№6 (1398), сентябрь 2023 года

Московская консерватория вновь стала куратором музыкального направления Всероссийской декады выпускников творческих вузов, которая прошла в мае-июне 2023 года (первая состоялась в прошлом году – см. «ТМЖ», 2022 №6). Организаторами мероприятия стали Министерство культуры РФ, Ассоциация учебных заведений искусства и культуры и «Росконцерт». Цель Декады – демонстрация дипломных работ студентов выпускных курсов творческих вузов России в формате яркого культурно-просветительского проекта – позволила представить широкой публике молодых талантливых музыкантов, актеров, артистов балета, кинематографистов и художников, и привлечь к ним внимание продюсеров и потенциальных работодателей.

Московская консерватория им. П.И. Чайковского и Российская академия музыки им. Гнесиных как организаторы музыкального направления Декады составили разнообразную программу, состоящую из концертов, мастер-классов, творческих встреч и даже интерактивной художественной выставки. Мероприятия прошли не только в Московской консерватории и РАМ имени Гнесиных, но и в Санкт-Петербургской и Уральской консерваториях.

22 мая в Большом зале Московской консерватории состоялось открытие музыкального направления – сводный концерт с участием Симфонического оркестра студентов Петрозаводской консерватории под руководством ректора Консерватории, доцента Алексея Кубышкина. В его программе приняли участие выпускники Московской, Санкт-Петербургской, Нижегородской, Саратовской, Уральской консерваторий, РАМ имени Гнесиных, Луганской академии культуры и искусств имени М.Л. Матусовского и Дальневосточного государственного института искусств. Поздравление в адрес участников направила заместитель Министра культуры РФ Н.А. Преподобная, с приветственными словами выступили ректоры двух ведущих музыкальных вузов Москвы профессор А.С. Соколов и профессор А.С. Рыжинский.

Образовательный блок Декады открылся 8 мая мастер-классом для симфонических дирижеров. Его провел Эдуардо Гарсиа Барриос, в прошлом – выпускник Московской консерватории, ныне – выдающийся мексиканский дирижер, основатель и руководитель Национальной системы музыкального развития Министерства культуры Мексики. Маэстро Барриос отметил искреннюю заинтересованность наших студентов в профессии дирижера, их открытость новой музыке. Большую помощь в организации мастер-класса оказал профессор А.М. Рудневский, декан факультета симфонического и хорового дирижирования МГК. Также Эдуардо Барриос провел мастер-классы для студенческого оркестра Музыкального училища РАМ имени Гнесиных.

22 мая в Московской консерватории с большим успехом прошел мастер-класс заведующего кафедрой медных духовых и ударных инструментов, солиста группы тромбонов Большого театра России, проф. Э.Б. Юсупова. Прошли выездные мастер-классы наших педагогов и в регионах. 20 мая в Санкт-Петербургской консерватории состоялся мастер-класс доцента М.И. Каратыгиной, руководителя Научно-творческого центра «Музыкальные культуры мира»; Маргарита Ивановна рассказала о международной деятельности Центра на примере фестиваля «Вселенная звука». 26 мая в Уральской консерватории имени М.П. Мусоргского состоялся мастер-класс профессора кафедры хорового дирижирования А.В. Соловьёва на тему «Современное хоровое исполнительское искусство», в котором принял участие хор студентов Уральской консерватории (художественный руководитель профессор В.Б. Завадский).

25 мая во ВГИКе студенты и педагоги Московской консерватории приняли участие в совместной конференции студенческих научно-творческих обществ ВГИКа, МГК и РАМ имени Гнесиных. А завершился образовательный блок 30 мая творческой встречей-презентацией научных работ выпускников Московской консерватории, РАМ им. Гнесиных и Санкт-Петербургской консерватории, организованной Центром практической подготовки и карьеры выпускников (руководитель доц. Л.Р. Джуманова).

С 1 июня по 15 июля в выставочном пространстве Малого зала МГК состоялась инклюзивная выставка студентов и выпускников Российской государственной специализированной академии искусств «Особенные шедевры от особенных авторов». Выставка сопровождалась концертами и перфомансами интерактивного проекта студенческого профкома Консерватории «Музыка кисти».

Официальная часть Декады завершилась грандиозным гала-концертом в зале «Зарядье». В нем приняли участие сводный хор выпускников творческих вузов, включая Камерный хор Московской консерватории (руководитель и дирижер проф. А.В. Соловьёв), оркестр «Академия русской музыки» (дирижер – выпускник и преподаватель МГК Иван Никифорчин) и солист Симон Бюрки (фортепиано; студент класса проф. А.А. Писарева). Члены рабочей группы по подготовке к Декаде под руководством ректора Консерватории, которые с успехом провели этот масштабный проект, удостоились именных благодарностей Министра культуры РФ О.Б. Любимовой.

№6 (1398), сентябрь 2023 года

Одним из самых запоминающихся мероприятий музыкального направления Декады стал концерт 10 мая в Большом зале консерватории, организованный в партнерстве с Международным фестивалем «Вселенная звука» и при поддержке посольства Мексики. Э.Д. Барриос с Концертным симфоническим оркестром МГК исполнил культовое сочинение Сильвестре Ревуэльтаса «Ночь майя». После концерта мне удалось побеседовать с маэстро Барриосом: 

– Дорогой Эдуардо, мы рады Вас приветствовать в Вашей Alma Mater и благодарны, что в это непростое время Вы прилетели в Россию, чтобы принять участие во Всероссийской декаде выпускников творческих вузов и фестивале «Вселенная звука». Расскажите о Вашей учебе в Московской консерватории, о Ваших педагогах. Что из студенческой жизни Вам запомнились?

– Я приехал в Москву в 1982 году. Сначала учился 3 года в Академическом музыкальном училище при МГК. Но еще до этого, в Мексике, мне посчастливилось встретиться с преподавателем училища Г.А. Дубровой, которая очень помогла мне не только подготовиться к поступлению, но и получить стипендию на обучение в Москве. А поступив в училище на струнное отделение, я учился у нее по специальности, по фортепиано – у Н.А. Хачатурян, а по теоретическим предметам у Д.А. Блюма и И.С. Лопатиной. Вспоминается и директор училища Л.Л. Артынова, жесткая и требовательная, но очень любящая свое дело.

– Легендарные педагоги! Я тоже воспитанница училища. Незабвенная Ирина Сергеевна была моим классным руководителем, а Лариса Леонидовна много сил отдавала воспитанию детей-сирот, благодаря ей многие беспризорники стали отличными музыкантами. 

– Абсолютно верно! Консерваторию я окончил в 1990 году у выдающегося дирижера современности Дмитрия Георгиевича Китаенко. До встречи с ним я два года занимался в классе Ю.И. Симонова. По теоретическим предметам моими учителями были Ю.А. Фортунатов, И.А. Барсова, В.В. Задерацкий. Деканом иностранного отделения была потрясающая И.В. Коженова, которая на протяжении всей учебы очень меня поддерживала, помогала решать самые сложные ситуации.

– Ирина Васильевна в Консерватории как раз стояла у истоков движения по отбору иностранных студентов, организовывала поездки педагогов и болела душой за каждого своего подопечного.

– Верно! Помню, в последний год учебы меня пригласили ассистентом дирижера Г.П. Проваторова в оркестр Московского музыкально-экспериментального театра. И Ирина Васильевна мне очень помогла с организацией концертов. Как раз тогда я познакомил публику с музыкой любимого мной мексиканского композитора Сильвестре Ревуэльтаса. Искренне ей благодарен и очень ее люблю. Она была строгая, но справедливая.

–  Ее называли «совестью Консерватории» …

– Да! Интересно, что за 9 лет моей учебы в Москве никто не мог отгадать, что я мексиканец (смеется). Высказывались разные варианты – Болгария, Грузия и т.д. И это мне помогало спокойно путешествовать, хотя в то время нам это было запрещено. Огромное впечатление на меня произвела поездка в Санкт-Петербург (тогда Ленинград) на штутгартскую постановку «Саломеи» Рихарда Штрауса.

– А как Вы относитесь к русской музыке? Какой репертуар изучали в Консерватории?

– Вспоминаю эпизод из детства. Моя мама была кубинкой и замечательно пела. Отец тоже хоть и был любителем, но постоянно музицировал. Он и стал моим первым учителем по фортепиано. У нас дома все время звучала музыка Чайковского и арии из «Бориса Годунова» Мусоргского в исполнении Шаляпина. Мы читали русские сказки – то есть постоянно, с детских лет, соприкасались с русской культурой. И впоследствии благодаря моим педагогам я полностью погрузился в мир русской музыки, эти легендарные личности формировали мое к ней отношение. 

Будучи в Москве, я посетил Троице-Сергиеву лавру и увидел там надгробие Бориса Годунова, это меня просто потрясло. Уже в Москве я открыл для себя Глинку. Мы слушали «Пиковую даму» в исполнении Рождественского у училищных педагогов дома с партитурой! И, в то же время, проходили рок-оперу «Иисус Христос – суперзвезда» как высокий образец современного искусства. Было достаточно много свободы, в том числе и для научной работы, для выбора темы диссертации и т.д. 

В Консерватории я, конечно, исполнял Чайковского, Стравинского, Хачатуряна, ходил на концерты гениального Г.Н. Рождественского… Очень любил ходить на уроки выдающихся профессоров. Один год я учился у Ю.А. Фортунатова, он, конечно, талантливый педагог. Помню его философское отношение к музыке. Он развивал наше образное мышление, всегда просил обосновать, почему композитор использует тот или иной инструмент в разных разделах произведения, уважал мастерство оркестровки Мануэля де Фальи, которого ставил даже выше Равеля…  Ну и, конечно, не могу не вспомнить о любимом педагоге – Д.Г. Китаенко. Помню, как-то я принес на урок «Картинки с выставки» Мусоргского, и его незабываемое – «вы ничего здесь не видите?». Оказывается, он рисовал (!) для себя персонажей этого цикла, чтобы иметь визуальное представление, как этот цикл исполнять. Такая уникальная методика.

Одно из самых сильных влияний на меня в то время оказала фигура К.П. Кондрашина. Зачитывался его книгой «Мир дирижера», настоящей лабораторией мастера, в которой он тоже подтверждал важность создания визуальных образов… Помню, как перешел от скучных формальных лекций по форме для иностранцев в класс В.В. Задерацкого и был потрясен разницей. Хотя мне было очень нелегко из-за недостаточного знания терминологии на русском, в этом мне помогали мои товарищи, студенты-теоретики, которые объясняли мне то, что было непонятно… Побывал на нескольких лекциях выдающегося Ю.Н. Холопова. Особенно сильное впечатление произвело его исследование ладовой системы Шостаковича, о котором сам композитор отозвался «ничего себе, а я-то думал, что пишу в мажоре и миноре» (смеется)…

– Вы приехали не один, а с ансамблем Оркестра имени Карлоса Чавеса, чьим руководителем Вы являетесь. Вчера на концерте прозвучала сюита Ревуэльтаса «Ночь майя», в которой были задействованы уникальные инструменты доколумбовой эпохи – караколь, гуиро, айотль, тепонацтли. Расскажите об этой партитуре поподробнее.

– Конечно, я очень рад, что этот грандиозный проект состоялся, несмотря на все сложности, связанные с непростой политической обстановкой.  «Ночь майя» была написана для романтического фильма – главный герой приезжает из Мексики в Юкатан, где сосредоточена культура майя, и влюбляется в девушку. Впоследствии композитором была сделана сюита, которую мы исполнили. В ней интересно все – и фактура, и мелодика, и оркестровка. Здесь показана и лирика, и экспрессия, и ритуальность. В мелодике используются индейские народные темы, хотя композитор нечасто использовал в своих произведениях народную музыку. В этом произведении слышны аллюзии на музыку Вареза и, конечно, Стравинского, который в свое время хвалил композитора. Кстати, Хиндемит сделал из этого произведения свою сюиту.

Ритуальность показана здесь с помощью ударных инструментов, которые мы с большим трудом привезли в Москву. Есть и исторические находки – например, музыкальные инструменты, сделанные из ракушки, панциря черепахи и т.д. Это производит грандиозное впечатление на слушателей. Не волнуйтесь, ни одно животное при подготовке к концерту не пострадало (улыбается). Конечно, партитура для исполнения не самая легкая, особенно для духовиков – им нужно имитировать звуки древних инструментов. Но ваши ребята из Концертного симфонического оркестра справились прекрасно! 

– В России традиционно пристальное внимание уделяется детскому музыкальному воспитанию, отстаиваются традиции непрерывного музыкального образования, наставничества. Расскажите о Вашей общественной деятельности на посту руководителя системы музыкального развития Министерства культуры Мексики. В своих интервью Вы рассказываете о модели музыкального образования, «модели, которую нужно собрать на уровне всей страны».

– Эта система под названием «гуманитарное воспитание через музыку» связана с нашей реальностью. И, кстати, я считаю, что она была создана еще 100 лет назад именно здесь, в России, в суровых реалиях после Первой мировой войны, когда было много беспризорных детей и не было денег, чтобы их учить. В 90-е эта тяжелая, мрачная ситуация повторилась…

У нас в Мексике есть большая проблема: на огромную страну в 130 миллионов человек у нас очень мало музыкальных школ, всего несколько. А в общеобразовательных школах нет предмета «музыка». Мало музыкальных коллективов, оркестров, мало денег на развитие музыкального искусства. В провинции трудно найти оркестр с полным составом. И в целом, музыкальное образование очень бедное даже на профессиональном уровне. Стали думать, что делать, и решили обратиться к венесуэльскому опыту, который оказал прямое влияние не только на Латинскую Америку, но и на весь мир. Речь идет о системе фантастического музыканта и общественного деятеля Хосе Антонио Абреу (1939–2018;  дирижер, пианист, педагог, активист и политик, основатель Национальной системы молодежных, детских и дошкольных оркестров Венесуэлы). Он отказывается от традиционной европейской модели музыкального воспитания через индивидуальные занятия (т.к. это очень дорого) и вводит понятие «общественное музицирование». То есть дети разных возрастов попадают в один музыкальный коллектив и начинают совместно работать, взаимодействуя и развиваясь. Возникает синергия творчества. Конечно, получается не оркестр или хор в традиционном смысле, где все очень серьезно и не принято шалить (улыбается). А получается содружество начинающих музыкантов, где все друг друга уважают и друг у друга учатся. Блестящий результат этой модели – Густаво Дудамель.

Я решил апробировать эту модель на севере Мексики – в городе Тихуана, где стал постепенно внедрять и развивать эту систему коллективного обучения (поначалу денег на это не было совсем, но впоследствии для самых способных ребят, а это около 15% всех обучающихся, даже удалось найти стипендии!). Первый принцип нашей модели заключается именно в групповом обучении – детей обязательно должно быть много, и они должны быть разных возрастов вне зависимости от того, оркестр это, хор или ансамбль. Причем хор у нас выступает обязательно в костюмах и с танцевальными движениями.

– У нас это называется хоровой театр…

– Да. Это затрудняет методику обучения, т.к. сложнее добиться хорошей интонации, звука, органичности выступления. Процесс обучения становится длиннее, но мы готовы к этому, воспитывая в детях эмоциональность, образность. Через эмоцию мы учим взаимодействовать со звуком. От эмоции через движение к технике. И еще один важный момент – нужно уважать и поощрять стремление детей учиться, не критиковать неудачи, воспитывать в них солидарность, радость успехам товарищей.

Второй принцип – это необходимость коллегиальной работы, сообщества не только детей, но и педагогов, родителей, социальных и общественных учреждений, т.к. нужна постоянная помощь и от родителей, и от чиновников. Возникает коллективное мышление, коммуникация на всех уровнях. Отсюда возникает третий принцип нашей модели – принцип экосистемы, т.е. взаимодействие коллективов друг с другом уже не только одного города, но всей страны. Организация концертов, творческих встреч, курсы повышения квалификации и т.д. Возникает стройная система: «индивидуальность – коллектив – общество». Важно соотношение между социальной базой и профессиональным миром. Поэтому наши дети уже с 17 лет становятся педагогами, приобретая огромный опыт преподавания. То есть, как только ученик приобретает знания – он обязан сразу делиться ими с малышами. Так мы решаем проблему отсутствия педагогов в наших провинциях. 

– Когда Вы увидели первые результаты?

– Уже через год наш первый наш оркестр заиграл. Это уже можно было назвать «музыкальным порядком». Когда у нас стало учиться около 500 детей и мы создали уже три симфонических оркестра, нас посетил министр культуры и пригласил меня в Мехико внедрять нашу методику уже по всей стране. Было выделено финансирование. Теперь такие модели воспитания внедряются и в других направлениях искусства – театре, цирке, кино, живописи.

Мы достигли действительно неплохих результатов, но пандемия, конечно, замедлила этот процесс. Тем не менее, мы продолжаем работу. Сейчас я занимаю пост художественного руководителя замечательного Оркестра имени Карлоса Чавеса, который родился благодаря нашей системе. Вы смогли убедиться в этом на концерте в Большом зале (улыбается). И я хочу все больше и больше времени посвящать преподаванию, а не организации этого преподавания. У нас создана замечательная команда, а мне хочется вернуться, так сказать, к истокам, признаюсь, что я действительно хороший педагог.

– На каком репертуаре воспитываются дети?

– В нашем принципе коллективной практики репертуар – это фундамент всего. Конечно, мы стараемся сохранять традиции, обращаясь к национальной музыке. Хоры исполняют индейскую музыку. Есть педагоги-индейцы, которые помогают с произношением. Как можем стараемся преодолевать идеологическую опасность засилья современной популярной музыки, вынужден констатировать, что у большинства детей внутренний слух испорчен этой музыкой. Стоит задача исправить эту ситуацию. Приведу пример: в штате Чьяпас на границе с Гватемалой есть музыкальный коллектив «Майя Чух», носители языка майя. Чьяпас расположен в лагуне, половина которой принадлежит уже не Мексике, а Гватемале. И в Гватемале еще говорят на языке майя, а в Мексике язык уже, к сожалению, потерян. И мы создали там хор народной музыки и ансамбль ударных инструментов с аутентичными костюмами. То есть через язык музыки, язык песни стараемся восстановить древнейшую традицию, ведем философский диалог культур. 

– Что бы Вы могли посоветовать начинающим дирижерам – студентам Московской консерватории? 

–  Я бы хотел пожелать то, чему меня учили в Московской консерватории. Не важно, каким ты будешь дирижером, какой будешь изучать материал, не важен даже уровень оркестра. Ты обязан внушить огромную любовь к музыке! Это главная цель для меня как художника. Чтобы этого добиться, чтобы понимать, какой результат может дать тебе оркестр, ты должен быть мастером. Каждая партитура должна быть самой главной для тебя. Это должен быть шедевр. Нужно не забывать, что не дирижер производит звук, а музыканты, они настоящие художники. Функция дирижера – пробудить эту коллективную энергию через глубокое знание партитуры, истории создания произведения и его значения в музыкальном искусстве. Студенты должны любить музыку и дирижерское искусство больше, чем себя, стать дирижером по призванию, а не по профессии. Конечно, это редко бывает, но к этому нужно стремиться.    

Доцент Я.А. Кабалевская, куратор Декады выпускников творческих вузов

№6 (1398), сентябрь 2023 года

Так уж повелось, что с самого начала XXI века научно-творческий Центр «Музыкальные культуры мира» каждое лето «отправляет» слушателей концертных залов Московской консерватории в разные концы света за удивительными звуковыми приключениями. Лето 2023 года не стало исключением. Если прорисовать на карте линию через те географические точки, откуда приехали в Москву участники ежегодных международных фестивалей «Вселенная звука» и «Собираем друзей», то получится примерно такой маршрут: Анадырь (Чукотка), Манила (Филиппины), Тайбэй (Тайвань), Пекин (Китай), Джакарта (Индонезия), Улан-Батор (Монголия), Улан-Удэ (Бурятия), Колката (Индия), Кызыл (Тува), Тегеран (Иран), Элиста (Калмыкия), Нальчик (Кабардино-Балкария), Дамаск (Сирия), Стамбул (Турция), Ла-Пас (Боливия), Мехико (Мексика). Многие гости привозили программы, панорамно охватывающие культурные традиции своего региона, что в итоге позволило москвичам познакомиться с весьма широким спектром самобытных звуковых явлений планеты.

• 

• 

Приходилось ли Вам слышать, как звучит высушенная ослиная челюсть или панцирь черепахи? Между тем, именно эти предметы, когда-то превращенные индейцами майя в музыкальные инструменты, прозвучали в Большом зале на открытии фестиваля «Вселенная звука» 10 мая 2023 года. В результате невероятных усилий нашего выпускника, а ныне известного во многих странах дирижера Эдуардо Гарсиа Барриоса удалось объединить поддержку Министерства культуры Мексики и посольства этой страны с возможностями МГК, подкрепленными содействием Министерства культуры РФ, банка ВТБ и компании EXEED, и осуществить исполнение в Москве легендарной симфонической поэмы Сильвестре Ревуэльтаса «Ночь майя».

Специально для этого проекта в состав Концертного симфонического оркестра МГК были внедрены девять музыкантов Ансамбля ударных инструментов Оркестра имени Карлоса Чавеса (Мехико) с оригинальными индейскими инструментами доколумбовой эпохи: вертикальными, выдолбленными из цельного бревна барабанами тепонацтли, погремушками гуиро из высушенных тыквообразных плодов, колокольчиками койолли, звенящими металлическими дисками чилилитли, свистульками чичтли, окаринами уилакапитцтли. Заметную роль в красочной партитуре поэмы играла раковина морского моллюска караколь, магическое звучание которой, как гласит майяская легенда, возвестило миру о сотворении человека богом Кетцалькоатлем. Над всем этим великолепием звучаний царила высокая фигура пританцовывающего и как будто бы колдующего дирижера Эдуардо Барриоса.

Большой удачей оказалось совпадение по срокам начала двух знаменательных событий: 21-го Международного фестиваля «Вселенная звука» и 2-й Всероссийской декады выпускников творческих вузов. Совместными силами этих двух форумов был проведен целый каскад концертов, мастер-классов, научных и просветительских мероприятий в Москве и в Санкт-Петербурге (например, запись лекции-демонстрации «Бог солнца Кинич Ахау и его музыкальные потомки»: https://www.youtube.com/watch?v=gNAuPMb20M0).

Стоит отметить, что имена зарубежных выпускников Московской консерватории из года в год неизменно украшают афиши международных летних фестивалей. Помимо Э.Г. Барриоса этим летом мы с удовольствием встречали наших недавних воспитанников, а сегодня преуспевающих артистов: Лишу Чжэн (Китай), ученицу проф. Ю.С. Слесарева (концерт, 18.08), Чун-Ю Хуана (Тайвань), ученика проф. М.С. Петухова (концерт, 14.08), Четина Джевиза (Турция), ученика проф. М.А. Готсдинера (квинтеты Н. Метнера и У. Дж. Эркина в исполнении сформированного Джевизом турецкого ансамбля, 5.08). Благодаря их выступлениям, как и других музыкантов, принадлежащих к европейской традиции, путешествие по звуковым мирам оказалось сопряженным с целым рядом открытий даже в этой, казалось бы, наиболее привычной для нас сфере. Прозвучали не только незнакомые произведения китайских композиторов: Чэнь Сычжи, Чэнь Пэйсюнь и Ван Цзяньчжун, но и сочинения авторов, считающихся классиками своих национальных композиторских школ: Улви Джемаля Эркина (Турция), Эдуардо Кабы (Боливия), Юрия Ирдынеева (Бурятия), Петра Чонкушова (Калмыкия), Нихата Османова (Кабардино-Балкария). 

С новым, свежим интересом слушали посетители Рахманиновского зала такие известные, но почему-то нечасто исполняемые творения, как Струнный квартет «Молодежный» М. Кажлаева (концерт квартета AnnoDomini, 16.08), Квартет А. Рубинштейна и Квартет № 2 Антонина Дворжака (концерт Московского квартета имени П.И. Чайковского, 24.08), а также изумительный Фортепианный квинтет Н. Метнера (концерт квинтета из Турции, 05.08). Были извлечены на свет из отдела редкостей библиотеки МГК и вовсе никогда не исполнявшиеся в России кантаты неаполитанского композитора XVIII века Франческо Дуранте (19.08).

Конечно же главной особенностью названных фестивалей можно считать программы, расширяющие горизонты нашего слуха, привносящие новые яркие ощущения, незнакомые эмоции, другие измерения времени и пространства, другую красоту звука. В них встречаются разные, иногда остро контрастные образы мира, сформированные в разных частях света, в разных природных зонах, в разных цивилизациях. Так, культура Великой степи (Монголия, Тува, Калмыкия), называемая еще «вселенной кочевника», демонстрирует торжество линеарного мышления, долгих мелодий, нередко расщепляемых на обертоны и мерцающие призвуки, большое разнообразие горловых техник. Культуры, опоясываемые океаном, завораживают слух расплывающимися в воздухе перезвонами гонгов и мелодичными перестукиваниями и пересвистами бамбуковых инструментов, а также подстраиваемыми под эти звучания нежными голосами. Кто был у нас на программах Индонезии и Филиппин, может вспомнить свои ощущения. 

Бесценные сокровища мировой музыкальной культуры – это классическая музыка великих цивилизаций Дальнего Востока (Китай, Корея, Япония), Индии и Ирана. Программы, привозимые их носителями, уже давно обрели свою постоянную аудиторию и всегда ожидаются с особым трепетом. К счастью, у НТЦ «Музыкальные культуры мира» есть надежные специалисты, помогающие познавать эти удивительные культуры: известный исполнитель на сароде из Колкаты Атиш Мукхопадхьяй, уже более десяти лет преподающий основы североиндийской классической музыки, и выдающийся иранский певец Хосейн Нуршарг, не только лично выступивший в качестве солиста во множестве концертных программ, но и многократно привозивший на фестивали уникальные музыкальные и театральные проекты. 

Интересно, что реакция публики во многом соответствует как духу самой музыки, так и душевному состоянию общества: после иранских концертов во всех городах люди долго не расходились и стремились непременно поведать на камеру о глубине своего потрясения и пережитых эмоциях; на других программах (Чукотка, Калмыкия) слушатели просто пускались в пляс прямо в зале. Бурным триумфом и горячей эмоциональной поддержкой от соотечественников и просто от сочувствующей аудитории завершились концерты боливийского певца Диего Сармьенто (7.08) и ансамбля «Солисты Дамаска» из Сирии (21.08; см.: https://www.youtube.com/watch?v=hS_v2iwucH8). Нормой стало и подключение к нашим летним фестивалям концертных площадок других городов. На этот раз последовали приглашения от «Петербург-Концерта» (Мексика, Иран, Монголия, Филиппины, Боливия) и Карельской государственной филармонии в Петрозаводске (Иран).

Важно отметить еще одну отличительную черту августовского фестиваля «Собираем друзей» – обязательный Концерт учащихся Международной школы МГК. Это событие всегда волнующе торжественно и трогательно. На сцену Рахманиновского зала выходят все ученики, которые еще не успели разъехаться по домам: от самых маленьких трудолюбивых музыкантов до амбициозных молодых людей, готовящихся к конкурсам или к поступлению в Московскую консерваторию (некоторые уже поступили, с чем их и поздравляем!).

Вот так, шаг за шагом, год за годом учимся сами, ненавязчиво учим нашу публику, учим наших гостей из регионов и из других стран слушать и слышать друг друга, проникать слухом в мысли и желания тех, кого еще вчера считали «чужими», а сегодня готовы называть их «соседями». Впереди еще один масштабный фестиваль: «Россия – Вселенная звука».

Доцент М.И. Каратыгина, руководитель НТЦ «Музыкальные культуры мира», начальник Управления международного сотрудничества МГК

Фото Евы Лобастовой

№6 (1398), сентябрь 2023 года

В начале лета, с 19 июня по 1 июля, в России прошел очередной, уже семнадцатый по счету Международный конкурс имени П.И.  Чайковского. В этот раз легендарный конкурс, начавший свой путь в 1958 году, отмечает свою 65-ю годовщину.

Выдающееся событие, с первых шагов было освящено именами корифеев Московской консерватории и отечественной исполнительской школы. Среди них были великие музыканты, профессора Московской консерватории Эмиль Гиллельс, Давид Ойстрах, Мстислав Ростропович, Ирина Архипова… 

Четыре базовых направления, которые вводились одно за другим (сначала фортепианное и скрипичное, на Втором конкурсе добавилась виолончель, на Третьем – сольное пение), долгие годы оставались неизменными, в соответствии с творческим наследием Чайковского. На прошлом, XVI Конкурсе исполнительские направления расширились, добавились еще два: деревянные духовые и медные духовые инструменты. Среди других существенных новаций – расширение территориальное: конкурс уже четвертый раз проходит в двух городах – Москве и Санкт-Петербурге. В этом году в Москве соревновались пианисты и скрипачи, все остальные выступали в северной столице.

В Московской консерватории к конкурсу подготовилась большая группа молодых талантливых музыкантов. Редакция и читатели «РМ» приветствуют всех участников выдающегося состязания и поздравляют лауреатов!

• 

• 

За кулисами конкурса

Будучи на пороге выпуска из Московской консерватории, мне посчастливилось поработать на одном из самых значимых событий в мировом музыкальном сообществе – XVII Международном конкурсе им. П.И. Чайковского. Две чрезвычайно насыщенные недели были посвящены работе в пресс-службе Конкурса и глубокому погружению в прекрасную музыку, исполняемую участниками.  

На время Конкурса, казалось, преобразилась вся столица! А у музыкантов и ценителей академической музыки определилась главная тема общих обсуждений. В Московской консерватории праздничная и волнующая атмосфера была ощутима буквально везде: от ротонды с яркими, цепляющими взгляд афишами до маленьких коридоров между артистическими Большого и Малого залов, где участники подготавливались к выступлению. 

Так как в числе моих обязанностей было сопровождение конкурсных прослушиваний в самом зале, то, к счастью, я оказалась в то же время и активным слушателем. Исполнения участников, такие разные, вызывали невероятную гамму эмоций! В первую очередь, восхищал высочайший профессиональный исполнительский уровень всех участников, как и неимоверная психологическая выдержка у каждого из них. Восхищало и то, каких огромных усилий требует подготовка к Конкурсу. Слушатели узнали как новые имена, так и своих кумиров – уже известных в стране музыкантов. На Конкурсе Чайковского на сцену вышли пианисты, ставшие в 2022 году лауреатами Конкурса Рахманинова: Константин Хачикян, Александр Ключко, Сюаньи Мао, Илья Папоян. У каждого была своя группа поддержки и было приятно видеть, как музыкантов не отпускают фанаты, желая общения с ними. 

Поскольку я счастливым образом наблюдала, как работает Конкурс «изнутри», хочется сделать акцент на организаторской подготовке и проведении такого масштабного проекта, ведь во многом благодаря усилиям организаторов Международный конкурс им. Чайковского держит планку одного из самых престижных состязаний нашего времени. Нельзя сказать, что работа в каких-то отделах происходила более интенсивно и активно. Все сферы были насыщенны и по каждому направлению работали профессионалы, абсолютно знавшие свое дело. Очень слаженно и гармонично проходила совместная работа организатора Конкурса ФГБУК «РОСКОНЦЕРТ» с администрацией Большого и Малого залов. Поражает, насколько тонко и четко были проработаны все аспекты: программы и расписание каждого дня, работа с участниками и членами жюри, партнерство со СМИ, ведение прямого эфира и многое другое. Это были горящие своей работой люди, готовые тратить все свое время на благополучное проведение грандиозного события!

• 

• 

У каждого участника и члена жюри был свой куратор – сотрудник, подготовленный к тесной работе со своим подопечным. Основной задачей кураторов являлась поддержка и сопровождение конкурсанта на протяжении прослушиваний. На них возлагалась ответственность за комфортное пребывание участников и членов жюри в период Конкурса, и особенно иностранных гостей. Так как все прослушивания сопровождались прямой трансляцией, кураторам было необходимо соблюдать точное расписание и заранее оповещать членов жюри и участников о предстоящих выходах в зал и на сцену. 

Большое значение в организационной работе над Конкурсом отдается пресс-службе. Как и кураторы, сотрудники пресс-службы являлись сопровождающими всех аккредитованных на Конкурсе журналистов. Именно это место служит источником новостей и всей важной информации, пресс-центр работает со СМИ, музыковедческими изданиями, журналами и газетами, а также новостными ТВ-службами. Ведь чтобы о Конкурсе своевременно были написаны многочисленные статьи, рецензии, репортажи, комфортные условия должны быть созданы и для журналистов, они должны быть вовремя проинформированы о новостях и возможных изменениях, о программах участников каждого прослушивания. И в целом, Пресс-центр – это уютное место, которое базировалось в корпусе зала Н.Я. Мясковского, где каждый желающий, будь то журналист, сотрудник или участник, мог отдохнуть и выпить чашку горячего чая.

Сколько фото- и видеоматериалов мы можем увидеть с Конкурса: прекрасные запечатленные моменты, которые навсегда останутся в музыкальной истории. Все это сделано большими профессионалами, которые благодаря своему опыту умеют совершать качественную съемку без дискомфорта для участников и членов жюри, а также слушателей. Наблюдая за действиями операторов в самом зале, я поражалась, как же четко и филигранно они выполняют свою работу! 

Несмотря на аншлаги почти каждого тура конкурсных прослушиваний, большую часть аудитории занимали онлайн-слушатели, которые имели возможность подключаться к Конкурсу через прямую трансляцию – общее количество просмотров и прослушиваний через сеть Интернет достигло 60 миллионов! Техническое обслуживание трансляции и режиссерская работа вызывают восхищение, ведь совместно с хорошим звуком визуальная часть была проработана до самых мелочей с гармоничной сменой кадров согласно музыкальному движению во время исполнения произведений на сцене. А в перерывах между прослушиваниями на связи были ведущие трансляции, которых за время Конкурса публика тоже очень полюбила.

XVII Международный конкурс им. П.И. Чайковского – уникальное мировое событие. И за ярчайшими выступлениями молодых музыкантов кроется огромный пласт организационной работы, осуществляемой большим количеством специалистов. Для организаторов очень важно, чтобы вся работа проделывалась профессионально, слаженно и в точный срок, но важнее всего, чтобы она никоим образом отрицательно не влияла на качество самих прослушиваний и не мешала ни публике, ни жюри, ни, главное, самим участникам, от исполнения которых во многом зависит их дальнейшая судьба. В этом и заключается огромная значимость этого неповторимого проекта длиною уже в 65 лет!

Анжела Клевич, председатель Студенческого профсоюзного комитета

№6 (1398), сентябрь 2023 года

На пороге XVII Конкурс им. П.И. Чайковского один из его будущих участников – трубач, тогда студент V курса Московской консерватории Дмитрий Синчинов рассказал нашему корреспонденту, студентке научно-композиторского факультета, о грядущем событии, о своих представлениях о жизни и музыке. 

– Дмитрий, для Вас это первый такой знаковый конкурс?

– Да, для меня такой значительный конкурс впервые. Естественно, я волнуюсь, но в меру, конечно. Подкрепляю это усиленной подготовкой.

– И кто Вас поддерживает?

– Меня поддерживают друзья, большая часть которых – коллеги. Также некоторые уже состоявшиеся артисты и, само собой, педагоги. Я учусь у действующего музыканта – Алексея Олеговича Корнильева, солиста Большого театра. Он много выступает сольно в разных городах.

– А кто-то еще из Ваших знакомых участвует в конкурсе?

– Да, некоторые мои однокурсники. Но из трубачей, насколько знаю, заявился я один.

– Расскажите о своей программе. Есть ли какая-то концепция в ее построении?

– Программа у нас определена по большей части условиями Конкурса. Я лишь выбрал из предложенного и составил порядок исполнения по своим каким-то профессиональным «технологическим» взглядам.

– Кого Вы можете назвать примером для себя по жизни и в музыке?

– Для меня примером очень долгое время являлся и, наверное, до сих пор является мой преподаватель Владислав Михайлович Лаврик, у которого я четыре года учился в консерватории. С самого начала я вдохновлялся его выступлениями. Также есть артисты, на которых я обращаю внимание, так как со многими выступал в России и за рубежом. Кроме того, я бы назвал, конечно, Тимофея Александровича Докшицера, который меня с детства вдохновлял своими записями, артистизмом, тягой к игре соло. В то время на трубе мало солировали, а он сделал очень много переложений. Одно из них – «Цыганские напевы» Пабло Сарасате – играю на выпускном экзамене. Из своих кумиров я бы назвал еще Уинтона Марсалиса – выдающегося джазового трубача и скрипачку Викторию Муллову.

– Играете ли Вы современную музыку?

– К современной музыке я отношусь с осторожностью, потому что имею в этом мало опыта. Но я все-таки играл, например, сочинение Татьяны Смирновой. Была такая женщина-композитор здесь, в консерватории. Она писала для интересных составов – с медными, просто с трубами, с детским хором. У нее есть репертуарные сочинения для трубы. Также я готовился к нашему консерваторскому конкурсу, который проходил осенью. Там во втором туре нужно было сыграть современное сочинение. Но в конкурсе я в итоге не участвовал, хотя сочинение разобрал. Еще из современной музыки я играл Tromba Lontana Джона Адамса – в театре «Новая опера», где я работаю, две трубы играли соло на балконе, а внизу сидел остальной оркестр, которым управлял Филипп Чижевский. Там же мы готовили оперу «Доктор Атом» того же Джона Адамса. По музыкальному языку она очень сложная, и репетировали мы долго и тяжело.

– Помогает ли игра в оркестре развитию навыков сольного исполнительства?

– Она, конечно, в чем-то помогает, но на самом деле специфика игры в оркестре усложняет сольное исполнительство. Соло всегда требует от тебя и гибкости в исполнительском аппарате, и иной концентрации. А в оркестре ты привыкаешь выполнять какие-то задачи. Редко встречаются очень сложные сольные места, к которым готовишься так же, как к сольному выступлению. К тому же в оркестре иногда присутствует доля рутины.

– Номинация «Духовые инструменты» недавно появилась в конкурсе – Валерий Гергиев предложил ввести ее в 2019 году. Насколько это целесообразно, ведь сольных сочинений для духовых инструментов у Чайковского нет?

– Да, действительно. Но мы не можем сказать, что Чайковский не любил трубу или валторну, так как он пишет замечательные соло для этих инструментов в своих симфониях и не только. Возможно, не было в то время таких ярких исполнителей, либо он не был с ними лично знаком. Ведь за много лет до Чайковского для трубы писали очень много. Поэтому я не думаю, что вводить нашу номинацию неправильно – это, наоборот, хорошо. Появляется много исполнителей, которые претендуют на звание участника конкурса, открываются новые имена. Тем более Тимофей Докшицер, по-моему, давно уже доказал, что на трубе можно сыграть многое. И Морис Андре всю свою карьеру доказывал, что труба играет все. Как и другие инструменты.

– А что Вы будете исполнять из Чайковского на конкурсе?

– Я играю арию Ленского из «Евгения Онегина».

– Сейчас непростое время для нашей страны: русскую культуру «отменяют», российских артистов бойкотируют или не допускают к участию в престижных фестивалях, конкурсах. Как Вы считаете, не должны ли организаторы конкурса Чайковского поступать также? Или Россия по-прежнему открыта для всех?

– Я считаю, что обязательно надо всех приглашать, но отбирать очень тщательно. Если не хотят, чтобы мы у них участвовали, пусть участвуют у нас – у нас есть залы и компетентное жюри.

– Дмитрий, спасибо. Успеха на конкурсе!

Беседовала Софья Игнатенко, V курс НКФ, музыковедение

№6 (1398), сентябрь 2023 года

Так рождается весна: бурно, порывисто, потоком солнечных лучей, жаждой растопить снеговые залежи, открыть дорогу яркой зелени и цветам… Изменить мир, наполнить его новой мелодией, новым звучанием… Именно с весенним обновлением у меня связано восприятие неповторимо-романтичной фортепианной игры Александра Малкуса. И каково же было мое удивление, когда я узнала, что родился этот талантливый человек в день весеннего равноденствия – 21 марта! Как все гармонично и промыслительно…

Мое открытие этого прекрасного музыканта началось с исполнения им рахманиновcкой прелюдии до-диез минор. Это произошло на заседании Школы русского слова в Государственном институте русского языка им. А.С. Пушкина, куда музыкант был приглашен в качестве почетного гостя. В большой лекционной аудитории рояль оказался в рабочем состоянии, и все присутствующие были потрясены рахманиновской музыкой в его исполнении.

Александр Маркович Малкус – яркое явление в современной музыкальной культуре. Его главные ипостаси – пианист и педагог, а интересы и репертуар широки и многообразны – от старинной музыки и признанной классики до авангарда наших дней. Он сформировался как личность под влиянием своего учителя, профессора В.А. Натансона, который был учеником выдающегося советского композитора, пианиста и педагога С.Е. Фейнберга, традиции школы которого, несомненно, повлияли и на молодого Александра Малкуса. 

Мне посчастливилось в этом сезоне несколько раз насладиться его исполнительским искусством. Это были выступления в Московской консерватории – Музее им. Н.Г. Рубинштейна, Зале им. Н.Я. Мясковского, а также в других камерных залах столицы. Особенно ярким было его выступление в Большом зале консерватории в ноябре 2022 года на концерте, посвященном 100-летию Александра Зиновьева. Там прозвучали две пьесы А. Лядова и Basso ostinato Р. Щедрина, как бы предваряя юбилейные концерты А.Малкуса в 2023 году в Рахманиновском и Большом залах Московской консерватории.

Концерт в Большом зале состоялся 22 мая. Он в определенной степени подвел итог творческой деятельности А. Малкуса и ни у кого не оставил сомнения в том, что он яркий и серьезный музыкант. Зал был полон. На концерте, куда пришли не только почитатели и поклонники юбиляра, его коллеги и ученики, но и просто ценители музыки, царила особая атмосфера радостного общения как с прекрасными произведениями музыкального искусства, так и с личностью самого исполнителя. И градус этого общения повышался от номера к номеру, музыкальный нерв достигал необычайной высоты и завершался шквалом аплодисментов.

В игре А. Малкуса раскрылся не только высокий уровень владения техникой, смелость проникновения в сложный мир образов композитора, но и глубина собственного прочтения, понимания этого мира. Программа была составлена таким образом, чтобы слушателю открылась звуковая палитра во времени и пространстве, чтобы показать, как бьется и развивается музыкальная мысль, способная передавать божественную сущность бытия. Пианист словно приглашал в музыкальное путешествие и в большей части программы сам участвовал и в качестве солиста, и в составе ансамблей, где он ярко продемонстрировал значение фортепианной партии, как важной составляющей художественного произведения.

Музыкальное путешествие началось с первой половины XVIII века, с эпохи барокко – Концертом для двух клавиров с оркестром до минор И.С. Баха (BWV 1060). Солировали Александр Малкус и Михаил Рыба́. Это исполнение запомнилось тем, что музыканты как бы перенесли музыку Баха в бетховенскую эпоху. Они выявили драматизм диалога в первой части, производящий динамическое впечатление борьбы, который во второй части сменился медлительным и печально-напевным размышлением о текучести бытия, а в Allegro третьей части вновь возник диалог-спор, завершающийся в финале единением противоположностей.

Уже после концерта в ходе беседы с А. Малкусом на мой вопрос о любимом композиторе он ответил, что в течение всей жизни особенно ценил Бетховена, Шопена и Чайковского, а в последние годы у него все более усиливалось преклонение перед музыкальным гением И.С. Баха, а также повысился интерес к творчеству Скрябина и Листа, две рапсодии которого прозвучали на этом юбилейном концерте (Венгерская рапсодия №11 и Испанская рапсодия). Оба произведения, основанные на народных танцевальных ритмах и мотивах, были исполнены блестяще. 

В Испанскую рапсодию особый колорит внес оркестр (прозвучала версия для фортепиано и струнного оркестра известного пианиста и композитора Михаила Петухова). В программе принимал участие оркестр «Новая Москва» (художественный руководитель и дирижер Даяна Гофман), сопровождавший клавирный концерт Баха и Испанскую рапсодию Листа, а также исполнивший почти не звучащий в России Langsamer Satz Антона Веберна – в переложении для струнного оркестра. Это очень красивое произведение, написанное в позднеромантическом стиле, было выбрано совместно Д. Гофман и А. Малкусом и исполнено с тончайшими звуковыми нюансами. 

Во втором отделении музыкальное путешествие продолжилось образами России и Армении. Вначале свежо прозвучало Трио для скрипки, виолончели и фортепиано ре мажор талантливого русского композитора и пианиста А.В. Станчинского (1888–1914), чье 135-летие отмечалось в этом году. Партию скрипки исполнил лауреат международных конкурсов, преподаватель МГК Геннадий Акинфин, виолончели – профессор МГК Андрей Спиридонов. Кстати, творчество этого композитора, прожившего всего 26 лет, А. Малкус ценит очень высоко и постоянно к нему возвращается. Весной этого года он вместе с певицей Марленой Мош посетил с концертами город Иваново и Ивановскую область (село Оболсуново, где родился Станчинский). Ранее фирма «Мелодия» выпустила грампластинку, а впоследствии и компакт-диск с его музыкой в исполнении А. Малкуса. 

Как это бывает часто в юбилейных концертах, в нем также была представлена педагогическая деятельность доцента А.М. Малкуса: две сказки Метнера из соч. 51 сыграл талантливый пианист из Китая Пань Юэ, который в этом году закончил курс ассистентуры-стажировки Консерватории (класс А.Малкуса); его исполнение было тепло принято слушателями. Затем сам юбиляр превосходно сыграл «Весну» из цикла Метнера «Забытые мотивы» (соч. 39 №3).

Звучание музыки Армении добавило музыкальному путешествию новые краски. Это были как древние христианские песнопения (шараканы), так и сочинения Саят-Нова. Их с большим успехом исполнила известная певица Марлена Мош, и сольно, и с фортепиано и виолончелью (Андрей Спиридонов). Голос певицы наполнил зал глубокой и возвышенной атмосферой духа древней Армении. Кроме того, нельзя не сказать о тонкой звуковой атмосфере песни «Весна» классика армянской музыки Комитаса в фортепианной транскрипции Р. Андриасяна в проникновенном исполнении Пань Юэ. Он также деликатно аккомпанировал Марлене Мош, с которой сотрудничает в течение нескольких лет.

Продолжением программы в той части, где играл юбиляр, стала Фантазия на темы Римского-Корсакова для кларнета и фортепиано Александра Розенблата, современного композитора, известного своими фантазиями на музыку классиков («любовью к сочинениям на чужие темы», как иронично замечает сам автор). Выбор и исполнение этого произведения А. Малкусом свидетельствует о том, как важна для него преемственность в музыкальной культуре, говорит о стремлении открыть новое в знакомом. Партию кларнета виртуозно исполнил профессор МГК Евгений Петров.

Исполнение «Марша-плаката» В.П. Задерацкого (1891–1953), «потерянного классика ХХ века», показало неподдельный интерес А. Малкуса к редко звучащим шедеврам, относящимся как к классике, так и к авангарду. А завершающим аккордом концерта стало мощное звучание незабываемого Basso ostinato для фортепиано Родиона Щедрина. Это исполнение поистине стало триумфом, зал ликовал и не отпускал артиста. 

Одним из главных свойств мастерства Александра Малкуса можно назвать его способность влюблять в музыку, которую он исполняет. Его смелая, масштабная, но в то же время легкая, виртуозная игра, передающая движения души, вызывающая радостный отклик в сердцах, заставляет думать, вспоминать, прощать и любить…

Антонина Белова, поэт, член Союза писателей России, кандидат филологических наук, доцент

№6 (1398), сентябрь 2023 года

С 13 по 17 июня в Московской консерватории состоялись IV Всероссийские семинары ансамбля «Студия новой музыки». Соорганизатором проекта выступил научно-творческий Центр современной музыки, который уже 30 лет является мобильной платформой для экспериментов и смелых творческих высказываний.

В этом году семинары проходили под названием «NEформат», а их участниками были молодые композиторы и исполнители из разных регионов России. В течение пятидневного интенсива с ними занимались композиторы Юрий Каспаров, Ольга Бочихина и Владимир Горлинский, а также солисты «Студии»: Ольга Галочкина (виолончель), Анастасия Табанкова (гобой), Екатерина Фомицкая (скрипка), Мона Хаба и Наталия Черкасова (фортепиано). В качестве приглашенных гостей выступили с лекциями Антон Каретников – арт-менеджер, исполнительный директор Фонда Николая Каретникова и создатель проекта Musica Sacra Nova, и Фёдор Софронов, музыковед и композитор.

В семинарских тренингах, лекциях и дискуссиях участники Семинаров исследовали актуальные вопросы, которые уже поставлены композиторами, но еще ждут научного осмысления. Все они так или иначе были связаны с неформатными явлениями новой музыки. Однако что подразумевается под словом «неформат»? Ведь кому-то вся современная музыка может показаться неформатной. К тому же не совсем понятно, что именно сегодня можно считать форматом. Грани музыкального искусства все больше истончаются, а его прежнее определение уже не охватывает всех существующих явлений; поэтому понятие «формат» тоже размывается и видоизменяется. При этом появляются обширные территории, которые становятся объектами исследования современных авторов. Композиторы-кураторы нынешних семинаров предложили рассмотреть одну из таких областей в рамках дискуссии «Где (не) кончается музыка?». С нее и начался проект.

На второй день исполнители вместе с Наталией Черкасовой и Моной Хабой разбирали пьесу Джона Кейджа для чтецов и ударников Living Room Music, а молодые авторы под руководством Ольги Бочихиной нотировали окружающую среду и создавали музыкальные черновики. На другом тренинге Ольги Бочихиной композиторы и инструменталисты продолжили исследовать все, что звучит «вокруг, внутри, снаружи и между». Перед занятием каждый участник нашел емкость и положил в нее предметы, которые представляли «звучание» его внутреннего «я». Затем на практикуме Владимира Горлинского студенты погружались внутрь звука, исследовали процессы его рождения, сочинения и адаптации под задачи композиторской идеи.

• 

• 

Если звук в новой музыке превращается в объект сочинения, то ее главной координатой становится темброфактура. Этому элементу посвятил свою лекцию Юрий Каспаров. Темброфактура – принципиально новая координата, которую дал нам авангард 1950–1970-х годов. В музыке сегодняшнего дня, и, в частности, у молодых композиторов она заметно потеснила звуковысотность. Системообразующим элементом и носителем информации стало облако звуковых смыслов, меняющее цвет и форму, но остающееся единственной осязаемой координатой материала, как мелодия или гармония в «старой» музыке.

Финальной точкой проекта стал концерт в Парке Горького, курировала и вела его музыковед Мария Невидимова. Событие прошло в форме экскурсии по локациям парка, где звучали неформатные сочинения разных эпох: от «Застольной музыки» Георга Филиппа Телемана до театрализованной пьесы Джорджа Крама «Голос кита». Основную часть программы подготовили исполнители-семинаристы вместе с наставниками, а в исполнении Clapping music Стива Рейха приняли участие даже слушатели экскурсии.

Проект оказался очень цельным по духу. Он превратился в живое, сиюминутное исследование, в рамках которого опытные музыканты делились своими идеями и помогали молодым коллегам найти свой путь в искусстве звука. Однако главным в этом процессе оказался поиск не ответов, а вопросов – личных стратегий, которые каждому участнику предстоит развивать в будущем.

Фёдор Софронов, старший научный сотрудник Центра современной музыки

Фото Эмиля Матвеева и Евгения Бурака

№5 (1397), май 2023 года

Майские дни в Московской консерватории традиционно наполнены памятными мероприятиями, посвященными празднованию Дня Победы. Современное поколение консерваторцев бережно чтит память о трагических событиях Великой Отечественной войны. По словам ректора, профессора А.С. Соколова, «наша высокая нравственная миссия – через музыкальное искусство способствовать патриотическому воспитанию наших соотечественников», что воплощается студентами, педагогами и консерваторскими коллективами с большим воодушевлением.

Праздничные мероприятия стартовали 1 мая – в Главном военном клиническом госпитале им. Н.Н. Бурденко состоялся концерт-открытие фестиваля «Память музыкальных сердец», организованного Студенческим союзом Консерватории. Программа фестиваля продолжилась 4 мая музыкально-поэтическим вечером литературного клуба «Между строк» в Выставочном пространстве Малого зала, где студенты проникновенно читали произведения поэтов-фронтовиков.

5 мая в Малом зале состоялся традиционный концерт-митинг, в котором приняли участие ректор, проф. А.С. Соколов, студенты и сотрудники Консерватории, а также почетные гости – профессор Института военных дирижеров Военного университета Минобороны РФ, полковник А.А. Бучнев и советник Управления общественных проектов Администрации Президента РФ, композитор П.А. Корягин.

В этот же день в ректорате были торжественно вручены памятные медали Следственного комитета РФ к 350-летию со дня рождения Петра I сотрудникам Консерватории за выдающиеся заслуги в области патриотического воспитания молодежи.

Открыл фестиваль «Дню Победы посвящается…» 5 мая в Большом зале сольный концерт Симфонического оркестра Министерства обороны под управлением заслуженного артиста РФ, полковника Сергея Дурыгина и художественного руководителя фестиваля, профессора Александра Соловьёва. В программе принял участие Камерный хор Московской консерватории, в качестве солистов выступили Софья Онопченко, Егор Фёдоров, Майя Соловьёва, учащиеся Хорового училища имени А.В. Свешникова Виктор Скоробродов, Егор Бобров. Особо стоит выделить в рамках программы-открытия форума первое исполнение в Москве оратории «Духом сильный народ» памяти воинов-сибиряков – мощное высказывание молодого композитора Алексея Чернакова.

6 мая фестиваль продолжился выступлением в Большом зале оркестра суворовцев Московского военно-музыкального училища имени генерал-лейтенанта В.М. Халилова, а также хора суворовцев Московского военно-музыкального училища (хормейстер – Екатерина Радостева, дирижеры: Кирилл Черчик, Михаил Куслин). Публика услышала произведения отечественных и зарубежных композиторов, оригинальную духовую музыку, популярные песни военных лет, сочинения для мужского хора.

8 мая в Рахманиновском зале была представлена постановка оперы Кирилла Молчанова «Зори здесь тихие»: спектакль был подготовлен силами ГМПИ имени М.М. Ипполитова-Иванова (режиссер-постановщик – Андрей Цветков). В качестве преамбулы были исполнены классические опусы артистами Театра неслышащих актеров «Недослов» Российской государственной специализированной академии искусств.

В День Великой Победы 9 мая в дневном концерте на сцене Большого зала состоялась премьера сольной программы Камерного хора Московской консерватории «Они сражаются за Родину!», специально созданной его художественным руководителем, профессором Александром Соловьёвым. Этот коллектив вместе с заслуженной артисткой России Екатериной Мечетиной (фортепиано), лауреатом Премии Москвы Евгенией Кривицкой (орган) исполнил любимые песни военных лет в эксклюзивных транскрипциях для хора, а также новые опусы Алины Небыковой (Москва) и Владимира Синенко (Владивосток). Сильнейшее впечатление оставило выступление специального гостя программы – актера и режиссера Никиты Высоцкого.

Одной из кульминаций программы стала мировая премьера сочинения для хора a capella Петра Корягина «Молитва матери». После концерта, поздравляя участников, композитор подчеркнул: «Вы задаете высокий эмоциональный тон. Сегодня в зале слушатели получили колоссальные переживания. И именно это мы считаем памятью, именно это мы отстаиваем сегодня как страна – наследник Победы».

10 мая в Малом зале Консерватории сцена была предоставлена великолепному Детскому хору «Аврора» ДМШ имени В. Крайнева под управлением Анастасии Беляевой и признанным хоровым коллективам Академии хорового искусства имени В.С. Попова (дирижеры: Денис Храмов и Алексей Петров); а также Камерному и Преображенскому хору Храма Христа Спасителя. «В нашем фестивале всегда участвуют не только известные мэтры, но и юные музыканты, – прокомментировал выступление Александр Соловьёв. – Для нас особенно важно, чтобы об уроках истории и войны размышляли молодые артисты». 

11 мая программа, завершавшая фестиваль, была также посвящена теме памяти и связи поколений. В Большом зале на главную сцену Консерватории вышел прославленный Академический Ансамбль песни и пляски Российской армии, который носит имя легендарного профессора Московской консерватории, композитора и хорового дирижера, автора гимна России Александра Васильевича Александрова, 140-летний юбилей которого отмечается в 2023 году. За дирижерский пульт встал художественный руководитель-начальник ансамбля, заслуженный артист РФ, полковник Геннадий Саченюк.

Фестиваль «Дню Победы посвящается…» традиционно поддерживается Фондом памяти полководцев победы и лично Натальей Родионовной Малиновской: «Тем, кто тогда воевал и ни на секунду не усомнился в победе, мы обязаны жизнью. И не только мы — им обязаны жизнью все ныне живущие на той шестой части земного шара, что в 45-м была страной, победившей фашизм… Всякий раз, читая новую афишу, радуешься и постоянным участникам фестиваля, и новым именам, ждешь открытий и знаешь, что они не обманут ожиданий. Огромный труд, продиктованный высокой душевной потребностью, стоит за каждой строкой программы фестиваля».

Региональная программа фестиваля – традиционная Вахта памяти по местам боев 8-й Краснопресненской дивизии, где сражались консерваторские ополченцы, – пройдет в Смоленской области с 26 по 28 мая. В этом году запланированы концерты в Смоленской филармонии и Доме-музее М.И. Глинки в Новоспасском. Мастер-классы и творческие встречи пройдут в музыкальных учебных заведениях Смоленской области. Второй год подряд в Вахте памяти вместе со студентами, педагогами и сотрудниками Московской консерватории принимает участие делегация Российской академии музыки имени Гнесиных. В городе воинской Славы Ельне пройдет совместная акция «Культура памяти» – возложение венков к памятной плите, установленной Московской консерваторией в 2004 году на Аллее Славы.

Доцент Я.А. Кабалевская

Фото Эмиля Матвеева и Ирины Полярной

№5 (1397), май 2023 года

В прошлом году в состав Попечительского Совета консерватории вошел еще один мировой бренд – Exeed. И новый партнер сразу же активно включился в жизнь Консерватории, оказывая существенную помощь в реализации наших программ. Подарком Exeed стал электронный орган, поселившийся в Рахманиновском зале, что расширило возможности выбора концертного репертуара. На деньги Exeed будет проведена реставрация старинного фламандского клавесина. Особенно заинтересовали наших партнеров проекты Центра Электроакустической музыки, финансирование которых также ими предусмотрено. И, наконец, основная продукция Exeed – высококлассный автомобиль – тоже предоставлена в безвозмездное пользование Консерватории. По просьбе Exeed ректор А.С. Соколов дал интервью, сокращенный текст которого редакция «РМ» предлагает вниманию своих читателей.

– Александр Сергеевич, что Вы вкладываете в слово «успех»?

– «Успех» – в отличие от «удачи» – это результат напряженного труда во имя достижения важной, поставленной перед собой цели. Чем сложней задача, тем радостней успех. Древнеримский философ, поэт, государственный деятель Сенека изрек доселе не забытую фразу: per aspera ad astra (через тернии к звездам). Можно считать ее формулой достижения успеха.

– Считаете ли Вы себя успешным человеком? Если да, то в чем?

– Пожалуй, могу ответить на этот вопрос утвердительно, потому что на самых важных этапах жизни мне удавалось отличать главное от второстепенного и верно определять цель, ради которой не жаль затраченного времени и труда. Удавалось, как мне кажется, извлекать уроки и из собственных ошибок, а потому не повторять их на пути к успеху.

– Что такое успех в музыкальной сфере? Что отличает талантливого музыканта или композитора от неуспешного?

– Думаю, что в самом вопросе заложена ошибка: нельзя противопоставлять понятия «талантливый» и «неуспешный», если речь идет о жизни в искусстве, о творческой судьбе. Успех как общественное признание таланта нередко запаздывает. А потому и высокоталантливый человек, творец может быть как «успешным», так и «неуспешным». Вспомним такие провальные премьеры истинных шедевров, как «Героическая» Бетховена, «Кармен» Бизе, «Весна священная» Стравинского. Как говорится, c’est la vie… А печальное писательское выражение «писать в стол» – это не тот же путь «через тернии к звездам»?!

– Расскажите про свой карьерный путь. Как Вы стали ректором?

– Ректор в Консерватории не назначается, а выбирается тайным голосованием общевузовской конференции. Критерии выбора очевидны: профессионализм как итог многолетней и успешной учебы и работы, достаточный административный опыт, самообладание в любых ситуациях. До начала работы ректором я уже 10 лет был проректором по научной работе, а также заведующим кафедрой и председателем Специализированного совета по защите диссертаций. Имел уже и звание профессора, и докторскую степень. Вот министром культуры я уже не выбирался, а назначался – это было решение Президента РФ. А после завершения министерских полномочий вновь вернулся на ректорский пост, и вновь в итоге альтернативных выборов.

– В чем Вы видите главное значение своей работы в Консерватории?

– Главная ответственность ректора – в обеспечении разумного баланса унаследованных традиций и новаторства. Здесь многое зависит именно от него. У каждого факультета в этом есть своя специфика, которую необходимо понимать. За этим стоит кадровая политика, проблема преемственности поколений. Важно вникать и в инициативы консерваторской молодежи, способствуя их реализации. Так порой рождаются новые консерваторские традиции. Например, традиция ежегодного весеннего студенческого бала.

– Что для Вас самое удивительное в истории Консерватории?

– МГК уже приближается к своему 160-летнему юбилею. В ее истории было много удивительного. Если же говорить о том, что довелось мне самому запечатлеть в памяти как интересное и важное событие, то могу, к примеру, назвать историю реставрации знаменитого органа Большого зала.

Орган БЗК – это истинное наше сокровище. Это «памятник в памятнике»: статус объекта культурного наследия федерального уровня имеет Большой зал. И такой же статус имеет находящийся в нем знаменитый орган французского мастера Аристида Кавайе-Коля. Этот орган на рубеже XIX–XX веков был специально заказан для Московской консерватории меценатом бароном фон Дервизом, и на протяжении всего последующего времени многими событиями вошел в историю нашей Консерватории.

Но время взяло свое и на рубеже уже следующих веков орган перестал использоваться по причине своей предельной изношенности. Реставрируя Большой зал, мы подготовились и к серьезной реставрации органа. И осуществляя эту сложнейшую задачу, фиксировали каждый этап работ на кинопленку. Так был собран материал для первого в истории Консерватории собственного кинофильма «Симфония органа», который содержит немало удивительных событий в жизни органа от времени его первого рождения и до второго – до наших дней. Сегодня этот фильм уже обрел достаточно широкую известность, демонстрировался не только в ряде городов России, но и за рубежом. 

– Что для Вас лично значит Консерватория?

– Для меня Консерватория это моя счастливая судьба. В этом году я вместе со своими сверстниками буду отмечать 50-летие нашего окончания Консерватории. Соберу за дружеским столом представителей поколения, которое уже является старшим. Это нынешние профессора, заслуженные и народные артисты России, маститые ученые. Все они закончили МГК в 1973 году. Мы по традиции собираемся раз в 10 лет, в нынешнем году соберемся уже в пятый раз.

– Какими достижениями на посту Консерватории Вы гордитесь?

– Мне радостно, что в годы моего ректорства удалось при поддержке государства осуществить масштабные ремонтные, реставрационные и строительные работы. Это относится к четырем концертным залам, учебным корпусам, строительству современного студенческого комплекса. Важным событием стало и создание единственного среди консерваторий России Попечительского Совета, в который недавно вошел и Exeed. Очень важно, что, невзирая на все сложности жизни, в Консерватории продолжали реализовываться разнообразные творческие проекты, в числе которых международные концерты, фестивали, публикация научных трудов. Особое внимание по традиции уделялось просветительству, ориентированному на разные слои нашего общества.

– Как бы Вы охарактеризовали свою работу?

– Если совсем кратко, то это – “non-stop”. В моей работе переплетены самые разные ректорские полномочия (административные, хозяйственные, финансовые), помимо собственной научной и педагогической работы к этому добавляется руководство Ученым советом и кафедрой теории музыки. Также я являюсь председателем Всероссийского Общества теории музыки, председателем Совета ректоров российских консерваторий и консерваторий стран СНГ, председателем Московского музыкального общества, президентом Всероссийского Общества интеллектуальной собственности.

– Из чего состоит Ваш день?

– У меня всегда бывает по часам и по минутам расписана каждая неделя. Что-то известно и планируется заранее – командировки, участие в научных конференциях, работа в жюри и оргкомитетах международных конкурсов и т.д. Но помимо этого есть много непредсказуемых проблем и поручений, которые мне нужно решать и выполнять самому. При этом моя педагогическая работа со студентами и аспирантами – в приоритете.

– В чем отличия работы ректором от работы на должности Министра культуры? Какая работа приносит/приносила Вам наибольшее удовлетворение?

– Здесь больше отличий, чем сходств. Я был министром культуры и массовых коммуникаций РФ. То есть взял на себя ответственность не только за то, в чем я ранее и хорошо разбирался (образование, наука, филармоническая деятельность), но и за новые области (СМИ, ТВ, радио, архивы, библиотеки, музеи, проблемы реституции, авторского и смежных прав и т.д.). Мне удалось сформировать команду профессионалов, на которых можно было положиться. Но ответственность за все лежала, конечно, на мне. После 4-х лет работы в Правительстве возвращение к ректорским обязанностям стало более осмысленным. Я не только знал изнутри консерваторскую жизнь, но и то, что на нее влияет извне.

– Есть ли у Вас мечта, связанная с работой в Консерватории, и если да, то какая?

– Сегодня моя мечта и задача – оправдать оказанное мне доверие коллектива. Жизнь в наши дни значительно усложнилась и нужно соответствовать возросшим требованиям к руководителю такого национального достояния как МГК. Это реально, если сильна команда единомышленников, что, к счастью, так и есть. 

– О чем мечтаете в целом?

– Целое – это «прочный тыл»: семья, дети и внуки, тепло домашнего очага. Мечтаю сохранить это и уметь защитить от любых превратностей судьбы. 

– Какие аспекты Вашей работы для Вас особенно важны и интересны, и почему?

– Особенно важными можно считать те аспекты работы, которые выходят на первый план по объективным причинам. И они все время разные. Нужно уметь переключаться на новый «рельеф», не теряя из виду и остальной «фон», где уже зреет очередная «доминанта», на которой вскоре предстоит сконцентрировать свое внимание. 

– Что для Вас значит фраза born for more (рожден для большего) – как в общем смысле, так и в отношении лично к Вам?

– Этот девиз Exeed я в полной мере отношу и к Консерватории, и к себе лично. А именно: достигнутый успех важен прежде всего как стимул в дальнейшем движении вперед. «Почивать на лаврах» – это значит отставать от жизни. Здесь вполне уместна метафора: «грести против течения». Если бросил весла – не задержишься на месте, неизбежно отнесет назад.

– Почему Московская консерватория, на Ваш взгляд, заключила партнерство с Exeed, что общее Вы видите у двух брендов?

– Это больше, чем партнерство. Партнеров у МГК очень много и все они по-своему важны. Но Exeed – это член Попечительского совета, в котором представлена элита бизнеса, науки, юриспруденции, медицины, политики и, конечно, культуры – как на российском, так и международном уровне. Бренд МГК созвучен бренду Exeed, а девиз born for more, как я уже сказал, нас роднит еще больше. 

– Каких достижений, по Вашему мнению, МГК имени Чайковского и Exeed могут достичь вместе в будущем?

– Перспективы несомненны. То, что происходит в МГК, наблюдает весь мир. В рейтингах последних лет МГК входит в десятку лучших вузов мира в сфере искусства. Поддержка Exeed в реализации наших международных проектов (фестивали, конкурсы, научные форумы, мастер-классы, гастроли коллективов МГК) – это плодотворное участие Exeed в жизни Консерватории, а в итоге – наш общий успех.

Собкор «РМ»

Фото Виталия Кривцова

№5 (1397), май 2023 года

18 апреля 2023 года в Конференц-зале МГК состоялась презентация книги «Стиль Рахманинова» – коллективной монографии кафедры истории русской музыки Московской консерватории, подготовленной к юбилею композитора.

С.В. Рахманинов – один из самых исполняемых композиторов как в России, так и за рубежом. Почти невозможно представить себе человека, который бы никогда не слышал его сочинений. Тем не менее, несмотря на популярность музыки композитора, ее мелодическую красоту и эмоциональную открытость, кажущуюся понятность, легкость для восприятия, задача вербализовать авторский стиль Рахманинова представляется весьма непростой, а многие особенности его музыкального языка остаются непроясненными. «Я никогда не делаю сознательных усилий во что бы то ни стало быть оригинальным», – говорил композитор. Но самобытность, неповторимое своеобразие его письма очевидны. В чем же заключается феномен стиля Рахманинова? Ответ на этот вопрос содержится на страницах книги – первого в русском музыкознании комплексного исследования, посвященного именно стилевым аспектам творчества композитора.

«Мы стремились создать целостную картину композиторского стиля, реконструировать и проследить его онтогенез», – отмечает заведующая кафедрой истории русской музыки, профессор И.А. Скворцова в предисловии к книге. В ее семи главах с разных сторон освещается специфика музыкального письма Рахманинова: претворение стиля модерн в его творчестве и эволюция авторского стиля; модели, на которые ориентировался композитор – их круг необычайно широк, от барокко до позднего романтизма; особенности формообразования и звуковысотной организации его произведений; идиостиль на примере фортепианных концертов; стилевые особенности духовных сочинений – соотношение в них степени следования принципам православного церковно–певческого канона и авторской свободы; проблемы стиля симфонических опусов.

Авторский коллектив монографии – доктора искусствоведения, профессора И.А. Скворцова, К.В. Зенкин, Т.А. Старостина, кандидаты искусствоведения, доценты Н.В. Гурьева, Н.Д. Свиридовская, Д.И. Топилин – обеспечили ее научную ценность. Но важно и превосходное художественное оформление, разработанное совместно художественным руководителем проекта И.А. Скворцовой, главным художником Консерватории С.А. Бароновым и редактором книги Н.В. Гурьевой. Каждая из глав открывается портретом композитора, а в центре монографии находятся цветные иллюстрации, изображающие Рахманинова в разных жизненных ситуациях: за корректурой своих сочинений и за рулем автомобиля, на репетициях и во время летнего отдыха в любимой Ивановке. Украшением книги явился портрет Рахманинова на обложке: проникновенный взгляд композитора будто бы приглашает к вдумчивому, серьезному чтению.

Настоящим праздником стала презентация монографии в Конференц–зале Консерватории. Открывая собрание, ректор, профессор А.С. Соколов подчеркнул значимость выхода книги в контексте юбилейных торжеств и заметил, что ее возникновение стало «подведением итогов очень большой предварительной работы, связанной с традициями науки Консерватории и ее кафедр». С видеопрезентацией книги выступила профессор Скворцова, указав в своем докладе на особое значение, которое в наше время приобретает творчество Рахманинова: «музыка Рахманинова своей человечной теплотой и чувственной эмоциональностью становится в высшей степени востребована». Сходную мысль высказал и профессор Зенкин, автор одной из глав книги: «Рахманинов оказался очень современным, теперь никому в голову не придет говорить, что он ретроград или эпигон». Отметил ученый и эстетизм ее оформления: по его словам, «это именно такая книга, которую хочется читать».

• 

• 

Уникальность исследования, в котором вопросы стиля Рахманинова занимают центральное место, подчеркнула его рецензент, профессор Н.И. Ефимова (Академия хорового искусства им. В.С. Попова): «Книга впервые поднимает емкий вопрос стиля Рахманинова и открывает широкие возможности для его дальнейшего углубленного изучения». Поддержали новое издание и другие выступавшие профессора: Н.И. Тарасевич,М.А. Сапонов, Е.Д. Кривицкая. А заведующий кафедрой хорового дирижирования, профессор Л.З. Конторович и ректор Академии хорового искусства им. В.С. Попова, профессор А.В. Соловьёв, неоднократно обращавшиеся к хоровым сочинениям композитора в своей дирижерской деятельности, указали на значимость книги не только для ученых-музыковедов, но и для практиков-исполнителей.

Конечно, презентация такого издания не могла обойтись без живого звучания музыки. В завершении вечера перед собравшимися выступил Молодежный хор Научно-творческого центра церковной музыки при кафедрах хорового дирижирования и истории русской музыки, который под управлением дирижера Вячеслава Половянова (солистка Алена Кузнечикова) вдохновенно исполнил фрагменты из «Всенощного бдения» и «Литургии Иоанна Златоуста». Был представлен и знаменитый «Вокализ» – квинтэссенция поэтической лирики Рахманинова. Звучание этой музыки в стенах родной композитору Московской консерватории подтвердило главную мысль большинства выступавших на презентации: ВРЕМЯ РАХМАНИНОВА ПРИШЛО.

Анна Горшкова, преподаватель кафедры истории русской музыки

Фото Дениса Рылова

Во внеконкурсной программе «Арт-кор» 45-го Московского международного кинофестиваля показали фильм «В поисках гармонии». Ленту снял музыковед и музыкальный критик Сергей Уваров на базе телевидения Московской консерватории, продюсерами выступили профессора Консерватории ректор А.С. Соколов и М.В. Карасёва. В центре внимания фильма – четыре композитора: Николай Попов, Александр Хубеев, Денис Писаревский и Ярослав Судзиловский.

«В поисках гармонии» – второй опыт Сергея Уварова в кино. Автор кандидатской диссертации о музыке в фильмах Александра Сокурова и преподаватель дисциплины «Музыка в кино», Уваров естественным образом перешел от теории к практике. И его предыдущая лента «Симфония органа», и новый фильм связаны с Московской консерваторией: оба фильма имеют документальную интонацию, но не наделены дидактической функцией. Таким образом, по жанру они приближаются к псевдодокументальному повествованию, о чем и предупредила продюсер фильма Марина Валериевна Карасёва в преддверии показа.

Фильмы в псевдодокументальном жанре интересны тем, что обычные вещи и события в них могут свободно наделяться иными смыслами. Иногда режиссеры используют это, чтобы создать фильм-притчу. Как и в любой притче, за пределами того, что возможно осознать, остаются послания, не претендующие на дословную расшифровку, однако претендующие на работу чувства (возможно, шестого). В фильме «В поисках гармонии» деятельность этого чувства интенсивна, ведь на языке притчи «гармония» – это не только духовная и музыкальная стройность, а смысл вообще, смысл, познаваемый сердцем, а не умом.

На экране зритель видит композиторов кардинально разных эстетик и взглядов на устройство мира. До последнего момента каждый из них будет существовать в собственном «вакууме» – не только музыкальном, но и в архитектурно-пространственном. Николай Попов демонстрирует чудеса электроники в Центре электроакустической музыки МГК, Александр Хубеев обитает на сцене Большого зала в компании пластиковых пятилитровых бутылок и ведер, необходимых для исполнения пьесы «Остров Возрождения»», Денис Писаревскийне отходит от органа в Римско-католическом кафедральном соборе на Малой Грузинской, а Ярослав Судзиловскийчередует композиторскую работу за столом с прогулками в огороде. В одиноком созидании проходит утро, день, вечер и ночь (так же называются и четыре эпизода фильма), и вдруг композиторы попадают в общий вакуум – пространство диалоговых окон Zoom.

О чем, казалось бы, им, таким разным, говорить? Если о земном, то, действительно – не о чем. Но герои вспоминают трагически ушедшего коллегу Георгия Дорохова, одного из ведущих композиторов начала 2000-х годов, и разговор перетекает в трансцендентное русло… Фильм сопровождает закадровый голос Игумена Фотия.Чем обусловлен подобный выбор, режиссер намекает в финальной сцене, описывать которую было бы несправедливо по отношению к будущим зрителям. Однако трактуя фильм как притчу, наблюдая за жизнью композиторов и прослеживая судьбу тех, кто уже ушел, кажется, что миссией по поиску гармонии наделены самые неподходящие для этого люди – уязвимые и мятущиеся, в самом деле не обладающие ничем, кроме того, что нельзя даже потрогать – их музыки.

Ленту «В поисках гармони» ждет судьба фестивального кино, а в свободном доступен она появится в онлайн-кинотеатре Okko. Те же зрители, что присутствовали на показе, восприняли увиденное по-настоящему неравнодушно. И хотя лента скроена постмодернистски и изобилует киноцитатами (от «Прибытия поезда» Люмьер до «Соляриса» Тарковского), визуальными и вербальными арками, все внимание публики сосредоточилось на музыке.

Во время публичного обсуждения после показа звучали разные отзывы: кто-то услышал авангардные произведения впервые и благодарил за необычный опыт, кто-то интересовался процессом сочинения, а кто-то высказал мысль об опасности сакрализации музыки – особенно авангардной, рискующей еще много лет оставаться тем самым «необычном опытом» для подавляющего большинства слушателей, если не вести дискуссии о социальном контексте, в котором она родилась. И только киновед Наум Клейман, зажатый разгоряченной консерваторской публикой, спокойно улыбался, словно процесс поиска гармонии в его случае уже увенчался успехом…

Мария Невидимова, редактор газет МГК

№5 (1397), май 2023 года

12 апреля профессор Владимир Михайлович Иванов, народный артист России, известный музыкант и педагог, заведующий кафедрой скрипки и декан Оркестрового факультета Московской консерватории отпраздновал свой 75-летний юбилей. Корреспондентка нашей газеты побеседовала с именитым профессором.

– Владимир Михайлович, как Вы пришли в музыку?

– Достаточно просто. У меня мама – музыкант. Работала пианисткой в институте имени Гнесиных концертмейстером у вокалистов, а также преподавала в Гнесинской семилетке. Дома с колыбели слышал музыку: певцы приходили домой заниматься, пели различные арии. Когда начал ходить, уже многое из вокального репертуара мог спеть, многое нравилось. Слух абсолютный сам собой проявился.

Мне было не больше 5 лет, когда я посетил первый инструментальный концерт – в Гнесинском зале на скрипке играл Виктор Пикайзен. Концерт произвел на меня огромное впечатление. Я начал имитировать игру на скрипке: подбирал палки, водил одной по другой. В 6 лет пришел в Гнесинскую десятилетку на прослушивание. Проверили ритм, слух, попросили спеть песенку. Я сказал, что хочу спеть арию Канио – могу на русском и на итальянском. Вызвал всеобщее удивление. Моментально зачислили в «подготовишку». Инструмент выбрал сам – очень попросил, чтобы была скрипочка.

– Очень интересно услышать о Ваших педагогах…

– Первый педагог – Владимир Миронович Вульфман, преподавал в «Гнесинке» – школе и институте. Замечательный человек и музыкант, ученик Жака Тибо. Начинал я у него, 4 года проучился в Гнесинской десятилетке. Одним из друзей Вульфмана был Юрий Исаевич Янкелевич, я ему очень нравился своей детской непосредственностью и природной постановкой рук. Через 4 года Вульфман уехал в Мексику и открыл там музыкальную школу, которая существует и в наши дни и носит его имя. О сроках его возвращения информации не было, и Юрий Исаевич перевел меня к себе в ЦМШ.

Там была особая обстановка, и это производило огромное впечатление, было другое отношение к гаммам и упражнениям. «Коридорные скрипачи» соревновались друг с другом в игре гамм, арпеджио, двойных нот на спор – с любой ноты, с любой позиции, в любой тональности, виртуозно – так, что «дым шел»! Сейчас этого не наблюдается, и мы видим, что даже из спецшкол многие приходят с большим отставанием в плане техники.

Проучился я в ЦМШ не долго. В середине 8 класса исключили из школы «за поведение», как говорят: «попал под раздачу». Я был учеником, которому было скучно учиться по общеобразовательным предметам – они давались мне очень легко, и я был очень активным мальчиком – на уроках получал замечания, бывало, что выгоняли из класса. Но вредительством я никогда не занимался, а про тех, кто ломал имущество, я знал, но не продал.

Обратно в ЦМШ я уже не вернулся, хотя потом хотели восстановить. Меня моментально «подхватила» директор училища при Консерватории Лариса Леонидовна Артынова, и я остался в «Мерзляковке» официально у Майи Самуиловны Глезаровой, которая была ассистентом Ю.И. Янкелевича. У нее я закончил училище, потом вернулся к Юрию Исаевичу Янкелевичу в Консерваторию и аспирантуру. Он очень рано ушел из жизни – в 64 года, скончался во время операции. Огромная трагедия, величайший был педагог, который вырастил огромную плеяду талантливых скрипачей.

– А когда Вы начали концертировать?

– Концертировать начал рано, еще обучаясь в училище, ездил по стране с небольшими концертными программами. Впервые вышел на сцену БЗК с оркестром в 1966 году, в рамках цикла концертов, посвященных 100-летию Московской консерватории. Очень памятное событие, фотография с этого концерта до сих пор висит в нашем училище. Исполнял «Венгерские напевы» Андрея Эшпая со студенческим оркестром под управлением И.А. Аркина. Произведение посвящено Эдуарду Грачу, первым исполнителем был он, а вслед за ним был я.

Еще до того, как получил первую премию на конкурсе Баха, много выступал с концертами в Союзе и за рубежом. Активно работал как солист. А в конце 1975 года профессор Т.А. Гайдамович пригласила меня заменить скрипача в Московском трио. Там в первоначальном составе были: пианист – Александр Бондурянский, виолончелист – Мирон Ямпольский, скрипач – Михаил Безверхний (кстати, тоже ученик Ю.И. Янкелевича). Постепенно виолончелиста заменил Михаил Уткин, потом я заменил М. Безверхнего. Первый концерт со мной состоялся в начале 1976 года, и с этого времени состав уже не менялся. Кстати, Московское трио занесено в Книгу рекордов России, как самый долговечный ансамбль в едином составе.

– В чем секрет такого долголетия? 

– В камерном музицировании из трех разных инструментов нужно создавать четвертый. Если удается – это уже не три разных человека, а единый организм. Просто не всегда и не всем это удается.

– Какой исполнительский репертуар Вам ближе и почему?

– Ближе то, что исполняешь в данный момент. Так должно быть. Хотя, конечно, я в душе романтик. Исполнению нужно отдаваться полностью. Когда музыкант выходит к публике, ему должно быть, что сказать, что ей отдать. Тогда тебя оценят, тебя поймут и тебе поверят. Знаю достаточно много и о европейских традициях исполнения барочной музыки, с которой мы сталкиваемся буквально каждый день. Со своими учениками стараюсь много внимания уделять не только Баху, но и всей эпохе. Современная же музыка – не вся близка, хотя в репертуаре много шедевров ХХ века.  В ХХI веке шедевров… не густо.

– А как Вы пришли в педагогику?

– Я давно преподаю в Консерватории, с 1974 года. Начал преподавать сразу после окончанияассистентуры-стажировки. Сначала на кафедре истории и теории исполнительского искусства, также занимался квартетом, помогал Д.В. Шебалину. В полной мере совмещать исполнительскую и педагогическую деятельность было довольно сложно. Первые годы моя основная работа была в Москонцерте и Московской филармонии, а в Консерватории – на полставки. Концертов, гастролей по всему миру было очень много.

После распада СССР в 1991 году постепенно гастрольные планы у всех значительно уменьшились. Ссокращением концертного графика я перешел на основную работу в МГК, получил специальный класс скрипки и начал активно заниматься педагогической деятельностью, которая бурно развивалось, и со временем мой класс стал одним  из самых сильных в Консерватории.

Помимо консерватории преподаю еще в «Мерзляковке». Большим подспорьем является то, что моя супруга – Алена Чверток, ныне тоже профессор Консерватории, очень мне помогает. Она очень хороший специалист, талантливый человек и замечательный методист, известный на всю страну и не только. Она еще работает в ЦМШ. У нас практически общий класс. Она занимается с моими учениками, а я – с ее. Среднее звено у нас охвачено, готовим студентов в Консерваторию.

– Как Вы оцениваете современное музыкальное образование? Есть ли отличие от музыкального образования, существовавшего в начале Вашей педагогической деятельности?

– Раньше существовало государственное распределение, которое было обязательным. Многие известные исполнители проводили минимум 2–3 года в регионах и передавали подрастающему поколению свое мастерство, опыт, видение, школу. С исчезновением СССР исчезло распределение, и плоды этого мы на себе ощущаем все больше. А в регионах последние 20–30  лет происходит полное увядание профессионального подхода к обучению.Уровень всегда виден по поступающим абитуриентам. Конечно, каждый год есть талантливые «звездочки», ноименно общий уровень все больше снижается. На нашем оркестровом факультете 70–80 % студентов – иногородние. Это хорошо. Но из них к себе домой после обучения не возвращается практически никто. Все оседают в Москве, и это приводит к тому, что общий уровень в регионах падает.

Сейчас у обучающихся отмечается очень большое отставание именно техническое. И, если левые руки, бывает, развиты достаточно неплохо, хотя у большинства – серьезные проблемы с интонацией, то правые руки корявые почти у всех! А это и владение смычком, штрихами, и звукоизвлечение. Мало кто имеет об этом представление. Это заметно, отставание очень серьезное. Я много езжу по стране, сейчас это в основном мастер-классы и конкурсы, и я вижу, что происходит. Если педагог сам никогда не мог это сделать, как он может этому научить! Основная проблема – отсутствие квалифицированных педагогов. В стране их остались единицы, и это в основном специалисты преклонного возраста.

– Можно ли что-то сделать, чтобы улучшить ситуацию?

– Последние годы нас загоняли в рамки, не свойственные творческому развитию, они продолжаются отчасти до сих пор. Хотя некоторые сдвиги намечаются – например, отказ от Болонской системы. Бакалавриат не предполагает появление специалистов ни в какой области. Многие с большим энтузиазмом отнеслись к этой системе, стали безоговорочно ее внедрять. Противостояли только мы и питерцы, и мы выдержали, хотя давление было очень серьезным. 

Творческие вузы нужно убрать из подчинения Министерству науки и образования и оставить только в ведении Министерства культуры, как, кстати, когда-то и было. Министерство образования, к сожалению, не понимает специфику творческих вузов. Знаю, что у нашего президента есть понимание этой проблемы, но решить задачу непросто, в том числе с экономической точки зрения. 

– Возвращаясь к теме молодого поколения: какие навыки необходимы молодому музыканту, чтобы стать успешным?

– Я считаю, что нужна рациональность. Она заключается в умении владеть временем. Очень многое необходимо знать, интересоваться всем на свете. Не зацикливаться только на своих упражнениях, расширять кругозор. Чем больше будут успевать делать, тем выше будет результат, и никогда не будет скучно. Должен быть охват знаний, не обязательно глубокий во всех областях, но разбираться нужно очень во многом. И активно отдыхать. Надо уметь и успевать – в этом и заключается рациональность. А если человек способный, он обычно способен во многих видах деятельности. И еще: необходимо много читать художественной литературы, а то у нас наблюдается большое количество недостаточно грамотных молодых людей. Причем все, о чем я говорю, должно происходить в юном возрасте, потому что потом на это будет гораздо меньше времени, будут другие дела и заботы. 

– Как Вы относитесь к конкурсам? Нужны ли они музыканту?

– Наша профессия – артистическая, поэтому, как возможность выходить и играть перед людьми, конкурсы – это хороший вариант. Мы играем не для себя, а для людей, и с точки зрения приобретения концертного опыта это необходимо.

Но то, что у нас сейчас происходит с детскими и юношескими конкурсами, «не есть хорошо». Они проводятся практически «на каждом углу» и каждую неделю, в таких конкурсах толком нет программных требований. Еще система так устроена, что подобные конкурсы нужны педагогам школ: благодарности педагогам за подготовку лауреатов помогают благополучно пройти очередную аттестацию, что, конечно же, является для них хорошей мотивацией. К таким конкурсам у меня отношение крайне отрицательное!

Бывает, на мастер-классы приходят ученики, которые играть вообще не умеют, но за последний год имеют 10–15 наград – первые места и гран-при. Конкурсы не должны быть раздачей дипломов за деньги, где дают бесконечное количество призовых мест. Такие конкурсы портят и губят музыкантов. Программа должна состоять не из двух пьесок по пять минут, а из двух-трех туров с серьезными требованиями, финал желательно с оркестром. И вообще конкурсов не должно быть много. На конкурсе должны быть премии, участники должны понимать, за что они борются.

– Как Вам видится будущее академической музыки?

– Надеюсь, что академическая музыка останется. Что-то же должно воспитывать в людях эстетические и нравственные критерии! Музыка продолжает существовать за счет того, что в нее вкладывается индивидуальность. Поэтому мы и слушаем живое исполнение – мы получаем какие-то ощущения, опыт, пусть даже опыт восприятия. У каждого исполнителя и каждый раз это все происходит немножко по-разному. Иначе нет смысла в существовании музыки.

– Владимир Михайлович, в Консерватории Ваш юбилей был особенным, было много концертов. Как они прошли?

– Юбилейные празднества совпали с классным и кафедральным концертами, скрипичным гала-концертом и выступлением лауреатов международного конкурса «ДеМЮКС», председателем жюри которого я являюсь уже много лет. Мы решили объединить серию апрельских концертов в фестиваль. В результате получился очень хороший фестиваль из пяти концертов, посвященный моему юбилею. Большой зал был полон, остальные концерты в Малом зале также были аншлаговыми. Заключительный концерт фестиваля 18 апреля, где играли мои воспитанники разных лет, был просто шикарный!

– Дорогой Владимир Михайлович, от лица всех читателей газеты «Российский музыкант» поздравляю Вас с юбилеем! Мы все желаем Вам здоровья, яркой творческой жизни и хороших учеников! Многая лета!

Беседовала Марина Шиганова,выпускница ассистентуры-стажировки МГК

Фото Дениса Рылова