№4 (1351), апрель 2018

9 апреля в Большом зале Московской консерватории состоялся праздничный концерт в честь 100-летия со дня рождения советского и азербайджанского композитора Кара Караева. Звучали произведения юбиляра, его сына Фараджа Караева и его учителя Дмитрия Шостаковича.

Кара Абульфаз оглы Караев (1918–1982), выдающийся азербайджанский композитор, педагог и общественный деятель, ученик Шостаковича и Гаджибекова, еще при жизни был признан классиком. А в историю музыки Азербайджана вошел как создатель новой национальной композиторской школы. Он является автором трех опер, трех балетов и трех симфоний, многочисленных программных симфонических и камерных инструментальных произведений, музыки к спектаклям и кинофильмам. Караев уже в 28 лет был удостоен Государственной премии СССР, в 30 ему была вручена вторая, в 41 год он стал народным артистом СССР, в том же возрасте – действительным членом Академии наук Азербайджана, в 49 – лауреатом Ленинской премии.

Знамениты слова Дмитрия Шостаковича в адрес своего ученика: «Я не столь самонадеян, чтобы пользоваться выражением “мой ученик”, говоря, к примеру, о таком большом композиторе, как Кара Караев. Но я всегда буду гордиться, что этот замечательный музыкант, выдающийся представитель азербайджанского симфонизма, занимался в Московской консерватории по классу композиции, руководить которым было доверено мне».

Драматургия концерта была великолепно выстроена. «Мы постарались этот концерт сделать несколько нестандартным. Исполняется сочинение Дмитрия Дмитриевича Шостаковича – любимого учителя Караева. Исполняется сочинение естественно юбиляра и исполняется сочинение одного из его многочисленных учеников, которых больше 70-ти – вашего покорного слуги» – сказал в интервью сын и ученик композитора, профессор Московской консерватории Фарадж Караев.

Концертный симфонический оркестр Московской консерватории под управлением Анатолия Левина открыл вечер Сюитой из музыки к кинофильму «Гамлет» (1964) Дмитрия Шостаковича, таким образом отдав дань уважения учителю и наставнику К. Караева. После, задуманная как своеобразное музыкально-театрализованное действо, прозвучала Tristessa I. «Прощальная симфония» для камерного оркестра. Памяти Отца, Учителя, Друга (1982) Фараджа Караева. Она была написана в год смерти отца и Ф. Караев использовал в ней ту же задумку, что и Гайдн в Прощальной симфонии (№45) – в конце сочинения музыканты один за другим уходят со сцены. Вот только подтекст этого «действа» значительно переосмыслен. При соединении в одном произведении трех фортепианных прелюдий Кара Караева и симфонической музыки Фараджа Караева возникает глубоко печальный, хотя и просветленный диалог сына и отца. Чувства, которые рождаются при слушании этой музыки, подобны тем, что возникают при молитве. В конце музыканты расходятся. Гаснет свет. Последним уходит дирижер… Аплодисменты обращены к уже опустевшей сцене.

Второе отделение для всех стало увлекательным путешествием на Восток. Первым прозвучал Концерт для скрипки с оркестром Quasi unо concerto. Это переложение сонаты для скрипки и фортепиано (1960) Кара Караева, которое Фарадж Караев сделал в 2007 году к празднованию 90-летия со дня рождения отца. Солировал лауреат международных конкурсов Никита Борисоглебский. Заслуженная артистка Азербайджана Динара Алиева спела Арию Роксаны из мюзикла «Неистовый гасконец» (1973) Кара Караева. Серебристо-бархатный, соловьиный голос певицы буквально покорил слушателей. А завершила концерт «Албанская рапсодия» (1952) – настоящая восточная сказка с ее томными и обаятельно страстными мелодиями.

Весь концерт с публикой общался доктор искусствоведения Рауф Фархадов. В преддверии концерта он заметил: «Сегодня, у меня такое ощущение, что у слушателя должна сложиться цельная картина о том, что такое сам Кара Караев, и что такое Кара Караев в контексте истории, и, конечно, взаимоотношения Караева с Шостаковичем, который положительно повлиял на всю азербайджанскую композиторскую традицию. Этот концерт интересен тем, что Караев представлен в историческом контексте очень многогранно».

В Московской консерватории это уже второй концерт, посвященный 100-летнему юбилею композитора. Первый состоялся 1 февраля в Малом зале и представил камерное творчество композитора. Обе программы вызвали огромный интерес слушателей и восхищение бессмертной музыкой Кара Караева.

Анна Пантелеева,

студентка ИТФ

№ 2 (1349), февраль 2018

Жила-была маленькая девочка.

Мама любила ее без памяти, а бабушка еще больше.

Ко дню рождения подарила ей бабушка красную шапочку.

Новая шапочка была девочке очень к лицу, и за то,

что с того дня она никакую другую носить не хотела,

люди прозвали ее «Красная шапочка».

В ноябре и декабре 2017 года на сцене Центра имени Вс. Мейерхольда ансамбль солистов «Студия новой музыки» совместно с режиссером Алексеем Смирновым представили российскую премьеру инструментально-театральной пьесы Жоржа Апергиза «Красная шапочка». Спектакль состоялся в рамках фестиваля «Новый европейский театр» (NET).

Жорж Апергиз – французский композитор греческого происхождения, представитель современного музыкального театра. В 2015 году он был удостоен престижной венецианской премии «Золотой лев». Несколько лет назад Апергиз задумал и осуществил мультижанровый проект для детей «Красная Шапочка», где сказка Шарля Перро рассказывалась языком музыки при помощи двух кларнетов, саксофона, скрипки и двух роялей.

Партитура «Красной Шапочки» родилась в ходе коллективной импровизации – Апергиз создал 50 разных и никак не связанных друг с другом музыкальных фрагментов, которые распределились между эпизодами сказки. Так как спектакль рассчитан прежде всего на детей от младшего школьного возраста и выше, в процессе подготовки композитор приглашал ребят на сцену, проверяя некоторые сценические решения на них.

Специфика жанра инструментального театра такова, что музыканты являются еще и драматическими артистами – перемещаются по сцене и декламируют текст, используя при этом различные речевые техники (традиционное пение, ритмизованное проговаривание, пение в музыкальный инструмент). Новейшие приёмы звукоизвлечения в пьесе Апергиза оказались напрямую связаны с перипетиями классического сюжета.

В отличие от сказки братьев Гримм, версия Шарля Перро – более ранняя, именно она распространена в странах Европы. В ней нет ритуального спасения: девочка и бабушка съедены волком, а в конце звучит мораль о детях, которым не стоит водиться с незнакомыми хищниками. Всё как в оригинале: без доброго конца, но с поучительными наставлениями напоследок!

История Красной Шапочки у Апергиза рассказывается с разных сторон. Одна и та же ситуация – сначала от лица Красной Шапочки, затем – со стороны волка, бабушки и даже в ретроспекции следователя. Композитор показывает событие глазами каждого персонажа, один и тот же текст многократно повторяется. При таком раскладе художественный результат целиком ложится на плечи постановщика, с ролью которого мастерски справился Алексей Смирнов.

Режиссер сотрудничает со «Студией новой музыки» с 2013 года. Он признался, что постановка «Красной Шапочки» стала самым сложным, но и одним из самых интересных проектов. Постановщик нашел много смелых и интересных находок, в частности, при работе с музыкантами старался использовать привычные для тех музыкальные термины: акцент, обрыв, крещендо, сфорцандо, дабы исполнителям было проще вникнуть в специфику актерской игры. Чтобы представить себе, насколько непросто одновременно играть на музыкальном инструменте и одновременно лицедействовать, вообразите двух кларнетистов (волк в «двух лицах») плечом к плечу вдетых в одно пальто, которые исполняют наизусть (!) сложнейший текст. Такое под силу только высокопрофессиональным музыкантам.

Шесть музыкантов ансамбля «Студия новой музыки» – Никита Агафонов и Евгений Бархатов (кларнет и бас-кларнет), Владимир Устьянцев (саксофон и туба), Екатерина Фомицкая (скрипка), Мона Хаба и Наталия Черкасова (фортепиано) – попеременно перевоплощаются в разных персонажей. Иногда на сцене появляется сразу несколько Шапочек и несколько Волков. Роли не фиксируются, музыканты-перформеры словно обмениваются масками. Сюжет сказки неоднократно повторяется в виде свободных вариаций, что дает возможность даже очень маленькому зрителю по-разному воспринять оттенки истории.

Первый в 18-летней истории фестиваля NET спектакль для детей перевернул наше представление об этом жанре. «Красная Шапочка» Жоржа Апергиза удивляет не сюжетом, а его новым прочтением. Сам режиссер в одном из радиоинтервью сказал, что это – «Петя и волк» XXI века. Театральная сказка в доступной форме знакомит детей с инструментами и новой необычной музыкой, которая воспринимается ими интуитивно – проще, чем взрослыми. «Красная Шапочка» может стать отличным вводным уроком в сложное современное музыкально-театральное искусство.

Анна Пантелеева, IV курс ИТФ

Фото Екатерины Краевой

№8 (1346), ноябрь 2017

Сезон 2017/2018 открылся вместе с фестивалем «Творческая молодежь Московской консерватории». Уже семь лет подряд студенты, аспиранты и выпускники в рамках этого мероприятия организуют концерты в стенах Alma mater. В этот раз за три недели молодые артисты предложили вниманию пятнадцать программ. Наряду с выступлениями солистов и камерных ансамблей в фестивале приняли участие три молодых оркестровых коллектива. Два из них завершили фестивальный марафон в Рахманиновском зале.

Оба отделения заключительного концерта разделили между собой молодые дирижеры – Даяна Гофман (класс доц. С. Д. Дяченко) и Иван Никифорчин (класс проф. В. К. Полянского). Они оказались настолько преданы своей профессии, что решили выйти за рамки стандартной учебной программы. Каждый из них самостоятельно собрал свой коллектив и теперь, помимо собственно дирижирования, они познают все тонкости организаторской концертной деятельности.

Московский юношеский камерный оркестр под управлением Даяны Гофман существует с 2015 года. В нем играют студенты консерватории, и на сегодняшний день они регулярно успешно выступают на различных московских площадках. Камерный инструментальный ансамбль Никифорчина существует и того меньше – с марта 2017 года. Молодой коллектив сформировался из совсем еще юных исполнителей – студентов музыкального колледжа при Московской консерватории. При этом они нисколько не уступают в своем артистизме и профессионализме более опытным коллегам. Всех ребят объединило желание получить бесценную практику игры в ансамбле/оркестре, а заодно и представить свою работу на сцене.

Программу последнего концерта логично выстроили по хронологии, причем с большим креном в русскую музыку XX века. Тесное соседство произведений И. Стравинского, Б. Чайковского и Г. Галынина дало возможность аудитории услышать разнообразные творческие подходы, которые применяли композиторы первой половины прошлого столетия.

Но это было потом. А открыл вечер волшебный в своей мелодичности А. Аренский c «Вариациями на тему П. И. Чайковского». Аренский написал их в 1894 году – сразу после смерти своего кумира. В основу сочинения легла тема одной из детских песен Чайковского – «Легенда» («Был у Христа младенца сад»). Невероятно трогательные и возвышенные в своей внутренней силе «Вариации…» оркестр Гофман прочувствовал очень тонко, что выразилось в проникновенном звуке и стройной форме.

После «по нарастающей» пошел сплошной XX век. Тот же коллектив сыграл «Базельский концерт» для струнного оркестра Стравинского. Он был написан сразу после войны, что отчасти отразилось на характере музыки. Свойственные Стравинскому яркость, графичность и острая ритмичность буквально уничтожили благостную атмосферу, на которую уже успел настроить Аренский. Это было настоящее столкновение, и не просто двух стилей, а двух эпох – романтической и авангардной. Гофман очень четко выполняла все свои действия: метр, динамика, штрихи и никакой лишней эмоциональности. Тем не менее, Стравинский оказался очень непрост для исполнения.

Позволю себе небольшое отступление. Римский-Корсаков в своем масштабном труде «Основы оркестровки» дает сноску с высказыванием Глазунова. Последний выстраивает особую градацию достоинств, а именно:

«1) оркестровку, звучащую хорошо при мало-мальски исправном исполнении, а при надлежащем разучивании – восхитительно, 2) оркестровку, эффекты которой выходят лишь при особых заботах и старании дирижера и исполнителей, и 3) оркестровку, которая при всем старании со стороны дирижера и исполнителей все-таки выходит неудовлетворительно».

Оркестровка Стравинского действительно вызывает трудности и нуждается в особых «стараниях дирижера и исполнителя». И хотя «Базельский концерт» явно дался молодому коллективу «с боем», его исполнение создало трамплин для усложнения и расширения репертуара.

Завершила первое отделение «Симфониетта» для струнного оркестра Бориса Чайковского, сочинение очень русское по музыкальной стилистике. С первых звуков можно уловить национальные корни и тут же осознать, что композитор возник не сам по себе, а впитал глубокую традицию. Что касается исполнения, особенно волшебно звучало пиццикато всего ансамбля.

Все второе отделение было полностью посвящено музыке Германа Галынина. Камерный ансамбль Никифорчина представил два его произведения – Арию для скрипки и струнного оркестра и Сюиту для струнного оркестра. В качестве солистки выступила аспирантка Московской консерватории – великолепная скрипачка Елена Таросян. На концерте присутствовал сын композитора – профессор Московской консерватории Дмитрий Германович Галынин. После исполнения он несколько раз поблагодарил дирижера и явно остался доволен происходящим.

Публика приняла концерт настолько тепло, что исполнители не могли сдержать улыбок, они буквально светились от счастья. Кажется, слушатели могли бы сидеть всю ночь – уходить не хотел никто. Признаться, и мою вечернюю усталость как рукой сняло. «С начала! Третью часть!» – восторженно кричали из зала, когда основную программу уже отыграли. Жаль, что нельзя поместить в нашу газету живую картинку, как в «Ежедневном пророке» Хогвартса, чтобы все могли оценить то чудо, которое подарили залу юные музыканты!

Рождение нового коллектива – это всегда большое событие в культурной жизни. Но оно часто остается незамеченным. Мы то и дело грешим тем, что недооцениваем начинающих исполнителей, говоря: «вот подрастет, освоится, наберется опыта, мастерства, да и вообще останется на сцене – вот тогда пойду». Большая ошибка! Юные коллективы отличаются от матерых. Есть в этих ребятах какая-то непосредственность и гармония, они вдохновенные и искренние.

Ходите на концерты юных коллективов. Они наполнят вас чистотой и любовью. После таких концертов хочется летать, творить или… хотя бы написать рецензию, полную восторга и почтения к молодым исполнителям.

Анна Пантелеева, студентка ИТФ