№ 5 (1325), май 2015

Гостей и участников конференции «Двадцатый век. Музыка войны и мира» приветствует проректор по научной работе Московской консерватории, доктор искусствоведения, профессор Константин Владимирович Зенкин

Апрель в Московской консерватории оказался особенно богат научными дискуссиями – в Конференц-зале прошли пять конференций. Здесь были и однодневные мероприятия кафедры современного хорового исполнительского искусства – Научно-практическая конференция «Исполнительское искусство Б. Тевлина в контексте развития отечественной хоровой культуры ХХ – начала XXI веков» (8 апреля), которая в преддверии 150-летия Московской консерватории стала данью памяти выдающемуся хоровому дирижеру, профессору Б. Г. Тевлину (1931–2012). И научная конференция студентов «Современная хоровая музыка. История. Теория. Практика» (28 апреля). И две ежегодные международные конференции: 9-11 апреля – третья по счету «Музыка – Философия – Культура» под названием «Художественный смысл как проблема искусствознания и философии искусства», посвященная на этот раз 240-летию Шеллинга; 16–17 апреля – седьмая «Музыка народов мира: проблемы изучения», организованная при участии Международного Совета по традиционной музыке (ICTM) при ЮНЕСКО. Ставшие уже традицией научной жизни консерватории, они не только собрали вместе своих постоянных участников, но и привлекли внимание новых исследователей. Однако, безусловно, кульминацией апрельского «научного марафона» стала грандиозная Международная научная конференция «Двадцатый век. Музыка войны и мира», приуроченная к 70-летию Победы в Великой Отечественной войне.

Тематика, выбранная для научной дискуссии, многих не оставила равнодушными. Конференция длилась полных пять дней, с 21 по 25 апреля, и собрала 67 докладчиков, среди которых было много гостей не только из российских городов – Вологды, Нижнего Новгорода, Санкт-Петербурга, Ростова-на-Дону, Клина, Омска, Уфы, Новосибирска, Кемерово, но и зарубежных стран – Великобритании, Германии, США, Китая, Туркменистана, Украины, Белоруссии, Молдовы, Австрии, Турции, Италии и Казахстана.

Широкая география сделала дискуссию ученых многоплановой, поскольку собрала на одном мероприятии самые разные подходы к трагическим событиям прошлого, нашедшим особое воплощение в музыкальном искусстве. В зале постоянно присутствовало ощущение волнения, вызываемое то описанными докладчиками страшными событиями, то показанными ужасающими кадрами хроники военных лет, то смыслом звучащей музыки. Возникавшие споры были живым продолжением исследовательских поисков в осознании накопившихся проблем. Целью конференции её организаторы – проректор по научной работе, профессор кафедры истории зарубежной музыки К. В. Зенкин и профессор кафедры истории русской музыки Е. С. Власова – обозначили «внедрение в музыковедческий обиход новых данных, результатов новейших исследований».

Тематика выступлений была необычайно многообразна. Рассказывали о военной теме, нашедшей отражение в музыке разных стилей, в докладах «Антивоенная тема в русском роке» (А. М. Цукер, Ростов-на-Дону), «Гражданская война в хоровой музыке Георгия Свиридова: миф и реальность» (Т. Ю. Масловская, Москва), «Тема войны в башкирской художественной культуре и ее претворение в Шестой симфонии Рафаила Касимова» (Е. Р. Скурко, Уфа), «Антифранцузский порыв офранцуженного вьетнамца. Война в жизни и творчестве Нгуена Лантуата (1935–2014)» (А. М. Лесовиченко, Новосибирск), «Терпсихора в солдатской шинели: Тема Великой отечественной войны в балетном театре 1940-х годов» (Н. Н. Сурнина, Москва) и многие другие.

Огромное внимание было уделено историческим вопросам, связанным с жизнью музыкантов и музыкальных учреждений во время войны. Об этом были доклады «Московские музыканты на фронтах Великой Отечественной» (Е. В. Гувакова, Москва), «Маргарита Эдуардовна Риттих и судьба Клинского музея П. И. Чайковского в годы Великой отечественной войны» (П. Е. Вайдман, Клин), «Московская консерватория в первые годы Великой Отечественной войны» (С. С. Голубенко, Москва), «Музыкальная жизнь Вологды в годы Великой Отечественной войны» (М. Г. Долгушина, Вологда), «Консерватория в оккупированном Киеве (19.09.1941 – 6.11.1943)» (Е. С. Зинькевич, Киев).

Немало было сделано попыток осмыслить место художника в военных событиях. В этом русле были доклады «Клод Дебюсси в годы Первой мировой войны: композитор и гражданин» (Е. Д. Кривицкая, Москва), «Клод Дебюсси: “война” на двух фронтах» (М. И. Катунян, Москва), «Актуализация темы взаимоотношений художника и времени на примере кантаты “Дневник фронтовика” Варвары Гайгеровой» (Н. О. Баркалая, Москва), «Рихард Вагнер в годы Второй мировой войны: механизмы художественного и исторического мифа» (А. О. Гордон, Москва).

Представлены были и исследования особенностей музыкального языка в широком культурном контексте – «Музыкальная интонация в эпоху глобальных катастроф» (К. В. Зенкин, Москва), «Пути “ленинградской школы” в неизведанное: Музыка В. Дешевова к кинофильму Ф. Эрмлера «Обломок империи» (1929)» (М. Н. Щербакова, Санкт-Петербург), «Трансформация концепта музыкальной агрессии в симфоническом творчестве начала ХХI века» (Е. С. Мироненко, Кишинёв), «Метаморфозы “вооруженного человека”: месса The Armed Man К. Дженкинса в историко-культурном контексте XX–XXI веков» (К. А. Жабинский, Ростов-на-Дону) и прочие.

Большой интерес вызвали доклады зарубежных гостей, в которых были затронуты такие проблемы, как «Преодоление последствий войны в области культуры: конструкция и идеология немецкой музыки на востоке» (А. Вермайер, Регенсбург, Германия), «Музыка сопротивления в СССР и за рубежом» (Р. Дальмонте, Италия), «Электронная оратория Э. Кшенека “Spiritus intelligentiae” (1955/56) в контексте сериализма после Второй Мировой войны» (Ф. Хайдльбергер, Дентон, США), «Что должна обещать музыка. Инвестиции в музыкальную политику на Восточном фронте 1941–1942 гг.: австро-немецкий композитор Й. Н. Давид» (Г. Шрёдер, Австрия). Русским исследователям данные вопросы были особенно интересны, поскольку иностранные коллеги раскрывали многие аспекты с иных позиций.

Возможность высказать свои научные взгляды в рамках конференции получили и начинающие музыковеды. В последний день СНТО консерватории под руководством доц. Р. А. Насонова организовало молодежную секцию. В ней приняли участие студенты и аспиранты из Москвы, Саратова, Берлина, Санкт-Петербурга, Ашхабада. А дополнили насыщенную пятидневную программу два концерта, организованные также силами СНТО. 22 апреля в зале имени Н. Я. Мясковского и 25 апреля в конференц-зале были исполнены произведения композиторов, переживших страшные военные годы – Мясковского, Шостаковича, Хачатуряна, Глиэра, Стравинского, Шёнберга…

Столь огромное событие, которое прошло в консерватории, неповторимо и уникально по своей сути. Его тема – Двадцатый век. Музыка войны и мира – оказалась волнующей для каждого. Чувство единения, важность происходящего можно было понять, только находясь там, проживая всё то, о чем говорилось. А прозвучавшая музыка словно продолжила дело исследователей, уже без слов рассказывая присутствующим в переполненных залах о прошедшей мировой трагедии.

Елена Никифорова,
аспирантка МГК

№ 5 (1325), май 2015

4 мая в Рахманиновском зале состоялся концерт хора Московской консерватории, который представил оригинальную литературно-музыкальную композицию «Но помнит мир спасенный». Стихотворения о войне в исполнении студентов кафедры хорового дирижирования сменялись песнями о подвигах, боях, потерях – о тех суровых годах, когда именно песня помогала перенести всю тяжесть человеческих испытаний. Творческая интерпретация известных мелодий в звучании хора и солистов под руководством заслуженного деятеля искусств России, профессора С. С. Калинина стала своеобразным приношением героям войны.

Музыкальная композиция вечера включала разные смысловые сюжеты. «Жди меня» М. Блантера и «Ноктюрн» А. Бабаджаняна были объединены общим мотивом ожидания и неизвестности (хотя, последняя не связана с войной напрямую). И если «Ноктюрн» с преобладанием вокализа предстал в виде скорбно-лирической миниатюры, то просьбу ждать, «когда других не ждут» драматично и проникновенно исполнил солист М. Нор. «Журавли» Я. Френкеля, поначалу звучавшие сурово-сдержанно в унисон, вылились в размышление о судьбах погибших героев. О подвиге простых солдат повествовала и песня про Сережку с Малой Бронной и Витьку с Моховой. Родине были посвящены гимническая «Родина моя» (муз. А. Новикова, сл. Л. Ошанина), лирическая «Соловьи России» (муз. В. Левашова, сл. Н. Палькина) и триада песен о Донбассе Ю. Потеенко («О Краснодоне», «Шахтерская», «Давно не бывал я на Донбассе») – причем, последнюю хоровой коллектив и солист М. Дьяков исполнили дважды, посвятив ее сегодняшним военным действиям на Украине. В песнях «Бухенвальд-ский набат» В. Мурадели и «Ветер Мира» Д. Шостаковича – призыв сохранять мир во всем мире: декламационный лозунг  в звучании хора a cappella вскоре сменил торжественно-ликующий гимн из кинофильма «Встреча на Эльбе» – апофеоз всего концерта. «Изюминкой» вечера стал вокально-инструментальный ансамбль студентов-хоровиков (М. Нор, П. Фролов-Багреев, Н. Семенюк, А. Аппаков), которые исполнили песню «У деревни Крюково» в эстрадной манере, приближая звучание, и в особенности вокал, к рок-музыке. Стихотворения М. Исаковского, А. Твардовского, В. Высоцкого, Р. Рождественского и других явились своеобразным эпиграфом к каждой песне, а декламировавшие их студенты постарались ввести слушателя в атмосферу военных лет.

Высокий исполнительский уровень хора Московской консерватории и энтузиазм художественного руководителя С. С. Калинина позволили публике на мгновение перенестись в те тяжелые годы и ощутить одновременно и скорбь по погибшим, и радость долгожданной Победы. Интересные хоровые транскрипции и обработки напомнили нам вечные стихотворения и мелодии, в которых запечатлелась история. Слезы на глазах ветеранов, сидящих в зале, – тому подтверждение.

Надежда Травина,
студентка ИТФ

№ 5 (1325), май 2015

Явление Чайковского – уникально. Причем уникален он всем. И тем, что был первым русским композитором, единственным из своего поколения, получившим профессиональное музыкальное образование в Петербургской консерватории, и тем, что стал первым русским профессиональным композитором, профессором почти 12 лет прослужившим в Московской консерватории и не порывавший с ней связи более никогда. И тем, что, поступив на службу, с головой окунулся в консерваторскую жизнь, в ущерб занятиям композиторским творчеством, усердно составлял учебные программы, инструкции, участвовал в заседаниях Совета профессоров, в составлении Устава, о чем с гордостью, сообщая о своих успехах, писал в письме своим младшим братьям Модесту и Ипполиту: «У нас теперь все комитеты и прения по поводу здешней консерватории. Прения эти очень бурны. Я участвовал на днях в составлении устава и написал огромную инструкцию инспектора, которая была принята без изменений»… Но прежде всего, конечно, Чайковский уникален своей музыкой. Его божественный мелодический дар, демократичность музыкального языка, яркая открытая эмоциональность, чуткость «к интонационному словарю эпохи» и вместе с тем способность к диалогу с различными культурными традициями (в том числе и с «прошлым-минувшим», как писал А. Бенуа), коммуникативные особенности его музыкального мышления – все это сообщает музыке Чайковского неповторимые свойства, высочайшую степень индивидуальности и своеобразия. Он актуален всегда, и в эпоху авангардных течений, и в периоды традиционализма. Во все времена и для всех народов.

Чем для нас сегодня является Петр Ильич Чайковский? Прежде всего он – олицетворение русской музыки. Русского менталитета. Русской души. Он сам писал о своей генетической русскости. «Я еще не встречал человека, более меня влюбленного в матушку-Русь вообще и в ее великорусские части в особенности… До страсти люблю русский элемент во всех его проявлениях, я русский в полнейшем смысле этого слова. Страстно люблю русского человека, русскую речь, русский склад ума, русскую красоту лиц, русские обычаи… Я люблю путешествовать в виде отдыха за границу – это величайшее удовольствие. Но жить можно только в России».

С Чайковского многое начинается в русской музыке. Его гений, его дар так велик, а мастерство столь совершенно, что привело к рождению множества шедевров, великих музыкальных открытий и откровений. Вспомним одно из многочисленных высказываний Игоря Стравинского, который будучи воспитанником петербургской школы Римского-Корсакова, тем не менее, всегда подчеркивал свое восхищение музыкой Чайковского и, что самое главное, свое духовное и творческое родство с ним. В предисловии к «Поцелую феи» он писал: «Я посвятил этот балет памяти Петра Чайковского. Балет имеет аллегорический смысл – ведь муза Чайковского сродни этой фее. Подобно фее, муза отметила Чайковского своим поцелуем, печать которого лежит на всех творениях великого художника». Чайковский был и остается самым популярным и самым любимым композитором в России и самым популярным и любимым русским композитором за ее пределами.

В мире, думаю, нет человека, который бы не слышал его музыки. Как и нет людей, особенно в цивилизованных странах, которые бы никогда не слышали его имени. И 175-летие великого русского композитора отмечают повсюду. Его музыка фантастически популярна. Она была популярна уже при жизни композитора, и остается такой же популярной и в ХХ веке, и в нашем ХХI. Можно привести множество примеров, свидетельствующих об особом месте, которое Чайковский занимал в мировом музыкальном пространстве, в культуре ХIХ века еще при жизни. Вот один из них. Когда в 1891 году открывался в Нью-Йорке новый крупнейший концертный зал, известный теперь Карнеги-холл, то на открытие для участия в музыкальном фестивале решено было пригласить наиболее известного прославленного музыканта мирового масштаба. И хотя в это время во многих странах было множество замечательных композиторов, приглашен был именно Чайковский. Концерты прошли с огромным успехом. Публика и пресса восхищенно отзывались о великом русском гении. Сам Чайковский был несказанно рад такому восторженному приему. Поездка в Новый свет обернулась для него в прямом смысле «новым светом». Она вывела из кризисного состояния, в котором он пребывал в Руане и озарила последующим мощным выплеском творческой энергии, результатом которого стало создание «Иоланты» и «Щелкунчика».

Другой пример – реакция царского правительства на болезнь Чайковского в 1893 году. По распоряжению правительства бюллетени о состоянии его здоровья ежедневно печатались в «Санкт-Петербургских ведомостях». Так поступали только с крупнейшими государственными фигурами. К этому же ряду относится и большое количество заказных произведений Чайковского, написанных по поводу важных политически событий. Среди них Сербско-русский марш, Торжественная увертюра «1812 год», Коронационный марш, кантата «Москва»…

Чайковский уникален своей универсальной позицией в музыке. Его творческое наследие огромно и многообразно. Во всех жанрах им созданы непревзойденные образцы – оперные, камерные, инструментальные, концертные и вокальные шедевры. Его симфонии – открытие русского лирико-драматического симфонизма, его балеты – лицо и эталон  русского балета, его духовная музыка – путь к духовному возрождению, к новому направлению в области церковной музыки, которое связано с именем Кастальского, Смоленского, Никольского, Чеснокова, наконец, Рахманинова. Он писал абсолютно всякую музыку: для детей и для взрослых, для театра и для домашнего музицирования, духовную и светскую, для профессионалов и для любителей, по заказу, на случай и по внутренней потребности, как исповедь души.

Все мы из племени, порожденного Чайковским… Несколько перефразированное высказывание Стравинского относится ко всем русским музыкантам, но прежде всего к нам, воспитанникам Московской консерватории. Все мы – прямые потомки Петра Ильича Чайковского, великого русского композитора, имя которого гордо носит лучшая консерватория в мире. Можно без особого труда провести линию художественного генеалогического древа от Чайковского до наших дней, и мы рады и горды этой преемственностью. В унаследованной от Чайковского традиции преданного служения Московской консерватории залог оптимистичного взгляда в будущее и самого нашего будущего.

Профессор И. А. Скворцова

№ 3 (1323), март 2015

После тщательной реставрации, продолжавшейся полгода, торжественно открылся Малый зал – одна из архитектурных жемчужин Московской консерватории. 8 февраля прошел первый после перерыва музыкальный вечер под названием «Prima Donna», посвященный памяти Елены Образцовой. А 20 февраля состоялось главное событие – торжественный концерт в честь открытия МЗК. В обновленный Малый зал вернулась музыка.

Вспомним историю. Строительство Малого зала, расположенного на третьем этаже  первого учебного корпуса, завершилось в 1898 году. Освящение и открытие одного из лучших, камерных залов города Москвы и всего мира состоялось 25 октября / 7 ноября 1898 года и ознаменовалось «музыкальным утром памяти П. И. Чайковского» – в связи с пятилетием со дня смерти великого русского композитора. Как писал очевидец, Иван Липаев, оно позволило проверить и акустику: «Она оказалась положительно прекрасной: слышно было отовсюду каждый звук. С этим драгоценным качеством нельзя консерваторию не поздравить».

Малый зал консерватории предназначался для концертных целей, но должен был служить также актовым залом учебного заведения. В «Отчете по постройке и торжественному открытию здания консерватории» написано: «в виду такого назначения зала он украшен портретами: Императора Александра II, при котором была основана Консерватория, Императора Александра III, даровавшего первые средства на сооружение здания, ныне царствующего Государя Императора Николая Александровича, первого Председателя Императорского Русского Музыкального Общества Великого Князя Константина Николаевича, и мраморными досками с датами основания Консерватории и сооружения здания. В фойе зала помещены портреты первой Покровительницы Русского Музыкального Общества Великой Княгини Елены Павловны и Августейшего Председателя Общества Государыни Великой Княгини Александры Иосифовны, а в аванзале – мраморные доски с именами питомцев Консерватории, окончивших курс с золотой медалью. В замке арки концертной эстрады помещен барельеф основателя Консерватории Н. Г. Рубинштейна».

К сожалению, портреты особ царствующего дома по сей день найти не удалось. Однако в процессе ремонта на потолке зала под побелкой было обнаружено живописное панно Н. Н. Егорьева. В советское время творение этого известного на рубеже XIX–XX веков художника, немало потрудившегося в Большом театре, закрасили, усмотрев в нем библейские мотивы. Теперь, благодаря кропотливой работе реставраторов, на плафоне можно видеть аллегорическую сцену музицирования, которому внимают великие композиторы: М. И. Глинка, М. А. Балакирев, А. С. Даргомыжский, А. Н. Серов, А. П. Бородин, М. П. Мусоргский. Их портреты, окруженные растительным орнаментом, украшают фриз, обрамляющий живописный потолок – акустическую деку Малого зала. На портале эстрады восстановлена также сусальная позолота рельефного декора вокруг барельефа с портретом Н. Г. Рубинштейна.

На сцене Малого зала в момент его открытия установили орган фирмы Фридриха Ладегаста (1818–1905). Он был построен в Германии, в Вайсенфельсе, в 1868 году. Меценат Василий Алексеевич Хлудов (1838–1913) в 1886 году подарил его Московской консерватории, когда она ещё находилась в другом здании. В 1959 году орган заменили новым, более совершенным и мощным инструментом, который был заказан в Германии фирме «Alexander Schuke» в Потсдаме. Диспозицию нового органа для Малого зала Московской консерватории составил тогдашний руководитель фирмы Ханс-Иоахим Шуке (1908–1979).

Аванзалу и ныне украшают мраморные доски, на которых золотыми буквами высечены имена выпускников Московской консерватории, окончивших её с золотой медалью (в 1949 году эта традиция прервалась). Первый среди них – С. И. Танеев, ученик Н. Г. Рубинштейна и П. И. Чайковского. В фойе издавна располагаются скульптурные портреты Баха и Бетховена работы Ц. К. Годебского (1835–1909). Сегодня его интерьер дополнил макет Малого зала, изготовленный в 2010 году для контроля за сохранением великолепной акустики во время капитального ремонта.

Малый зал тесно связан с великими именами композиторов и исполнителей, среди которых С. И. Танеев, С. В. Рахманинов, А. Н. Скрябин, Н. К. Метнер, Н. Я. Мясковский, Д. Д. Шостакович, С. С. Прокофьев, А. И. Хачатурян и многие, многие другие. За более чем вековую историю в его стенах прошло огромное количество выдающихся премьер и других знаменательных событий.

На официальном открытии обновленного Малого зала 20 февраля присутствовали министр культуры России Владимир Мединский и вице-премьер Правительства РФ Ольга Голодец. Обращаясь с приветствием к публике, высокая гостья подчеркнула: «Этот зал – один из лучших залов и Москвы, и России. Нам его очень не хватало. А учитывая приближение конкурса Чайковского, открытие зала имеет принципиальное значение». Ректор А. С. Соколов также поздравил всех присутствующих и дал старт праздничному концерту.

Е. Л. Гуревич,
директор Музея имени Н. Г. Рубинштейна
Фото Дениса Рылова

№ 2 (1322), февраль 2015

Орган Большого зала Московской консерватории – исторический художественный памятник мирового значения. Последний орган великого французского мастера Аристида Кавайе-Коля (1811–1899) был завершен в 1899 году. Созданный по заказу России для нового концертного зала в Московской консерватории, он по согласованию с дирекцией РМО и В. И. Сафоновым сначала был представлен в Париже на Х Всемирной выставке (1900) в парадном зале Русской секции. Во время выставки состоялся концерт виднейших французских органистов (Эжен Жигу, Александр Гильман, Луи Вьерн, Шарль-Мари Видор). Орган был удостоен высшей награды выставки «Гран-при» и Золотой медали. И уже затем был перевезен и установлен в Москве (1900–1901).

Необходимость реставрации великого органа назрела давно. С момента его установки на сцене БЗК несколько раз проводились ремонтные работы, но полноценной реставрации не было ни разу. После блестяще реализованных реставрационно-строительных работ в Большом зале предполагалось, что их заключительным этапом станет реставрация органа.

1 и 2 декабря ушедшего года в Московской консерватории состоялось заседание международной комиссии экспертов по реставрации органа фирмы «Кавайе-Коль» («A. Cavaille-Coll»). Во главе с ректором Московской консерватории, профессором А. С. Соколовым в нее вошли авторитетные органисты и органные мастера: ректор Казанской консерватории, профессор Рубин Абдуллин; профессор Штутгартской Высшей школы музыки и театра Людгер Ломанн (Германия); главный органист собора Святого Сердца Христова на Монмартре в Париже Габриель Маргьери (Франция); профессор Высшей школы музыки в Граце Гюнтер Рост (Австрия); профессор Парижской Высшей национальной консерватории музыки и танца Эдуар Оганесян (Франция); доктор искусствоведения, член Национальной комиссии Франции по охране и реставрации исторических органов Марина Чебуркина (Франция); профессор Высшей школы музыки в Любеке (Германия), заведующая кафедрой органа и клавесина Московской консерватории, профессор Наталья Гуреева и др. Когорту органных мастеров представляли Дени Лакор (Франция), Наталья Малина, Александр Кравчук, Владислав Иодис, Артём Хачатуров, Андрей Шаталов (Россия). После осмотра органа комиссией фирма «Ригер» представила на утверждение экспертного совета план реставрации.

К восстановлению прославленного инструмента, который молчит уже более четырех лет, приковано внимание всей музыкальной общественности. Его будущее волнует и наших читателей. По поручению газеты «Российский музыкант» органистка Олеся Кравченко побеседовала с заведующей кафедрой органа и клавесина, профессором Н. Н. Гуреевой.

— Наталья Николаевна, долгожданная реставрация органа Большого зала начинается. Кто будет проводить реставрационные работы?

— Первоначально шли длительные переговоры со швейцарской фирмой «Кун» («Kuhn»), которая имеет значительный опыт реставрации органов «Кавайе-Коль». У органов этой знаменитой, но прекратившей свое существование французской фирмы, есть ряд существенных конструктивных особенностей, поэтому этот опыт был нам очень важен. В мае 2014 года согласно законам Российской Федерации был проведен конкурс на проведение реставрационных работ органа Большого зала, в результате которого победила фирма «ООО Рояль» (Санкт-Петербург) – фирма-посредник, которая, в свою очередь, представила австрийскую фирму «Ригер» («Rieger»). «Ригер» – известная в России фирма, прекрасно технически оснащенная, обладающая современными техническими возможностями, но, к сожалению, не реставрировавшая ни одного органа «Кавайе-Коль». В результате было решено создать экспертный совет, целью которого будет наблюдение и контроль всего длительного хода реставрации. К ноябрю 2014 года фирма «Ригер» представила подробный план реставрационных работ.

— И каков этот план и сроки реставрации органа?

— Первоначально предполагалось, и это было оговорено с фирмой «Кун», что вся реставрация будет производиться у нас, на месте, то есть они привезут оборудование в Москву. Но в настоящее время вопрос решился по-иному. Директор фирмы «Ригер» господин Венделин Эберле заявил, что современные технологии и оборудование, которыми фирма располагает у себя, значительно облегчат работу. Таким образом, целый ряд деталей поедет на фабрику «Ригер» в Австрию. Начало реставрационных работ придется на март 2015, к 31 августа 2016 года реставрация должна закончиться.

— Важный вопрос: не повредит ли органу его перевозка из одних климатических условий в совершенно другие?

— Этот вопрос поднимался на заседании экспертной комиссии. Однако господин Эберли заверил нас, что при перевозке деталей органа будут приняты все необходимые средства, позволяющие сделать это без вреда инструменту. Также был рассмотрен вопрос о влажности воздуха в помещении, величина которой крайне важна для нормального функционирования инструмента. Н. В. Малина настоятельно рекомендовала сохранить и на фабрике, и после ремонта необходимые для органа 50 % влажности.

— Будут ли органные мастера Московской консерватории участвовать в реставрационных работах?

- Непосредственно заниматься реставрацией органа они не будут. Но на заседании комиссии было принято решение о том, что хранитель органа Большого зала Н. В. Малина будет наблюдать за всем процессом ремонта, включая посещения фабрики «Ригер».

- Как решился вопрос с интонировкой органа (настройка труб, от которой зависит «лицо» каждого инструмента)? Кто будет ее проводить?

- Мы изначально хотели, чтобы работы по интонировке органа «Кавайе-Коль» вел французский интонировщик. И этот вопрос решен положительно: приглашен авторитетный французский эксперт в вопросах интонировки господин Дени Лакор, который еще до ремонта Большого зала подробно осматривал орган. Весь период реставрации он будет сотрудничать с фирмой «Ригер».

- Наталья Николаевна, известен тот факт, что сразу после установки органа в 1901 году, по инициативе известного французского органиста и композитора Шарля Мари Видора в органе были произведены изменения, коснувшиеся диспозиции органа (позитива). К какому виду будет приведен инструмент в ходе реставрации?

— На заседании комиссии экспертов было принято решение признать состояние органа, в котором он первоначально появился в Московской консерватории, аутентичным и восстановить именно этот облик инструмента. В связи с восстановлением аутентичной диспозиции органа поднялся вопрос о регистре Unda Maris. Считалось, что этот регистр, присутствовавший в первоначальной диспозиции инструмента, был заменен на Flûte conique при установке органа в Москве. Однако доктор искусствоведения, органистка Марина Чебуркина (Франция) представила комиссии доказательства (французскую газету начала XX века), в которых документально подтверждается, что регистр Unda Maris отсутствовал уже и на Парижской выставке, где орган был представлен перед его установкой в Москве.

- Есть ли проблемы с другими деталями органа?

- Во время Великой отечественной войны, а также в процессе ремонтов органа в 1958 (фирма «Ламанн», Лейпциг) и 1968 (фирма «Зауэр», Франфурт-на-Одере) годах была утеряна часть труб. Эти трубы утрачены навсегда, но у фирмы «А. Шуке» (Потсдам) сохранись документы с расчетами их мензур. На заседании экспертной комиссии было решено поручить Н. В. Малиной подготовить письмо от консерватории на фирму «А. Шуке» с просьбой предоставить нам материалы по этому вопросу.

- Как часто будет собираться экспертная комиссия?

- Следующее заседание комиссии запланировано на июнь 2015 года. Предварительные решения могут приниматься комиссией в сокращенном составе. Также возможен и виртуальный контакт членов экспертного совета.

Беседовала Олеся Кравченко
Фото Эмиля Матвеева

№ 2 (1322), февраль 2015

«Каждое поколение, благодарно вспоминая предшественников, стремится оставить свой добрый след на земле для грядущих потомков. В этом – суть бытия: без прошлого нет будущего. И ныне, находясь на пороге своего 150-летия, Московская государственная консерватория имени П. И. Чайковского свято хранит унаследованный ею храм искусства, возведенный более века назад великолепный памятник архитектуры, из которого вышли многие тысячи талантливых музыкантов, прославивших свою отчизну; и одновременно созидает новое, также во имя продолжения славных традиций и преемственности поколений. Сегодня на этом месте закладывается фундамент уникального многофункционального студенческого комплекса, в котором будут обеспечены все условия для полноценной жизни и творчества новых поколений консерваторцев. Это стало возможным благодаря всемерной поддержке государства – Правительства России и Правительства Москвы. В этом – счастливый удел нашего поколения. Мы верим в Будущее и надеемся, что и нас вспомнят добрым словом».

Это слова, обращенные к будущим консерваторцам. Морозным зимним днем 27 января 2015 года, в день начала строительства нового студенческого жилого комплекса на М. Грузинской, состоялась символическая закладка капсулы с посланием для новых поколений. В торжественном событии помимо ректора Московской консерватории Александра Сергеевича Соколова участие приняли Министр культуры России Владимир Ростиславович Мединский и Митрополит Волоколамский Иларион.

Все они говорили о необходимости подобных зданий, которые позволят привлечь новых иногородних и иностранных студентов. «С каждым годом у нас становится все больше студентов из российской провинции. Мы заинтересованы в том, чтобы сила русского искусства разносилась по миру не только нашими соотечественниками, но и иностранцами, которые все больше к нам стремятся. Все они должны жить в своем доме. И такая возможность у них появится», – отметил ректор. Он назвал будущий комплекс иностранным словом «кампус», что звучало совершенно правомерно, ведь в случае, если проект будет реализован так, как задуман, студенты обретут не новую «общагу», со всем негативом, вложенным в это слово, но настоящий, по-европейски комфортный дом.

«Можно много спорить о конкурентоспособности российского образования в разных его направлениях. Но одна вещь абсолютно бесспорна: российское музыкальное образование является мировым стандартом, является ориентиром для музыкальных школ всего мира. И Московская консерватория – это уникальный мировой бренд, который мы должны поддерживать. Поэтому мы направляем большие усилия и на реставрацию исторического комплекса зданий в центре, и на создание этого кампуса», – заявил на церемонии открытия министр культуры. Хочется верить, что подобные реставрация и реконструкция действительно помогут нашей Alma mater стать лучшей не только в сфере образования, но и в области жилищных условий для обучающихся.

Важной фигурой на торжественном мероприятии стал Митрополит Иларион, который провел обряд освящения начала строительства. Не будем забывать, что Митрополит Иларион имеет непосредственное отношение к Московской консерватории, будучи выпускником композиторского факультета и действующим композитором. «Я как человек, который учился в консерватории, хотел бы пожалеть своей Alma mater помощи Божьей в том, чтобы и дальше высоко нести знамя русской музыки, хотел бы пожелать успехов ректору консерватории, ее учащим и учащимся. Пусть Господь всех нас хранит и благословляет на многая и благая лета», – обратился он ко всем присутствующим.

Проект, который в настоящий момент существует лишь в виде макета, поражает своей грандиозностью. Кампус будет состоять из трех современных высотных корпусов разной этажности, расположенных перпендикулярно Малой Грузинской улице. В нем смогут разместиться 900 человек, к услугам которых будут предоставлены репетитории, актовый и киноконцертный залы, спортивно-оздоровительный комплекс с бассейном, медицинский блок, а также кафе и столовая. Свои транспортные средства проживающие смогут разместить в подземном паркинге на 90 автомобилей и 150 велосипедов.

Радует также то, что проектировщики нестандартно подошли и к внешнему виду здания. Архитекторы спроектировали будущие высотки таким образом, что издалека в них будут угадываться музыкальные клавиатуры, а здание, скрепляющее их, будет декорировано подобием нотного стана со звуками, интервалами и аккордами на нем…

Хорошо помню, когда началась моя студенческая жизнь в Московской консерватории – 1 сентября 2011 года, – ректор сказал нам, что скоро пойдет строительство. С тех пор мы все жили в ожидании чуда, но время шло, а привезенные на задний двор общежития сваи сиротливо лежали и смотрели на смену времен года. И вот – долгожданное строительство открыто! Его планируется вести таким образом, чтобы не отселять проживающих в общежитии студентов. Завершиться это грандиозное действо должно уже к концу 2017 года. От себя добавлю лишь то, что безмерно радуюсь и даже немного завидую тем, кто сможет провести лучшие годы своей жизни в столь чудесном месте.

Людмила Сундукова,
собкор «РМ»
Фото Дениса Рылова

№ 1 (1321), январь 2015

Гости и участники фестиваля

С 3 по 7 декабря 2014 года в Московской консерватории прошел юбилейный фестиваль, посвященный 85-летию со дня рождения американского композитора Джорджа Крама (р. 1929).

Классик американской музыки ХХ–XXI вв. Дж. Крам более тридцати лет хорошо известен нашему слушателю. Он соединил в своем творчестве «различные тенденции национальной музыки от Чарльза Айвза до Роя Харриса наряду с европейскими стилями начала ХХ века» (К. Гэнн). В его творчестве органично переплелись чисто американское ощущение пространства и европейская рафинированность. В музыке Крама представлен широкий диапазон стилей и композиторских техник ХХ века, благодаря которым он находит новые смысловые связи между музыкой прошлого и настоящего. «Уже сами названия его пьес звучат как стихотворения. Серьезности музыкальных концептуалистов он противопоставляет свою веселую изобретательность, перепалку с классиками через цитаты и нежность к слушателям» (М. А. Сапонов).

В рамках фестиваля состоялись три концерта, где звучала музыка Крама, его учеников и коллег, а также прошли мастер-классы. Специально к фестивалю был подготовлен буклет, в котором опубликована беседа юбиляра с проф. С. Ю. Сигидой, список произведений композитора, а также очерки, посвященные самому Дж. Краму, пианисту и дирижеру Дж. Фриману и композитору Д. Ризу. С приветствием к гостям и участникам, открывая фестиваль, обратился проректор по научной работе профессор К. В. Зенкин.

Первый концерт в зале им. Н. Я. Мясковского имел подзаголовок: «Музыка профессоров Университета Пенсильвании». Он открылся «Маленькой сюитой на Рождество» Дж. Крама в исполнении Михаила Дубова, одного из постоянных пропагандистов музыки юбиляра. Далее звучала музыка его коллег.

В программе концерта были представлены два сочинения Джея Риза (р. 1950, завкафедрой композиции Пенсильванского университета). Его музыка известна в России, опера «Распутин» постоянно присутствует в репертуаре театра Геликон. Прозвучали блестяще исполненная пьеса «Призрак ласточки Красного моря» для флейты (М. Алиханова) и фортепиано (М. Хаба) и завершавший программу струнный квартет «Memory Refrains» (Н. Ведякова, К. Сухова, Ю. Аполлонская, В. Мухин).

В тот вечер впервые в России были исполнены и произведения Джеймса Примоша (р. 1956) – Две песни из вокального цикла «Святый, Крепкий…» на тексты английских и американских поэтов, а также византийского богослова VII века Иоанна Лествичника (Е. Кичигина – сопрано и Н. Черкасова – фортепиано) и Цикл прелюдий для фортепиано «Хитроумное изобретение, Абсолютный дар» (Н. Черкасова). Прозвучала также пьеса Эндрю Рудина (р. 1939) «Торжество» для двух фортепиано (М. Хаба, Н. Черкасова) и ударных (А. Никитин), написанная специально к 80-летнему юбилею Джорджа Крама и 70-летию Джеймса Фримана.

На втором концерте фестиваля в Мемориальном музее им. А. Н. Скрябина звучала музыка «кумиров» Крама: «Песни Билитис» К. Дебюсси в переложении для флейты и фортепиано, «Контрасты» Б. Бартока для скрипки, кларнета и фортепиано, пьесы А. Скрябина «Гирлянды» и «Темное пламя», его же Этюд ор. 8 № 11 в транскрипции Дж. Риза, а также две пьесы самого Крама – «Голос кита» для трех исполнителей в масках и «Одиннадцать эхо осени». Эту программу задумали и исполнили большие энтузиасты музыки юбиляра: М. Дубов (фортепиано), О. Танцов (кларнет), Е. Субботин (скрипка), И. Рубинштейн (виолончель), И. Бушуев (флейта).

Кульминацией фестиваля стал заключительный концерт в Рахманиновском зале. В нем приняли участие американские гости: певица Барбара Энн Мартин, пианист и дирижер Джеймс Фриман, а также солисты ансамбля «Студия Новой музыки» С. Малышев (скрипка), О. Галочкина (виолончель), А. Винницкий (ударные), М. Алиханова (флейта), А. Потапов (банджо).

Впервые в России были исполнены Три ранние песни Дж. Крама, написанные им в год окончания Высшей школы (1947), и песня «Молчаливая ночь под звездным небом» из цикла Элегических песен и вокализов на стихи поэмы Уитмена «Когда сирень цвела…» (памяти Авраама Линкольна). Камерные пьесы «Последовательность сновидений» для скрипки, виолончели, ударных, фортепиано и стеклянной гармоники и «Ночь четырех лун» для сопрано, виолончели, флейты, банджо и ударных продемонстрировали инструментальный театр Крама. Эти музыкальные театральные действа вызвали особый интерес у публики, причем все пьесы комментировал управлявший ансамблем Джеймс Фриман.

В концерте был показан фрагмент американского видеофильма с участием Дж. Крама и исполнением некоторых пьес композитора, снятый во время его прошлой поездки в Москву и Санкт-Петербург. Было очень интересно и важно услышать рассуждения о композиторской технике из уст самого автора.

Мастер-класс для студентов композиторского, вокального и дирижерско-хорового факультетов также был сосредоточен на особенностях исполнения вокальной и инструментальной музыки Крама. На втором мастер-классе у профессора вокального факультета Е. М. Околышевой молодые певцы сначала познакомились с вокальной музыкой Крама, которую показала Барбара Энн Мартин, а затем сами исполнили ряд арий и сцен из русских опер, завершив встречу «диалогом культур».

Через несколько дней после окончания фестиваля Джордж Крам прислал письмо с огромной благодарностью музыкантам, исполнявшим его музыку, и всем организаторам, способствовавшим проведению столь сложного мероприятия. Фестиваль, посвященный американскому композитору, стал замечательным подарком юбиляру и московским слушателям.

Анжелика Козедуб,
студентка ИТФ

№ 1 (1321), январь 2015

Щедрая на осенние хоровые события московская афиша в начале зимней декады вновь преподнесла подарок любителям хорового пения: 12 декабря в Рахманиновском зале открылся II Всероссийский фестиваль современного хорового, театрального и изобразительного искусства с символичным названием «Гармония и мир».

Хор Московской консерватории

В этом году участниками проекта стали коллективы из разных городов страны: Хор Московской консерватории п/у С. Калинина и Симфонический оркестр Московской консерватории п/у В. Валеева, Нижегородский театр оперы и балета имени А. С. Пушкина, хор Нижегородской консерватории п/у Б. Маркуса, женский хор Нижегородской консерватории п/у Н. Покровского, Камерный хор «Нижний Новгород» п/у Б. Мокеева, молодежный хор «Возрождение» п/у С. Смирнова и Симфонический оркестр Нижегородской консерватории п/у Р. Жиганшина, санкт-петербургский Камерный театр Малыщицкого, суздальская Мужская капелла «Благовест» п/у Л. Панкратова, Костромской симфонический оркестр п/у П. Герштейна.

«Разрушать − легко, созидать − трудно» − этой актуальной во все времена сентенцией президент фестиваля С. С. Калинин предварил его открытие, подчеркнув значимость данного представительного форума, одухотворенного идеей консолидации творческих сил, сплочения российского общества на базе отечественного культурного наследия. Благородную задачу приобщения широкой российской публики к лучшим образцам национального искусства отчасти реализовал уже первый концерт, представивший плеяду отечественных композиторов от С. Прокофьева до В. Ходоша, а также богатейший спектр национальной поэзии: классику (Н. Некрасов, А. Пушкин), «Серебряный век» (И. Северянин), современность (Н. Туроверов, Д. Самойлов, Б. Окуджава, М. Сухорукова).

В первом отделении концерта выступали гости: Камерный хор «Нижний Новгород» и мужская капелла «Благовест», руководитель которой Л. Панкратов предстал в двух ипостасях − как дирижер и автор исполняемой музыки. Прозвучали две его небольшие хоровые композиции, а также цикл «INOE» (заклинания), написанный для солистов, хора и чтеца.

Камерную тембрику сменила масштабная звукопись второго отделения, целиком отданного сводному Хору студентов Московской консерватории. И здесь слушателей ждал сюрприз: в качестве дирижеров выступили выпускники факультета, будущие хормейстеры и педагоги. Общей концепции фестиваля оказалось созвучно стилевое и жанровое многоцветье программы, открывшейся строгим песнопением Г. Свиридова «Се жених грядет во полуночи» (дирижер А. Замалиева) и завершенной просветленным гимном Ю. Фалика «Благословим Любовь» (дирижер Е. Алферова). Особенно запомнился «славянский блок», продемонстрировавший богатую палитру нетрадиционных приемов хорового письма и высокий уровень мастерства исполнителей: белорусский «Госцiк» (А. Саврыцкий / В. Шиманская, дирижер Т. Шульга), украинская «Дримба» (В. Зубицкий, дирижер Б. Буряченко) и русский «Сидор Поликарпович» (из трех песен в обработке В. Салманова, дирижер А. Зеленеев). Как всегда, сильное впечатление осталось от исполнения таких «суггестивных» хоровых сочинений, как фрагмент хоровой литургии Р. Щедрина «Запечатленный ангел» (дирижер А. Зайпольд) и пьеса В. Кикты «Как за церковью…» (дирижер Р. Остриков). Хоровая «классика» была представлена двумя свиридовскими хорами на стихи А. Пушкина (дирижер А. Коршунова) и «Катериной» С. Прокофьева в переложении для хора А. Андрусенко (дирижер Н. Семенюк).

По принципу «замыкающей перемены» и в качестве прощального опуса «на бис» под управлением С. Калинина прозвучал энергичный американский госпел, ключевая фраза которого − «Ain’t Got Time to Die» («Нет времени умирать») − стала своеобразным напутствием и слушателям, и участникам концерта. Исполнитель сольной партии студент первого курса М. Нор вызвал бурю оваций и стал объектом восторженного послеконцертного обсуждения.

Радостно сознавать, что в наше непростое, скупое на позитивные перемены время, искусство сохраняет приверженность традициям, поддерживающим идею духовного единения, а хоровые концерты, как и ранее, нацелены на пробуждение в человеке всего лучшего и прежде всего − естественного стремления разумного существа к Гармонии и Миру.

Профессор М. С. Высоцкая

№ 1 (1321), январь 2015

Мировая премьера оперы русского классика – явление не столь частое в наши дни и уж конечно не рядовое. СМИ уделили завидное внимание факту открытия, реконструкции и исполнению оперы Алябьева «Буря» по одноименной пьесе Шекспира. Так получилось, что проект нашел свое воплощение именно в перекрестный год Великобритании и России (премьера, кстати, была официально включена в рамки его культурных событий), в 450-летний юбилей великого английского драматурга. И даже партитура Алябьева отметила свое 175-летие. В общем, «созвездия расположились благоприятно», и спектакль прошел трижды на очень престижных площадках столицы: в Царицыно, ГМИИ имени А. С. Пушкина и Рахманиновском зале Московской консерватории.

Рукопись этой оперы никогда не издавалась и более столетия хранилась в архивах (сначала в Музее Московской консерватории, затем в Музее музыкальной культуры имени Глинки), пока не стала предметом изучения в кандидатской диссертации Я. Кабалевской «“Буря” Шекспира в музыкальном искусстве», написанной под руководством профессора И. В. Коженовой. На пути к ее постановке потребовалась особая исследовательская работа по восстановлению и расшифровке оригинальной партитуры. Часть ее оказалась утрачена бесследно, поэтому для целостности восприятия оперы было решено восполнить недостающие страницы с помощью включения сюжетообразующих фрагментов из шекспировского первоисточника. Так возник замысел оригинального, сложно устроенного музыкального спектакля – проект консерваторских энтузиастов, возглавляемых доктором искусствоведения, проф. Евгенией Кривицкой и кандидатом искусствоведения Ярославой Кабалевской.

Считать ли это вторжением в авторский замысел? Вопрос риторический. Важно другое: жанр семи-оперы или драматического спектакля с увертюрой и музыкальными номерами, расставляющими важнейшие смысловые акценты, существовала как в Англии (в виде «маски»), так и в России. Порадуемся историческим совпадениям. Первым заметным образцом жанра маски стал спектакль «Зачарованный остров» (1674) именно по «Буре» Шекспира. Алябьев первоначально прикоснулся к этой теме, сочинив музыку к пьесе в русскоязычной версии князя Шаховского. Для нынешнего представления российский композитор Кузьма Бодров сделал специальную редакцию «Бури» Алябьева для камерного оркестра, включив в музыкальный контент и оркестровую пьесу «Буря» (1835), созданную Алябьевым как самостоятельное сочинение.

…В Атриуме Хлебного дома в Царицыно неоготическое пространство зала – со стрельчатыми окнами, балконами и лестницами – было замечательно обустроено и обжито под руководством режиссера-постановщика и исполнителя одной из драматических ролей (волшебника Просперо) Петра Татарицкого, создавшего действительно зрелищное действо в духе шекспировского «площадного театра». Фехтовальщики в Прологе под тревожно-динамичные звуки интерлюдии, рисующей собственно бурю, разыграли сцену братоубийства, сразу настроив публику на определенную тему постановки. Красиво подобранные режиссером костюмы артистов и солистов, как и униформа для оркестра и хора – венецианские воротники «мельничные жернова» – обозначили эпоху «стародавних времен», а придуманный им «дубль» оперных и драматических персонажей позволил создать нелинейную композицию со своим особым хронотопом. Действие то стремительно раскручивалось, то психологически замедляло ход, и каждый зритель мог по-своему расставить акценты и отдать симпатии тем или иным героям этой музыкально-драматической истории.

Белый зал Музея им. Пушкина стал следующим серьезным этапом в премьерном шествии. Попасть в программу фестиваля «Декабрьские вечера Святослава Рихтера» – заветная мечта любого артиста. Навстречу 100-летию прославленного пианиста дирекция фестиваля во главе с Президентом музея И. А. Антоновой решила украсить афишу театральной постановкой, учитывая то, как обожал Рихтер театр, как сам ставил ряд опер. Сюжет «Бури», только с музыкой Перселла, при жизни Святослава Теофиловича также был реализован на «Декабрьских вечерах».

Наконец, третий раз «Бурю» Алябьева сыграли 22 декабря уже в Alma Mater. «Родные стены» Рахманиновского зала не просто помогли, но и позволили представлению заиграть новыми красками. Его кубатура оказалась идеальной как для музыкальной части, так и драматической – артисты смогли работать без микрофонов, что создало необходимый тембровый баланс.

Трижды «брали высоту» Камерный оркестр и Камерный хор Московской консерватории. Музыкальный руководитель постановки и дирижер оркестра Феликс Коробов подчеркнул прежде всего «западничество» Алябьева, его вписанность в европейский мейнстрим первой трети XIX века, категорически отметая «сусальность». Может быть, поэтому столь привлекательной показалась, наконец, услышанная партитура: ведь ноты – это неодушевленные знаки, и лишь воля музыканта, его интерпретация раскрывают истинный смысл творения композитора! Идеально вписался в музыкальную концепцию Камерный хор (художественный руководитель – доц. Александр Соловьев).

Проф. И. В. Коженова со своей стороны дополнила общее впечатление: «Меня радует успех этого уникального проекта. Я как никто знаю все этапы движения к нему: как родилась идея обратиться к этой самой загадочной, волшебной и самой музыкальной драме Шекспира. Как шли поиски ее различных музыкальных воплощений и как “вышли” на оперу Алябьева, о которой были только упоминания. Сейчас нередко явления нашей культуры проходят реставрацию, реконструкцию и получают новую жизнь. Так и с “Бурей” Алябьева. Большим достоинством данного спектакля является то, что он выстроен вокруг музыки, которой оказалось не так уж и много. Автор инсценировки П. Татарицкий достаточно корректно подобрал шекспировский текст для сценической версии, что сделать было нелегко. Очень удачен актерский коллектив. Прелестны и молодые певцы: Дарья Давыдова (Ариэль), Сергей Радченко (Фердинанд), в разных составах – Денис Макаров и Максим Кузьмин-Караваев (Просперо), Александра Кадурина и Ирина Суханова (Миранда); и полюбившиеся всем молодые драматические актеры: Илья Боязный (Калибан) и Анастасия Малкова (Миранда). Без энергии Е. Кривицкой и творческой инициативы Я. Кабалевской всего этого не могло бы случиться…»

Большое видится на расстоянии. Нам еще предстоит осмыслить уроки «Бури»: и то, что вне театрального контекста по-прежнему остается целый пласт отечественного музыкального наследия, и то, насколько театр – опера и драма, сопоставленные напрямую, входят в резонанс и обогащают друг друга.

Профессор И. А. Скворцова
Фото Елены Артюшенко из Рахманиновского зала МГК

№ 9 (1320), декабрь 2014

События вековой давности – повод перелистать страницы истории, чтобы воскресить в памяти не только героические подвиги, но и выдающиеся художественные явления. В этом году память о Первой мировой войне, названной впоследствии «забытой» и «великой», как никогда жива. Ей посвящены сотни различных акций, проходящих не только в России, в числе которых уникальный проект, реализованный при участии Московской консерватории.

Сто лет назад композитор Александр Дмитриевич Кастальский (1856–1926), директор Синодального училища, позднее профессор Московской консерватории, начал работу над самым грандиозным своим сочинением – ораторией-плачем «Братское поминовение» памяти жертв мировой войны для солистов, хора и органа с уникальным замыслом соединить католическую заупокойную службу с православной панихидой. Даже части имели двойное обозначение:  «Requiem aeternam. Со святыми упокой»; «Kyrie eleison. Ектения»; «Rex tremendae. Сам Един еси безсмертный»; «Agnus Dei. Упокой, Боже» или «Requiem aeternam. Вечная память». «Русским реквиемом» назовет его позже Б. Асафьев.  Однако полагая, что недостаточно хорошо знает возможности органа, издавать первую редакцию Кастальский не стал (при жизни композитора она так и не прозвучала). Но на ее основе возникли две другие – дополненная новыми частями «светская» версия  для солистов, хора и оркестра и «церковная» для хора a cappella, получившая название «Вечная память героям. Избранные песнопения панихиды».

И вот 6 октября 2014 года в Конференц-зале Московской консерватории (где когда-то располагалось Синодальное училище) состоялась презентация партитуры «Братского поминовения» в первой редакции — совместной публикации издательства «П. Юргенсон» и Московской консерватории. Непосредственное участие в этой работе приняли музыковед Светлана Зверева, обнаружившая в Российском государственном архиве литературы и искусства неизвестную рукопись, и доцент кафедры органа и клавесина Московской консерватории Любовь Шишханова, осуществившая редакцию органной партии и ставшая первой исполнительницей.

Концерт в КЗЧ в Москве. Фото С. Б. Чеботарева

В свое время выбор композитором мало знакомого ему инструмента не был случайным. «Непрерывное братство и единение народов согласия, их круговая братская помощь в настоящей войне естественно рождает идею братского поминовения воинов, павших за общее дело», – писал он в предисловии к прижизненному изданию произведения. Наряду с полиязычным, политекстовым и полицитатным материалом, взятым из духовных напевов исповедуемых народами-союзниками конфессий, органу в этой «межконфессиональной заупокойной службе», отводилась семантическая роль.
Возрождение органной редакции на концертной сцене произошло в год празднования 150-летия со дня рождения А. Д. Кастальского: в Глазго (Великобритания) и в Ярославле – с участием Мужского камерного хора «Кастальский» (создан в 2004 году профессором Московской консерватории А. М. Рудневским) и Л. Б. Шишхановой (орган).

Беспрецедентным событием стала международная акция, которая прошла осенью этого года. Память о событиях Первой мировой войны, запечатленных Кастальским, послужила поводом к объединению трех творческих коллективов – Мужского камерного хора «Кастальский» под руководством Алексея Рудневского, «Фигуральхор Кёльна» (Германия) под руководством Рихарда Майлендера и Хора Домского собора Граца (Австрия) под руководством Йозефа М. Дёллера. 7 октября в Концертном зале имени П. И. Чайковского в Москве, а затем 7 и 9 ноября в кафедральных соборах Кёльна и Граца оратория была исполнена силами сводного хора под управлением Алексея Рудневского, солистов Екатерины Ясинской (сопрано), Дмитрия Фадеева (бас), Любови Шишхановой (орган) и Владимира Дегтярева (колокола).

После исполнения в Кафедральном соборе в Граце

Программу концертов дополнили два сочинения руководителя дрезденского «Кройцхора», композитора Рудольфа Мауэрсбергера (1889–1971), посвященные событиям уже Второй мировой войны. Это Мотет для хора a cappella «Wie liegt die Stadt so wüst» («Какой пустынный город…») на текст Плача Иеремии, написанный по случаю разрушения Дрездена в 1945 году, и «Дрезденский реквием» для солистов, трех хоров, инструментального ансамбля и органа на слова из Ветхого завета и сборников церковных песнопений. В России оба сочинения прозвучали впервые.

Несмотря на то, что немецкий и австрийский хоры – коллективы любительские, они прекрасно справились с масштабной партитурой, овладев не только произношением, но и манерой исполнения, свойственной русской хоровой школе. Обмен опытом оказался взаимным, вновь подтверждая, что высокое искусство и человеческая память ни во времени, ни в пространстве не знают границ.

Ольга Арделяну
На фото (слева направо): Й. Труммер, А.  С.  Соколов, Л. Б. Шишханова, А. М. Рудневский, Й. Дёллер и Р. Майлендер, которые держат памятный подарок – маленький стихарь, сшитый по всем канонам мастером Свято-Троицкой  Сергиевой Лавры

№ 8 (1319), ноябрь 2014

Десятого ноября на сцене Большого зала состоялось закрытие Первого Международного хорового конгресса – события масштабного и значимого как для самих хористов, так и для слушателей. По словам его инициатора и вдохновителя, заведующего кафедрой хорового дирижирования профессора С. С. Калинина, идея конгресса – объединение и возможность творческого общения любительских и учебных хоров из разных уголков России. И не только России.

Почему возникла такая идея? Быть может, потому, что важно дать возможность музыкантам, поющим в непрофессиональных хорах, послушать друг друга, научиться чему-то новому на мастер-классах. А, возможно, для того, чтобы публика смогла услышать известную и малознакомую музыку в исполнении людей, любящих пение и поющих не в силу профессиональной обязанности, а по зову сердца.

Трудно представить себе физика-ядерщика, будь то доцент или студент, который придет на репетицию после насыщенного дня, не чувствуя в этом душевной потребности. Хотя и среди профессионалов есть счастливчики, у которых долг и желание не создают диссонанса. Кстати, во многих оперных театрах мира хоры не профессиональные, а любительские. А ведь как звучат! Есть такой опыт и в Новосибирском оперном театре: в «Аиде», «Борисе Годунове» и некоторых других спектаклях когда-то почти половину хора составляли студенты, поющие в любительском коллективе…

Концерт, как и весь конгресс, был просветительским событием для публики: ее вниманию предлагалась широкая палитра хоровых стилей. Вечер открыл Академический мужской хор МИФИ. Пели Чайковского. Слушателю могла показаться несколько необычной хоровая интерпретация такого камерного, интимного по настроению романса как «Нет, только тот, кто знал». Но голоса звучали ровно, бархатно, тепло, не было ни лишнего форте, ни нарочитого пиано. Хор смог выполнить очень сложную задачу – искусно переплетенным многоголосием передать ощущение переживаний человека, его любовь, его печаль, его одиночество и тоску в разлуке. Басам – отдельное «браво», а руководителю хора Надежде Малявиной – низкий поклон за такую радость и труд.

Студенческий хор из Могилева (филиал Белорусской государственной академии музыки) сумел создать настоящую «звуковую картину» – было слышно пение птиц, шелест деревьев, голоса людей… Академический хор «Подлипки» удивил внешним перевоплощением: сброшенные с плеч русские разноцветные шали, в которых исполнялась песня «Перевоз Дуня держала» (маленький яркий спектакль из народной жизни), мгновенно преобразили наряды певцов в костюмы для спиричуэлов. Правда, хотелось бы не только внешнего, но и вокального разнообразия в исполнении столь диаметрально противоположных произведений.

Академический хор МГУ, накануне представивший слушателям Большого зала вместе с симфоническим оркестром Приморского театра оперы и балета две масштабных вокально-симфонических фрески классиков русской музыки – поэму «Казнь Степана Разина» Д. Шостаковича и «Половецкие пляски» из оперы А. Бородина «Князь Игорь», в этот раз выступал a capella. Под управлением художественного руководителя коллектива дирижера Мирзы Аскерова прозвучали «Последний плач гармошки» из кантаты «Сокровенные разговоры» Н. Сидельникова и эффектная «Рамочка» латышского музыканта Р. Кауперса в обработке для хора Э. Эшенвальдса (солировала А. Челпанова). Университетский хор, в котором поют студенты, аспиранты, педагоги и выпускники почти всех факультетов прославленного вуза, отличала высокая вокальная культура, достойная великой сцены БЗК и собственной более чем двухсотлетней истории.

Завершавший отделение хор Московской консерватории во главе с проф. С. С. Калининым порадовал классическим звучанием и, конечно, самим музыкальным материалом. В хоровой сюите из песен разных лет Андрея Эшпая звучали ностальгические нотки далекого, но еще родного и знакомого многим времени. Эти напевы знали, их напевали, и хорошо, что сейчас они входят в репертуар хора молодых музыкантов. Пройдут годы и, возможно, те, кому сейчас двадцать лет, будут учить этим песням своих детей и внуков. И музыкальная нить поколений не прервется.

После антракта на сцену вышел сводный хор участников конгресса и музыканты оркестра Приморского театра оперы и балета, за два дня до этого прилетевшие из Владивостока. Перед началом кантаты Прокофьева «Александр Невский» главный дирижер оркестра Антон Лубченко сделал потрясшее зал заявление: более тридцати его оркестрантов не смогут принять участие в концерте из-за сильнейшего пищевого отравления, но, к счастью, нашлись московские музыканты, которые пришли на выручку. В итоге исполнение состоялось не только сводным хором, но, по сути, и сводным оркестром. Вопреки уже появившимся на тот момент анонсам в Интернете о возможной отмене концерта он состоялся.

Кантата прозвучала блистательно, причем после всего лишь одной тридцатиминутной общей репетиции! Сводный хор, стоявший не только на сцене, но и на балконах, пел величаво-прекрасно. Казалось, звук шел отовсюду, проникая прямо в душу. Захотелось почувствовать себя частью этой совершенной живой музыкальной «махины», и это желание, наверняка, посетило многих зрителей…

В хоровом искусстве кроется невероятная возможность объединения людей через совместно исполняемую музыку во имя радости и любви, ради мира и благоденствия. Если бы юношей со всего света собирали не в войска, а в хоры, как прекрасно зазвучала бы Вселенная!

Ирина Егорова-Свечникова, 
слушательница ФПК МГК по музыкальной журналистике

№ 8 (1319), ноябрь 2014

Не секрет, что в последнее время в России происходит активное возрождение хорового дела. Страна поет – от мала до велика, от Красной площади до Красной поляны, от Дня славянской письменности и культуры до Олимпиады. И старейший в России институт хорового дела – кафедра хорового дирижирования Московской консерватории гордо несет знамя флагмана. С 13 сентября по 10 ноября в стенах нашей Alma mater прошел Первый международный хоровой конгресс. Его география – обширна, его участники – заслуженные хоровые мастера и творческая молодежь.

Масштаб события впечатляет: в рамках конгресса состоялось шесть концертов, а закрытие соединило всех участников в составе сводного хора на сцене Большого зала – прозвучали «Александр Невский» Прокофьева и Финал «Патетической оратории» Свиридова. Одним из открытий для московской публики стало центральное событие конгресса: мастер-класс и заключительный концерт «Антология американской хоровой музыки». По приглашению заведующего кафедрой хорового дирижирования профессора Станислава Калинина в Москву прилетел известный американский хоровой дирижер и композитор Майкл Шасбергер, который делится с нами своими впечатлениями:

— Майкл, расскажите, пожалуйста, о Вашей работе с хором Московской консерватории. Насколько сильно проявляется иной менталитет, ощущаете ли Вы это при работе с коллективами абсолютно разных культур?

— Ваш коллектив – это первый русский хор, с которым я общаюсь продолжительное время. Раньше я встречался с другими хорами из России, но такое близкое общение с русским коллективом у меня впервые. И я не думаю, что характер хора, принцип работы с ним сильно зависит от национальности, это, скорее, проявление некоторых межкультурных понятий: профессионализм, дисциплина, выучка, умение сконцентрироваться. Это либо есть, либо нет. Ваш хор был готов петь, с первого мгновения. И для меня было большим удовольствием работать, оттачивать стилистические и музыкальные тонкости, достигать желаемого результата.

Но если все-таки говорить о разнице – в Америке сложнее работать в дисциплинарном плане. Певцов необходимо развлечь, завладеть их вниманием, а иногда отвлечься вместе с ними. Вы гораздо более дисциплинированы. Или, к примеру, мои студенты – большие скептики! Они задают каверзные вопросы, особенно о той музыке, которая как-то их зацепила, а bногда выступают ярыми адвокатами того или иного сочинения.

— Как Вы подошли к выбору программы мастер-класса?

— Я предоставил профессору Станиславу Калинину много пьес, и он сказал: «Я думаю, нужно это, это и вот это». И потом мы уже прорабатывали вопрос репетуара совместно. Я написал многим своим коллегам-композиторам, друзьям, рассказал об идее поделиться с Московской консерваторией неизвестной в России американской хоровой музыкой, и они откликнулись.

Одно из особенно дорогих мне произведений в этой программе – A Jubilant Song («Песнь Ликования») для смешанного хора и фортепиано Нормана Делло Джойо. Эта музыка была написана вскоре после окончательной победы над фашизмом. Но сейчас она, к сожалению, редко звучит в Америке.

— Если подвести некий итог совместной работы, что Вам хотелось бы выделить в первую очередь?

— Мы, конечно, очень разные в физическом восприятии пения. Вы вкладываете в звучание такую силу, любовь и энергетику, что это стесняет свободу движения тела. Это огромное достоинство – такая мощь и точность хорового звука, даже когда при этом недостаточно грациозности, подвижности и свободы в певческом ощущении. Но сравнивать невозможно – это как вождение разных типов автомобилей. Все равно, что водить спортивную машину, а потом сесть в комфортабельный салон люкс-класса. Русский хор – это как… лимузин! А американский – спорткар. И мне очень интересно пытаться совместить эти музыкальные миры. Нам есть чему у вас поучиться в красоте, плавности и глубине звука, и в свою очередь, мы были бы рады поделиться с вами энергией и эмоциональностью.

Майкл Шасбергер провел с хором Московской консерватории четыре насыщенных репетиционных дня, завершившихся ярким концертом в Большом зале. Что-то удалось в полной мере, что-то в меньшей степени, но от недели, проведенной с профессором Шасбергером осталось необыкновенно полетное чувство абсолютной радости. Человек, который всегда улыбается, он мягко исправлял ошибки хора и добивался своего, не скрывал восторга от особенно успешных исполнений в процессе работы.

Неделя мастер-класса стала яркой кульминацией Первого международного хорового конгресса, как нельзя лучше воплотив его суть, радостную и объединяющую весь мир. Об этом звучали прекрасные слова из партитуры Нормана Делло Джойо (перевод Софьи Аверченковой): «Слушайте песнь ликования! Радость духа нашего не знает границ. Мы воспеваем радость юности».

Ольга Ординарцева