№ 1 (1312), январь 2014

Хельмут Лахенман

Центр современной музыки Московской консерватории с 16 по 20 декабря провел XIV Международный фестиваль «Московский форум». В этот раз «форум» был посвящен новой музыке России и Германии, он также входил в череду многочисленных творческих мероприятий, связанных с празднованием 20-летия ансамбля «Студия новой музыки», руководимого Владимиром Тарнопольским и Игорем Дроновым. Этот юбилей во многом и определил масштаб события, завершившего уходящий год: на фестивале консерваторский коллектив разделил сцену со знаменитым немецким Ensemble Modern и его «солистом» – Хельмутом Лахенманом.

Приезд культового композитора и лидера немецкой композиторской школы – событие одного порядка с визитом в 1962-м Игоря Стравинского или в 1990-м Карлхайнца Штокхаузена. Справедливости ради стоит сказать, что Лахенман у нас уже был в далеких 1980-х, однако тогда между музыкантами из СССР и ФРГ вряд ли могло быть много общего. Сегодня ситуация иная: несмотря на то, что все его статьи, собранные в большой том и за отдельным исключением пока не переведенные на русский язык, сложны даже для подготовленного читателя, сам он в разговоре предельно ясен для собеседника, любит пошутить, старательно избегает менторских наставлений, всячески поощряет диалог, держится весьма просто. Словом, Лахенман – полная противоположность «гуру» Штокхаузену.

На двух встречах в Конференц-зале консерватории, где ни то, что сеть, – встать было негде, собственных сочинений он почти не касался (объясняя, что не стоит верить композиторам), зато охотно говорил о других, садясь за рояль и наигрывая Баха, Моцарта, Бетховена, Брамса, Брукнера, Малера, Лигети (а напоследок Морриконе). Так, постепенно из экскурсов в композиторскую технику и философию выстраивалась парадигма западноевропейского музыкального искусства. Для начала он приготовил чисто теоретические анализы отдельных частей веберновских циклов. Такой структурный разбор сочинений нововенца в 1950-е и 1960-е служил для поствебернианцев своего рода гимнастикой, упражнением, оттачивающим способность «мыслить музыку». Наделив Веберна не свойственными его мышлению сериальными категориями, Лахенман и сам признался, что все еще «инфицирован» Дармштадтом. А затем на тщательно подобранных примерах объяснил изложенную в научных работах собственную систематизацию звуков и типов изложения музыкального материла.

Для участия в дискуссионной программе фестиваля Центром современной музыки был приглашен представитель современного Дармштадта Йорн-Петер Хикель – музыковед и руководитель Института новой музыки в Дрездене. Однако из-за сверхплотного графика на доклад о современной музыке Германии ему было отведено около часа, и этого, конечно, было крайне мало.
Традиционно исполнители немецкого ансамбля провели серию мастер-классов, а музыкантам «Студии новой музыки» посчастливилось поработать с автором, который еще до приезда в Москву провел с ними видео-репетиции.

Концертная программа фестиваля (получившего в этом году подзаголовок «За колючей музыкой», отсылающий скорее к социально-политическим аспектам взаимоотношений двух стран), отличалась присущей «Студии» широтой спектра. В нее вошли симфонические произведения современных немецких (Э. Поппе, Х. Кибурц, Ф. Гольдман) и российских авторов (А. Сысоев, Н. Прокопенко, Д. Курляндский, Ф. Караев и другие). Главным симфоническим вечерам предшествовали камерные выступления-прологи Сергея Чиркова (аккордеон) и струнного квартета «Студии новой музыки». В рамках фестиваля прошла презентация и концерт нового проекта Центра современной музыки композиторского факультета «Артхроника», посвященного взаимодействию музыки и визуальных искусств. Ансамбль ударных инструментов Марка Пекарского сопоставил в программе два ранних, написанных в один год (1966) сочинения Х. Лахенмана и Э. Денисова – «Интерьер» и «Плачи».

Концерт в Рахманиновском зале консерватории

Одним из самых важных результатов форума стало сотрудничество Ensemble Modern с молодыми российскими композиторами. Премьеры новых сочинений Ольги Бочихиной и Алексея Сюмака, написанные по заказу коллектива, прозвучали в главном вечере фестиваля.

До этого немецкий ансамбль приезжал в Москву дважды. Первый раз – в 1995-м на дебютный фестиваль «Московский форум», где совместно со «Студией новой музыки» исполнил российскую премьеру Реквиема Х.-В. Хенце. Спустя 18 лет музыканты снова встретились на одной сцене в сочинении Лахенмана …zwei Gefühle…, Musik mit Leonardo для чтеца и ансамбля (1992/2003) на текст философской работы Леонардо да Винчи «Жажда познания», вошедший в оперу «Девочка со спичками». Одно из важнейших произведений композитора последнего периода семь лет назад уже звучало в России на фестивале «Территория». Но на этот раз исполнение было во всех смыслах «авторизованным»: партию чтеца Лахенман исполнил сам. За вечер до этого на фестивале он уже предстал в качестве пианиста. Столь активное участие само по себе было чем-то экстраординарным, как и выбор сочинения для сольного выступления – семь коротких пьес Kinderspiel (1980). Интерпретация композиторами собственных сочинений, как правило, отличается особой структурированностью. В них нет ни внешних эффектов, ни напускной эмоциональности, а автор остается наедине со своим материалом. Столь же сильное впечатление от детских пьес, пожалуй, оставляет только игра Куртага.

Вместе с тем даже в программах «Студии новой музыки» сочинения Лахенмана – большая редкость (почти все – российские премьеры). И не потому, что слава авангардиста могла бы сегодня еще кого-то отпугнуть. Наоборот, только сейчас со всей очевидностью открывается, что в основе сложного музыкального языка композитора, требующего систематического освоения как музыкантами, так и публикой, лежат те же гуманистические идеалы, что и в музыке великих предшественников. И тогда авангард, в свое время сознательно отказавшийся от воспринимающего субъекта, но сохранивший главную художественную ценность – жажду познания, становится «охранной грамотой» искусства, предостерегающей его от тождества «я» самому себе. Современное искусство, по мнению Лахенмана, исчерпало возможности провокации, ему необходимо снова научиться удивлять, и для этого оно должно стать «беззащитным».

Ольга Арделяну,
преподаватель МГК
Фотографии предоставлены  Научно-творческим центром современной музыки 

№ 1 (1312), январь 2014

А. В. Руднева в кабинете

В Московской консерватории с 7 по 10 ноября прошел Музыкальный фестиваль и Пятая международная научная конференция «Музыкальный фольклор и этномузыкология: век XXI», посвященные 110-летию со дня рождения выдающегося ученого-фольклориста и замечательного музыканта Анны Васильевны Рудневой (1903–1983). Все, кто знал Анну Васильевну, помнят, что народная песня не была для нее лишь материалом для изучения – она была частью ее жизни, предметом искренней и горячей любви. Эту любовь к народной песне, а вместе с ней к родной земле, Анна Васильевна старалась передать всем, кто ее окружал. Не случайно профессор А. С. Соколов, открывая конференцию, сравнил ее отношение к народной культуре с родительской любовью к новорожденному ребенку. Вступительное слово ректора, согретое личными воспоминаниями об увлекательных рудневских лекциях, сразу придало событию возвышенно-благожелательный тон.

Рубеж веков, а уж тем более тысячелетий, издавна служил основанием для подведения итогов, обобщения, предчувствия грядущих перемен. В известной мере это относится и к настоящему моменту в истории музыкально-фольклористической науки, ныне вошедшей в состав более обширной дисциплины – этномузыкологии. Упоминание XXI века в теме конференции отнюдь не случайно: этномузыкология, теснейшим образом связанная с собирательской работой, постоянно фиксирует реалии сегодняшнего дня – состояние народных певческих традиций, социальные процессы в разных регионах России; использует современные методы аудио- и видеозаписи, технологии реставрации записей на устаревших носителях. Если еще 20–30 лет назад собиратели и исследователи музыкального фольклора предпочитали тщательно изучать дохристианские реликты в региональных традициях, то в наши дни в научный обиход вошли жанры духовной тематики, поздние слои народной культуры, проблемы не только этнической, но и национальной специфики.

Конференция была исключительно «многолюдна» – в ней выступало без малого пятьдесят человек. Несмотря на непростые экономические обстоятельства, участники приехали из разных, иногда весьма далеких, регионов России и зарубежья. География конференции впечатляет своим размахом: Москва, Санкт-Петербург, Воронеж, Вологда, Ростов-на-Дону, Саратов, Казань, Тверь, Ижевск, Новосибирск, Вятка, Краснодар, Киев, Минск, Алма-Ата, Одесса, Париж, Вена, Бельско-Бяла (Польша).

Участники конференции

Музыкальное приношение А. В. Рудневой проходило в Рахманиновском зале — четыре вечера подряд на его сцене звучал фольклор. Все концерты отличала удивительная атмосфера – теплая и искренняя. Она рождалась живой памятью об Анне Васильевне: Рудневу вспоминали несколько дней как выдающегося ученого, замечательного человека, бескорыстно и преданно служившего своему делу, любившего студентов и коллег и щедро делившегося своей любовью, своими знаниями и идеями. Просто и задушевно о ней говорили Н. Н. Гилярова, В. Г. Агафонников, В. Ю. Калистратов, С. С. Калинин, И. А. Сосновцева, а также дочь Анны Васильевны – Е. В. Руднева, поблагодарившая всех участников, организаторов и гостей Фестиваля за преданность делу собирания и изучения фольклора. Хочется присоединиться к словам С. Н. Старостина: «Все меняется: судьбы, государства, а песня держит нас вместе. Да здравствует народная песня!»

Наибольший интерес у публики вызвал первый концерт 7 ноября, поскольку в программе был объявлен этнографический коллектив из Краснодарского края. Приезд народных исполнителей в Москву всегда привлекает невероятное число слушателей, в ожидании их выхода двери зала были открыты настежь на протяжении всего концерта, взрослые стояли вдоль стен и сидели на подоконниках, дети лежали на ковровых дорожках…

Программа вечера была удивительно монолитна: звучали песни южно- и западнорусской традиций. Сначала на сцене были молодежные коллективы: два возглавляемых С. Ю. Власовой фольклорных ансамбля – Гнесинской академии и «Ромода», и «Воля» Воронежской академии искусств (рук. Г. Я. Сысоева). Кульминацией концерта стало выступление ансамбля «Истоки» из станицы Тбилисская Тбилисского района Краснодарского края (рук. В. Д. Коленова): 14 участников (в большинстве своем весьма преклонного возраста) провели на сцене около часа (!), исполнив в общей сложности 13 песен самых разных жанров – протяжные и плясовые, фрагмент свадебного обряда, щедровки и др.

Ансамбль «Истоки»

Бесспорно, этнографические коллективы существенно отличаются от молодежных фольклорных ансамблей. Носители традиции живут в ней, органично перенимая её от старших поколений (порой, кажется, на генетическом уровне), в то время как городские коллективы всего лишь имитируют. Особенно заметно было иное отношение народных исполнителей к звуку: без малейшего форсирования, более богатое нюансами, бережное и деликатное, чем у молодежных ансамблей, пусть даже весьма опытных и профессиональных. Примером подобного превосходного владения традицией было пение запевалы ансамбля «Истоки», В. К. Мясищевой. Вместе с подголоском Л. В. Гулимовой и остальными участниками она устроила незабываемый праздник, вызвав восторг и благодарность публики, не желавшей отпускать гостей со сцены.

Жаль, местная администрация Тбилисского района Краснодарского края совершенно не ценит этого богатства. Было грустно слышать от исполнителей, что их коллектив собираются распустить в связи с недостатком средств. Да и официальные обещания краевого Министерства культуры профинансировать поездку «Истоков» в Москву не были выполнены, в итоге певцы приехали за свой счет. Спасибо Государственному республиканскому центру русского фольклора, выделившему средства на размещение их в гостинице!

На втором концерте выступили семейный ансамбль «Горошины» из пос. Небольсинский Жуковского района Брянской области, Фольклорно-этнографический коллектив «Межа» Тверского музыкального колледжа им. М. П. Мусоргского (рук. И. Н. Некрасова), фольклорные ансамбли Московской и Санкт-Петербургской консерваторий – старые добрые друзья, высокопрофессиональные музыканты, творческое сотрудничество которых насчитывает без малого 35 лет. А завершил программу ансамбль «Виртуальная деревня», состоящий из прежних участников фольклорного коллектива МГК, ныне живущих в разных городах и странах, но сохранивших любовь к народной песне и потребность в совместном концертировании. Конечно, «виртуальность» существования накладывает отпечаток на качество реального звучания, но эмоциональная выразительность и тембровая красота запевалы и подголоска (С. Концедалова), искренность и самоотдача на сцене всех исполнителей, их преданность фольклору и друг другу, безусловно, подкупают.

Ансамбль «Горошины»

Оба заключительных концерта были отданы профессионалам. Прозвучали интересные студенческие обработки народных песен, а также произведения Т. А. Чудовой, В. Г. Агафонникова, В. Ю. Калистратова, Р. C. Леденева. Участие в программах приняли Народный хор РАМ им. Гнесиных (рук. В. А. Царегородцев) и Хор Московской консерватории под управлением проф.С. С. Калинина. Причем в первый  вечер гнесинцы подарили публике обработки народных песен самой А. В. Рудневой, исполнив их тонко, музыкально и современно.

Уже в пятый раз Научный центр народной музыки им. К. В. Квитки выступает организатором конференции и фестиваля памяти А. В. Рудневой. Но в этом году они впервые имели статус мероприятия, посвященного предстоящему в 2016 году юбилею Московской консерватории. Поддержка ректората и многих других служб ВУЗа во многом облегчила работу по подготовке и проведению столь масштабного музыкального праздника, за что всем огромная благодарность. Особенно хочется выделить сотрудников архива, по собственной инициативе подготовивших чудесную выставку, посвященную А. В. Рудневой. А главная благодарность прозвучала со сцены из уст проф. Н. Н. Гиляровой, инициатора Фестиваля и бессменной ведущей всех концертов, в словах, обращенных к Анне Васильевне Рудневой: «Спасибо ей за все! И за эту встречу тоже!»

Ансамбль «Виртуальная деревня»

Е. В. Битерякова,
Т. А. Старостина,
НЦНМ им. К. В. Квитки

№ 9 (1311), декабрь 2013

Хоровой концерт в Рахманиновском зале, завершавший 9 ноября Российский хоровой конгресс, стал для слушателей особым подарком: руководить хором студентов Московской консерватории поочередно выходили яркие дирижеры – педагоги кафедры хорового дирижирования. Перед публикой предстали шесть взглядов, шесть методов, и каждый из них оказался интересным и самобытным.

Бóльшую часть концертной программы составила духовная музыка. Среди исполненных сочинений были как широко известные образцы, так и редко звучащие произведения. Публика познакомилась и с такими малоизвестными именами, как принадлежащий «русскому зарубежью» И. Лямин (1899–1944), чьи сочинения для больших православных хоров в России долгое время не исполнялись, или И. Раминыш (1943) – канадский композитор латвийского происхождения, двукратный победитель Канадской национальной хоровой биеннале в номинации «Выдающееся хоровое произведение». От России до Венесуэлы – такова была «география» репертуара.

Первое отделение открыл Владимир Горбик, регент хора Московского подворья Свято-Троицкой Сергиевой лавры, исполнивший духовный концерт М. Березовского «Не отвержи мене во время старости» и «Достойно есть» болгарского композитора П. Динева. Духовную линию продолжил Алексей Рудневский, представив сочинения И. Лямина «Господи сил, с нами буди» и Н. Голованова «Придите, ублажим Иосифа приснопамятного». Под управлением Владимира Контарева блестяще прозвучали произведения И. Раминыша и «Пантелей-целитель» С. Рахманинова на стихи А. Толстого.

Второе отделение показало другие грани хоровой музыки. Своеобразной завязкой «интриги» стало исполнение камерным составом мотета И. С. Баха «Komm, Jesu, komm» под управлением Марии Максимчук. После чего дирижер представила собственную «Итальянскую колыбельную» уже при помощи полного хора. Особой страницей «книги хорового искусства» стали хоровые обработки Валерия Калистратова, прозвучавшие под руководством автора: духовный стих «Душа моя прегрешная» и «За рекой горят огни». Духовный стих буквально заворожил потрясающим сочетанием тембра солистки Анны Литвиненко, поющей в народной манере, академического хорового пения и колесной лиры, партию которой исполнил Александр Жуковский.

В заключение публику ждал сюрприз. Станислав Калинин подарил слушателям сочинение венесуэльского композитора Антонио Эстевеса «Дерево одинокой души», построенное на эффектных латиноамериканских ритмах с использованием маракасов. А завершил программу широко известный Ноктюрн А. Бабаджаняна в переложении С. Калинина для хора и фортепиано. Партию фортепиано тонко исполнил бессменный концертмейстер хора Александр Куликов. Пронзительная мелодия Ноктюрна стала лирической кульминацией всего концерта.

Факультетский хор показал богатство и красочность звуковой палитры. Тонкость динамических нюансов отразила высокий профессионализм – «знак качества» коллектива. Интересная программа, мастерство исполнителей, их искренность и потрясающее отношение к своим слушателям – все это создало особую атмосферу сотворчества, в которую хочется возвращаться снова и снова.

Елена Потяркина,
преподаватель МГК
Фото Ольги Ординарцевой

№ 9 (1311), декабрь 2013

В Рахманиновском зале состоялся вечер памяти выдающегося дирижера – народного артиста СССР профессора Николая Николаевича Некрасова (1932–2012). Приуроченный к знаменательной дате – 80-летию кафедры инструментовки Московской консерватории, этот концерт разнообразно представил оригинальные произведения композиторов для народного оркестра: студентов, аспирантов и педагогов кафедры.

Н. Н. Некрасов был приглашен в Московскую консерваторию, будучи зрелым мастером. Более десяти лет, начиная с 2001 года, он взращивал любовь к русскому народному оркестру в молодом поколении композиторов. И самым ценным для них оказался бесценный опыт общения с признанными мастерами игры на русских народных инструментах.

Исполнение программы осуществил Русский народный оркестр «Москва» под управлением главного дирижера и художественного руководителя Игоря Мокерова, аспиранта Московской консерватории по классу профессора Г. Н. Рождественского. Партию солирующей балалайки исполнил лауреат Всероссийских и Международных конкурсов Владимир Дунаев. Успех вечера во многом был подготовлен самим Н. Некрасовым, его творческой и педагогической деятельностью: будучи главным дирижером Академического оркестра русских народных инструментов ВГТРК, Николай Николаевич активно поддерживал как молодых исполнителей, так и композиторов, включая их сочинения в свой репертуар.

На концерте звучали новые произведения, выходящие за рамки популярного, обыгранного репертуара. Оригинальные сочинения современных авторов получили блестящее по технике и совершенное по содержанию представление, причем поспешное желание провести грань между «мастерами» и «учениками» было бы несостоятельным. «Вечерняя музыка» Р. Леденева, «У райских врат» В. Кикты, II и IV части Симфонии № 7 Н. Пейко – с одной стороны, и сочинения более молодых композиторов – с другой, составили единую картину современной отечественной музыки. Запомнились впервые исполненные произведения молодых авторов: «Юмореска» П. Алексеева, «Две пьесы» А. Поспеловой, «Притча» С. Маковского, «Игра в прятки» М. Лысенко, «Русские морозы» В. Шергова. В каждом сочинении присутствовал уникальный оркестровый колорит, специфичный для оркестра русских народных инструментов.

Памяти Н. Н. Некрасова были посвящены сочинения «За горизонтом» О. Евстратовой и Концерт-ляменто для балалайки с оркестром «У райских врат» В. Кикты. Имена названных авторов тесно связаны с именем Некрасова. Так, О. Евстратова с благодарностью причисляет себя к ученикам Николая Николаевича, сумевшего, по ее словам, «показать студентам всю красоту палитры народного оркестра, новые возможности в композиторском творчестве». А с В. Киктой их связывали почти сорок лет творческой дружбы. Солирующая балалайка в концерте воссоздавала в памяти образ Некрасова – блестящего сольного исполнителя. Неслучайно и появление темы «Венского каприччио» Ф. Крейслера – как мираж проходит она у оркестра на фоне виртуознейших пассажей солирующей балалайки. И благодарный слушатель может вспомнить тот головокружительный успех молодого Николая Некрасова в далеком 1957 году на Всемирном молодежном фестивале в Праге, где он покорил жюри гениальным исполнением «Венского каприччио», завоевав золотую медаль и получив мировое признание.

«Моя задача – сохранить русское искусство, особенно русскую народную музыку, – не раз говорил Н. Н. Некрасов. – И если хотя бы одному студенту композиторского факультета будет привита любовь к народному оркестру, моя преподавательская миссия в консерватории будет выполнена!» Концерт показал, что та высокая цель, которую ставил перед собой Николай Николаевич в своей педагогической деятельности, достигнута.

Ксения Новикова,
аспирантка РАМ им. Гнесиных

№ 9 (1311), декабрь 2013

Король Нидерландов Виллем-Александр с супругой на концерте в Московской консерватории, 9 ноября 2013 г.

Уходящий год был перекрестным годом России в Нидерландах и Нидерландов в России. Он ознаменовался многими заметными политическими и культурными событиями, среди которых было даже посещение королем Нидерландов Виллемом-Александром с супругой Большого зала Московской консерватории 9 ноября – в день концерта прославленного Нидерландского королевского оркестра Концертгебау под управлением Мариса Янсонса.

Московская консерватория со своей стороны внесла серьезную лепту в культурные мероприятия перекрестного года. В ее стенах на радость любителям искусства старых мастеров был задуман и подготовлен внушительный форум в честь великого голландского музыканта, «Орфея Амстердама» – Международная научная конференция с концертами и мастер-классами «Неизвестный Ренессанс: к 450-летию со дня рождения Яна Питерсзона Свелинка». Проект был реализован благодаря поддержке Попечительского совета Московской консерватории, Посольства Королевства Нидерландов в Москве, Гёте-Института в Москве и благотворительного фонда «Искусство добра».

Концерт-открытие «Клавирная и вокальная музыка Яна Питерсзона Свелинка». А. Дроздова, П. Дирксен (Нидерланды), Т. Барсукова. Концертный зал на Кисловке, 9 апреля 2013 года

В числе участников масштабного форума были ведущие музыканты и коллективы из разных стран: соотечественники Свелинка – клавесинист, органист и музыковед П. Дирксен; клавикордист, органист, композитор и импровизатор Я. Рас; органист и музыковед Т. Йеллема; лютнист, клавесинист и композитор из Франции Д. Голдобин; британский дирижер и исследователь П. Филлипс; клавесинистка и музыковед из Казани Е. Бурундуковская; певица О. Гречко; вокальный ансамбль «Intrada» под руководством Е. Антоненко; инструментальный ансамбль «The Pocket Symphony» под руководством Н. Кожухаря; ансамбль исторического танца «Time of dance» под руководством Н. Кайдановской и многие другие. Внушителен был и охват музыки: в пяти концертах прозвучали произведения не только самогό «амстердамского Орфея», его прославленных учеников и последователей, но и опусы выдающихся современников Свелинка из разных европейских стран; многое было исполнено у нас впервые.

Программа конференции была насыщена интересными научными сообщениями разных форматов, причем существенно, что большинство как российских, так и иностранных участников успешно сочетает исследование старинной музыки с ее исполнением. Зарубежные гости получили возможность щедро поделиться обширными познаниями и богатым практическим опытом, а отечественные специалисты – испытать свои идеи в диалоге с лучшими знатоками

Концерт «Камерная и придворная музыка эпохи Ренессанса». Ансамбль «The Pocket Symphony» (худ. рук. Назар Кожухарь) и Дмитрий Голдобин (Франция). Прокофьевский зал ГЦММК им. М.И.Глинки, 17 апреля 2013 года

североевропейского искусства конца XVI – начала XVII века. Не знающий устали Питер Дирксен порадовал публику сразу тремя выступлениями на различные темы (особенно впечатлило последнее из них, посвященное тайнам клавирных вариаций на тему «Mein junges Leben hat ein End»). Мэтр голландской музыкальной науки Рудольф Раш прочел фундаментальную лекцию об источниках и изданиях клавирной музыки Свелинка, а также сделал доклад на актуальную тему среднетоновой темперации. Глубокую и основательную концепцию о философских истоках жанра клавирной фантазии предложил в своем выступлении авторитетнейший немецкий музыковед Арнфрид Эдлер. Гостья из парижской Сорбонны Сусанна Касьян осветила неизвестное сочинение Окегема из собрания рукописей Ватикана. Ян Рас в непринужденной манере рассказал о своем любимом инструменте – клавикорде.

Отечественные участники конференции представляли честь русской науки. С большим энтузиазмом был встречен доклад профессора И. А. Барсовой о том, как библейская мысль о суете сует получила отражение в музыке и живописи раннего Нового времени. Е. О. Дмитриева напомнила присутствующим о заслугах Свелинка как музыкального теоретика и педагога. Доклад доцента Р. А. Насонова был посвящен незаурядной личности Константейна Гюйгенса – одной из ключевых фигур в истории старинной голландской музыки. Тонкими наблюдениями над музыкальной теорией и практикой позднего Ренессанса было отмечено выступление доцента Г. И. Лыжова. Конференция завершилась торжественной церемонией передачи двух новейших изданий клавирной музыки Свелинка в дар библиотеке Московской консерватории. Это стало возможным благодаря издательству «Breitkopf», Королевскому Обществу Нидерландской Музыкальной Истории, а также лично Р. Рашу и П. Дирксену.

Тео Йеллема. Мастер-класс по органной интерпретации. МГК (класс 314), 18 апреля 2013 г.

Не менее полное представление о Свелинке в культурно-историческом контексте его времени получили посетители пяти концертов и четырех мастер-классов. Честь открытия программы по праву досталась Питеру Дирксену – ведущему в мире исследователю творчества «Мастера Яна». Он блестяще исполнил на клавесине ряд клавирных сочинений Свелинка, а также вокальных – в собственной обработке для сопрано, клавесина и континуо (при участии певицы Татьяны Барсуковой и исполнительницы на виоле да гамба Александры Дроздовой).

Оригинальной частью программы стала клавикордная игра. Инструмент с тихим и изысканным звуком, переживший века забвения, стал особенным для Яна Раса – глубокого исполнителя, одного из учредителей Нидерландского клавикордного общества. Пестрая палитра стран и эпох, представленная в программе концерта «Ренессанс клавикорда» (от Свелинка до сочинений самогό Раса), убедительно свидетельствовала о богатстве возможностей этого инструмента. Завершая концерт, Рас продемонстрировал еще одну грань искусства старинных мастеров, исполнив импровизацию на тему, «собранную» из последовательности отдельных нот, заданных публикой, чем привел слушателей в совершенный восторг.

Маэстро органного искусства Тео Йеллема предложил вниманию тематический концерт «Органные школы Северной Европы». Своим мастерством и глубоким проникновением в стиль эпохи музыкант буквально сотворил чудо, в одно мгновение перенеся слушателя в ренессансную Европу и дав российской публике уникальную возможность осязаемо почувствовать эту атмосферу.

Заключительный концерт в Московской консерватории. Ансамбль «Интрада», худ. рук. Екатерина Антоненко, дирижер – Питер Филлипс. 22 апреля 2013 г.

Своего рода «интерлюдией» в окружении «серьезных» концертов стал вечер «Камерная и придворная музыка эпохи Ренессанса» в Музее имени Глинки с программой домашней и бытовой музыки тех времен. Доцент А. С. Семёнов и другие участники познакомили публику с именами, практически неизвестными российскому слушателю: Э. Холборн, Дж. Дженкинс, Э. Андриансен, К. Гюйгенс, Н. Вале, И. Схенк и др.

Концерт «Вокальная музыка эпохи Ренессанса» в Большом зале консерватории триумфально завершил мероприятие. Совместное выступление вокального ансамбля «Intrada» (солисты Лилия Гайсина и Тигран Матинян) и основоположника исторически информированного исполнительства в области ренессансной вокальной музыки Питера Филлипса состоялось после интереснейших мастер-классов, которые английский музыкант провел в стенах консерватории. Начавшись и завершившись произведениями Свелинка, программа охватила музыку разных стран Европы: О. Лассо, Дж. Палестрины, У. Берда, П. Филипса, Иерон. Преториуса, Г. Аллегри.

«Неизвестный Ренессанс» – уникальный проект, который подготовили и осуществили подлинные энтузиасты (Е. Дмитриева, Р. Насонов, А. Семёнов) при поддержке ректората Московской консерватории. Прошедший культурный праздник не только представил во всей многогранности творчество Яна Питерсзона Свелинка – музыканта, «превзошедшего органным искусством Палладу», но и невероятно обогатил наши представления о старинной музыке. Судя по количеству публики на концертах, ее восторженной реакции на прозвучавшие сочинения, традицию подобных фестивалей в стенах Московской консерватории необходимо продолжить. Возможно, не дожидаясь, пока наступят юбилейные даты у других ярких представителей эпохи.

Юлия Москвина,
cобкор «РМ»

№ 8 (1310), ноябрь 2013

Каждый его концерт длится более трех часов, но ни один номер невозможно без ощутимой потери исключить из программы… С его урока невозможно уйти: пропустишь что-то важное, тот самый момент переполняющего вдохновения… На полках магазинов и библиотек невозможно найти его произведений – они не опубликованы…

27 октября со сцены Малого зала звучала музыка Данияра Дианова – так композитор и органист, выпускник хорового училища имени А. В. Свешникова и Московской консерватории отметил свой 50-летний юбилей. Праздничный вечер открыли пять хоровых сочинений Д. Дианова в исполнении Концертного хора под управлением Александра Соловьева. Вместе с ним выступали солисты Ольга Веселова (сопрано), Станислав Малышев (скрипка), Давид Короновский (валторна) и Евгений Круглов (валторна); партию органа и фортепиано сыграли сам автор и его ученики: Ирина Шашкова-Петерсон и Марина Бадмаева. Такое торжественное начало задало настроение всему концерту.

На протяжении двух отделений вплоть до финальной точки Скрипичной сонаты музыка Данияра Дианова увлекала публику разнообразием жанров и тембров. Звучали флейта (Зоя Вязовская), труба (Никита Токарев), кларнет (Василий Маслов), скрипка (Артем Котов), фортепиано (Станислав Дяченко, Ольга Матиева), голос (Дмитрий Максименко) и, конечно, орган (Александра Максимова, Ольга Бижако). Самые разные произведения Д. Дианова объединяла одна очень важная деталь: богатство мелодий. Добрые и деликатные, как и сам композитор, его красивые мелодии переливались всей палитрой тембров человеческого голоса и звенели инструментальными красками.

Концерт остался в душе и памяти всех присутствующих как уютный вечер, как праздник для самых родных и близких. И невольно вспомнились строчки стихотворения Алексей Толстого, прозвучавшие в начале концерта в исполнении хора – они как будто написаны про музыку композитора: «Твоя же речь ласкает слух, Твое легко прикосновенье…»

Ольга Яковенко,
студентка ДФ

№ 8 (1310), ноябрь 2013

Кафедра медных духовых инструментов Московской консерватории положила начало серии концертов, посвященных выдающимся музыкантам минувшего века: 9 октября в Рахманиновском зале состоялся вечер к столетию со дня рождения легендарного трубача Сергея Петровича Попова.

Брасс-ансамбль Московской консерватории. Дирижер Я. Беляков, солист М. Гайдук

В моей жизни была короткая встреча с этим выдающимся музыкантом – воспоминания о ней до сих пор будоражат мое воображение. Узнав, в какие дни Сергей Петрович занимается (а он до последних дней своей жизни не расставался с инструментом и преподавал трубу в музыкальной школе № 81 им. Д. Д. Шостаковича), я явился к нему на урок. Сергей Петрович очень ласково меня принял и уделил много времени, отвечая на мои многочисленные вопросы. На тот момент ему шел уже девяносто третий год, и меня поразили его необычайная для столь преклонных лет живость ума, точность суждений, подробнейшие воспоминания о многих событиях далекого прошлого…

…Когда в Рахманиновском зале после третьего звонка из динамиков раздались призывные интонации вступления концерта для трубы Сергея Василенко, все услышали волшебный «золотой звук» Сергея Попова и переполненный зал разразился громоподобными аплодисментами. Затем со вступительным словом к залу обратились заведующий кафедрой медных духовых инструментов РАМ им. Гнесиных профессор В. М. Прокопов и заведующий кафедрой деревянных духовых инструментов Московской консерватории профессор В. С.  Попов – сын С. П. Попова.

Весь концерт прошел на одном дыхании – солисты были очень яркими, номера эффектными, а продуманная драматургия вечера до конца держала зал в напряжении. Словно принимая эстафету от великого музыканта, лауреат международных конкурсов, воспитанник профессора В. А. Новикова Жасулан Абдыкалыков безупречно исполнил 2-ю и 3-ю части концерта Василенко. Замечательно показали себя брасс-квинтеты Московской консерватории, Гнесинской академии и Большого театра, а также ансамбль тромбонов ГАСО им. Е. Ф. Светланова под руководством Аркадия Старкова, исполнивший «Ave Maria» А. Брукнера. Особенный восторг у слушателей вызвало вдохновенное выступление профессора В. С. Шиша (заведующего кафедрой медных духовых и ударных инструментов МГК) – в его переложении для валторны прозвучала «Элегия» С. В. Рахманинова.

В заключение вечера Брасс-ансамбль Московской консерватории под моим руководством предложил вниманию публики знаменитые произведения, где труба является главным действующим лицом: «Шествие князей» из оперы-балета «Млада» Н. А. Римского-Корсакова, «Адажио» Т. Альбинони (в великолепном исполнении солиста РНО Владислава Лаврика) и «Время, вперед!» Г. В. Свиридова (в интерпретации лауреата международных конкурсов Михаила Гайдука). Именно этот последний номер, по просьбе публики повторенный на бис, поставил в юбилейном концерте яркую эмоциональную точку.

Ярослав Беляков,
преподаватель МГК

№ 8 (1310), ноябрь 2013

21 октября на сцене Малого зала Ассоциация выпускников Московской консерватории «Alma Mater» представила концерт Камерного хора «Gaudeamus» МГТУ им. Н. Э. Баумана. Вечер был посвящен 45-летию коллектива, а также 75-летию и 50-летию окончания Московской консерватории организатора и бессменного художественного руководителя хора профессора Владимира Живова – известного русского хорового дирижера, автора статей о хоровом искусстве, председателя комиссии академических хоров Московского музыкального общества. Незадолго до концерта мы встретились с юбиляром в фойе Малого зала:

— Владимир Леонидович, сегодня камерный хор «Gaudeamus» хорошо известен в кругах любителей музыки, он ведет активную концертную деятельность, а между тем история коллектива началась еще в 60-е годы прошлого века. Насколько сильно приходится меняться, подстраиваясь под реалии сегодняшнего дня?

— Главное достоинство «Гаудеамуса», как я считаю, – это стабильность. Каждый год меняется состав, приходят новые люди, но все равно сохраняется определенная планка. И неважно, что в хоре поют любители – во всем, что я могу как профессионал, я их пытаюсь до своего уровня дотянуть. Единственное, что меня беспокоит, это проблема «отцов и детей». Хору 45 лет, состав все время пополняется молодыми участниками, образуется существенная разница в возрасте между певцами. Но как раз именно у хорового коллектива, на мой взгляд, есть в этом случае объединяющая сила: желание наилучшим образом воплотить дирижерский замысел. Это сглаживает все различия.

Конечно, и репертуарная политика несколько меняется. Раньше мы часто выступали на телевидении, на радио, делали фондовые записи, выпускали пластинки; сейчас же это все дорого и сложно. Но мы не скатываемся на попсу. Должна быть определенная стилистика, закономерность исполнительства, ни в коем случае не вседозволенность. Когда-то я читал в консерватории курс «теории хорового исполнительства», говорил о том, что хорошо, а что жеманно, слащаво. И мои певцы, технари, не имеющие музыкального образования, эти «вкусовые» вещи понимают, становятся мастерами. Я горжусь тем, что, когда люди попадают на наш концерт, они говорят: даже и не скажешь, что это самодеятельность!

— Нередко слово «самодеятельность» употребляют с негативным оттенком. Насколько это уместно, на Ваш взгляд, и можно ли как-то изменить отношение к искусству, не имеющему профессиональной подготовки?

— Самодеятельность, любительство – это не искусство второго сорта! Это – творчество под руководством профессионала. Единственное, что отличает любительский хор от профессионального, – это голоса (и то еще неизвестно, где они будут лучше). И вообще, кого интересует, любитель поет или нет, если в исполнении создан верный образ и есть глубокая проникновенность? Можно спеть чище, басы могут быть тембристее, но не это же самоцель!

Есть музыка, есть ее исполнение. И если я, допустим, исполняю Чайковского, я должен исполнять его качественно или не браться совсем. Все зависит от того, на каком уровне находится коллектив, от того, что ты, как дирижер, можешь. В профессиональном хоре я получил аллергию на большой, «тупой» звук, когда люди орут. А мне очень хочется, чтобы звук был выразительный, легкий, будто с дымкой, чтобы была разнообразная палитра красок, ведь голос обладает большой палитрой тембров: не просто лирические, драматические сопрано, а сопрано злые, суровые, язвительные, милые… Хочется доказать, что хор может быть гибким, подвижным, хотя, к сожалению, не всегда это так, потому что голос – не только самый совершенный, но еще и самый трудный инструмент, очень хрупкий, ранимый.

— Насколько важно для дирижера непосредственное участие коллектива в какой-либо внеконцертной деятельности?

— Хоровик, на мой взгляд, должен быть общественным деятелем. Консерваторцы нашего поколения – это не обособленная элита, мы все участвовали в жизни страны – в поднятии целины, в концертных бригадах по обслуживанию Советской армии, собирали песни в фольклорных экспедициях, чтобы потом возродить их… Как могли, несли культуру в массы. И сообщество, которое называется «Гаудеамус», живет по законам, которые я когда-то установил. Вопреки политике государства, сменам правительств и т. д.

Сейчас ведь другое поколение – растят индивидуалистов. И только хор по-прежнему воспитывается как коллектив, причем не только пением, а совместной жизнью, поездками, объединяющими общественными акциями. Теперь этого все меньше и меньше. Даже те культурные программы, которые еще остались на телевидении (та же битва хоров), воспитывают индивидуализм…

Для того чтобы руководить самодеятельностью, нужны особые качества, не только хороший слух. Ведь люди приходят в самодеятельные хоры не из-за денег, а из любви. Необходимо их обаять, поддержать их тонус – устраивать какую-то общую жизнь: нужны капустники, поездки, походы, гитара. Неизвестно, что притягивает людей больше: само творчество или атмосфера, которая окружает такой хор.

— В чем Вы видите свою главную задачу?

— Я пытаюсь нести факел, который мне дали в руки, и свою функцию вижу в том, чтобы воспитывать молодежь на образцах хорошей музыки. Главное – поддержать и развить все, что заложили во мне мои учителя, всегда соответствовать высокому званию выпускника Московской консерватории.

Беседовала Ольга Яковенко,
студентка ДФ

№ 8 (1310), ноябрь 2013

У декана Дирижерского факультета, заведующего кафедрой хорового дирижирования С. С. Калинина есть добрая традиция отмечать день рождения на сцене, в окружении учеников и коллег. Не стала исключением и нынешняя осень: 26 октября под руководством профессора Калинина хор выступил с разнообразной программой, объединенной темой «Музыка народов мира». Концерт, приуроченный к 90-летию кафедры хорового дирижирования Московской консерватории, открыл Российский хоровой конгресс – солидная концепция хорового вечера как нельзя лучше соответствовала значительности и нерядоположности отмечаемых событий.

Хор студентов Московской консерватории под управлением профессора Станислава Калинина

Звучали как авторские композиции, так и народная музыка, причем в обоих случаях выдерживался интернациональный вектор: В. Кикта, Б. Чайковский (Россия), А. Бабаджанян (Армения), П. Лаком (Испания), А. Эстевес (Венесуэла), К. Веласкес (Мексика), Ф. Лоу (США) – и русские, белорусские, украинские, грузинская, корейская, китайские песни, а также негритянский спиричуэл в обработке В. Доусона. Широта «географии» исполняемой музыки органично дополнялась разнообразием ее жанровой амплитуды: в концерте нашлось место гимну, сюите из мюзикла, песне – во всем спектре жанровых вариаций (от белорусской плясовой в обработке А. Атрашкевич – до китайской колыбельной в обработке Ло Май-шо). «Высокий» слог сменялся непринужденной шуткой, строгое академическое пение – театрализованным действом с элементами перформанса, когда солисты хора перевоплощались в инструменталистов, выходя на авансцену (Н. Семенюк и В. Князев с гитарами в «Испанской студенческой песне» П. Лакома) или свободно перемещаясь в сценическом пространстве под аккомпанемент разного рода ударных (в этом отношении исключительную артистичность проявил А. Зеленеев (бубен, мараки).

В концерте приняли участие солисты А. Бородейко, А. Кохов, Г. Болотов, А. Ковалевич. Никого не оставило равнодушным проникновенное исполнение А. Лошаком украинской народной песни «Стоит гора високая». На равных с профессионалами-вокалистами выступали и солисты хора – особенно запомнились высокие голоса, легко и светло парящие над общей массой хоровой звучности (Т. Кокорева, А. Зеленеев). Как всегда, восхищение публики вызвали изысканная манера игры и деликатное туше пианиста А. Куликова – концертмейстера класса С. Калинина и неизменного участника выступлений данного хорового коллектива.

Концерт убедительным образом продемонстрировал живую связь поколений, и это, пожалуй, один из самых дорогих подарков к юбилею кафедры. Преемственность традиций отразилась уже в перечне включенных в программу авторов хоровых обработок и переложений: от легендарного А. Свешникова («Ах, ты, степь широкая») к действующим педагогам кафедры – Ю. Потеенко (Три украинские песни, «Bésame mucho»), Ю. Тихоновой («Юмореска» Б. Чайковского, корейская песня «Ариран») и самому С. Калинину («Испанская студенческая песня» П. Лакома, «Ноктюрн» А. Бабаджаняна). Одним из сюрпризов стала и «внезапная модуляция» дирижеров: прямо во время исполнения грузинской «Сулико» профессор уступил место хормейстера Д. Брашовяну, студенту V курса, а классическая обработка З. Палиашвили плавно перетекла в более современную по языку транскрипцию знаменитой песни, выполненную молодым дирижером.

При всем различии песенных оригиналов, ставших основой концертных обработок, исполнение высветило то, что их объединяет, обнаруживая родство китайской «Песни пастуха» украинской «Повій, витрэ, на Вкраіну», корейской «Ариран» – белорусской «Речаньке». Центрирующим началом разнонациональных и разноэпохальных песен явилась их мелодическая сущность. Некогда высказанная классиком мысль о «всемирной отзывчивости русской души» актуальна и в отношении российской песенности, вобравшей все многоцветье многонациональной культуры. В этом плане весьма символично музыкальное обрамление концерта-приношения: в качестве зачина – гимническая композиция В. Кикты на стихи В. Лазарева «Благослови, Господь, Россию», как итог-резюме – «Марш энтузиастов» И. Дунаевского, подхваченный публикой и сопровождаемый горячими аплодисментами.

Искреннее спасибо хору и его руководителю Станиславу Семеновичу Калинину за эту атмосферу сердечности и столь редкое по нынешним временам чувство единения!

Профессор М. С. Высоцкая

Сколько добрых слов уже сказано о значении хорового пения, о культуре, прививаемой с юных лет через песню, о коллективном духе, так необходимом сейчас! И, конечно, не проходит незамеченным важный юбилей в стенах нашей Alma Mater – 90-летие кафедры хорового дирижирования Московской консерватории, – который празднуем весь 2013 год. Наследница Синодального училища, старейшая дирижерская кафедра России за весь свой долгий творческий путь претерпевала множество изменений, но всегда оставались неизменными глубокие связи с традициями русской хоровой культуры. Среди множества мероприятий, посвященных этому юбилею, впечатляющим событием стал Российский хоровой конгресс. 

На протяжении более чем двух недель консерватория открывала свои двери для множества коллективов, которыми руководят выпускники кафедры разных лет. Стартовал конгресс 26 октября уже традиционным большим осенним концертом Хора студентов Московской консерватории под управлением профессора Станислава Калинина. В этот раз темой выступления хора стала музыка народов мира: от России и стран СНГ до Южной и Северной Америки. Следом, 29 октября, в Большом зале выступили еще два очень разных коллектива.

Выпускник Московской консерватории 1982 года Сергей Тараканов, художественный руководитель и дирижер Детского хора Ростовской государственной консерватории имени С. В. Рахманинова, вместе со своими воспитанниками в первом отделении наполнил Большой зал проникновенной тонкостью хорового звучания, не так часто радующей слух сегодняшней публики. В программу были включены казачьи песни, авторские произведения православной тематики (Тропарь святому благоверному князю Михаилу Тверскому И. Денисовой и Кондак святому Андрею Первозванному Н. Балашовой), знаменитые Шесть хоров С. Рахманинова и «Венок рождественских песен» Б. Бриттена (партия арфы – Ирина Негадова). Очень нежные, прозрачные произведения в исполнении хора сверкали ангельскими созвучиями. 

Детский хор Ростовской государственной консерватории имени С. В. Рахманинова, художественный руководитель и дирижер Сергей Тараканов

 Второе отделение явилось ярким контрастом по отношению к первому: Московская мужская еврейская капелла под управлением выпускника кафедры 1994 года Александра Цалюка представила публике особый пласт хоровой культуры – еврейскую литургическую музыку. Мощная красота мужского пения, бархатность тембров и сочный национальный колорит не оставляли возможности спокойно усидеть на месте – хотелось встать и танцевать, ритмично прихлопывая. Каждое произведение дирижер предварял небольшим комментарием, но музыка говорила сама за себя: острые оттенки чувств – вся боль и скорбь, радость и ликование – составляли палитру выступления коллектива.

Московская мужская еврейская капелла, дирижер – Александр Цалюк

 Конгресс, проходя в обычное учебное время, включил в себя двухнедельный мастер-класс педагогов кафедры, завершившийся торжественным концертом 9 ноября в Рахманиновском зале. С хором студентов вели работу Владимир Горбик, Владимир Контарев, Мария Максимчук, Алексей Рудневский, Валерий Калистратов. Конечно, у каждого дирижера есть свой неповторимый почерк, который ясно ощущается с первого взмаха руки на репетиции. Но тот музыкальный вкус, та культура хорового искусства, которая, несомненно, объединяет всех мастеров, дала возможность сказать с полным основанием, что кафедра хорового дирижирования Московской консерватории остается не только старейшей, но и ведущей кафедрой в масштабе всей страны. 

Завершили хоровой конгресс еще два концерта в Большом зале: 10 ноября свою программу представили Детский хор «Весна» под управлением Надежды Авериной и хоры Московского подворья Свято-Троицкой Сергиевой лавры (дирижеры Елена Смирнова, Дина Довгань, Владимир Горбик). А 11 ноября выступили Хор студентов Казанской государственной консерватории имени Н. Г. Жиганова (дирижер Владислав Лукьянов) и Хор Академического ансамбля песни и пляски Внутренних войск МВД России (дирижер Виктор Елисеев). 

Российский хоровой конгресс юбилейного года кафедры уже стал историей. Скоро уйдут в архив и бережно подготовленные стенды с фотоматериалами и документами – Музей имени Н. Г. Рубинштейна подготовил в фойе Большого зала интереснейшую экспозицию. А жизнь кафедры, такая сложная и вместе с тем творчески насыщенная, продолжит свое сплоченное плавание сквозь бушующий океан хоровой музыки…

Ольга Ординарцева,
собкор «РМ»

№ 7 (1309), октябрь 2013

17 сентября в Малом зале консерватории состоялся концерт, озаглавленный «Два портрета: Россини и Шнитке». Прозвучали два масштабных произведения духовного жанра: Маленькая торжественная месса Дж. Россини (фрагменты) и Реквием А. Шнитке. Главным героем вечера выступил Камерный хор Московской консерватории, а помогали ему органисты Константин Волостнов и Евгения Кривицкая, пианистка Екатерина Мечетина, вокалисты Алиса Гицба, Ольга Веселова, Людмила Борисова, Мария Челмакина, Тигран Матинян, Евгений Шаченко и Ансамбль солистов «Студия новой музыки». Руководил столь контрастным действом художественный руководитель Камерного хора МГК доцент Александр Соловьев.

Маленькая торжественная месса – последнее сочинение Дж. Россини. Автор 39 опер в конце жизненного пути обратился к каноническому церковному жанру, однако оставался все тем же остроумным светским львом, великолепным маэстро. «Боже, вот и закончена эта бедная маленькая Месса. Что сотворил я: священную музыку или дьявольскую? Я был рожден для оперы-буффа, Ты это хорошо знаешь. Немного учености, немного сердца, вот и все, что в ней есть. Будь же благословен и уготовь мне рай», – написал он на последней странице своей рукописи.

В прошлом концертном сезоне Камерный хор несколько раз радовал публику исполнением Маленькой торжественной мессы. Сочинение прочно утвердилось в репертуаре молодых музыкантов и неизменно приводит слушателей в восторг – такой же, как тот, который испытали присутствовавшие на премьере сочинения в марте 1864 года.

Реквием А. Шнитке – этапное сочинение в творческой эволюции композитора, в котором кристаллизуются многие новации его музыкального языка. Центральный эпизод произведения – «Credo» («Верую»), не предусмотренный в канонической заупокойной службе, стилистически более всего приближен к современности и становится кульминацией, смысловым центром произведения.

Камерный хор исполнял Реквием Шнитке впервые – тем ценнее достоинства этого исполнения. Дирижер добился очень ясной и точной артикуляции текста, что было важно не только для понимания смысла, но и для передачи разных эмоций: от гипнотически завораживающей медитации до угрожающего скандирования. Хор звучал чрезвычайно разнообразно, порой истаивая в пиано (конец Domine Jesu) или, напротив, доходя до оглушающего тутти в главной кульминации – Credo. А. Соловьев отлично выстроил общий баланс ансамбля – ведь кроме хора в Реквиеме участвуют такие «экзотические» инструменты, как электрогитары, флексатон, не говоря о большой группе ударных, фортепиано, челесте, органе и медных, которые эффектно солировали с балкона. Воля дирижера собрала воедино весь ансамбль, действовавший с пунктуальностью часового механизма и сорвавший в конце заслуженные овации.

Состоявшийся концерт был первым в череде выступлений, входящих в персональный абонемент Камерного хора МГК в Малом зале. Впереди нас ждут еще две замечательные программы: «Хоровые премьеры “Московской осени”» (16 ноября2013 г.) и «Дню Победы посвящается… Любимые песни и спиричуэлы» с участием знаменитого джазового пианиста Даниила Крамера (15 мая2014 г.).

Василиса Александрова,
аспирантка ИТФ

P. S. В антракте публика тщетно металась в поисках буфета. Малый зал будет функционировать весь сезон – не стоит ли что-то предпринять?..

№ 7 (1309), октябрь 2013

Холодным вечером 5 октября Рахманиновский зал наполняется теплым светом грусти. Один из концертов консерваторского абонемента «Классика и джаз» солисты Музыкального театра им. К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко под управлением выпускницы Московской консерватории Марии Максимчук посвящают памяти Вольфа Горелика (не дожив трех месяцев до своего 80-летия, в марте один из мэтров отечественного искусства, народный артист России ушел из жизни).

Перголези, Вивальди, Перселл… Гимн ушедших гениев, чье бессмертие – в творчестве. Пронзительно-щемящей арией Дидоны (сопрано Мария Пахарь) завершается первое отделение, подводя закономерный итог сдержанной Stabat Mater (солисты – сопрано Ольга Луцив-Терновская и контртенор Сергей Власов) и страстному концерту для двух скрипок ля минор (Наталья Фролкина и Анна Кобзарева). На сцене властвует музыка эпохи высокого барокко, с фотографии строго смотрит в зал Вольф Горелик.

И вдруг – электрогитары, ударная установка, саксофон… Из века XVII – в сегодняшний день. Небесно-голубой, воздушный наряд Марии Максимчук сменяет строгий черный первого отделения. Джазовые стандарты и авторские композиции представляет джаз-квинтет «Эдельвейс» под руководством близкого друга Вольфа Михайловича, композитора и пианиста Сергея Макеева. Сам Горелик, посвящая всего себя классической музыке, всегда оставлял место в сердце для любимого джаза. Со сцены в такт нежным переливам солистки ансамбля светло улыбается дирижер с фотографии – еще один портрет Маэстро.

Но кульминацией концерта, главным словом памятной речи оказываются не просто выступление ансамбля, не стандарты, не импровизации и даже не авторские композиции. Джазовая интерпретация Генделя – вот что становится восклицательным знаком перед многоточием аплодисментов. Полистилистика вечера обретает свою вершину в проникновенном соединении таких разных и таких близких гармоний. Когда-то сам Вольф Горелик соединил в одном из концертов джазовый и академический коллективы, а теперь они звучат в память о мастере – и пусть не перестают звучать!

Ольга Ординарцева,
студентка ДФ
Фото автора

№ 7 (1309), октябрь 2013

С 23 по 29 сентября в Московской консерватории прошел Второй международный конкурс камерных ансамблей и струнных квартетов имени Н. Г. Рубинштейна.

В этот раз «международность» конкурса была условна, ведь абсолютное большинство ансамблей (восемь!) – это нынешние студенты и аспиранты нашего родного вуза, два трио из Питера, один квартет из Гнесинки и единственный русско-болгарский фортепианный дуэт. А вот жюри подобралось интернациональное: Тигран Алиханов, Александр Бондурянский, Елена Семишина и Андрей Шишлов (Россия); Жания Аубакирова (Казахстан); Борис Берман (Израиль – США); Пеэп Лассманн (Эстония); Богумил Новицки (Польша); Хунг-Юн Чанг (Корея).

Двенадцать музыкальных коллективов (квинтет, три квартета, четыре трио и четыре дуэта) состязались за звание лучшего на протяжении двух конкурсных дней. Практически сразу безоговорочным лидером стал единственный фортепианный квинтет (Наталья Игумнова, Таир Хисамбеев, Анна Кандаурова, Михаил Ковальков, Игорь Нечаев): эти ребята сразили наповал и жюри, и слушателей не только своим высоким профессионализмом, но и великолепными ансамблевыми навыками.

Россыпь дуэтов и трио, калейдоскопически сменявших друг друга на сцене, была наиболее пестрой с точки зрения предложенных интерпретаций. Два фортепианных дуэта (наши Ада Горбунова и Виталий Гаврук, а также русские болгары Алина и Николай Шаламовы) в третьем туре выступили с одинаковой программой («Симфонический танцы» Рахманинова). Исполнения «Симфонических танцев» у этих дуэтов были диаметрально противоположными: дуумвират Горбунова – Гаврук выдал крупномасштабное симфоническое полотно, а чета Шаламовых – исконно русское и прочувствованное всей душой творение. Жюри предпочло масштабность и всеохватность филигранности и теплоте музыкального высказывания.

Редкий конкурс обходится без недоумений, Второй конкурс имени Н. Г. Рубинштейна – не исключение. Два питерских трио (струнное и фортепианное) не смогли вырваться в финал по непонятным публике причинам. Были очевидны и исполнительская харизма, и прекрасный звук, и интересные интерпретации, но… увы!

По поводу конкурса своими размышлениями поделились и некоторые члены жюри.

Жания Аубакирова:

Именно в камерной музыке поиск истины наиболее результативен для всех участников ансамбля. Меня поразила панорама представленных произведений – была и классика, и современная музыка, которая никого не оставила равнодушным. Практически все участники конкурса показали высокий уровень профессионализма.

Но меня огорчило отсутствие в финале питерских ансамблей, которые не просто должны были участвовать в заключительном туре, но занимать лидирующие позиции. Эти исполнители вызвали противоречивые мнения в команде жюри. Все мы по-разному слышим, и каждый судья имеет свое видение того или иного произведения, поэтому такие ситуации возникают практически на каждом конкурсе. Ни в коем случае здесь нельзя говорить об ангажированности или чьей-либо заинтересованности, просто такова реальность.

Неизгладимое впечатление на меня произвели фортепианный квинтет и не попавшее в финал женское трио из Санкт-Петербурга (Мария Чернышева, Елизавета Гольденберг, Дарья Костина). Именно этим ансамблям были присущи качества, которые я особенно ценю в исполнителях, – магнетизм и умение заинтересовать публику.

Борис Берман:

Я был впечатлен самим фактом проведения конкурса камерных ансамблей, высоким уровнем организации, а также интересом многих талантливых исполнителей к этой сфере музыки. Камерное музицирование, на мой взгляд, – один из самых благородных видов игры, когда вы вовлечены в постоянный диалог со своими коллегами: нельзя самовыражаться, не учитывая творческие импульсы своих партнеров.

Безусловно, мы услышали многих прекрасных солистов, которые по отдельности замечательно играют, но в некоторых ансамблях не было ощущения групповой импровизации. В этом случае жюри предпочло коллективы, участники которых могут буквально дышать и чувствовать музыку вместе. Финал конкурса и заключительный концерт лишний раз подтвердили правильное решение жюри – выступали именно ансамблисты, а не хорошие солисты, решившие показать, «кто во что горазд».

Не скрываю, на конкурсе были неожиданности: оба питерских трио не попали в финал. Как говорится, мы живем в демократическом обществе, а демократия – это когда не все выходит так, как хочется лично тебе. Большинство членов жюри предпочло именно такой расклад.

Александр Шляхов,
студент ИТФ
Фото Дениса Рылова