№ 8 (1310), ноябрь 2013

Владимир Селезнев. «Метрополис»

Премия Василия Кандинского – проект, с помощью которого выбираются лучшие работы в области изобразительного искусства последних лет, а также лучшие молодые художники. Премия вручается каждый год, в этом году – уже седьмой раз. Регламент не позволяет участвовать в конкурсе работе, которая старше двух лет, и таким образом автоматически обрекает себя на современность и постоянно обновляемый контекст. Компетентное жюри выбирает лучшие из представленных арт-проектов, которые в качестве номинантов на премию также выносятся на суд публики. Победителей ожидают не только приличная денежная премия, но и выставки в городах России и за рубежом. В этом году одна из них проходит с 13 сентября по 10 ноября в здании с удивительной историей – кинотеатре «Ударник».

Здание кинотеатра в прошлом году перешло в пользование фонда «Артхроника» (учредитель премии – президент фонда Шалва Бреус). Оно является памятником архитектуры и за свою почти столетнюю историю меняло как хозяев, так и функцию: кинотеатр, казино, ресторан… «Ударник» никак не мог принять эти новые роли, однако идея сохранения культурной направленности здания, приспособление его для изобразительного искусства, преимущественно современного, кажется наиболее приемлемой. Пространство кинотеатра таит в себе как трудности для размещения экспозиции, так и большой потенциал. И это доказывают выставки номинантов премии Кандинского. Архитектура кинотеатра несет в себе глубоко индивидуальную атмосферу, и современное искусство очень хорошо в нее вписывается.

Михаил Косолапов. «Непрямое политическое высказывание»

Из более чем 200 арт-объектов жюри выбрало 37. Все они размещены на разных этажах здания согласно тематике, заявленной архитектором выставки. Нижний этаж со своими низкими потолками и особой «затемненной» атмосферой как нельзя лучше соответствует «Пространству памяти и сна». Фойе кинотеатра отдано экспонатам, связанным с нерушимой действительностью («Реальность как документ»). Второй этаж – сам кинозал со своим огромным куполом – представляет наиболее объемные работы, включая крупномасштабные инсталляции («Больше, чем жизнь»). На балконе второго этажа демонстрируются работы, связанные с киноискусством.

В этом году выставка номинантов премии Кандинского имеет для Московской консерватории особый интерес. Сетуя на известную разобщенность студентов музыкального профиля и других творческих вузов, а также на отдаленность области музыкальной от хотя бы изобразительного искусства, наш студент Владислав Тарнопольский предложил организаторам премии проект «Art’инки с выставки». Название не случайно и апеллирует к знаменитым «Картинкам с выставки» Мусоргского, однако в современном изобразительном искусстве нельзя говорить только о картинах или картинках, скорее это арт-объекты. Проект позволяет направить интерес молодых композиторов, в данном случае студентов и аспирантов консерватории, на современное российское изобразительное искусство. В нем участвуют шесть авторов, которые после посещения выставки выбирают наиболее интересный для каждого арт-объект и пишут «по его мотивам» музыкальное произведение. На концерт из этих произведений, который состоится в конце декабря, будут приглашены художники-номинанты премии.

Елизавета Гершунская,
студентка IV курса ИТФ

Софья Гаврилова и Алексей Корси. «Кому принадлежит тень от зонтика»

Яна Сметанина. Проект «2-я стадия»

Яна Сметанина. Проект «2-я стадия»

От редакции: РМ ждет концерт по итогам конкурса и непременно расскажет о результатах сотрудничества своим читателям

№ 8 (1310), ноябрь 2013

30 июля в возрасте 75 лет ушел из жизни народный артист России профессор Игорь Александрович Фролов. Игорь Александрович родился 10 января 1937 года в Москве в семье музыкантов: отец был педагогом, концертмейстером, а затем дирижером в Симфоническом оркестре Радио, мать работала аккомпаниатором в классе Д. Ф. Ойстраха. В Московской консерватории И. А. Фролов обучался у А. И. Ямпольского, а закончил образование (в том числе аспирантуру) по классу Д. Ф. Ойстраха (1965).

Игоря Александровича я знаю с конца 60-х годов: в то время я был студентом, а он – аспирантом, а затем молодым педагогом консерватории. Практически всю свою творческую жизнь он работал солистом Москонцерта, а в последние годы стал его художественным руководителем и имел там очень хороший оркестр – «Московская камерата», который существует и сейчас. Став деканом, я пригласил Игоря Александровича в консерваторию, где он преподавал до конца своих дней.

Это была очень яркая личность: замечательный скрипач, дирижер, композитор. Мы называли его «наш Крейслер»: его сочинения удивительно скрипичные, у него есть даже «Каприс памяти Крейслера». Дважды произведения И. А. Фролова отбирались на конкурс Чайковского как обязательные и звучали там с большим успехом. Так же блестяще он писал джазовые пьесы для фортепиано, прекрасно владея этим инструментом (что являлось во многом заслугой его матери).

После учебы у Д. Ф. Ойстраха Игорь Александрович стал ассистентом его кафедры. Поэтому его педагогические принципы – исключительно ойстраховского направления: он много работал над фразировкой, над музыкальными образами; в его классе играли не только много классики, но и современную музыку, включая его собственные сочинения. Можно сказать, что он был ярким представителем русской скрипичной исполнительской школы – школы Московской консерватории.

И. А. Фролов вел насыщенную концертную деятельность, имел очень богатый репертуар, как солист и дирижер выступал во многих странах мира. Его обожали не только в Европе (например, в Испании, где он, блестяще владея языком, бывал довольно часто), но и на Кубе, даже в Индии. Много гастролировал Игорь Александрович и в России. В свое время мы были с ним в культурно-просветительской поездке по разным городам БАМа – от Благовещенска до Тынды. В 1984/85 году БАМ закрывали и в честь этого был организован фестиваль под названием «Золотой костыль». Игорь Фролов всякий раз открывал эти концерты (я участвовал во втором отделении, а завершал программу Бюль-Бюль оглы со своим ансамблем). Он выступал с большим юмором, очень весело и имел невероятный успех, играя в основном свои произведения.

Игорь Александрович обладал огромным талантом и трудолюбием. Рассказывал, как однажды приехал на гастроли в Днепропетровск играть концерт Хачатуряна, а там за пультом – сам автор. Страшная ответственность! На репетиции Арам Ильич спросил: «Ну, Игорек, ты наверняка играешь мою каденцию?» Фролов играл каденцию Ойстраха, но, тем не менее, ответил: «Конечно-конечно, только сегодня не буду – завтра». После этого он прозанимался всю ночь, но каденцию Хачатуряна все-таки выучил.

Мы много выступали вместе, в том числе на мастер-классах. Одна из последних поездок была в Польшу, где Игорь Александрович был отмечен правительственными наградами и где его очень любили. Исполнялись его новые сочинения, в частности «Грустный вальс» для двух скрипок с камерным оркестром, посвященный известному польскому скрипачу, директору этих курсов профессору Лавриновичу. К сожалению, это очень грустное и красивое сочинение прозвучало только один раз (надеюсь, что оно будет исполнено и в Москве).

Игорь Александрович был очень светлый человек. Он безмерно любил жизнь, был необыкновенно остроумен. Невероятный весельчак, он вел себя изумительно по отношению к своим коллегам, был душой нашей кафедры. Мы обожали его, постоянно ходили друг к другу на концерты. Ученики до сих пор мне звонят, вспоминают его с большой благодарностью.

Конечно, все хотят почтить память этого прекрасного человека и талантливейшего музыканта исполнением его сочинений. Первый концерт, где будут выступать педагоги и его оркестр, состоится 17 января в Музее им. Глинки. Другой концерт был запланирован еще год назад, к юбилею Игоря Александровича, – у него очень много веселой, шутливой музыки, поэтому мы взяли дату 1 апреля. Он знал об этом концерте, даже советовал, что и как играть, хотел участвовать… Этот кафедральный вечер мы сделаем только из его произведений.

Профессор С. И. Кравченко

№ 8 (1310), ноябрь 2013

Каждый его концерт длится более трех часов, но ни один номер невозможно без ощутимой потери исключить из программы… С его урока невозможно уйти: пропустишь что-то важное, тот самый момент переполняющего вдохновения… На полках магазинов и библиотек невозможно найти его произведений – они не опубликованы…

27 октября со сцены Малого зала звучала музыка Данияра Дианова – так композитор и органист, выпускник хорового училища имени А. В. Свешникова и Московской консерватории отметил свой 50-летний юбилей. Праздничный вечер открыли пять хоровых сочинений Д. Дианова в исполнении Концертного хора под управлением Александра Соловьева. Вместе с ним выступали солисты Ольга Веселова (сопрано), Станислав Малышев (скрипка), Давид Короновский (валторна) и Евгений Круглов (валторна); партию органа и фортепиано сыграли сам автор и его ученики: Ирина Шашкова-Петерсон и Марина Бадмаева. Такое торжественное начало задало настроение всему концерту.

На протяжении двух отделений вплоть до финальной точки Скрипичной сонаты музыка Данияра Дианова увлекала публику разнообразием жанров и тембров. Звучали флейта (Зоя Вязовская), труба (Никита Токарев), кларнет (Василий Маслов), скрипка (Артем Котов), фортепиано (Станислав Дяченко, Ольга Матиева), голос (Дмитрий Максименко) и, конечно, орган (Александра Максимова, Ольга Бижако). Самые разные произведения Д. Дианова объединяла одна очень важная деталь: богатство мелодий. Добрые и деликатные, как и сам композитор, его красивые мелодии переливались всей палитрой тембров человеческого голоса и звенели инструментальными красками.

Концерт остался в душе и памяти всех присутствующих как уютный вечер, как праздник для самых родных и близких. И невольно вспомнились строчки стихотворения Алексей Толстого, прозвучавшие в начале концерта в исполнении хора – они как будто написаны про музыку композитора: «Твоя же речь ласкает слух, Твое легко прикосновенье…»

Ольга Яковенко,
студентка ДФ

№ 8 (1310), ноябрь 2013

Кафедра медных духовых инструментов Московской консерватории положила начало серии концертов, посвященных выдающимся музыкантам минувшего века: 9 октября в Рахманиновском зале состоялся вечер к столетию со дня рождения легендарного трубача Сергея Петровича Попова.

Брасс-ансамбль Московской консерватории. Дирижер Я. Беляков, солист М. Гайдук

В моей жизни была короткая встреча с этим выдающимся музыкантом – воспоминания о ней до сих пор будоражат мое воображение. Узнав, в какие дни Сергей Петрович занимается (а он до последних дней своей жизни не расставался с инструментом и преподавал трубу в музыкальной школе № 81 им. Д. Д. Шостаковича), я явился к нему на урок. Сергей Петрович очень ласково меня принял и уделил много времени, отвечая на мои многочисленные вопросы. На тот момент ему шел уже девяносто третий год, и меня поразили его необычайная для столь преклонных лет живость ума, точность суждений, подробнейшие воспоминания о многих событиях далекого прошлого…

…Когда в Рахманиновском зале после третьего звонка из динамиков раздались призывные интонации вступления концерта для трубы Сергея Василенко, все услышали волшебный «золотой звук» Сергея Попова и переполненный зал разразился громоподобными аплодисментами. Затем со вступительным словом к залу обратились заведующий кафедрой медных духовых инструментов РАМ им. Гнесиных профессор В. М. Прокопов и заведующий кафедрой деревянных духовых инструментов Московской консерватории профессор В. С.  Попов – сын С. П. Попова.

Весь концерт прошел на одном дыхании – солисты были очень яркими, номера эффектными, а продуманная драматургия вечера до конца держала зал в напряжении. Словно принимая эстафету от великого музыканта, лауреат международных конкурсов, воспитанник профессора В. А. Новикова Жасулан Абдыкалыков безупречно исполнил 2-ю и 3-ю части концерта Василенко. Замечательно показали себя брасс-квинтеты Московской консерватории, Гнесинской академии и Большого театра, а также ансамбль тромбонов ГАСО им. Е. Ф. Светланова под руководством Аркадия Старкова, исполнивший «Ave Maria» А. Брукнера. Особенный восторг у слушателей вызвало вдохновенное выступление профессора В. С. Шиша (заведующего кафедрой медных духовых и ударных инструментов МГК) – в его переложении для валторны прозвучала «Элегия» С. В. Рахманинова.

В заключение вечера Брасс-ансамбль Московской консерватории под моим руководством предложил вниманию публики знаменитые произведения, где труба является главным действующим лицом: «Шествие князей» из оперы-балета «Млада» Н. А. Римского-Корсакова, «Адажио» Т. Альбинони (в великолепном исполнении солиста РНО Владислава Лаврика) и «Время, вперед!» Г. В. Свиридова (в интерпретации лауреата международных конкурсов Михаила Гайдука). Именно этот последний номер, по просьбе публики повторенный на бис, поставил в юбилейном концерте яркую эмоциональную точку.

Ярослав Беляков,
преподаватель МГК

№ 8 (1310), ноябрь 2013

Осенью 1994 года Ю. С. Айрапетян, приехав в Москву из Армении, где он долгие годы преподавал в Ереванской консерватории, был деканом фортепианного факультета и пользовался непререкаемым авторитетом, фактически «с нуля» начал формировать свой класс. В первый год преподавания в столице у Юрия Суреновича класс был сравнительно небольшим – всего 7 человек. Как раз в том, 1994 году мне и посчастливилось познакомиться с моим профессором.

Придя в первый раз ему поиграть (а было это в легендарном «нейгаузовском» 29 классе) в одно из осенних воскресений, под колокольный перезвон храма «Малое Вознесение», я, помнится, с первых минут знакомства был поражена его неуемной энергией, живостью, с которой он реагировал на все. Казалось, вся эта благоговейная обстановка, незнакомый мне 60-летний уважаемый профессор в своей неизменной «бабочке» – все невольно сковывает. И тут – озорные искорки в его глазах: «Давай послушаем тебя, что играешь?» После исполнения мною программы Юрий Суренович садится за второй рояль и буквально в двух-трех словах, показывая при этом на рояле, советует, как было бы лучше, естественнее сыграть. И так у него это мастерски, ненавязчиво получается, как будто он не учит, а вступает с тобой в творческий диалог, попутно делясь своими соображениями! Невольно появляется ощущение эмоционального раскрепощения, которое уже больше не покидает. Во многом благодаря мудрости и чуткости моего профессора летом 1995 года я поступила на первый курс консерватории.

С тех пор прошло почти 20 лет, из которых 12 я являюсь ассистентом профессора Ю. С. Айрапетяна. На моих глазах сменилось не одно поколение студентов в нашем классе. После переезда Юрия Суреновича в Москву с каждым годом его класс разрастался и в скором времени по праву стал считаться одним из самых больших и дружных на Фортепианном факультете. Безусловно, одна из важнейших заслуг моего учителя – умение сплотить вокруг себя молодой коллектив, создать среди своих воспитанников атмосферу взаимного доверия, дружбы. Не раз мы слышали от нашего профессора: «Все вы – мои ученики – одна большая семья!»

Великий дирижер Артуро Тосканини говорил: «Имейте мужество играть, как написано». Этой позиции в классе Юрия Суреновича придерживаются со всей скрупулезностью. Профессор неустанно прививает своим ученикам бережное отношение к авторскому тексту. Часто на его уроках можно услышать, как идет кропотливая работа над ясностью фактуры: профессор добивается от студента, чтобы каждая нота была слышна. Думаю, ученикам Юрия Суреновича знакомо его крайне негативное отношение к любой халтуре, будь то элементарная недоученность произведения, прикрытие технических недостатков «замазанной» педалью, стихийная динамика, идущая вразрез с авторскими указаниями, – все это самым беспощадным образом немедленно пресекается. Сохранение авторской мысли, ее строгая концептуальность – главные достоинства, отличающие игру его питомцев.

В последнюю декаду октября в рамках фестиваля к 80-летию Ю. С. Айрапетяна в трех залах Московской консерватории – Большом, Малом и Рахманиновском – с большим успехом прошли концерты, явившиеся своего рода музыкальным приношением юбиляру. Выступали ученики профессора разных лет. Специальным гостем на концерте в Малом зале был народный артист СССР профессор Зураб Соткилава. Затем последовал недельный гастрольный тур на родину Юрия Суреновича – в Армению. Нынешние ученики профессора выступали перед ереванской публикой в Доме камерной музыки и в Большом зале Ереванской филармонии.

Сегодня Юрию Суреновичу Айрапетяну 80! В биографии пианиста подведена черта, подытоживающая огромную работу прошедших десятилетий. Он полон сил и энергии, его жизнь, как всегда, насыщена неустанной творческой работой – мастер-классами, конкурсами, классными вечерами, концертными выступлениями студентов. Он ведет активную общественную деятельность: работает в Фонде развития фортепианного искусства им. Якова Флиера, является художественным руководителем международного фестиваля «Якову Флиеру посвящается», систематически проводит прослушивания детей в Армении и на Тайване с целью выявления юных талантов.

С радостью поздравляю моего дорогого учителя Юрия Суреновича Айрапетяна с 80-летием! Крепкого здоровья, творческого долголетия и достойных преемников молодому юбиляру!

Екатерина Леденева,
преподаватель МГК

№ 8 (1310), ноябрь 2013

21 октября на сцене Малого зала Ассоциация выпускников Московской консерватории «Alma Mater» представила концерт Камерного хора «Gaudeamus» МГТУ им. Н. Э. Баумана. Вечер был посвящен 45-летию коллектива, а также 75-летию и 50-летию окончания Московской консерватории организатора и бессменного художественного руководителя хора профессора Владимира Живова – известного русского хорового дирижера, автора статей о хоровом искусстве, председателя комиссии академических хоров Московского музыкального общества. Незадолго до концерта мы встретились с юбиляром в фойе Малого зала:

— Владимир Леонидович, сегодня камерный хор «Gaudeamus» хорошо известен в кругах любителей музыки, он ведет активную концертную деятельность, а между тем история коллектива началась еще в 60-е годы прошлого века. Насколько сильно приходится меняться, подстраиваясь под реалии сегодняшнего дня?

— Главное достоинство «Гаудеамуса», как я считаю, – это стабильность. Каждый год меняется состав, приходят новые люди, но все равно сохраняется определенная планка. И неважно, что в хоре поют любители – во всем, что я могу как профессионал, я их пытаюсь до своего уровня дотянуть. Единственное, что меня беспокоит, это проблема «отцов и детей». Хору 45 лет, состав все время пополняется молодыми участниками, образуется существенная разница в возрасте между певцами. Но как раз именно у хорового коллектива, на мой взгляд, есть в этом случае объединяющая сила: желание наилучшим образом воплотить дирижерский замысел. Это сглаживает все различия.

Конечно, и репертуарная политика несколько меняется. Раньше мы часто выступали на телевидении, на радио, делали фондовые записи, выпускали пластинки; сейчас же это все дорого и сложно. Но мы не скатываемся на попсу. Должна быть определенная стилистика, закономерность исполнительства, ни в коем случае не вседозволенность. Когда-то я читал в консерватории курс «теории хорового исполнительства», говорил о том, что хорошо, а что жеманно, слащаво. И мои певцы, технари, не имеющие музыкального образования, эти «вкусовые» вещи понимают, становятся мастерами. Я горжусь тем, что, когда люди попадают на наш концерт, они говорят: даже и не скажешь, что это самодеятельность!

— Нередко слово «самодеятельность» употребляют с негативным оттенком. Насколько это уместно, на Ваш взгляд, и можно ли как-то изменить отношение к искусству, не имеющему профессиональной подготовки?

— Самодеятельность, любительство – это не искусство второго сорта! Это – творчество под руководством профессионала. Единственное, что отличает любительский хор от профессионального, – это голоса (и то еще неизвестно, где они будут лучше). И вообще, кого интересует, любитель поет или нет, если в исполнении создан верный образ и есть глубокая проникновенность? Можно спеть чище, басы могут быть тембристее, но не это же самоцель!

Есть музыка, есть ее исполнение. И если я, допустим, исполняю Чайковского, я должен исполнять его качественно или не браться совсем. Все зависит от того, на каком уровне находится коллектив, от того, что ты, как дирижер, можешь. В профессиональном хоре я получил аллергию на большой, «тупой» звук, когда люди орут. А мне очень хочется, чтобы звук был выразительный, легкий, будто с дымкой, чтобы была разнообразная палитра красок, ведь голос обладает большой палитрой тембров: не просто лирические, драматические сопрано, а сопрано злые, суровые, язвительные, милые… Хочется доказать, что хор может быть гибким, подвижным, хотя, к сожалению, не всегда это так, потому что голос – не только самый совершенный, но еще и самый трудный инструмент, очень хрупкий, ранимый.

— Насколько важно для дирижера непосредственное участие коллектива в какой-либо внеконцертной деятельности?

— Хоровик, на мой взгляд, должен быть общественным деятелем. Консерваторцы нашего поколения – это не обособленная элита, мы все участвовали в жизни страны – в поднятии целины, в концертных бригадах по обслуживанию Советской армии, собирали песни в фольклорных экспедициях, чтобы потом возродить их… Как могли, несли культуру в массы. И сообщество, которое называется «Гаудеамус», живет по законам, которые я когда-то установил. Вопреки политике государства, сменам правительств и т. д.

Сейчас ведь другое поколение – растят индивидуалистов. И только хор по-прежнему воспитывается как коллектив, причем не только пением, а совместной жизнью, поездками, объединяющими общественными акциями. Теперь этого все меньше и меньше. Даже те культурные программы, которые еще остались на телевидении (та же битва хоров), воспитывают индивидуализм…

Для того чтобы руководить самодеятельностью, нужны особые качества, не только хороший слух. Ведь люди приходят в самодеятельные хоры не из-за денег, а из любви. Необходимо их обаять, поддержать их тонус – устраивать какую-то общую жизнь: нужны капустники, поездки, походы, гитара. Неизвестно, что притягивает людей больше: само творчество или атмосфера, которая окружает такой хор.

— В чем Вы видите свою главную задачу?

— Я пытаюсь нести факел, который мне дали в руки, и свою функцию вижу в том, чтобы воспитывать молодежь на образцах хорошей музыки. Главное – поддержать и развить все, что заложили во мне мои учителя, всегда соответствовать высокому званию выпускника Московской консерватории.

Беседовала Ольга Яковенко,
студентка ДФ

№ 8 (1310), ноябрь 2013

Блистательный творческий путь Феликса Михайловича Блуменфельда соединил собой две разведенные историей эпохи. С одной стороны – музыкальная жизнь Санкт-Петербурга XIX века, где он был активнейшим участником и любимцем композиторского кружка «Могучая кучка» во главе с В. В. Стасовым. С другой стороны – музыкальная жизнь Москвы 20-х годов XX века, где он стал одним из ведущих профессоров Московской консерватории, заложивших основы советской пианистической школы, которая триумфально заявила о себе на международных фортепианных конкурсах в 30-е годы XX века. «Он был музыкантом с головы до ног: композитор, дирижер, пианист, концертмейстер, педагог – не было ни одной “специальности” в области музыки, которой он не владел бы полностью, в которой не проявил бы своего замечательного, бьющего через край таланта», – писал его племянник и ученик Г. Г. Нейгауз.

Имя Ф. Блуменфельда вместе с именем Ф. Шаляпина украшало афиши Парижа во время знаменитых «Дягилевских сезонов», где Блуменфельд руководил всей музыкальной частью. Будучи дирижером Мариинского театра, он был инициатором большого количества новых оперных постановок. Обладая феноменальной памятью, зная наизусть оперные партитуры, он любил исполнять их на фортепиано в своем изложении и сам пел за всех действующих лиц. Это были «Руслан» и «Садко», «Зигфрид» и «Парсифаль»… Концертируя как симфонический дирижер, он знакомил русскую публику с такими крупнейшими премьерами, как «Божественная поэма» и «Поэма экстаза» А. Н. Скрябина. Яркими образцами вдохновенного мастерства были фортепианные, вокальные и инструментальные произведения самого Блуменфельда, являвшиеся выражением его жизненных впечатлений, его задушевной лирикой.

Об исполнительском облике Блуменфельда-пианиста следует сказать особо. «Не будучи формально учеником Антона Рубинштейна, он был им духовно в полном смысле слова, – писал Г. Нейгауз. – В его игре было что-то от рубинштейновской мощи и шири, от его неслыханного владения звуковыми тайнами фортепиано, от его “героического” воссоздания музыкальных образов, лишенного какой бы то ни было мелочной рассудительности». «Когда за роялем Блуменфельд переходил к Шопену, начинался гипноз: сквозь музыку вспыхивало пламя Польши – он умел проинтонировать всю гармоническую ткань – словно в лупу он, как ювелир, любовался игрой шопеновской мысли… это был музыкант высокой эстетической культуры, понимавший смысл каждого оборота мелодии и гармонии в тесной спаянности с ритмом, как основой формы», – вспоминал Асафьев.

Блуменфельд был несравнимым по силе воздействия педагогом. Воспитав таких пианистов, как Владимир Горовиц, Симон Барер, Генрих Нейгауз, Мария Гринберг (вспомним, что и Мария Вениаминовна Юдина брала у него уроки), он не экономил свою энергию в работе с каждым, кто хотел учиться у него мастерству. Феликс Михайлович пользовался огромной популярностью у студентов. В педагогике, так же как во всех сферах своей музыкальной деятельности, он был неутомим, когда дело шло о правде в искусстве. Любая погрешность против музыки могла привести к буре, от которой не было защиты, – вспоминают его ученики, сопоставляя приемы работы Блуменфельда в музыке с приемами работы К. С. Станиславского в театре.

«Ф. М. Блуменфельд – одно из дорогих незабвенных имен недавнего былого русской музыки, – писал Асафьев. – Он надолго останется в памяти всех знавших его как прямой и цельный образ лучистого артиста, всеми своими свойствами убеждавшего людей в правде, излучаемой музыкой».

Профессор Р. А. Хананина

№ 8 (1310), ноябрь 2013

У декана Дирижерского факультета, заведующего кафедрой хорового дирижирования С. С. Калинина есть добрая традиция отмечать день рождения на сцене, в окружении учеников и коллег. Не стала исключением и нынешняя осень: 26 октября под руководством профессора Калинина хор выступил с разнообразной программой, объединенной темой «Музыка народов мира». Концерт, приуроченный к 90-летию кафедры хорового дирижирования Московской консерватории, открыл Российский хоровой конгресс – солидная концепция хорового вечера как нельзя лучше соответствовала значительности и нерядоположности отмечаемых событий.

Хор студентов Московской консерватории под управлением профессора Станислава Калинина

Звучали как авторские композиции, так и народная музыка, причем в обоих случаях выдерживался интернациональный вектор: В. Кикта, Б. Чайковский (Россия), А. Бабаджанян (Армения), П. Лаком (Испания), А. Эстевес (Венесуэла), К. Веласкес (Мексика), Ф. Лоу (США) – и русские, белорусские, украинские, грузинская, корейская, китайские песни, а также негритянский спиричуэл в обработке В. Доусона. Широта «географии» исполняемой музыки органично дополнялась разнообразием ее жанровой амплитуды: в концерте нашлось место гимну, сюите из мюзикла, песне – во всем спектре жанровых вариаций (от белорусской плясовой в обработке А. Атрашкевич – до китайской колыбельной в обработке Ло Май-шо). «Высокий» слог сменялся непринужденной шуткой, строгое академическое пение – театрализованным действом с элементами перформанса, когда солисты хора перевоплощались в инструменталистов, выходя на авансцену (Н. Семенюк и В. Князев с гитарами в «Испанской студенческой песне» П. Лакома) или свободно перемещаясь в сценическом пространстве под аккомпанемент разного рода ударных (в этом отношении исключительную артистичность проявил А. Зеленеев (бубен, мараки).

В концерте приняли участие солисты А. Бородейко, А. Кохов, Г. Болотов, А. Ковалевич. Никого не оставило равнодушным проникновенное исполнение А. Лошаком украинской народной песни «Стоит гора високая». На равных с профессионалами-вокалистами выступали и солисты хора – особенно запомнились высокие голоса, легко и светло парящие над общей массой хоровой звучности (Т. Кокорева, А. Зеленеев). Как всегда, восхищение публики вызвали изысканная манера игры и деликатное туше пианиста А. Куликова – концертмейстера класса С. Калинина и неизменного участника выступлений данного хорового коллектива.

Концерт убедительным образом продемонстрировал живую связь поколений, и это, пожалуй, один из самых дорогих подарков к юбилею кафедры. Преемственность традиций отразилась уже в перечне включенных в программу авторов хоровых обработок и переложений: от легендарного А. Свешникова («Ах, ты, степь широкая») к действующим педагогам кафедры – Ю. Потеенко (Три украинские песни, «Bésame mucho»), Ю. Тихоновой («Юмореска» Б. Чайковского, корейская песня «Ариран») и самому С. Калинину («Испанская студенческая песня» П. Лакома, «Ноктюрн» А. Бабаджаняна). Одним из сюрпризов стала и «внезапная модуляция» дирижеров: прямо во время исполнения грузинской «Сулико» профессор уступил место хормейстера Д. Брашовяну, студенту V курса, а классическая обработка З. Палиашвили плавно перетекла в более современную по языку транскрипцию знаменитой песни, выполненную молодым дирижером.

При всем различии песенных оригиналов, ставших основой концертных обработок, исполнение высветило то, что их объединяет, обнаруживая родство китайской «Песни пастуха» украинской «Повій, витрэ, на Вкраіну», корейской «Ариран» – белорусской «Речаньке». Центрирующим началом разнонациональных и разноэпохальных песен явилась их мелодическая сущность. Некогда высказанная классиком мысль о «всемирной отзывчивости русской души» актуальна и в отношении российской песенности, вобравшей все многоцветье многонациональной культуры. В этом плане весьма символично музыкальное обрамление концерта-приношения: в качестве зачина – гимническая композиция В. Кикты на стихи В. Лазарева «Благослови, Господь, Россию», как итог-резюме – «Марш энтузиастов» И. Дунаевского, подхваченный публикой и сопровождаемый горячими аплодисментами.

Искреннее спасибо хору и его руководителю Станиславу Семеновичу Калинину за эту атмосферу сердечности и столь редкое по нынешним временам чувство единения!

Профессор М. С. Высоцкая

Сколько добрых слов уже сказано о значении хорового пения, о культуре, прививаемой с юных лет через песню, о коллективном духе, так необходимом сейчас! И, конечно, не проходит незамеченным важный юбилей в стенах нашей Alma Mater – 90-летие кафедры хорового дирижирования Московской консерватории, – который празднуем весь 2013 год. Наследница Синодального училища, старейшая дирижерская кафедра России за весь свой долгий творческий путь претерпевала множество изменений, но всегда оставались неизменными глубокие связи с традициями русской хоровой культуры. Среди множества мероприятий, посвященных этому юбилею, впечатляющим событием стал Российский хоровой конгресс. 

На протяжении более чем двух недель консерватория открывала свои двери для множества коллективов, которыми руководят выпускники кафедры разных лет. Стартовал конгресс 26 октября уже традиционным большим осенним концертом Хора студентов Московской консерватории под управлением профессора Станислава Калинина. В этот раз темой выступления хора стала музыка народов мира: от России и стран СНГ до Южной и Северной Америки. Следом, 29 октября, в Большом зале выступили еще два очень разных коллектива.

Выпускник Московской консерватории 1982 года Сергей Тараканов, художественный руководитель и дирижер Детского хора Ростовской государственной консерватории имени С. В. Рахманинова, вместе со своими воспитанниками в первом отделении наполнил Большой зал проникновенной тонкостью хорового звучания, не так часто радующей слух сегодняшней публики. В программу были включены казачьи песни, авторские произведения православной тематики (Тропарь святому благоверному князю Михаилу Тверскому И. Денисовой и Кондак святому Андрею Первозванному Н. Балашовой), знаменитые Шесть хоров С. Рахманинова и «Венок рождественских песен» Б. Бриттена (партия арфы – Ирина Негадова). Очень нежные, прозрачные произведения в исполнении хора сверкали ангельскими созвучиями. 

Детский хор Ростовской государственной консерватории имени С. В. Рахманинова, художественный руководитель и дирижер Сергей Тараканов

 Второе отделение явилось ярким контрастом по отношению к первому: Московская мужская еврейская капелла под управлением выпускника кафедры 1994 года Александра Цалюка представила публике особый пласт хоровой культуры – еврейскую литургическую музыку. Мощная красота мужского пения, бархатность тембров и сочный национальный колорит не оставляли возможности спокойно усидеть на месте – хотелось встать и танцевать, ритмично прихлопывая. Каждое произведение дирижер предварял небольшим комментарием, но музыка говорила сама за себя: острые оттенки чувств – вся боль и скорбь, радость и ликование – составляли палитру выступления коллектива.

Московская мужская еврейская капелла, дирижер – Александр Цалюк

 Конгресс, проходя в обычное учебное время, включил в себя двухнедельный мастер-класс педагогов кафедры, завершившийся торжественным концертом 9 ноября в Рахманиновском зале. С хором студентов вели работу Владимир Горбик, Владимир Контарев, Мария Максимчук, Алексей Рудневский, Валерий Калистратов. Конечно, у каждого дирижера есть свой неповторимый почерк, который ясно ощущается с первого взмаха руки на репетиции. Но тот музыкальный вкус, та культура хорового искусства, которая, несомненно, объединяет всех мастеров, дала возможность сказать с полным основанием, что кафедра хорового дирижирования Московской консерватории остается не только старейшей, но и ведущей кафедрой в масштабе всей страны. 

Завершили хоровой конгресс еще два концерта в Большом зале: 10 ноября свою программу представили Детский хор «Весна» под управлением Надежды Авериной и хоры Московского подворья Свято-Троицкой Сергиевой лавры (дирижеры Елена Смирнова, Дина Довгань, Владимир Горбик). А 11 ноября выступили Хор студентов Казанской государственной консерватории имени Н. Г. Жиганова (дирижер Владислав Лукьянов) и Хор Академического ансамбля песни и пляски Внутренних войск МВД России (дирижер Виктор Елисеев). 

Российский хоровой конгресс юбилейного года кафедры уже стал историей. Скоро уйдут в архив и бережно подготовленные стенды с фотоматериалами и документами – Музей имени Н. Г. Рубинштейна подготовил в фойе Большого зала интереснейшую экспозицию. А жизнь кафедры, такая сложная и вместе с тем творчески насыщенная, продолжит свое сплоченное плавание сквозь бушующий океан хоровой музыки…

Ольга Ординарцева,
собкор «РМ»