансамбль студентов Московской консерватории: Лукерья Мишнёва (флейта), Мария Русина (скрипка), Дмитрий Глушков (альт), Артемий Резвых (виолончель) и Ашхен Геворкян (арфа).

Творчество великой Веры Георгиевны Дуловой поистине можно назвать настоящей кульминацией и в истории арфового класса Московской консерватории, и в истории отечественного арфового искусства XX века. Номер, ей посвященный, представила ученица и первая ассистентка профессора Дуловой, ныне заслуженная артистка России Наталья Шамеева. В ее исполнении публике были представлены два опуса П.И. Чайковского – «Сентиментальный вальс» и «Баркарола».

Далее последовало сочинение Михаила Петровича Мчеделова – ассистента К.А. Эрдели, а затем и доцента Московской консерватории. В исполнении Татьяны Емельяновой прозвучали его Вариации на тему Арканджело Корелли «La Folia».

В качестве посвящения О. Г. Эрдели было выбрано сочинение из репертуара знаменитой арфистки – Ария в классическом стиле для арфы и органа op. 19 Марселя Гранжани. Исполнили произведение Макарий Чирков (орган) и Юлия Комарова (арфа).

В репертуаре Ирины Петровны Пашинской, ученицы В.Г. Дуловой, особо любим был Ноктюрн Es-dur М.И. Глинки для арфы соло. В этот вечер он прозвучал в исполнении ученицы И.П. Пашинской Нины Куприяновой.

Заключительный номер был посвящен памяти Николая Гавриловича Парфенова – ученика А. Слепушкина, музыканта с трагической судьбой. В 1938 году он был арестован по обвинению в контрреволюционной деятельности и приговорен к расстрелу. Значительная часть его наследия была уничтожена. Вальс из балета «Спящая красавица» П.И. Чайковского в транскрипции для четырех арф исполнили студенты Российской академии музыки имени Гнесиных (класс профессора М. М. Агазарян): Александра Арсенова, Алёна Соломкина, Мария Зимина, Елизавета Щетинина.

Уникальным событием для всего российского арфового сообщества стали два дня мастер-классов, проведенных прославленной французской арфисткой Катрин Мишель в Концертном зале имени Н. Я. Мясковского. Катрин Мишель – ученица Пьера Жамэ, окончила Парижскую консерваторию. Арфистка играла в Национальном оркестре Франции, а затем на протяжении практически тридцати лет была солисткой оркестра Парижской оперы. Катрин Мишель была замужем за Мишелем Леграном и часто исполняла его музыку.

Непосредственно к юбилейной дате был издан иллюстрированный альбом, содержащий сведения обо всех педагогах-арфистах, работавших в классе арфы Московской консерватории в течение 150-ти лет с момента его открытия. Альбом был подготовлен Александром Барановым совместно с дизайнером Сергеем Бароновым.

В сотрудничестве со студией звукозаписи Московской консерватории был выпущен эксклюзивный комплект из трех компакт-дисков, включающий малоизвестные сочинения русских композиторов для арфы. Данный проект стал уникальным в истории арфового искусства по количеству произведений и исполнителей в рамках одной серии дисков. Александр Баранов и звукорежиссер Руслана Орешникова провели одиннадцать ночных сессий звукозаписи, а монтаж длился несколько месяцев. К комплекту дисков опубликован иллюстрированный буклет, содержащий информацию о композициях и исполнителях (автор текста А. Баранов).

Грандиозным завершением фестиваля стал гала-концерт, состоявшийся 1 декабря на сцене Малого зала. Вечер открылся московской премьерой «Lamento» Бетховена – Б. Тищенко для арфы со струнным оркестром (транскрипция третьей части сонаты B-dur, op. 106 Людвига ван Бетховена) в исполнении петербургской арфистки, заслуженной артистки России Ирины Анатольевны Тищенко и Камерного оркестра Московской консерватории под управлением Ирины Копачёвой-Куровской. И. Тищенко закончила Санкт-Петербургскую консерваторию в классе Т.Л. Тауэр, ученицы К.А. Эрдели и В.Г. Дуловой.

Ещё одной петербургской гостьей этого концерта стала солистка Михайловского театра Татьяна Репникова, исполнившая «Влтаву» для арфы соло Б. Сметаны в транскрипции Х. Трнечека. Солисты оркестра «Camerata Komitas» в составе: Шарлотт Дюпиль (I скрипка), Арсен Ивлев (II скрипка), Арсений Захаров (альт), Данила Владыко (виолончель), Эрнест Алавердян (кларнет) совместно с арфисткой Марией Федоровой исполнили Увертюру на еврейские темы С. Прокофьева.

В концерте приняли участие студенты класса арфы Московской консерватории. Екатерина Дворецкая и Анастасия Уварова (класс профессора Е.Н. Ильинской) исполнили «Старое банджо» Сергея Качалина в транскрипции для дуэта арф Е.Н. Ильинской. В исполнении Екатерины Дворецкой прозвучало Вступление к опере «Хованщина» («Рассвет на Москве-реке») Мусоргского (транскрипция В.Г. Кикты). Старинная сюита для арфы соло Фредерика Альфонсо-и-Феррера в исполнении Олеси Худолей погрузила всех в атмосферу давно ушедшей эпохи – в переборах арфы слышались звуки лютни. На протяжении обоих концертов фестиваля слушатели не уставали поражаться, сколь многогранной может быть арфа.

Поистине впечатляющим был финальный аккорд фестиваля – слушателям представили десять арф, а в качестве исполнителей выступил весь класс арфы Московской консерватории (Елена Байкова, Екатерина Дворецкая, Анастасия Красикова, Анастасия Уварова – класс профессора Е. Н. Ильинской; Глория Власова, Софья Москалёва, Елизавета Шевченко – класс профессора Э. А. Москвитиной; Ашхен Геворкян, Софья Итина, Вероника Полякова – класс профессора С. В. Парамоновой). В исполнении ансамбля студентов под управлением Эрнеста Алавердяна прозвучали «Богатырские ворота» из цикла «Картинки с выставки» М.П. Мусоргского в транскрипции И. Кайновой для ансамбля арф и ударных (исполнители на ударных: Елизавета Дубровская, Гао Чэнцзюнь, Аскар Михайлов, Диана Сахарнина).

Если первый концерт начался музыкальным приношением прошлому, самым истокам профессионального обучения игре на арфе в нашей стране, то последний концерт завершился обращением к будущему, к восходящим звездам российского арфового исполнительства. Пожалуй, остается лишь пожелать классу арфы Московской консерватории еще 150-ти, а затем еще, и еще… столь же ярких и плодотворных лет расцвета. И воскликнуть словами Г.Р. Державина: «Звучи, о арфа!».

Мария Зарецкая,
студентка НКФ

№8 (1409), ноябрь 2024 года

«В классе со скрипкой в руках он ошеломлял еще сильнее, чем со сцены…»

Все, кто лично знал Леонида Борисовича Когана (1924 – 1982), были очарованы не только его поразительным талантом, всех потрясал не только «его изумительный по красоте и многообразию тембров звук» (такую характеристику дал Дмитрий Шостакович), но и человеческие качества, обаяние, которому невозможно было противостоять.

«В предвкушении радости лично поприветствовать Вас посылаю Вам теплые объятия», – писал итальянский композитор Франко Маннино. «Уезжая в Льеж, я хочу Вам сказать, что был глубоко тронут Вашим сердечным приемом. Пусть эти скромные цветы, к которым я приложил письмо, напомнят Вам, что я очень горжусь Вашей дружбой», – признавался бельгийский виолончелист и дирижер Фернан Кине.

«Я горжусь нашими отношениями, горжусь тем, что они откровенны, они построены не на комплиментах. Тебя я люблю искренно и уважительно. Ты заставил многих, в том числе меня, любить, уважать и считаться с тобой. Твое стремительное движение вперед за последние годы – меня потрясает», – говорил Арам Хачатурян.

А вот какой портрет оставил другой российский классик, Родион Щедрин: «Леонид Коган был редкостно добрым человеком, сердечным, отзывчивым, я бы даже сказал, сердобольным. Он принимал деятельное участие не только в судьбах своих учеников, но и многих музыкантов, жизнь которых не всегда складывается просто. И неизменно делал это скромно, мягко, не афишируя своего благородства, как часто случается. Здесь не было позы, просто такова была сущность его натуры. В любом деле, если шла борьба за правду, восстановление справедливости, истины, на Когана можно было смело положиться. Тут он не жалел ни сил, ни нервов, ни времени. Несмотря на бесконечную занятость, несмотря на суетную жизнь (а другой у большого артиста и быть не может), Коган оставался человеком доступным, контактным, как сейчас принято говорить. И очень обязательным (качество, встречающееся все реже и реже). Общение с ним доставляло окружающим радость. Приятно было бывать в шумном и приветливом доме Коганов, где почти всегда можно было встретить интересных людей, где сама семейная атмосфера вызывала душевную симпатию. Приятно было видеть его отношение к детям, в котором совмещались строгая нежность и нежная строгость. Неоднократно, и у нас в стране, и за рубежом, мне доводилось наблюдать, как само имя этого артиста сближало даже незнакомых между собой людей, становилось своеобразным паролем, открывающим сердца».

Всю жизнь Леонид Коган был связан с Московской консерваторией. В 1943 году он поступает в класс профессора Абрама Ильича Ямпольского и оканчивает курс в 1948-м, затем идет к нему в аспирантуру и за год до окончания, в 1952 году начинает преподавать в своей Alma Mater. Он отдал педагогике ровно 30 лет, пройдя все ступени: от ассистента А.И. Ямпольского до профессора и заведующего кафедрой скрипки. Леонид Борисович воспитал десятки талантливых скрипачей, в том числе иностранных, которые затем несли славу русской исполнительской школы по всему миру.

Многие молодые скрипачи «влюблялись» в искусство Леонида Когана, слушая его записи, попадая на его живые выступления во время многочисленных гастрольных туров или побывав на его мастер-классах. Потом в СССР вдогонку летели письма: «Мое горячее желание сбылось бы, если я мог бы учиться у Вас, товарищ Профессор, поэтому очень прошу Вас, будьте любезны обеспечить мне место в Вашем классе» (Ласло Коте, Венгрия). «Я хотел бы – хотя бы в письме – поблагодарить Вас за Ваше усилие, терпение и такт, с которыми Вы работали со мной… Вы научили меня, что такое игра на скрипке, открыли мне новые горизонты, вернули почву под ногами. За это Вам большое, большое спасибо» (Йиндржих Паздера, Чехословакия).

Первый ученик Л.Б. Когана, Валентин Жук, думается, смог найти слова, передающие самую суть педагогического облика Л.Б. Когана: «В классе со скрипкой в руках он ошеломлял еще сильнее, чем со сцены. Его надо было слышать вблизи. Он буквально потрясал своим звучанием, блеском, совершенством техники, глубиной выражения. Какой-нибудь неподдающийся пассаж, на который дома уходила уйма времени и сил, под его пальцами просто сверкал и казался совершеннейшей безделкой. При этом, он часто говорил: «А можно это играть и такой аппликатурой». И тут же, с аналогичным напором и блеском играл данный пассаж совершенно по-другому. Технологические «секреты», которыми он с нами делился, показывали его огромное и глубокое знание скрипки, а о масштабе его музыкального мышления, проникновении в сокровенные тайны музыки нечего было и говорить. На уроке он всегда открывал нам новые горизонты искусства».

О современной музыке

Иногда приходится слышать, что, дескать, только мода заставляет исполнителей искать и играть новые сочинения. Но, к счастью, это не так. Мы играем современных авторов совсем не потому, что боимся «оказаться в хвосте», отстать. Мы ищем в музыке XX века свежих мыслей, новых, ярких идей. Мы жаждем обновить круг выражаемых с помощью нашего инструмента эмоций, а быть может, хотим обновиться и сами… Много я исполняю произведений советских композиторов. С некоторыми выдающимися композиторами современности мне приходилось работать совместно, первым исполнять их сочинения. Встреч с советскими композиторами было много. Они принесли огромную пользу.

О творчестве

Путь изучения произведения – таинственный путь. Бывает, сначала оно нравится, представляется заманчивым, потом разочаровывает. И наоборот: то, что казалось колючим, неудобным, противным природе инструмента, вдруг начинает звучать в ушах, притягивать. «Соберешь» такой «ершистый» опус целиком – и его уже интересно играть. Так что предугадать окончательное решение довольно трудно, по-разному получается.

В юные годы я больше увлекался виртуозной музыкой – творчеством Паганини, Вьетана, Эрнста, Венявского, Шпора. Но постепенно начал ощущать, что мне недостает по-настоящему глубокой, большой музыки. А она, конечно, прежде всего – в творениях величайших классиков.

Публикацию подготовила профессор Е.Д. Кривицкая

Фотографии предоставлены Ниной Леонидовной Коган

№8 (1409), ноябрь 2024 года

12–14 ноября 2024 года состоялся Седьмой профессорский форум – 2024 «Образование, наука, семья – основы развития России», на котором ректор Московской государственной консерватории имени П.И. Чайковского, профессор А.С. СОКОЛОВ удостоился звания лауреата Общенациональной премии «Российского профессорского собрания» в номинации «ЛИДЕР ВЫСШЕГО ОБРАЗОВАНИЯ».

№8 (1409), ноябрь 2024 года

Научные конференции в Московской консерватории – явление обычное, традиционное. Так, уже в начале октября (1 и 2 октября) состоялась Всероссийская научная конференция «Методология исторического музыкознания», которая проводилась к 150-летию М. В. Иванова-Борецкого и 100-летию музыкально-исторического образования в России. Подчеркивая значимость этого мероприятия, на ее открытии выступил ректор А.С. Соколов. А вслед за ней, 9-10 октября шла конференция, связанная уже с именем самого Александра Сергеевича.

Конечно, не случайно инициаторами ее стали кафедра современной музыки и научно-творческий центр современной музыки Московской государственной консерватории, которые, вместе с Ансамблем «Студия новой музыки», являются детищами А.С. Соколова, хотя и не единственными нововведениями нашего ректора, выведшего Консерваторию на новый виток развития.

Название конференции – «Новая музыка в пространстве культуры» – как нельзя полно выражает и научные, и человеческие интересы профессора А.С. Соколова, именно «новая», а не «современная», хотя, казалось бы, его докторская диссертация, посвященная музыкальной композиции ХХ века, предполагает такой ракурс. Скорее это та музыка, независимо от времени и места еесоздания, которая включена в культурное пространство наших дней.

И поэтому в докладах были представлены имена итальянцев Сальваторе Шаррино и Стафано Джервазони, австрийца Георга Фридриха Хааса, француза Марка-Андре Дальбави, американцев Джорджа Рочберга и Джеймса Тенни, а также других значимых фигур ХХ и начала XXI века, некоторые из которых еще новы для отечественного музыковедения. Но наряду с этим в программе была представлена также восточная тематика в ее современном прочтении. Был и проблемный доклад профессора М. А. Сапонова «Археология авангарда», который разбирался с терминами и ещё раз поставил в один ряд проблему необходимости изучения произведений авангарда (и не только их) в тесной связи с исполнительской практикой. А аспирант МГИМО Н.С. Балабанов даже посвятил своё выступление американской поп-музыке начала 2020-х годов. К сегодняшнему дню приближали нас и сообщения, которые затрагивали проблемы существования музыки как части аудиовизуального синтеза, применения компьютерных технологий и даже ее существования в эпоху искусственного интеллекта.

Необычайно радует то, что на приглашение к участию в конференции откликнулись коллеги из Петрозаводской, Казанской, Саратовской консерваторий, Академии русского балета имени А. Я. Вагановой. Мой женский взгляд выделил проблемные, прочитанные на высоком теоретическом уровне, весьма интересные доклады М.С. Высоцкой, Е.Г. Окуневой, Т.В. Цареградской, И.В. Копосовой, А.А. Амраховой и других представительниц прекрасного пола.

Однако даже широта уже освещенной в данном обзоре тематики этого мероприятия, наверное, не выделила бы эту конференцию из традиционного ряда, если бы не ее главная фигура – Александр Сергеевич Соколов, который не только присутствовал на всех заседаниях оба дня, но и живо реагировал на выступления, вступал в дискуссию, задавал вопросы и, конечно, получал поздравления от выступающих. И часто мы слышали то, как высоко ценят именно его научные труды преподаватели других консерваторий, которые опираются на них и в своей научной работе, и в учебном процессе.

Но мы ценим деятельность Александра Сергеевича во всех его ипостасях, о чем и говорил на открытии конференции проректор по научной и воспитательной работе, профессор К.В. Зенкин, в том числе и зачитывая слова приветствия заведующей кафедры МСМ, профессора В.Н. Холоповой, которая поздравила с юбилеем не только своего ректора, но и всю Московскую консерваторию.

Первые пять докладов конференции были связаны с фигурой самого Александра Сергеевича и с тем, что происходило в Консерватории при его содействии и поддержке. К таким инициативам можно отнести просветительские проекты кафедры истории русской музыки, о которых рассказала заведующая кафедрой, профессор И.А. Скворцова. Речь шла о цикле концертов-лекций «Встречи в музыкальной гостиной», посвященных истории, традициям и школе Московской консерватории (ведутся начиная с 2001 года), и о новом проекте «Возрождение русской оперной классики ХVIII века», очередное, уже седьмое мероприятие которого состоялось 29 октября в Рахманиновском зале и было посвящено 220-летию М.И. Глинки.

О развитии мультимедийных проектов, и не только о преподавании сольфеджио, поведала профессор М.В. Карасёва, отметив участие А.С. Соколова в создании непосредственно связанных с Консерваторией полнометражных фильмов «Симфония органа» и «В поисках гармонии».

Весьма полезным был доклад профессора Е.И. Чигарёвой, которая напомнила о значении деятельности Александра Викторовича Михайлова в Консерватории. В начале 1990-х годов он способствовал развитию гуманитарной составляющей в подготовке музыкантов. Она обратила внимание на судьбу его научного наследия, неоходимость его публикации, и была услышана коллегами, прежде всего К.В. Зенкиным, который обещал свое содействие.

Но самое любопытное я позволила себе оставить на конец этого обзора. Во-первых, это выступление профессора Г.В. Григорьевой, представившей две книги А.С. Соколова – «Музыка вокруг нас» (1996) и «Мир музыки в зеркале времен» (дополненное и расширенное переиздание первой), где автор, рассматривая очень широкий спектр вопросов истории и теории музыки, обращается и к профессионалам, и к простым слушателям, давая им «ключи» к пониманию музыкального искусства, что имеет исключительное значение, и не только для произведений современных композиторов. Осталось дело за малым – переиздать эту ценную книгу, над которой, как заметил сам Александр Сергеевич после выступления Г.В. Григорьевой, он работал параллельно со своей докторской диссертацией.

Во-вторых, это выступление Александра Львовича Маклыгина, с некоторого времени представляющего не только Казанскую, но и Московскую консерваторию. Он дал нам возможность обратиться к истокам, сформировавшим личность нашего ректора, к фигуре его деда Ивана Сергеевича Соколова-Микитова. Думается, что именно широта и смелость этого классика русской литературы, круг его общения с писателями своего времени, среди которых были его друзья Александр Твардовский, Виктор Некрасов, Константин Федин, Владимир Лакшин, заложило фундамент его личности. Можно процитировать строки из воспоминаний Виктора Некрасова о нем. Он пишет о сложившемся в его представлении образе «идеального» писателя, и продолжает: «Мне повезло – много лет спустя я встретился с таким писателем. Более того, я подружился с ним и думаю, что все, кому выпало это счастье, благодарят судьбу за то, что она свела их с ним. Писатель этот Иван Сергеевич Соколов-Микитов». Свой долг деда и отца в одном лице этот человек выполнил сполна и своим внуком мог бы гордиться: ко времени ухода из жизни Соколова-Микитова в 1975 году А.С. Соколов уже прочно стоял на своем пути.

Постскриптумом к внушительному научному собранию безусловно стал вечерний концерт 10 октября в Рахманиновском зале, выстроенный не менее продуманно, чем и программа самой конференции. И поскольку его программа оставалась, очевидно, секретом до начала концерта (в афише ее не было), то позволю себе назвать номера, чтобы оставить их в нашей памяти.

Открывал концерт Камерный оркестр Консерватории во главе с Феликсом Коробовым, который не только дирижировал, но и вел диалог с юбиляром (исполнили Вариации А. Аренского на тему П. Чайковского «Был у Христа-младенца сад» и «Румынские танцы» Б. Бартока). Своеобразным лирическим интермеццо первого отделения стало выступление Андрея Писарева с шопеновскими ми-минорным ноктюрном и Вторым скерцо. Его сменил Камерный хор Консерватории во главе с Александром Соловьёвым, который исполнил хоры Т. Шатковской и Е. Атрашкевич, а завершил первую часть концерта финалом из «Песен Гурре» А. Шёнберга.

После перерыва прозвучало изысканное «Rumore e silenzio» («Шум и тишина») Софии Губайдулиной для ударных и клавесина/челесты в исполнении Андрея Винницкого и Михаила Дубова. А далее на сцену вышел ансамбль «Студия новой музыки» во главе с Игорем Дроновым, который исполнил оркестровую версию А. Веберна Фуги-ричеркара из «Музыкального приношения» И.С. Баха. Профессора И.А. Дронова сменил за дирижерским пультом Григорий Кротенко, перед этим игравший на контрабасе. С ним «Студия новой музыки» исполнила пьесу Жерара Гризе «Partiels» («Частицы») для 18 музыкантов, а затем прозвучало «Baletto» Виктора Екимовского для дирижера с оркестром (у автора – «для любого ансамбля»).

По окончании этого шоу юбиляр, как истинный популяризатор всего нового, не выдержал, встал и прокомментировал публике, заполнившей в этот вечер зал, необычное зрелище – причины странного поведения дирижера, который собственно следовал партии, предусмотренной композитором…

Доцент С. Г. Мураталиева

№8 (1409), ноябрь 2024 года

Новый сезон в Московской консерватории ознаменован важной для отечественной музыкальной культуры датой: 100-летием со дня рождения великого русского тубиста Алексея Константиновича Лебедева (1924–1993), изменившего представление об исполнительстве на духовых инструментах. Кафедра медных духовых и ударных инструментов под руководством профессора Э.Б. Юсупова посвятила памяти своего выдающегося педагога, основателя специального класса тубы в Московской консерватории, масштабное музыкальное событие – III Фестиваль ансамблей медных духовых и ударных инструментов.

Творческое и педагогическое наследие А.К. Лебедева – тубиста, педагога, композитора, профессора Московской консерватории (1950-1993), члена Союза композиторов СССР – бесценное достояние отечественной духовой школы. Фундаментальный труд А.К. Лебедева – двухтомная «Школа игры на тубе» (1974, 1984) – считается непревзойденным пособием для исполнителей, педагогов и студентов. Издательство «Музыка», издавая школы для различных инструментов, обычно ограничивало авторов объемом в 20 печатных листов. Однако достоинства «Школы игры на тубе» Лебедева были настолько очевидными, что ее выпустили объемом, в два раза превышающим норму.

Виртуозное мастерство музыканта и сегодня вспоминают в стенах Большого театра, где он шестнадцать лет был солистом оркестра: «Его игра отличалась великолепным бархатным звучанием тубы во всём диапазоне, безупречным техническим мастерством, большой музыкальностью и чувством стиля». А.К. Лебедев играл в великолепном квинтете духовых инструментов ГАБТ вместе с Т. Докшицером, М. Зейналовым, Я. Ганделем и В. Полехом. Он был участником Фестивалей молодежи и студентов в Венгрии, Польше и Москве. В день шестидесятилетия музыканта его коллеги по Большому театру написали в приветственном адресе: «Вы были одним из тех, кто закладывал исполнительские традиции оркестра Большого театра».

А.К. Лебедев был человеком разносторонним и очень образованным, в его роду в нескольких поколениях были врачи, математики и священники. Свое природное музыкальное дарование Лебедев развивал с ранних лет. Так, будучи совсем юным, уже виртуозно владел инструментом, а в старших классах школы начал руководить местным оркестром. За три месяца до совершеннолетия, в 1942-м, он был призван на фронт, прошел ускоренную подготовку в Саранском военном пехотном училище и был отравлен на передовую; там получил серьезное ранение, потерял левый глаз, став инвалидом войны. В составе сводного оркестра он был участником исторического Парада Победы в Москве 24 июня 1945 года.

Многое испытавший и переживший, хотя и совсем еще молодой человек, орденоносец (он был награжден орденом Отечественной войны I степени и медалями), Алексей Лебедев выдерживает экзамен в Московскую консерваторию и заканчивает ее досрочно, его имя заносится золотыми буквами на мраморную доску (1949 год). Однако диплома оркестрового факультета ему показалось мало, и он начинает учиться на композиторском отделении, совмещая учебу с работой в Большом театре и преподаванием в консерватории.

Сочинять музыку он начал, еще будучи студентом оркестрового факультета: писал для тубы, делал для своего любимого инструмента обработки и переложения классических произведений. Тогда же появились знаменитый Первый концерт (1947), который он исполнил на выпускном экзамене, и «Концертное аллегро» (1949) для тубы и фортепиано. Эти студенческие опусы сразу же стали репертуарными для тубистов не только в России, но и за рубежом: их и в наши дни с удовольствием исполняют и многократно переиздают. Перу Лебедева принадлежат также Второй концерт для тубы, сборники этюдов, «Сказка» для валторны, «Классические пьесы» и другие сборники переложений. Им написано более шестидесяти песен – строевых, детских и лирических; многие из них исполнялись на Всесоюзном радио. Сочинения Лебедева для тубы прочно вошли в программные требования на всероссийских и международных конкурсах, исполняются в сольных концертах музыкантами разных стран.

В 1998 году Всемирная Братская Ассоциация Тубистов Tubists Universal Brotherhood Association (T.U.B.A.) удостоила его самой престижной почести – награды «За жизненный подвиг». Как пишет Tuba Journal (1998, №1), «эта посмертная награда была присуждена в знак признания важнейшего вклада А. Лебедева в дело тубы в течение всей его жизни». За все время существования ассоциации такую награду получили только 32 человека.

Выдающийся бас-тромбонист, профессор М.М. Зейналов, проработавший с А.К. Лебедевым в оркестре Большого театра много лет, характеризовал его как музыканта-виртуоза, обладавшего насыщенным тембром и мощным звуком, в совершенстве владевшего и мелкой техникой, и искусством исполнения кантилены. Он отмечал, что Алексей Константинович был лучшим исполнителем тубных партий в сочинениях Прокофьева. Эти партии и сейчас являются одними из самых трудных в репертуаре оркестрантов.

Профессор А.К. Лебедев вел в консерватории класс тубы и класс ансамбля. За 43 года своей педагогической деятельности он воспитал более пятидесяти музыкантов-солистов и подготовил более ста студентов-ансамблистов. Продолжая традиции ансамблевой работы кафедры и в память об А.К. Лебедеве состоялся III Фестиваль ансамблей медных духовых и ударных инструментов. Его организаторами выступили профессора кафедры Э.Б.Юсупов (тромбон), А.О.Корнильев (труба), А.А.Раев (валторна) и доцент С.Ф.Бармин (туба).

Доцент С.Ф. Бармин,
кандидат педагогических наук
Доцент Н.В. Гурьева,
кандидат искусствоведения

№8 (1409), ноябрь 2024 года

«Приношением Мастеру» был назван Фестиваль камерной музыки Сергея Михайловича Слонимского (1932–2020), что проходил в залах столицы с 16 по 19 октября 2024 года. Концерты Фестиваля проводились в Государственном музыкально-педагогическом институте имени М.М. Ипполитова-Иванова, Государственном институте искусствознания и Московской государственной консерватории имени П.И. Чайковского. Одновременно Большой театр принимал у себя на Исторической сцене оперу С.М. Слонимского «Мастер и Маргарита», с успехом поставленную Самарским театром оперы и балета и уже представленную петербуржцам в Мариинском театре.

Со многими музыкантами этих культурных, учебных и исследовательских «очагов» петербургский мастер был связан лично: он охотно проводил творческие встречи со студентами разных специальностей, которым доверял первые исполнения своих сочинений. В частности, московская премьера труднейшего Концерта для альта с оркестром имела место в ГМПИ имени М.М. Ипполитова-Иванова (солист Чжан Кай Линь), где ректор, превосходный скрипач В.И. Ворона, сделал еще переложение романтической «Легенды» Слонимского для скрипки с камерным оркестром. Именно в зале института открывался Фестиваль, программа которого продемонстрировала богатство творческого наследия  петербургского композитора во всем его жанровом разнообразии. А своеобразным предвосхищением Фестиваля стало исполнение силами хора студентов ГМПИ и замечательных солистов Екатерины Соколовой и Владимира Красова сочинения Слонимского для хора a cappella «Видя разбойник», которое состоялось 15 октября в Римско-Католическом кафедральном соборе на концерте к 90-летию со дня рождения о. Александра Меня.

Напомним, что главными магистралями творчества Слонимского стали три пласта: симфонические партитуры (тридцать четыре симфонии и около десятка инструментальных концертов), музыкально-театральные сочинения (девять опер, три балета) и камерные композиции, инструментальные и вокальные.

Последний жанровый пласт на Фестивале был представлен исключительно широко. Романтические сочинения перемежались с авангардными, художественные диалоги с разными эпохами дополнялись удивительно свободным проникновением Слонимского в стили мировых национальных культур. Участие Раисы Николаевны Слонимской, вдовы композитора, выступавшей на всех концертах с живым словом о Мастере, внесло в Фестиваль особую краску достоверности.

В рамках Фестиваля состоялись интереснейшие московские премьеры сочинений Сергея Михайловича. Прозвучала пьеса «Lamento furioso» для скрипки, кларнета и фортепиано (исполнители: А. Попов, А. Ведякова и И. Александров). Эту скорбную песнь композитор посвятил памяти Эдисона Денисова, друга и коллеги по цеху, переписку с которым он опубликовал. Впервые прозвучала в столице «Русская токката» для арфы и скрипки (А. Уварова, класс профессора Е.Н. Ильинской). В числе прежде не звучавших в Москве миниатюр оказались «Бурлеска» для гобоя (А. Табачникова), «Токката» для органа (Е. Цыбко) и «Прелюдия-пиццикато» для виолончели соло без смычка (Е. Чуприкова).

Юмор, свойственный Слонимскому и заявленный в его главном литературном труде, книге «Абсолютный слух», получил свое отражение и в озорных инструментальных зарисовках. В их числе — «Джазелетта» и «Веселая интерлюдия», «Очень сентиментальный вальс» и «Типографические опечатки». Необычный звуковой мир последней из названных пьес во многом создала старая печатная машинка, на которой с серьезным удовольствием лихо солировал И. Александров. В его прекрасном исполнении прозвучало в дни Фестиваля многое, в том числе одна из самых популярных пьес Слонимского – знаменитые «Колокола», представляющие новый образ фортепиано (игра на струнах щипком и ударом кулака). Все знают, что Слонимский написал очень много музыки для детей и о детях, и было интересно услышать небольшую программную Сюиту по сказке Р. Баумбаха «Принцесса, не умевшая плакать», которую М. Шатковская не просто ярко исполнила, но и выразительно прочитала ее текст наизусть.

Подарком от петербургских музыкантов стал поздний программный опус Слонимского для камерного ансамбля «Время чудовищ», специально написанный для МАСМ. Как и последняя симфония композитора, эта музыка посвящена главной теме его творчества – борьбе со Злом, «монстрами» современного мира. Здесь страшно прозвучала тема Dies irae – символ неотвратимой смерти. Как часто бывает в музыке Слонимского, тембр здесь тоже определяет образно-смысловую ситуацию той или иной пьесы. В инструментальном театре лидирующую роль выполняла флейта-пикколо (Р. Турченко), бас-балалайка (С. Мотошин), три кларнета (А. Попов и другие участники ансамбля «Слонимский-Гала»). Дирижер А. Ведякова участвовала как ведущая скрипачка и в ансамблях (Трио №1, «Русская токката»).

В числе солистов особенно ярко проявила себя Лю Чжэ Хуэй (класс доцента Е.А. Леденевой), сыгравшая прелюдию и фугу из полифонического цикла Слонимского «24 прелюдии и фуги». Композитор в ней использовал черные клавиши для моделирования пятиступенной диатоники и говорил: «здесь китаянка пришла», что соответствовало ситуации фестивального концерта.

Удачной идеей организаторов стало включение в программы Фестиваля неизвестных в нашей стране произведений дяди Сергея Михайловича, Николая Леонидовича Слонимского (1894 – 1995), известного во всем мире собирателя и исполнителя-пропагандиста современных сочинений. Он был дирижером, композитором и, как и его племянник, блистательным выпускником Петербургской консерватории. В завершающий вечер впервые на родине Николая Леонидовича прозвучали его «Четыре русские мелодии» для кларнета и фортепиано (Н. Агеев и Р. Кудояров) и «Маленькая сюита» (ансамбль «Слонимский-Гала», дирижер А. Ведякова).

Очень ценным результатом прошедшего Форума стало рождение новых творческих содружеств, объединивших молодых музыкантов Москвы и Петербурга вокруг творческого наследия Сергея Михайловича Слонимского – одного из впередсмотрящих композиторов XX-XXI столетий.

Профессор Е.Б. Долинская