№9 (1347), декабрь 2017

Сегодня мировая пресса называет Родиона Щедрина одним из самых значительных русских композиторов последнего полувека. Как заметил Михаил Плетнев, неоднократно исполнявший музыку нашего соотечественника, живого классика мировой культуры: «Сочетание блестящего остроумия и глубокого чувства драмы, тонкой мысли и мощной конструкции, смелого, подчас дерзкого эксперимента и неизменности русской национальной традиции, помноженное на высочайшую технику письма, – это всегда восхищало и восхищает меня в творчестве Родиона Щедрина». В 2017 году почетный профессор Московской консерватории Р.К. Щедрин отмечает двойной юбилей: 85-летие со дня рождения и 70-летие с начала композиторской деятельности.

Родион Константинович – коренной москвич. Родился 16 декабря 1932 года в Замоскворечье, на улице Мытной. Отец его, Константин Михайлович Щедрин, окончил Московскую консерваторию по специальности композиция, но был известен в столице как замечательный музыкальный лектор. Преподавание было его вторым призванием, ученики его обожали и память о нем жива до сего времени. В конце 1944 года отец отвел мальчика в Московское хоровое училище, которое основал и которым руководил А.В. Свешников. «Александру Васильевичу Свешникову я обязан тем, что стал музыкантом», – напишет Щедрин через много лет.

В 1950 году будущий композитор поступил в Московскую консерваторию по двум специальностям: сочинение проходил в классе известного советского композитора, тонкого знатока русской поэзии и литературы Юрия Александровича Шапорина. В класс специального фортепиано его взял один из лучших отечественных музыкантов того времени Яков Владимирович Флиер. С первых лет обучения в консерватории произведения Щедрина обратили на себя внимание оригинальным мышлением, интонационной свежестью и ритмической яркостью.

В годы консерваторской учебы Щедрин написал Первый фортепианный концерт, который сам и исполнил 7 ноября 1954 года в Большом зале (студенческим оркестром дирижировал Г. Рождественский). «Каждый из моих фортепианных концертов всегда совпадал с новым этапом в моем творчестве», – скажет потом Щедрин. Действительно, Первый фортепианный концерт – это открытие для отечественной композиторской школы ярких интонационных, ритмических и формообразующих возможностей русской частушки. До Щедрина частушка считалась низменным жанром русского народного творчества. Еще Шаляпин не жалел бранных слов, называя ее не песней, «а сорокой, и даже не натуральной, а похабно озорником раскрашенной!» Консерваторские профессора также поначалу не оценили дерзкой смелости молодого автора. Однако уже в 1955 году сочинение было отмечено премией на V Всемирном фестивале демократической молодежи и студентов в Варшаве. А «частушечный период» дал такие блестящие опусы, как опера «Не только любовь» и первый концерт для оркестра «Озорные частушки».

В том же 1954 году 22-летний студент начал сотрудничать с Большим театром. Итог этого сотрудничества уникален в истории отечественного музыкального театра: на первой музыкальной сцене страны состоялись семь (!) премьер произведений, созданных композитором. Пяти балетов – «Конек-горбунок» (1955), «Кармен-сюита» (1967), «Анна Каренина» (1971), «Чайка» (1980), «Дама с собачкой» (1985), – посвященных жене, блистательной прима-балерине театра Майе Плисецкой. И первых двух опер: «Не только любовь» (1961) и «Мертвые души» (1977).

На яркое дарование московского композитора обратили внимание ведущие отечественные и зарубежные исполнители. Н. Аносов осуществил запись Первой симфонии (1958). К. Кондрашин исполнял «Озорные частушки» (1963), именно по его настоянию Щедрин сделал сюиту из оперы «Не только любовь», которую выдающийся дирижер записал на пластинку. Многие премьеры Щедрина провели Е. Светланов, Г. Рождественский, Ю. Темирканов, Д. Кахидзе, В. Синайский. В середине 1960-х великий Л. Бернстайн сыграл «Озорные частушки», после чего Нью-Йоркская филармония, оркестром которой он руководил, заказала композитору сочинение к своему юбилею. Им стал второй концерт для оркестра «Звоны», исполненный Бернстайном в 1968 году.

Долговременное сотрудничество связывает композитора с ведущими дирижерами и исполнителями мира М. Янсонсом, С. Озавой, М. Венгеровым, О. Мустоненом. «Я люблю его музыку слушать, я люблю его музыку исполнять. Я думаю, что его творчество является важнейшим вкладом в современное искусство», – сказал художественный руководитель Нью-Йоркской филармонии Лорин Маазель.

С именем Л. Маазеля связаны громкие премьеры третьего концерта для оркестра «Старинная музыка российских провинциальных цирков» (1989, Чикаго), Концерта для трубы с оркестром (1993, Питсбург), Третьей симфонии «Лица русских сказок» (2000, Мюнхен). По предложению Маазеля Щедрин написал своего «Очарованного странника». Премьера четвертой оперы, созданной композитором на сюжет одноименной повести Н.С. Лескова, была представлена Л. Маазелем в декабре 2002 года в Нью-Йорке. Дирижер охарактеризовал музыку одним словом – «шедевр» (masterpiece).

Особая и значительная страница в жизни Щедрина связана с Мариинским театром и его художественным руководителем В. А. Гергиевым. Сегодня музыканты «Мариинки» исполнили, кажется, все крупные театральные, оркестровые, кантатно-ораториальные и концертные сочинения композитора. Его оперы и балеты получили новую жизнь на замечательной сцене. Ежегодно театр проводит абонемент произведений композитора. Но самое главное – Мариинский инициирует рождение новой музыки Щедрина. Две последние оперы – «Левша» и «Рождественская сказка» – обязаны своим появлением В.А. Гергиеву. По его инициативе камерный зал театра получил имя Щедрина.

В течение всей своей жизни обращался к хоровой музыке композитора его большой друг, профессор Б.Г. Тевлин. Исполнение им поэмы «Казнь Пугачева» непревзойденно. «Пиши для хора!», – неизменно повторял Тевлин. Именно для него и Камерного хора Московской консерватории Щедрин создал хоровую оперу «Боярыня Морозова».

Общеизвестно, что жизнь художника – это его произведения. Творческая судьба Родиона Щедрина редкостно богата и разнообразна. Казалось, нет в ней каких-то особых предпочтений, все существующие в современности музыкальные жанры подвластны «хранителю Ордена профессионализма», «Великому Мастеру», как образно и точно назвал его поэт Андрей Вознесенский. Итог творческой деятельности композитора впечатляющ. Двенадцать произведений для музыкального театра: помимо названных сочинений для Большого театра – оперы «Лолита» для Стокгольма, «Очарованный странник» для Нью-Йорка, «Боярыня Морозова», «Левша», «Рождественская сказка». Три симфонии, пять концертов для оркестра, множество инструментальных концертов – шесть фортепианных, скрипичный, альтовый, два виолончельных, концерты для трубы и для гобоя, двойной для скрипки и трубы, двойной для фортепиано и виолончели, а также симфонические, хоровые, камерно-инструментальные, фортепианные сочинения…

К юбилейным для композитора декабрьским дням приурочен большой фестиваль его музыки под названием «Запечатленный ангел», инициатором которого стал профессор Московской консерватории А.В. Соловьёв. В Нижнем Новгороде, Калуге и Боровске, в Саратове и Туле, Красноярске и Сургуте, во Владивостоке и Улан-Удэ, в Санкт-Петербурге и Москве состоятся концерты, на которых будут звучать сочинения композитора разных жанров и времени создания. М.В. Плетнёв и В.А. Гергиев со своими коллективами также подготовили интереснейшие концертные программы-приношения юбиляру, которые пройдут в Концертном зале им. П.И. Чайковского в Москве.

70 лет музыка Щедрина с нами. Созданный им художественный мир огромен, разнообразен и неповторим. Его искусство уже неотделимо от отечественной истории и культуры. Наша благодарность Мастеру неизменна.

Играем музыку Щедрина!

профессор Е.С. Власова

№9 (1347), декабрь 2017

Бег времени неуловим, и когда страницы календаря указывают на круглое число прожитых лет, возникает естественная необходимость осмыслить пройденный этап и подвести итоги. 1 декабря 2017 года Заслуженный артист России, профессор кафедры оперно-симфонического дирижирования Анатолий Абрамович Левин отмечает свой 70-летний юбилей.

Консерватории по своей природе органически присуща передача традиций от поколения к поколению, от учителя к ученику. Левин принадлежит к воспитанникам одного из корифеев московской дирижерской школы – Л.М. Гинзбурга, и отрадно, что музыкант сохраняет и приумножает эти славные традиции. К моменту своего возвращения в лоно Alma Mater в качестве руководителя студенческого оркестра в начале 2000-х годов дирижер уже обладал ценным опытом, приобретенным в прославленном Камерном музыкальном театре, осуществив там за десятилетия своей деятельности немало оперных постановок и накопив солидный театральный репертуар.

Само собой разумеется, что общение с Б.А. Покровским и Г.Н. Рождественским оказало самое благотворное влияние на художественные вкусы музыканта. Постановками опер Стравинского и Шостаковича Камерный театр обрел мировую известность, и интерес к творчеству этих и других современных композиторов постоянно подчеркивается концертными программами дирижера.

Деятельность в консерватории наполнила творческий багаж Левина большим числом симфонических полотен, в числе которых особенно выделяются самые разнообразные инструментальные концерты, поскольку дирижер и руководимые им коллективы постоянно принимают участие в выступлениях с известными солистами в рамках различных фестивалей, юбилеев и других творческих проектов.

Но кроме исполнительского таланта, Левин обладает еще одним даром, особенно ценным в стенах учебного заведения – умением приобщать молодежь к оркестровому музицированию, прививать вкус к искусству симфонического дирижирования. Достойна удивления его способность распознавать и поддерживать юные дарования, давать им «путевку в жизнь». Сказанное касается не только будущих дирижеров, но и огромного числа музыкантов симфонического оркестра. Многие из них стали профессионалами благодаря длительному общению с маэстро. Так, учащиеся оркестрового отделения Мерзляковского училища, приобретая навыки игры в оркестре под его руководством, затем совершенствуют свое мастерство в консерваторском студенческом оркестре, а по окончании уже работают в оркестре Концертном. Дирижер находит время и силы также на то, чтобы «ковать кадры» не только в столице, но и в других российских регионах. Вызывает восхищение его деятельность как художественного руководителя и главного дирижера Молодежного симфонического оркестра Поволжья.

С Анатолием Абрамовичем удивительно интересно общаться. Благодаря присущему музыканту оптимизму и чувству юмора, беседа с ним никогда не кажется скучной. Его артистический темперамент и постоянная готовность к творчеству неизменно притягивают к нему музыкантов. Он способен заразительно эмоционально говорить о мануальной технике, штрихах, нюансах, вопросах инструментовки и всем том, что составляет дирижерскую «кухню». И не только говорить, но и демонстрировать преимущества того или иного приема студентам, проходящим под его руководством практику работы с оркестром. Чрезвычайно полезным оказывается не только его собственный опыт, которым он всегда щедро готов поделиться, но и глубокое знание проверенных временем традиций, как и умение убедить студентов в необходимости следовать им. Обладая приветливым и дружелюбным характером, за дирижерским пультом Анатолий Абрамович, как всякий подлинный художник, способен проявить неукротимую волю и твердость характера.

В свои 70 лет А.А. Левин полон сил и энергии. Думается, причина этого заключается в его горячей любви к музыке и музыкантам, к искусству и жизни во всех ее проявлениях. Дирижер не останавливается на достигнутом и покоряет новые художественные вершины. Коллектив кафедры оперно-симфонического дирижирования, педагоги и студенты дирижерского факультета, сотрудники Московской консерватории, поклонники искусства Анатолия Левина от всей души поздравляют юбиляра с 70-летием и желают ему крепкого здоровья и дальнейших успехов в творчестве!

доцент С. Д. Дяченко

№9 (1347), декабрь 2017

В Москву приехала Лаборатория современного зрителя, созданная на базе Пермского оперного театра и балета им. П. И. Чайковского. Проект, включающий лекции о музыке, мастер-классы исполнителей и музыковедов, за два года своего существования привлек почти несколько тысяч человек. Цель лаборатории – познакомить публику (преимущественно, меломанов) с композиторами и их произведениями непосредственно перед ближайшим концертом.

Столичным слушателям предложили погрузиться в мир музыки двух великих австрийцев, таким образом подготавливая их восприятие к грядущему событию – исполнению 25 ноября в Большом зале Московской консерватории Первой симфонии Малера и Скрипичного концерта Берга силами оркестра MusicAeterna под управлением Теодора Курентзиса (при участии известной скрипачки Патриции Копачинской). В рамках мероприятия несколько человек получили от организаторов приятный «бонус» в виде посещения записи малеровской симфонии на студии.

Однако в целом программа московских гастролей лаборатории была посвящена не только музыке Малера и Берга, но и контексту вокруг них. Тем самым охватывалось большое количество исторических имен и фактов. Музыковед Ренате Старк-Войт, редактор «New Critical Edition», прочитала две лекции о Малере, одна из которых была посвящена замыслу, истории создания и структуре Первой симфонии, а другая – особенностям разных редакций сочинения, причем, с наглядной демонстрацией авторских примечаний и правок. Приятно, что в зале при этом находилась профессор МГК И. А. Барсова, как известно, ведущий малеровед: по словам зарубежной гостьи, зная о присутствии старшей коллеги, она готовилась к выступлению с особым волнением. Еще один разбор упомянутой малеровской симфонии представил дирижер Артем Абашев, который проиллюстрировал многие темы на рояле, стараясь как можно доступнее и проще объяснить концепцию каждой части.

Знакомство с творчеством Берга осуществила его исследователь, профессор Нижегородской консерватории Юлия Векслер. Театровед и музыкальный критик Алексей Парин, в свою очередь, рассказал слушателям о композиторах-дирижерах – Малере, Цемлинском, Стравинском и других. Отдельные встречи в рамках лаборатории были посвящены хореографии: специалист в этой области Ника Пархомовская устроила некий экскурс в историю танца, балетовед Вита Хлопова поведала о танцевальных спектаклях на музыку Малера, а хореограф Владимир Варнава провел целый мастер-класс, который плавно перетек в танцевальный перформанс с участием зрителей.

Обрамляли эти события публичные беседы в Москве и Санкт-Петербурге. В Шереметьевском дворце северной столицы состоялся диалог двух ярких художников нашего времени – режиссера Александра Сокурова и дирижера, художественного руководителя Пермского театра оперы и балета им. П. И. Чайковского Теодора Курентзиса. Философские взгляды обоих ораторов на многие эстетические понятия (красоту, жизнь, искусство), высказывания о кино, современной музыке – это и многое другое составляло суть увлекательного разговора.

Другую интереснейшую встречу Теодор Курентзис провел в Москве с композитором Леонидом Десятниковым. Мероприятие состоялось 13 ноября в итальянском дворике ГМИИ имени Пушкина, который едва вместил наплыв слушателей. Несмотря на большую задержку и проблемы с организацией, разговор прошел на одном дыхании, хотя, пожалуй, предназначался он скорее профессионалам, чем любителям музыки.

Прежде чем начать свой public-talk, Курентзис обратился к присутствующим с такими словами: «Я – не человек, который знает больше, чем вы. Я не уверен, что могу вам что-то передать. Но я убежден, что будущее музыки – не столько в развитии исполнительского мастерства, сколько в совершенствовании восприятия зрителя. Если сейчас я или Леонид Аркадьевич пять раз прослушал бы «Парсифаля» Вагнера, я нашел бы его местами интересным, но очень скучным. Но стоит нам начать это произведение учить, разбирать, входить в него, прожить с ним пару месяцев – и мы найдем к нему ключ».

По сути, Десятников весь вечер выступал в роли интервьюера, задавая вопросы, связанные с Первой симфонией Малера. Под пристальным взором статуи Давида Курентзис рассуждал о Малере как о своем современнике или, скорее, близком человеке – цитировал его письма, «вспоминал» его встречу с Бюловым, рассказывал о том, что после смерти композитора доктор Фрейд отправил счета за лечение его супруге Альме. Когда маэстро начинал «увлекаться» – например, объяснять тематические и мотивные связи между Первой симфонией Малера и Четвертой Бетховена – Десятников, с присущим ему остроумием, «возвращал» дирижера в реальность, отражавшуюся в глазах озадаченных и одновременно восхищенных лиц.

Наиболее вдохновенно Курентзис рассказывал о самой партитуре, не ограничиваясь музыковедческим анализом, а прибегая к своей художественной, метафорически-образной трактовке, которая органично дополнялась пением наиболее важных тем симфонии столь любимого им автора. По словам маэстро, он мечтал бы поговорить с композитором – о симфонии, о жизни, о любви: «Я счастлив, когда я – с Малером. Я словно прихожу к беседе с самим собой – к свободе…»

Надежда Травина, ответственный редактор «РМ»

Фото Александры Муравьевой

№9 (1347), декабрь 2017

В Малом зале 5 октября с большим успехом прошел авторский концерт доцента Данияра Дианова, приуроченный к 20-летию творческой и педагогической деятельности композитора и органиста. Несмотря на осеннее ненастье, на концерт пришли наиболее преданные слушатели – постоянные посетители консерваторских вечеров и поклонники Данияра Валиахметовича. Публика с радостью и воодушевлением принимала каждое сочинение.

Ирина Якубовская и Данияр Дианов

Как часто мы сталкиваемся с универсальным музыкантом – композитором, исполнителем и преподавателем в одном лице? Именно таким мастером является Д. Дианов. Ученик профессоров Н. Н. Гуреевой, В. Г. Агафонникова, Б. И. Куликова, он впитал в себя лучшие традиции Московской консерватории, основанные на преемственности опыта многих поколений. Он представил жанр органной токкаты в широком историческом диапазоне, инициировал серию концертов «Памятные даты», посвященных творчеству русских и западноевропейских авторов.

Обладая индивидуальным творческим почерком, Д. Дианов свободно работает в разных стилях, начиная от строгих барочных форм и заканчивая современными джазовыми композициями с использованием смелых гармонических последовательностей и сложных метроритмических сочетаний. Сонаты, фуги и токкаты, фантазии и вариации для органа, транскрипции сочинений Глинки и Алябьева, Танеева и Аренского, Рахманинова и Мусоргского, парафразы на темы Баха, Генделя, Шайдта, Брамса, Сати, Элгара, Гершвина, Хинастеры… кажется, для него, как композитора, нет ничего невозможного. Создание транскрипции для Дианова – это не столько возможность услышать любимое произведение в новом инструментальном составе, сколько стремление выявить его скрытые смыслы. В результате диалога с автором возникает своеобразное сотворчество, и часто от первоначального материала остается одна только тема, которая становится импульсом для всего последующего развития.

Обычно в концертах Данияра Дианова принимают участие его воспитанники – студенты консерватории. Они с готовностью разучивают произведения, написанные композитором специально к данному событию. Но в этот раз все выступление легло на плечи «виновника торжества». Три часа живой музыки! В исполнении Д. Дианова прозвучали сочинения С. Шайдта (Бергамаска), Э. Сати, А. Островского, авторские Соната № 3 («Романтическая»), Пассакалия, Сюита «Из времен Питера Брейгеля-старшего», Вариации на тему Генделя и свободные транскрипции произведений С. Танеева (Прелюдия фа минор, Элегия «Отдохновение», Andantino semplice) и Фантазия «Элегия» на темы романсов А. Аренского.

Соло органа освежили прекрасные дуэты с участием сопрано Ирины Якубовской (транскрипции сочинений А. Алябьева, П. Чайковского, Г. Форе, А. Дворжака), флейтистки Ангелины Антоновой (Вариации на тему А. Алябьева, транскрипция «Danza trigo» А. Хинастеры), альтиста Владимира Харатяна (Фантазия на темы А. Алябьева) и скрипачки Марины Шигановой (Поэма на тему З. Фибиха). Было заметно, с каким удовольствием ребята исполняли ансамбли: несомненно, на них повлияли и красота музыки, и пиетет перед автором, выступавшим вместе с ними в качестве аккомпаниатора.

Огромный вечер прошел на одном дыхании. Пожелаем Данияру Дианову новых премьер и концертов!

доцент С. В. Голубков

№9 (1347), декабрь 2017

Конкурс Московской консерватории на духовых и ударных инструментах уже стал традицией: в нынешнем году он прошёл в девятый раз. За истекшие годы исполнители на каждом духовом инструменте получили возможность дважды выйти на конкурсную сцену – других послушать и себя показать, не опасаясь затеряться в толпе пианистов и струнников. Состязания будущего года – для ударных и для духовых квинтетов – завершат второй цикл нашего, смею сказать, единственного подобного конкурса в России. Он уже хорошо известен среди наших коллег в стране и в мире (несмотря на это, СМИ, имеющие отношение к музыке, с завидным упорством все десять лет событие игнорируют).

Девятый конкурс проходил по специальностям «флейта» и «туба». В нем приняли участие 32 флейтиста и 20 тубистов. Жюри состояло из представителей России (Москва и Санкт-Петербург), Австрии, Норвегии, Великобритании, Португалии, Франции, Италии, Финляндии. Председателем жюри по специальности «флейта» стал главный дирижёр Ярославского губернаторского симфонического оркестра Мурад Аннамамедов, председателем жюри тубистов – композитор, профессор МГК Александр Чайковский.

Открыл конкурс в Малом зале ректор Московской консерватории А. С. Соколов, подчеркнув важность события для повышения профессионализма исполнителей и для расширения контактов с зарубежными коллегами. На концерте-открытии блестяще выступили многие члены жюри, зарубежные и российские, показав, к какому уровню должны стремиться участники грядущих соревнований.

Конкурс проходил по уже установившимся правилам, и потребности менять что-либо в его организации не возникло. Практика в очередной раз продемонстрировала логичность конкурсных Положений, оспаривать которые никто из членов жюри не стал. Подготовительная работа, проведённая Оргкомитетом и отделом фестивалей и конкурсов во главе с К. О. Бондурянской, позволила создать спокойную деловую обстановку, которая держалась от первого до последнего дня.

В конце августа состоялся конкурс на лучшее сочинение для инструмента solo по каждой специальности, которое является обязательным для исполнения на втором туре. Согласно регламенту, его длительность не должна превышать пяти – семи минут. Приятно удивило число сочинений, присланных в оргкомитет: 34 для флейты и 18 для тубы. В соответствии с Положением о конкурсе, композиторские работы были выставлены на обсуждение отборочной комиссии анонимно, что гарантировало объективность оценки.

Станислав Ярошевский

Затем обязательные сочинения были опубликованы на сайте конкурса ровно за два месяца до его начала. Авторов-победителей наградили денежными премиями, имена объявили в день публикации сочинений – 1 сентября. Ими оказались Максим Старшинов – с Pantomime для флейты и Никита Корнюшин с «Рапсодией» для тубы solo. После второго тура были названы и лучшие исполнители этих сочинений: Станислав Ярошевский (флейта) и Хлоя Хиггинс (туба).

В процессе конкурсных выступлений на второй тур прошли 50 процентов участников, на третий – пять флейтистов и четыре тубиста. Лучшими концертмейстерами после второго тура были объявлены Е. В. Комиссарова (у флейтистов) и Елена Тен (у тубистов).

Даниэль Барт

Третий тур проходил в Большом зале в сопровождении недавно созданного симфонического оркестра Тульской филармонии (Художественный руководитель – В. Лаврик). Испытание, которому подвергся этот новый коллектив, оказалось для него достаточно сложным. К сожалению, оркестр не справился с задачей, его аккомпанемент отнюдь не помогал финалистам. Ассистент главного дирижера Владислав Белоусов, которому доверили третий тур, явно не знал каденций солистов, в концерте Моцарта у флейтистов была слышна разница между оркестром и солистами, а в современных сочинениях обеих номинаций оркестр просто им мешал. Не могу понять, почему конкурс, проводимый Московской консерваторией, игнорируют наши, консерваторские, оркестры!

В номинации «флейта» из тридцати двух участников двадцать девять были представителями России. Среди пяти финалистов оказалась только одна иностранка, француженка Шарлотта Скои, уверенно лидировавшая в первые два тура, однако после «борьбы» с оркестром разделившая второе место с Александрой Зверевой.

Шарлотт Скои

Напротив, у тубистов только половина участников – отечественные музыканты. К сожалению, ни один из них не добрался до финала. Зато, начиная с концерта-открытия, где выступали члены жюри, и кончая финалом, мы услышали фейерверк этого совсем не концертного инструмента с виртуозностью, не уступавшей флейтистам. Это было несравнимо с уровнем наших участников! Видимо, прав был покойный А. Т. Скобелев, настаивавший на переходе этой специальности на инструменты другого строя (in F). Он дает возможность с потрясающей легкостью пользоваться верхним регистром тубы, значительно расширяя ее виртуозные возможности. В свободный от конкурса день член жюри, португальский тубист Сержиу Каролину, блистательно выступил в БЗК с Госоркестром, сыграв концерт для тубы с оркестром Ж. Сальгуэро.

Иностранные члены жюри отметили общий высокий уровень конкурса, что для некоторых из них оказалось неожиданностью. Не могу пройти мимо и интересного события, случившегося у нас впервые. Тубистка из Австралии Хлоя Хиггинс (учится в Бельгии), ставшая лучшей исполнительницей обязательного сочинения, к сожалению, играла на втором туре по нотам, нарушив Положение о конкурсе, и потому не была допущена в финал. Видимо, удивленные своей принципиальностью, члены жюри по собственной инициативе собрали деньги и вручили ей приз от имени жюри.

Лауреатами конкурса в номинации «флейта» стали Станислав Ярошевский (I премия, Россия), Шарлотт Скои    (II премия, Франция), Александра Зверева (II премия, Россия) и Елена Корень (III премия, Россия). Диплома удостоилась Мария Филиппова (Россия), призы – «Серебрянные головки» от фирмы «Song Flute Headjoint» – получили А. Зверева и Е. Корень. Не прошедшему в финал Алексею Романову из Нижнего Новгорода была вручена флейта «Yamaha».

Лауреаты конкурса в номинации «туба» – Даниэль Барт (I премия, Германия), Исмаэль Кантос (II премия, Испания), Томоки Нацумэ (II премия, Япония) и У Хо Такахиро Ким (III премия, Южная Корея), блестяще исполнивший концерт Г. Корчмаря наизусть.

Включенные в программу третьего тура концерты отечественных авторов – Г. Мая и Г. Корчмаря, – безусловно, расширили традиционный репертуар. Нельзя не отметить и некоторые сюрпризы. В концерте-открытии впервые в консерватории прозвучала серенада А. Фюрстенау для флейты, фагота, альта и гитары, рукопись которой обнаружили в архиве нашей библиотеки, за что отдельная благодарность директору архива Р. Трушковой и редактору С. Мовчану. Еще одним сюрпризом явилась премьера Сюиты для фагота и фортепиано А. Чайковского – своего рода приветственный жест в честь председателя жюри в номинации «Туба». В этих исполнениях приняли участие лауреаты наших прежних конкурсов. Подарком всем иностранным членам жюри стали две пьесы Д. Скарлатти в аранжировке для духовых Дмитрия Шостаковича, сыгранные профессорами и преподавателями оркестрового факультета консерватории…

Отдельную благодарность хотелось бы выразить Мураду Аннамамедову, не только заменившему директора Екатеринбургской филармонии, в последний момент отказавшегося приехать без объяснения причин, несмотря на прежние договоренности, но и учредившему для победителя ангажемент с Ярославским симфоническим оркестром. Мы приносим благодарность и нашим спонсорам – английской компании ВР, и, конечно, низкий поклон от духовиков учредителю конкурса – Московской консерватории.

профессор В. С. Попов, художественный руководитель конкурса

Фото студии «Камертон»

№9 (1347), декабрь 2017

1 декабря 2017 года не стало Владимира Владимировича Суханова. Утрата жесточайшая и абсолютно невосполнимая…

В класс профессора В.В. Суханова стремились попасть многие будущие хоровые дирижёры, а окончить Московскую консерваторию в качестве его ученика было несомненным знаком мастерства в профессии «дирижёра-хормейстера», именно поэтому многие из его воспитанников ныне занимают важные творческие позиции в искусстве.

Роль профессора В.В. Суханова, долгие годы возглавлявшего направление международного сотрудничества в Московской консерватории в ранге Проректора, а затем Начальника Управления – переоценить невозможно. Он был гением дипломатии. Возможность соприкоснуться с его необыкновенным природным даром переговорщика и дипломата – это исключительная Школа стойкости и умения в самых непростых ситуациях максимально продуктивно и настойчиво отстаивать интересы Российской Федерации в сфере образования и культуры, а также стратегических позиций Московской консерватории в рамках международного сотрудничества.

И так естественно, что в трудный для консерватории момент, когда ее ректор внезапно был назначен министром культуры страны, а нового руководителя еще не избрали, именно профессор В.В. Суханов возглавил коллектив, исполняя обязанности ректора Московской консерватории в течение почти двух лет.

Глубоко скорбим… Вечная память.

профессор А.В. Соловьёв

№9 (1347), декабрь 2017

Первый день зимы принес хоровому миру трагическое известие – от нас ушел профессор кафедры хорового дирижирования Владимир Владимирович Суханов. Много теплых слов с невыразимой болью утраты уже сказано друзьями и коллегами профессора. Но особенно светло звучат воспоминания его учеников.

С.В. Соловьёва, ассистент В.В. Суханова:

Мне посчастливилось почти 20 лет быть рядом с профессором. Невозможно поверить и осознать… Дорогой, бесконечно любимый Владимир Владимирович стал для всех нас родным человеком! Неимоверно жизнелюбивый, светлый, он сочетал в себе силу и уверенность, надёжность и ответственность, колоссальную работоспособность и бесконечную мудрость, оставаясь при этом скромным, добрым, дипломатичным, по отечески заботливым. Владимир Владимирович всегда был человеком и слова, и дела. Настоящий во всем: в профессии, в работе, в творчестве, в общении с коллегами и студентами, в отношении к семье, к детям и внукам. С огромной благодарностью и гордостью я буду хранить в душе самые тёплые и светлые воспоминания о наших встречах, общении, о наших уроках Жизни, Мудрости, Благородства!

Анастасия Полянина:

Единственный, дорогой, добрый, близкий, уважаемый, незаменимый, душевный, тонко чувствующий музыку и юмор, настоящий мужчина, кладезь знаний и энергии, прямой, правдивый и невероятно любимый всеми Учитель и Человек! Спасибо Вам за то, что всегда были открыты к современной музыке. Но когда дело касалось классики… Каждый студент вспомнит, как Вы пели лирические места и «раскрывали крылья». Я никогда и ни с кем так не смеялась, как с Вами. Многократно повторенные Вами слова, теперь они про Вас: «Когда рождается ребенок – весь мир радуется, один он плачет. А жить нужно так, чтобы, когда человек умирал – он один радовался, а весь мир плакал»…

Любовь Пивоварова:

Владимир Владимирович учил не просто хоровому делу, дирижированию – он учил жить в музыке, чувствовать ее всей душой, быть чутким к композиторской идее, к слову. Он учил нас быть честными и искренними людьми…

Роман Морозов:

Он был отличным музыкантом с огромным опытом и большими достижениями. Успешным дипломатом с прекрасной карьерой. Превосходным учителем, находившим подходы к любому человеку. Но для нас, его студентов, он был… вторым папой. Занятия всегда напоминали возвращение домой: было так же тепло, уютно и как-то по-родному. Невероятная атмосфера! Собираясь с друзьями летом в длительную поездку, я, как всегда, поделился планами с Владимиром Владимировичем. Он настолько загорелся нашим энтузиазмом, что посвятил несколько часов рассказам о культуре и истории Абхазии, о красотах и замечательных местах Крыма, об особенностях юга России. По приезде домой, я обещал показать ему фотографии нашего путешествия. Так случилось, что только 23 ноября выдался удобный момент и мы с профессором целый час рассматривали снимки. Он радовался, узнавая знакомые места, знакомые лица (в поездке мы встретились со многими выпускниками). А потом широко улыбнулся и ответил: «Очень хорошо, что ты показал их мне. Я словно снова попал в детство». На следующий день я видел профессора в последний раз… Владимир Владимирович был Человеком с большой буквы. Мы всегда знали, что он с пониманием выслушает и даст мудрый совет. Его поддержка в сложные моменты залечивала раны, его вера в людей рождала в них невероятные силы…

М.П. Бельская, концертмейстер класса:

Хорошо помню, как 23 года назад впервые пришла на работу в класс Владимира Владимировича. Он сразу показался человеком широкой души, добрым, чутким, искренним и поразительно неравнодушным. Один из главных его талантов – умение любить. Он любил жизнь во всех проявлениях, умел радоваться всем ее прекрасным дарам, любил природу, искусство, особенно, конечно, музыку, любил людей, учеников, свою профессию, родную Консерваторию, которой посвятил всю жизнь. В нашем классе царила чудесная, творческая, добрая, семейная атмосфера. Я всегда поражалась тому, с какой скрупулезностью, как детально он занимался со студентами первого курса. Отрабатывался каждый жест, каждый мотив, каждая интонация – и происходило чудо. Хаос нечетких движений, несоблюдение метрических и художественных указаний автора постепенно уступали место осмысленному профессиональному дирижированию. Самым большими недостатками студентов Владимир Владимирович считал равнодушие и формализм, а важнейшим качеством для него были самостоятельность мышления и творческий поход к произведению – он очень не любил, когда студенты ждали от него готовых «рецептов» дирижирования…

В одной из песен Владимира Высоцкого есть такие слова: «Я люблю – и, значит, я живу!». Жизнь Владимира Владимировича Суханова была наполнена любовью и, значит, была настоящей и счастливой. Вечная память дорогому человеку!

записала Ольга Ординарцева

№9 (1347), декабрь 2017

Для кафедры композиции МГК творческие встречи с коллегами из Санкт-Петербургской консерватории уже давно стали доброй традицией. Декан композиторского факультета, профессор А.А. Кобляков уделяет огромное внимание подобным контактам и старается создавать атмосферу сотрудничества своим деятельным участием и поддержкой. 3 октября в Концертном зале имени Н.Я. Мясковского состоялась встреча с замечательным композитором, музыковедом и разносторонним музыкантом, профессором Санкт-Петербургской консерватории Игорем Станиславовичем Воробьевым.

Формат мероприятия, названного «авторским вечером», можно по праву назвать именно встречей, поскольку на нем постоянно присутствовал диалог, живое общение с публикой. Помимо музыки, звучало слово – Арсения Тарковского и Бориса Пастернака, Экзюпери (в качестве текстов романсов и песен), собственные стихи разных лет, отрывки из воспоминаний о выдающихся учителях, ярких деятелях музыкальной культуры северной столицы.

Была представлена программа исключительно из вокальных сочинений, что позволило погрузиться в этот жанр, почувствовать всю его неповторимую специфику. Для композитора это, несомненно, проверка на профессионализм и чутье, которую Игорь Воробьев прошел блестяще. Публика буквально с замиранием сердца слушала каждое произведение, – будь то сложнейшая партитура циклов «Два стихотворения Тарковского» и «Зимние песни» на стихи Пастернака, или отрывки из только что завершенной песенной оперы «Маленький Принц», или «Пять романсов и Вокализ памяти Валерия Гаврилина».

В концерте приняли участие талантливые музыканты. Гости из Санкт-Петербурга – лауреат международных конкурсов Анна Смирнова (меццо-сопрано) и дипломант международного конкурса Анатолий Степанов (фортепиано), Даниил Орлов (фортепиано). От московской стороны выступили студенты консерватории Наталья Смирнова (сопрано), Алексей Шипунов (кларнет), Алла Колганова (сопрано), а также профессор Международной славянской академии Дмитрий Гриних (баритон).

Хочется отдельно отметить проникновенное исполнение и глубокую интерпретацию современной музыки Анной Смирновой, солисткой театра «Зазеркалье», выпускницей Уральской и Санкт-Петербургской (аспирантура) консерваторий. Обладательница уникального голоса и многочисленных наград, в том числе Первой премии международного вокального конкура «IBLA Grand Prize» (Италия, 2005), А. Смирнова активно сотрудничает с современными композиторами.

Большую помощь в подготовке концерта оказала профессор Московской консерватории М.И. Кравченко, которая с большим энтузиазмом отнеслась к творчеству Игоря Воробьева, продвигая новый репертуар в своем классе. Она стала активной участницей во время диалога композитора с публикой, как и профессор Е.С. Власова, присутствовавшая на этой встрече.

Авторский вечер Игоря Воробьева стал неординарным событием в жизни не только кафедры сочинения нашей консерватории, но и всей московской музыкальной жизни. Две столицы – Москва и Петербург – сегодня как никогда стремительно сближаются в общем ощущении единого и неразделимого культурного пространства. Как в стихотворении Иннокентия Анненского «Петербург»:

Желтый пар петербургской зимы,

Желтый снег, облипающий плиты…

Я не знаю, где вы и где мы,

Только знаю, что крепко мы слиты.

преподаватель М.В.  Воинова