№1 (1348), январь 2018

«Большая музыка для маленьких» – замечательное консерваторское начинание. Вот уже третий год подряд оно не перестает удивлять юных слушателей полетом своей фантазии, снова и снова отправляясь с ними в путешествие по разным уголкам Музыкального Королевства.

Проект в целом – настоящая находка для родителей, желающих неким образом приобщить своих чад к музыке. Программа каждого концерта рассчитана именно на детское восприятие и его ключевое качество – легкость и подвижность, поскольку совмещаются различные формы подачи информации. Оригинальное сочетание живой музыки, фрагментов из мультфильмов, сдобренных комментариями ведущих, их сопровождение в виде постоянного визуального ряда, рождают уникальное музыкально-словесно-изобразительное действо, способное привлечь и (что самое главное!) удержать внимание ребенка.

Есть и еще одна немаловажная особенность, выделяющая эти спектакли: организаторы дают детям возможность самим поучаствовать в исполнении музыки и почувствовать себя равноправными членами музыкального действа. Для этого специально приготовлены шумовые инструменты (бубны, мараки, бубенцы и др.), раздача которых неизменно вызывает ажиотаж у юной публики.

«Я считаю, что нельзя заставлять ребенка сидеть, слушать музыку и полагать, что этого достаточно для того, чтобы он ее полюбил, – размышляет автор проекта «Большой музыки для маленьких» К.О. Бондурянская. – Даже самая прекрасная музыка в какой-то момент все равно начнет тяготить ребенка: он захочет встать. И если при этом есть возможность продолжать слушать – это наиболее правильный для них формат музыкального выступления. Ребенок может начать двигаться вслед за пантомимой, постучать в шумовой инструмент. При этом он никому не мешает, потому что старается все делать ритмично. Кто-то сможет, кто-то нет, но стараются все!».

Первый спектакль подобного рода (посвященный музыке Моцарта) возник как единичная задумка, без какой-либо мысли о дальнейшем продолжении и развитии этой идеи. Но через два месяца на программу обратила внимание компания «Хендэ Мотор СНГ», которая захотела сделать нечто просветительски-образовательно-музыкальное именно для малышей и выступила попечителем проекта. Благодаря такой поддержке посещение музыкальных представлений остается совершенно бесплатным и требует лишь предварительной электронной регистрации.

Сейчас график выступлений музыкантов и лекторов очень насыщенный: если на первом году своей жизни эта своеобразная детская филармония поставляла для публики лишь один спектакль в месяц, то теперь фантазия авторов обеспечивает целых 32 программы за сезон.

2 декабря 2017 года в атриуме бизнес-центра «Siemens» в рамках проекта «Большая музыка для маленьких» прошло новое представление – «Рождество с Щелкунчиком». Это – миниатюрный театр, яркий и пестрый, с многочисленными переодеваниями и образными переменами, до предела насыщенный различными событиями. Вообразите себе сцену, на которой находятся музыканты и ведущий, и крохотное пространство перед ней, представляющее собой комнатку Мари: маленькую новогоднюю елочку, кресло и главного героя, расположившегося на нем – деревянную фигурку Щелкунчика.

Ведущие Александр Шляхов и Ксения Бондурянская гибко совмещали познавательные детали своего рассказа с интерактивными, постоянно поддерживая интерес слушателей. И даже здесь не обошлось без перевоплощений: А. Шляхов успел побывать и в роли рассказчика, и надеть напудренный парик господина Дроссельмейера, и станцевать вальс с Мари в образе расколдованного принца.

Особенно понравилась Екатерина Мышлянова, необычайно органично смотревшаяся в роли Мари. Миниатюрная, словно маленькая девочка, с живой мимикой, все движения которой так естественны, – каждое ее появление приводило детей в восторг. Фея Драже, арабский танец Кофе, и, наконец, Мари в шикарном платье принцессы – такая многоликость актрисы поразила даже взрослых.

Музыкальная часть спектакля представляет собой остроумную комбинацию из фрагментов балета в аранжировке для фортепиано, флейты, арфы и скрипки. Разнообразие состава инструментов, возможность непосредственно наблюдать за процессом игры на них, и главное – живость самих исполнителей заслуживает отдельных похвал. Особенно запомнилась Кристина Аванесян (скрипка), изображавшая злобный натиск Мышиной Королевы и напугавшая господина Дроссельмейера так, что тот вынужден был спрятаться от нее за пультом.

Финал представления был поистине фееричным: романтической кульминацией стало пылкое признание Щелкунчика в любви, выполненное, согласно всем канонам жанра, на одном колене, и плавно перешедшее в вальс. Новогоднее настроение поддержали бенгальские огни, переходящие от исполнителя к исполнителю, а также хлопушки – неизменная составляющая праздника. Дети смогли порезвиться с разноцветным серпантином, прыгая и разматывая его на свое усмотрение.

Еще одной всеобщей радостью стала сладкая посылка от Феи Драже: две корзинки с конфетами были мгновенно опустошены нескончаемым потоком маленьких рук.

Вообще же ни одно представление для малышей не может обойтись без комических эпизодов: непосредственность детского восприятия просто не позволит такому случиться. И вот, после печальной реплики Щелкунчика: «О, кто же сможет полюбить такое жалкое и некрасивое существо, как я?..» присутствующие с изумлением заметили, как одна детская фигурка отделилась от толпы и уверенно зашагала к креслу, где сидел несчастный Щелкунчик. Подумалось: «Вот оно – чистое сердце ребенка, способное показать миру силу Настоящего Чувства». Однако дитя, миновав Щелкунчика, направилось прямо под елку – исследовать лежавшие там подарки. Ну что же, любопытство – не порок. После нескольких «разведывательных экспедиций» подобного рода мама наконец взяла себя (и своего ребенка) в руки и удалилась из зала…

Неизменный аттракцион всех программ «Большой музыки» – возможность фотографироваться с исполнителями. Развеселившаяся ребятня рвется к единению с ними «в кадре», создавая вокруг события практически семейную атмосферу всеобщей любви и дружбы.

Для того, чтобы посмотреть представления «Большой музыки для маленьких», необязательно ездить в офисы компаний «Сименс» или «Хендэ»: еще одной традиционной площадкой для выступлений стал Рахманиновский зал, всегда гостеприимно открывающий свои двери для публики любого возраста.

Маргарита Попова,

менеджер отдела конкурсов, фестивалей и специальных мероприятий

№1 (1348), январь 2018

Весь 2017 год музыкальный мир отмечал 450-летие со дня рождения знаменитого итальянского композитора Клаудио Монтеверди, одного из основателей нового жанра музыкального театра – оперы и создателя величайших образцов – «Орфея», «Возвращения Улисса на родину» и «Коронации Поппеи». Московская консерватория также присоединилась к празднествам: 17 и 18 ноября в её стенах прошёл Международный научный семинар «450 лет Клаудио Монтеверди: Кремона. Мантуя. Венеция. Москва», организованный Студенческим научно-творческим обществом.

Слово «Москва» в названии семинара неслучайно: в тематике докладов фигурировали не только монтевердиевские места, но и наша столица, где в 1920-е годы был поставлен «Орфей» в редакции Джана Франческо Малипьеро. В семинаре приняли участие крупные специалисты в области старинной музыки – каждый из них прочёл полноценную лекцию (от часа до полутора).

Открыл заседание Р.А. Насонов, инициатор и вдохновитель «празднеств» Монтеверди, определивший своё выступление как презентацию и комментарий к недавно опубликованной статье в журнале «Научный вестник Московской консерватории»     (2017, №2). Он осветил современные версии истории создания «Вечерни Девы Марии» – главного духовного сочинения Монтеверди, история которого полна загадок. Исследователи придерживаются мнения, что предназначение «Вечерни» для исполнения в венецианском соборе Сан-Марко не более чем миф. Многие факты указывают на то, что «Вечерня» создавалась для Мантуи и несёт на себе отпечаток старинных мантуанских представлений о Непорочном зачатии Девы Марии (покровительницы города), о ее важной роли в Искуплении грехов и ее особой близости Пресвятой Троице, культ которой также развивался в Мантуе в период правления герцогов Гульельмо и Винченцо Гонзага. Р.А. Насонов заметил, что мантуанская традиция вероисповедания нашла отражение в особенностях драматургии и выборе духовных текстов «Вечерни». По его мнению, богословская концепция этого произведения сформировалась под влиянием церковных воззрений властителей мантуанского двора.

К. Ноговицына (Берн) рассмотрела соотношение текста и музыки в 7-й книге мадригалов, а также показала динамику развития светских вокальных жанров от Монтеверди к более поздним композиторам, включая Дж. Б. Марини и Дж. Роветту. Отдельное внимание исследовательница уделила терминологии Монтеверди, в частности, многообразию понятия concerto, впервые вынесенному композитором в заголовок книги мадригалов. Л.В. Кириллина рассказала о первой постановке «Орфея» в России в 1928 году. Опера была исполнена в Москве, в редакции Дж. Ф. Малипьеро, на русском языке. Аудиозаписи этой постановки не существует, но Л. В. Кириллина постаралась воссоздать впечатление о ней с помощью сохранившихся записей того времени. Выбранные ею примеры – студийная запись «Орфея» с участием певцов театра Ла Скала (1939) и записи арий Генделя – сейчас воспринимаются как некий курьёз (предельно медленные темпы и романтизированные интонации). Как далеко успело продвинуться исполнительство старинной музыки за прошедшие восемьдесят лет!

Особые гости семинара – профессор Лича Мари, итальянский музыковед, заместитель директора архива Мантуанской епархии, и Джулио Лометти, магистрант университета города Тренто – провели целую «экскурсию» по Мантуе и её достопримечательностям, по городу, где звучали знаменитые произведения Монтеверди. Джулио Лометти указал на возможные связи между эстетикой оперы «Орфей» и философскими тенденциями – мантуанской ветвью неоплатонизма, а также показал отсылки в драматургии «Орфея» к «Божественной комедии» Данте.

Лича Мари сопроводила свой доклад иллюстрированием уникальных документов – скрупулёзно собранных кратких свидетельств мантуанской жизни Монтеверди. Она «перенесла» слушателей в места исполнения духовной музыки в Мантуе – базилику Св. Варвары (вероятно, там исполнялась «Вечерня») и церковь Св. Андрея. Исследовательница также познакомила аудиторию с залами, где предположительно звучали светские произведения Монтеверди, и даже воспроизвела записанные именно в них вокальные сочинения. К сожалению, многие сведения утеряны, и о приблизительных координатах ученые могут лишь догадываться по обрывкам старых описаний.

Одним из значительных событий семинара стал концерт из сочинений Монтеверди и его современников. В первом отделении выступил ансамбль стариной музыки «La villa Barocca». Его основной состав – Анна Хазанова (меццо-сопрано), Анна Кучина (клавесин) и Екатерина Дрязжина (барочная флейта) – заметные фигуры в мире аутентичного исполнительства барочной музыки (кстати, выпускники Московской консерватории). Вместе с ними в концерте принимали участие Александр Гулин (виола да гамба, дискантовая виола), Надежда Бойко (сопрано), Юлия Меса Интриаго (лаверсная арфа), Ася Гречищева (лютня, теорба) и Анастасия Бондарева (вокал).

В тематических рамках семинара артисты ансамбля исполнили произведения раннего итальянского барокко – бессмертные вокальные и инструментальные опусы К. Монтеверди, Д. Фрескобальди, Д. Кастелло, А. Пиччинини, Б. Строцци и других знаменитых итальянцев в сопровождении оригинальных старинных музыкальных инструментов эпохи.

Живое общение с музыкой старых мастеров неизменно наводит на мысль о том, что без постоянного обращения к музыкальному наследию прошлого сложно приблизиться к пониманию искусства. В прозвучавших сочинениях скрывалось подлинно глубокое содержание, которое блестяще, с актерской филигранностью, в непринужденной импровизационной манере смогли передать артисты. Удивляет универсальность исполнителей, гармонично существующих не только в пространстве ансамблевых сцен, но и свободно переходящих к сольному высказыванию. В этой связи особенно хочется отметить высокое вокальное мастерство и драматический талант Анастасии Бондаревой, буквально очаровавшей слушателей во втором отделении концерта, особенно – исполнением на бис знаменитой арии Дидоны из оперы Г. Перселла «Дидона и Эней».

Нетрудно представить себе удивление многочисленных гостей концерта – а их, по скромным подсчетам, в уютном зале музея им. Н.Г. Рубинштейна собралось не менее ста человек! Они пришли на музыкальную «экзотику» четырехвековой давности, а нашли нечто совершенно современное: музыку, «говорящую» на понятном для них языке. В этом – непреходящее значение сочинений главного «виновника» прошедших торжеств – Клаудио Монтеверди. Его музыка сегодня живет не только на страницах объемных исследовательских трудов и становится предметом острых научных дискуссий, но и продолжает находить живой отклик у слушателей.

Анна Пастушкова, аспирантка ИТФ

Анастасия Хлюпина, студентка ИТФ

№1 (1348), январь 2018

14 декабря в Московской консерватории в рамках фестиваля «Запечатлённый ангел» прошла научная конференция «Родион Щедрин: 70 лет в музыке» (организаторы – профессор Е.С. Власова и профессор А.В. Соловьев). В ней приняли участие профессора, сотрудники и студенты Московской консерватории и Гнесинской академии, исследователи из Мариинского театра, Санкт-Петербургской и Нижегородской консерваторий, Уфимского института искусств, представители крупнейших отечественных архивов и Российского телевидения.

Необычным и запоминающимся стало открытие конференции в Рахманиновском зале. После традиционного приветственного слова ректора, профессора А.С. Соколова на сцену вышел Камерный хор во главе со своим художественным руководителем А.В. Соловьевым и исполнил новое произведение Щедрина, сочиненное за неделю до торжества – Две пословицы для хора «Сладок будешь – расклюют, горек будешь – расплюют» и «Богу не грешен, перед царем не виноват». На его титульном листе стоит посвящение: «Александру Соловьеву и его певцам». Глубина и философская направленность музыки, потрясающая акустика Рахманиновского зала, старательное исполнение с нервом и сосредоточенностью произвели огромное впечатление на слушателей и «задали тон» всей конференции.

Первым выступил с докладом В.Г. Тернявский (член Академии российского телевидения), хотя слово «доклад» кажется не очень уместным для данного случая – скорее это были воспоминания, содержавшие увлекательные рассказы о годах совместной учебы с Щедриным в ЦМШ и консерватории: «Сзади меня за партой сидел высокий, худющий, улыбчатый мальчишка, на лице которого была россыпь веснушек. Море обаяния! Его взгляд, да и вся фигура были словно готовы к очередной шалости. Глаза озорные и очень выразительные. Я ему понимающе кивнул. Он ответил. Вот и познакомились…» Валентин Григорьевич снял три фильма о Щедрине – фрагменты одного из них («Страсти по Щедрину» 2012 года) он и показал на конференции.

Три доклада были посвящены первой опере Щедрина «Не только любовь»: М.Н. Щербакова, И.С. Воробьев рассказали о жизни оперы в Мариинском театре и об ее петербургских премьерах; своими соображениями о концепции оперы поделился студент РАМ им. Гнесиных Сергей Буланов. Автору данных строк также посчастливилось выступить с докладом о неизвестной грани композиторского творчества Родиона Константиновича в драматическом театре.

Интересным и запоминающимся стал доклад О.А. Воробьевой о поздних фортепианных сочинениях Щедрина, который к тому же иллюстрировался за роялем. Своими впечатлениями от российской премьеры оперы «Лолита» на сцене Пермского театра поделилась С.М. Платонова, а О.В. Комарницкая посвятила свое выступление хоровой опере «Боярыня Морозова», многогранно раскрыв исторический облик главной героини.

Большое внимание уделялось вопросу хранения материалов Щедрина в московских фондах. И.В. Брежнева познакомила слушателей с его архивом в библиотеке Московской консерватории, Г.М. Малинина – с документами, хранящихся в фондах М. Плисецкой в РГАЛИ, И.В. Новичкова – с фондами Щедрина в ВМОМК им. М. И. Глинки. Е.Д. Кривицкая осветила публикации о Щедрине на страницах журнала «Музыкальная жизнь».

Р. А. Хананина и О. С. Алюшина обсуждали вопросы преподавания музыки Щедрина. Ольга Сергеевна предложила интересный подход изучения русской культуры иностранными учащимися сквозь призму его творчества. Римма Анатольевна рассказала о своём удачном опыте приобщения студентов со всего мира к музыке Родиона Константиновича, продемонстрировав отрывок из своего кинофильма «Стилизованные сцены русского фольклора в соединении с музыкой Щедрина».

Художественный руководитель Всероссийского музыкального фестиваля «Запечатлённый ангел» А.В. Соловьев также выступил с сообщением, рассказав о роли музыки Щедрина в репертуаре Камерного хора Московской консерватории, созданного большим другом композитора, профессором Б.Г. Тевлиным. А своеобразный портрет стиля «виновника торжества» предложила Е.С. Власова, один из крупнейших исследователей его творчества.

Особой, почетной гостьей конференции стала вдова поэта Андрея Вознесенского З.Б. Богуславская – известный критик, драматург, сценарист, писатель. Она поведала о дружбе «двух очень разных и очень одаренных с чертами гениальности художников, которые казалось бы ничего общего между собой не имели», специально подчеркнув: «Четырнадцать лет подряд мы встречали Новый год вчетвером». Теплые воспоминания Зои Борисовны органично вписались в рамки конференции и добавили новые яркие штрихи к образу композитора.

Ирина Поликарпова, студентка ИТФ

Фото Дениса Рылова

№1 (1348), январь 2018

Известная латинская пословица гласит: «когда говорят пушки – музы молчат». Однако она оказалась полностью опровергнута выступлением Молодежного симфонического оркестра Луганской академии культуры и искусств совместно с заслуженным артистом России, профессором Юрием Ткановым. Именно этот выдающийся альтист, многократно выступавший в Луганске, организовал приезд и выступление в Рахманиновском зале Московской консерватории оркестра под управлением заслуженного деятеля искусств Украины Сергея Йовсы.

Юрий Тканов и Сергей Йовса

Молодёжному оркестру Луганской академии уже второй десяток лет – его основали в 2004 году по инициативе профессора Е. Михалёвой. Репертуар (от классики до современности) растет от года к году – симфонии Гайдна, Бетховена, Дворжака, Чайковского, Шостаковича, Канчели, премьеры новых сочинений. Однако выступление в одном из лучших залов Москвы – высшая степень ответственности для музыкантов.

Концерт в Рахманиновском зале был воспринят публикой очень горячо. Провоцировала интересная программа – Симфония с солирующим альтом «Гарольд в Италии» Г.  Берлиоза, Концерт для альта с оркестром А. Эшпая, «Гершвин-фантазия» Ю. Тканова, в которой замечательный исполнитель (альтовая школа Борисовского-Дружинина!) демонстрировал свои безграничные возможности. Ведомый солистом и дирижером, молодой оркестр играл уверенно, увлеченно, ярко и точно, озвучивая весьма непростые партитуры.

Факт исторически известный – именно Гектор Берлиоз, гениальный знаток оркестра, обогатил его новыми тембрами. Он сочинил программную симфонию «Гарольд в Италии», где альт, как аналог низкого человеческого голоса, ведет свое повествование, начиная со сцен меланхолии, счастья и радости главного героя, к воспоминаниям в «Оргии разбойников», обобщающим его путь. Берлиозу, гению соединения инструментальных тембров, было важно не только провести слушателя по этапам жизни героя, но и доказать своим современникам первой трети    ХIХ века универсальность звуковой палитры альта как солирующего инструмента.

Юрий Тканов мастерски раскрыл весь тембровый арсенал инструмента. Отметим, что в звуковой реализации Симфонии «Гарольд в Италии» прекрасно проявил себя и Луганский молодежный оркестр – и по общему контакту с примариусом, и в различных ансамблях с альтом, и в эпизодах tutti. Создавалось впечатление, что оркестр сам составлен из солистов – безупречный строй деревянных и медных духовых, богатая динамическая и красочная шкала, настоящая художественная свобода!

Интересен и следующий программный выбор Ю. Тканова – Концерт для альта Андрея Эшпая. Композитор, подаривший каждому (!) из оркестровых инструментов свой сольный концертно-симфонический опус, в значительной степени расширил их репертуар, а в ряде случаев, как например, в Концерте для тубы с симфоническим оркестром, русско-марийский автор оказался в числе первопроходцев! Ю. Тканову удалось раскрыть удивительное многообразие в единстве этого яркого одночастного полотна. Особенно впечатлило звучание высокого «скрипичного» тембра у альта и превосходная, глубокая кантилена, приближенная к виолончельному колориту.

Блеснул Тканов и как композитор. Его «Гершвин-фантазия» мастерски сочетала «избранное» из знаковых сочинений Гершвина – «Рапсодии в стиле блюз» и фортепианного концерта. В калейдоскопе эпизодов, как бы Гершвин–карнавале, прекрасно прорисовывались разные тембровые маски и ситуации. Виртуозное и колористическое мастерство, свободная и вдохновенная игра органично сочетались со структурной стройностью, с опытом музыканта XXI века.

Это был настоящий успех. На «бис» сыграли две пьесы Мийо из «Скарамуша» в блистательной транскрипции Юрия Тканова, а публика все еще не хотела отпускать полюбившихся исполнителей.

Концерт стал ярким событием. Молодежный оркестр под руководством Сергея Йовсы доказал очевидную исполнительскую зрелость. Молодцы, луганчане! Так держать наперекор геополитическим катаклизмам!

профессор Е.Б.  Долинская

№1 (1348), январь 2018

Одним из значимых консерваторских событий ушедшего года стала творческая встреча с выдающимся польским композитором-авангардистом, пианистом Зыгмунтом Краузе. Она прошла 15 декабря в Конференц-зале при поддержке Польского культурного центра в Москве. Вел встречу профессор Варшавского университета Хероним Граля. Вечером того же дня в Международном союзе музыкальных деятелей состоялся незабываемый концерт, во время которого можно было непосредственно познакомиться с творчеством польского музыканта. Краузе исполнял не только произведения своих соотечественников – Ф. Шопена, К. Шимановского, И. Падеревского, но и собственные: Stone Music и Gloves Music.

Зыгмунт Краузе принадлежит к поколению всемирно известных польских композиторов, таких как Лютославский, Пендерецкий, Сероцкий. Из них он – самый молодой, замыкающий эту блестящую когорту. Уже в 1960-е годы Краузе смог показать свое новаторство: молодой автор стал сочинять «однородные» музыкальные произведения, в которых на первый взгляд ничего не происходит. Автор книги о нем И. Никольская считает эти сочинения предвестником американского минимализма. Таким образом, Краузе демонстрировал неприятие популярного на тот момент в Европе соноризма, противопоставив ему свой музыкальный унизм. Термин «унизм» композитор позаимствовал у польского художника Владислава Стшеминьского, чьи работы сильно повлияли на формирование индивидуального стиля Краузе.

В музыке часто происходит так, что молодые реформаторы со временем превращаются в солидных классиков. Но этого никак нельзя сказать о Краузе, поскольку вся его жизнь направлена на поиск новых идей. Композитор так говорит о своем творчестве и своей судьбе: «Я стараюсь всегда заниматься своим делом и не смотреть на то, что происходит вокруг. И говоря об авангарде, даже когда я был молодым человеком, авангардистом, я, прежде всего, смотрел на то, что у меня внутри, что я хочу сделать по-своему. Я думаю, что дорога композитора или любого творческого человека – это не только его личный путь, но также она сильно зависит от людей, которые его окружают. В большой степени это воля случая, как сложится жизнь. Просто случай, удача и счастье».

Зыгмунт Краузе – универсальный человек. Самобытный новатор, замечательный пианист, организатор музыкальной жизни, советник крупнейших музыковедческих учреждений и институтов, напарник Пьера Булеза, он – один из значимых мастеров оперного жанра. Именно Краузе и Пендерецкий в XX веке возродили польскую оперу. На встрече он рассказал о своих театральных сочинениях и показал фрагменты оперных постановок «Западня» и «Полиевкт».

Важным поводом для встречи с композитором послужил выход в свет книги Ирины Никольской «Зыгмунт Краузе и его музыка» на русском языке. Эта работа является первой в нашей стране монографией о выдающемся современном польском музыканте. Книга интересно построена: в первой главе подробно представлен обзор раннего творчества Краузе, а также опубликовано большое интервью с ним, помогающее лучше понять стилистические искания композитора. Вторая глава посвящена детальному анализу шести опер Краузе.

В обсуждении книги приняли участие известные российские музыковеды – Светлана Савенко, Левон Акопян и др. Восторженную оценку нового труда дала доктор искусствоведения Ольга Собакина: «Ближе познакомиться с творчеством пана Краузе – это, действительно, огромное событие для нашей музыки, и конечно, мы можем гордиться тем, что у нас вышла эта книга. Творчество композитора заслуживает пристального внимания, потому что в его музыке нашли индивидуальное претворение многие тенденции современного искусства…»

Наталия Рыжкова, студентка ИТФ

Фото Константина Маслова

№1 (1348), январь 2018

21 октября в Музее имени Н.Г. Рубинштейна состоялся вечер, посвящённый дню рождения Генриха Альбертовича Пахульского (1852–1921) – профессора Московской консерватории, пианиста и композитора, личности, представляющей значительный интерес в связи с изучением традиций московской композиторской школы и творческого окружения П.И. Чайковского, С.И. Танеева, Н.Г. Рубинштейна. Вечер прошел в форме лекции-концерта, который вела пианистка, кандидат искусствоведения, доцент Н.Б. Пушина.

Это уже не первое выступление Пушиной в нашем музее. Почти год назад она уже провела подобную встречу, где рассказала о своих открытиях, сделанных в процессе изучения биографии Пахульского и его фортепианного наследия, а также исполнила несколько фортепианных миниатюр композитора. Просветительскую деятельность бывшей ученицы поддержал своим присутствием и одобрительным словом проф. А.М. Меркулов, под руководством которого ещё в 2005 году Пушина защитила в Московской консерватории кандидатскую диссертацию о Пахульском. Руководство музея высказало пожелание продолжить такие выступления, тем более, что 2017 год является юбилейным для Г.А. Пахульского.

Многое было сказано о связях музыки Пахульского с произведениями его учителей, а также с творческим наследием Шумана. В исполнении пианистки прозвучали миниатюры и фрагменты Первой фортепианной сонаты композитора (последняя была написана чуть раньше Первой сонаты Скрябина). Затем лауреат международных конкурсов Максим Золотаренко и Наталия Пушина сыграли «Мелодию», «Фантастическую пьесу» и «Грустную песню» для виолончели и фортепиано ор. 4.

Наталия Пушина

В заключение вечера слушатели задавали вопросы, активно обменивались мнениями. Эта часть творческой встречи напоминала конференцию. Речь, в частности, зашла и об учениках Пахульского. В этом контексте оказалось уместным исполнение трех пьес для скрипки и виолончели Р.М. Глиэра, занимавшегося у Пахульского по классу обязательного фортепиано. Сочинения известного композитора исполнили выпускница Московской консерватории, лауреат международных конкурсов Анастасия Ведякова и Максим Золотаренко. Присутствовавший на вечере директор музея В.М. Стадниченко отметил высокую значимость бесед о малоизученных явлениях отечественной музыкальной культуры. Было высказано пожелание продолжить подобные встречи. В следующем году музей планирует провести совместно с Н.Б. Пушиной еще два вечера, посвящённых Пахульскому и его многочисленным творческим контактам с выдающимися современниками – профессорами Московской консерватории.

доцент Е.Л. Сафонова

№1 (1348), январь 2018

Если спросят:

В чем душа

Островов Японии?

В аромате горных вишен

На заре.

Много лет назад создатели фестиваля «Душа Японии», задумав приобщить широкую российскую общественность к духовной самобытности и сокровищам японской музыкальной культуры, позаимствовали его название из книги очерков «Душа Японии. Кокоро» Л. Хёрна, ирландско-американского писателя, навсегда связавшего свою судьбу с этой страной. «Кокоро» традиционно переводится с японского языка как «душа», однако имеет и другие значения – «смысл», «дух», «мужество», «чувство»… Каждый год многогранность этого понятия раскрывается перед российской публикой на концертах прекрасных японских исполнителей, носителей самых разнообразных традиций: придворной церемониальной музыки гагаку, эпических сказаний хэйкёку под аккомпанемент лютни бива, лирико-танцевальных песнопений нагаута театра кабуки, традиционных композиций дзиута для кото, сямисэна и сякухати… Год за годом мы пытаемся постичь душу далёкой страны, вслушиваясь в её необычную для нас музыку – то почти отталкивающую, то завораживающую…

Что же подарил нам 19-й международный музыкальный фестиваль «Душа Японии», проходивший с 7 сентября по 23 декабря 2017 года? Он открылся концертом «Самурай – борьба, печальное очарование и…» в исполнении наших давних друзей – ансамбля «Цуруги» в составе: Гото Кэйсэн, Мисава Мётэки, Фукуяма Корю. Публика от души наслаждалась традиционными воинскими искусствами владения мечом кэмбу и иайдо, показ которых сопровождался песнопениями гинъэй, повествующими о знаменитых сражениях и подвигах героев прошлых лет. Для мастера самурайских искусств г-жи Гото этот год юбилейный – исполнилось 15 лет её просветительской деятельности в России.

Все эти годы Гото-сэнсэй неуклонно выполняла однажды поставленную перед собой задачу – знакомство людей другой культуры с удивительным миром самурайских песен и танцев. Обладательница 7-го дана и титула сихан (мастер) в искусстве кэмбу и гинъэй по классификации Всеяпонской федерации, мастер 5-го дана (Никкэнрэн) и     4-го дана школы Тамия в искусстве виртуозного владения мечом иай, Гото-сэнсэй создала ансамбль самурайских танцев и песнопений «Цуруги», чтобы развивать эту старинную традицию у себя на родине и представлять её в других странах. За её плечами – десятки концертов, мастер-классов, семинаров, лекций-демонстраций, раскрывающих для жителей разных городов России своеобразие и красоту самурайских искусств. «Пока мы живы, мы будем к вам приезжать», – сказала Гото-сэнсэй в ответ на приглашение приехать в следующем году. Мы от души поздравляем г-жу Гото с юбилеем, восхищаемся её мужеством, мастерством и будем с нетерпением ждать новых проектов сэнсэя!

Самурайские песнопения гинъэй – лишь одна из множества вокальных традиций японской музыкальной культуры. В размышлениях об их бесконечном разнообразии родилась идея создать концертную программу, посвященную голосу в японской музыке. Солист московского театра «Геликон-опера» Николай Дорожкин и музыканты ансамбля японской музыки «Wa-On» Наталья Григорович, Наталья Голубинская и Велислава Холина представили на сцене Рахманиновского зала ретроспективу вокально-инструментальных композиций, созданных в разные периоды становления японской музыкальной культуры и принадлежащих к самым различным стилям и направлениям. От классической «Рокудан-но сирабэ» («Мелодии в шести частях») в неожиданном сочетании с григорианским хоралом «Credo» (по теории японского музыковеда Тацуо Манагавы, именно так исполнялся «Рокудан» в японских христианских храмах в далеком XVII веке), через полную очарования вокальную пьесу в сопровождении дуэта цитр кото в стиле дзиута «Цумигуса» («Собирая весенние травы») XIX века – к современным композициям крупнейших композиторов сокёку (музыка для кото) XX века Мияги Митио и Саваи Тадао.

 Во втором отделении концерта состоялась премьера сюиты московского композитора Олеси Ростовской «Пять стихий звука» для терменвокса, двух кото и фонограммы. Появление этого сочинения в программе неслучайно, ведь из всех инструментов именно звучание терменвокса максимально приближено к звучанию человеческого голоса. Сюита была написана специально для этого концерта и основана на концепции пяти стихий (Годайрин): Дерево, Огонь, Земля, Металл и Вода. Как говорит сама О. Ростовская, ей показалось интересным использовать в сочинении звуки, порождаемые самими стихиями: удары по дереву и скрипы досок, звук горения, звук окарины (глина, из которой изготовлены окарины – это кусочки земли), звуки металла (от там-тамов до молотков и ножниц), звуки воды. Композиция была исполнена в сопровождении демонстрации натурных съёмок, выполненных автором, и поразила слушателей глубиной замысла и красотой воплощения.

Традиционно ожидаемым явился концерт преподавателя класса игры на флейте сякухати Кохэя Симидзу в сопровождении его учеников, – солистов ансамбля японской музыки «Wa-On» и студентов класса игры на японских инструментах. Каждый год всё новые и новые музыканты постигают тайны игры на бамбуковой флейте под руководством Симидзу-сэнсэя. В этом году на концерте под названием «Тамагава» («Драгоценная река») прозвучали как уже известные московскому слушателю композиции, так и новые пьесы, сложно выстроенные, но чарующе прекрасные.

Каждый фестиваль дарит новые встречи, но несет в себе и печаль расставания. Нисимура Рэйтэй, замечательный молодой музыкант, блестящий исполнитель на сякухати школы Кинко, наш добрый друг, неожиданно и трагически покинул нас летом 2017-го года, но оставил о себе память как о вдохновителе идей небольшой группы музыкантов, собравшихся вокруг знаменитого исполнителя на сякухати с титулом «Нингэн кокухо» («Человек – Национальное Сокровище») Аоки Рэйбо и назвавших своё объединение «Ассоциация хогаку XXI века». Вот уже несколько лет эта дружная команда во главе с её президентом Нисимурой Рэйко (отцом Рэйтэя) приезжает на фестиваль «Душа Японии» и участвует в самых важных его событиях. Так, программой Ассоциации 7 сентября 2016 года открывалась серия юбилейных концертов в честь 150-летия Московской консерватории.

В каком бы составе ни приезжали ансамбли Ассоциации, их выступления отличает стойкая приверженность самым высоким принципам музыки хогаку (японской классической музыки), демонстрация самого сложного канонического репертуара, преподносимого в оригинальной форме, без скидок на его восприятие инокультурным слушателем. На концерте, посвященном памяти Нисимуры Рэйтэя мы с замиранием сердца слушали традиционные композиции для кото, сямисэна, сякухати в исполнении его родных и друзей – Нисимуры Рэйко, Ёкоты Рэйко, Куроды Рэйсона, Уэдзимы Ясуюки, Ёнэкавы Тосико, Камэгавы Тосисато… Прощанием с дорогим нам человеком прозвучала одна из самых печальных пьес дзиута – «Дзангэцу» («Предрассветная луна»). «За соснами на взморье пряталась, в открытом море навсегда пропала… Как быстро лунный свет покинул этот мир!»…

Но приходит новый день – и нас ждут новые встречи. В ноябре в исполнении молодых музыкантов Айко Таи, Госё Кинэя и Тосихиро Кинэя на сцене Рахманиновского зала предстали шедевры вокально-инструментальной музыки нагаута, погрузившие слушателей в атмосферу японского театра кабуки эпохи Эдо. А затем московская публика восторженно принимала песни, танцы и эпические сказания айну – народа с непростой историей, уходящей в глубокую древность. Новый для фестиваля вид традиционного музыкального искусства продемонстрировали молодые музыканты, сотрудники музея культуры айну «Поротокотан» (г. Сираои, о. Хоккайдо) Саяка Каваками и Хибики Ямамити, под руководством исследователя и музыканта Нобухико Тиба, который много лет занимается изучением культуры этого маленького самобытного народа. Слушатели концерта смогли не только насладиться звуками голосов и необычных музыкальных инструментов, но и потанцевать вместе с исполнителями, и выучить несколько слов на языке айну, который был близок к забвению, но в настоящее время возрождается к жизни, так же как и старинное музыкальное искусство.

Наконец, 23 декабря в день рождения Императора Японии Акихито, в Рахманиновском зале консерватории в качестве заключительного фестивального концерта была исполнена новая редакция оперы современного японского композитора Иссэя Цукамото «О-Нацу». В центре сюжета – повествование о трагической любви богатой красавицы О-Нацу и слуги её отца Сэйдзюро. Прекрасные голоса солистов – Ольги Веселовой, Константина Степанова, Светланы Соловьевой, Марии Челмакиной, Елены Либеровой, Андрея Архипова, подкреплённые звучанием инструментального ансамбля и Камерного хора Московской консерватории, рассказывали печальную историю, которая тут же оживала, нарисованная песком, на пяти больших экранах, установленных прямо на сцене.

Да, новое искусство песчаных картин, мастерски воплощённых в режиме реального времени художницей Александрой Басовой из драматического театра «Пески времени» под руководством Романа Ставровского, пришло в консерваторию и удивительным образом совпало по духу, по настроению, по глубине прочтения замысла японского композитора. От души благодарим музыкального руководителя и дирижёра Александра Соловьева, а также редактора японских текстов и педагога по их вокальному произнесению (заметим, что опера пелась не просто на японском языке, а на кансайском диалекте XVII века) г-жу Хитоми Сомату за доставленное удовольствие!

Грядёт юбилейный, 20-й фестиваль «Душа Японии». Год его проведения совпадает с Перекрёстным годом культур России и Японии. Решение было объявлено в декабре 2016 года во время визита президента России Владимира Путина в Японию. Будем ждать – может быть, нам удастся понять, в чём же душа Японии…

Н.Ф. Клобукова (Голубинская),

НТЦ «Музыкальные культуры мира»

Фото Даши Жигалиной