№ 5 (1316), май 2014

Хороший учитель объясняет. Выдающийся учитель показывает. Великий учитель вдохновляет. Эти слова в полной мере относятся к Ирине Васильевне Коженовой – декану историко-теоретического факультета, профессору кафедры истории зарубежной музыки, активному общественному деятелю и поистине великому педагогу, беззаветно преданному своему делу, искренне любящему своих учеников. 20 мая у Ирины Васильевны юбилей, который она встречает в полном расцвете жизненных и творческих сил.

Судьба распорядилась так, что на 2-м курсе я попала в класс к профессору Коженовой. Ирина Васильевна вдохновила меня, тогда еще совсем несерьезную студентку, увлекающуюся больше общественной жизнью, чем исследовательской работой, на написание диплома на невероятно заинтересовавшую меня научную тему. Ее проблематика впоследствии оказалась достойной кандидатской степени, которая была присвоена также исключительно благодаря заботе, мудрости, душевности и подвижническому терпению моего педагога. Наш творческий диалог и искренняя дружба продолжаются уже второй десяток лет. И так происходит с большинством студентов Ирины Васильевны, количество которых давно уже приблизилось к составу 10 больших симфонических оркестров, а от знаменитых фамилий народных и заслуженных артистов России, ректоров и директоров ведущих музыкальных заведений высшего и среднего звена и даже политиков дух захватывает. Единственным объяснением этому феномену, на мой взгляд, являются ее искренние слова в адрес любимой консерватории: «Консерватория – это не работа, это моя жизнь. Абсолютно уверена, что даже если бы нас заставили самим платить за вход в это заведение, мы бы продолжали приходить сюда и работать». Этой любовью она заражает и нас, своих учеников, не мыслящих свою жизнь без родной Alma mater.

Любимую ею педагогику Ирина Васильевна с кажущейся легкостью, за которой стоит ежедневный титанический труд, совмещает с активной административной, научной и творческой жизнью. В течение 10 лет она была деканом иностранного факультета, зная по имени каждого своего студента (а это, поверьте, очень нелегко). В те годы была изменена система обучения студентов-иностранцев по государственной линии, появилась валютная оплата за обучение, расширился круг желающих учиться, и в вуз стали привлекаться внебюджетные средства. Ирина Васильевна лично принимала участие в отборе и прослушиваниях абитуриентов во время командировок во Вьетнам, Корею, Китай.

Сейчас И. В. Коженова – декан историко-теоретического факультета Московской консерватории. Она мудро и ответственно руководит большим коллективом, помогая сохранить монументальные научные традиции, с одной стороны, с другой – прозорливо смотрит в будущее, заботится о дальнейшем развитии нашей профессии, проводя ежегодный Всероссийский конкурс по теории и истории музыки имени Ю. Н. Холопова, привлекая наиболее достойных и интересующихся музыковедов к учебе в Московской консерватории. Недаром среди многочисленных наград за активную общественную деятельность Ирина Васильевна удостоена диплома «За значительный личный вклад в формирование, развитие и сохранение творческого и интеллектуального потенциала России».

Музыковедческое сообщество присвоило Коженовой-ученому звание главы российской «школы скандинавистов». Изучению этого интереснейшего пласта музыкальной науки она посвятила уже около 50 лет, открывая миру все новые и новые имена, издавая статьи и учебные пособия, принимая участие в Международных симпозиумах и конференциях. Ее ученики с огромным воодушевлением развивают это исследовательское направление.

Как никто другой зная структуру консерватории изнутри, тонко чувствуя все нюансы функционирования этого сложного организма и постоянно «держа руку на пульсе», Ирина Васильевна является членом Ученого совета консерватории с четко выраженной активной позицией, добиваясь разрешения зачастую сложных ситуаций в мирном дипломатическом ключе. Недаром коллеги, искренне уважая и ценя ее мнение, называют Ирину Васильевну «совестью консерватории». С юмором замечая, что «порядочность – это не профессия», в ответ она слышит: «В настоящее время – профессия!»

Хочется от всей души пожелать Ирине Васильевне крепкого здоровья на долгие годы, радости творчества, а также все новых и новых увлеченных учеников!

Ярослава Кабалевская,
помощник ректора МГК

№ 5 (1316), май 2014

«Я не люблю подводить итоги», – напомнил народный артист СССР, профессор Э. Д. Грач, отвечая на мой вопрос об идее фестиваля. Четыре концерта и Международный конкурс объединила серьезная дата: 70-летие с момента первого сольного выступления. И тогда, в июле 1944 года этот концерт оказался вовсе не рядовым событием. В разгар войны, в эвакуации в далеком Новосибирске 13-летний Эдуард Грач сыграл большую и сложную программу, куда вошли пьесы Вьетана, Крейслера, Венявского… Как вспоминает артист, «в зале были одни музыканты: и оркестранты заслуженного коллектива республики, и Квартет имени Глазунова, и дирижеры – Евгений Мравинский, Курт Зандерлинг, Абрам Стасевич. Все высказали единое мнение, что надо срочно ехать учиться в Москву»…

Сейчас фестиваль начался с «высокой ноты». В Большом зале консерватории артист собрал своих воспитанников разных лет – тех, кому суждено определять моду в скрипичном исполнительстве по крайней мере ближайшее десятилетие. Алена Баева, Никита Борисоглебский, Гайк Казазян, Сергей Поспелов, Лев Солодовников, Юлия Игонина, Айлен Притчин, Елена Таросян – все такие разные, но имеющие в основе «закалку» школы Грача. Голоса их скрипок – поющие, обольщающие слушателей – доставили в тот вечер огромное наслаждение.

Безусловно, все они блестяще оснащены технически, что и продемонстрировала программа концерта, основанная на виртуозной скрипичной музыке. Но ведь главное, что их техника одушевлена мыслью, эмоцией, обаянием. Оттого мы вновь сопереживаем истории Фауста и Маргариты в Фантазии Венявского, прозвучавшей в благородной трактовке Н. Борисоглебского, покоряемся темпераменту равелевской «Цыганки» у А. Притчина, остаемся очарованными пластикой музыкальной речи А. Баевой в «Интродукции и рондо-каприччиозо» Сен-Санса. Завершал вечер фантастический по энергетике номер – Фантазия для двух скрипок с оркестром на темы «Кармен» Бизе, сочиненная и сыгранная Е. Гречишниковым вместе со своей супругой Е. Гелен, также воспитанницей Э. Д. Грача. Артисты, давно уже работающие в Германии, специально выбрались на юбилейный вечер Учителя, умеющего не только передать знания, но и объединять вокруг себя музыкантов-единомышленников.

Кроме солистов на сцене весь вечер находился камерный оркестр «Московия» – любимое детище маэстро, где его же студенты получают великолепные уроки оркестровой игры. Солировать с таким партнером, как этот оркестр и его руководитель, – одно удовольствие, потому что каждая нота им не просто известна – она прожита, выстрадана. И остается восхититься профессиональной честностью маэстро, готовящего каждую программу, как некогда свой первый публичный концерт – с юношеским трепетом и пиететом перед намолеными консерваторскими сценами. Да, наверное, перед любыми сценами – компромиссы этот артист не допускает.

Празднование юбилея продолжится вплоть до третьей декады июня: в Малом зале в рамках филармонического вечера с «Московией» выступали нынешние студенты и аспиранты Грача, сюда же подверстался его классный вечер в Рахманиновском зале – всегда событие для публики. Трогательное приношение сделал подмосковный наукоград Дубна, с которым юбиляра связывают многолетние творческие контакты. Местный симфонический оркестр выдвинул инициативу – провести Международный конкурс скрипачей, присвоив ему имя Эдуарда Грача. Хотя идея пришла в январе текущего года, спонтанно, и времени на подготовку оставалось мало, тем не менее, 20 и 21 июня в Дубне пройдут конкурсные прослушивания. В жюри – все заведующие скрипичными кафедрами Московской консерватории, профессора И. В. Бочкова, Э. Д. Грач, В. М. Иванов, С. И. Кравченко, а также ректор Института имени Ипполитова-Иванова В. И. Ворона. Программа свободная, на 40 минут, в один тур, дающая максимальную возможность показать участникам свои достоинства концертантов. Единственное обязательное сочинение – знаменитая Чакона Витали
в редакции Шарлье. Выбор именно этого опуса связан с памятным первым публичным выступлением героя нашей публикации.

Так закольцовываются эпохи, но Эдуард Грач уже перелистывает новую страницу в своих дневниках, куда несколько десятилетий вносит каждое творческое событие. Впереди лето – время не отпусков, а новых художественных впечатлений. В Дубне с 10 по 18 июля пройдут мастер-классы профессора: кажется, еще есть возможность успеть записаться.

Профессор Е. Д. Кривицкая

№ 3 (1314), март 2014

Дорогая Галина Алексеевна!

Сегодня, в день юбилея, Московская  государственная консерватория, Ваши коллеги, друзья, поклонники, всем сердцем с Вами.

Мы  чествуем Ваш талант и чтим Ваше редкостное дарование: выдающейся певицы, прекрасного педагога.

Вы, профессор Московской консерватории, успешно передаете свой бесценный  певческий и педагогический дар молодому поколению. Ваша слава упрочена победами учеников, удостоенных наград  на отечественных и международных  вокальных конкурсах.

Ваши заслуги были высоко отмечены высшей наградой — званием Народной артистки России.

В день юбилея желаем Вам прежнего энтузиазма и жизнелюбия.

Желаем Вам крепкого здоровья, новых  творческих  успехов,  педагогических удач, долгих и плодотворных  лет  жизни.

Декан вокального факультета,
Народный артист России,
профессор  П. И. Скусниченко

№ 2 (1313), февраль 2014

Время не властно над ней. Она по-прежнему энергична и темпераментна, полна творческих идей и вдохновенного горения, не перестает создавать новые труды, ни один из которых по замыслу не повторяет другой. Ушедший год ознаменовался юбилеем профессора кафедры теории музыки Московской консерватории, Заслуженного деятеля искусств РФ и подлинного Магистра полифонии Наталии Александровны Симаковой.

До сих пор, встречая моих однокурсников по консерватории и упоминая имя Наталии Александровны, вне зависимости от выбранной ими специализации я всегда слышу от них неизменное: «Какие у нее были потрясающие лекции!», «До сих пор всё помню, это было настолько захватывающе!», «Наталия Александровна необыкновенно артистична!», «Не выучить и не понять ее предмет было просто невозможно, ведь было так интересно!»

В самом деле, преподавание – одно из подлинных призваний Наталии Александровны. Каждая ее лекция, прослушанная мною еще в студенческие годы, была не просто профессиональным опытом высочайшей пробы – это всегда был захватывающий спектакль, творимый на наших глазах удивительно яркой и красивой женщиной. Она никого не могла оставить равнодушным – ни к себе, ни к преподаваемому ею предмету. Сочетание подлинного мастерства художественного слова, блестящего ораторского искусства, великолепного богатого русского языка и тонкого, аристократического артистизма в каждом жесте и повороте изящной головы создавало настоящую магию предмета. Он казался совершенно необыкновенным, ни на что не похожим и бесконечно манящим своей красотой, благородством музыкальных конструкций и их художественным результатом, сиянием пропорций и законов, логически выверенных с математической точностью.

Многогранно одаренный музыкант, Н. А. Симакова долгие годы совмещала научную и преподавательскую деятельность с исполнительской. Будучи талантливой пианисткой, Наталия Александровна часто говорит, что ей следовало бы стать еще симфоническим дирижером или органисткой, ибо она очень хорошо чувствует музыкальное время – важнейшую составляющую этих двух специальностей. Она и в самом деле идет в ногу со временем: одной из первых стала воплощать в своих исследованиях тенденции аутентичного подхода к музыке, что невероятно обогатило и придало неведомые ранее глубины чисто учебной, казалось бы, дисциплине. Профессор учит студентов не просто писать правильные работы без ошибок, а быть настоящими музыкантами – то есть уметь вникать в стиль каждой эпохи и адекватно воплощать его даже в учебных экзерсисах по полифонии.

Абсолютное большинство ее капитальных трудов представляет собой столь редкий и трудный для автора симбиоз высоконаучного исследования и практического обучающего пособия – пожалуй, идеальный вариант для музыкантов, стремящихся проникнуться духом той или иной эпохи, страны и воплотить затем свое понимание стиля в исполнении. Посвятив свою жизнь одному из труднейших предметов музыкально-теоретического цикла, Н. А. Симакова создала многочисленные и разноплановые учебные пособия. Будучи прежде всего музыкантом, она обязательно включает в них огромное количество тщательно, с любовью отобранных музыкальных примеров. Благодаря этому любой российский исполнитель или музыковед может ознакомиться с редчайшими для нашей страны сочинениями, необходимыми для их профессионального опыта.

Наталия Александровна по сути своей выдающийся музыкант-просветитель в самом высоком смысле этого слова: будучи незаурядным ученым, она всегда стремится поделиться радостью открытия новых красот с другими – студентами, коллегами, публикой… И наверное не случайно, что в числе ее воспитанников оказались руководители и исполнители двух очень молодых, но при этом лучших в России  вокальных ансамблей старинной музыки, уже получивших широкое признание, – «Интрада» под руководством Е. Антоненко и «Questa musica» под руководством Ф. Чижевского.

Пожелаем юбиляру долгих счастливых лет, творчества и вдохновения, столь необходимых не только ей самой, но и всем нам. Многая лета!

Екатерина Дмитриева,
преподаватель МГК

№ 9 (1311), декабрь 2013

Обе годовщины связаны генетически: это возраст наших консерваторских газет. Будет идти (бежать, лететь!) время, а наши газеты продолжат отмечать юбилейные вехи вместе. Так не было задумано – все получилось случайно: юная «Трибуна молодого журналиста» появилась в 1998 году на пороге предновогодних торжеств, когда стареющий «Музыкант» (1938 года рождения), практически исчез из консерваторской жизни. С тех пор, подставляя друг другу плечо, в чем-то дополняя друг друга, постепенно обе газеты стали вместе представлять лицо Московской консерватории XXI века.

Среди авторов юбилейного года: 1 ряд (слева направо): Ю. Москвина, А. Попова, К. Старкова, М. Валитова; 2 ряд: Е. Гершунская, М. Тихомирова, проф. Т. А. Курышева,   А. Торгова, М. Богданова; 3 ряд: В. Тарнопольский, А. Смирнова, М. Вялова, О. Ординарцева, Н. Травина, А. Шляхов. Фото Дениса Рылова

По замыслу они – разные. У каждой – своя задача: «Музыкант» обращен к консерваторской творческой жизни, «Трибуна» стремится быть открытой всему миру. Но есть и общее, немаловажное: все, что публикуется, пишется по потребности разума и зову души. У нас нет ни гонораров, ни каких-либо других форм стимулирования и поощрения, кроме удовлетворения желания словом служить искусству и Московской консерватории. Правда, у студентов-теоретиков есть курс музыкальной журналистики и критики, где надо готовить материалы в заданных жанрах, что они и делают. Но не более. Ни обязать, ни заставить выступить на определенную тему никого нельзя, каждый автор и в той, и в другой газете – «свободный художник», которому можно лишь помочь отшлифовать его собственные идеи. И многое, если не все, неожиданное и интересное, приходит на полосы наших изданий по личной инициативе авторов. В такой непредсказуемости подходов и взглядов тоже заключена современная особенность обоих изданий. И тоже – общая черта.

Корни произошедшего сближения заключены в том, что «среднестатистический» автор «Российского музыканта» резко помолодел. Пятнадцатилетняя ныне «Трибуна» во многом оказалась законодательницей стиля: музыкальная газета студентов Московской консерватории, как значится в ее подзаголовке, невольно влияет на старшего брата «Музыканта» – теперь и в главном, вроде бы более «официальном», издании негоже писать казенным стилем типовые фразы на «нужные» темы. Обе газеты выходят рядом, у них один читатель, и интерес и спрос – равнозначный. Причем профессиональный уровень «писателей» и равная ответственность перед читателем – единая «головная боль» объединенной редакции.

Молодое авторство в «Российском музыканте» – новые преподаватели, ассистенты и аспиранты, студенты разных факультетов – знамение времени. И не потому, что «маститые» устали (они тоже пишут, и всем – огромное спасибо!) или что материалов не хватает, а потому, что студенческие тексты, якобы написанные для «Трибуны», переходят в базовую газету консерватории. Просто консерваторская тематика, освещаемая свежим взглядом, иногда неожиданным по подходам и трактовке событий, вдруг может оказаться более завлекательной для читателя. И то, что требуется для специальных работ по журналистике, – своя, авторская позиция, личностный взгляд, включая манеру подачи идей, – в равной мере желанно для обоих изданий.

Умелая «работа со словом» – абсолютное профессиональное требование журналистики. Наверное, музыковедам она привычнее и дается легче, но, что отрадно, наши авторы других специальностей также пребывают в творческих поисках на поприще музыкальной журналистики. Причем многие хотят присоединиться, хотят совершенствоваться, ощущая художественную значимость предполагаемого высказывания. Мы всем с удовольствием идем навстречу.

Конечно, сегодня пишут многие. Речь идет, естественно, прежде всего об Интернете. Социальные сети привнесли в общественную жизнь глобальный словесный поток, причем не только в виде обмена фактологической информацией, что важно чрезвычайно, но и рассуждений всех и обо всем. Они дали ощущение личной свободы высказывания и неограниченных возможностей. Однако наш главный объект осмысления – музыка и человек в музыкальном, художественном мире – достаточно специфичен и сложен. И наличие печатного и электронного пространства для профессионального, по-своему элитарного, обмена мнениями трудно переоценить. Поэтому наши молодые и заинтересованные авторы, в том числе и каждый год новые, позволяют смотреть в будущее консерваторской периодики с оптимизмом.

В сегодняшней России уже несколько лет одна за другой идут «новые годовщины» – отмечаются разные 15- и 20-летия. Но праздник, обозначенный в заголовке, – особенный. Он олицетворяет и связь времен, и преемственность поколений, равно как дает надежду на сохранение единства новых подходов, свежих взглядов с профессиональной ответственностью и благородным «цеховым» консерватизмом.

Главный редактор газет МГК

№ 8 (1310), ноябрь 2013

Кафедра медных духовых инструментов Московской консерватории положила начало серии концертов, посвященных выдающимся музыкантам минувшего века: 9 октября в Рахманиновском зале состоялся вечер к столетию со дня рождения легендарного трубача Сергея Петровича Попова.

Брасс-ансамбль Московской консерватории. Дирижер Я. Беляков, солист М. Гайдук

В моей жизни была короткая встреча с этим выдающимся музыкантом – воспоминания о ней до сих пор будоражат мое воображение. Узнав, в какие дни Сергей Петрович занимается (а он до последних дней своей жизни не расставался с инструментом и преподавал трубу в музыкальной школе № 81 им. Д. Д. Шостаковича), я явился к нему на урок. Сергей Петрович очень ласково меня принял и уделил много времени, отвечая на мои многочисленные вопросы. На тот момент ему шел уже девяносто третий год, и меня поразили его необычайная для столь преклонных лет живость ума, точность суждений, подробнейшие воспоминания о многих событиях далекого прошлого…

…Когда в Рахманиновском зале после третьего звонка из динамиков раздались призывные интонации вступления концерта для трубы Сергея Василенко, все услышали волшебный «золотой звук» Сергея Попова и переполненный зал разразился громоподобными аплодисментами. Затем со вступительным словом к залу обратились заведующий кафедрой медных духовых инструментов РАМ им. Гнесиных профессор В. М. Прокопов и заведующий кафедрой деревянных духовых инструментов Московской консерватории профессор В. С.  Попов – сын С. П. Попова.

Весь концерт прошел на одном дыхании – солисты были очень яркими, номера эффектными, а продуманная драматургия вечера до конца держала зал в напряжении. Словно принимая эстафету от великого музыканта, лауреат международных конкурсов, воспитанник профессора В. А. Новикова Жасулан Абдыкалыков безупречно исполнил 2-ю и 3-ю части концерта Василенко. Замечательно показали себя брасс-квинтеты Московской консерватории, Гнесинской академии и Большого театра, а также ансамбль тромбонов ГАСО им. Е. Ф. Светланова под руководством Аркадия Старкова, исполнивший «Ave Maria» А. Брукнера. Особенный восторг у слушателей вызвало вдохновенное выступление профессора В. С. Шиша (заведующего кафедрой медных духовых и ударных инструментов МГК) – в его переложении для валторны прозвучала «Элегия» С. В. Рахманинова.

В заключение вечера Брасс-ансамбль Московской консерватории под моим руководством предложил вниманию публики знаменитые произведения, где труба является главным действующим лицом: «Шествие князей» из оперы-балета «Млада» Н. А. Римского-Корсакова, «Адажио» Т. Альбинони (в великолепном исполнении солиста РНО Владислава Лаврика) и «Время, вперед!» Г. В. Свиридова (в интерпретации лауреата международных конкурсов Михаила Гайдука). Именно этот последний номер, по просьбе публики повторенный на бис, поставил в юбилейном концерте яркую эмоциональную точку.

Ярослав Беляков,
преподаватель МГК

№ 7 (1309), октябрь 2013

Старейшему преподавателю межфакультетской кафедры фортепиано Московской консерватории профессору Борису Георгиевичу Смолякову исполнилось 85 лет.

У меня дома возле рояля висит фотография моего выпускного класса ЦМШ. В центре – директор школы Б. Г. Смоляков. Через много лет, когда я пришла на кафедру, где работал Борис Георгиевич, мы стали много общаться – уже как коллеги. Он произвел на меня то же впечатление, что и тогда, в юности: та же интеллигентность, деликатность, даже некоторая застенчивость в общении, и при этом глубокие знания в области музыки и литературы. После ухода из жизни его коллеги и многолетнего друга А. В. Самонова Борис Георгиевич не стал больше преподавать в консерватории. Мы – члены кафедры, на которой профессор Б. Г. Смоляков проработал так много лет, – сердечно поздравляем его с юбилеем, желаем здоровья, творческих сил и долголетия.

Доцент Т. Е. Рубина

№ 7 (1309), октябрь 2013

Солнечное сентябрьское утро, класс консерватории… Сегодня все необычно: у всех приподнятое праздничное настроение, на рояле – букеты цветов. Собрались самые близкие профессору люди: коллеги, с которыми пройден многолетний путь напряженной творческой жизни, ученики, настоящие и бывшие (хотя бывают ли «бывшие» ученики?), единомышленники, просто друзья. Звучат теплые и искренние поздравления. «Ну, а теперь давайте поработаем», – мягко прерывает нас профессор. Студентка прикасается к клавишам, звучит соната Прокофьева. Начинается тщательная, детальная, кропотливая работа. Будни? Да, отчасти, но и каждодневное маленькое волшебство, когда музыкальный материал обретает форму, а каждая фраза становится по-настоящему осмысленной.

Пожалуй, главное, чему я, да и все мы, ученики профессора Людмилы Владимировны Рощиной, научились от нее, – это высочайшая требовательность, порой даже беспощадность по отношению к себе, продиктованная не амбициозностью, но исключительно горячей и преданной любовью к своему делу. Недаром для всех без исключения ее воспитанников мнение Людмилы Владимировны всегда остается основным профессиональным критерием. И, общаясь с ней, каждый из нас отчетливо понимает, что только в такой напряженной борьбе с самим собой – своей душевной ленью, косностью, холодностью – возможно рождение Музыки.

А сегодня мне хочется просто искренне поблагодарить Людмилу Владимировну за то, что она еще не устала от нас. Не устала каждый раз искренне радоваться нашим творческим достижениям и огорчаться таким досадным, но, наверное, неизбежным на нашем пути неудачам. Не устала вместе с нами открывать и удивляться новому, никогда не быть равнодушной к своему любимому делу, снова и снова собственным примером напоминая нам о главном внутреннем стержне музыканта – творческой, человеческой и профессиональной совести.

Софья Швец,
преподаватель МГК

№ 2 (1304), февраль 2013

15 февраля исполнилось 80 лет замечательному скрипачу и педагогу Виктору Александровичу Пикайзену.

Один из самых любимых учеников Д. Ф. Ойстраха (он проучился у Давида Федоровича дольше всех –13 лет), Виктор Александрович – ревностный продолжатель в искусстве идей и методов своего великого учителя. Блестящий солист, выступавший на лучших концертных площадках мира, переигравший за свою долгую исполнительскую жизнь практически весь скрипичный репертуар, он и ныне продолжает восхищать нас своей незабываемой игрой, неповторимым теплым мягким звуком, феноменальной виртуозностью, серьезностью и глубиной исполнительских прочтений. Помню, как в конце шестидесятых годов в Ленинграде я пришел на его концерт, где в один вечер звучали все 24 каприса Паганини, исполненные с непостижимым совершенством, абсолютно безупречно, эталонно… Не так давно, в 2004 г., он сыграл их в Милане в 78-й раз. Его бесконечный смычок, которым он вытягивает невероятные по своим длительностям ноты… Истинный фанатик скрипки, он буквально сутками занимался на инструменте, и в этом – основа его непревзойденного мастерства.

Каждый художник стремится найти в искусстве и в своем инструменте нечто новое, ранее не используемое. Так, Виктор Александрович «открыл» еще одну, пятую октаву на скрипке (это те ноты, которых нет на фортепианной клавиатуре), тем самым ощутимо расширив диапазон нашего инструмента. С необыкновенной интонационной точностью и четкостью он местами добавляет ноты пятой октавы в свои головокружительные пассажи, демонстрируя неисчерпаемость возможностей инструмента и исполнителя.

Почти 50 лет Виктор Александрович передает свое уникальное мастерство ученикам и в России и за рубежом. В числе выпускников его класса К. Блезань (ПНР), А. Ганс (Франция), Б. Котмел (Чехия), В. Седов, Ю. Ревич (Россия) и многие другие. Все, кто общается с Мастером, моментально попадают под его необыкновенное обаяние, теплоту, отзывчивость, бесконечную доброжелательность, мягкость. Его милая, чуть застенчивая улыбка, скромность… Когда такие люди есть на земле, мир становится лучше, чище, добрее.

Здоровья Вам и долгих лет жизни, дорогой Виктор Александрович!

Михаил Готсдинер

№ 2 (1304), февраль 2013

Личность учителя оказывает огромное воздействие на ученика. Только при полном доверии к педагогу может возникнуть тот творческий контакт, без которого невозможно сотворчество. Мне посчастливилось учиться в классе народного артиста России, крупнейшего пианиста, композитора и педагога профессора Алексея Аркадьевича Наседкина в консерватории, а затем в аспирантуре. Это незабываемые годы. Могу с полным правом утверждать, что Наседкин создал свой Класс в самом высоком понимании этого слова.

А. А. Наседкин обладает удивительно ценным качеством музыканта: открытым, всегда искренним восприятием произведений, слышанных им бесконечное число раз. Сколько минут восхищения дарит педагог своим ученикам на занятиях, когда они становятся свидетелями его глубокой любви к музыке, его радости от соприкосновения с музыкальными шедеврами! Нота, мотив волнуют его таким естественным образом, как будто он впервые слышит сочинение. На одном из первых занятий, когда я играла Сонату cis-moll Чайковского, профессор, пораженный красотой мелодии второй части, воскликнул: «Как красиво!»

В игре Алексея Аркадьевича существует то, что мы называем «магией звука». Подражать звуку Наседкина абсолютно бессмысленно. Можно учиться интонированию, пластичному и гибкому, ведению линий подголосков, бережному отношению к фразировке, однако раскрыть и объяснить все загадки этого звука вряд ли кому удастся. Его звук свободен от сложных ухищрений и самолюбования и полно отражает его душевные качества. Алексей Аркадьевич с особым пристрастием добивается тончайших нюансов звукоизвлечения: «тихо», «в сто раз тише» – обычные реплики профессора на уроке. Легкая, невесомая, затаенная нюансировка звука – сложнейшая пианистическая задача. Но именно это качество звука является одной из самых примечательных особенностей почерка пианиста А. Наседкина.

На вопрос «Что является главным в исполнительском искусстве?» Алексей Аркадьевич всегда дает один ответ: «Благородство, естественность и простота». Его исполнение поражает ясностью и безыскусностью; в нем совершенно нет самодовлеющей оригинальности. В своем искусстве Алексей Аркадьевич всегда искреннен и глубок. Тот благодарный отклик, который он получает от слушателей, объясняется доступностью, музыкальностью, убедительностью и внутренней цельностью его исполнения.

С огромной радостью поздравляю моего дорогого учителя, большого музыканта и удивительного человека с юбилеем!

Наталья Сухаревич

Имя Алексея Аркадьевича Наседкина, «Алеши», знакомо мне с раннего детства, с того момента, как я пятилетним ребенком попал в дом А. Д. Артоболевской, у которой мне посчастливилось начать свой долгий путь в большую музыку. Имя это всегда произносилось в ее доме с особым пиететом и было окружено ореолом необыкновенной одаренности. Меня не раз водили на его концерты, но в память врезался его приход в дом Анны Даниловны на один из детских концертов. Он играл на два рояля с кем-то из других взрослых учеников, возможно с Жорой Хереско. Впечатление осталось неизгладимое: за роялем сидел не просто прекрасный пианист, а легенда – знаменитый Алеша.

Личное знакомство с Алексеем Аркадьевичем произошло много лет спустя, когда встал вопрос – к кому поступать в консерваторию. Незабвенная Анна Даниловна договорилась о встрече, и вот в один прекрасный день я оказываюсь вместе со своим педагогом Н. А. Тороповым в консерватории, в классе № 12. От той встречи осталось очень светлое впечатление: мне легко игралось, Алексей Аркадьевич был приветлив, доброжелателен, я почувствовал какой-то внутренний контакт. Главное, он мне сразу понравился за роялем – я ощутил нечто очень близкое мне по духу, по отношению к звуку, к инструменту, к музыке вообще.

Все последующие уроки в классе Алексея Аркадьевича оставляли неизменно светлое и радостное впечатление. Я всегда уходил с верой в свои силы и с ощущением максимальной включенности в музыку, в ее стихию, с горячим желанием много работать. В этом проявлялся выдающийся талант Наседкина-педагога. Он умел мгновенно раскрепостить ученика, включить все его творческие и технические ресурсы. Ученики могли быть очень разные и по степени одаренности, и по характеру дарования, неизменным был лишь результат: каждый студент сразу начинал играть лучше. Причем средства бывали подчас самые что ни на есть простые: ненавязчивое сравнение, меткое определение образной картины сочинения, совершеннейший по воплощению показ одного-двух тактов, дающий идеально конкретную цель всей работы в области звука, стиля, формы. Все технические проблемы решались незаметно, ненавязчиво и только в связи с конкретной художественной задачей. Результат был стопроцентный: ученики Алексея Аркадьевича всегда отличались высочайшей профессиональной культурой и художественным вкусом. В этом его класс выделялся среди всех без исключения, в этом был и есть фирменный «наседкинский» почерк.

Рубен Мурадян

№ 2 (1304), февраль 2013

22 января народному артисту России профессору Тиграну Абрамовичу Алиханову исполнилось 70 лет.

По свидетельству самого Тиграна Абрамовича, музыкантом он стал благодаря маме – известной скрипачке С. С. Рошаль. Думается, что и от отца – выдающегося ученого-физика, академика А. И. Алиханова – было унаследовано очень многое, если не главное: жизненная целеустремленность, огромное трудолюбие, внутренняя потребность в добросовестном исполнении долга. И, конечно, от обоих родителей – доброжелательное отношение к людям, стремление к справедливости, деликатность, чувство юмора. По свидетельству моих друзей, учившихся в ЦМШ, юный Тигран еще в школе прославился чтением рассказов Михаила Зощенко. И многими годами позже мы неоднократно хохотали до слез, слушая в его исполнении устные рассказы Ираклия Андроникова. Да и сейчас, например, на заседаниях кафедры, Тигран Абрамович, излагая высоким слогом серьезные вещи, нет-нет, да и подпустит что-нибудь вроде зощенковского «пущай»…

50–60-е годы, проведенные в ЦМШ в классе легендарного педагога А. С. Сумбатян и в Московской консерватории в классах Л. Н. Оборина и М. В. Мильмана, были приобщением к высочайшим художественным откровениям. Концертная жизнь пианиста началась с 1966 года: Т. Алиханов работал в Москонцерте, Бюро пропаганды советской музыки, Московской филармонии. Cольные концерты, выступления с симфоническими оркестрами в Москве, Санкт-Петербурге и других городах, гастроли за рубежом – в Австрии, Алжире, Венгрии, Греции, Италии, Испании, Нидерландах, США, Чехословакии, ЮАР – таковы будни артиста, наполненные трудом и вдохновением. Концерты пианиста в Малом зале консерватории приобретают характер монументальных полотен – достаточно привести в пример недавние бетховенские программы (фортепианные сонаты; десять скрипичных сонат в содружестве с Владимиром Ивановым)…

C 1971 года Т. Алиханов работает в Московской консерватории, в 1992-м становится профессором, возглавив кафедру камерного ансамбля и квартета, преподает и в Музыкальном училище (колледже) при МГК. В разные годы он участвует в жюри конкурсов в нашей стране и за ее пределами, проводит мастер-классы в Москве, других городах России, в Испании, США. Тигран Абрамович по своей индивидуальности испытывает глубокий интерес к новой музыке ХХ века. Не могу удержаться от предположения, что в этом проявляются отцовские «рациональные» гены, – возникает подлинный союз «лирики» и «физики», чувства и интеллекта – как на роду написано! Сочинения таких авторов, как А. Берг, П. Булез (его 3-я соната была исполнена в России впервые), Ж. Дурко, Дж. Кейдж, Дж. Крамб, Э. Денисов, А. Шнитке, Ю. Буцко, Г. Банщиков, Г. Фрид, составляют важную часть исполнительского «арсенала» музыканта. Отсюда – постоянное участие Алиханова в фестивале «Московская осень» и других, посвященных современной музыке.

Значительную часть концертной деятельности Т. Алиханова составляют ансамблевые выступления. Его партнерами в разные годы были Л. Белобрагина, В. Иванов, А. Любимов, А. Мельников, И. Монигетти, Н. Петров, В. Пикайзен, В. Сараджян, В. Тонха, В. Фейгин, М. Хомицер, А. Чеботарёва… Постоянным партнером является органистка Людмила Голуб. Он дружит и со струнными квартетами, а с одним из них связан буквально «родственными узами» – его сестра, замечательная скрипачка Евгения Алиханова возглавляет Московский квартет, с которым пианист выступал и в России, и в США.

Т. Алиханов многократно играл и с Квартетом имени Шостаковича, виолончелист которого – автор этих строк. В разные годы мы вместе исполняли фортепианные квинтеты Шостаковича, Шумана, Дворжака, Франка, Бородина, Большой секстет Глинки, Концерт для скрипки, фортепиано и струнного квартета Шоссона… Выступали мы и на «малой родине» Тиграна – в Доме ученых поселка Мозжинка, близ Звенигорода, где находится дача Алихановых, в свое время ставшая наградой государства прославленному академику.

В том памятном концерте (21 августа 1999 года) мы играли гениальный Квинтет Шумана. Зал был увешан портретами ученых – с одного из них, нарисованного в романтической манере, на нас смотрел Абрам Исаакович Алиханов. Своим присутствием нам оказали честь корифеи науки – академики В. А. Котельников и Н. Г. Басов (нобелевский лауреат!). После концерта эти необыкновенные люди искренне благодарили и поздравляли нас, а вокруг простиралась изумительной красоты природа: мозжинские горы спускались к глади Москвы-реки, неподалеку в вековом покое застыл Саввино-Сторожевский монастырь…

Следует ли говорить сегодня о каком-то подведении итогов? Думается, что нет. Музыкант находится в расцвете своего дарования, обогатившегося жизненной мудростью, он полон энергии и новых замыслов в творчестве и в общественной деятельности. Все мы – коллеги, друзья, почитатели таланта Тиграна Абрамовича – горячо, сердечно поздравляем его со славным юбилеем, желаем ему крепкого здоровья, творческого долголетия, новых свершений на ниве музыкального искусства!

Профессор А. А. Корчагин

№ 2 (1304), февраль 2013

14 февраля исполнилось бы 80 лет Андрею Михайловичу Волконскому (1933–2008). Выдающийся русский музыкант, князь и гражданин мира, каковым он сам себя считал, ссылаясь на Тургенева («Русский дворянин – гражданин мира»), А. Волконский оставил яркий след в музыкальной жизни Москвы. Хотя он родился в Женеве, в эмиграции, а скончался после реэмиграции в Экс-Провансе, важный период его жизни прошел именно на исторической родине (1947–1972), где ему довелось сформироваться как художнику и достичь зрелости Мастера.

Андрей Волконский – универсальный музыкант, он умел и мог многое. Как композитора его имя часто ассоциируется с понятием пионер советского авангарда. Он шел первопроходцем. Среди написанной им в ранние творческие годы музыки каждый знаток назовет такие циклы, как «Сюита зеркал» (1960) на слова Ф. Гарсиа Лорки, «Жалобы Щазы» (1962) на слова народной дагестанской поэтессы. Однако в одном из последних интервью уже во Франции он очертит причины ухода из этой области творчества: «Это было связано с осознанием кризиса авангарда – моментом, через который мы все прошли. Все – Сильвестров, Пярт, Мансурян и я – осознали, что находимся в какой-то мышеловке. Единственный, кто этого никогда не осознавал, – это Денисов, он продолжал. Даже Шнитке – вся эта история с полистилистикой – нездоровое явление, с моей точки зрения. Это тоже какой-то ответ на кризис».

Главным делом его жизни все-таки стало исполнительство, и прежде всего клавесин. Волконский с головой окунулся в старинную музыку, путь в которую оказался короче через понимание новейших, наисовременнейших исканий. Именно он создал и возглавил знаменитый ансамбль «Мадригал» (1965), распахнувший тогда перед слушателем поистине неизведанный материк. Вернувшись на Запад, музыкант увлеченно продолжал исполнительскую деятельность, а снижение композиторской активности получило с его стороны еще одно интересное, уже скорее социокультурное обоснование: «Естественно, что я могу сравнить условия, которые у меня были там, с западными. Главная разница заключалась в том, что там у меня была среда, которая меня поддерживала. Ее здесь нет. То, что была среда, которая меня поддерживала, – это тоже феномен советский. Мы как-то сплачивались, что ли».

Лауреат I премии Ксения Семенова (Россия)

При всей, казалось бы, естественной и ясной позиции неприятия советского бытия, завершившейся возвращением на Запад, Волконский никогда не занимался политикой, оставаясь художником, философом, мыслителем. И на вопрос о десидентах и десидентстве (слово, которое сам не любил и не принимал, предлагая говорить только об инакомыслии) он в том же позднем интервью заметил: «Я считал, что мое дело бороться музыкой, и уже играть на клавесине было в каком-то смысле идеологической диверсией». И для нашей страны он остается пионером в этой сфере, будучи тем, кто стоял у истоков российского клавесинного ренессанса.

В 2010 году Московская консерватория учредила и впервые провела Международный конкурс клавесинистов имени Андрея Волконского. Узнав о замысле, композитор буквально на пороге смерти успел поприветствовать этот по-своему революционный для отечественной музыкальной культуры шаг: «Рад был узнать, что клавесин перестал считаться в России экзотикой и стал полноправным инструментом. Все большая тяга публики к музыке более дальних эпох не случайна. Очевидно, что у людей в наше беспокойное время есть потребность в некотором равновесии. Поскольку мне выпала честь возродить игру на этом инструменте в России, я приветствую создание международного конкурса клавесинистов в Москве».

Лауреат II премии Юлия Агеева-Хесс (Эстония)

А с 27 января по 4 февраля 2013 года в стенах Московской консерватории состоялся уже II Международный конкурс клавесинистов имени Андрея Волконского. В нем приняли участие 25 молодых исполнителей из 13 стран: России, Великобритании, Венгрии, Италии, Колумбии, Латвии, Польши, Португалии, Украины, Франции, Эстонии, Японии. В жюри вошли признанные мастера: Патрик Айртон (Великобритания – Франция – Нидерланды), Вольфганг Глюкзам и Элизабет Жуайе (Австрия), Кетил Хаугсанд (Норвегия), Ольга Филиппова и Мария Успенская (Россия). Как и Первый, Второй конкурс возглавил его главный идеолог, профессор Московской консерватории Алексей Любимов.

Обладательница III премии и диплома за лучшее исполнение пьесы современного композитора Мария Лесовиченко и солисты оркестра «Pratum Integrum»

На пресс-конференции 30 января, где шел предметный разговор о прохождении состязаний, о результатах первого тура, присутствовавшие журналисты ощутили событие уже как само собой разумеющийся, естественный процесс. Разговор возник об инструментах, на которых играют участники: «Конкурс проходит на двух типах инструментов, которыми располагает консерватория, являющимися копиями аутентичных. Произведения английских верджиналистов, которые присутствуют в обязательной программе, ориентированы на более ранний тип инструментов, с несколько иной темперацией и манерой исполнения, соответствующей стилю XVII века. Также есть итальянские инструменты, купленные у нидерландского мастера» (Алексей Любимов). Речь шла и о содержательной стороне выступлений: «Этот конкурс стал для меня открытием; такого большого количества интерпретаций я еще нигде не слышал, они очень разные и аутентично самостоятельные, и это многообразие я всячески приветствую» (Вольфганг Глюкзам).

Лауреат III премии Анастасия Антонова (Россия)

К сожалению, не принес результата композиторский конкурс, проводимый в рамках клавесинного. Прекрасная современная традиция создания нового сочинения специально для исполнительского состязания в этот раз не была реализована: отборочное жюри ни одно из представленных произведений не признало соответствующим конкурсным требованиям, и в качестве обязательного современного сочинения для клавесина были выбраны… «Мертвые листья» (1980) Эдисона Денисова. Алексей Любимов по этому поводу заметил: «Музыки для клавесина в ХХ веке написано огромное количество, но не вся она пригодна для конкурса, так как в произведениях зачастую заключены различного рода манипуляции со струнами и клавишами, а это, в свою очередь, не может служить фактором, отражающим одаренность и исполнительское чутье участников. Современным композиторам были даны заказы на сочинение произведений для клавесинного конкурса, но результаты по-прежнему были неудовлетворительными. Возможно, на будущих конкурсах эта ситуация изменится»…

II Международный конкурс клавесинистов имени Андрея Волконского уже стал достоянием истории. И дорогим подарком к юбилею выдающегося русского музыканта, чьи творческие идеи дали и, будем надеяться, еще неоднократно дадут желанные всходы.

Профессор Т. А. Курышева
Фото Д. Рылова