№ 2 (1331), февраль 2016

Андрей Чолокян

С 6 по 14 ноября 2015 года в Московской консерватории прошел Седьмой международный конкурс для исполнителей на духовых и ударных инструментах по специальностям «гобой» и «валторна». Цикл конкурса, как известно, рассчитан на пять лет, по две духовые дисциплины в год, где каждый из инструментов партитуры один раз имеет свое состязание. В 2014 году начался второй цикл, и в 2015-м на московскую сцену снова вышли гобоисты и валторнисты.

Учредитель конкурса – Московская консерватория – нашла новые возможности для увеличения состава жюри, как того требуют правила Женевской федерации международных конкурсов. Теперь соблюдены все положения, на которых основывается Федерация: первая премия не делится, более половины состава жюри – зарубежные музыканты, авторитетные в данной области. В нынешнем году конкурс может подавать заявку на вступление в Женевскую федерацию, к чему учредители стремились с самого начала.

В Седьмом конкурсе приняли участие молодые музыканты из России, Великобритании, Польши, Испании, Сингапура, Казахстана, КНР, Республики Кореи, Беларуси, Украины. В жюри каждой номинации входили три представителя России и четыре иностранных музыканта. Жюри номинации «гобой» возглавил директор АМК при МГК В. Демидов, его партнерами стали О. Томилова, А. Любимов (Россия), Г. Витт (Германия), Ж.-Л. Капеццали (Франция), А. Кляйн (Бразилия), А. де Феличе (Италия), Нуралы Танатар Конырулы (Казахстан). Председателем валторнового жюри был приглашен директор МССМШ им. Гнесиных М. Хохлов, а в жюри вошли В. Шиш, И. Карзов (Россия), М. Шопфер (Австрия), Р. Бошняк (Венгрия), Б. Липовшек (Словения), Б. Карибаев (Казахстан).

Иван Кобыльский

Значение этого конкурса велико. Ему удается привлечь внимание музыкальной общественности к диспропорции специальностей в подготовке исполнителей на духовых инструментах и, как следствие этого, к дефициту некоторых духовых инструментов в российских оркестрах. Можно сказать, что сейчас уже многим ясны проблемы профессионального музыкального обучения на духовых инструментах в нашей стране, в частности, нехватки студентов в классах фагота, валторны и тубы. До сих пор не во всех региональных консерваториях полностью укомплектована партитура симфонического оркестра, по-прежнему переполнены классы флейты и саксофона, хотя у их выпускников перспективы получить работу по специальности плохо просматриваются. По-прежнему известные солисты, вернувшись с гастролей по России, жалуются на отсутствие в региональных симфонических оркестрах или фаготиста, или валторниста, или тубиста.

На Седьмом конкурсе исполнителей на духовых и ударных инструментах эта диспропорция также обнаружилась: для участия в соревновании гобоистов было подано тридцать восемь заявок из одиннадцати стран, на конкурс валторнистов – только тринадцать. К сожалению, коллеги из РАМ им. Гнесиных по непонятным причинам проигнорировали конкурс Московской консерватории, что не служит интересам валторновой специальности в нашей стране.

Аль-Фараби Бахтияров

Ярким был концерт-открытие, в котором блеснули мастерством иностранные члены жюри, как в барочном, так в современном репертуаре: гобоисты Арнальде де Феличе (Роберт Шуман. Пьесы-фантазии для гобоя д’амур и фортепиано), Жан-Луи Капеццали (Роберт Шуман. Adagio и Allegro), Алекс Кляйн (Анри Дютийе. Соната для гобоя и фортепиано, I–II части), валторнисты Боштян Липовшек (Лойзе Лебич. Сюита In Voce Cornu), Роланд Бошняк (Виталий Буяновский. «Испания»).

Победителем конкурса в номинации «гобой» стал Андрей Чолокян (I премия, Россия), представитель школы И. Пушечникова, лауреат многих Российских конкурсов. Иван Кобыльский (Россия) получил II премию; III премию присудили представителю Казахстана Аль-Фараби Бахтиярову. Дипломы финалиста вручены Лю Минг (КНР) и Федору Егорову (Россия). К сожалению, воспитанники Московской консерватории выступили достаточно скромно.

Специальный приз фирмы «Пюхнер» (J. Püchner) – гобой д’амур получил Аль-Фараби Бахтияров. В Казахстане подобный инструмент появится впервые. Андрею Чолокяну был вручен приз фирмы «Лоре-Гордон» (F. Lorée – de Gourdon) и футляр для тростей фирмы «Гева» (Gewa) от компании «Индиком». Ивану Кобыльскому – профилирующая машинка фирмы «Ридс-н-Стафф» (Reeds’n Stuff). Федор Егоров получил профилирующую машинку фирмы «Ге Ридс» (K. Ge Reeds).

Николас Гомес-Наваль

В номинации «валторна» были присуждены только две награды: I премию получил представитель Испании Николас Гомес-Наваль, II премию присудили Артемию Якушеву из Беларуси. К сожалению, в валторновой номинации не былого призового инструмента, там ограничились набором аксессуаров для валторны. Зато Николас Гомес-Наваль получил специальный приз от компании «Индиком» – сурдину производства «Шмутте» (Sshhmute) и специальный приз симпатий Камерного оркестра Московской консерватории; фирма «Ямаха» вручила Николасу Гомес-Навалю, Артемию Якушеву и Александру Кушнареву мундштуки Silver 925.

Жюри традиционно отметило призами и лучших концертмейстеров: у гобоистов лучшей была признана А. Полякова, у валторнистов – Е. Кузнецова. Отдельная благодарность Камерному оркестру МГК и его художественному руководителю и дирижеру Феликсу Коробову за внимательное и дружественное отношение к финалистам конкурса и за идею приза оркестровых симпатий.

Как всегда, был проведен международный конкурс на лучшее сочинение для инструмента соло, исполнявшееся на втором туре. Победителями стали Т. Герасименок, автор пьесы для гобоя, и М. Бабинцев, написавший пьесу для валторны.

Артемий Якушев

Необходимо отметить непростую работу Оргкомитета конкурса – размещение программ на сайте, контакты с членами жюри и оформление их визита в Москву, обеспечение нотным материалом, особенно в той части, которая касалась получения разрешения от правообладателей на его использование. Конкурс проходил на фоне ремонта помещений Московской консерватории, что создавало для организаторов особые сложности. Все это удалось преодолеть, хоть и не без труда. Рекламации на наши решения не поступали.

Оргкомитет со своей стороны выражает благодарность генеральному спонсору конкурса – компании Бритиш Петролиум; официальным партнерам конкурса – фирмам «Лоре-Гордон», «Пюхнер», «Ки Джи», «Рид-энд-стафф», «Ямаха»; официальному представителю фирмы «Гева-мьюзик», «Рой Бенсон», «Оскар Адлер» и «Гебрюдер Меник» – компании «Индиком».

Опыт Седьмого конкурса показал, что строгое соблюдение всех уставных требований «Положения о конкурсе» и «Положения о жюри» позволяет с честью выходить из любых сложных ситуаций. Теперь уже ясно, что наш конкурс доказал свою состоятельность и прочно вошел в программу работы консерватории. Следующий, Восьмой, конкурс по специальностям «кларнет» и «труба» уже объявлен на 1–7 ноября 2016 года.

Профессор В. С. Попов, заместитель председателя Оргкомитета и  художественный руководитель конкурса
Фото Дениса Рылова

№ 2 (1331), февраль 2016

«Большая музыка для маленьких» – так именуется цикл Московской консерватории, представляющий собой серию ежемесячных бесплатных концертов для маленьких слушателей и их родителей. Организаторы не ставят перед собой задачу отмечать круглые даты композиторов, но так уж вышло, что первое мероприятие цикла было посвящено Моцарту (см. «РМ» 2015, № 7 – ред.), 2016-й год открылся программой на музыку Прокофьева, а в февральском концерте речь пойдет о Шостаковиче. Пожалуй, дети – как никто способны оценить настоящий «деньрожденческий» праздник: веселый, красочный, с музыкой, танцами и сюрпризами. А названные мероприятия именно таковы. Юбилярам бы понравилось!

Зал им. Н. Я. Мясковского

Проект стартовал в октябре прошлого года при поддержке компании «Хендэ Мотор СНГ». Автором идеи и режиссером является Ксения Бондурянская, исполнителями – профессиональные музыканты, танцовщики и актеры, а также учащиеся музыкальных школ и студий. Каждая программа объединяет и детей, и взрослых как на сцене, так и в зрительном зале. За этот короткий промежуток времени проект успел обзавестись многочисленной аудиторией, младшим представителям которой едва исполнилось три года.

Дважды в месяц на двух концертных площадках – в зале имени Н. Я. Мясковского Московской консерватории и в брэнд-центре «Hyundai MotorStudio» – проходят интерактивные концерты-лекции, включающие удивительные истории о композиторе и его сочинениях, фрагменты из мультфильмов, слайды, танцы, увлекательную викторину и, конечно же, музыку. Тематика лекций – самая разная. Объединяющим является кредо: классическая музыка способна перещеголять в увлекательности любое другое занятие, милое сердцу маленького человека. Нужно лишь знать, как к ней подступиться. И организаторы проекта раскрывают все ее секреты.

Зал им. Н. Я. Мясковского

Симфоническая сказка «Петя и волк» С. С. Прокофьева, разыгранная в консерватории 22 января, а в «Hyundai MotorStudio» – 23 января, познакомила публику с главными действующими лицами – Петей, Волком, а также с другими персонажами и их инструментальными интерпретациями. Это прокофьевское сочинение, пожалуй, – лучшее из всего музыкального калейдоскопа, где инструменты симфонического оркестра так наглядно дефилируют перед слушателями. Кстати, «Петя и волк» в наступившем году отмечает свой восьмидесятилетний юбилей – сказка была написана Прокофьевым в 1936 году по инициативе Натальи Ильиничны Сац.

Музыкальное представление прошло с большим успехом. Присутствующие воочию увидели, а главное, услышали «обитателей» оркестровой ямы, которые не так часто солируют на концертной сцене. Рассказчик (Александр Шляхов) познакомил юных слушателей с занимательными историями о происхождении инструментов, рассказал про детство и юность Прокофьева, а затем поведал удивительную сказку про мальчика Петю. Последняя сопровождалась видеорядом из детских рисунков, иллюстрирующих события «Пети и волка». Получился своеобразный мультфильм под живое звуковое сопровождение. А в конце программы юные участники азартно отвечали на вопросы про музыкальные инструменты. Верится, что гобой, кларнет, валторна и прочие уже не вызовут недоумение в глазах ребенка, – что за неведомый зверь такой? – а станут близкими, понятными и узнаваемыми.

Hyundai MotorStudio

Прокофьевский юбилей, который музыкальный мир будет отмечать в течение всего 2016-го года, у нас стартовал с чудесного детского праздника. И праздник будет продолжаться! В апреле «Большая музыка для маленьких» снова обратится к творчеству Прокофьева, на этот раз к его волшебной балетной феерии про Золушку. Спутницей прокофьевской героини станет другая Золушка, появившаяся на свет в начале XIX века, благодаря «веселой драме» Джоаккино Россини.

А для взрослых любителей музыки, помимо множества концертов, приуроченных к годовщине великого русского композитора, Московская консерватория приготовила сюрприз – фестиваль «Музыкальный поезд», курсирующий по прокофьевским местам – концертным площадкам столицы, имеющим непосредственное отношение к жизни и творчеству Сергея Сергеевича. На протяжении фестиваля известные музыканты представят антологию фортепианной музыки Прокофьева и, помимо этого, исполнят другие камерные сочинения. Композитор, помнится, обожал поезда, а уж музыкальный, из собственной музыки, полюбил бы и подавно!

Hyundai MotorStudio

Но это в ближайшем будущем. А пока что на повестке дня – другие занимательные музыкальные истории для детей и взрослых. Февральская программа «Большой музыки для маленьких» посвящена истории игрушек, лучезарным «Танцам кукол» Д. Д. Шостаковича. Юные слушатели смогут увидеть, как и во что играли их бабушки и дедушки, когда были маленькими. Праздник продолжается!

Яна Любимова, собкор «РМ»
Дизайн афиши Сергея Баронова
Фото  Марии Аксеновой

№ 1 (1330), январь 2016

В Московской консерватории 19 декабря 2015 года торжественно отметили 245-летие со дня рождения Бетховена. В Большом зале прозвучали Месса до мажор для солистов, хора и оркестра (соч. 86) и Концерт № 5 для фортепиано с оркестром (ми-бемоль мажор, соч. 73). За два дня до этого, 17 декабря, та же программа с теми же участниками была представлена в Казани на сцене ГБКЗ имени С. Сайдашева. Музыка великого немецкого композитора объединила и сплотила творческие силы двух российских консерваторий – Московской и Казанской – под управлением известного немецкого органиста и дирижера Лео Кремера. Несмотря на плотный график, артистам удалось абсолютно погрузиться в захватывающий вихрь бетховенской мощи, увлекая в ее глубины публику.

Концерт открывала Месса. Под руководством Лео Кремера звучали сводный хор Казанской (художественный руководитель проф. В. Г. Лукьянов) и Московс-кой (художественный руководитель проф. С. С. Калинин) консерваторий с симфоническим оркестром Казанской консерватории (художественный руководитель Л. Кремер). Солировали Екатерина Лейдер (сопрано), Екатерина Воронцова (меццо-сопрано), Герман Рудницкий (тенор) и Тимофей Павленко (бас).

Работа студенческих коллективов заслуживает особого внимания. Большой сводный хор консерваторий, встречавшийся не более пары раз на общих репетициях, с блеском выполнил поставленную задачу. Безупречна была яркая объединенная женская группа, а мужской состав, хотя и не такой большой, как хотелось бы, звучал мощно и торжественно, как и должно быть в мессе. Возможно, иногда возникали вопросы к солирующим голосам, а завершение мессы получилось немного напряженным в силу непредвиденных обстоятельств (одной из хористок стало плохо прямо на сцене), но общий дух остался не сломлен благодаря энергии Лео Кремера.

Дирижер охотно поделился своими впечатлениями после концерта: «В прошлый раз я выступал в Большом зале консерватории более 25 лет назад, солировал на органе и дирижировал. Московская консерватория – это историческое место, здесь потрясающие люди – профессора, студенты! Я неоднократно работал с хором и оркестром Казанской консерватории, но в этот раз в Казани я узнал, как замечательно иметь дело с хором Московской консерватории. Мы обязательно хотим продолжить работу в будущем».

Во втором отделении «Императорский» Пятый фортепианный концерт в исполнении профессора Александра Бондурянского прозвучал величественно, поистине царственно. Тандем двух мастеров музыкального искусства – дирижера и солиста – в диалоге с оркестром, состоящим из молодежи, тонко выплетал узоры музыкальной ткани. Однако при всей грандиозности второго отделения, в программу которого наряду с концертом Бетховена была включена увертюра к «Тангейзеру» Вагнера, абсолютной вершиной вечера все же остался завершающий раздел мессы – растворяющийся в pianissimo «Dona nobis pacem».

После бурных оваций Кремер не просто повторил на бис финал мессы, но неожиданно обратился к публике, объяснив, почему для него так важна именно эта музыка: «Даруй нам мир! – сколько мольбы и страдания в этих словах. “Pacem”, мир – именно то слово, по которому мы так тоскуем сегодня, среди постоянной войны.

Даруй нам мир – Dona nobis pacem»!

Ольга Ординарцева

№ 1 (1330), январь 2016

Юбилейный благотворительный марафон в честь Alma mater продолжил симфоничес-кий концерт, прошедший в Большом зале 5 декабря. В этот раз со студенческим оркестром Московской консерватории выступали ее именитые выпускники и нынешние профессора – Юрий Башмет и Александр Чайковский.

В программе была своя «изюминка»: классические партитуры Петра Ильича Чайковс-кого – Увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта» и Пятая симфония – обрамляли эффектный современный опус композитора Александра Владимировича Чайковского «Этюды в простых тонах» (1992). Сочинение, имеющее подзаголовок «Второй концерт для альта с оркестром», было посвящено, как и Первый альтовый концерт (1979) композитора, Ю. Башмету, давнему другу и соратнику в искусстве. Но в выборе именно этого сочинения для юбилейной программы была вторая «изюминка» вечера: наряду с основным солистом его партитура предполагает участие солирующего фортепиано. В результате оба музыканта выступали вместе – автор сел за рояль, за дирижерский пульт встал Валентин Урюпин. Музицирование, глядя «глаза в глаза», сидевших на сцене Ю. Башмета и А. Чайковского, то серьезное, то иронично-насмешливое, наэлектризовало зал. Публика, заведенная музыкой, не отпустила исполнителей – финал сочинения, завершавшего первое отделение программы, солисты с оркестром повторили на «бис».

«Ромео и Джульеттой», открывшей вечер, и Пятой симфонией Чайковского, звучавшей во втором отделении, дирижировал Юрий Башмет. Представ перед публикой в своей второй творческой ипостаси – дирижера, он в этот раз стоял не во главе своего коллектива – оркестра «Новая Россия», а Оркестра студентов МГК. Профессор А. А. Левин, художественный руководитель и главный дирижер студенческого оркестра, разумеется, готовил ребят к работе с другим дирижером, помогал заранее освоить программу. И все же такую возможность трудно переоценить: современный оркестрант должен уметь играть «под разную руку», должен быть гибким и чутким, воплощая замыслы разных художников. А оркестрант-студент – тем более: репетируя с крупнейшими мастерами, он уже в процессе такой работы приобретает новые знания и опыт, растет.

Дирижер стремился особенно подчеркнуть романтический дух шедевров Чайковского. Музыка, где каждый звук, каждый контрапункт и каждая фраза прекрасно известна и любима слушателем, воссоздавалась исполнителями как можно более выразительно, тщательно и деликатно.

Напротив, «Этюды» А. Чайковского для многих в зале стали неожиданным открытием. Четырехчастная партитура «Этюдов» – музыка подлинно концертной природы. Она рассчитана на эффект, будь то разноплановые тембровые находки или токкатная моторика, колоритные «маски» то альта, то фортепиано, то оркестра, забавные театрализованные «представления» солиста или дирижера (который один раз даже покинул свое место и присел на дирижерский подест – пусть музицируют сами!). Дух игры и импровизации привел в финальной части сочинения к неожиданному и, одновременно, естественному эпизоду в джазовом стиле. Начавший его пианист втянул в эту веселую атмосферу всех остальных музыкантов. А затем и публика с удовольствием включилась в предложенную игру, и, восторженно аплодируя, заставила повторить столь впечатливший всех финал.

Собкор «РМ»
Фото Дениса Рылова

№ 9 (1329), декабрь 2015

Действо тазийе

Очень грустно закончилась научная часть Международного симпозиума «Музыкальная карта мира»: гость из Индии Атиш Мукхопадхьяй, вдохновенно описывающий уровни духовности в индийской классической музыке, столь последовательно раскрывал тему своего доклада, что жадно слушающая его аудитория так бы и не заметила, что на часах уже 23:15, если бы музыкант не достал из футляра свой сарод и не издал невыразимо печальные звуки раги Дарбари-Каннада, приуроченной к началу ночи. Сумрак охватил сердца и от горестно «вздыхающей» ступени «дха», характерной для данной раги, и от того, что всем стало ясно: завтра – последняя встреча в череде ярких и необычных событий симпозиума, за которой последует неизбежное возвращение к обыденной жизни.

Очень радостно, однако, завершился симпозиум, что, в сущности, парадоксально, так как присоединившиеся 27 октября к сопереживанию мистеральному иранскому действу тазийе «Магталь Аббаса», посвящённому оплакиванию мученически погибших Имама Хосейна и его сподвижников в пустыне Кербеле, испытали искреннее потрясение от разыгранной драмы. Битком забитый Большой зал Центра Вс. Мейерхольда горячо рукоплескал крошечной труппе из шести человек, сумевшей развернуть в воображении зрителей картину вселенской битвы Добра и Зла.

Атиш Мукхопадхьяй читает доклад

Труппа, показавшая это действо, развивает традиции города Казвина, считающегося, благодаря высокому уровню своих певцов и актёров, «столицей тазийе». Она приглашается Московской консерваторией уже во второй раз: в 2014 году, также в рамках Международного симпозиума, ею был представлен маджлес «Хорр» в театре «Сфера». Чтобы подготовить непривыкшую к такого рода действам московскую аудиторию, накануне спектакля в рамках симпозиума была прочитана лекция «Традиция тазийе в иранской культуре», автор которой, иранский певец Хосейн Нуршарг многократно участвовал в подобных представлениях и знает традицию изнутри. Сам факт появления тазийе на московских площадках, как и последовательное развитие иранского направления в научной и творческой деятельности МГК – результат многолетнего подвижнического труда этого иранского консультанта центра «Музыкальные культуры мира».

Таков был финал международного форума «Музыкальная карта мира», а его великолепной увертюрой стал концерт «Музыка Персии в Оружейной палате Московского Кремля». Музеи Кремля предложили организовать эту программу для II Международ-ного музыкального фестиваля «Посольские дары». Сегах, Хомаюн – это названия старинных иранских дастгахов (ладовых систем), которые иранские музыканты – певец Хосейн Нуршарг и девушки из группы «Караван» – избрали для создания звуковой атмосферы, соответствующей формам придворного этикета, принятым при персидском дворе, с которым общались русские дипломаты времён Бориса Годунова. На следующий день иранские музыканты были в гостях у первокурсников историко-теоретического факультета с разговором о своей удивительной традиции и, конечно, с живой музыкой.

Итиро Макихара

Присутствие традиций Ближнего и Среднего Востока в программе симпозиума было впечатляющим. Учитывая, что тема «Музыкальная карта мира» имела в этом году подзаголовок «Музыка и религия», многие выступления концентрировались на духовной стороне культурных явлений. При этом речь идёт не только о научных сообщениях, таких как доклад «Музыка в средневековых традициях исламской цивилизации (VII–XVII века)», прочитанный востоковедом Тамилой Джани-заде (РАМ им. Гнесиных). Впервые в стенах МГК был проведён цикл традиционных молитвенных повествований о духовном подвиге Имама Хосейна и его сподвижников, характерных для арабских обществ, воспринявших ислам в его шиитской форме. Помимо сказаний, включающих в себя рассказы, песнопения, проповеди, молитвы, плачи и другие виды творчества, исполнитель этого действа Казем Шамас (Ливан) и журналист Ахмад Хаж Али провели два насыщенных семинара, разъясняющих содержание и структуру этого культурного феномена.

Зороастрийская традиция получила освещение в докладе «Музыкальная основа Авесты», прочитанном профессором МГУ им. М. В. Ломоносова Владимиром Ивановым. Многие из нас впервые услышали, как в живую звучат сочинённые, как утверждают зороастрийцы, самим Пророком Заратуштрой, молитвенные песнопения гаты, пропетые в лекции-демонстрации «Пение Авесты – священной книги зороастрийцев» мобедом (зороастрийским священнослужителем) Камраном Лорианом (Иран).

Лазо Монгуш и Валерий Монгуш

Во многом родственные иранской тематике проблемы обсуждались в «индийской части» симпозиума. Здесь прозвучали два доклада: «Звук и Сакрум в культурах Южной Азии» Елены Гороховик (Беларусь), представляющий собой философское размышление о роли звука в ведийской ритуально-религиозной практике, и «Пути духовного совершенствования в музыке уп-шастрия» Татьяны Карташовой (Саратов), выявляющий разные типы соотношения «земного и возвышенного» в особой сфере культуры, самими индийцами осознаваемой в качестве полуклассики (уп-шастрии). Рассуждения музыковедов были дополнены выступлениями индийских музыкантов, содержащими в себе и теоретическую часть, и живой показ рассматриваемых музыкальных явлений: «Вклад Хазрата Амира Хусроу в традицию суфийской музыки в Индии» педагога Культурного центра имени Джавахарлала Неру Посольства Индии в Москве Гульфама Сабри и «Индийская музыка и духовность» уже упомянутого известного исполнителя на сароде Атиша Мукхопадхьяя. Цикл мастер-классов дали оба индийских музыканта, а также японский исполнитель на сякухати Итиро Макихара, известный своей приверженностью к практике странствующих монахов комусо, которые по сей день ходят по дорогам городов и деревень в надетых на голову соломенных корзинах и неустанно играют на японской флейте, собирая подаяние.

Камран Лориан и Авеста

Многогранное освещение на симпозиуме получила музыкальная культура Японии. Традиция комусо была преподнесена Итиро Макихарой в его сольном концерте «Звучание бамбука» и цикле мастер-классов. О влиянии индийской духовной традиции на Японию поведала в своём докладе «Косики-сёмё: буддистская пение-проповедь» директор Центра традиционных исследований Киотоского отделения Национального университета искусств Алисон Токита. Доцент того же Центра Эмико Такэноути в докладе «Культура цитры в Японии» описала пути проникновения конфуцианства из Китая в Японию и исполнила несколько пьес на китайской цитре гуцинь. Образец традиции, адаптирующейся в условиях чужой культуры, рассмотрела сотрудник МГК Наталья Клобукова (Голубинская), прочитавшая доклад «Японский православный певческий канон: история создания и особенности».

Фольклорный ансамбль Московской консерватории

От православия в Японии был перекинут мостик к «Народному православию в России», докладу руководителя Научного центра народной музыки имени К. В. Квитки, профессора Натальи Гиляровой. И сам доклад, и продемонстрированные видеоматериалы, и проведённый ранее концерт «Кому повем печаль мою» Фольклорного ансамбля Московской консерватории, руководимого Натальей Николаевной, продемонстрировали неразрывную связь религиозных христианских канонов с древними традиционными верованиями людей, живущих в окружении природы и зависящих от её стихий.

Наиболее очевидная связь Человека и Природы была проявлена в выступлениях гостей из Тувы: шамана-хоомейжи Лазо Монгуша и Народного хоомейжи Республики Валерия Монгуша (традиция хоомей известна под названием «горловое пение»). Их концерт «К духам тайги взываем» и последующая лекция-демонстрация «Шаманские и обрядовые традиции Тувы» не просто удивили и порадовали слушателей, но безоговорочно убедили нас в том, что есть реальные носители экстраординарных способностей, обладающие силой воздействия на окружающих людей, их состояние, здоровье, судьбу и ведущие свою деятельность на основе чистых помыслов и истинной любви к людям и природе.

Гость из Китая, великолепный мастер игры на китайских флейтах сяо и дицзы Цзян Вэйцян изложил своё видение духовных основ китайской классической музыки в лекции «Объяснение эстетики и выразительности китайской музыки на примере флейт дицзы и сяо». В концерте китайскому гостю помогли участники класса китайской музыки НТЦ «Музыкальные культуры мира»: Евгения Глухова, Сергей Нарышкин и Евгения Тарабарина.

Исполнительница иранской музыки

На симпозиуме прозвучали темы, связанные с музыкальными культурами Европы и Америки. Красочный доклад Джозефа Лиа «Музыка и религия на Мальте», снабжённый видеозаписями, запечатлевшими разнообразные религиозные праздники-шествия фесты, подтвердил мнение о мощном участии персидского и египетского мистериального опыта в генезисе этой традициии, пышно процветающей сегодня на Мальте. Доклад «Любовные мадригалы Монтеверди в контрфактуре Коппини: о духовном эросе», прочитанный аспиранткой МГК Надеждой Игнатьевой, обратил внимание слушающих на специфику взаимоотношений светского и религиозного начал в мадригальном творчестве. Духовная музыка США получила панорамное обозрение в концерте «Как сладок звук!», включившем американские гимны, афроамериканские спиричуэлы и духовные песнопения Англии времён Тюдоров в исполнении Вокального ансамбля «Цецилия» (город Эйкен, Южная Каролина). Руководитель коллектива, доцент Университета Южной Каролины Джоэл Скрейпер предпослал концерту лекцию «Духовные песнопения Американского Юга», которая открыла теоретическую часть симпозиума.

Грустно констатировать, что насыщенная удивительными встречами, впечатлениями, открытиями жизнь Международного симпозиума «Музыкальная карта мира» сегодня уже ушла в область воспоминаний. Радостно, однако, осознавать, что участники этого незабываемого события обрели новых друзей, заглянули в неведомые доселе уголки мировой культуры. Впереди нас ждут новые события НТЦ «Музыкальные культуры мира»: ежегодные фестивали «Душа Японии», «Вселенная звука», «Собираем друзей» и россыпь встреч с музыкантами многих стран мира.

Доцент М. И. Каратыгина

№ 9 (1329), декабрь 2015

«Архитектурный совет согласился с предложенным проектом Оперного театра-студии в Среднем Кисловском переулке» – такое судьбоносное для нас заключение вынес авторитетный синклит города Москвы.

Заседание Архитектурного совета столицы состоялось 7 октября. Интернет-сайт консерватории известил своих пользователей о столь важном событии, причем, благодаря ссылке, привел полностью повестку дня, где наряду с положительным решением по консерваторскому проекту фигурирует и отрицательное по другому, аналогичному по сложности вопросу (тоже историческая среда городской застройки), что, естественно, повышает градус нашего удовлетворения.

На обсуждении проекта главный архитектор Москвы Сергей Кузнецов (он же председатель Совета) высказал свои соображения: «Объект находится в центре города, здесь много ограничений с точки зрения охраны культурной среды. И в очень непростой ситуации коллеги, надо сказать, нашли интересное, нетривиальное решение. Да, оно вызывает много вопросов, но в диалоге с архитектором Совет склонился к тому, что с этим надо соглашаться, потому что в этой ситуации, видимо, принципиально улучшить ничего нельзя».

Действительно, перед проектировщиками (ФГУП «Центральные научно-реставрационные проектные мастерские», ООО «Архструктура») задача стояла крайне сложная – при минимуме места следовало вписаться в исторически сложившуюся композицию зданий и разместить не что-нибудь, а современный театр!

Вот как описывается этот замысел: «В центре участка располагается один из таких исторических домов, который по проекту восстанавливается в прежних габаритах. Однако, поскольку они не позволили вместить необходимый объем помещений (а помимо театра, техническое задание предусматривало размещение администрации, вокальной студии, двух больших репетиционных залов, мастерских по ремонту инструментов и проч.), архитекторы предложили убрать основной массив в подземную часть. Таким образом, под землей оказались непосредственно оперный зал и колосниковая сцена. Помещения, требующие дневного света, расположились в наземной части, увеличенной за счет надстройки из матового стекла. За стеклянным фасадом предусмотрена светодиодная матрица, транслирующая изображения оперных сюжетов».

Предложенное решение уже не кажется невероятным после того, как рядом с консерваторией возник другой современный оперный театр: новый большой зал «Геликон-оперы», который получил имя И. Стравинского, – первая и главная среди нескольких игровых площадок единого театрального комплекса, – «врыт в землю» двора бывшей усадьбы. В утвержденном проекте консерваторского театра зрительный зал – тоже располагается на подземном уровне. Причем зал на 500 человек!

Как заметил один из членов Архитектурного совета: «Единственной альтернативой сложившемуся объемно-планировочному решению перевернутого театра, где зал находится в самой нижней точке здания, могло бы быть абсолютно новое здание, построенное на месте исторического в новых габаритах. Однако, я понимаю, что сделать так нельзя, поэтому считаю представленное решение чистым и аккуратным».

Обсуждение сложного театрального проекта касалось и собственно театральных возможностей, которые особенно волнуют нас, и окружающей городской среды, которая, естественно, волнует архитекторов. Возникали и неожиданные параллели: «…Пока в проекте ощущается недостаточной та среда, которая формируется вокруг нового здания… Планировочная структура выполнена вполне остроумно. Этот небольшой зал вполне соизмерим с внутренней площадью, которая там образована, и, в общем-то, в Европе, в той же Венеции есть множество примеров функционирования подобных объектов».

Принятое решение, будем надеяться, окончательно переворачивает страницу многочисленных поисков выхода из, казалось бы, абсолютно безнадежной ситуации, вспыхивавших надежд и многократных разочарований. Мы хотим иметь свой настоящий оперный театр – этим желанием окрашены несколько десятилетий! Теперь осталась самая малость – театр надо… построить. Подождем еще пару лет. И тогда наши сегодняшние первокурсники смогут не только спеть, но и разыграть свои дипломные партии на родной театральной сцене.

Пусть все получится! – самое оптимистичное пожелание всем на пороге Нового, юбилейного для Московской консерватории года!

Главный редактор «РМ»

№ 8 (1328), ноябрь 2015

За дирижерским пультом

1 декабря в Большом зале консерватории начинается юбилейный фестиваль Народного артиста СССР, заведующего кафедрой скрипки Московской консерватории, профессора, уникального музыканта и человека Эдуарда Грача. 85-летие – уже повод для торжеств, но эта дата умножается рядом знаковых для него событий, выпадающих на этот год: 125 лет со дня рождения любимого учителя, одного из корифеев отечественной скрипичной педагогики А. И. Ямпольского, 25 лет с момента основания Камерного оркестра «Московия», наконец, 25 лет счастливого супружеского и творческого союза с заслуженной артисткой России, пианисткой Валентиной Василенко.

Каждое число – не просто цифра, за ней – огромная череда поисков, восхождений, артистических свершений. О многом сказано в нашей книге «Эдуард Грач. От первого лица», вышедшей в 2012 году. Но время не стоит на месте, особенно, когда речь идет о такой многогранной личности – скрипаче, альтисте, педагоге, дирижере, организаторе конкурсов. Эдуард Грач – деятелен и энергичен, заряжая своей энергией студентов, публику, коллег. Он строг, даже неумолим к себе и к окружающим, когда дело касается профессии, и чрезвычайно обаятелен и артистичен в дружеском общении. Выкроив минутку в напряженном графике, маэстро поделился новостями в творческой жизни, рассказав, какие подарки ждут его слушателей в эти юбилейные дни.

— Эдуард Давидович, помню ваш прошлый концерт в день 80-летия – яркая, с фантазией придуманная программа. Что нас ждет в этот раз?

С супругой в зале «Гаво». Париж, 2014

— Невозможно делать юбилеи по шаблону, так что я попытался придумать что-то новое. 1 декабря в БЗК примут участие представители мастер-классов, конкурсов, где я – почетный профессор. Например, курсы в Кешет-Эйлоне, откуда меня приедут поздравить директор Ицхак Рашковский и его супруга Аня Шнарх, которая выступит как солистка с «Московией». Будут играть и молодые скрипачи, участники этих мастер-классов, и мои воспитанники – Игорь Хухуа и Гайк Казазян.

Другие мои давние друзья – Камерный оркестр «Виртуозы Якутии», считающий меня своим патроном. Многие участники этого коллектива выросли на моих глазах, оркестр неоднократно ездил со мной на мастер-классы. Жду их в гости. Будет и мировая премьера современного сочинения: «Апофеоз любви» Давида Кривицкого, посвященная мне и Валентине Василенко. Для грандиозного состава – 24 скрипок и фортепиано, партию которого исполнит внук композитора, студент Московской консерватории Михаил Кривицкий.

— В вашем репертуарном списке большое место занимают сочинения композиторов XX и XXI века, созданные и посвященные вам.

— Всю жизнь я охотно играл современную музыку, прежде всего российских композиторов. Когда занялся подсчетами, то получилось, что только крупных партитур в жанре концерта оказалось больше двадцати – Эшпая,  Светланова, Крейна, Балтина, Акбарова, Ходяшева… Это наша миссия исполнителя – давать жизнь новым сочинениям.

— Огромная часть вашей жизни связана с Московской филармонией, которая также собирается вас чествовать.

На фестивале «Золотые скрипки Одессы», 2015

— День рождения 19 декабря я проведу на сцене Концертного зала имени Чайковского. Так было на прошлом юбилее, прошедшем с аншлагом, мне было предложено сохранить это число. Первое отделение вижу как скрипичное гала и хочу назвать «Звезды XXI века», поскольку дали согласие участвовать мои ученики прошлых лет – Алена Баева, Никита Борисоглебский, Гайк Казазян, Айлен Притчин, Сергей Поспелов. Они все имеют сольные карьеры, их любит публика – и заслуженно.

— В каком репертуаре мы их услышим?

— Исхожу из того, что можно саккомпанировать составом оркестра «Московия». Первым прозвучит сочинение, очень значимое для меня. Чакона Витали – с нее начинался мой публичный дебют, состоявшийся в 1944 году в Новосибирске. А сейчас в ней будет солировать Никита Борисоглебский. Надеюсь услышать произведения Шуберта, Сен-Санса, «Кармен» Бизе-Ваксмана… А во втором отделении ожидаются музыкальные поздравления, сюрпризы – приходите, увидите сами.

— Главным музыкальным событием нынешнего года стал Международный конкурс имени Чайковского. Ваш класс блистал на нем, и как мне кажется, профессор Эдуард Грач установил личный рекорд по количеству участвовавших студентов: трое прошли предварительный отбор, один из них завоевал премию. Браво!

— Спасибо за поздравление. Я конечно следил за ходом конкурса и отслушал все туры по трансляции. Качество вещания было великолепное, не сравнить с прошлым разом.

— Вы действительно прослушали всех участников?

- Да, всех без исключения.

- Еще один рекорд! Поделитесь вашими впечатлениями…

- После драки кулаками не машут (улыбается). Могу, конечно, что-то прокомментировать. Конкурс был очень сильный, и, на мой взгляд, безусловно, должен был увенчаться первой премией.

— Ваш выбор?

У зала «Гаво». Париж, 2014

— Клара-Джуми Кан. Я знал ее раньше, слушал на конкурсе в Сеуле, будучи там в жюри. Уже тогда обратил на нее внимание, но за эти годы она феноменально выросла, развилась. Теперь это превосходная скрипачка, очень увлеченная – ее спокойно слушать невозможно. Хотя в третьем туре Концерт Чайковского не стал ее высшим достижением, и тут, как мне кажется, Гайк Казазян ее переиграл. Но, тем не менее, по результатам всех туров она, безусловно, заслуживала первого места. Как и Гайк – второй премии. Но жюри вынесло решение – первую премию не присуждать! И так второй конкурс подряд. Ощущение, что есть какие-то силы, желающие убедить, что скрипичная школа деградирует, что в упадке российская школа. Это несправедливая и предвзятая позиция.

Я работал в жюри многих конкурсов, в том числе таких известных как Венявского в Польше или Лонг-Тибо в Париже. Считаю, что такого бы не случилось, если бы был председатель жюри. Пусть в Москве собрали ведущих звезд, но все равно организующее начало должно быть. Потом член жюри должен присутствовать на всех турах, чтобы, оценивая, иметь целостную картину. Да, бывали прецеденты – Менухин приезжал на финал конкурса в Брюсселе. Но это Менухин, и ему подражать надо не в этом.

— Конкурс совпал с 175-летием со дня рождения Чайковского. Ваше отношение к этому композитору?

— Гениальный композитор, я с благоговением играю его произведения. Среди скрипичных концертов, его – самый трудный, и с технической, и с художественной стороны. Говорили же: «Это концерт – не для скрипки, а против скрипки». Действительно Чайковский использует нетрадиционные скрипичные приемы. Но трудность заключается и в том, что бы суметь сыграть его просто и благородно, передать его лирическую суть. С «Московией» сделана программа из его сочинений: «Воспоминание о Флоренции», Струнная серенада, оркестровая версия пьес из «Времен года», скрипичные миниатюры. Ее мы собираемся показать весной 2016 года, в день рождения Чайковского, 7 мая, в Большом зале консерватории. Планировал сыграть ее в этом году, но из-за конкурса Чайковского не удалось. В консерватории ведь традиционно сокращается на месяц учебный год, сессия проходит уже в мае, и работать с оркестром не было возможности.

— А кто ваш любимый композитор?

С А. И. Ямпольским. Москва, 1949. На вокзале после победы на конкурсе в Будапеште

— Творческая жизнь длинная и выделить кого-то одного не смогу. Когда-то для меня Брамс был самым любимым композитором. Обожаю французскую музыку: Дебюсси, Равеля. Конечно Моцарта – все, что вышло из-под его пера, настолько вдохновенно. Но соглашусь с Рихтером, который говорил, что Моцарт – самый трудный композитор. Последние годы я еще больше полюбил Шуберта: что-то в нем есть щемящее, интимное. А вообще мне повезло: я не играл нелюбимых композиторов.

— Расскажите, что было интересного в вашей творческой жизни в этом году?

— Музыканты живут не годами, а сезонами. Этот еще только начался, а вот прошлый получился очень насыщенным – могу подвести некие итоги. Летал вновь в Китай, где провел мастер-классы в Шанхае, прошлой осенью работал в жюри Международного конкурса имени Лонг-Тибо в Париже. Невероятная ностальгия – сидеть в зале Гаво и невольно вспоминать 1955 год, когда я сам играл на этом конкурсе. Сейчас в Оргкомитете работал сотрудник, который меня слушал полвека назад – очень волнительное событие! И я счастлив, что мой ученик Айлен Притчин победил на этом конкурсе, завоевал Гран-при.

Традиционно принимал участие в жюри Скрипичного конкурса в Астане, который организует ректор Казахского университета искусств Айман Мусаходжаева. А между поездками – концерты класса, «Московия».

— Вы недавно вернулись из Одессы… Как вас встречали в это тревожное время на Украине?

– Я получил приглашение приехать на фестиваль «Золотые скрипки Одессы». Приятная атмосфера, в зале меня встречали восторженным скандированием: никакой враждебности… Я встал за дирижерский пульт и аккомпанировал Сергею Ивановичу Кравченко Полонез ре мажор Венявского. Концерт длился три с половиной часа, собрав многих одесситов, разбросанных по всему миру. Приехали Александр Винницкий, Павел Верников, преподающий в Швейцарии, Дора Шварцберг, работающая в Вене, Михаил Вайман, живущий теперь в Германии.

Три дня, проведенные в моем родном городе, очень согрели меня. Нас прекрасно принимали, организовали прием у мэра, где я произнес от имени всех участников речь, поблагодарив за гостеприимство.

Конечно, прогулялся к своему дому на Пушкинской улице, где состоялся типично одесский диалог. Я стал фотографировать, а ко мне подошел мужчина и говорит: «Вы лучше сфотографируйте соседний дом, там Пушкин жил два года». А я в ответ: «Обязательно, ну а в этом доме родился я».

— Вы меня встретили репликой, что проигрыш Марии Шараповой испортил вам настроение на весь день. Какую роль играет в вашей жизни спорт?

— Все началось с футбола, которым увлекался с детства. Сам играл, ходил на стадион болеть за «Динамо» – до сих пор любимую команду. Потом прибавился хоккей, а сейчас я увлекся теннисом – в этих матчах завязываются невероятные интриги. Из женщин-теннисисток болею за Шарапову: ее проигрыш действительно меня так расстроил, что думал, не смогу дать интервью. А из мужчин слежу за Новаком Джоковичем. Он мне реже портит настроение – сейчас он «первая ракетка» мира.

Я настолько много работаю – и ученики, и оркестр, и концерты, и поездки, что спорт мне необходим для разрядки. Возможность посмотреть интересный матч – теннисный или футбольный, дает мне переключение. Хотя хладнокровно, просто ради удовольствия смотреть не могу: я человек горячий, азартный, радуюсь победам и принимаю близко к сердцу неудачи…

Музыка для меня – вся жизнь, иначе я бы не работал до такого возраста. Если выдается пара свободных дней, я начинаю хандрить, а когда преподаю или репетирую к концертам, то сохраняю жизненный тонус.

Беседовала профессор Е. Д. Кривицкая

№ 8 (1328), ноябрь 2015

10 октября  2015 года в Большом зале консерватории было праздничное оживление. Люди, знакомые и незнакомые, улыбались друг другу, с особым волнением ожидая начала концерта: в его программе стояла российская премьера Третьей симфонии Николая Корндорфа. Концерт из серии «юбилейных сезонов» был посвящён памяти Лео Морицевича Гинзбурга (1901–1979), крупного дирижёра, много лет отдавшего педагогической работе в стенах консерватории (1930–1979). Его учениками были и Николай Корндорф, и Анатолий Левин, дирижировавший первым отделением, и Александр Лазарев, дирижировавший во втором.

Действительно, российская премьера крупного сочинения Николая Корндорфа – всегда событие. А здесь практически никому не известная симфония. Даже те, кто более или менее хорошо знал короткий, но насыщенный  жизненный и творческий путь композитора, кто не пропускал немногочисленные концерты, где исполнялись его сочинения, либо знакомился с его творчеством по записям и партитурам, даже они не могли представить себе, что их ожидает. А ожидало их настоящее чудо, откровение Мастера.

В программке концерта был приведен текст «Учитель музыки», посвящённый Лео Гинзбургу, с таким пояснением: «Н. Корндорф написал этот текст по просьбе А.  Лазарева для программки концерта к 100-летию со дня рождения их общего учителя Л. М. Гинзбурга, который был должен состояться осенью 2001 года в Большом зале консерватории. Сегодняшний концерт – реприза того, осеннего, концерта, дань памяти и благодарности знаменитых воспитанников – Н. Корндорфа, А. Лазарева и А. Левина – дорогому учителю».

Как известно, Корндорф был не только замечательным композитором, но и интересным дирижёром и прекрасным преподавателем, о котором до сих пор вспоминают его ученики. Но одно не было отделено от другого: главное  – понимание Музыки, и в этом отношении Гинзбург оказал на него значительное влияние. Вот как об этом пишет Николай Сергеевич в своем тексте для программки: «Будучи не только дирижёром и учителем дирижирования, сколько учителем Музыки, Гинзбург постоянно обращался к проблемам  философии музыки». От своего учителя, которого он бесконечно уважал, которым как музыкантом и дирижером восхищался, он воспринял мысль о том, что форма произведения рождается во время исполнения. Именно такова форма-процесс у Корндорфа. В ней живой движущийся поток звучаний, естественное развёртывание музыкальной ткани – отсюда излюбленный композитором волновой принцип организации сочинения. В этом можно было убедиться, слушая и его Третью симфонию.

Как обычно, концерт состоял из двух отделений, выстроенных исторически. В первом отделении прозвучал довольно редко исполняемый двойной концерт Брамса для скрипки и виолончели с оркестром (ор. 102). Высокий профессионализм продемонстрировали как солисты – лауреаты международных конкурсов Айлен Притчин (скрипка) и Александр Бузлов (виолончель), так и Концертный симфонический оркестр Московской консерватории, которым дирижировал Анатолий Левин.

Однако «центр тяжести» пришёлся на второе отделение – им стала Третья симфония Николая Корндорфа для большого симфонического  оркестра, хора мальчиков, мужского хора и чтеца (1989). В 1992 году она была исполнена под руководством Александра Лазарева на фестивале во Франкфурте-на-Майне, но в России ещё не звучала.

Перед началом дирижёр зачитал письмо композитора к нему, в котором тот рассказывает о замысле симфонии. Это произвело очень сильное впечатление: Лазарев, давний друг Корндорфа, повернувшись лицом к залу, произносит слова автора, которого уже почти 15 лет нет с нами! Там были и такие слова: «Эта симфония – как бы три попытки достичь… Рая».

После такого вступления слушатели с особым напряжением ждали начала звучания, но все равно первый аккорд tutti fff показался неожиданным и буквально потряс всех. Ощущение апокалиптическое – причём совершенно реальное: здесь, сейчас! И вдруг всё стихло, и зазвучали ангельские голоса (детский хор)… преддверие Рая. Невозможно  описать эту музыку, её надо слушать, пропустить через себя, «прожить». Симфония длилась полтора часа, когда всё окончилось, наступило недолгое молчание, а потом –  гром оваций. Это был настоящий триумф!

Публика не хотела отпускать исполнителей, вызывая вновь и вновь. Им всем, прежде всего, следует сказать слова огромной благодарности. Это Александр Лазарев и консерваторские коллективы – Симфонический оркестр студентов (художественный руководитель проф. А. А. Левин), Хор студентов (художественный руководитель проф. С. С. Калинин) и Камерный хор (художественный руководитель доц. А. В. Соловьёв), а также детский хор «Весна» им. А. С. Пономарёва (художественный руководитель проф. Н. В. Аверина)…

Все долго не расходились после концерта – и слушатели в фойе Большого зала, и оркестранты во дворе консерватории. Не хотелось расставаться друг с другом, с объединившей всех музыкой…

Профессор Е. И. Чигарева
Фото Игоря Каверина

№ 8 (1328), ноябрь 2015

Московская консерватория имени П. И. Чайковского уже открыла свои эффектные юбилейные программы. Обрамляя праздничный день 150-летия – 13 сентября 2016 года, – два насыщенных концертных сезона («до» и «после») предлагают любителям музыки и преданным слушателям целый букет уникальных художественных событий. Среди задуманного и ожидаемого – выступления выдающихся дирижёров и исполнителей, в основном – всемирно известных выпускников Московской консерватории.

5 ноября в переполненном Большом зале состоялся именно такой концерт под заголовком «Денис Мацуев и друзья…». Это был благотворительный вечер в дар готовящейся к своим торжествам Московской консерватории, музыкальное приношение Маэстро и его друзей своей Alma Mater. «Друзьями» популярного музыканта в тот вечер были: другой именитый выпускник Московской консерватории Михаил Плетнёв и Российский национальный оркестр. «Я преклоняюсь перед этим выдающимся музыкантом, знаю все его записи, много ходил на его концерты. Это легендарный пианист и дирижёр», – говорит о Плетнёве Денис Мацуев. В результате тандем двух блестящих консерваторцев превратил музыкальный вечер в подлинный праздник к восторгу всех присутствующих.

В первом отделении дирижер Михаил Плетнёв, известный своим просветительским энтузиазмом, познакомил столичную публику с Симфонией «Возрождение» (1902) классика польской музыки Мечислава Карловича (1876–1909). Композитор и скрипач, проживший короткую жизнь (он погиб в Татрах под снежной лавиной в возрасте 32 лет), предстал перед слушателями тонким романтиком и богатым мелодистом. Дирижер тщательно и с вниманием к нюансам прочел это выразительное и классически выстроенное сочинение.

Во втором отделении царил Денис Мацуев. В программе стояли Третий фортепианный концерт Бетховена и «Пляска смерти» Листа (парафраз на тему «Dies irаe» для фортепиано с оркестром). «Мы записали с РНО и Плетнёвым четыре года назад монографический листовский диск – два концерта и “Пляску смерти”, и переиграли с ним эти сочинения во многих странах мира, – рассказывает Д. Мацуев. – Где-то в прессе появились отзывы, что я лучший исполнитель Листа в наше время. Это приятно. Третий концерт Бетховена мы, напротив, вместе никогда не исполняли: это будет наша премьера, и я очень жду встречи на сцене».

Именно Концерт Бетховена стал абсолютной вершиной музыкального вечера. Музыканты буквально священнодействовали. Мацуев был серьёзен, глубок и точен в каждой детали бетховенского текста, завораживая графикой воспроизводимых мелодических плетений, четкостью формы и тончайшим пианиссимо медленной части. Оркестр аккомпанировал очень чутко и ярко выходил на авансцену только в моменты своего одиночества. Зал буквально не дышал, пока «на глазах», словно впервые, рождалась так хорошо известная и, казалось, совсем новая музыка…

Купаясь в волнах слушательского признания, пианист с нескрываемым удовольствием играл на бис, завершив музыкальное выступление искрометной и как всегда блестящей джазовой импровизацией. А за ней последовали обращенные в зал его теплые слова любви и благодарности великой Московской консерватории, несравненному Большому залу, чьи совершенные портреты благосклонно наблюдали за всем происходящим, и своему Учителю – профессору С. Л. Доренскому, свидетелю феерического успеха знаменитого Ученика.

Профессор Т. А. Курышева
Фото предоставлены пресс-службой Дениса Мацуева

№ 7 (1327), октябрь 2015

В Московской консерватории с блеском прошел Второй международный конгресс Общества теории музыки. Ректор Московской консерватории – крупный ученый-теоретик и президент Общества теории музыки в России, сделал все, чтобы оно развивалось. И на Втором конгрессе он смог повести за собой большой коллектив участников (из 150 поданных заявок было выбрано 80) и как организатор, и как ученый. Это и определило мой взгляд на событие. Все три ракурса – с точки зрения организатора (автор данных строк – один из инициаторов Общества), с точки зрения иностранного участника и с точки зрения российского теоретика-музыковеда, – отражают красоту идеи Общества теории музыки и богатую перспективу его развития.

Открывавший конгресс пленарный доклад проф. А. С. Соколова дал направление форуму: в сжатой форме он представил исследования нескольких поколений отечественных теоретиков. Концепция функциональности музыки во многих ее параметрах, таких как гармония, форма, драматургия, динамика, тембр, музыкальная коммуникация и другие, была и остается краеугольным камнем отечественной традиции от Асафьева, через Способина, Мазеля, Цуккермана, Бобровского, Назайкинского, Холопова до наших дней.

Еще одним пленарным докладчиком был профессор университета МакГилл (Монреаль) Уильям Каплин, последователь учения Шёнберга – Раца о музыкальной форме. Каплин на Втором конгрессе выступил с докладом о теории каденции для музыки романтизма. Он предложил классификацию и терминологию, которые никто еще не знает (в том числе и наши коллеги из Германии и Италии). Это дает нам шанс освоить их первыми. Это был его первый визит в Россию, и впечатления от нашей науки и от страны у проф. Каплина были самые позитивные. Его больше всего поразило величие Москвы.

К этому мнению присоединился и другой пленарный докладчик, профессор Римского университета, доктор Джорджио Сангвинетти (а также его супруга, доктор Тереза Гвильярдони, музыковед, исследователь жанра кантаты и главный редактор римского журнала «Studii musicali»). Сангвинетти совместно с Робертом Гьердингеном из Северо-Западного университета открыл метод композиции, превалировавший в неаполитанской традиции XVIII века и оказавший влияние на композиторов разных национальных и стилистических направлений, включая Доницетти, Беллини, Россини, Верди, а также Гайдна, Моцарта, Глинку и других. В современной западной теории музыки «партименти» считаются «третьим путем» в композиции, наряду с теорией гармонии и генералбасом. В докладе Сангвинетти сочетались академическая строгость с неотразимым обаянием итальянского музицирования, когда рождаются те сладчайшие созвучия, с которыми ассоциируется эта солнечная страна.

Названные пленарные докладчики – звезды первой величины в науке. Их приглашают на крупнейшие конференции и симпозиумы в США и в Западной Европе. Участие иностранных ученых вообще является отличительной особенностью конгрессов ОТМ, так было и в первый раз в Санкт-Петербурге. В Москве от немецкого Общества теории музыки выступили его Президент, профессор теории музыки Венской консерватории и Берлинского университета, доктор Гезина Шрёдер и ряд ее коллег; французское Общество музыкального анализа представляла Сусанна Касьян с докладом о теории гармонических векторов Николя Меюса; об итальянских ученых было сказано; американское Общество теории музыки было представлено, помимо Каплина, несколькими учеными, включая известных в США профессоров Дэвида Хааса из университета Джорджии и Джо Крауса из Нью-Йорка (который занимается теоретическими исследованиями музыки Чайковского!). С докладами о русской музыке приняли участие и два представителя Австралии – Дэнис Коллинз и Саймон Перри. Были и представители Болгарии: Димитар Нинов и Иван Янакиев. Порадовал визит Президента только что созданного польского Общества теории музыки, проф. Славомиры Камински. От России в еще одном пленарном докладе доктор Т. И. Науменко дала фундаментальный анализ диссертаций за 70 лет.

Программа Второго конгресса была составлена так, что участники оказались вовлеченными в бурное развитие событий в исторической и концептуальной перспективах. По удачной идее проф. К. В. Зенкина, конгресс имел единую тему – «Школы и направления в музыкальной науке, исполнительском и композиторском творчестве». Ожидалось, что она вызовет интерес как у профессоров России, так и у многих зарубежных участников. Ожидания оправдались полностью. А сама атмосфера Московской консерватории, готовящейся отметить свое 150-летие, усилила ощущение значимости темы.

В первый день прошли три параллельные секции: «Музыкально-теоретические традиции Б. В. Асафьева», «Школы Московской консерватории» и «Музыкальная наука: гармония». Стоит пожалеть, что никто не мог посетить все три одновременно – они были в равной степени важными и интересными.

Секция, посвященная Б. В. Асафьеву (ее вела проф. В. Н. Холопова), оказалась очень представительной – 7 докторов наук. На ней выступили К. В. Зенкин, В. Н. Холопова, Л. П. Казанцева, В. В. Медушевский, Е. И. Чигарева, А. Г. Коробова и др. А ведь казалось, что об этом основоположнике российского музыковедения стали забывать! Но категория, с которой уже начали прощаться, – интонация, – живет полной жизнью и в музыке, и в теории.

В секции «Школы Московской консерватории» (ее вела проф. И. А. Скворцова) прозвучали доклады о Л. А. Мазеле, В. А. Цуккермане, С. С. Скребкове. В последнее время некоторые молодые ученые стали относиться к их трудам как к пройденному этапу. Конгресс неожиданно раскрыл важность продолжения исследований трудов этих корифеев российской науки. Сегодня, в XXI веке, можно по-новому взглянуть и на масштабно-тематические структуры, и на историю художественных стилей, и на идеи производного контраста…

В секции о гармонии выступали представители разных школ. Это важно: соревнование двух традиций, московской и петербургской, часто проходившее в очень накаленной атмосфере, в ОТМ преодолено. И в уставе, и на деле представители всех школ и традиций имеют равный статус и права. Была представлена концепция гармонии Т. С. Бершадской в ее наиболее современном варианте, прозвучали доклады Е. В. Титовой и Д. В. Шутко (Санкт-Петербург). В этой же секции выступила и доцент МГК Л. Р. Джуманова, а также наши молодые коллеги из США.

В программе первого дня прозвучали доклады, которые можно назвать «мемориальными». Новую для многих информацию представил доклад И. П. Сусидко о Р. Н. Берберове, чьи термины анализа музыкальной формы остались в устной традиции. Запомнились доклады о циклических формах в учении Е. В. Назайкинского, о развитии идей Асафьева в теории В. П. Бобровского, о функциональной теории гармонии Ю. Н. Холопова…

Отдельная секция была отдана единственной новой научной концепции российского музыкознания в ХХI веке – теории музыкального содержания (один из создателей — проф. В. Н. Холопова). В своих докладах В. Б. Валькова ввела новый термин – «музыкальная идиома»; Н. В. Бойцова показала смысловую органику в соединении музыки с живописью; В. П. Чинаев представил творчество Игумнова и Гольденвейзера, используя идеи теории музыкального содержания. Е. Б. Журова в мастер-классе продемонстрировала связь теории содержания с игрой на инструментах и сольфеджированием. Были обрисованы пути к широкому музыкальному просвещению в нынешнем социуме.

Не только гармония, форма и анализ образуют область музыкальной науки в России. Уже второй раз свои достижения представляли ведущие ученые и педагоги в сфере развития слуха и сольфеджио. Направление настолько развито, что публикация докладов М. В. Карасевой, Л. М. Масленковой, Т. А. Литвиновой, Е. И. Фалалеевой внесет значительный вклад в развитие этого фундаментального компонента музыкальной науки в мировом масштабе. Как и на прошлом конгрессе, на этом была и секция по полифонии.

Очень глубокими и эмоционально-окрашенными оказались выступления на секциях, посвященных композиторским школам. В докладах были представлены Танеев и Скрябин, Филипп Гершкович, Николай Сидельников, Альберт Леман… Порадовала и отдельная секция, составленная из докладов молодых ученых – студентов и аспирантов. Интерес к ней был живой и неподдельный, в зале было много слушателей. Ведь молодежь – наша надежда, их отношение к миру науки – восторженное, реакция на музыку – молниеносная, идеи – оригинальные.

В конце конгресса прошла секция о восприятии концепций Хуго Римана и Хайнриха Шенкера в разных странах. Она была организована как концептуально-полемическая. По мнению очевидцев, накал страстей был высок, и многие «увидели» теорию музыки как увлекательное соревнование идей. Риман и Шенкер – два самых крупных теоретика недавнего прошлого, сошлись в благородном поединке, представленном (разыгранном как на сцене) наследниками англо-саксонской и российской традиций. Школы противопоставили свои базовые концепции. Функциональность – одна из главных тем конгресса, открытая для обсуждения в пленарном докладе А. С. Соколова и подхваченная в докладе Г. В. Лыжова, – была подвергнута на этой секции жесткому критическому переосмыслению.

Несмотря на некоторые чувствительные для обеих сторон моменты и «повисшие в воздухе» вопросы, в конечном счете восторжествовала дружба. И российская теория сохранила в этом поединке свое лицо, несмотря на аргументы против функциональности. А для разрядки бинарной оппозиции, молодой ученый Томас Кьеркегор-Ларсен представил доклад о применении функционального метода гармонии в Дании, о чем, кажется, до этого не знал никто из присутствующих. Получилось хорошо: вместо усталости и сонного состояния, столь характерных для заключительных заседаний, на конгрессе в конце был всплеск энергии. И остались вопросы, на которые можно будет ответить при будущих встречах на самом высоком, международном уровне.

Конгресс завершился, оставив глубокое удовлетворение у всех присутствовавших. По мнению многих коллег, его академический уровень был очень высоким, как в результате взаимодействия с крупнейшими представителями западной науки, так и в результате обсуждения самых ярких страниц советской и российской истории теории музыки. Отрадно, что все это богатство будет опубликовано в журнале Общества теории музыки на двух языках и станет достоянием глобального мира ученых. Впереди у Общества теории музыки России большие планы по взаимодействию с европейскими и американским коллегами, включая участие наших ученых в конференциях EUROMAC и SMT, и даже планируемое проведение всеевропейской конференции EUROMAC в России.

Доктор Ильдар Ханнанов,
зам. председателя научного комитета ОТМ, 
профессор теории музыки консерватории Пибади  университета Джонз Хопкинс (США)

№ 7 (1327), октябрь 2015

Александр Васильевич Свешников (1890–1980) – великое имя для русской музыкальной культуры. Дирижер, хормейстер, педагог, выдающийся общественный деятель, он в течение 30 лет был ректором Московской консерватории. Оценить в полной мере значение творческого наследия Свешникова невозможно. Всю свою жизнь он посвятил сохранению и преумножению русской певческой культуры, и пронес великое наследие мастеров Синодального хора – своих учителей – через самые трудные годы нашей страны. Имя Свешникова с гордостью носят основанное им Московское хоровое училище мальчиков, детская хоровая школа его родного города Коломны и Государственный академический русский хор, которым Александр Васильевич руководил более 40 лет. Среди учеников Свешникова такие крупные хоровые деятели, как В. Н. Минин, Л. Н. Павлов, В. С. Попов, К. Б. Птица, В. В. Ровдо, Б. Г. Тевлин, А. А. Юрлов, С. С. Калинин…

Московская консерватория широко и с гордостью отмечает день рожденья Александра Васильевича. В фойе Большого зала разместилась экспозиция к 125-летию со дня рождения музыканта. Традиционную поездку студентов и профессоров дирижерского факультета к могиле Свешникова на Новодевичье кладбище возглавил ректор, профессор А. С. Соколов, а кафедра хорового дирижирования почтила память Мастера крупной научно-практической конференцией «Хоровая культура современной России: традиции и современность. К 125-летию со дня рождения А. В. Свешникова» и концертом-открытием II Международного хорового   конгресса Московской консерватории.

Об Александре Васильевиче Свешникове написано и сказано много слов, живы его ученики. Но до сих пор при обращении к великой личности находятся новые, неопубликованные ранее страницы… Таким открытием стала давняя дипломная работа главного хормейстера Московского мужского камерного хора под руководством В. М. Рыбина, выпускника консерватории Д. Д. Семеновского «Методические основы вокально-хоровой работы в Государственном академическом русском хоре СССР» (1972, МГК). В ней содержатся уникальные свидетельства живого репетиционного процесса А. В. Свешникова с Госхором. Цитаты непосредственных рассуждений Мастера позволяют не просто проникнуть в его профессиональную лабораторию, но как бы услышать его голос.

Вот некоторые из них:

О «механике» взятия дыхания: «Дыхание берется быстро, /Он положил свои руки на пояс./ Вы расширили бока и воздух пошел, получается открытое горло, не нажимая…»

О работе над произношением слов:  «Как разговариваете, такими интонациями и поёте».

О качестве произношения слов, понимании их значения: «Пойте, пойте, смысл поётся, ведь вы не клавиши рояля!»

О красках и оттенках в голосе для передачи образных и сюжетных линий сочинения: «Решает не голос, а каждый из вас – артист».

О творческом настрое: «Дрессировкой у нас с вами ничего не выйдет, а нужно, чтобы каждый хотел спеть это с удовольствием, со смыслом…   Испытайте удовольствие, без этого ничего не получится!»

О начале хора Р. Щедрина «К вам, павшие»: «Так тихо запеть, как будто стоят у могилы и ничего не говорят… »

О начале русской песни «Пойду ль я» в обработке А. Гречанинова: «Вы начинаете так, как растягивает меха удалой баянист».

Но главным, непременным требованием А. В. Свешникова к хоровому пению всегда было одно: спеть красиво. А «красота никогда себя не выставляет напоказ, не бывает громкой, крикливой. Она в радости от переливов голосов…»

Ольга Ординарцева

Из коллекции Валентина Витебского

Время неумолимо. Оно отдаляет нас от великих учителей – тех, кто определил твою судьбу. Наша задача – помнить их ежедневно.

Александр Васильевич Свешников – выдающаяся личность, выросшая на традициях великого хорового певческого искусства, которые достались нам в наследство от «синодалов». Свешников жил в той атмосфере, у него был сертификат об окончании регентских курсов Синодального училища, подписанный великими синодальными мастерами, основателями нашей кафедры. В годы, когда происходили необратимые изменения государственных устоев в России, очень важно было не потерять основы, и именно Свешников сохранил ту великую русскую певческую традицию, которая была свойственна Синодальному хору.

Чем больше проходит времени от общения с ним, тем больше понимаешь, какой это был гигант в хоровом искусстве.  Я помню Александра Васильевича в работе, в живом действии. Помню его в Хоровом училище, в консерватории, в хоре, где я работал у него 11 лет – он всегда удивительно умел дисциплинировать. При нём нельзя было быть расслабленным, позволить себе лишнее, он умел заставить быть чрезвычайно собранным во всем. Даже облик, походка Свешникова при встрече с ним всегда мобилизовала.

Он организовывал, как сам любил выражаться, «и лаской, и таской». От него доставалось очень многим. Были жесткие моменты и в учебе, и в работе… Если раньше я иногда внутренне обижался, то с годами понимаешь, как он был прав, как он взращивал в тебе все то, что необходимо хормейстеру. Потому что это – дело общественное, и если дашь себе поблажку, дальше ничего не пойдет.

У нас работает семь учеников Александра Васильевича, окончивших хоровое училище, знающих традиции певческого дела Свешникова. Думаю, для всех наших педагогов важно всё время учить молодых деятелей хорового искусства, будущих профессионалов тому, что предшествовало нам. Они должны знать, из какого корня всё растет. Это важно передать молодому поколению.

Казалось бы, мы его хорошо помним живым, сохранились записи, кинокадры его работы. Но для нового поколения это все равно уже мифическая фигура. Книжная. А нам, его последователям, необходимо показать его в живом действии. Слава Богу, что сохранились записи! Но мы в огромном перед ним долгу: сколько фондовых записей было сделано, это же ещё не на один десяток дисков! Надо собрать все его наследие и выпустить большими тиражами под названием «Искусство Свешникова».

Мы подготовили большой концерт, который открывал Второй международный хоровой конгресс, где хор Московской консерватории исполнял в первом отделении сочинения, которые были в репертуаре Александра Васильевича. Это и народные песни в его обработках, и Чайковский, Кастальский, Данилин, Чесноков, Голованов, Свиридов, и «Всенощное бдение» Рахманинова, конечно. Всё то, что пелось Свешниковым. Возродить то звучание невозможно, но стремиться к этому надо! Во втором отделении звучала музыка его учеников и последователей. Это Р. Щедрин, В. Кикта, А. Эшпай, молодые композиторы А. Висков и А. Комиссаров…

Что значит традиции и преемственность? Наверное, они в том, чем сейчас живет хор Московской консерватории, в том, чтобы хор пел в такой вокальной манере, которую преподавал Свешников, которую мы впитали в себя. Это трудно, для этого нужно понять его методику, культуру вокала. Я стараюсь это сохранять.

Хор – самое демократическое искусство, самое необходимое, народное. Человек рождается с песней, колыбельной, и уходит из жизни – его отпевают. Вслед за Александром Васильевичем мы должны нести идею соборности нашего хорового дела!

Профессор С. С. Калинин,
зав. кафедрой хорового дирижирования

№ 6 (1326), сентябрь 2015

Здесь раньше вставала земля на дыбы,
А нынче – гранитные плиты.
Здесь нет ни одной персональной судьбы –
Все судьбы в единую слиты.

А в Вечном огне виден вспыхнувший танк,
Горящие русские хаты,
Горящий Смоленск и горящий рейхстаг,
Горящее сердце солдата.

Владимир Высоцкий

В дни празднования 70-летия Великой Победы студенты, аспиранты и сотрудники Московской консерватории вновь посетили с «Вахтой памяти» Смоленскую область. Сюда в первый год Великой Отечественной войны в составе 8-й стрелковой дивизии народного ополчения Краснопресненского района были мобилизованы более 100 консерваторцев. Многие из них здесь и погибли.

Этой важной традиции уже более 10 лет. В 2004 году студентами консерватории была заложена памятная плита в городе Воинской славы Ельне. С тех пор каждый год весной к ней едут все новые и новые поколения консерваторской молодежи, отдавая дань памяти мужеству музыкантов, ценой своих жизней задержавших наступление врага.

В этом году в «Вахте памяти» участвовал Камерный хор Московской консерватории (художественный руководитель и главный дирижер – доцент Александр Соловьев), лауреаты международных конкурсов Алексей Мельников (фортепиано), Петр Гладыш (виолончель), Константин Сучков (баритон), солистка молодежной программы Большого театра России Дарья Давыдова (сопрано) и солист Московской государственной академической филармонии Гайк Казазян (скрипка), который месяцем позже получил Третью премию на XV Международном конкурсе имени П. И. Чайковского. Организаторы «Вахты памяти» – Ярослава Кабалевская, Роман Остриков и Ирина Голубенко.

С каждым годом программа «Вахта памяти» становится все более интересной и насыщенной. В этот раз консерваторцев пригласили принять участие в знаменитом Международном музыкальном фестивале имени М. И. Глинки. Концерт в Смоленской областной филармонии в рамках фестиваля вызвал большой положительный резонанс у публики и в прессе. По сообщению информационного ресурса «Современный Смоленск», «насыщенная программа не давала скучать зрителю не секунды». Глубокое впечатление произвело выступление Камерного хора под управлением Тараса Ясенкова и Алексея Степанова (концертмейстер – Михаил Кривицкий), о котором читаем: «ряд произведений был не только спет, но и сценически “сыгран” молодыми консерваторцами, в том числе и обработки русских народных песен». Много добрых слов сказано и о других исполнителях: «Игра пианиста Алексея Мельникова, его интонирование – все было продуманно и четко, филигранно выстроено. Музыкант звуковыми потоками взрывал души слушателей… Поразила слушателей своим прекрасным сопрано и солистка Большого театра Дарья Давыдова. Она покорила не только виртуозным исполнительским мастерством, но и удивительным обаянием…».

Консерваторцы также посетили военно-мемориальный комплекс Ельни, возложили цветы к Вечному огню на Аллее Славы. Здесь в 2009 году были захоронены останки неизвестных защитников Родины, найденные поисковиками в двадцати районах Смоленщины. Позднее произошли еще две остановки в Смоленской области, чтобы возложить венки к памятнику 8-й Краснопресненской дивизии, в которой воевали студенты и педагоги Консерватории, и на Памятную плиту, установленную Московской консерваторией. В «походных условиях», Камерный хор исполнил несколько миниатюр, подходящих к ситуации, таких как «Эх, дороги»…

Консерваторская делегация побывала и в Мемориальном музее-усадьбе М. И. Глинки «Новоспасское» в 40 километрах от Ельни. Музей и Консерваторию объединяют многолетние дружеские и творческие связи, здесь в очередной раз состоялся традиционный концерт. После него директор усадьбы Татьяна Михайловна Чибисова показала гостям музейную экспозицию, основу которой составляют переданные родственниками М. И. Глинки подлинные предметы из родового дома в Новоспасском и мемориальные вещи, принадлежавшие композитору.

Сложившаяся замечательная традиция ежегодной «Вахты памяти» никого не оставляет равнодушным. Пока во всех нас жива память о трагических днях военного прошлого – никто из героев не будет забыт.

Ярослава Кабалевская