№ 9 (1311), декабрь 2013

Владимир Терехов (Россия, I премия) и Ростислав Шараевский (Россия, II премия), лауреаты в номинации «Ударные инструменты»

Московская консерватория в 2009 году впервые в России учредила конкурс для духовой половины симфонического оркестра – не фрагментарно, не выборочно, но для всех инструментов без исключения. Такой конкурс-цикл, в течение пятилетия охватывающий все духовые специальности симфонической партитуры и ударных. С 1 по 7 ноября прошел уже Пятый международный конкурс – завершающая фаза первого цикла. В этот раз соревновались исполнители на ударных инструментах и духовой квинтет с валторной.

Молодые исполнители на духовых инструментах действительно нуждались в серьезном российском конкурсе, построенном в соответствии с требованиями Женевской федерации международных конкурсов. Его задача состояла в том, чтобы привлечь внимание музыкальной общественности к диспропорции специальностей в подготовке исполнителей на духовых инструментах и, как следствие этого, к дефициту исполнителей на некоторых духовых инструментах в российских оркестрах. Заметим, что с первых дней основания двух российских консерваторий не хватало студентов в классах гобоя, фагота, валторны и тубы – для привлечения учащихся учреждались специальные стипендии. За сто пятьдесят лет мало что изменилось, дефицит по-прежнему существует, и если в Москве он ощущается не столь остро, то в провинции принял размеры угрожающие.

Попытки укомплектовать духовые кафедры пропорциональным составом партитуры пока безуспешны. Причины объективны: во-первых, указанные специальности не считаются престижными, во-вторых, инструменты технически сложны, требуют ухода, в-третьих, их трудно освоить и, в-четвертых, деревянные инструменты дороги (например, фаготы хорошего качества стоят 25–35 тысяч евро – цена большого салонного рояля фирмы «Ямаха»!). Международный конкурс призван поднять привлекательность дефицитных специальностей.

Ансамбль «Conoro quintet», лауреат I премии в номинации «Духовой квинтет»

Другая важная проблема в обучении оркестровых исполнителей – игра в ансамбле. Вот почему совершенно особое значение приобретает воспитание музыкантов в квинтете деревянных духовых с валторной – в таком мини-оркестре, где ярко отражаются все различия между этими инструментами (в динамике, в атаке, в артикуляции…). Жанр духового квинтета с валторной во многих учебных заведениях нашей страны крайне непопулярен по той же причине диспропорции, когда на одного валторниста или фаготиста приходится десять кларнетистов и двенадцать флейтистов. В результате квинтет подменяется ансамблем из двенадцати флейт (или десяти кларнетов), участники которого после окончания консерватории останутся без работы. Или ансамблем духового инструмента с фортепиано, которому в оркестре нет применения. Сказывается и стремление молодых исполнителей к индивидуальной карьере солирующего музыканта, однако студенты (и их родители!) забывают, что на сольной эстраде мест мало, всем не хватит, что духовые в ХХI веке – это инструменты оркестровые.

Так сложилась структура пятилетнего цикла: в течение четырех лет соревнуются два инструмента в год – один деревянный и один медный, причем, например, малочисленная группа фаготистов соединена с многочисленными тромбонистами, а редкие исполнители на тубе выступают в одной фазе с многочисленными флейтистами. Каждая специальность должна быть услышанной, коль скоро ее используют в симфонической партитуре! Пятый год отдан исполнителям на ударных инструментах и духовому квинтету с валторной.

Важное условие конкурса – первая премия не делится. Председателем жюри в каждой номинации должен быть представитель третьей специальности: дирижер, композитор, искусствовед, один из ведущих струнников. Более половины членов жюри представлено зарубежными музыкантами, авторитетными в данной области. Эти условия строго выполнялись и дали возможность объективного судейства. Среди лауреатов по всем десяти специальностям кроме россиян были представители Польши, США, Южной Кореи, Германии, Франции. Однако, к сожалению, были мало представлены города России.

Награждение победителей

В целом, Пятый конкурс, как и предыдущие четыре, прошел успешно, его участники показали хорошую профессиональную подготовку. В соревновании ударных победили двое россиян: В. Терехов (I премия) и Р. Шараевский (II премия); третьей премией награжден Юнби Джионг из Южной Кореи. Лауреатами конкурса квинтетов стали три российских ансамбля: «Conoro quintet» (С. Журавель, Ф. Егоров, И. Ярцев, А. Батракова, Д. Володичев) – I премия; «Sui Generis» (О. Селезнев, А. Задворьева, Ю. Таштaмиров, Д. Савенков, Ф. Бесядовский) – вторая; «Impressione» (О. Змановская, Э. Мирославский, Д. Лиманцев, И. Чуваков, А. Афанасьев) – третья.

Состоялось и соревнование композиторов, которым сопровождается каждый конкурс: на втором туре участники исполняют специально написанное обязательное сочинение, отобранное комиссией, в которую входят композиторы и один исполнитель по данной специальности. За 60 дней до начала конкурса оргкомитет официально вскрывает зашифрованные конверты с именами авторов, выкладывает сочинения на сайт, называет победителей. В нынешнем году ими стали молодые композиторы Франсиско дель Пино (Аргентина) и Владимир Обухов (Россия).

Как и прежде, к сожалению, конкурс никак не освещался в прессе, которая провозглашает своим принципом обсуждение злободневных проблем исполнительства. Жаль, что журналисты-критики, даже имеющие прямое отношение к Московской консерватории, не видят этих проблем (дескать, «в оркестре Плетнева вся партитура заполнена»); другие за публикацию информации о конкурсе требуют оплату.

Спонсорами конкурса в разное время являлись английская топливная компания «BP», производители музыкальных инструментов «Ямаха», «Пюхнер», «Лоре». Но основную тяжесть в организации и проведении конкурса взяла на себя Московская консерватория, предоставившая, помимо залов, финансирование из собственных средств. Большую организационную работу провел Концертный отдел МГК.

Каждый год члены двух жюри выступают со своими личными призами. На конкурсе 2013 года польский музыкант Станислав Скочиньский пригласил всех участников третьего тура на гастроли в Польшу за счет принимающей стороны, а Нейбоша Живкович и Ли Бяо вручили денежные призы для покупки ударных инструментов.

Следующий, Шестой конкурс по специальностям фагот и тромбон уже объявлен на ноябрь 2014 года.

Профессор В. С. Попов,
зав. кафедрой деревянных духовых и ударных инструментов,
художественный руководитель Конкурса

№ 9 (1311), декабрь 2013

Хоровое пение как основа русской музыкальной культуры переживает сегодня непростой исторический период: утеряны многие традиции массового пения, певческого образования, школ хормейстеров. Поэтому главное назначение IX Международного Осеннего хорового фестиваля, по словам его худрука доцента А. В. Соловьева, – сделать так, чтобы хоровое пение воспринималось как динамичное современное искусство, интересное и доступное самой широкой аудитории. Для достижения этой цели необходимо максимально расширить жанровый диапазон концертов и географию его участников.

Осенний хоровой фестиваль отныне носит имя своего основателя, профессора Бориса Григорьевича Тевлина, чье фанатичное отношение к профессии, требовательность и обязательность, волевые качества характера и широта художественного кругозора по-прежнему остаются образцом для молодых дирижеров. Тема IX Фестиваля – «Тебе поем…» – это, одновременно, и приношение Рахманинову к 140-летию со дня рождения, и дань памяти самому Тевлину.

«Национальный молодежный хор» – 2013

На сцену Большого зала консерватории выходили прославленные зарубежные и российские артисты. Выступление Московского синодального хора (руководитель Алексей Пузаков) явилось откровением и стало для многих слушателей первым знакомством с коллективом. Свои концертные программы представили Академический хор студентов Саратовской государственной консерватории имени Л. В. Собинова под руководством проф. Людмилы Лицовой, хор Академии хорового искусства имени В. С. Попова под руководством Алексея Петрова.

Во всем мире решение проблем музыкального воспитания и образования является приоритетным. Одна из граней фестиваля – участие детских хоровых коллективов. Музыкальность и присутствие духа проявили участники Капеллы мальчиков Нижегородского хорового колледжа имени Л. К. Сивухина под руководством Александра Орлова. Были и гости из Германии – хор «Щедрик» гимназии «Ам Ольберг» (руководители Павел и Ирина Брохины), обычные школьники, которые любят музыку и хотят петь в хоре (среди прочего коллектив представил премьеру сочинения российского композитора Алексея Ларина «Лин да лай» – свободную стилизацию народной мелодии; композитор присутствовал на премьере и поблагодарил ребят за исполнение).

В органичном синтезе драматического театра, мюзикла и классического хорового искусства прозвучала «Испанская серенада» О. Юргенштейна в исполнении Женского хора Санкт-Петербургского музыкального училища под управлением Сергея Екимова (дополнившего свой дирижерский костюм испанским сомбреро!). Гости из Петербурга также отдали дань бессмертной музыке Рахманинова.

Кульминацией фестиваля стал «Национальный молодежный хор» (худрук – профессор Л. З. Конторович) – грандиозный мастер-класс, «одно из ключевых мероприятий в развитии хоровой культуры России», как отметила в своем приветствии в адрес фестиваля зам. председателя Правительства РФ О. Ю. Голодец.

Формат подобного мастер-класса уникален. В Москве собралось около 170 молодых хоровых дирижеров – студентов, представляющих 27 высших и средних учебных заведений России. Кроме практических хоровых репетиций для ребят были организованы встречи с композиторами, лекции известных музыковедов, знакомство с новыми сочинениями, беседы о проблемах хорового искусства, посещения концертов и театральных спектаклей.

С «Национальным молодежным хором» работали как участники фестиваля, так и специально приглашенные хормейстеры. Репертуарный диапазон простирался от духовной музыки и сочинений русской и зарубежной классики до современных партитур. П. Брохин, выбрав для финального гала-концерта сочинения Мендельсона, Хомилиуса, Мауэрсбергера, сосредоточился на правильной артикуляции немецкого текста, что повлияло на качество звука, – партитуры заиграли новыми красками. Вниманием к слову запомнился и «Пантелей-целитель» Рахманинова в трактовке Л. Лицовой.

Сочинения наших современников – Щедрина, Баркаускаса, Пахмутовой – представил А. Соловьев, который завершил свой блок мировой премьерой партитуры «Лиссабон» для солистов, хора и ударных молодого композитора Кузьмы Бодрова. Интерпретация сочинения Бодрова была экспрессивной и ярко-театральной, дирижеру удалось добиться артистичного произнесения текста, живого диалога хора и ударных. Великолепно звучали голоса солисток: Людмилы Ерюткиной (сопрано) и Ларисы Костюк (меццо-сопрано).

Абсолютной художественной свободой и артистизмом подкупил Андрей Петренко (главный хормейстер Мариинского театра). Каждый номер – будь-то русская народная песня или лирическая миниатюра – предстал как театральная сценка. В каждом сочинении был найден свой звук: трепетный, мягкий в «Элегии» Вик. Калинникова, драматический – в «Слева поле, справа поле» Свиридова, шуточно-скерцозный – в «Тири-ри» Гаврилина, залихватский и удалой – в «Барыне» в обработке Новикова.

Под управлением Вячеслава Подъельского (главный хормейстер Новосибирского театра оперы и балета) была исполнена вторая часть «Концерта для хора на стихи Григора Нарекаци» Альфреда Шнитке. В его интерпретации перед слушателем возникал образ личной скорби, растворяющийся в непрерывном течении времени и приходящий к очищающему душу катарсису.

Завершал гала-концерт Л. Конторович. Программа включала сочинения различных жанров и направлений, раскрывая творческое кредо дирижера: развивать классические традиции хорового исполнительства и пропагандировать современную российскую и зарубежную музыку. В духовных опусах Архангельского, Чеснокова слушатели почувствовали единение поющих, которые искренне отдавали свое сердце молитве. А вот «Шутка» Баха в транскрипции Л. Конторовича, как и «Тири-ри» Гаврилина, не всем хористам оказались «по зубам»: многим еще предстоит освоить высший вокально-технический пилотаж, требуемый для исполнения юмористических скерцо.

Для работы с «Национальным молодежным хором» дирижеры часто выбирают заведомо сложные партитуры. Ведь основная цель – не просто хорошее исполнение на концерте, но передача знаний и опыта, знакомство с интересными произведениями, которые не каждый учебный коллектив сумеет включить в свой репертуар. Профессиональный рост возможен только при наличии упорного труда и искренней любви к избранной стезе.

Наталья Кошкарева,
ст. преподаватель МГК

№ 9 (1311), декабрь 2013

В Рахманиновском зале состоялся вечер памяти выдающегося дирижера – народного артиста СССР профессора Николая Николаевича Некрасова (1932–2012). Приуроченный к знаменательной дате – 80-летию кафедры инструментовки Московской консерватории, этот концерт разнообразно представил оригинальные произведения композиторов для народного оркестра: студентов, аспирантов и педагогов кафедры.

Н. Н. Некрасов был приглашен в Московскую консерваторию, будучи зрелым мастером. Более десяти лет, начиная с 2001 года, он взращивал любовь к русскому народному оркестру в молодом поколении композиторов. И самым ценным для них оказался бесценный опыт общения с признанными мастерами игры на русских народных инструментах.

Исполнение программы осуществил Русский народный оркестр «Москва» под управлением главного дирижера и художественного руководителя Игоря Мокерова, аспиранта Московской консерватории по классу профессора Г. Н. Рождественского. Партию солирующей балалайки исполнил лауреат Всероссийских и Международных конкурсов Владимир Дунаев. Успех вечера во многом был подготовлен самим Н. Некрасовым, его творческой и педагогической деятельностью: будучи главным дирижером Академического оркестра русских народных инструментов ВГТРК, Николай Николаевич активно поддерживал как молодых исполнителей, так и композиторов, включая их сочинения в свой репертуар.

На концерте звучали новые произведения, выходящие за рамки популярного, обыгранного репертуара. Оригинальные сочинения современных авторов получили блестящее по технике и совершенное по содержанию представление, причем поспешное желание провести грань между «мастерами» и «учениками» было бы несостоятельным. «Вечерняя музыка» Р. Леденева, «У райских врат» В. Кикты, II и IV части Симфонии № 7 Н. Пейко – с одной стороны, и сочинения более молодых композиторов – с другой, составили единую картину современной отечественной музыки. Запомнились впервые исполненные произведения молодых авторов: «Юмореска» П. Алексеева, «Две пьесы» А. Поспеловой, «Притча» С. Маковского, «Игра в прятки» М. Лысенко, «Русские морозы» В. Шергова. В каждом сочинении присутствовал уникальный оркестровый колорит, специфичный для оркестра русских народных инструментов.

Памяти Н. Н. Некрасова были посвящены сочинения «За горизонтом» О. Евстратовой и Концерт-ляменто для балалайки с оркестром «У райских врат» В. Кикты. Имена названных авторов тесно связаны с именем Некрасова. Так, О. Евстратова с благодарностью причисляет себя к ученикам Николая Николаевича, сумевшего, по ее словам, «показать студентам всю красоту палитры народного оркестра, новые возможности в композиторском творчестве». А с В. Киктой их связывали почти сорок лет творческой дружбы. Солирующая балалайка в концерте воссоздавала в памяти образ Некрасова – блестящего сольного исполнителя. Неслучайно и появление темы «Венского каприччио» Ф. Крейслера – как мираж проходит она у оркестра на фоне виртуознейших пассажей солирующей балалайки. И благодарный слушатель может вспомнить тот головокружительный успех молодого Николая Некрасова в далеком 1957 году на Всемирном молодежном фестивале в Праге, где он покорил жюри гениальным исполнением «Венского каприччио», завоевав золотую медаль и получив мировое признание.

«Моя задача – сохранить русское искусство, особенно русскую народную музыку, – не раз говорил Н. Н. Некрасов. – И если хотя бы одному студенту композиторского факультета будет привита любовь к народному оркестру, моя преподавательская миссия в консерватории будет выполнена!» Концерт показал, что та высокая цель, которую ставил перед собой Николай Николаевич в своей педагогической деятельности, достигнута.

Ксения Новикова,
аспирантка РАМ им. Гнесиных

№ 9 (1311), декабрь 2013

Творческим фестивалем «Тихон Николаевич Хренников и его ученики» отметили Московская консерватория и ее Композиторский факультет 100-летие своего знаменитого профессора, народного артиста СССР, лауреата Ленинской и Государственных премий СССР и РСФСР. Время доказало, что, несмотря на смену политических режимов и формаций, музыка Хренникова не потеряла своей гипнотической силы и обаяния: она по-прежнему пленяет безыскусственностью, мелодическим очарованием и способна растрогать до слез. При полном аншлаге прошли концерты в Большом и Малом залах, все программы включали сочинения не только самого Тихона Николаевича, но и его известных учеников.

Открытие фестиваля в Большом зале консерватории. А. Шелудяков и оркестр «Времена года», дирижер – В. Булахов

Концерт в день столетия композитора (10 июня, Большой зал) открыл Камерный хор Московской консерватории во главе с Александром Соловьевым, представивший на суд слушателей хоры a cappella Т. Н. Хренникова на стихи Некрасова, а также всеми любимую «Колыбельную Светлане» (в обработке Ю. Потеенко). Баритон Андрей Морозов и пианист Алексей Луковников прекрасно исполнили Три сонета Шекспира (в переводе Маршака). Затем Симфониетта для струнного оркестра в интерпретации Московского камерного оркестра «Времена года» п/у Владислава Булахова подвела к кульминации первого отделения – Четвертому концерту для фортепиано со струнным оркестром и ударными, в котором блестяще солировал Анатолий Шелудяков. Публика восторженно принимала каждое сочинение.

Второе отделение погрузило зал в мир современных звучаний: были исполнены Вокальная сюита для низкого баса и фортепиано А. Шелудякова, «Забытая увертюра №…» для струнного оркестра С. Голубкова, Концерт № 2 для скрипки и камерного оркестра А. Чайковского (солист Александр Тростянский) и Концерт для виолончели и камерного оркестра «Tsavt tanem» («Возьму твою боль») М. Броннера (солист Рустам Комачков). Несмотря на различие вкусовых пристрастий композиторов, во всех произведениях ощущались классические традиции русской школы, переосмысленные в новом, современном контексте. Порадовал и выбор солистов, признанных во всем мире, которые украсили вечер своим исполнительским искусством, не говоря уже об А. Шелудякове, проявившем себя сразу в трех ипостасях: композитора, пианиста и певца.

Программа следующего концерта (14 июня, Малый зал) также наряду с музыкой Т. Н. Хренникова представляла сочинения его именитых учеников. Тихон Хренников-младший (правнук Тихона Николаевича, лауреат всероссийских и международных конкурсов) замечательно исполнил Три пьесы для фортепиано прадеда и Две фортепианные пьесы собственного сочинения. Екатерина Ясинская и Герман Рудницкий душевно спели арии Натальи и Леньки из оперы «В бурю», а квартет имени А. А. Алябьева преподнес публике чудесный Струнный квартет (1988).

Среди других незабываемых впечатлений этого вечера – «Agnus Dei» для органа А. Чайковского и «Песнь блаженной ночи» В. Кикты для флейты и органа в интерпретации лауреатов международных конкурсов Сергея Журавеля и Константина Волостнова; Диптих для сопрано и фортепиано Т. Чудовой, запомнившийся сложнейшей вокальной партией (Наталья Гончарова, ф-но Алексей Воронков); сочинение И. Световой «Когда я слышу звук сирены», представленное фортепианным дуэтом (Мария Павлова, Ирина Ларионова); «Псалтырь десятострунный» для фортепиано А. Гордейчева в исполнении автора и, конечно, завершившие концерт фрагменты из опер «Безродный зять», «Мать» и оперетты «Белая ночь» самого Хренникова, а также две песни из его вокального цикла на стихи Р. Бернса.

Камерный хор Московской консерватории, дирижер – А. Соловьев

15 октября в Большом зале состоялся заключительный концерт фестиваля. В исполнении солистов и Симфонического оркестра Министерства обороны РФ под управлением Романа Белышева прозвучали три инструментальных концерта композитора, концерт для виолончели с оркестром Т. Хренникова-младшего и симфоническая фантазия Е. Щербакова «Песни Тихона Хренникова» (1997).

Третий фортепианный концерт, впервые исполненный автором в 1983 году, – одно из самых ярких и виртуозных произведений в творчестве Хренникова. В этот раз его представлял публике уже Т. Хренников-младший. Первый скрипичный концерт, премьера которого состоялась в 1959 году на музыкальном фестивале в Лос-Анджелесе в исполнении Леонида Когана, в Большом зале прозвучал в интерпретации блестящей скрипачки, лауреата международных конкурсов Юлии Игониной. Замечательный пианист и композитор, лауреат международных конкурсов Никита Мндоянц исполнил не менее знаменитый Второй фортепианный концерт (1972). А последовавший за ним интересный одночастный Виолончельный концерт Т. Хренникова-младшего в исполнении лауреата международных конкурсов Евгения Румянцева предоставил слушателям уникальную возможность в течение одного вечера познакомиться с симфоническим творчеством сразу двух Хренниковых – старшего и младшего.

Программу масштабного фестиваля завершила фантазия Е. Щербакова на темы песен Хренникова из кинофильмов. В зале их мог бы подпеть любой слушатель – их звучание стало еще одним убедительным подтверждением гениального мелодического дара, которым обладал Тихон Николаевич, и огромного значения его музыки для людей не только постсоветского пространства, но и всего мира.

Доцент М. В. Щеславская,
студентка КФ Марьяна Лысенко

№ 9 (1311), декабрь 2013

Обе годовщины связаны генетически: это возраст наших консерваторских газет. Будет идти (бежать, лететь!) время, а наши газеты продолжат отмечать юбилейные вехи вместе. Так не было задумано – все получилось случайно: юная «Трибуна молодого журналиста» появилась в 1998 году на пороге предновогодних торжеств, когда стареющий «Музыкант» (1938 года рождения), практически исчез из консерваторской жизни. С тех пор, подставляя друг другу плечо, в чем-то дополняя друг друга, постепенно обе газеты стали вместе представлять лицо Московской консерватории XXI века.

Среди авторов юбилейного года: 1 ряд (слева направо): Ю. Москвина, А. Попова, К. Старкова, М. Валитова; 2 ряд: Е. Гершунская, М. Тихомирова, проф. Т. А. Курышева,   А. Торгова, М. Богданова; 3 ряд: В. Тарнопольский, А. Смирнова, М. Вялова, О. Ординарцева, Н. Травина, А. Шляхов. Фото Дениса Рылова

По замыслу они – разные. У каждой – своя задача: «Музыкант» обращен к консерваторской творческой жизни, «Трибуна» стремится быть открытой всему миру. Но есть и общее, немаловажное: все, что публикуется, пишется по потребности разума и зову души. У нас нет ни гонораров, ни каких-либо других форм стимулирования и поощрения, кроме удовлетворения желания словом служить искусству и Московской консерватории. Правда, у студентов-теоретиков есть курс музыкальной журналистики и критики, где надо готовить материалы в заданных жанрах, что они и делают. Но не более. Ни обязать, ни заставить выступить на определенную тему никого нельзя, каждый автор и в той, и в другой газете – «свободный художник», которому можно лишь помочь отшлифовать его собственные идеи. И многое, если не все, неожиданное и интересное, приходит на полосы наших изданий по личной инициативе авторов. В такой непредсказуемости подходов и взглядов тоже заключена современная особенность обоих изданий. И тоже – общая черта.

Корни произошедшего сближения заключены в том, что «среднестатистический» автор «Российского музыканта» резко помолодел. Пятнадцатилетняя ныне «Трибуна» во многом оказалась законодательницей стиля: музыкальная газета студентов Московской консерватории, как значится в ее подзаголовке, невольно влияет на старшего брата «Музыканта» – теперь и в главном, вроде бы более «официальном», издании негоже писать казенным стилем типовые фразы на «нужные» темы. Обе газеты выходят рядом, у них один читатель, и интерес и спрос – равнозначный. Причем профессиональный уровень «писателей» и равная ответственность перед читателем – единая «головная боль» объединенной редакции.

Молодое авторство в «Российском музыканте» – новые преподаватели, ассистенты и аспиранты, студенты разных факультетов – знамение времени. И не потому, что «маститые» устали (они тоже пишут, и всем – огромное спасибо!) или что материалов не хватает, а потому, что студенческие тексты, якобы написанные для «Трибуны», переходят в базовую газету консерватории. Просто консерваторская тематика, освещаемая свежим взглядом, иногда неожиданным по подходам и трактовке событий, вдруг может оказаться более завлекательной для читателя. И то, что требуется для специальных работ по журналистике, – своя, авторская позиция, личностный взгляд, включая манеру подачи идей, – в равной мере желанно для обоих изданий.

Умелая «работа со словом» – абсолютное профессиональное требование журналистики. Наверное, музыковедам она привычнее и дается легче, но, что отрадно, наши авторы других специальностей также пребывают в творческих поисках на поприще музыкальной журналистики. Причем многие хотят присоединиться, хотят совершенствоваться, ощущая художественную значимость предполагаемого высказывания. Мы всем с удовольствием идем навстречу.

Конечно, сегодня пишут многие. Речь идет, естественно, прежде всего об Интернете. Социальные сети привнесли в общественную жизнь глобальный словесный поток, причем не только в виде обмена фактологической информацией, что важно чрезвычайно, но и рассуждений всех и обо всем. Они дали ощущение личной свободы высказывания и неограниченных возможностей. Однако наш главный объект осмысления – музыка и человек в музыкальном, художественном мире – достаточно специфичен и сложен. И наличие печатного и электронного пространства для профессионального, по-своему элитарного, обмена мнениями трудно переоценить. Поэтому наши молодые и заинтересованные авторы, в том числе и каждый год новые, позволяют смотреть в будущее консерваторской периодики с оптимизмом.

В сегодняшней России уже несколько лет одна за другой идут «новые годовщины» – отмечаются разные 15- и 20-летия. Но праздник, обозначенный в заголовке, – особенный. Он олицетворяет и связь времен, и преемственность поколений, равно как дает надежду на сохранение единства новых подходов, свежих взглядов с профессиональной ответственностью и благородным «цеховым» консерватизмом.

Главный редактор газет МГК

№ 9 (1311), декабрь 2013

Король Нидерландов Виллем-Александр с супругой на концерте в Московской консерватории, 9 ноября 2013 г.

Уходящий год был перекрестным годом России в Нидерландах и Нидерландов в России. Он ознаменовался многими заметными политическими и культурными событиями, среди которых было даже посещение королем Нидерландов Виллемом-Александром с супругой Большого зала Московской консерватории 9 ноября – в день концерта прославленного Нидерландского королевского оркестра Концертгебау под управлением Мариса Янсонса.

Московская консерватория со своей стороны внесла серьезную лепту в культурные мероприятия перекрестного года. В ее стенах на радость любителям искусства старых мастеров был задуман и подготовлен внушительный форум в честь великого голландского музыканта, «Орфея Амстердама» – Международная научная конференция с концертами и мастер-классами «Неизвестный Ренессанс: к 450-летию со дня рождения Яна Питерсзона Свелинка». Проект был реализован благодаря поддержке Попечительского совета Московской консерватории, Посольства Королевства Нидерландов в Москве, Гёте-Института в Москве и благотворительного фонда «Искусство добра».

Концерт-открытие «Клавирная и вокальная музыка Яна Питерсзона Свелинка». А. Дроздова, П. Дирксен (Нидерланды), Т. Барсукова. Концертный зал на Кисловке, 9 апреля 2013 года

В числе участников масштабного форума были ведущие музыканты и коллективы из разных стран: соотечественники Свелинка – клавесинист, органист и музыковед П. Дирксен; клавикордист, органист, композитор и импровизатор Я. Рас; органист и музыковед Т. Йеллема; лютнист, клавесинист и композитор из Франции Д. Голдобин; британский дирижер и исследователь П. Филлипс; клавесинистка и музыковед из Казани Е. Бурундуковская; певица О. Гречко; вокальный ансамбль «Intrada» под руководством Е. Антоненко; инструментальный ансамбль «The Pocket Symphony» под руководством Н. Кожухаря; ансамбль исторического танца «Time of dance» под руководством Н. Кайдановской и многие другие. Внушителен был и охват музыки: в пяти концертах прозвучали произведения не только самогό «амстердамского Орфея», его прославленных учеников и последователей, но и опусы выдающихся современников Свелинка из разных европейских стран; многое было исполнено у нас впервые.

Программа конференции была насыщена интересными научными сообщениями разных форматов, причем существенно, что большинство как российских, так и иностранных участников успешно сочетает исследование старинной музыки с ее исполнением. Зарубежные гости получили возможность щедро поделиться обширными познаниями и богатым практическим опытом, а отечественные специалисты – испытать свои идеи в диалоге с лучшими знатоками

Концерт «Камерная и придворная музыка эпохи Ренессанса». Ансамбль «The Pocket Symphony» (худ. рук. Назар Кожухарь) и Дмитрий Голдобин (Франция). Прокофьевский зал ГЦММК им. М.И.Глинки, 17 апреля 2013 года

североевропейского искусства конца XVI – начала XVII века. Не знающий устали Питер Дирксен порадовал публику сразу тремя выступлениями на различные темы (особенно впечатлило последнее из них, посвященное тайнам клавирных вариаций на тему «Mein junges Leben hat ein End»). Мэтр голландской музыкальной науки Рудольф Раш прочел фундаментальную лекцию об источниках и изданиях клавирной музыки Свелинка, а также сделал доклад на актуальную тему среднетоновой темперации. Глубокую и основательную концепцию о философских истоках жанра клавирной фантазии предложил в своем выступлении авторитетнейший немецкий музыковед Арнфрид Эдлер. Гостья из парижской Сорбонны Сусанна Касьян осветила неизвестное сочинение Окегема из собрания рукописей Ватикана. Ян Рас в непринужденной манере рассказал о своем любимом инструменте – клавикорде.

Отечественные участники конференции представляли честь русской науки. С большим энтузиазмом был встречен доклад профессора И. А. Барсовой о том, как библейская мысль о суете сует получила отражение в музыке и живописи раннего Нового времени. Е. О. Дмитриева напомнила присутствующим о заслугах Свелинка как музыкального теоретика и педагога. Доклад доцента Р. А. Насонова был посвящен незаурядной личности Константейна Гюйгенса – одной из ключевых фигур в истории старинной голландской музыки. Тонкими наблюдениями над музыкальной теорией и практикой позднего Ренессанса было отмечено выступление доцента Г. И. Лыжова. Конференция завершилась торжественной церемонией передачи двух новейших изданий клавирной музыки Свелинка в дар библиотеке Московской консерватории. Это стало возможным благодаря издательству «Breitkopf», Королевскому Обществу Нидерландской Музыкальной Истории, а также лично Р. Рашу и П. Дирксену.

Тео Йеллема. Мастер-класс по органной интерпретации. МГК (класс 314), 18 апреля 2013 г.

Не менее полное представление о Свелинке в культурно-историческом контексте его времени получили посетители пяти концертов и четырех мастер-классов. Честь открытия программы по праву досталась Питеру Дирксену – ведущему в мире исследователю творчества «Мастера Яна». Он блестяще исполнил на клавесине ряд клавирных сочинений Свелинка, а также вокальных – в собственной обработке для сопрано, клавесина и континуо (при участии певицы Татьяны Барсуковой и исполнительницы на виоле да гамба Александры Дроздовой).

Оригинальной частью программы стала клавикордная игра. Инструмент с тихим и изысканным звуком, переживший века забвения, стал особенным для Яна Раса – глубокого исполнителя, одного из учредителей Нидерландского клавикордного общества. Пестрая палитра стран и эпох, представленная в программе концерта «Ренессанс клавикорда» (от Свелинка до сочинений самогό Раса), убедительно свидетельствовала о богатстве возможностей этого инструмента. Завершая концерт, Рас продемонстрировал еще одну грань искусства старинных мастеров, исполнив импровизацию на тему, «собранную» из последовательности отдельных нот, заданных публикой, чем привел слушателей в совершенный восторг.

Маэстро органного искусства Тео Йеллема предложил вниманию тематический концерт «Органные школы Северной Европы». Своим мастерством и глубоким проникновением в стиль эпохи музыкант буквально сотворил чудо, в одно мгновение перенеся слушателя в ренессансную Европу и дав российской публике уникальную возможность осязаемо почувствовать эту атмосферу.

Заключительный концерт в Московской консерватории. Ансамбль «Интрада», худ. рук. Екатерина Антоненко, дирижер – Питер Филлипс. 22 апреля 2013 г.

Своего рода «интерлюдией» в окружении «серьезных» концертов стал вечер «Камерная и придворная музыка эпохи Ренессанса» в Музее имени Глинки с программой домашней и бытовой музыки тех времен. Доцент А. С. Семёнов и другие участники познакомили публику с именами, практически неизвестными российскому слушателю: Э. Холборн, Дж. Дженкинс, Э. Андриансен, К. Гюйгенс, Н. Вале, И. Схенк и др.

Концерт «Вокальная музыка эпохи Ренессанса» в Большом зале консерватории триумфально завершил мероприятие. Совместное выступление вокального ансамбля «Intrada» (солисты Лилия Гайсина и Тигран Матинян) и основоположника исторически информированного исполнительства в области ренессансной вокальной музыки Питера Филлипса состоялось после интереснейших мастер-классов, которые английский музыкант провел в стенах консерватории. Начавшись и завершившись произведениями Свелинка, программа охватила музыку разных стран Европы: О. Лассо, Дж. Палестрины, У. Берда, П. Филипса, Иерон. Преториуса, Г. Аллегри.

«Неизвестный Ренессанс» – уникальный проект, который подготовили и осуществили подлинные энтузиасты (Е. Дмитриева, Р. Насонов, А. Семёнов) при поддержке ректората Московской консерватории. Прошедший культурный праздник не только представил во всей многогранности творчество Яна Питерсзона Свелинка – музыканта, «превзошедшего органным искусством Палладу», но и невероятно обогатил наши представления о старинной музыке. Судя по количеству публики на концертах, ее восторженной реакции на прозвучавшие сочинения, традицию подобных фестивалей в стенах Московской консерватории необходимо продолжить. Возможно, не дожидаясь, пока наступят юбилейные даты у других ярких представителей эпохи.

Юлия Москвина,
cобкор «РМ»

№ 8 (1310), ноябрь 2013

Владимир Селезнев. «Метрополис»

Премия Василия Кандинского – проект, с помощью которого выбираются лучшие работы в области изобразительного искусства последних лет, а также лучшие молодые художники. Премия вручается каждый год, в этом году – уже седьмой раз. Регламент не позволяет участвовать в конкурсе работе, которая старше двух лет, и таким образом автоматически обрекает себя на современность и постоянно обновляемый контекст. Компетентное жюри выбирает лучшие из представленных арт-проектов, которые в качестве номинантов на премию также выносятся на суд публики. Победителей ожидают не только приличная денежная премия, но и выставки в городах России и за рубежом. В этом году одна из них проходит с 13 сентября по 10 ноября в здании с удивительной историей – кинотеатре «Ударник».

Здание кинотеатра в прошлом году перешло в пользование фонда «Артхроника» (учредитель премии – президент фонда Шалва Бреус). Оно является памятником архитектуры и за свою почти столетнюю историю меняло как хозяев, так и функцию: кинотеатр, казино, ресторан… «Ударник» никак не мог принять эти новые роли, однако идея сохранения культурной направленности здания, приспособление его для изобразительного искусства, преимущественно современного, кажется наиболее приемлемой. Пространство кинотеатра таит в себе как трудности для размещения экспозиции, так и большой потенциал. И это доказывают выставки номинантов премии Кандинского. Архитектура кинотеатра несет в себе глубоко индивидуальную атмосферу, и современное искусство очень хорошо в нее вписывается.

Михаил Косолапов. «Непрямое политическое высказывание»

Из более чем 200 арт-объектов жюри выбрало 37. Все они размещены на разных этажах здания согласно тематике, заявленной архитектором выставки. Нижний этаж со своими низкими потолками и особой «затемненной» атмосферой как нельзя лучше соответствует «Пространству памяти и сна». Фойе кинотеатра отдано экспонатам, связанным с нерушимой действительностью («Реальность как документ»). Второй этаж – сам кинозал со своим огромным куполом – представляет наиболее объемные работы, включая крупномасштабные инсталляции («Больше, чем жизнь»). На балконе второго этажа демонстрируются работы, связанные с киноискусством.

В этом году выставка номинантов премии Кандинского имеет для Московской консерватории особый интерес. Сетуя на известную разобщенность студентов музыкального профиля и других творческих вузов, а также на отдаленность области музыкальной от хотя бы изобразительного искусства, наш студент Владислав Тарнопольский предложил организаторам премии проект «Art’инки с выставки». Название не случайно и апеллирует к знаменитым «Картинкам с выставки» Мусоргского, однако в современном изобразительном искусстве нельзя говорить только о картинах или картинках, скорее это арт-объекты. Проект позволяет направить интерес молодых композиторов, в данном случае студентов и аспирантов консерватории, на современное российское изобразительное искусство. В нем участвуют шесть авторов, которые после посещения выставки выбирают наиболее интересный для каждого арт-объект и пишут «по его мотивам» музыкальное произведение. На концерт из этих произведений, который состоится в конце декабря, будут приглашены художники-номинанты премии.

Елизавета Гершунская,
студентка IV курса ИТФ

Софья Гаврилова и Алексей Корси. «Кому принадлежит тень от зонтика»

Яна Сметанина. Проект «2-я стадия»

Яна Сметанина. Проект «2-я стадия»

От редакции: РМ ждет концерт по итогам конкурса и непременно расскажет о результатах сотрудничества своим читателям

№ 8 (1310), ноябрь 2013

30 июля в возрасте 75 лет ушел из жизни народный артист России профессор Игорь Александрович Фролов. Игорь Александрович родился 10 января 1937 года в Москве в семье музыкантов: отец был педагогом, концертмейстером, а затем дирижером в Симфоническом оркестре Радио, мать работала аккомпаниатором в классе Д. Ф. Ойстраха. В Московской консерватории И. А. Фролов обучался у А. И. Ямпольского, а закончил образование (в том числе аспирантуру) по классу Д. Ф. Ойстраха (1965).

Игоря Александровича я знаю с конца 60-х годов: в то время я был студентом, а он – аспирантом, а затем молодым педагогом консерватории. Практически всю свою творческую жизнь он работал солистом Москонцерта, а в последние годы стал его художественным руководителем и имел там очень хороший оркестр – «Московская камерата», который существует и сейчас. Став деканом, я пригласил Игоря Александровича в консерваторию, где он преподавал до конца своих дней.

Это была очень яркая личность: замечательный скрипач, дирижер, композитор. Мы называли его «наш Крейслер»: его сочинения удивительно скрипичные, у него есть даже «Каприс памяти Крейслера». Дважды произведения И. А. Фролова отбирались на конкурс Чайковского как обязательные и звучали там с большим успехом. Так же блестяще он писал джазовые пьесы для фортепиано, прекрасно владея этим инструментом (что являлось во многом заслугой его матери).

После учебы у Д. Ф. Ойстраха Игорь Александрович стал ассистентом его кафедры. Поэтому его педагогические принципы – исключительно ойстраховского направления: он много работал над фразировкой, над музыкальными образами; в его классе играли не только много классики, но и современную музыку, включая его собственные сочинения. Можно сказать, что он был ярким представителем русской скрипичной исполнительской школы – школы Московской консерватории.

И. А. Фролов вел насыщенную концертную деятельность, имел очень богатый репертуар, как солист и дирижер выступал во многих странах мира. Его обожали не только в Европе (например, в Испании, где он, блестяще владея языком, бывал довольно часто), но и на Кубе, даже в Индии. Много гастролировал Игорь Александрович и в России. В свое время мы были с ним в культурно-просветительской поездке по разным городам БАМа – от Благовещенска до Тынды. В 1984/85 году БАМ закрывали и в честь этого был организован фестиваль под названием «Золотой костыль». Игорь Фролов всякий раз открывал эти концерты (я участвовал во втором отделении, а завершал программу Бюль-Бюль оглы со своим ансамблем). Он выступал с большим юмором, очень весело и имел невероятный успех, играя в основном свои произведения.

Игорь Александрович обладал огромным талантом и трудолюбием. Рассказывал, как однажды приехал на гастроли в Днепропетровск играть концерт Хачатуряна, а там за пультом – сам автор. Страшная ответственность! На репетиции Арам Ильич спросил: «Ну, Игорек, ты наверняка играешь мою каденцию?» Фролов играл каденцию Ойстраха, но, тем не менее, ответил: «Конечно-конечно, только сегодня не буду – завтра». После этого он прозанимался всю ночь, но каденцию Хачатуряна все-таки выучил.

Мы много выступали вместе, в том числе на мастер-классах. Одна из последних поездок была в Польшу, где Игорь Александрович был отмечен правительственными наградами и где его очень любили. Исполнялись его новые сочинения, в частности «Грустный вальс» для двух скрипок с камерным оркестром, посвященный известному польскому скрипачу, директору этих курсов профессору Лавриновичу. К сожалению, это очень грустное и красивое сочинение прозвучало только один раз (надеюсь, что оно будет исполнено и в Москве).

Игорь Александрович был очень светлый человек. Он безмерно любил жизнь, был необыкновенно остроумен. Невероятный весельчак, он вел себя изумительно по отношению к своим коллегам, был душой нашей кафедры. Мы обожали его, постоянно ходили друг к другу на концерты. Ученики до сих пор мне звонят, вспоминают его с большой благодарностью.

Конечно, все хотят почтить память этого прекрасного человека и талантливейшего музыканта исполнением его сочинений. Первый концерт, где будут выступать педагоги и его оркестр, состоится 17 января в Музее им. Глинки. Другой концерт был запланирован еще год назад, к юбилею Игоря Александровича, – у него очень много веселой, шутливой музыки, поэтому мы взяли дату 1 апреля. Он знал об этом концерте, даже советовал, что и как играть, хотел участвовать… Этот кафедральный вечер мы сделаем только из его произведений.

Профессор С. И. Кравченко

№ 8 (1310), ноябрь 2013

Каждый его концерт длится более трех часов, но ни один номер невозможно без ощутимой потери исключить из программы… С его урока невозможно уйти: пропустишь что-то важное, тот самый момент переполняющего вдохновения… На полках магазинов и библиотек невозможно найти его произведений – они не опубликованы…

27 октября со сцены Малого зала звучала музыка Данияра Дианова – так композитор и органист, выпускник хорового училища имени А. В. Свешникова и Московской консерватории отметил свой 50-летний юбилей. Праздничный вечер открыли пять хоровых сочинений Д. Дианова в исполнении Концертного хора под управлением Александра Соловьева. Вместе с ним выступали солисты Ольга Веселова (сопрано), Станислав Малышев (скрипка), Давид Короновский (валторна) и Евгений Круглов (валторна); партию органа и фортепиано сыграли сам автор и его ученики: Ирина Шашкова-Петерсон и Марина Бадмаева. Такое торжественное начало задало настроение всему концерту.

На протяжении двух отделений вплоть до финальной точки Скрипичной сонаты музыка Данияра Дианова увлекала публику разнообразием жанров и тембров. Звучали флейта (Зоя Вязовская), труба (Никита Токарев), кларнет (Василий Маслов), скрипка (Артем Котов), фортепиано (Станислав Дяченко, Ольга Матиева), голос (Дмитрий Максименко) и, конечно, орган (Александра Максимова, Ольга Бижако). Самые разные произведения Д. Дианова объединяла одна очень важная деталь: богатство мелодий. Добрые и деликатные, как и сам композитор, его красивые мелодии переливались всей палитрой тембров человеческого голоса и звенели инструментальными красками.

Концерт остался в душе и памяти всех присутствующих как уютный вечер, как праздник для самых родных и близких. И невольно вспомнились строчки стихотворения Алексей Толстого, прозвучавшие в начале концерта в исполнении хора – они как будто написаны про музыку композитора: «Твоя же речь ласкает слух, Твое легко прикосновенье…»

Ольга Яковенко,
студентка ДФ

№ 8 (1310), ноябрь 2013

Кафедра медных духовых инструментов Московской консерватории положила начало серии концертов, посвященных выдающимся музыкантам минувшего века: 9 октября в Рахманиновском зале состоялся вечер к столетию со дня рождения легендарного трубача Сергея Петровича Попова.

Брасс-ансамбль Московской консерватории. Дирижер Я. Беляков, солист М. Гайдук

В моей жизни была короткая встреча с этим выдающимся музыкантом – воспоминания о ней до сих пор будоражат мое воображение. Узнав, в какие дни Сергей Петрович занимается (а он до последних дней своей жизни не расставался с инструментом и преподавал трубу в музыкальной школе № 81 им. Д. Д. Шостаковича), я явился к нему на урок. Сергей Петрович очень ласково меня принял и уделил много времени, отвечая на мои многочисленные вопросы. На тот момент ему шел уже девяносто третий год, и меня поразили его необычайная для столь преклонных лет живость ума, точность суждений, подробнейшие воспоминания о многих событиях далекого прошлого…

…Когда в Рахманиновском зале после третьего звонка из динамиков раздались призывные интонации вступления концерта для трубы Сергея Василенко, все услышали волшебный «золотой звук» Сергея Попова и переполненный зал разразился громоподобными аплодисментами. Затем со вступительным словом к залу обратились заведующий кафедрой медных духовых инструментов РАМ им. Гнесиных профессор В. М. Прокопов и заведующий кафедрой деревянных духовых инструментов Московской консерватории профессор В. С.  Попов – сын С. П. Попова.

Весь концерт прошел на одном дыхании – солисты были очень яркими, номера эффектными, а продуманная драматургия вечера до конца держала зал в напряжении. Словно принимая эстафету от великого музыканта, лауреат международных конкурсов, воспитанник профессора В. А. Новикова Жасулан Абдыкалыков безупречно исполнил 2-ю и 3-ю части концерта Василенко. Замечательно показали себя брасс-квинтеты Московской консерватории, Гнесинской академии и Большого театра, а также ансамбль тромбонов ГАСО им. Е. Ф. Светланова под руководством Аркадия Старкова, исполнивший «Ave Maria» А. Брукнера. Особенный восторг у слушателей вызвало вдохновенное выступление профессора В. С. Шиша (заведующего кафедрой медных духовых и ударных инструментов МГК) – в его переложении для валторны прозвучала «Элегия» С. В. Рахманинова.

В заключение вечера Брасс-ансамбль Московской консерватории под моим руководством предложил вниманию публики знаменитые произведения, где труба является главным действующим лицом: «Шествие князей» из оперы-балета «Млада» Н. А. Римского-Корсакова, «Адажио» Т. Альбинони (в великолепном исполнении солиста РНО Владислава Лаврика) и «Время, вперед!» Г. В. Свиридова (в интерпретации лауреата международных конкурсов Михаила Гайдука). Именно этот последний номер, по просьбе публики повторенный на бис, поставил в юбилейном концерте яркую эмоциональную точку.

Ярослав Беляков,
преподаватель МГК

№ 8 (1310), ноябрь 2013

Осенью 1994 года Ю. С. Айрапетян, приехав в Москву из Армении, где он долгие годы преподавал в Ереванской консерватории, был деканом фортепианного факультета и пользовался непререкаемым авторитетом, фактически «с нуля» начал формировать свой класс. В первый год преподавания в столице у Юрия Суреновича класс был сравнительно небольшим – всего 7 человек. Как раз в том, 1994 году мне и посчастливилось познакомиться с моим профессором.

Придя в первый раз ему поиграть (а было это в легендарном «нейгаузовском» 29 классе) в одно из осенних воскресений, под колокольный перезвон храма «Малое Вознесение», я, помнится, с первых минут знакомства был поражена его неуемной энергией, живостью, с которой он реагировал на все. Казалось, вся эта благоговейная обстановка, незнакомый мне 60-летний уважаемый профессор в своей неизменной «бабочке» – все невольно сковывает. И тут – озорные искорки в его глазах: «Давай послушаем тебя, что играешь?» После исполнения мною программы Юрий Суренович садится за второй рояль и буквально в двух-трех словах, показывая при этом на рояле, советует, как было бы лучше, естественнее сыграть. И так у него это мастерски, ненавязчиво получается, как будто он не учит, а вступает с тобой в творческий диалог, попутно делясь своими соображениями! Невольно появляется ощущение эмоционального раскрепощения, которое уже больше не покидает. Во многом благодаря мудрости и чуткости моего профессора летом 1995 года я поступила на первый курс консерватории.

С тех пор прошло почти 20 лет, из которых 12 я являюсь ассистентом профессора Ю. С. Айрапетяна. На моих глазах сменилось не одно поколение студентов в нашем классе. После переезда Юрия Суреновича в Москву с каждым годом его класс разрастался и в скором времени по праву стал считаться одним из самых больших и дружных на Фортепианном факультете. Безусловно, одна из важнейших заслуг моего учителя – умение сплотить вокруг себя молодой коллектив, создать среди своих воспитанников атмосферу взаимного доверия, дружбы. Не раз мы слышали от нашего профессора: «Все вы – мои ученики – одна большая семья!»

Великий дирижер Артуро Тосканини говорил: «Имейте мужество играть, как написано». Этой позиции в классе Юрия Суреновича придерживаются со всей скрупулезностью. Профессор неустанно прививает своим ученикам бережное отношение к авторскому тексту. Часто на его уроках можно услышать, как идет кропотливая работа над ясностью фактуры: профессор добивается от студента, чтобы каждая нота была слышна. Думаю, ученикам Юрия Суреновича знакомо его крайне негативное отношение к любой халтуре, будь то элементарная недоученность произведения, прикрытие технических недостатков «замазанной» педалью, стихийная динамика, идущая вразрез с авторскими указаниями, – все это самым беспощадным образом немедленно пресекается. Сохранение авторской мысли, ее строгая концептуальность – главные достоинства, отличающие игру его питомцев.

В последнюю декаду октября в рамках фестиваля к 80-летию Ю. С. Айрапетяна в трех залах Московской консерватории – Большом, Малом и Рахманиновском – с большим успехом прошли концерты, явившиеся своего рода музыкальным приношением юбиляру. Выступали ученики профессора разных лет. Специальным гостем на концерте в Малом зале был народный артист СССР профессор Зураб Соткилава. Затем последовал недельный гастрольный тур на родину Юрия Суреновича – в Армению. Нынешние ученики профессора выступали перед ереванской публикой в Доме камерной музыки и в Большом зале Ереванской филармонии.

Сегодня Юрию Суреновичу Айрапетяну 80! В биографии пианиста подведена черта, подытоживающая огромную работу прошедших десятилетий. Он полон сил и энергии, его жизнь, как всегда, насыщена неустанной творческой работой – мастер-классами, конкурсами, классными вечерами, концертными выступлениями студентов. Он ведет активную общественную деятельность: работает в Фонде развития фортепианного искусства им. Якова Флиера, является художественным руководителем международного фестиваля «Якову Флиеру посвящается», систематически проводит прослушивания детей в Армении и на Тайване с целью выявления юных талантов.

С радостью поздравляю моего дорогого учителя Юрия Суреновича Айрапетяна с 80-летием! Крепкого здоровья, творческого долголетия и достойных преемников молодому юбиляру!

Екатерина Леденева,
преподаватель МГК

№ 8 (1310), ноябрь 2013

21 октября на сцене Малого зала Ассоциация выпускников Московской консерватории «Alma Mater» представила концерт Камерного хора «Gaudeamus» МГТУ им. Н. Э. Баумана. Вечер был посвящен 45-летию коллектива, а также 75-летию и 50-летию окончания Московской консерватории организатора и бессменного художественного руководителя хора профессора Владимира Живова – известного русского хорового дирижера, автора статей о хоровом искусстве, председателя комиссии академических хоров Московского музыкального общества. Незадолго до концерта мы встретились с юбиляром в фойе Малого зала:

— Владимир Леонидович, сегодня камерный хор «Gaudeamus» хорошо известен в кругах любителей музыки, он ведет активную концертную деятельность, а между тем история коллектива началась еще в 60-е годы прошлого века. Насколько сильно приходится меняться, подстраиваясь под реалии сегодняшнего дня?

— Главное достоинство «Гаудеамуса», как я считаю, – это стабильность. Каждый год меняется состав, приходят новые люди, но все равно сохраняется определенная планка. И неважно, что в хоре поют любители – во всем, что я могу как профессионал, я их пытаюсь до своего уровня дотянуть. Единственное, что меня беспокоит, это проблема «отцов и детей». Хору 45 лет, состав все время пополняется молодыми участниками, образуется существенная разница в возрасте между певцами. Но как раз именно у хорового коллектива, на мой взгляд, есть в этом случае объединяющая сила: желание наилучшим образом воплотить дирижерский замысел. Это сглаживает все различия.

Конечно, и репертуарная политика несколько меняется. Раньше мы часто выступали на телевидении, на радио, делали фондовые записи, выпускали пластинки; сейчас же это все дорого и сложно. Но мы не скатываемся на попсу. Должна быть определенная стилистика, закономерность исполнительства, ни в коем случае не вседозволенность. Когда-то я читал в консерватории курс «теории хорового исполнительства», говорил о том, что хорошо, а что жеманно, слащаво. И мои певцы, технари, не имеющие музыкального образования, эти «вкусовые» вещи понимают, становятся мастерами. Я горжусь тем, что, когда люди попадают на наш концерт, они говорят: даже и не скажешь, что это самодеятельность!

— Нередко слово «самодеятельность» употребляют с негативным оттенком. Насколько это уместно, на Ваш взгляд, и можно ли как-то изменить отношение к искусству, не имеющему профессиональной подготовки?

— Самодеятельность, любительство – это не искусство второго сорта! Это – творчество под руководством профессионала. Единственное, что отличает любительский хор от профессионального, – это голоса (и то еще неизвестно, где они будут лучше). И вообще, кого интересует, любитель поет или нет, если в исполнении создан верный образ и есть глубокая проникновенность? Можно спеть чище, басы могут быть тембристее, но не это же самоцель!

Есть музыка, есть ее исполнение. И если я, допустим, исполняю Чайковского, я должен исполнять его качественно или не браться совсем. Все зависит от того, на каком уровне находится коллектив, от того, что ты, как дирижер, можешь. В профессиональном хоре я получил аллергию на большой, «тупой» звук, когда люди орут. А мне очень хочется, чтобы звук был выразительный, легкий, будто с дымкой, чтобы была разнообразная палитра красок, ведь голос обладает большой палитрой тембров: не просто лирические, драматические сопрано, а сопрано злые, суровые, язвительные, милые… Хочется доказать, что хор может быть гибким, подвижным, хотя, к сожалению, не всегда это так, потому что голос – не только самый совершенный, но еще и самый трудный инструмент, очень хрупкий, ранимый.

— Насколько важно для дирижера непосредственное участие коллектива в какой-либо внеконцертной деятельности?

— Хоровик, на мой взгляд, должен быть общественным деятелем. Консерваторцы нашего поколения – это не обособленная элита, мы все участвовали в жизни страны – в поднятии целины, в концертных бригадах по обслуживанию Советской армии, собирали песни в фольклорных экспедициях, чтобы потом возродить их… Как могли, несли культуру в массы. И сообщество, которое называется «Гаудеамус», живет по законам, которые я когда-то установил. Вопреки политике государства, сменам правительств и т. д.

Сейчас ведь другое поколение – растят индивидуалистов. И только хор по-прежнему воспитывается как коллектив, причем не только пением, а совместной жизнью, поездками, объединяющими общественными акциями. Теперь этого все меньше и меньше. Даже те культурные программы, которые еще остались на телевидении (та же битва хоров), воспитывают индивидуализм…

Для того чтобы руководить самодеятельностью, нужны особые качества, не только хороший слух. Ведь люди приходят в самодеятельные хоры не из-за денег, а из любви. Необходимо их обаять, поддержать их тонус – устраивать какую-то общую жизнь: нужны капустники, поездки, походы, гитара. Неизвестно, что притягивает людей больше: само творчество или атмосфера, которая окружает такой хор.

— В чем Вы видите свою главную задачу?

— Я пытаюсь нести факел, который мне дали в руки, и свою функцию вижу в том, чтобы воспитывать молодежь на образцах хорошей музыки. Главное – поддержать и развить все, что заложили во мне мои учителя, всегда соответствовать высокому званию выпускника Московской консерватории.

Беседовала Ольга Яковенко,
студентка ДФ