№ 7 (1318), октябрь 2014

Palmarium Academic Publishing
Saarbrücken, 2013

Актуальность книги Н. И. Кузнецова «Мамонтов, Шаляпин, Станиславский – реформаторы оперного искусства» находит  четкое обоснование:  восстановлена историческая справедливость по отношению к С. И. Мамонтову как к первому реформатору оперно-сценического искусства в  России.

Имя Мамонтова, как отмечает автор, до сих пор в подавляющем большинстве случаев упоминается как имя мецената. Имя Ф. И. Шаляпина прославляется как имя гениального исполнителя оперных партий. Единственным реформатором русского оперного сценического искусства в широких театральных кругах называется К. С. Станиславский. Работа Н. И. Кузнецова является первым опытом одновременного рассмотрения трех ключевых фигур русской оперно-театральной эстетики конца ХIХ – начала ХХ веков.

Исследование содержит оригинальный взгляд автора на оперную реформу этого периода. В его основе – серьезный подход к С. И. Мамонтову как режиссеру-постановщику, театральному педагогу и одному из инициаторов оперно-сценической реформы. Автор акцентирует значимость влияния личности и творчества Мамонтова на его учеников – Станиславского и Шаляпина. Он предлагает и всесторонне обосновывает новые хронологические и содержательные рамки реформы, называя выделяемые периоды именами их «руководителей», соответственно, – Мамонтовский (1885–1899), Шаляпинский (1899–1922), и оперно-студийный Станиславского (1918–1938).

В своей книге Н. И. Кузнецов убедительно доказывает принципиальную близость «системы Станиславского» и рабочих сценических терминов Ф. И. Шаляпина из его литературного наследия. Он рассматривает как сходство, так и отличия двух теоретических систем, приводит даже наглядную таблицу терминологических соответствий двух мастеров оперного театра. С моей точки зрения,  автору удается это сделать в значительной мере и благодаря тому, что его учителями  были выдающиеся российские театральные деятели М. О. Кнебель, Б. А. Покровский и немецкий профессор Вальтер Фельзенштейн.

Монография Н. И. Кузнецова «Мамонтов, Шаляпин, Станиславский – реформаторы оперного искусства» – захватывающее познавательное чтение. Оно адресовано в первую очередь оперным артистам, студентам консерваторий и широкому кругу читателей.

Профессор Е. М. Левашев

№ 7 (1318), октябрь 2014

Знакомя однажды Ростроповича с новым ярким сочинением одного из своих учеников, я, как это всегда бывало в общении с Мстиславом Леопольдовичем, получил неожиданный и очень полезный урок. Реакция музыканта на неординарный опус начинающего автора была такой: «Это гениально! Но что он будет делать дальше? Придется тебе с ним повозиться!..» Эта мысль заставила задуматься: а что такое талант в его творческом выражении?

Как мне теперь представляется, талант – это не только высокие природные дарования и способности сочетать их с безукоризненным профессионализмом. Есть нечто более сложное и важное. Если продолжить мысль Ростроповича, талант – это то, что будет дальше… Мой учитель – Борис Чайковский – пришел в музыку с врожденным стилем. Но кто сказал, что от этого проще и легче? Разве не приходится отстаивать и даже отвоевывать свой стиль у времени, текущей моды, главенствующей идеологии и оберегать его от  прочих превратностей судьбы? Обо всем этом я задумался после знакомства с новым монографическим диском одного из лучших флейтистов современной России – Сергея Журавля, изданного фирмой «RUSSIAN DISC».

Когда С. Журавель, будучи еще юным воспитанником Гнесинской школы, стал победителем международного форума «Одаренные дети», профессионалы и любители музыки, покоренные его неординарностью и яркостью, вправе были задаться вопросом – что будет дальше? А дальше был рост – репертуара, мастерства, профессиональной культуры. Не восхождение по карьерной лестнице бесчисленных соревнований, как это часто случается со «спортивной» молодежью в музыке (хотя побед на международных конкурсах у Журавля достаточно), но возрастание серьезного музыканта – столь же этическое, сколь и профессиональное.

Диск, созданный С. Журавлем в сотворчестве с Национальным камерным ансамблем «Киевские солисты» (дир. В. Сиренко), И. Журавель (фортепиано), Н. Шамеевой (арфа), И. Стародуб (клавесин) и К. Волостновым (орган), можно назвать настоящим шедевром звукозаписи. Я имею в виду, естественно, не только качество звукорежиссерской работы (впрочем, идеальной), а совершенство предложенных интерпретаций музыки, которая требует и профессионализма, и большой внутренней, духовной культуры.

Все представленные в записи опусы принадлежат перу Валерия Кикты. Собрание его флейтовых сочинений можно было бы, конечно, назвать своеобразной «энциклопедией» флейтового искусства, но это для тех, кого изощренность средств выразительности привлекает больше сокровенного смысла, явленного в строке и между строк прозрачных, утонченных и поэтически многомерных композиций В. Кикты. При всей виртуозности композиционных, темброво-колористических, интонационно-линеарных и фактурно-движенческих решений в музыке этого автора напрочь отсутствует то, чем по странному обстоянию гордятся некоторые современные композиторы – в ней нет псевдонаучной «лабораторной» дистилляции. В этой музыке много неба и воздуха. И это отнюдь не «кондиционированная» в акустическом отношении атмосфера, в ней не только безопасно, но и естественно дышать в полную силу.

Все это глубоко чувствуется и безукоризненно выражается Сергеем Журавлем. Его интерпретации сочинений Кикты заслуживают серьезного исследования. Чего стоит исполнение лишь «Волынских наигрышей» – концерта для четырех видов флейт, клавесина и струнного оркестра. Не секрет, что среди выдающихся флейтистов не много тех, кто одинаково совершенно владеет не столько даже техникой игры на весьма разнородных инструментах этого семейства, сколько способностью трактовать их как некий единый мега-инструмент. С. Журавлю это удается.

Мне представляется бессмысленным восторгаться фантастической виртуозностью Сергея Журавля, как чем-то неслыханным и диковинным. Она – естественная часть общей музыкальной культуры. С. Журавель и там, где исполняет головокружительные «ноты» и «пассажи», проявляет благородство тона, никогда не продает свое искусство на музыкальной ярмарке тщеславия. Это дорогого стоит.

Когда не стало одного из лучших наших флейтистов – А. Корнеева, я невольно задался вопросом: кто из современных музыкантов мог бы гипотетически повторить его подвиг, записав с Рихтером флейтовые сонаты Генделя? Тогда быстрого и однозначного ответа не нашлось. Сегодня он есть.

Увы, для российской публики почти незаметным стал и совсем недавний (в августе этого года) уход крупнейшего европейского музыканта эпохи – Франса Брюггена. Известно, что выдающийся дирижер-аутентист, создавший изумительные трактовки религиозной и светской, старинной и классической музыки, был едва ли не лучшим барочным флейтистом своего времени. Брюгген где-то заметил, что флейта научила его прислушиваться к вечности…

Я уверен, что в лице Сергея Журавля в исполнительское искусство России пришел не только большой музыкант, но и глубоко мыслящий человек, с нестяжательным, целомудренным отношением к искусству – музыкант, способный соизмерять в своем творчестве время и вечность, прошлое и будущее.

Профессор Ю. Б. Абдоков,
руководитель Международной творческой мастерской «Тerra Musika»

№ 7 (1318), октябрь 2014

«Всемирные хоровые встречи» – один из крупнейших международных конкурсов, организуемый Обществом «Интеркультура». Его также называют хоровой Олимпиадой. В 2014 году уже восьмой по счету музыкальный праздник высочайшего уровня состоялся в Риге – в этом году город эстафетно принял официальный статус культурной столицы Европы. Олимпийский форум, проводимый с 2000 года, в нынешнем году установил рекорд: в нем приняли участие 460 хоров из 73 стран мира, представляющих 5 континентов, в общей сложности 27 тысяч человек. Отстаивать честь Московской консерватории в Ригу отправился Камерный хор во главе с его художественным руководителем Александром Соловьевым. Из многочисленного и разнообразного репертуара были составлены три программы высокой сложности для участия в номинациях: «Смешанные камерные хоры», «Духовная музыка» и «Современная музыка».

На десять дней Рига стала международной хоровой столицей. Коллективы, прибывшие из разных уголков планеты, – Россия и Китай, Индонезия и Филиппины, США и ЮАР, Израиль и Чехия, Нигерия и многие другие – выступали, репетировали, отдыхали буквально повсюду. Латвийская столица погрузилась в атмосферу непрерывного хорового звучания. Пением были охвачены небольшие улочки старого города, на открытых площадках в парках можно было насладиться пением детских хоров.

В первый день пребывания в Риге был проведен парад всех хоров-участников, которые были выстроены по странам. Представляя Россию, мы были наполнены гордостью за свою Родину, давшую миру столько талантов. Большое количество участников обязывало к строгой дисциплине. Например, на акустическую репетицию организаторы отводили   10 минут с учетом выхода и ухода со сцены. И в данный отрезок времени важно было почувствовать акустику и проверить сценическое пространство.

Не часто удается выступать на прославленных сценах, где все  заранее предусмотрено для профессионального исполнения. Но еще реже выпадает случай исполнителю побывать в месте, где внутренняя атмосфера совпадает с внешним великолепием здания, с его историей, акустикой… Выступая в Домском соборе в номинации «Духовная хоровая музыка», мы ощутили невероятное чувство покоя и красоты происходящего… Исполнение партитуры Щедрина «Да святится Имя Твое» поразило жюри, особенно покорили русские басы и звучание на piano.

Программа в категории «Камерные смешанные хоры» включала произведения отечественных и зарубежных композиторов разных эпох. Кульминацией нашего выступления стала сценическая постановка «Либертанго» Астора Пьяццоллы с участием замечательного солиста Михаила Бурлакова.

Последнее выступление было одним из самых сложных. Современные произведения требовали большой концентрации внимания, психической и физической собранности, что не просто для певцов в ранние утренние часы. Но и это не стало преградой – с успехом было исполнено «Каприччио» Кузьмы Бодрова, написанное специально для восьмых «Всемирных хоровых встреч».

Камерный хор Московской консерватории в каждой из представленных номинаций стал обладателем золотой награды! Потрясающий результат – уникальный в своем роде «хет-трик» – свидетельство верного пути коллектива, достойно продолжающего дело своего основателя профессора Б. Г. Тевлина. Победа на хоровой Олимпиаде в Риге еще раз подтвердила универсальность Камерного хора МГК, его готовность идти на новые эксперименты, не забывая классики.

Мария Челмакина,
хормейстер Камерного хора,

Катерина Соколова,
студентка II курса КФ

№ 7 (1318), октябрь 2014

16 сентября в 17.00 на овальной площади перед памятником П. И. Чайковского возле Московской консерватории стартовала уникальная акция. К 70-летию профессора А. Б. Любимова впервые в России исполнялась фортепианная пьеса Эрика Сати «Неприятности». Это небольшое, но крайне однообразное по звучанию произведение, в конце которого композитор поставил авторскую ремарку: пианисту необходимо сыграть ее «840 раз подряд, по желанию, но не больше». В соответствии с этим условием, продолжительность исполнения может колебаться от двенадцати до двадцати четырех часов…

Название акции – «Меблировочный марафон» – отсылало к началу XX века, к так называемой «Меблированной музыке», направлению, которое создал Эрик Сати в 1914–1916 годах. Участниками марафона стали ученики и друзья Алексея Борисовича. Они не только организовали установку рояля и звукового оборудования на площади перед Московской консерваторией, но и в течение 24 часов, сменяя друг друга как на эстафете, исполняли пьесу Сати. Среди пианистов-энтузиастов были: Алексей Любимов, Сергей Каспров, Алексей Зуев, Елизавета Миллер, Юлия Успенская, Алексей Шевченко, Владимир Гринденко, Владимир Иванов, Ольга Пащенко, Анастасия Гришутина, Дарья Редина, София Решетникова, Алексей Гроц, Петр Айду, Михаил Дубов, Иван Соколов, Дмитрий Оводов, Елена Двоскина…

Пьеса «Неприятности» была написана Сати в 1893 году и практически на 70 лет предвосхитила минимализм. Однако настоящую популярность она приобрела лишь с 1963 года, после того как Джон Кейдж открыл ее всему миру. С тех пор во многих странах проходили подобные марафоны, в которых пианисты друг за другом исполняли «Меблировочную пьесу». В зависимости от взятого темпа она могла звучать вплоть до суток, поскольку основным принципом ее развития является непроизвольная повторяемость звуковых ячеек неограниченное число раз.

…В холодный осенний вечер на улице возле Московской консерватории сотни людей стали свидетелями знаменательного события в музыкальной жизни столицы. Кто-то пришел на марафон целенаправленно, а кто-то не остался равнодушным, проходя мимо. Акция состоялась именно в день рождения Народного артиста России А. Б. Любимова, причем одновременно с посвященным ему праздничным концертом в Рахманиновском зале. Так блестяще и оригинально завершился фестиваль под названием «Алексей Любимов в кругу друзей».

Анжелика Козедуб,
студентка ИТФ
Фото Ольги Пащенко

№ 7 (1318), октябрь 2014

Алексею Любимову 70 лет! Можно ли в это поверить? Нет, конечно. Он летает по консерватории с юношеской легкостью. Его образ жизни – репетиции, занятия, гастроли, фестивали, концерты… Он, по его же словам, живет в самолете, дни и часы его расписаны далеко вперед. И при этом он успевает отслеживать все главные культурные события, происходящие в мире…

Народный артист России, профессор Московской консерватории, солист Московской филармонии, профессор университета «Моzarteum» в Зальцбурге. Участник фестивалей старинной музыки в Утрехте, фестиваля Баха в Лейпциге, «Mostly Mozart» в Нью-Йорке, Шлезвиг-Гольштейне, дворцовых фестивалей в Сансуси, Потсдаме, Людвигсбурге… Как авангардный пианист – участник фестивалей современной музыки в Риге, Таллине, Ленинграде, Новосибирске, Варшаве, Берлине, Виита-Саари, Локкенхаузе… Организатор и художественный руководитель фестиваля современной музыки «Альтернатива» (1988–1991)… Играл под управлением К. Кондрашина, Д. Ойстраха, Н. Рахлина, Г. Рождественского, М. Плетнева, В. Ашкенази, Ф. Брюггена, М. Яновского, Р. Норрингтона, Э. П. Салонена, К. Хогвуда, В. Юровского…

Неудивительно, что состоявшийся в сентябре фестиваль в честь музыканта назывался «Алексей Любимов в кругу друзей». Его организовали ученики Любимова, бывшие и теперешние, – настоящие сподвижники и продолжатели его идеи исполнительства музыки всех времен. Они показали, что музыка разных эпох и стилей – вся принадлежит сегодняшнему дню и отражает самую суть современной культуры.

Соединение старой и новой музыки – для А. Любимова вопрос мировоззренческий. Аннотация к одному из организованных им концертов красноречиво характеризует его кредо: «Нас не удовлетворяет какая-либо одна узкопрофессиональная сторона исполнительства. Окруженные и потрясенные необъятным миром музыки, созданной вчера и сегодня, на востоке и на западе, мы хотим хотя бы часть наших чувств передать слушателям с помощью наших способностей, инструментов и новейшей техники. В наших программах на равных правах встречаются орган и африканские ударные, средневековый псалтериум и электрогитара, азиатский чанг и виола да гамба. Нас не смущает сочетание старинного консорта, электронной аппаратуры, камерного оркестра, ансамбля народных инструментов разных стран, элементов театральной зрелищности. Мы хотим выявить линии внутреннего сходства при внешнем контрасте и дать слушателям пищу для размышлений о судьбах музыки».

В его программах, которые он не просто играет – конструирует, и которыми вообще так славны концерты А. Любимова, проявляется его исполнительская природа музыканта-мыслителя. Программы Любимова – в буквальном смысле авторские опусы, сыгранная в них музыка разных стилей, времен и культур в сочетании обретает новый смысл. Помнятся его программы 70-х годов, например, «Музыка Востока в современном советском и зарубежном музыкальном искусстве», составленная из сочинений Дебюсси, Кейджа, Штокхаузена, Мартынова и традиционной музыки Японии, Индии, Индонезии, Африки. Или программы 90-х: «Новые платья господина Баха», где музыка Баха фигурировала в качестве cantus firmus в обработках композиторов XIX–ХХ веков; или «Концерт для подготовленного фортепиано и неподготовленной публики, и наоборот» с Кейджем, Сильвестровым, Мансуряном, Ф. Э. Бахом…

Фестиваль «Алексей Любимов в кругу друзей» отразил не просто эту сферу интересов музыканта, но саму философию его просветительства. И круг его друзей оказался весьма обширным.

«Первые выпускники класса А. Б. Любимова» – так назывался концерт, открывавший фестиваль, который провели Ольга Андрющенко и Сергей Каспров (оба – фортепиано). За ними последовали совершавшие «Путешествие сквозь века» (второй день) Дарья Борковская, Владимир Иванов, Алексей Гроц, Алексей Шевченко, Мария Успенская (клавесин, хаммерклавир, тангентклавир, рояль «Блютнер»), Анатолий Гринденко (виола да гамба). А далее к ним присоединились путешествующие в веках вместе с «Моцартом и Cо» (третий день) – Александра Коренева, Елизавета Миллер, Максим Емельянычев, и опять же Мария Успенская (хаммерклавир, тангентклавир).

Концерт «Минимализм и не только» (четвертый день) собрал друзей-композиторов А. Любимова. Это Валентин Сильвестров; хотя он не приехал, его Вторую сонату исполнил юбиляр. Виртуально присутствовал и Антон Батагов – на большом экране он вместе с Полиной Осетинской исполнял на двух роялях фрагмент из оперы Филипа Гласса «Сатьяграха» под названием «Протест». Павел Карманов принес в дар «Кембриджскую музыку», ее исполнил фортепианный квартет в составе: Ася Соршнева (скрипка), Сергей Полтавский (альт), Ольга Дёмина (виолончель), Пётр Айду (фортепиано). Сергей Загний представил свой органный опус «Музыка XVI века». Иван Соколов сыграл три прелюдии и свой знаменитый «Волокос» (фортепиано и перформанс).

Круг друзей-композиторов оказался неполным. В него мог бы войти Тигран Мансурян, его юбилейный концерт (организованный Любимовым!) прошел в присутствии композитора за несколько дней до фестиваля. Наверное, мог бы войти Владимир Мартынов, единомышленник и сподвижник по «Альтернативе», премьеры фортепианных сочинений которого А. Любимов играл не раз.

«Для себя и идеального слушателя…» – так назывался пятый, заключительный концерт фестиваля. Это был настоящий музыкальный тутти-финал, где чередовались соло, ансамбли, хор и оркестр, и где объединились как друзья-композиторы – от Филиппа Эммануила Баха и Григорио Аллегри до Владимира Мартынова и Георга Пелециса, так и друзья-исполнители. Во главе с Алексеем Любимовым это были Ольга Мартынова (клавесин), Олег Худяков (флейта), Назар Кожухарь, Станислав Малышев (скрипка), Алексей Зуев, Петр Айду, Ольга Пащенко, Элина Качалова (фортепиано), ансамбль «Questa musica» с Филиппом Чижевским за дирижерским пультом, вокальный ансамбль «Интрада» во главе с Екатериной Антоненко. И, наконец, Ансамбль ударных инструментов под управлением Марка Пекарского.

На протяжении всех пяти дней концерты проходили при огромном скоплении народа, словно оправдывая название фестиваля и справедливо причисляя к друзьям многочисленную публику. Музыкальное приношение учителю и соратнику в искусстве стало ярчайшим событием начавшегося концертного сезона.

Многая лета, Алексей Борисович!

Доцент М. И. Катунян
Фото Ольги Пащенко

№ 7 (1318), октябрь 2014

Поздравление с  Юбилеем

От всей души искренно и сердечно поздравляю с Юбилеем и с тем грандиозным объёмом и значимостью деяний в фортепианном искусстве, с которыми встречается эта жизненная дата.

Пусть множится Горно-стая – носитель великой фортепианной школы во славу своих предков и будущих мастеров русского фортепианного искусства.

Здоровья и Многие лета!

ЭРА ВЕРЫ

Корни – глубокие
     Кроны – широкие
          Связи – обширные
               Нити – всесильные.

Сонмы обученных
     Жмут на рояли;
          Сонмы желающих
               Рвутся, как к маме.

Веру в успех
     И надежду на счастье
          Им обещает
               Маэстро участье.

Все ГорноСтайки
     Множат пир
          Обогащая
               Рояльный мир.

Правнуки, внуки
     Живут
          Без разлуки
               Собой воплощая
                    Веру,
                         Надежду,
                              Любовь.

   Римма Хананина
В день 01 октября 2014 года

№ 7 (1318), октябрь 2014

Начало нового учебного и концертного сезона в Московской консерватории ознаменовалось выдающимся событием поистине исторического масштаба – в сотрудничестве с Британским Советом в России в рамках перекрестного Года культуры Великобритании и России с 21 по 23 сентября состоялся международный фестиваль «От Тавернера к Тавенеру: пять столетий английской духовной музыки». Изысканно выстроенные программы двух концертов, насыщенная тематика пленарных выступлений и лекций ведущих мировых музыковедов на международной научной конференции, безупречное техническое сопровождение мероприятия и роскошный информативный буклет – всё было продумано до мелочей и осуществлено на высочайшем международном уровне.

Идея провести в Москве концерты и конференцию, посвященные английской духовной музыке, зародилась два года назад в беседе художественного руководителя вокального ансамбля Intrada Екатерины Антоненко с британским композитором Джоном Тавенером (1944–2013). Но так вышло, что фестиваль состоялся без его участия – композитор в прошлом году скончался, так и не осуществив свою мечту побывать в стране, культура которой была источником вдохновения для творчества на протяжении большей части его жизни.

Тавенер – удивительный композитор. Приняв в 33 года православие, он написал много духовных сочинений для хора без сопровождения, а также произведения на тексты Ф. М. Достоевского и А. А. Ахматовой. Считая, что современная культура «лежит в руинах», Тавенер выбрал творческий путь религиозного художника, который не являет собой гения в современном представлении, а со-творит, воспроизводит. Основой его позиции были слова святого апостола Павла: «Уже не я живу, но живет во мне Христос».

Отсюда и чарующая многогранность, органичность и безмерная глубина его музыки. Исполненная в консерваторских стенах, она погрузила московскую публику в атмосферу звучащего мирового пространства без границ и времени. В ней словно слились воедино неповторимый колорит старинной английской духовной, классической и современной музыки одновременно с мягкими умиротворенными интонациями русских православных песнопений, столь знакомыми и родными практически каждому сидящему в зале.

Программы концертов были сформированы самим Тавенером специально для российской аудитории и состояли не только из его сочинений, но и вдохновлявших его произведений английских композиторов времен Тюдоров – собственного предка Джона Тавернера и Роберта Фэрфакса, а также более современных композиторов – Игоря Стравинского и Арво Пярта. Определяющей была временнáя магистраль, заложенная в названии фестиваля «От Тавернера к Тавенеру»: первые отделения обоих концертов состояли из кристально безупречных духовных произведений Тавернера в столь же безупречных исполнениях двух профессиональных вокальных ансамблей – российского Intrada и британского The Tallis Scholars. Их поочередное выступление (Intrada – 21 сентября в Рахманиновском зале, а The Tallis Scholars – 23 сентября в Большом зале) под управлением одного дирижера – Питера Филлипса – вовсе не предстало как соревнование: они блистали высочайшим профессиональным мастерством словно два разных алмаза в одной оправе.

И если восхитительное исполнительское искусство Intrada под управлением молодого талантливого дирижера Екатерины Антоненко уже не первый год знакомо московской публике, то выступление The Tallis Scholars, основателем и художественным руководителем которого является Питер Филлипс, стало настоящим открытием. Уникальные голоса десяти солистов с ярко индивидуальными тембрами столь виртуозно переплетались и сливались между собой в идеально чистых созвучиях, что каждое мгновение казалось, будто звучит какой-то совершенно новый то ли ансамбль, то ли хор. Поэтому неудивительно, что поистине духовной вершиной всего фестиваля стала российская премьера Реквиема Тавенера, прозвучавшая в завершении второго (и последнего) концерта. Пространство Большого зала переполнил искрящийся поток богатейших красок музыки выдающегося британского композитора в исполнении обоих ансамблей (к британцам присоединилась Intrada) под управлением знаменитого дирижера.

Реквием Тавенера стал магистральной темой и в научной конференции, прошедшей 22 и 23 сентября в Конференц-зале консерватории. Этого произведения касались в разной мере многие докладчики, но выступления протоиерея Константинопольского Патриархата, председателя Международного общества православной церковной музыки Ивана Муди и доцента Московской консерватории Романа Насонова затронули вопросы истории его создания и особенностей.

Важнейшей частью конференции стал Круглый стол «Современный композитор и религиозная традиция», прошедший при поддержке Британского Совета, предоставившего своего переводчика и аппаратуру для синхронного перевода, а также портала colta.ru, осуществившего видеосъемку для последующего размещения материала в Интернете. Модератором заседания был доц. Р. А. Насонов, который, впрочем, не только стал самым активным участником конференции, но и сопровождал многие выступления интересными комментариями.

Круглый стол вызвал большой интерес у публики благодаря хорошей рекламе Британского Совета. Выступавшие, среди которых были сэр Питер Филлипс, Иван Муди, В. Н. Юнусова, К. А. Жабинский, Е. Ю. Антоненко, Г. И. Лыжов, С. Ю. Савенко, обсуждали отношение Дж. Тавенера и его музыки к различным религиозным и церковным традициям – и западным, и восточным, к традициям англиканской и православной музыки, определяли место его творчества в стилистическом пейзаже музыки конца XX – начала XXI века, перспективы освоения музыки этого композитора русской культурой. Столь широкий круг проблем был обусловлен и тем, что участникам было важно получить информацию, как говорится, «из первых уст», поскольку Филлипс и Муди были друзьями Тавенера. Благодаря ему же удалось поставить и обсудить общие проблемы современной духовной музыки.

Прошедший фестиваль лишь слегка приоткрыл богатейший мир английской сакральной музыки и, безусловно, вызвал немалый интерес к ней московской публики. Так хочется, чтобы общение и совместное творчество Е. Антоненко и П. Филлипса и далее продолжалось столь же продуктивно, чтобы оно не только приносило новые шедевры английской духовной музыки на русскую сцену, но и привлекало другие исполнительские коллективы к этой музыкальной сокровищнице.

Елена Никифорова,
аспирантка МГК
Фото Дениса Рылова

№ 6 (1317), сентябрь 2014

В 2014 году исполняется 200 лет дипломатическим отношениям России и Швейцарии. В течение апрельской недели этого особенного для обеих стран года прошел уже III Московский Международный фестиваль камерной музыки «Окно в Швейцарию».

…На одной из открыток набора, выпущенного к Сезонам швейцарской культуры в России, приведены слова А. Н. Скрябина. Он писал из Швейцарии: «Шлем Вам сердечный привет из надоблачного пространства. Здесь чудесно, чистый воздух, тишина. Музыки нет: искусством занимаются только коровы, да и те поневоле, звенят колокольчиками!» Но, глядя на программу фестиваля, в это трудно поверить. В пресс-релизе главной задачей заявлено «ознакомление россиян с современной, классической, ранней и народной музыкой Швейцарии, о которой, к сожалению, в России мало знают». И действительно, за неделю концертов в прекрасных залах Оружейной палаты, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Музея музыкальной культуры им. М. И. Глинки и ЦМШ российский слушатель мог познакомиться с современными швейцарскими композиторами, среди которых Х. Холлигер, К. Хубер, М. Жаррель, Д. Хесс, М. Келлер, Р. Кельтерборн, Ю. Виттенбах и открыть для себя малоизвестные имена ХVII–XIX веков – Х. Альбикастро, И. Глетле, Ф. Фрёлих, Г. Фритц.
В мероприятии приняли участие известные швейцарские ансамбли и исполнители. Это Цюрихский духовой квинтет, блокфлейтист-виртуоз и дирижер Морис Штегер, известные солисты-инструменталисты Флориан Мор (виола д’амур, альт) и Бит Андерверт (гобой, барочный гобой). А в самом центре фестивальной недели в концертном зале ЦМШ блистательно выступил российско-швейцарский тандем: солист одного из лучших симфонических оркестров Швейцарии «Tonhalle» Александр Неустроев (виолончель) и консерваторский ансамбль «Студия новой музыки».

Пожалуй, самыми яркими впечатлениями вечера стали открывавшая концерт Сюита для виолончели соло Гаспара Кассадо и «Intarsioso» для фортепиано, голоса и струнного квартета Клауса Хубера. Бархатное звучание, неуловимое рубато – Александр Неустроев не играл, он «разговаривал» со слушателем о чем-то сокровенном. Такое необыкновенно глубокое начало, несомненно, придало концерту особый тон. И на этой волне душевного откровения особенно остро зазвучало написанное в 2009 году «Intarsioso» Хубера. «Я очень люблю эту пьесу. В ней проявляются лучшие черты музыки Хубера – видение классики сегодняшними глазами и одновременно открытость всему новому. Эта музыка написана с огромной любовью к материалу», – подчеркнет после концерта художественный руководитель «Студии» Владимир Тарнопольский.
Два отделения промелькнули на одном дыхании. Старинная музыка перемежалась взрывами современных красок и плавно перетекала в ясную гармоничность классики. Музыканты не просто создали уникальную атмосферу вечера, они вели диалог российской и швейцарской культур в миниатюре – такой органичный и плодотворный.

«Всё намек, всё обещание, всё мечта», – скажет о Швейцарии Скрябин в одном из своих писем жене. И сейчас, спустя 200 лет крепких дипломатических связей, для русского слушателя всё больше приоткрывается музыкальное окно «в мечту».

Ольга Яковенко

№ 6 (1317), сентябрь 2014

В Москве прошел фестиваль контрабасового искусства, приуроченный к 140-летию со дня рождения выдающегося русского контрабасиста, дирижера, общественного деятеля Сергея Александровича Кусевицкого (1874–1951). В честь этого события Московская консерватория совместно с Российской академией музыки им. Гнесиных организовали цикл концертов и мастер-классов. С 14 по 18 мая контрабас звучал в лучших концертных залах столицы – этакое контрабасовое пиршество. Для участия в фестивале был приглашен контрабасист, удостоенный премии «За выдающиеся заслуги в сольном исполнительстве», лауреат конкурса Международного общества басистов, профессор Высшей школы музыки Университета Аризоны (США) Каталин Ротару. В концертах принимали участие маститые солисты, такие как заслуженный артист России, доц. Николай Горбунов, лауреаты Международного конкурса им. С. Кусевицкого Григорий Кротенко и Геннадий Крутиков, а также студенты консерватории и РАМ им. Гнесиных.
14 мая в Рахманиновском зале МГК состоялось торжественное открытие фестиваля. В этот вечер звучали сочинения из концертного репертуара С. Кусевицкого и приуроченная к празднику московская премьера Сонаты для контрабаса и фортепиано Ф. Прото. Главный инициатор и организатор фестиваля проф. Л. В. Раков в своем вступительном слове рассказал о жизненном пути Кусевицкого и его роли в мировой музыкальной культуре.

В начале программы в исполнении К. Ротару и струнного квинтета студентов консерватории прозвучало переложение Andante сantabile из Первого квартета П. Чайковского. Контрабас олицетворял лирическую природу инструмента: мелодия солиста прозвучала вдохновенно и с исключительным мастерством. Г. Кротенко успешно справился с труднейшими пассажами Арии для баса и контрабаса с оркестром В. Моцарта, раскрыв виртуозные возможности инструмента в превосходном дуэте с певцом П. Маркиным. Особого внимания заслужила Соната № 2 Ф. Прото в интерпретации Ротару и замечательной пианистки В. Алмазовой, которая преодолела немалые сложности фортепианной партии.

Во втором отделении играли студенты консерватории. Тонкой, почти мистической манере Д. Соколовой, исполнившей Концерт Г. Генделя, контрастировала мощная, быть может, даже слишком напористая для Концерта ля мажор В. Моцарта игра А. Кононовой. Ощущение призрачного полета создали Д. Тарбеев и А. Дзюбенко, сыгравшие виртуозную танцевальную музыку Дж. Боттезини и Р. Глиэра. Глубиной интерпретации «Кол нидрей» М. Бруха поразил Р. Шагимарданов, которого с невероятным вниманием слушал сам К. Ротару. В заключение Г. Крутиков исполнил Вокализ С. Рахманинова и Вальс-миниатюру С. Кусевицкого. Прекрасная музыка в сочетании с высокопрофессиональным исполнением артиста вызвала неподдельный интерес публики.

16 мая в Концертном зале РАМ им. Гнесиных прошел концерт с участием студентов академии. Во вступительном слове проф. А. А. Бельский выразил свое восхищение перед идеей фестиваля и отметил, что выступление К. Ротару придало концертам атмосферу праздника.
В первом отделении О. Трусову удалось передать ясный, солнечный характер музыки I части Концерта № 15 ре мажор Й. Шпенглера. Запомнилось хорошо выстроенное по форме «Кичо» А. Пьяццоллы в исполнении Т. Матвеева. Больших оваций удостоился А. Муравьев, который представил собственное сочинение для контрабаса соло – Сюиту по прочтении сказки «Алиса в стране чудес». Музыкант сумел показать все возможности контрабасового искусства: игру смычком и пиццикато, хлопки и постукивание по деке и корпусу инструмента. Кульминацией первого отделения стало выступление доцента МГК Н. Горбунова, виртуозно, с легкостью и блеском сыгравшего «Пеццо каприччиозо» П. Чайковского с пианисткой О. Ледниковой.

Все второе отделение концерта публика наслаждалась игрой К. Ротару. Маэстро исполнил Сонату № 1 Ф. Прото и Танго А. Пьяццоллы, показав безукоризненную технику и артистизм, великолепное владение приемами звукоизвлечения, умение проникнуть в самую сущность сочинения и донести свой замысел до публики. Каталин обращался с инструментом почти играючи – струнный гигант звучал и как виолончель, и как скрипка, поражая точностью интонирования и нюансировки. Надежным партнером в ансамбле был прекрасно владеющий инструментом концертмейстер С. Жилкин.

15 и 17 мая состоялись мастер-классы К. Ротару. Глубокое знание репертуара и музыкальная эрудиция позволяли ему показывать все представленные студентами сочинения в эталонном исполнении, рассказывать о методах работы над ними, о своем понимании произведений. Ротару говорил о звукоизвлечении и распределении смычка, о голосоведении и построении фразы, о различии исполнения трели в произведениях старинных композиторов и романтиков, о чувстве стиля и динамике. Большим сюрпризом для слушателей и участников мастер-классов явилось первое исполнение Концертной симфонии для скрипки и альта с оркестром KV 364 В. Моцарта. Ротару, скрипач К. Кравцов и пианистка О. Плетникова поразили вдохновенной трактовкой этого произведения, их игра блистала чувством подлинного артистизма и свежестью. Партия альта в интерпретации маэстро демонстрировала совершенство мастерства, безупречный вкус и невероятную легкость в исполнении сложнейших пассажей.

18 мая в Большом зале консерватории вместе с солистами выступал симфонический оркестр МАМТ им. К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко (дирижер – заслуженный артист России Феликс Коробов). Вечер открыл Концерт № 5 для скрипки (в переложении для контрабаса) с оркестром КV 219 В. Моцарта. Солирующий контрабас звучал проникновенно, своим матовым тембром оттеняя оркестр, а в финале цикла Ротару продемонстрировал виртуозные возможности инструмента. В Вариациях на тему рококо для виолончели с оркестром соч. 33 П. Чайковского контрабас предстал в образе лирического героя: инструмент пел и разговаривал с публикой. Различные вариации оживили элегический характер изысканной темы. Проф. Л. В. Раков, поднявшись на сцену, поблагодарил гостя за прекрасное исполнение и добавил, что Каталина по праву можно считать выдающимся музыкантом XXI века. Знаменитый контрабасист, в свою очередь, признался, что неделя, проведенная в Московской консерватории, – одна из лучших в его жизни.

Второе отделение открыл Концерт для контрабаса с оркестром А. Коблякова, где в качестве солиста выступил Н. Горбунов. Медленно-сумрачное, полное тревожных чувств вступление рождало аллюзии на музыку А. Шнитке. Это экспрессивное сочинение вызвало шквал аплодисментов. В заключение вечера прозвучал Концерт для контрабаса с оркестром С. Кусевицкого. Г. Крутиков прекрасно передал меланхолию, чувство неудовлетворенности и томления лирического героя сочинения.

Заключительный концерт надолго запомнился слушателям благодаря интересным произведениям и прекрасным солистам. Исполнители продемонстрировали настоящее мастерство, тем самым доказав, что великое дело Кусевицкого по-прежнему живет и развивается.

Анастасия Попова и Надежда Травина,
студентки ИТФ,
А. Л. Мещеринов, доцент ГКА им. Маймонида

№ 6 (1317), сентябрь 2014

12 мая в консерватории было учреждено, а точнее, возобновлено Студенческое научно-творческое общество (СНТО). В его состав вошли студенты и аспиранты большинства факультетов. Учредительное собрание провел ректор профессор А. С. Соколов, присутствовали проректор по научной работе профессор К. В. Зенкин и научный руководитель СНТО доц. Р. А. Насонов. С нового учебного года СНТО приступило к работе.

Впервые такое Общество было создано в Московской консерватории еще в 1930-е годы. Его основателем был замечательный композитор и человек Григорий Самуилович Фрид, который считал очень важным общение между музыкантами, заполнение «белых пятен» в музыкальном образовании и всячески этому способствовал. Вот что пишет о первом СНТО музыковед А. Селицкий: «Активными его  участниками были А. Ведерников и С. Рихтер. На заседаниях исполнялись и обсуждались редко звучащие сочинения, в том числе студентов-композиторов. Кружок активно посещали студенты и профессора разных факультетов, чаще других – Г. Нейгауз. На одном из заседаний выступил И. Соллертинский с докладом о Малере».

Возможно, самое главное в аббревиатуре СНТО – слово «общество». К сожалению, наша студенческая среда в значительной мере разобщена: каждый «замкнут» на своей группе, но мало знаком с коллегами старших и младших курсов, а тем более со студентами других факультетов. Что сетовать на стороннюю публику, если мы сами почти не общаемся, не интересуемся делами друг друга и совершенно не ходим друг к другу на концерты! Исправить такое положение дел «сверху» невозможно, это под силу только нам самим. Что и будет пытаться делать СНТО в ходе своих, хочется надеяться, немалочисленных мероприятий.

Под словом «творческое» в СНТО подразумеваются не только гипотетические прожекты на будущее, но и работа уже существующих студенческих исполнительских коллективов, которые согласились с ним активно сотрудничать. В частности, это — «Резонанс» (худрук – студент КФ Александр Тлеуов) и «Mixtum compositum» (худрук – студент КФ Денис Писаревский). Предполагается, что их выступлениями будут отмечены наиболее крупные наши мероприятия.
В основной части – «науч-ной» – важно идти и вглубь, и вширь. «Вглубь» означает, что мы будем проводить своеобразные «мозговые штурмы» – циклы семинаров и лекций студентов и аспирантов (с обязательным их обсуждением), посвященных какой-либо актуальной теме (в нынешнем семестре – современному театру). «Вширь» – потому что эти семинары будут проводиться совместно с другими творческими вузами. Для начала это будет театроведческий факультет наших соседей –   ГИГИСа. Старшекурсники ГИТИСа придут со своими лекциями к нам, а консерваторские музыковеды, в свою очередь, расскажут в ГИТИСе о собственных работах. Ближе к зиме этот цикл семинаров перерастет в конференцию (в прошлом декабре в стенах МГК уже состоялась подобная молодежная конференция; ее организовала музыковед IV курса Мария Зачиняева, ныне секретарь СНТО).

Наконец, «студенческое». На самом деле, мероприятия СНТО открыты для посещения всем желающим. А для тех, кто захочет вступить в СНТО, формальная сторона вопроса сведена к минимуму: достаточно написать короткое заявление на адрес: snto_mgk@mail.ru. Информацию о мероприятиях Общества можно получить на сайте консерватории (www.mosconsv.ru/ru/groups.aspx?id=139436), а также страничке СНТО в соцсети «Вконтакте».

22 сентября 2014 исполнится 99 лет со дня рождения Григория Самуиловича Фрида, и именно на этот день намечен официальный старт нового СНТО. А в следующем году отметить 100-летие основателя будет делом чести для нашего студенческого клуба.

В ближайших планах – декабрьская студенческая конференция «Музыкальный и драматический театр: пересечения и взаимодействия» и мероприятия, посвященные Николаю Яковлевичу Мясковскому. А самыми первыми акциями (в конце сентября) станут лекция нашего сверстника, но уже известного театроведа Антона Хитрова (журнал «Театр», ГИТИС), а также экскурсия по выставке номинантов Премии Кандинского (главной российской премии в области визуального искусства). Выбирайте и присоединяйтесь!

Владислав Тарнопольский,
аспирант ИТФ, председатель СНТО МГК

№ 6 (1317), сентябрь 2014

Классные вечера профессора Риммы Анатольевны Хананиной по форме всегда представляют собой ноу-хау. Концерт, который состоялся еще 25 апреля, не стал исключением. Как и предыдущие, он был монографичен и посвящен русскому композиторскому творчеству. В этот раз – С. В. Рахманинову.

Программа также была необычна: фортепианные транскрипции Рахманинова и их вокальные и инструментальные источники. Так, после звучания песни Шуберта «Куда?» в исполнении тенора в сопровождении фортепиано тот же пианист предложил вниманию ее фортепианную транскрипцию; вальс Крейслера «Муки любви» в исполнении скрипки и фортепиано также сменила его фортепианная транскрипция… Подобное сопоставление в одном вечере происходило, как ни странно, впервые.

Во вступительном слове Римма Анатольевна коснулась истории жанра транскрипции и глубины рахманиновского подхода к нему. Она также подчеркнула особую ответственность консерватории в обучении и общекультурном воспитании студентов-иностранцев со всех континентов земного шара, которые будут играть большую роль в музыкальном развитии своих стран и для которых московская консерватория останется их Аlma mater.

По отзывам слушателей, вечер показал высокое педагогическое мастерство профессора и выдающийся артистически-исполнительский тонус студентов-участников. Выступали: И. Бабурашвили, Ким Чен Хек, Ким Ен Мун, Пак Се Вон, Ли Хен Люль (фортепиано), а также Д. Давыдова, Н. Неверов, А. Акопян (вокал), Д. Кучёнова (скрипка). Торжественность вечеру придало присутствие на нем руководства иностранного отдела МГК и дирижерско-хорового факультета, как и коллег по кафедре, что было воспринято профессором с глубокой благодарностью.

Заключением вечера стал символический музыкальный message (сверх объявленной программы) выпускника композиторского факультета Ким Ил Гю (КНДР). Его двухрояльная композиция завершилась гимническим звучанием темы из Девятой Симфонии Бетховена «Обнимитесь, миллионы!», подчеркнув главное: у молодежи должна быть вера в высокое предназначение музыканта на земле.

Андрей Кудрявцев,
студент КФ

№ 6 (1317), сентябрь 2014

10 мая в Рахманиновском зале состоялся один из концертов XII Международного музыкального фестиваля «Вселенная звука». Гостями на этот раз стали участники джазового коллектива из Норвегии – «Трио Ларса Андреаса Хауга» в составе: Камилла Сюзанн Хауг (вокал), Фруде Халтли (баян), Ларс Андреас Хауг (туба).

Идея включения концерта джазового трио из Норвегии в общую программу была с энтузиазмом поддержана организаторами фестиваля. Благодаря участию в проекте посольства Королевства Норвегии в Москве и норвежского фонда «Music Norway» музыканты смогли приехать в российскую столицу.

Коллектив Ларса Андреаса Хауга, безусловно, один из интереснейших в яркой панораме современного норвежского джаза. Трио, выступившее в Москве, – один из вариантов его состава, имеющего также трубу, рояль, саксофон и ударные. Музыканты работают вместе с начала 1990-х и за эти годы создали собственный неповторимый стиль. В их репертуаре преимущественно произведения, написанные лидером – Л. А. Хаугом. Критики наделяют их различными эпитетами: красивые, озорные, лукавые, юмористические, спонтанные, экспериментаторские… Тонкое соединение в них элегантных джазовых композиций с игривыми импровизациями способствует созданию совершенно особого музыкального облика.

В программе, представленной московской публике, звучали композиции, написанные исключительно участниками трио. В этой искренней, вдохновенно исполненной музыке, одновременно сложной и простой, нашли отражение и экзотические впечатления от путешествий музыкантов в далекие уголки мира, и идиллические норвежские ландшафты, и, казалось бы, обыденные бытовые сюжеты.

Написанная после поездки в Египет композиция «Conrairo» (Л. А. Хауг), была наполнена ориентальными мотивами и ритмами, а в пьесе под названием «Афро-шведское» (Ф. Халтли) соединение прихотливых африканских ритмов с народной шведской мелодией проникнуто настроением северной меланхолии.

Комментируя содержание своей пьесы «Slæba», К. С. Хауг рассказала, что это – название одного из холмов в окрестностях г. Арендал, который зимой становится очень скользким, что затрудняет подъем, но зато он превращается в чудесное место для катания на санях – нужно лишь позаботиться о том, чтобы не скатиться прямо в море! Ее песня «Furukongen» («Король сосен») рассказывает о высоком холме, на котором стоит водонапорная башня; холм «собирает» истории обо всем, что происходит на острове, даже о событиях, «сугубо личных». А ее же песня «Веселому шкиперу» написана в качестве подарка капитану небольшого парома «Колбьёрн», круглый год весело перевозящего пассажиров на островок Колбьёрнсвик.

На бис прозвучали две композиции, основанные на норвежских народных мотивах: «Вальс» (Ф. Халтли) и «Курочки Пола» (Л. А. Хауг). В ходе совместного музицирования солисты свободно и легко общались на сцене, вдохновенно импровизировали, комментировали собственные композиции. Их музыка, в которой было все: и печаль, и озорство, и радость, и любовь к родным местам, вызвала большую симпатию публики и очень теплый прием. Концерт, продолжавшийся полтора часа, пролетел на одном дыхании.

Елена Битерякова,
Центр народной музыки МГК