№ 7 (1336), октябрь 2016

Среди друзей, партнеров и спонсоров Московской консерватории, всячески помогавших ей в юбилейные дни, ярко выделилась «Галерея Михайлов». Ее вклад был видимым и впечатляющим.

«Галерея Михайлов. Русское ювелирное искусство и антиквариат» – группа компаний, представляющая работы современных российских ювелиров и богатую коллекцию антиквариата. «Галерея Михайлов» является постоянным участником многих международных культурных проектов, в том числе одной из немногих российских компаний, ежегодно представляющих Россию на международных выставках, таких как BASELWORLD, Inhorgenta Munich, ART MONACO.

Осознавая себя частью единого российского культурного пространства, «Галерея Михайлов» с особым почтением приняла предложение Московской консерватории стать Генеральным партнером юбилейного года и выступила разработчиком и создателем юбилейных наградных знаков для выдающихся музыкантов, являющихся золотым фондом российской культуры.

В течение первого юбилейного сезона ректор Московской консерватории А. С. Соколов лично на сцене Большого зала торжественно вручал серебряную с позолотой статуэтку – настольную ювелирную миниатюру «150 лет Московской консерватории», выполненную и переданную в дар консерватории «Галереей Михайлов», – выдающимся музыкантам, принявшим участие в благотворительных концертах в честь юбилея нашего прославленного вуза. Среди награжденных: Юрий Башмет, Борис Березовский, Валерий Гергиев, Хибла Герзмава, Александр Лазарев, Николай Луганский, Денис Мацуев, Геннадий Рождественский, Владимир Спиваков, Юрий Темирканов, Виктор Третьяков, Владимир Федосеев, Владимир Юровский.

А к самим праздничным дням «Галерея Михайлов» выполнила еще несколько важных заданий. Прежде всего, это Золотая медаль имени Н. Г. Рубинштейна, учрежденная Московской консерваторией в год 150-летия, которая будет ежегодно вручаться пяти выдающимся выпускникам консерватории, творческий путь которых составляет 50 и более лет.

12 сентября на расширенном заседании Ученого совета, публично, в Большом зале консерватории, ее торжественно вручили профессорам, выбранным тайным голосованием на Ученом совете, – М. С. Воскресенскому, С. Л. Доренскому, Е. М. Царевой, и, заочно, в связи с невозможностью по состоянию здоровья присутствовать на церемонии, Г. Н. Рождественскому и Н. Н. Шаховской. Так в юбилейные дни родилась новая традиция, у которой – большое будущее.

Другая творческая работа «Галереи Михайлов» – создание Серебряного знака отличия за служение Московской консерватории, также учрежденного к 150-летию консерватории. Он задуман как награда «работникам консерватории, посвятившим свой жизненный путь делу служения Московской консерватории». Торжественное вручение Серебряного знака 68-ми награжденным состоялось в Большом зале 13 сентября на общем праздничном собрании профессоров, преподавателей, студентов и сотрудников вуза. Награждение Серебряным знаком сопровождалось вручением именных серебряных часов, с выгравированной фамилией «виновника торжества» на обороте. Такая важная деталь фиксировала торжественный факт «навечно».

Московская консерватория с благодарностью приняла столь ценное партнерство. Ее сотрудничество с «Галереей Михайлов», их многоплановая совместная деятельность несомненно будут продолжены.

Положение о награждении
золотой медалью имени Н. Г. Рубинштейна
Золотая медаль имени Н. Г. Рубинштейна учреждается в год 150-летия Московской государственной консерватории имени П. И. Чайковского
Присуждается выдающимся выпускникам Московской Консерватории, творческий путь которых составляет 50 и более лет, которые внесли выдающийся вклад в развитие и сохранение отечественной художественной культуры, формирование молодого поколения артистов, а также за заслуги в педагогической деятельности, обеспечивающей получение обучающимися высококачественного высшего музыкального образования, в научно-методическом и методологическом совершенствовании образовательного процесса и образовательных стандартов, в создании инновационных учебно-методических пособий, программ и авторских методик, в подготовке и профессиональной переподготовке педагогических кадров, и получили широкое признание общественности и профессионального сообщества.
Медаль присуждается ежегодно в день рождения Московской консерватории 13 сентября, начиная с 2016 года.

Положение о награждении
серебряным знаком отличия
за служение Московской консерватории
Серебряный знак отличия, учреждается к 150-летию Московской государственной консерватории имени П. И. Чайковского
Присуждается работникам консерватории, посвятившим свой жизненный путь делу служения Московской консерватории, проработавшим в Консерватории 25 и более лет.
Серебряный знак вручается один раз – в день 150-летия Московской консерватории 13 сентября 2016 года.

Материал подготовлен с помощью
Отдела по информационной политике и рекламе МГК

№ 7 (1336), октябрь 2016

Уже шесть лет, начиная с 2010 года наступающий учебный год традиционно приветствует слушателей ярким и всегда уникальным по своему составу фестивалем – «Творческая молодежь Московской консерватории». В этом году сентябрьский фестиваль, конечно, был приурочен к главному событию года – юбилею Alma Mater.

С 1 по 24 сентября искушенная консерваторская публика посетила десять концертов, где получила замечательную возможность насладиться выступлениями молодых выпускников и студентов, многократных лауреатов международных конкурсов. Среди исполнителей, принявших участие в фестивале в этот раз – солисты Арсений Тарасевич-Николаев, Алексей Мельников, Дмитрий Майборода, Дарья Каменева, Даниил Коган, Леонид Железный, Степан Стариков, Анна Савкина, Елена Таросян, Елизавета Симоненко, Нина Куприянова, Татьяна Емельянова, Константин Сучков, Николай Ефремов, Наталья Кучина, Ирина Поливанова; и камерные ансамбли, возникшие в стенах консерватории: Полина Куликова и Екатерина Жемайтис (фортепианный дуэт), Александр Широков, Олег Гусев, Лидия Аристова (трио), и Владислав Паутов, Федор Безносиков, Арсений Безносиков (трио); Московский юношеский камерный оркестр под руководством Даяны Гофман, Ансамбль современной академической музыки «Mixtum Compositum» (художественный руководитель Д. Писаревский, дирижер С. Акимов).

Закрытие фестиваля в Рахманиновском зале (24 сентября) совпало с преддверием дня рождения Дмитрия Шостаковича, и программа вечера была полностью посвящена юбиляру. Как рассказал идейный вдохновитель и организатор вечера Д. Писаревский, эта программа, продуманная заранее, уже в процессе формирования концертного плана была включена в состав фестиваля. И это более, чем оправдано: все исполнители – выпускники и студенты консерватории, что отлично вписывалось в концепцию «Творческой молодежи».

Важной деталью заключительного фестивального концерта стало непосредственное общение Д. Писаревского с публикой. Он выступил в роли ведущего, представляя краткую аннотацию к каждому произведению. С ним мы потом обсудили и отдельные детали прошедшего музыкального праздника.
Торжественный вечер посетила семья Шостаковича – вдова композитора И. А. Шостакович, внук Дмитрий с детьми Митей и Алешей и внук Максим с женой Ксенией. «Ирине Антоновне очень понравился концерт и то, как составлена программа. Особенно она отметила “Сатиры”», – рассказывает Денис. Действительно, «Сатиры» на слова Саши Черного в исполнении Александры Коневой (сопрано) и Дениса Писаревского (фортепиано) оказались одной из вершин вечера: блестящее, полное артистизма исполнение, слаженный, прочувствованный до мельчайших подробностей дуэт… «Сатиры», безусловно, оставили ярчайшее впечатление!

Да и все, что звучало в этот вечер, захватывало и потрясало. Программа была составлена по принципу контрастов, и почти трехчасовой концерт пролетел на одном дыхании. Каждое отделение открывала фортепианная музыка, и единственное в концерте сочинение, не принадлежащее перу Шостаковича – фортепианная соната М. Вайнберга – в руках Михаила Бузина виртуозно заиграло насыщенными красками, и публика долго не отпускала пианиста.

Завершали отделения крупные ансамбли в исполнении солистов «Mixtum Compositum» под управлением Сергея Акимова. Очень выразительно прозвучали Октет и Квартет, джазовая сюита внесла в программу легкую танцевальную ноту. Но драматургическим центром всего концерта стал «Антиформалистический раек».

«Первое, что меня интересовало – это исполнение “Райка”. Вся остальная программа составлялась с учетом этого произведения», – рассказывает Денис. В его аранжировке сочинение прозвучало впервые при участии ансамбля («Mixtum Compositum»), смешанного хора (выпускники и студенты ДФ) и солистов: Евгения Шаченко (бас и ведущий) и Виталия Жданова (баритон – Единицын, Двойкин и Тройкин).

«Раек» звучал абсолютно по-новому, местами неожиданно, но это был настоящий Шостакович по смыслу, по духу. Благодаря артистизму и увлеченности участников, исполнение превратилось в эффектную театральную сценку, точно передающую сатирический замысел Шостаковича. Импровизированные танцы солистов в финале, актерская игра исполнителей, соло дирижера на балалайке, прекрасная аранжировка – вызвали бурную реакцию публики. «Раек» стал апофеозом концерта.

Оркестровка «Райка» вызывает особый интерес. В оригинале сочинение существует лишь в клавире. «Те оркестровки, которые я слышал, на мой субъективный взгляд не являются достаточно яркими и самостоятельными», – говорит Писаревский. И 24 сентября мы смогли услышать то, как Денис, молодой композитор, решил поставленную задачу: «Я не старался подражать оркестровке Шостаковича, хотя местами какие-то характерные моменты использовал – ксилофон, низкие тембры. Col legno в его партитурах нечасто встречается, но грех было этим не воспользоваться!» Интересной находкой стали включения новых цитат (Глинка, Чайковский, Римский-Корсаков, Бетховен и другие) – появляясь в соответствии с текстом, эти небольшие детали не только не нарушили музыкальную ткань, но усилили гротескное настроение, подчеркивая характерные черты музыки Шостаковича. «Добавляя все эти цитаты, я с большим уважением относился к авторскому тексту и не убрал ни одной ноты Шостаковича. То есть все цитаты звучат одновременно с его музыкой», – подчеркивает Писаревский.

Музыкальный вечер поставил не точку, не многоточие – восклицательный знак как окончание фестиваля! Пока в консерватории не иссякнут молодые, жадные до настоящего искусства музыканты, бережно хранящие связи с прошлым и смело идущие вперед, – она продолжит выпускать все новые и новые поколения по-настоящему творческой молодежи.

Ольга Ординарцева

№ 7 (1336), октябрь 2016

 Юбилейная неделя была отмечена не только официальными мероприятиями, в ее залах продолжалась интенсивная концертная жизнь. 12 сентября Рахманиновский зал представлял танцевальную и театральную музыку XVI-XVIII веков в концерте ФИСИИ, известного своими необычными проектами. Выступали студенты, аспиранты, выпускники и преподаватели этого факультета, возглавляемые его организатором и вдохновителем – профессором А. Б. Любимовым.

В первом отделении Ансамбль старинной музыки «Musica Tempora» (руководитель Д. Борковская) исполнял танцевальную музыку XVI века, почти реально перенося нас в атмосферу того времени. Танцы эпохи Возрождения представлял ансамбль «The Time of Dance» под руководством Н. Кайдановской, ставшей безусловно одной из главных героинь всего вечера. Андрей Андрианов, принимавший участие в танцевальной части концерта, исполнил также вокальную партию в balletto Орацио Векки «So Ben mi chi ha bon tempo».

Центром этой части вечера стала сюита танцев из «Королевы фей» Перселла в переложении для двух клавесинов Алексея Гроца. Только в завершающей ее чаконе к двум клавесинисткам – Дарье Борковской и Елизавете Миллер – присоединился весь ансамбль «Musica Tempora». Все звучало стильно, в духе эпохи, а временами даже зажигательно, как в завершавшей первое отделение «Caccia d’Amore “La Sirena”» Дж. Гастольди, так что захотелось присоединиться к танцующим на сцене. Но это была лишь «затравка» для публики…

Во втором отделении уже развернулось настоящее театральное действо: камерный оркестр ФИСИИ (дирижер – Максим Емельянычев) освободил сцену для актеров, заняв место внизу перед ней. И зазвучала мелодрама Иржи Антонина Бенды «Медея».

Жанр мелодрамы, приобретший популярность в последней трети XVIII века, возрождается в наши дни. И хотя создателем жанра называют Руссо с его «Пигмалионом», однако именно Бенда придал своим мелодрамам значение некоего единого музыкально-сценического произведения. Из трех наиболее известных его мелодрам, Бенда достигает наибольшей выразительности именно в «Медее». Текст одноактной пьесы принадлежит немецкому поэту Фридриху Вильгельму Готтеру (по Эврипиду), русский перевод специально для этой постановки выполнил Федор Сафронов.

Партитура «Медеи» – это не отдельные номера, а сквозное музыкальное действо, в каких-то случаях предвосхищающее оперные приемы более позднего времени. Ряд музыкальных тем и мотивов выполняют роль, аналогичную лейтмотивам в опере: например, вступительная – торжественно-мрачная, решительная, – звучит не только в начале и в конце пьесы, но и неоднократно на протяжении всего действия, выражая образ мести Медеи (причем в d-moll, связанном в оперной эстетике того времени с тональностью мести,). Музыка звучит от начала и до конца: это или текст на музыке, или самостоятельные инструментальные эпизоды более или менее развернутые, как, например, марш-шествие Язона и Креусы (вторая картина).

В свое время «Медея» Бенды и Готтера была необычайно популярна. После первого представления в Лейпциге (1 мая 1775 года), в том же в году она была поставлена в Готе, где работали и жили в то время оба автора, а затем в Альтенбурге, Дрездене, Гамбурге, Берлине, Франкфурте-на-Майне, Мангейме и т. д. Именно в последнем городе ее слышал Моцарт, который в письме отцу от 12 ноября 1778 года с восторгом отзывается о музыке: «…то, что я видел, была Медея Бенды – он сочинил еще одну, Ариадна на Наксосе, обе поистине – превосходны; вы знаете, что Бенда всегда был среди лютеранских капельмейстеров моим любимцем; я так люблю эти два произведения, что вожу их с собой…».
Создатели замечательного спектакля, показанного в Рахманиновском зале, обозначили его как «российскую премьеру». Но на самом деле «Медея» была поставлена еще в январе 1781 года в Петербурге на сцене Немецкого театра (История русской музыки в 10 томах. Т. 3. С. 385), а в 1802 году уже в Москве на сцене Петровского театра в переводе на русский язык С. Н. Сандунова (Там же. Т. 4. С. 366).

«Медея» ХХI века выглядела как вполне современный спектакль, где музыка (оркестр вполне справился со своими задачами, только временами звук его перекрывал речь), слово (понятное слушателю, сказанное на русском языке, лишь в кульминационный момент прозвучавшее на немецком), пластика (многое досказывающая, необычайно выразительная), сценическое оформление (очень сдержанное, выполненное в красно-белых тонах, алые костюмы артистов и белые полотнища, как задник) находились в единстве.

И поскольку это все-таки драматический спектакль, к постановке были привлечены московские актеры. Замечательно выглядела исполнительница центральной роли Медеи – Алина Чернобровкина, актриса театра «Школа драматического искусства», уже имеющая опыт создания трагических образов (Антигона в трагедии Софокла на сцене своего театра). Филипп Ситников (Язон) с Лесей Сулымой (Креуса) пластически очень ярко передали своеобразную сценическую ситуацию. Консультантом здесь выступил специалист по барочному жесту и интонации Джед Вент (США — Голландия).
Авторы спектакля несколько расширили роль Кормилицы (Екатерина Аликина), у Готтера это скорее гувернантка или воспитательница детей, появляющаяся только в четвертой сцене. Здесь же она предстает и как Геката, помогающая Медее принять решение. Сами дети, оба мальчика, оказались лишенными голоса, так как весьма остроумно были представлены в виде кукол, выполненных в тех же цветах, что и костюмы героев.

Спектакль оставил очень сильное впечатление. Сегодняшние благодарные слушатели вновь, уже в исторической перспективе, оправдали интерес к жанру мелодрамы, возникший еще в конце XVIII века.

Доцент С. Г. Мураталиева

№ 7 (1336), октябрь 2016

В рамках юбилейных торжеств прошла Международная научная конференция «Московская консерватория в прошлом, настоящем и будущем». В ней приняли участие как ведущие исследователи из разных стран, так и профессора, студенты и аспиранты консерватории. Тем обсуждения было много: деятельность консерватории на разных исторических этапах, ее воспитанники – композиторы и другие великие личности, научные и творческие школы, проблемы образования. О состоявшемся крупном событии рассказывает один из его организаторов, проректор по научной работе, профессор К. В. Зенкин:

– Константин Владимирович, у юбилейной конференции существовала какая-либо предыстория?

– Некоторая предыстория, действительно, была. Она заключалась в проведении двух крупнейших международных форумов – конгрессов Общества Теории Музыки. Первый из них проходил в 2013 году в Санкт-Петербурге, второй – год назад уже в нашей консерватории, причем тема второго конгресса была выбрана в преддверии главной юбилейной конференции. Она звучала так: «Школы и направления в композиторском, исполнительском и научном творчестве». Это явление до сих пор вызывает дискуссии и нуждается в теоретическом осмыслении. Тема школы была продолжена на только что прошедшей конференции уже с прицелом на Московскую консерваторию.

– Как проходила подготовка к этому мероприятию?

– Нужно сказать, что это событие побило все рекорды: изначально у нас было 110 участников. Для отбора заявок я пригласил Н. О. Власову (руководителя издательского центра), Р. А. Насонова (куратора студенческой секции) и других коллег. В целом эта конференция не состоялась бы без поддержки двух наших постоянных партнеров – Российского Гуманитарного Научного Фонда, который финансировал выступления российских участников, и компании British Petroleum, которая поддержала зарубежных.

– Какие цели были поставлены в ходе подготовки конференции?

– Мы не случайно назвали ее «Московская консерватория в прошлом, настоящем и будущем». Очень важно исследовать прошлое и с точки зрения истории, и с позиции его актуальности по сей день – иной раз, когда начинаешь знакомиться с тем, как было раньше, то удивляешься, настолько это по-прежнему интересно и важно. Что касается настоящего, это понятно – то, чем мы живем сейчас, наши проблемы. Но мы также думаем и о будущем, смотрим вперед. Единство всех трех времен – это как бы проекция развивающейся картины научной и исполнительской жизни консерватории.

– Расскажите, пожалуйста, поподробнее о тематических секциях, которые шли одновременно в разных классах.

– На мой взгляд, очень важная секция – «Московская консерватория – регионы России – зарубежные страны». Вспомним, что наше учебное заведение возникло в очень тесном контакте с зарубежными музыкантами и даже имелось опасение, что мы потеряем свою самобытность. Но история развеяла эти сомнения – наша русская специфика ничуть не пострадала. Наоборот! Тесные контакты с мировым содружеством как раз и дали проявиться национальной особенности. И вот эта установка консерватории была представлена в выступлениях музыковедов из Киева, Гонконга, Вены.

Другая секция – «Научные и творческие школы Московской консерватории» – продолжала идеи второго конгресса ОТМ. Здесь выступали не только наши докладчики с темами о знаменитых профессорах (например, Чайковский как теоретик, Рубинштейн – педагог), но и зарубежные коллеги, которые говорили о том, как воспринимается наследие русских ученых за границей.

Секция «Музыкальное образование вчера, сегодня, завтра» включала в себя вопросы преподавания сольфеджио, музыкально-теоретических дисциплин, критики, журналистики. Были также две юбилейных секции. Одна из них связана со 135-летием крупнейшего русского композитора Н. Я. Мясковского (здесь мне активно помогала профессор кафедры русской музыки Е. С. Власова), вторая была посвящена столетию философско-музыкального дебюта крупного ученого и философа А. Ф. Лосева, которую мы организовали в содружестве с библиотекой «Дом А. Ф. Лосева».

– На конференции была отдельная студенческая секция. Что Вы можете сказать о ней?

– Студенческая секция собрала много участников и прошла под эгидой нашего Студенческого научно-творческого общества. Доцент Р. А. Насонов, куратор СНТО, непосредственно занимался ее подготовкой. Выступления вызвали большой энтузиазм у публики, особенно у иностранных коллег. Несмотря на то, что это был последний день их пребывания в Москве, они с большим интересом слушали и задавали вопросы – меня это особенно порадовало.

– Помимо презентаций книг и сборников, в программу конференции также входили концерты консерваторского Центра электроакустической музыки. С чем была связана эта идея?

– Прежде всего, она связана с названием конференции, заключающим в себе ключевое слово – «будущее». ЦЭАМ – это крупный инновационный центр, которым руководит профессор И. Л. Кефалиди. Там работают исключительно одаренные творческие люди, и кроме того, он оснащен самой современной техникой – не у всех в Европе и Америке она есть. Тут можно поблагодарить наших спонсоров, западных коллег. Помимо этого, публика смогла познакомиться с деятельностью научно-творческого центра междисциплинарных исследований музыкального творчества (его возглавляет профессор А. А. Кобляков). Я читаю, это очень оживило программу.

– Подводя итоги конференции, можно ли сказать, что складывается традиция проведений подобных мероприятий?

– Традиция уже сложилась. Мы имеем громадный опыт, и он обязательно будет продолжен. Есть идея провести в 2019 году представительный международный форум, конгресс Euromac именно в Москве. Мы давно входим в ассоциацию европейских ОТМ и таким образом подхватим его деятельность. В целом, уровень нашей юбилейной конференции был достаточно высоким. Сейчас мы собираем материалы для публикации сборника и сможем все подытожить, проанализировать. И, естественно, будем двигаться дальше – к следующей конференции. Так что милости просим!

Беседовала Надежда Травина
Фото Дениса Рылова

№ 7 (1336), октябрь 2016

Субботним вечером, 3 сентября в Рахманиновском зале состоялся концерт, в котором прозвучали сочинения давних профессоров Московской консерватории, корифеев отечественной школы флейтового искусства: Владимира Цыбина (1877–1949), Николая Платонова (1894–1967) и их выдающегося предшественника Фердинанда Бюхнера (1825–1906), основателя российской флейтовой школы, 190-летию которого был посвящен этот музыкальный вечер. Едва ли не все сочинения уникальной программы, были в буквальном смысле реанимированы, возвращены в современную концертную практику флейтистом Сергеем Журавлем.

Нет нужды удивляться феноменальной музыкальной культуре профессоров, заложивших основы флейтового образования в столичной консерватории. Тот же Цыбин помимо специального инструментального класса закончил Санкт-Петербургскую консерваторию по сочинению у А. Глазунова, чтением оркестровых партитур занимался у А. Лядова, дирижированием (одновременно с Прокофьевым) – у Н. Черепнина. То же можно сказать и о Платонове, сочинительство которого было отнюдь не прикладным и сугубо дидактическим по своим задачам. Соната для флейты и фортепиано, созданная Платоновым в 1958 году, не издавалась. По авторской рукописи она была восстановлена и отредактирована С. Журавлем. Сочинение это, обладающее всеми свойствами подлинной поэтической самобытности, уверен, найдет достойное место в ряду шедевров жанра.

Настоящим и весьма интригующим открытием представленной программы стала российская премьера «Grand conсerto» для флейты с оркестром фа-минор самого Фердинанда Бюхнера в инструментально-драматической версии Валерия Кикты. Клавир концерта был опубликован издательством Peters еще в 1896 году, но ни в российских, ни в немецких архивах не удалось обнаружить оркестровой партитуры. Впервые С. Журавель исполнил это сочинение в сопровождении фортепиано на государственном экзамене в 2014 году. Присутствовавший на экзамене В. Кикта был, по его признанию, пленен «потаенной загадочностью» образной драматургии неординарного произведения.

Инструментуя клавир, автор знаменитых «Фресок», ни в чем не изменил себе, не отказался от свойственных ему способов тончайшего оркестрового живописания. И дело не в том, что три части циклической композиции получили «программные» названия, а в том, что в новой оркестровке сложная тектоника концерта обрела первозданное единство. В «зримой» оркестровой живописи с ее неповторимыми тембровыми «рифмами» и сквозным становлением общей палитры преодолена очевидная образная «раздробленность» исторического артефакта – В. Кикта вдохнул в дивертисментную конструкцию сочинения новую, по-настоящему симфоническую жизнь. Его оркестровка – образец филигранной работы во всем, а главное ее достоинство – образно-драматургическое единство композиции. Сомневаться в том, что у столь яркой «драматической версии» концерта Бюхнера судьба будет счастливой, не приходится.

Все участники концерта, а это помимо солиста Сергея Журавля, камерный состав симфонического оркестра радио «Орфей» (дирижер Сергей Кондрашев), пианистка Ирина Журавель, солисты «Conoro-Quintet» Федор Егоров, Илья Ярцев, Виктор Таран и Анастасия Батракова – продемонстрировали ансамблевое мастерство, высочайшие критерии которого и были определены авторами прозвучавших сочинений.
Меня не в первый раз удивляет и восхищает колористическая и динамическая многомерность флейтовой палитры С. Журавля. Отнюдь не многим современным музыкантам удается сочетать исключительную виртуозность с тем, что я бы назвал культурой инструментального интонирования. Тембровая фонетика музыканта заставляет в звучании его флейты отчетливо распознать воплощение весьма разнохарактерных голосов-образов – от нерукотворного человеческого до инструментальных (труба, валторна, кларнет, гобой, смычковые струнные, клавесин, арфа…). Объяснить столь уникальный феномен очень трудно, почти невозможно, но то, что он является драгоценной частью ансамблевой музыкальной культуры России нового времени – бесспорно.

В тот вечер высокое искусство С. Журавля стало музыкальным приношением первому профессору по классу флейты в Московской консерватории, достойной данью его памяти.

Профессор Юрий Абдоков

№ 6 (1335), сентябрь 2016

Фото Эмиля Матвеева

№ 6 (1335), сентябрь 2016

Парвин Бахмани

Ранним июльским утром в центре «Музыкальные культуры мира» Московской консерватории раздался телефонный звонок. «Салам! Собх-э шома бэхэйр! Хале шома четорид? Хастэ набашид…..», – сладкой патокой потекла персидская речь, заставляя слушающего судорожно перебирать в памяти всех знакомых иранских дам, которым мог бы принадлежать этот теплый хрипловатый голос. И вдруг: «Парвин! Ман-ам Парвин!» Бог мой! Да ведь это же Парвин Бахмани, человек-легенда, которую знает весь Восток и именем которой называются целые фестивали традиционной культуры! Чуть ранее, 28 июня она выступала вместе с другими иранскими поющими женщинами, в невероятной программе «Хранительницы», собравшей  представительниц разных этносов и регионов Ирана. Сила воздействия этой программы была необычайной. Россыпь самобытных, ярких традиций, подаренных нам в тот вечер удивительно талантливыми представительницами культуры Мазендарана, Керманшаха, Курдистана, Северного Хорасана, будоражила воображение, а главное – наводила на глубокие размышления о корнях нашей собственной культуры.

Парвин Бахмани

Здесь следует пояснить, что концерт «Хранительницы», о котором идет речь, проходил в рамках ставшего уже знаменитым международного музыкального фестиваля «Вселенная звука», проходящим в этом году уже в 14-й раз, а также был очередным этапом в развитии  деятельности центра «Музыкальные культуры мира» по изучению иранской музыкальной культуры. Вот уже несколько лет эта линия в работе Центра ведется под руководством уникального иранского специалиста Хосейна Нуршарга. Будучи блистательным певцом, носителем традиции классического иранского пения (аваза), Хосейн Нуршарг является также тонким знатоком своей культуры, умеющим установить контакты и найти пути к лучшим представителям самых разнообразных областей науки и творчества. За время своего сотрудничества с Московской консерваторией ему удалось привлечь в Москву таких видных ученых, как Хамидреза Ардалан, Мохаммадреза Дарвиши, Ардешир Салехпур, не только лично приезжавших на наши симпозиумы и круглые столы с докладами о музыкальных и театральных явлениях иранской культуры, но и привозивших с собой поистине редких исполнителей: 96-летнего курдского сказителя Хезера Гадергармави (в этом году отпраздновавшего свое 100-летие и снова рвущегося в полюбившуюся ему Московскую консерваторию), единственного знатока лакских погребальных песен Берагоджара Тахмасебьяна, дарвиша из ордена Ахл-е-хаг Араша Шахриари и многих, многих других.

Музыканты из Дагестана

В этом потоке иранских событий Московской консерватории были как «тихие» процессы, постоянная учебная и исследовательская работа (лекции, мастер-классы, творческие встречи, научные проекты), так и «громкие», вершинные явления, такие как показы театрализованных религиозных мистерий тазийе, повествующих о трагической участи потомков Пророка, как концерты-парады традиционных звуковых культур Ирана (концерт «Живые сокровища» в июне 2015 года, продемонстрировавший «мужские» песнопения и инструментальные жанры разных регионов Ирана и уже упомянутый «женский» концерт «Хранительницы»), а также блистательные выступления мастеров классической иранской музыки в Большом и Малом залах консерватории: Маджида Дэрахшани, Али Гамсари, Хале Сэйфизадэ и, конечно же, самого Хосейна Нуршарга. В конце августа этого года, в Концертном зале Международного союза музыкальных деятелей центр «Музыкальные культуры мира» показал еще одну необычную иранскую программу – выступление братьев-близнецов Али и Мохаммада Саиди и группы «Фераг» под руководством талантливого сантуриста Пежмана Эхтиари  И снова, несмотря на август, «мертвый сезон» в концертной жизни Москвы, зал был полон, и слушатели долго не расходились, выспрашивая музыкантов и организаторов о новых программах, о записях иранской музыки, о курсах по игре на иранских инструментах.

Наблюдая за тем, как все более и более заполняются концертные залы на выступлениях иранских музыкантов, невольно задаешься вопросом: почему эта музыка так волнует наши сердца, так манит нас в некие полузабытые, но явно родные звуковые миры? Никто из нас, живущих на просторах необъятной России и считающих себя россиянами, не может быть уверен в том, что доподлинно знает свои корни, свою родовую историю. Ясно одно, что принадлежность к индоевропейской языковой группе неизбежно роднит нас с иранской и индийской звуковыми культурами. Поэтому с таким успехом проходят иранские и индийские концерты.

Музыканты из Дагестана

Центр «Музыкальные культуры мира» летом 2016 года провел два больших фестиваля: 14-й «Вселенная звука» и 10-й «Собираем друзей». Это не только 26 разнообразных концертов, в которых приняли участие посланцы Албании, Армении, Болгарии, Индии, Ирана, Китая, Колумбии, Кореи, Македонии, Мексики, Туркмении, Японии, российских республик: Тывы и Дагестана, – но и параллельная познавательная деятельность, череда обучающих курсов. Ни для кого не секрет, что при Центре уже много лет существуют классы японской, китайской, индийской музыки, руководимые прославленными зарубежными музыкантами и их консерваторскими дипломированными воспитанниками. Но были и новые учебные циклы: теоретический курс иранского радифа, проведенный международно известным специалистом в этой области Дариушем Талаи и нашедший продолжение в практическом курсе игры на сетаре мастера Али Казэми, а также серия мастер-классов теории и практики североиндийской классической музыки известного исполнителя на сароде Атиша Мукхопадхьяя.

Что же заставило кашкайскую принцессу Парвин Бахмани, вернувшись домой после московского концерта, предпринять неведомые нам усилия, чтобы разыскать нужный номер телефона и выплеснуть на собеседника бурный поток дум и чувств, почерпнутых в ее непростом путешествии в Москву?

Ханум Бахмани горячо благодарила Россию, москвичей, людей, пришедших на концерт и с огромным вниманием слушавших песни ее народа. Она говорила о великом предназначении России, о глубоком уважении к нашей культуре. И главное – она узнала, что Московская консерватория празднует в этом году свое 150-летие, поэтому не могла не поздравить нас с этим грандиозным праздникам. «Я тяжело больна, – сказала, Парвин, – но у вас, в Москве я будто заново родилась. Бог видит вас и я буду много и долго его просить, чтобы он сопровождал Московскую консерваторию своей благостью на всем ее благородном пути.

Счастья вам и здоровья, дорогие люди Московской консерватории!»

Проф. М. И. Каратыгина

№ 6 (1335), сентябрь 2016

В зале им. Мясковского еще в марте состоялся Конкурс импровизации на музыкальную тему: двенадцать студентов разных факультетов МГК приняли участие в музыкальном соревновании, вот уже в который раз организованном Межфакультетской кафедрой фортепиано. Предложенные темы, напечатанные на листочках, лежали на рояле открыто, и каждый из участников мог выбрать то, что ему было ближе по материалу. Время, отведЕнное на ознакомление с темой, а это 5–10 минут, участники конкурса провели в классе, специально выделенном для этой цели.

Зал был заполнен теми, кто поддерживал участников, и теми, кто хотел услышать интересное музыкальное соревнование своих сокурсников и друзей. Жюри состояло из профессоров и преподавателей кафедры: В. Г. Агафонникова, А. М. Меркулова, Г. А. Файна, А. А. Вершинина, Р. Н. Кудоярова во главе с Е. С. Карпинской. В итоге три участника получили 1-е место, два – 2-е, три – 3-е, а остальные – дипломы.

Главное – все участники умели и хотели импровизировать. Это чувствовалось во всех выступлениях. Каждый показал то, что мог: прекрасное владение фортепиано, чувство формы и времени, что важно при решении такой задачи как создание музыкального произведения непосредственно во время исполнения. Приемы классического формообразования и изложения материала соседствовали с элементами джазовой импровизации и ритмики более современных направлений музыки.

Можно отличить выступления конкурсантов по яркости исполнения, разнообразию фактурных приЕмов, умению выстроить динамику композиции. Немногим удалось все, некоторые сосредоточили своЕ внимание на чем-то одном, например, на полифонии баховского типа, кто-то использовал рахманиновский стиль, кто-то фактуру рок музыки.

Все решения вызвали живой интерес у жюри и публики. Смелость, с которой конкурсанты выступали, создавая свои композиции в момент исполнения, вызывала чувство радости и уважения к ним. Было очевидно, что большинство из них практикует свободное музицирование в своей домашней работе, что, кстати, очень полезно для музыканта.

В некоторых выступлениях были заметны домашние заготовки, которые умело вплетались в канву конкурсной композиции. И это хорошо, потому что настоящим музыкантом можно считать того, кто не только играет чужую музыку по нотам, но умеет сочинять свои темы и композиции, делать оркестровку, аранжировку, импровизировать.

Конкурс импровизации на музыкальную тему – продолжение давней традиции Межфакультетской кафедры фортепиано. Эта традиция способна стать хорошим стимулом для молодых музыкантов расширить свои знания, умения и возможности.

Григорий Файн

№ 6 (1335), сентябрь 2016

2016 год – знаковый как для Московской консерватории, так и для ее младшего «коллеги» – Академического музыкального училища при МГК им. П. И. Чайковского. В этом году ему исполняется 125 лет со дня основания. И юбилейные торжества начались уже сейчас. Первый отчетный гала-концерт «Мерзляковки» состоялся 29 мая 2016 года в Большом зале Московской консерватории. Атмосферу незабываемого праздника создали учащиеся и знаменитые выпускники училища, весь вечер был насыщен яркими и оригинальными музыкальными номерами. О том, какие еще музыкальные сюрпризы ожидать от «Мерзляковки» в этом году, любезно согласился поделиться с читателями «Российского музыканта» директор училища Владимир Петрович Демидов:

– Здравствуйте, Владимир Петрович! Ваши впечатления о прошедшем концерте?

– В каждом концерте есть какие-то свои открытия и находки. Из всех концертов, которые я с небольшим перерывом на службу в армии посещаю с 1970 года, этот удивил меня своей собранностью, невероятной энергетикой, точностью выбора программы. Вообще все концерты этого года посвящены 125-летию «Мерзляковки». Это дань нашего уважения, любви и признания учебному заведению, которое нас воспитало и в котором многие из нас работают.

Майский концерт прошел на одной из самых лучших сцен мира – в Большом зале Московской консерватории. Я очень рад, что в концерте принял участие выпускник училища, выдающийся дирижер Владимир Юровский – во втором отделении под его управлением прозвучала пастораль «Искренность пастушки» из «Пиковой дамы» Чайковского. Был сыгран Первый фортепианный концерт Андрея Эшпая – дань памяти и уважения нашему замечательному выпускнику, одаренному человеку редкого, самобытного таланта. Осенью 2015 года, когда Андрею Яковлевичу исполнилось 90 лет, он, маститый композитор, обратился ко мне с интересным предложением: а нельзя ли исполнить его фортепианный концерт? Мы с огромным удовольствием согласились, и свое обещание сдержали. К сожалению, Андрей Яковлевич его не услышал. Исполнили концерт наш выпускник Андрей Романов и симфонический оркестр училища под управлением А. А. Левина – также нашего выпускника, потрясающего музыканта, заслуженного артиста России.

– Как формировалась такая разнообразная программа?

– Вообще, шла борьба за то, чтобы попасть в программу этого концерта. Многих наших исполнителей мы не могли включить из соображений временного регламента. Все солисты выступали только с оркестром или в контексте ансамбля. Участвовал даже ансамбль ударных (класс П. В. Демидова). В тот вечер прозвучали фортепианный септет Гуммеля (класс Т. Н. Голик); невероятное по экспрессии сочинение Арво Пярта «Fraters», его исполнили Надежда Солодухина, (класс скрипки проф. В. М. Иванова) и ансамбль солистов «Премьера» (художественный руководитель и дирижер Игорь Дронов); великолепный «Вальс» Равеля в авторской версии для двух ф-но в исполнении Никиты Каплунова и Анастасии Кузнецовой (класс Т. В. Директоренко). Даже духовой оркестр под управлением В. В. Юрковца зазвучал как большой и очень слаженный ансамбль. Они сыграли Этюд dis-moll Скрябина – знаменитое, чисто фортепианное сочинение, которое по аналогии с c- moll’ным этюдом Шопена также называют «Революционным». Эксперимент вполне удался! Духовой оркестр справился с изысканной скрябинской фактурой, исполнив сочинение ярко, мощно.

– Небольшой экскурс в историю развития Мерзляковского училища: расскажите, пожалуйста, нашим читателям о своих предшественниках на директорском посту…

– Для справки: «Мерзляковка» – это не учебное заведение имени Мерзлякова, а расположенное в Мерзляковском переулке музыкальное училище при Московской государственной консерватории (так оно стало называться в 30- е годы прошлого века в завершении процесса реорганизации музыкального образования в Советском союзе). Первое, самое значимое для нас событие – это открытие Валентиной Юрьевной Зограф-Плаксиной в 1891 году «Общедоступного музыкального училища». Тогда открывалось очень много музыкальных школ. Однако молодой, энергичной выпускнице Московской консерватории, ученице великого Танеева и Сафонова, удалось создать жизнеспособное учебное заведение. Проявив недюжинную организаторскую волю, она привлекла к работе превосходных специалистов. Здесь ведь работали и Б. Л. Яворский, и Г. Л. Катуар, и А. Б. Гольденвейзер, и знаменитый оперный певец В. С. Тютюнник, а среди учеников наряду с известными музыкантами была и Марина Цветаева. Здесь, кстати, в 1925 году, уже в советские времена, образовалось одно из первых в Москве теоретических отделений, где царили «Иосиф Прекрасный» (И. И. Дубовский) и «Князь Игорь» (И. В. Способин). Тут же учились знаменитые впоследствии теоретики и музыковеды В. В. Протопопов, И. Я. Рыжкин, Ю. В. Келдыш…

В 1929 году произошло слияние техникума имени братьев Рубинштейн (в прошлом Общедоступного училища Зограф-Плаксиной) и техникума имени Скрябина (в прошлом школы Селиванова). Вся дирекция во главе с Р. Л. Блюман перешла из техникума имени Скрябина. К сожалению, о Рахили Львовне сейчас немного подзабыли, а ведь ее деятельность директора (1929–1959) пришлась на сложнейшие годы. Именно в это время при ее непосредственном участии произошло окончательное формирование отечественной трехступенной системы музыкального образования – школа-училище-вуз. А скольким студентам и педагогам она помогла в годы Великой отечественной войны! А сколько усилий потребовалось ей, чтобы сохранить педагогический состав во время приснопамятного постановления ЦК 1948 года!

После Рахили Львовны некоторое время директором был виолончелист Стефан Тимофеевич Кальянов (1959–1961), ставший позднее проректором Московской консерватории. А в 1961 году у руля встала легендарная Лариса Леонидовна Артынова, руководившая училищем 40 лет (1961–2001). Она сумела присоединить еще одно здание, построила спортивный комплекс с бассейном, добилась установки двух органов и создания органного факультатива, но, главное, – постоянно генерировала мощный творческий импульс, необходимый для развития учебного заведения. Достижений при ней было много. Лариса Леонидовна была удивительно добрым и мудрым человеком.

– В своем вступительном слове 29 мая Вы сказали, что этот концерт – далеко не последний в текущем году. Какие еще торжества ожидаются в связи с юбилеем и когда именно?

– Пусть это будет сюрпризом – еще не все даты установлены. Скажу только, что в декабре должны состояться главные праздничные мероприятия, одно из них произойдет на сцене «Геликон-оперы». Мы с удовольствием увидим многих выпускников, гостей и друзей «Мерзляковки». Называть конкретные имена сейчас не буду, потому что все они люди очень занятые, связанные условиями контрактов. Все предложения мы рассмотрим на Совете училища.

– В заключение: Ваши пожелания для читателей «Российского музыканта», для Мерзляковского училища и для его старшей «коллеги» – Московской консерватории?

– В контексте торжеств, посвященных 150-летию Московской консерватории, училище будет принимать участие в концерте 14 сентября. Это будет приношением Alma Mater, из которой вышли почти все наши педагоги, включая и меня, грешного. Конечно, с консерваторией у нас самые близкие, родственные связи. Пожелать всем я могу только одного – творчества и радости!

Беседовала Мария Зачиняева
Фото В. Бычкова

№ 6 (1335), сентябрь 2016

2 июня в Большом зале завершился грандиозный юбилейный марафон уходившего сезона, в котором с консерваторскими оркестрами выступали звезды первой величины – Юрий Темирканов, Валерий Гергиев, Юрий Башмет, Владимир Спиваков, Владимир Федосеев, Александр Лазарев, а из солистов – Борис Березовский, Николай Луганский. Свои программы провели под флагом консерваторских абонементов Денис Мацуев и Хибла Герзмава… Большинство дирижёров склонялось к монографическим программам: Темирканов сделал приношение Прокофьеву, Спиваков – Бетховену, Башмет – Петру Ильичу и Александру Владимировичу Чайковским. 2 июня эту тенденцию продолжил Владимир Юровский в своём концерте, озаглавленном «Вперед, к Игорю Стравинскому».

Музыка этого «вечного авангардиста» звучит не так часто, как хотелось бы. Пожалуй, лишь некоторые балеты и оперы сохранились в репертуаре. Большинство слушателей и вовсе знают Стравинского только благодаря «Выплясыванию земли» из «Весны священной», а ведь это лишь одна из многочисленных страниц его наследия. Такую несправедливость Юровский постарался исправить.

В отличие от других концертов этого марафона, на вечере Стравинского выступил студенческий симфонический оркестр Консерватории, состоящий из ребят младших курсов (художественный руководитель Вячеслав Валеев). По этой причине В. Юровский поставил целью не только удовлетворить вкусы слушателей, но и дать своеобразный мастер-класс молодым оркестрантам, привить им любовь к этой музыке. Специально были выбраны ранние сочинения Стравинского «русского периода», не столь сложные по замыслу и исполнению, как поздние. Получилась своего рода хронологическая панорама наследия композитора, где можно было ясно увидеть эволюцию стиля.

В двух концертных пьесах – «Фантастическое скерцо» и «Фейерверк» – чувствовалось воздействие учителя Стравинского, Римского-Корсакова. Не претендуя на глубину содержания, они, тем не менее, завораживали слух разнообразием гармонии и инструментовки. Запомнилась колористичность образов и слаженная игра оркестрантов в обоих произведениях.

За ними последовали вокально-инструментальные сочинения, для исполнения которых был приглашён Камерный хор Московской консерватории (художественный руководитель Александр Соловьёв). «С Камерным хором Московской консерватории меня связывают многолетняя дружба и сотрудничество – поделился воспоминаниями маэстро Юровский. Еще при жизни его основателя Бориса Тевлина хор участвовал в ряде моих проектов, и я не мог не пригласить этот коллектив в нашу программу».

Мужская часть хора (усиленная певцами Хора студентов МГК) была задействована в кантате «Звездоликий» и произвела сильное впечатление идеальной артикуляцией мистического текста Константина Бальмонта. А женская группа прекрасно исполнила акаппельные «Подблюдные песни» – чистые, прозрачные голоса парили в акустике БЗК. Обоими сочинениями дирижировал В. Юровский, затем уступивший подиум А. Соловьёву, собравшему певцов воедино в «Трёх духовных хорах». Этому дирижеру также свойственны точность в деталях и тяготение к контрастной драматургии: хор продемонстрировал максимальную интенсивность в отображении эмоций от умиротворения до неистовства.

«Траурная ода» и «Симфонии духовых» – две композиции со схожим настроением: процессуально-медитативная музыка, чем-то напоминающая «Симфонию псалмов», но ещё более просветленная. Лёгко было бы увлечься «вслушиванием в тишину», однако В. Юровский не дал музыке застыть на месте, особенно в «Эклоге» с её фанфарными славильными призывами.

«Гвоздем» программы, безусловно, стал «Петрушка» (в редакции 1947 года – возможно, менее красочной, но более ясной). На репетициях, которые длились несколько дней, Юровским подчеркивалось, что каждый музыкант должен вести свою линию и одновременно слышать других. В некоторых случаях Стравинский намеренно чинит этому препятствия: например, в первых тактах композитором задуман тонкий прием – полиритмия, создающая эффект игры вразнобой, тогда как на самом деле всё аккуратно вписано в рамки неизменного размера. В целом музыка знаменитого русского балета прозвучала «зрелищно», все персонажи были хорошо слышны и даже легкий кикс тубы не внес особого диссонанса в эту ярмарочную суматоху.

На бис В. Юровский исполнил обработку народной песни «Эй, ухнем!», сделанную для меди и ударных Стравинским в революционном 1917 году (наверное, поэтому невинная трудовая песня звучала так грозно и сурово). Выбор биса не случаен: сам композитор помещал её в программы своих концертов в России 1960-х годов.

В заключение вечера ректор А.С. Соколов вручил Владимиру Юровскому памятный подарок, отметив его большой вклад в возрождение Госоркестра и работу со студенческими оркестрами Мерзляковского училища и консерватории. В свою очередь, маэстро пожелал Московской консерватории в юбилейный год «оставаться флагманом музыкальной культуры России и быть и в дальнейшем достойным членом мировой семьи консерваторий».

Михаил Кривицкий,
аспирант
Фото Дениса Рылова

№ 6 (1335), сентябрь 2016

9 июня в Большом зале консерватории состоялось крупное культурное событие – выступление оркестра Российско-немецкой музыкальной академии под руководством маэстро Валерия Гергиева. Деятельность Академии, о которой наша газета уже рассказывала своим читателям («РМ», 2015 № 2), способствует, по словам ее организаторов, «укреплению контактов между молодыми музыкантами и деятелями культуры России и Германии». Очередной диалог двух стран осуществили солисты оркестров Мариинского театра, Берлинской филармонии, Баварского радио и Гамбургской оперы, подготовив программу, которую они затем повторили 6 июля в Концертхаусе Берлина. Девизом этой программы стала триада: «слушать – понимать – объединять!».

В качестве представителя русской классической музыки был выбран юбиляр текущего года – Сергей Прокофьев, чьи сочинения Гергиев с успехом представлял на своем недавно прошедшем Пасхальном фестивале. В этот раз он вновь обратился к Третьему фортепианному концерту, а солистом выступил молодой пианист Бехзод Абдураимов. Интерпретация этого весьма популярного произведения вызвала неоднозначные реакции у слушателей. Обращала на себя внимание четкая дифференциация тембров оркестра, выразительность каждого инструмента, яркие контрасты между разделами и, наконец, настоящий прокофьевский задор и тонкий юмор, переходящий в иронию. Однако из-за чересчур быстрого темпа и лирические, и жанрово-танцевальные эпизоды были «на одно лицо» – складывалось ощущение некого бесконечного движения, perpetuum mobile, которое не нарушили даже аплодисменты между частями. По мнению газеты «Times», солист Абдураимов является мастером во всех смыслах, и именно это он пытался продемонстрировать своей игрой. Его исполнение сочетало в себе виртуозность и, одновременно, свободу, наиболее смело – в каденциях (особенно хорошо ему удавалось «спорить» с оркестром!). Публика долго не хотела отпускать пианиста, и  на «бис» он исполнил «Кампанеллу» Листа.

Симфоническая поэма «Жизнь героя» Рихарда Штрауса заняла все второе отделение и в данный вечер стала олицетворением немецкой музыки. Это масштабное произведение имеет автобиографический характер – известно, что под героем композитор подразумевал себя. Оркестр преподнес поэму в возвышенно-одухотворенном ключе, трактуя ее как исповедь одного человека. Все шесть эпизодов (герой, враги героя, подруга героя и т.д.) предстали перед слушателем единым целым – суровые темы сменяли лирические, отражая тем самым внутренний мир персонажа. Как и в случае с Прокофьевым, здесь слегка удивил выбранный темп – но в этот раз он оказался немного медленным и затруднял восприятие слушателей. Но это нисколько не нарушило стройность композиции и ее яркое оркестровое воплощение.

Однако кульминацией концерта (пусть и первым номером) стала российская премьера нового сочинения одного из наиболее известных современных российских композиторов, профессора Московской консерватории Владимира Тарнопольского. Пьеса под названием «Tabula Russia», написанная по заказу Роттердамского филармонического оркестра и посвященная В. Гергиеву, является фонетической и смысловой аллюзией на выражение tabula rasa. Композитор обратил идею античных восковых табличек (на них писали текст, предварительно убирая предыдущий) в философскую концепцию-размышление о судьбе России, которая, стремясь к идеальному существованию, всякий раз пишет собственную историю. В произведении можно обнаружить мотивы неумолимо движущегося времени – ретроспективу событий России, ярко и образно изображенную в оркестре. «Стержнем» и музыкального, и идейного развития стала аллюзия на звучание низкого колокола – не столько русского символа, сколько, по словам В. Тарнопольского, архетипа русского сознания. Стирание загадок прошлого обнаружило явление настоящего: сквозь сонорное звучание медленно проступила торжественно-ликующая quasi русская тема в духе Стравинского – с характерной попевочностью и подчеркнутым «удалым» ритмом. Постепенно теряя четкие формы и рассеиваясь на отдельные элементы, в самом конце пьесы она превратилась в восходящий мотив, замирающий в высоком регистре, подобно вопросу, оставшемуся без ответа. Каждое исполнение произведений В. Тарнопольского сопровождается неизменным успехом, что и подтвердил этот вечер. Публика стоя аплодировала композитору и оркестру, достойно выполнившему свою непростую задачу.

Несомненно, концерт Российско-немецкой музыкальной академии стал важным этапом взаимодействия двух великих культур. Музыка вновь объединяла людей вне зависимости от их национальности и даже политики. Высокий уровень исполнения показал, насколько важно молодежи находиться в постоянном контакте друг с другом, обмениваться опытом, разговаривать языком искусства, понятным в любой стране. И тогда «обнимутся миллионы»!

Надежда Травина,
студентка ИТФ
Фото Руслана Шамукова

№ 5 (1334), май 2016

А. Левин

В двух юбилейных концертных сезонах многим творческим коллективам консерватории выпал уникальный шанс выступить под управлением выдающихся отечественных дирижеров (Г. Рождественского, А. Лазарева, В. Федосеева, Ю. Темирканова, В. Гергиева, В. Юровского, В. Спивакова и др.) с участием прославленных солистов (Э. Вирсаладзе, Н. Гутман, М. Воскресенского, Ю. Башмета, Д. Крамера, Б. Березовского, Н. Луганского и др.). О работе над симфоническими концертными программами юбилейных сезонов мы поговорили с художественным руководителем Концертного симфонического оркестра и Симфонического оркестра студентов профессором А. А. Левиным.

— Анатолий Абрамович, два консерваторских коллектива, которыми Вы руководите, в этом сезоне принимают большое участие в серии благотворительных концертов к 150-летию консерватории. Как проходит подготовка?

— Безусловно, мы много репетируем. В подготовке участвуют студенты-дирижеры и аспиранты. В частности, к концерту, где дирижировал Владимир Спиваков, Седьмую симфонию Бетховена с оркестром репетировал студент-дипломник, потом это сочинение пойдет ему на диплом. Он честно заработал это право. Конечно, мы старались, чтобы к приходу маэстро все было хорошо подготовлено. Программу Геннадия Николаевича Рождественского из произведений Сибелиуса, 150-летие которого отмечалось в прошлом году, тоже готовили студенты, которые заблаговременно начали работу (это была их практика), а на заключительном этапе, перед приходом Геннадия Николаевича репетиции вел его аспирант Антон Шабуров.

— А репетиции с самими мэтрами?

Для молодых музыкантов общение с такими музыкантами как Рождественский, Темирканов, Спиваков – очень важно и очень полезно. Кстати, в исполнении Третьей симфонии Корндорфа студенческим оркестром под управлением Александра Лазарева, некоторые студенты отделения оперно-симфонического дирижирования участвовали в качестве исполнителей на клавишных инструментах, как и в концерте Ю. Х. Темирканова.

— То, что вы беретесь за исполнение столь непростых партитур, влияет на художественный уровень коллективов?

— Освоение новых, все более сложных произведений, преодоление профессиональных трудностей, безусловно, двигает вперед. Могу привести в качестве примера «Весну священную» Стравинского. К сожалению, это сочинение, как и многие произведения XX века, является и сегодня трудноисполнимой музыкой, «музыкой завтрашнего дня», а прошло уже 100 лет со дня его написания. И по идее оно должно быть «настольным» – не должно представлять особой трудности для исполнителей. Я поставил перед собой задачу освоить его со студентами. Была проделана огромная работа, мы занимались с каждой группой инструментов отдельно. Приходилось сидеть целыми днями, я брал класс в воскресенье с десяти до десяти, и это дало очень хороший результат: мы сыграли «Весну» со студентами (120 человек!) и не было ни одной подсадки профессиональных музыкантов.

А. Левин и К. Родин

Также огромную пользу принесло исполнение Третьей симфонии Николая Корндорфа. Ничего подобного по объему, масштабу, содержанию, по своей глубине им играть не приходилось. И надо сказать, что студенты были очень воодушевлены работой над этим сочинением, хотя для восприятия оно совсем не простое – 90 минут невероятно сложной музыки. Я считаю, что это было одно из самых значительных событий в концертной жизни Московской консерватории за многие годы, потому что и сочинение эпохальное, и беспрецедентный по количеству людей состав (на сцене было 230 человек артистов хора и оркестра), и все было исполнено силами студентов.

— Вы планируете включать в репертуар коллективов и другие современные партитуры?

— Хотелось бы. В 2007 году, когда исполнилось 60 лет со дня рождения Корндорфа, мы сыграли Четвертую симфонию. И тогда эта работа тоже вызвала у студентов интерес и воодушевление. Очень многоплановое произведение, трудное не только технически, но и с точки зрения выдержки и эмоционального напряжения. Тем не менее, они его выучили, и нам удалось его записать. Потом вышел диск, на котором Четвертая симфония звучит наряду с Концертино для альта. Так что Третья симфония Корндорфа – это уже второй случай на протяжении нескольких лет. Я бы очень хотел исполнять и Корндорфа, и других современных композиторов, потому что это необходимо. Существует очень много музыки высокого класса, которая не часто звучит в концертных залах, а некоторые произведения вообще рискуют пропасть, если их не играть.

— А сколько концертов в год сейчас исполняют оркестры?

— По-разному. Студенческий оркестр, в силу того, что у него есть учебный план, а у студентов много других предметов, репетирует только дважды в неделю, поэтому 4–6 выступлений в год – это оптимальное количество. Студенческие оркестры не должны выступать слишком часто, потому что к концертам необходимо очень тщательно готовиться. Частые выступления приводят к снижению качества.

7 апреля исполнилось 115 лет Большому залу, и оркестр студентов играл большую программу, которая была составлена в том числе из произведений, которые звучали в 1901 году на открытии Большого зала под управлением В. И. Сафонова, – увертюра к «Руслану и Людмиле» Глинки, «Франческа да Римини» Чайковского. И должен сказать, что оркестр справился с задачей очень хорошо.

У Концертного симфонического оркестра очень много концертов. Год на год не приходится, но в какие-то сезоны я насчитывал до 23 выступлений.

— Сезон продолжается, еще будут концерты…

К. Родин

— 27 мая Концертный симфонический оркестр будет исполнять программу-приношение Геннадию Николаевичу Рождественскому к его юбилею. В концерте будут принимать участие его ученики: Валерий Полянский, Вячеслав Валеев, аспирант Антон Шабуров и я. Программа была составлена самим Геннадием Николаевичем из произведений Римского-Корсакова, Равеля, Стравинского, Шабрие и Шостаковича.

— Не поделитесь секретами, что мы услышим в следующем году, потому что основные юбилейные события все-таки будут проходить в сентябре?

— 12 сентября Концертный оркестр будет исполнять Пятую симфонию Брукнера под управлением Г. Н. Рождественского – это будет проходить в рамках празднования 150-летия консерватории. У студенческого оркестра в следующем сезоне будет свой абонемент, как мне кажется, очень любопытный, в котором в качестве солистов выступят лауреаты конкурса «Щелкунчик». И поскольку это связано с балетом Чайковского, в каждом из концертов абонемента будут звучать фрагменты музыки балета. Будем знакомить молодую аудиторию с классическими образцами симфонической музыки.

— А какими событиями будет отмечен сезон Концертного оркестра?

— Мы будем играть с солистами-профессорами Московской консерватории. В этом абонементе участвуют Элисо Константиновна Вирсаладзе, Михаил Сергеевич Воскресенский и Владимир Павлович Овчинников. Будет исполнен Первый концерт Чайковского, Второй Бетховена, Четвертый Рахманинова и никем, кроме Воскресенского, не исполняемый концерт Танеева.

Планы у нас большие. В феврале 2017 года состоится фестиваль, посвященный К. М. фон Веберу. Кроме того, в наших планах мини-фестиваль, в котором будут участвовать молодые, но уже известные во всем мире, выпускники Московской консерватории. Инициатором фестиваля является Сергей Антонов. Он соберет музыкантов, которые помимо инструментального исполнительства профессионально занимаются дирижированием. И таких довольно много. У нас задуман концерт, в котором они будут попеременно выступать и в качестве солистов, и как дирижеры. Среди них будет и сам Антонов, и Валентин Урюпин, Антон Павловский и другие.

Следующий юбилейный сезон Московской консерватории будет очень насыщенным и интересным!

Беседовала О. Ю. Арделяну,
редактор «РМ»
Фото  с концерта 19 апреля предоставлены  ГКД