№6 (1398), сентябрь 2023 года

С 13 по 17 июня в Московской консерватории состоялись IV Всероссийские семинары ансамбля «Студия новой музыки». Соорганизатором проекта выступил научно-творческий Центр современной музыки, который уже 30 лет является мобильной платформой для экспериментов и смелых творческих высказываний.

В этом году семинары проходили под названием «NEформат», а их участниками были молодые композиторы и исполнители из разных регионов России. В течение пятидневного интенсива с ними занимались композиторы Юрий Каспаров, Ольга Бочихина и Владимир Горлинский, а также солисты «Студии»: Ольга Галочкина (виолончель), Анастасия Табанкова (гобой), Екатерина Фомицкая (скрипка), Мона Хаба и Наталия Черкасова (фортепиано). В качестве приглашенных гостей выступили с лекциями Антон Каретников – арт-менеджер, исполнительный директор Фонда Николая Каретникова и создатель проекта Musica Sacra Nova, и Фёдор Софронов, музыковед и композитор.

В семинарских тренингах, лекциях и дискуссиях участники Семинаров исследовали актуальные вопросы, которые уже поставлены композиторами, но еще ждут научного осмысления. Все они так или иначе были связаны с неформатными явлениями новой музыки. Однако что подразумевается под словом «неформат»? Ведь кому-то вся современная музыка может показаться неформатной. К тому же не совсем понятно, что именно сегодня можно считать форматом. Грани музыкального искусства все больше истончаются, а его прежнее определение уже не охватывает всех существующих явлений; поэтому понятие «формат» тоже размывается и видоизменяется. При этом появляются обширные территории, которые становятся объектами исследования современных авторов. Композиторы-кураторы нынешних семинаров предложили рассмотреть одну из таких областей в рамках дискуссии «Где (не) кончается музыка?». С нее и начался проект.

На второй день исполнители вместе с Наталией Черкасовой и Моной Хабой разбирали пьесу Джона Кейджа для чтецов и ударников Living Room Music, а молодые авторы под руководством Ольги Бочихиной нотировали окружающую среду и создавали музыкальные черновики. На другом тренинге Ольги Бочихиной композиторы и инструменталисты продолжили исследовать все, что звучит «вокруг, внутри, снаружи и между». Перед занятием каждый участник нашел емкость и положил в нее предметы, которые представляли «звучание» его внутреннего «я». Затем на практикуме Владимира Горлинского студенты погружались внутрь звука, исследовали процессы его рождения, сочинения и адаптации под задачи композиторской идеи.

• 

• 

Если звук в новой музыке превращается в объект сочинения, то ее главной координатой становится темброфактура. Этому элементу посвятил свою лекцию Юрий Каспаров. Темброфактура – принципиально новая координата, которую дал нам авангард 1950–1970-х годов. В музыке сегодняшнего дня, и, в частности, у молодых композиторов она заметно потеснила звуковысотность. Системообразующим элементом и носителем информации стало облако звуковых смыслов, меняющее цвет и форму, но остающееся единственной осязаемой координатой материала, как мелодия или гармония в «старой» музыке.

Финальной точкой проекта стал концерт в Парке Горького, курировала и вела его музыковед Мария Невидимова. Событие прошло в форме экскурсии по локациям парка, где звучали неформатные сочинения разных эпох: от «Застольной музыки» Георга Филиппа Телемана до театрализованной пьесы Джорджа Крама «Голос кита». Основную часть программы подготовили исполнители-семинаристы вместе с наставниками, а в исполнении Clapping music Стива Рейха приняли участие даже слушатели экскурсии.

Проект оказался очень цельным по духу. Он превратился в живое, сиюминутное исследование, в рамках которого опытные музыканты делились своими идеями и помогали молодым коллегам найти свой путь в искусстве звука. Однако главным в этом процессе оказался поиск не ответов, а вопросов – личных стратегий, которые каждому участнику предстоит развивать в будущем.

Фёдор Софронов, старший научный сотрудник Центра современной музыки

Фото Эмиля Матвеева и Евгения Бурака

№5 (1397), май 2023 года

Майские дни в Московской консерватории традиционно наполнены памятными мероприятиями, посвященными празднованию Дня Победы. Современное поколение консерваторцев бережно чтит память о трагических событиях Великой Отечественной войны. По словам ректора, профессора А.С. Соколова, «наша высокая нравственная миссия – через музыкальное искусство способствовать патриотическому воспитанию наших соотечественников», что воплощается студентами, педагогами и консерваторскими коллективами с большим воодушевлением.

Праздничные мероприятия стартовали 1 мая – в Главном военном клиническом госпитале им. Н.Н. Бурденко состоялся концерт-открытие фестиваля «Память музыкальных сердец», организованного Студенческим союзом Консерватории. Программа фестиваля продолжилась 4 мая музыкально-поэтическим вечером литературного клуба «Между строк» в Выставочном пространстве Малого зала, где студенты проникновенно читали произведения поэтов-фронтовиков.

5 мая в Малом зале состоялся традиционный концерт-митинг, в котором приняли участие ректор, проф. А.С. Соколов, студенты и сотрудники Консерватории, а также почетные гости – профессор Института военных дирижеров Военного университета Минобороны РФ, полковник А.А. Бучнев и советник Управления общественных проектов Администрации Президента РФ, композитор П.А. Корягин.

В этот же день в ректорате были торжественно вручены памятные медали Следственного комитета РФ к 350-летию со дня рождения Петра I сотрудникам Консерватории за выдающиеся заслуги в области патриотического воспитания молодежи.

Открыл фестиваль «Дню Победы посвящается…» 5 мая в Большом зале сольный концерт Симфонического оркестра Министерства обороны под управлением заслуженного артиста РФ, полковника Сергея Дурыгина и художественного руководителя фестиваля, профессора Александра Соловьёва. В программе принял участие Камерный хор Московской консерватории, в качестве солистов выступили Софья Онопченко, Егор Фёдоров, Майя Соловьёва, учащиеся Хорового училища имени А.В. Свешникова Виктор Скоробродов, Егор Бобров. Особо стоит выделить в рамках программы-открытия форума первое исполнение в Москве оратории «Духом сильный народ» памяти воинов-сибиряков – мощное высказывание молодого композитора Алексея Чернакова.

6 мая фестиваль продолжился выступлением в Большом зале оркестра суворовцев Московского военно-музыкального училища имени генерал-лейтенанта В.М. Халилова, а также хора суворовцев Московского военно-музыкального училища (хормейстер – Екатерина Радостева, дирижеры: Кирилл Черчик, Михаил Куслин). Публика услышала произведения отечественных и зарубежных композиторов, оригинальную духовую музыку, популярные песни военных лет, сочинения для мужского хора.

8 мая в Рахманиновском зале была представлена постановка оперы Кирилла Молчанова «Зори здесь тихие»: спектакль был подготовлен силами ГМПИ имени М.М. Ипполитова-Иванова (режиссер-постановщик – Андрей Цветков). В качестве преамбулы были исполнены классические опусы артистами Театра неслышащих актеров «Недослов» Российской государственной специализированной академии искусств.

В День Великой Победы 9 мая в дневном концерте на сцене Большого зала состоялась премьера сольной программы Камерного хора Московской консерватории «Они сражаются за Родину!», специально созданной его художественным руководителем, профессором Александром Соловьёвым. Этот коллектив вместе с заслуженной артисткой России Екатериной Мечетиной (фортепиано), лауреатом Премии Москвы Евгенией Кривицкой (орган) исполнил любимые песни военных лет в эксклюзивных транскрипциях для хора, а также новые опусы Алины Небыковой (Москва) и Владимира Синенко (Владивосток). Сильнейшее впечатление оставило выступление специального гостя программы – актера и режиссера Никиты Высоцкого.

Одной из кульминаций программы стала мировая премьера сочинения для хора a capella Петра Корягина «Молитва матери». После концерта, поздравляя участников, композитор подчеркнул: «Вы задаете высокий эмоциональный тон. Сегодня в зале слушатели получили колоссальные переживания. И именно это мы считаем памятью, именно это мы отстаиваем сегодня как страна – наследник Победы».

10 мая в Малом зале Консерватории сцена была предоставлена великолепному Детскому хору «Аврора» ДМШ имени В. Крайнева под управлением Анастасии Беляевой и признанным хоровым коллективам Академии хорового искусства имени В.С. Попова (дирижеры: Денис Храмов и Алексей Петров); а также Камерному и Преображенскому хору Храма Христа Спасителя. «В нашем фестивале всегда участвуют не только известные мэтры, но и юные музыканты, – прокомментировал выступление Александр Соловьёв. – Для нас особенно важно, чтобы об уроках истории и войны размышляли молодые артисты». 

11 мая программа, завершавшая фестиваль, была также посвящена теме памяти и связи поколений. В Большом зале на главную сцену Консерватории вышел прославленный Академический Ансамбль песни и пляски Российской армии, который носит имя легендарного профессора Московской консерватории, композитора и хорового дирижера, автора гимна России Александра Васильевича Александрова, 140-летний юбилей которого отмечается в 2023 году. За дирижерский пульт встал художественный руководитель-начальник ансамбля, заслуженный артист РФ, полковник Геннадий Саченюк.

Фестиваль «Дню Победы посвящается…» традиционно поддерживается Фондом памяти полководцев победы и лично Натальей Родионовной Малиновской: «Тем, кто тогда воевал и ни на секунду не усомнился в победе, мы обязаны жизнью. И не только мы — им обязаны жизнью все ныне живущие на той шестой части земного шара, что в 45-м была страной, победившей фашизм… Всякий раз, читая новую афишу, радуешься и постоянным участникам фестиваля, и новым именам, ждешь открытий и знаешь, что они не обманут ожиданий. Огромный труд, продиктованный высокой душевной потребностью, стоит за каждой строкой программы фестиваля».

Региональная программа фестиваля – традиционная Вахта памяти по местам боев 8-й Краснопресненской дивизии, где сражались консерваторские ополченцы, – пройдет в Смоленской области с 26 по 28 мая. В этом году запланированы концерты в Смоленской филармонии и Доме-музее М.И. Глинки в Новоспасском. Мастер-классы и творческие встречи пройдут в музыкальных учебных заведениях Смоленской области. Второй год подряд в Вахте памяти вместе со студентами, педагогами и сотрудниками Московской консерватории принимает участие делегация Российской академии музыки имени Гнесиных. В городе воинской Славы Ельне пройдет совместная акция «Культура памяти» – возложение венков к памятной плите, установленной Московской консерваторией в 2004 году на Аллее Славы.

Доцент Я.А. Кабалевская

Фото Эмиля Матвеева и Ирины Полярной

№5 (1397), май 2023 года

В прошлом году в состав Попечительского Совета консерватории вошел еще один мировой бренд – Exeed. И новый партнер сразу же активно включился в жизнь Консерватории, оказывая существенную помощь в реализации наших программ. Подарком Exeed стал электронный орган, поселившийся в Рахманиновском зале, что расширило возможности выбора концертного репертуара. На деньги Exeed будет проведена реставрация старинного фламандского клавесина. Особенно заинтересовали наших партнеров проекты Центра Электроакустической музыки, финансирование которых также ими предусмотрено. И, наконец, основная продукция Exeed – высококлассный автомобиль – тоже предоставлена в безвозмездное пользование Консерватории. По просьбе Exeed ректор А.С. Соколов дал интервью, сокращенный текст которого редакция «РМ» предлагает вниманию своих читателей.

– Александр Сергеевич, что Вы вкладываете в слово «успех»?

– «Успех» – в отличие от «удачи» – это результат напряженного труда во имя достижения важной, поставленной перед собой цели. Чем сложней задача, тем радостней успех. Древнеримский философ, поэт, государственный деятель Сенека изрек доселе не забытую фразу: per aspera ad astra (через тернии к звездам). Можно считать ее формулой достижения успеха.

– Считаете ли Вы себя успешным человеком? Если да, то в чем?

– Пожалуй, могу ответить на этот вопрос утвердительно, потому что на самых важных этапах жизни мне удавалось отличать главное от второстепенного и верно определять цель, ради которой не жаль затраченного времени и труда. Удавалось, как мне кажется, извлекать уроки и из собственных ошибок, а потому не повторять их на пути к успеху.

– Что такое успех в музыкальной сфере? Что отличает талантливого музыканта или композитора от неуспешного?

– Думаю, что в самом вопросе заложена ошибка: нельзя противопоставлять понятия «талантливый» и «неуспешный», если речь идет о жизни в искусстве, о творческой судьбе. Успех как общественное признание таланта нередко запаздывает. А потому и высокоталантливый человек, творец может быть как «успешным», так и «неуспешным». Вспомним такие провальные премьеры истинных шедевров, как «Героическая» Бетховена, «Кармен» Бизе, «Весна священная» Стравинского. Как говорится, c’est la vie… А печальное писательское выражение «писать в стол» – это не тот же путь «через тернии к звездам»?!

– Расскажите про свой карьерный путь. Как Вы стали ректором?

– Ректор в Консерватории не назначается, а выбирается тайным голосованием общевузовской конференции. Критерии выбора очевидны: профессионализм как итог многолетней и успешной учебы и работы, достаточный административный опыт, самообладание в любых ситуациях. До начала работы ректором я уже 10 лет был проректором по научной работе, а также заведующим кафедрой и председателем Специализированного совета по защите диссертаций. Имел уже и звание профессора, и докторскую степень. Вот министром культуры я уже не выбирался, а назначался – это было решение Президента РФ. А после завершения министерских полномочий вновь вернулся на ректорский пост, и вновь в итоге альтернативных выборов.

– В чем Вы видите главное значение своей работы в Консерватории?

– Главная ответственность ректора – в обеспечении разумного баланса унаследованных традиций и новаторства. Здесь многое зависит именно от него. У каждого факультета в этом есть своя специфика, которую необходимо понимать. За этим стоит кадровая политика, проблема преемственности поколений. Важно вникать и в инициативы консерваторской молодежи, способствуя их реализации. Так порой рождаются новые консерваторские традиции. Например, традиция ежегодного весеннего студенческого бала.

– Что для Вас самое удивительное в истории Консерватории?

– МГК уже приближается к своему 160-летнему юбилею. В ее истории было много удивительного. Если же говорить о том, что довелось мне самому запечатлеть в памяти как интересное и важное событие, то могу, к примеру, назвать историю реставрации знаменитого органа Большого зала.

Орган БЗК – это истинное наше сокровище. Это «памятник в памятнике»: статус объекта культурного наследия федерального уровня имеет Большой зал. И такой же статус имеет находящийся в нем знаменитый орган французского мастера Аристида Кавайе-Коля. Этот орган на рубеже XIX–XX веков был специально заказан для Московской консерватории меценатом бароном фон Дервизом, и на протяжении всего последующего времени многими событиями вошел в историю нашей Консерватории.

Но время взяло свое и на рубеже уже следующих веков орган перестал использоваться по причине своей предельной изношенности. Реставрируя Большой зал, мы подготовились и к серьезной реставрации органа. И осуществляя эту сложнейшую задачу, фиксировали каждый этап работ на кинопленку. Так был собран материал для первого в истории Консерватории собственного кинофильма «Симфония органа», который содержит немало удивительных событий в жизни органа от времени его первого рождения и до второго – до наших дней. Сегодня этот фильм уже обрел достаточно широкую известность, демонстрировался не только в ряде городов России, но и за рубежом. 

– Что для Вас лично значит Консерватория?

– Для меня Консерватория это моя счастливая судьба. В этом году я вместе со своими сверстниками буду отмечать 50-летие нашего окончания Консерватории. Соберу за дружеским столом представителей поколения, которое уже является старшим. Это нынешние профессора, заслуженные и народные артисты России, маститые ученые. Все они закончили МГК в 1973 году. Мы по традиции собираемся раз в 10 лет, в нынешнем году соберемся уже в пятый раз.

– Какими достижениями на посту Консерватории Вы гордитесь?

– Мне радостно, что в годы моего ректорства удалось при поддержке государства осуществить масштабные ремонтные, реставрационные и строительные работы. Это относится к четырем концертным залам, учебным корпусам, строительству современного студенческого комплекса. Важным событием стало и создание единственного среди консерваторий России Попечительского Совета, в который недавно вошел и Exeed. Очень важно, что, невзирая на все сложности жизни, в Консерватории продолжали реализовываться разнообразные творческие проекты, в числе которых международные концерты, фестивали, публикация научных трудов. Особое внимание по традиции уделялось просветительству, ориентированному на разные слои нашего общества.

– Как бы Вы охарактеризовали свою работу?

– Если совсем кратко, то это – “non-stop”. В моей работе переплетены самые разные ректорские полномочия (административные, хозяйственные, финансовые), помимо собственной научной и педагогической работы к этому добавляется руководство Ученым советом и кафедрой теории музыки. Также я являюсь председателем Всероссийского Общества теории музыки, председателем Совета ректоров российских консерваторий и консерваторий стран СНГ, председателем Московского музыкального общества, президентом Всероссийского Общества интеллектуальной собственности.

– Из чего состоит Ваш день?

– У меня всегда бывает по часам и по минутам расписана каждая неделя. Что-то известно и планируется заранее – командировки, участие в научных конференциях, работа в жюри и оргкомитетах международных конкурсов и т.д. Но помимо этого есть много непредсказуемых проблем и поручений, которые мне нужно решать и выполнять самому. При этом моя педагогическая работа со студентами и аспирантами – в приоритете.

– В чем отличия работы ректором от работы на должности Министра культуры? Какая работа приносит/приносила Вам наибольшее удовлетворение?

– Здесь больше отличий, чем сходств. Я был министром культуры и массовых коммуникаций РФ. То есть взял на себя ответственность не только за то, в чем я ранее и хорошо разбирался (образование, наука, филармоническая деятельность), но и за новые области (СМИ, ТВ, радио, архивы, библиотеки, музеи, проблемы реституции, авторского и смежных прав и т.д.). Мне удалось сформировать команду профессионалов, на которых можно было положиться. Но ответственность за все лежала, конечно, на мне. После 4-х лет работы в Правительстве возвращение к ректорским обязанностям стало более осмысленным. Я не только знал изнутри консерваторскую жизнь, но и то, что на нее влияет извне.

– Есть ли у Вас мечта, связанная с работой в Консерватории, и если да, то какая?

– Сегодня моя мечта и задача – оправдать оказанное мне доверие коллектива. Жизнь в наши дни значительно усложнилась и нужно соответствовать возросшим требованиям к руководителю такого национального достояния как МГК. Это реально, если сильна команда единомышленников, что, к счастью, так и есть. 

– О чем мечтаете в целом?

– Целое – это «прочный тыл»: семья, дети и внуки, тепло домашнего очага. Мечтаю сохранить это и уметь защитить от любых превратностей судьбы. 

– Какие аспекты Вашей работы для Вас особенно важны и интересны, и почему?

– Особенно важными можно считать те аспекты работы, которые выходят на первый план по объективным причинам. И они все время разные. Нужно уметь переключаться на новый «рельеф», не теряя из виду и остальной «фон», где уже зреет очередная «доминанта», на которой вскоре предстоит сконцентрировать свое внимание. 

– Что для Вас значит фраза born for more (рожден для большего) – как в общем смысле, так и в отношении лично к Вам?

– Этот девиз Exeed я в полной мере отношу и к Консерватории, и к себе лично. А именно: достигнутый успех важен прежде всего как стимул в дальнейшем движении вперед. «Почивать на лаврах» – это значит отставать от жизни. Здесь вполне уместна метафора: «грести против течения». Если бросил весла – не задержишься на месте, неизбежно отнесет назад.

– Почему Московская консерватория, на Ваш взгляд, заключила партнерство с Exeed, что общее Вы видите у двух брендов?

– Это больше, чем партнерство. Партнеров у МГК очень много и все они по-своему важны. Но Exeed – это член Попечительского совета, в котором представлена элита бизнеса, науки, юриспруденции, медицины, политики и, конечно, культуры – как на российском, так и международном уровне. Бренд МГК созвучен бренду Exeed, а девиз born for more, как я уже сказал, нас роднит еще больше. 

– Каких достижений, по Вашему мнению, МГК имени Чайковского и Exeed могут достичь вместе в будущем?

– Перспективы несомненны. То, что происходит в МГК, наблюдает весь мир. В рейтингах последних лет МГК входит в десятку лучших вузов мира в сфере искусства. Поддержка Exeed в реализации наших международных проектов (фестивали, конкурсы, научные форумы, мастер-классы, гастроли коллективов МГК) – это плодотворное участие Exeed в жизни Консерватории, а в итоге – наш общий успех.

Собкор «РМ»

Фото Виталия Кривцова

№5 (1397), май 2023 года

18 апреля 2023 года в Конференц-зале МГК состоялась презентация книги «Стиль Рахманинова» – коллективной монографии кафедры истории русской музыки Московской консерватории, подготовленной к юбилею композитора.

С.В. Рахманинов – один из самых исполняемых композиторов как в России, так и за рубежом. Почти невозможно представить себе человека, который бы никогда не слышал его сочинений. Тем не менее, несмотря на популярность музыки композитора, ее мелодическую красоту и эмоциональную открытость, кажущуюся понятность, легкость для восприятия, задача вербализовать авторский стиль Рахманинова представляется весьма непростой, а многие особенности его музыкального языка остаются непроясненными. «Я никогда не делаю сознательных усилий во что бы то ни стало быть оригинальным», – говорил композитор. Но самобытность, неповторимое своеобразие его письма очевидны. В чем же заключается феномен стиля Рахманинова? Ответ на этот вопрос содержится на страницах книги – первого в русском музыкознании комплексного исследования, посвященного именно стилевым аспектам творчества композитора.

«Мы стремились создать целостную картину композиторского стиля, реконструировать и проследить его онтогенез», – отмечает заведующая кафедрой истории русской музыки, профессор И.А. Скворцова в предисловии к книге. В ее семи главах с разных сторон освещается специфика музыкального письма Рахманинова: претворение стиля модерн в его творчестве и эволюция авторского стиля; модели, на которые ориентировался композитор – их круг необычайно широк, от барокко до позднего романтизма; особенности формообразования и звуковысотной организации его произведений; идиостиль на примере фортепианных концертов; стилевые особенности духовных сочинений – соотношение в них степени следования принципам православного церковно–певческого канона и авторской свободы; проблемы стиля симфонических опусов.

Авторский коллектив монографии – доктора искусствоведения, профессора И.А. Скворцова, К.В. Зенкин, Т.А. Старостина, кандидаты искусствоведения, доценты Н.В. Гурьева, Н.Д. Свиридовская, Д.И. Топилин – обеспечили ее научную ценность. Но важно и превосходное художественное оформление, разработанное совместно художественным руководителем проекта И.А. Скворцовой, главным художником Консерватории С.А. Бароновым и редактором книги Н.В. Гурьевой. Каждая из глав открывается портретом композитора, а в центре монографии находятся цветные иллюстрации, изображающие Рахманинова в разных жизненных ситуациях: за корректурой своих сочинений и за рулем автомобиля, на репетициях и во время летнего отдыха в любимой Ивановке. Украшением книги явился портрет Рахманинова на обложке: проникновенный взгляд композитора будто бы приглашает к вдумчивому, серьезному чтению.

Настоящим праздником стала презентация монографии в Конференц–зале Консерватории. Открывая собрание, ректор, профессор А.С. Соколов подчеркнул значимость выхода книги в контексте юбилейных торжеств и заметил, что ее возникновение стало «подведением итогов очень большой предварительной работы, связанной с традициями науки Консерватории и ее кафедр». С видеопрезентацией книги выступила профессор Скворцова, указав в своем докладе на особое значение, которое в наше время приобретает творчество Рахманинова: «музыка Рахманинова своей человечной теплотой и чувственной эмоциональностью становится в высшей степени востребована». Сходную мысль высказал и профессор Зенкин, автор одной из глав книги: «Рахманинов оказался очень современным, теперь никому в голову не придет говорить, что он ретроград или эпигон». Отметил ученый и эстетизм ее оформления: по его словам, «это именно такая книга, которую хочется читать».

• 

• 

Уникальность исследования, в котором вопросы стиля Рахманинова занимают центральное место, подчеркнула его рецензент, профессор Н.И. Ефимова (Академия хорового искусства им. В.С. Попова): «Книга впервые поднимает емкий вопрос стиля Рахманинова и открывает широкие возможности для его дальнейшего углубленного изучения». Поддержали новое издание и другие выступавшие профессора: Н.И. Тарасевич,М.А. Сапонов, Е.Д. Кривицкая. А заведующий кафедрой хорового дирижирования, профессор Л.З. Конторович и ректор Академии хорового искусства им. В.С. Попова, профессор А.В. Соловьёв, неоднократно обращавшиеся к хоровым сочинениям композитора в своей дирижерской деятельности, указали на значимость книги не только для ученых-музыковедов, но и для практиков-исполнителей.

Конечно, презентация такого издания не могла обойтись без живого звучания музыки. В завершении вечера перед собравшимися выступил Молодежный хор Научно-творческого центра церковной музыки при кафедрах хорового дирижирования и истории русской музыки, который под управлением дирижера Вячеслава Половянова (солистка Алена Кузнечикова) вдохновенно исполнил фрагменты из «Всенощного бдения» и «Литургии Иоанна Златоуста». Был представлен и знаменитый «Вокализ» – квинтэссенция поэтической лирики Рахманинова. Звучание этой музыки в стенах родной композитору Московской консерватории подтвердило главную мысль большинства выступавших на презентации: ВРЕМЯ РАХМАНИНОВА ПРИШЛО.

Анна Горшкова, преподаватель кафедры истории русской музыки

Фото Дениса Рылова

Во внеконкурсной программе «Арт-кор» 45-го Московского международного кинофестиваля показали фильм «В поисках гармонии». Ленту снял музыковед и музыкальный критик Сергей Уваров на базе телевидения Московской консерватории, продюсерами выступили профессора Консерватории ректор А.С. Соколов и М.В. Карасёва. В центре внимания фильма – четыре композитора: Николай Попов, Александр Хубеев, Денис Писаревский и Ярослав Судзиловский.

«В поисках гармонии» – второй опыт Сергея Уварова в кино. Автор кандидатской диссертации о музыке в фильмах Александра Сокурова и преподаватель дисциплины «Музыка в кино», Уваров естественным образом перешел от теории к практике. И его предыдущая лента «Симфония органа», и новый фильм связаны с Московской консерваторией: оба фильма имеют документальную интонацию, но не наделены дидактической функцией. Таким образом, по жанру они приближаются к псевдодокументальному повествованию, о чем и предупредила продюсер фильма Марина Валериевна Карасёва в преддверии показа.

Фильмы в псевдодокументальном жанре интересны тем, что обычные вещи и события в них могут свободно наделяться иными смыслами. Иногда режиссеры используют это, чтобы создать фильм-притчу. Как и в любой притче, за пределами того, что возможно осознать, остаются послания, не претендующие на дословную расшифровку, однако претендующие на работу чувства (возможно, шестого). В фильме «В поисках гармонии» деятельность этого чувства интенсивна, ведь на языке притчи «гармония» – это не только духовная и музыкальная стройность, а смысл вообще, смысл, познаваемый сердцем, а не умом.

На экране зритель видит композиторов кардинально разных эстетик и взглядов на устройство мира. До последнего момента каждый из них будет существовать в собственном «вакууме» – не только музыкальном, но и в архитектурно-пространственном. Николай Попов демонстрирует чудеса электроники в Центре электроакустической музыки МГК, Александр Хубеев обитает на сцене Большого зала в компании пластиковых пятилитровых бутылок и ведер, необходимых для исполнения пьесы «Остров Возрождения»», Денис Писаревскийне отходит от органа в Римско-католическом кафедральном соборе на Малой Грузинской, а Ярослав Судзиловскийчередует композиторскую работу за столом с прогулками в огороде. В одиноком созидании проходит утро, день, вечер и ночь (так же называются и четыре эпизода фильма), и вдруг композиторы попадают в общий вакуум – пространство диалоговых окон Zoom.

О чем, казалось бы, им, таким разным, говорить? Если о земном, то, действительно – не о чем. Но герои вспоминают трагически ушедшего коллегу Георгия Дорохова, одного из ведущих композиторов начала 2000-х годов, и разговор перетекает в трансцендентное русло… Фильм сопровождает закадровый голос Игумена Фотия.Чем обусловлен подобный выбор, режиссер намекает в финальной сцене, описывать которую было бы несправедливо по отношению к будущим зрителям. Однако трактуя фильм как притчу, наблюдая за жизнью композиторов и прослеживая судьбу тех, кто уже ушел, кажется, что миссией по поиску гармонии наделены самые неподходящие для этого люди – уязвимые и мятущиеся, в самом деле не обладающие ничем, кроме того, что нельзя даже потрогать – их музыки.

Ленту «В поисках гармони» ждет судьба фестивального кино, а в свободном доступен она появится в онлайн-кинотеатре Okko. Те же зрители, что присутствовали на показе, восприняли увиденное по-настоящему неравнодушно. И хотя лента скроена постмодернистски и изобилует киноцитатами (от «Прибытия поезда» Люмьер до «Соляриса» Тарковского), визуальными и вербальными арками, все внимание публики сосредоточилось на музыке.

Во время публичного обсуждения после показа звучали разные отзывы: кто-то услышал авангардные произведения впервые и благодарил за необычный опыт, кто-то интересовался процессом сочинения, а кто-то высказал мысль об опасности сакрализации музыки – особенно авангардной, рискующей еще много лет оставаться тем самым «необычном опытом» для подавляющего большинства слушателей, если не вести дискуссии о социальном контексте, в котором она родилась. И только киновед Наум Клейман, зажатый разгоряченной консерваторской публикой, спокойно улыбался, словно процесс поиска гармонии в его случае уже увенчался успехом…

Мария Невидимова, редактор газет МГК

№5 (1397), май 2023 года

12 апреля профессор Владимир Михайлович Иванов, народный артист России, известный музыкант и педагог, заведующий кафедрой скрипки и декан Оркестрового факультета Московской консерватории отпраздновал свой 75-летний юбилей. Корреспондентка нашей газеты побеседовала с именитым профессором.

– Владимир Михайлович, как Вы пришли в музыку?

– Достаточно просто. У меня мама – музыкант. Работала пианисткой в институте имени Гнесиных концертмейстером у вокалистов, а также преподавала в Гнесинской семилетке. Дома с колыбели слышал музыку: певцы приходили домой заниматься, пели различные арии. Когда начал ходить, уже многое из вокального репертуара мог спеть, многое нравилось. Слух абсолютный сам собой проявился.

Мне было не больше 5 лет, когда я посетил первый инструментальный концерт – в Гнесинском зале на скрипке играл Виктор Пикайзен. Концерт произвел на меня огромное впечатление. Я начал имитировать игру на скрипке: подбирал палки, водил одной по другой. В 6 лет пришел в Гнесинскую десятилетку на прослушивание. Проверили ритм, слух, попросили спеть песенку. Я сказал, что хочу спеть арию Канио – могу на русском и на итальянском. Вызвал всеобщее удивление. Моментально зачислили в «подготовишку». Инструмент выбрал сам – очень попросил, чтобы была скрипочка.

– Очень интересно услышать о Ваших педагогах…

– Первый педагог – Владимир Миронович Вульфман, преподавал в «Гнесинке» – школе и институте. Замечательный человек и музыкант, ученик Жака Тибо. Начинал я у него, 4 года проучился в Гнесинской десятилетке. Одним из друзей Вульфмана был Юрий Исаевич Янкелевич, я ему очень нравился своей детской непосредственностью и природной постановкой рук. Через 4 года Вульфман уехал в Мексику и открыл там музыкальную школу, которая существует и в наши дни и носит его имя. О сроках его возвращения информации не было, и Юрий Исаевич перевел меня к себе в ЦМШ.

Там была особая обстановка, и это производило огромное впечатление, было другое отношение к гаммам и упражнениям. «Коридорные скрипачи» соревновались друг с другом в игре гамм, арпеджио, двойных нот на спор – с любой ноты, с любой позиции, в любой тональности, виртуозно – так, что «дым шел»! Сейчас этого не наблюдается, и мы видим, что даже из спецшкол многие приходят с большим отставанием в плане техники.

Проучился я в ЦМШ не долго. В середине 8 класса исключили из школы «за поведение», как говорят: «попал под раздачу». Я был учеником, которому было скучно учиться по общеобразовательным предметам – они давались мне очень легко, и я был очень активным мальчиком – на уроках получал замечания, бывало, что выгоняли из класса. Но вредительством я никогда не занимался, а про тех, кто ломал имущество, я знал, но не продал.

Обратно в ЦМШ я уже не вернулся, хотя потом хотели восстановить. Меня моментально «подхватила» директор училища при Консерватории Лариса Леонидовна Артынова, и я остался в «Мерзляковке» официально у Майи Самуиловны Глезаровой, которая была ассистентом Ю.И. Янкелевича. У нее я закончил училище, потом вернулся к Юрию Исаевичу Янкелевичу в Консерваторию и аспирантуру. Он очень рано ушел из жизни – в 64 года, скончался во время операции. Огромная трагедия, величайший был педагог, который вырастил огромную плеяду талантливых скрипачей.

– А когда Вы начали концертировать?

– Концертировать начал рано, еще обучаясь в училище, ездил по стране с небольшими концертными программами. Впервые вышел на сцену БЗК с оркестром в 1966 году, в рамках цикла концертов, посвященных 100-летию Московской консерватории. Очень памятное событие, фотография с этого концерта до сих пор висит в нашем училище. Исполнял «Венгерские напевы» Андрея Эшпая со студенческим оркестром под управлением И.А. Аркина. Произведение посвящено Эдуарду Грачу, первым исполнителем был он, а вслед за ним был я.

Еще до того, как получил первую премию на конкурсе Баха, много выступал с концертами в Союзе и за рубежом. Активно работал как солист. А в конце 1975 года профессор Т.А. Гайдамович пригласила меня заменить скрипача в Московском трио. Там в первоначальном составе были: пианист – Александр Бондурянский, виолончелист – Мирон Ямпольский, скрипач – Михаил Безверхний (кстати, тоже ученик Ю.И. Янкелевича). Постепенно виолончелиста заменил Михаил Уткин, потом я заменил М. Безверхнего. Первый концерт со мной состоялся в начале 1976 года, и с этого времени состав уже не менялся. Кстати, Московское трио занесено в Книгу рекордов России, как самый долговечный ансамбль в едином составе.

– В чем секрет такого долголетия? 

– В камерном музицировании из трех разных инструментов нужно создавать четвертый. Если удается – это уже не три разных человека, а единый организм. Просто не всегда и не всем это удается.

– Какой исполнительский репертуар Вам ближе и почему?

– Ближе то, что исполняешь в данный момент. Так должно быть. Хотя, конечно, я в душе романтик. Исполнению нужно отдаваться полностью. Когда музыкант выходит к публике, ему должно быть, что сказать, что ей отдать. Тогда тебя оценят, тебя поймут и тебе поверят. Знаю достаточно много и о европейских традициях исполнения барочной музыки, с которой мы сталкиваемся буквально каждый день. Со своими учениками стараюсь много внимания уделять не только Баху, но и всей эпохе. Современная же музыка – не вся близка, хотя в репертуаре много шедевров ХХ века.  В ХХI веке шедевров… не густо.

– А как Вы пришли в педагогику?

– Я давно преподаю в Консерватории, с 1974 года. Начал преподавать сразу после окончанияассистентуры-стажировки. Сначала на кафедре истории и теории исполнительского искусства, также занимался квартетом, помогал Д.В. Шебалину. В полной мере совмещать исполнительскую и педагогическую деятельность было довольно сложно. Первые годы моя основная работа была в Москонцерте и Московской филармонии, а в Консерватории – на полставки. Концертов, гастролей по всему миру было очень много.

После распада СССР в 1991 году постепенно гастрольные планы у всех значительно уменьшились. Ссокращением концертного графика я перешел на основную работу в МГК, получил специальный класс скрипки и начал активно заниматься педагогической деятельностью, которая бурно развивалось, и со временем мой класс стал одним  из самых сильных в Консерватории.

Помимо консерватории преподаю еще в «Мерзляковке». Большим подспорьем является то, что моя супруга – Алена Чверток, ныне тоже профессор Консерватории, очень мне помогает. Она очень хороший специалист, талантливый человек и замечательный методист, известный на всю страну и не только. Она еще работает в ЦМШ. У нас практически общий класс. Она занимается с моими учениками, а я – с ее. Среднее звено у нас охвачено, готовим студентов в Консерваторию.

– Как Вы оцениваете современное музыкальное образование? Есть ли отличие от музыкального образования, существовавшего в начале Вашей педагогической деятельности?

– Раньше существовало государственное распределение, которое было обязательным. Многие известные исполнители проводили минимум 2–3 года в регионах и передавали подрастающему поколению свое мастерство, опыт, видение, школу. С исчезновением СССР исчезло распределение, и плоды этого мы на себе ощущаем все больше. А в регионах последние 20–30  лет происходит полное увядание профессионального подхода к обучению.Уровень всегда виден по поступающим абитуриентам. Конечно, каждый год есть талантливые «звездочки», ноименно общий уровень все больше снижается. На нашем оркестровом факультете 70–80 % студентов – иногородние. Это хорошо. Но из них к себе домой после обучения не возвращается практически никто. Все оседают в Москве, и это приводит к тому, что общий уровень в регионах падает.

Сейчас у обучающихся отмечается очень большое отставание именно техническое. И, если левые руки, бывает, развиты достаточно неплохо, хотя у большинства – серьезные проблемы с интонацией, то правые руки корявые почти у всех! А это и владение смычком, штрихами, и звукоизвлечение. Мало кто имеет об этом представление. Это заметно, отставание очень серьезное. Я много езжу по стране, сейчас это в основном мастер-классы и конкурсы, и я вижу, что происходит. Если педагог сам никогда не мог это сделать, как он может этому научить! Основная проблема – отсутствие квалифицированных педагогов. В стране их остались единицы, и это в основном специалисты преклонного возраста.

– Можно ли что-то сделать, чтобы улучшить ситуацию?

– Последние годы нас загоняли в рамки, не свойственные творческому развитию, они продолжаются отчасти до сих пор. Хотя некоторые сдвиги намечаются – например, отказ от Болонской системы. Бакалавриат не предполагает появление специалистов ни в какой области. Многие с большим энтузиазмом отнеслись к этой системе, стали безоговорочно ее внедрять. Противостояли только мы и питерцы, и мы выдержали, хотя давление было очень серьезным. 

Творческие вузы нужно убрать из подчинения Министерству науки и образования и оставить только в ведении Министерства культуры, как, кстати, когда-то и было. Министерство образования, к сожалению, не понимает специфику творческих вузов. Знаю, что у нашего президента есть понимание этой проблемы, но решить задачу непросто, в том числе с экономической точки зрения. 

– Возвращаясь к теме молодого поколения: какие навыки необходимы молодому музыканту, чтобы стать успешным?

– Я считаю, что нужна рациональность. Она заключается в умении владеть временем. Очень многое необходимо знать, интересоваться всем на свете. Не зацикливаться только на своих упражнениях, расширять кругозор. Чем больше будут успевать делать, тем выше будет результат, и никогда не будет скучно. Должен быть охват знаний, не обязательно глубокий во всех областях, но разбираться нужно очень во многом. И активно отдыхать. Надо уметь и успевать – в этом и заключается рациональность. А если человек способный, он обычно способен во многих видах деятельности. И еще: необходимо много читать художественной литературы, а то у нас наблюдается большое количество недостаточно грамотных молодых людей. Причем все, о чем я говорю, должно происходить в юном возрасте, потому что потом на это будет гораздо меньше времени, будут другие дела и заботы. 

– Как Вы относитесь к конкурсам? Нужны ли они музыканту?

– Наша профессия – артистическая, поэтому, как возможность выходить и играть перед людьми, конкурсы – это хороший вариант. Мы играем не для себя, а для людей, и с точки зрения приобретения концертного опыта это необходимо.

Но то, что у нас сейчас происходит с детскими и юношескими конкурсами, «не есть хорошо». Они проводятся практически «на каждом углу» и каждую неделю, в таких конкурсах толком нет программных требований. Еще система так устроена, что подобные конкурсы нужны педагогам школ: благодарности педагогам за подготовку лауреатов помогают благополучно пройти очередную аттестацию, что, конечно же, является для них хорошей мотивацией. К таким конкурсам у меня отношение крайне отрицательное!

Бывает, на мастер-классы приходят ученики, которые играть вообще не умеют, но за последний год имеют 10–15 наград – первые места и гран-при. Конкурсы не должны быть раздачей дипломов за деньги, где дают бесконечное количество призовых мест. Такие конкурсы портят и губят музыкантов. Программа должна состоять не из двух пьесок по пять минут, а из двух-трех туров с серьезными требованиями, финал желательно с оркестром. И вообще конкурсов не должно быть много. На конкурсе должны быть премии, участники должны понимать, за что они борются.

– Как Вам видится будущее академической музыки?

– Надеюсь, что академическая музыка останется. Что-то же должно воспитывать в людях эстетические и нравственные критерии! Музыка продолжает существовать за счет того, что в нее вкладывается индивидуальность. Поэтому мы и слушаем живое исполнение – мы получаем какие-то ощущения, опыт, пусть даже опыт восприятия. У каждого исполнителя и каждый раз это все происходит немножко по-разному. Иначе нет смысла в существовании музыки.

– Владимир Михайлович, в Консерватории Ваш юбилей был особенным, было много концертов. Как они прошли?

– Юбилейные празднества совпали с классным и кафедральным концертами, скрипичным гала-концертом и выступлением лауреатов международного конкурса «ДеМЮКС», председателем жюри которого я являюсь уже много лет. Мы решили объединить серию апрельских концертов в фестиваль. В результате получился очень хороший фестиваль из пяти концертов, посвященный моему юбилею. Большой зал был полон, остальные концерты в Малом зале также были аншлаговыми. Заключительный концерт фестиваля 18 апреля, где играли мои воспитанники разных лет, был просто шикарный!

– Дорогой Владимир Михайлович, от лица всех читателей газеты «Российский музыкант» поздравляю Вас с юбилеем! Мы все желаем Вам здоровья, яркой творческой жизни и хороших учеников! Многая лета!

Беседовала Марина Шиганова,выпускница ассистентуры-стажировки МГК

Фото Дениса Рылова

№5 (1397), май 2023 года

Ансамбль солистов «Студия новой музыки» под управлением дирижера Игоря Дронова исполнил концерт к 100-летию со дня рождения (28 мая) классика венгерского авангарда Дьёрдя Лигети. Концерт в Рахманиновском зале Московской консерватории вызвал большой интерес у широкой аудитории, к нему также была приурочена научная конференция. Оба мероприятия прошли под общим названием «Четыре времени Дьёрдя Лигети».

Когда говорят о Лигети, то подавляющему большинству культурной публики приходит на ум «Космическая одиссея» Кубрика, где звучит его музыка. И действительно, что может быть эффектнее звуковых облаков, сопровождающих космические пейзажи. Лигети изобрел прославившую его манеру письма, называемую сонористикой, в начале шестидесятых. Сам он называл ее микрополифонией, в которой отдельные множественные голоса сливаются в единую звуковую массу, образуя микроканоны, исполняемые часто десятками инструментов и создающие инопланетную гармонию. Таков Лигети в нашем обычном сознании. Но на самом деле Лигети на протяжении своего творческого пути менял манеру письма, подобно Стравинскому, радикальным образом.

Концерт к 100-летию со дня рождения композитора демонстрировал все его типы письма, манифестированные в знаменитом рисунке Лигети – от неофольклоризма до постмодерна. Поэтому и конференция, и концерт были названы «Четыре времени Дьёрдя Лигети». Эта изменчивость и, в то же время, единство его стиля были главной проблемой, обсуждавшейся на конференции, предшествовавшей концерту. В ней приняли участие музыковеды из разных стран (Россия, Италия, Израиль), предлагавшие свои трактовки творчества Лигети.

Открыли концерт Шесть багателей для духового квинтета. Здесь Лигети отдает дань своему первому, неофольклоному стилю, идущему от Бартока, у которого Лигети мечтал учиться, для чего он в 1941 году бежал через румынскую границу в Будапешт. Шли военные годы, Холокост унес почти всех его родственников, остававшихся в Румынии. Но Барток, в 1940 году эмигрировавший в США, не приехал и после окончания войны. Он скончался в Америке в сентябре 1945 года. Одна из «Багателей» посвящена его памяти.

Послушав эти пьесы и зная о том, что Лигети писал в 1970–80-е годы (после оперы «Великий Мертвиарх»), слушатели могли себе ясно представить мост, перекинутый из его неофольклорного периода в постмодернистский. Яркий образец постмодернистского периода – «Венгерский рок» для клавесина, исполненный Моной Хаба. Он написан в жанре пассакальи, однако пропущенной через призму массовой венгерской музыки. Кажется, пьеса собрала все штампы «венгерскости», но при этом не манифестирует, а уничтожает ностальгию по родине.

Лигети покинул Венгрию после восстания 1956 года (вновь бегство) и попал в Кёльн, где ему открылся способ сонористического письма после ряда психоакустических экспериментов. Что получилось у Лигети, мы слышим в его эталонных вещах, прозвучавших на концерте в Рахманиновском зале. Это, в первую очередь, Камерный концерт, редко исполняемый в России, Второй струнный квартет и Continuum для клавесина. Даже в камерном жанре письмо Лигети сонористического периода впечатляет. Звуковые массы, в которых не различить инструментальные голоса, наполняли все пространство Рахманиновского зала, производя ровно тот же эффект, что и огромные оркестровые массы «Атмосфер», «Лонтано». 

Поздний период творчества Лигети хорошо прослушивался в двух этюдах для фортепиано, блестяще исполненных Наталией Черкасовой. Один этюд – нежное перебирание белых клавиш инструмента, сменяемое «вихрем белого снега». Второй навеян ритмами Африки, которыми композитор увлекался и для которых создал особый прием исполнения: закрытие определенных клавиш рукой и игра по клавишам, оставшимися свободными. 

Слушатели, собравшиеся в довольно большом количестве в этот вечер в зале, восторженно принимали музыку Лигети. Ведь музыкальный мир, во всяком случае, сонористического периода, плохо себя чувствует в записи. И нельзя было не воспользоваться редким случаем исполнения ключевых камерных сочинений Дьёрдя Лигети!

Фёдор Софронов,старший научный сотрудник НТЦ современной музыки

№5 (1397), май 2023 года

Если говорить языком символов, то число 8 – это символ бесконечности, совершенства и жизненной энергии. Именно кипучая жизненная энергия и высокий уровень профессионализма являются ключевыми качествами консерваторского детского мультимедийного лектория «Большая музыка для маленьких». В этом году завершился уже 8-й сезон этого проекта, что говорит о неизменной любви к нему слушателей – как маленьких, так и больших. 

Ради интереса обратимся к нумерологии. Не думаю, что уважаемый читатель встретит на страницах нашей почтенной музыкальной газеты иное упоминание о данной науке, поэтому автор позволила себе некоторую вольность, дабы развлечь любого, чей взор милостиво пробежится по этой статье. Итак, если мы все же обратимся к нумерологии, то увидим, что восьмерка еще в Древнем Египте считалась символом всемирного баланса, а в Древнем Китае даже стороны света делились на 8 частей. К чему бы это все? А вот к чему: раз уж древние настолько полагались на это число и его достоинства, не поискать ли нам его и в современности? Вот тут и начинается самое интересное: «Большую музыку», созданную под руководством Ксении Бондурянской, можно «разъять» ровно на 8 составляющих:

1. музыка – живое исполнение музыкальных произведений, которое неизменно составляет основу каждого концерта;

2. изобразительное искусство (картины и иллюстрации) и 

3. кинематограф (анимация, фрагменты [мульт]фильмов) – вместе они составляют мультимедийную сторону проекта, представляя собой по большей части развлекательный контент;

4. ораторское искусство – речь ведущего, рассказывающего историю той или иной музыкальной эпохи, композитора или его произведения;

5. танец – компонент программ, связанных с танцевальной музыкой;

6. актерское искусство – компонент программ, включающих чтение фрагментов литературных произведений профессиональным актером;

7. иммерсивность – важное качество проекта, дающее детям возможность стать соисполнителями музыкальных сочинений (с помощью шумовых инструментов, пения хором) или даже покинуть свои кресла и разучить некоторые танцевальные движения с профессиональным танцором;

8. диалог – прямое взаимодействие ведущего со слушателями в форме опроса (выражение мнения или же ответ на поставленный вопрос).

Восьмой сезон «Большой музыки» успешно сочетает все эти компоненты, создавая органичный и завораживающий синтез различных искусств внутри каждого концерта. Среди находок этого сезона отмечу новые программы: к ним относится «Музыкальное сочинение о летних каникулах», изюминку которой составляет чтение актером юмористических рассказов таких авторов, как М. Зощенко, В. Голявкин, Н. Носов и В. Драгунский. Наблюдать за тем, с каким живым интересом дети ловят каждое слово рассказчика, как заливисто они хохочут над проделками своих советских сверстников – это отдельное удовольствие. Не меньшее наслаждение получают и их родители: то тут, то там раздается в зале смешок взрослого, который тоже невольно вспоминает свое детство, отдавая должное мастерству рассказчика. 

Еще одна новая программа этого сезона предложила своим слушателям совершенно иной формат встречи, на который намекает само ее название: «Вы поедете на бал?». Иммерсивная форма концерта, участие в которой поощряет детей прийти в бальных костюмах, представляет собой уникальный экскурс в историю танца: от старинного менуэта до фокстрота ХХ века, где танцмейстер дает всем желающим уроки танцев. 

Команда «Большой музыки» продолжает и обновляет уже имеющуюся серию встреч, посвященных оркестровым инструментам. Так, в новом сезоне впервые были представлены медные духовые инструменты: их история, особенности звучания, а также произведения, написанные специально для них. Говоря об оркестре и продолжении традиций, отмечу также программу «Музыкальный зоопарк»: за всю историю проекта здесь впервые прозвучал «Карнавал животных» Сен-Санса в оркестровом исполнении, а красочности музыке добавили стихотворения Олега Сердобольского, написанные специально для этого цикла пьес.

В этом сезоне команда «Большой музыки» также провела ряд «выездных сессий», став частью проекта «Классика в школе». Выступления прошли на двух площадках: в Доме культуры «Горки-10» и в Культурно-досуговом центре имени И.Д. Кобзона. Всего таких встреч было восемь. Случайно ли это? В любом случае, автор искренне верит, что магия этого числа обеспечит проекту творческое долголетие и продолжит помогать его создателям продолжать свое великое дело – знакомить детей с Прекрасным и прививать им вкус к хорошей музыке. В конце концов, как говорил один из главных героев мультфильма «История игрушек»: «Бесконечность – не предел!..».

Маргарита Попова, редактор Отдела фестивалей,  конкурсов и специальных мероприятий

Фото Эмиля Матвеева

№4 (1396), апрель 2023 года

В концертном зале Культурного центра «Минин-хор», особняке конца XIX века, некогда принадлежавшего звезде немого кино Вере Холодной, 22 марта состоялась презентация юбилейного выпуска старейшего музыкального журнала страны – «Музыкальная Академия». 90-летие журнала сопровождало громкое событие – мировая премьера доселе неизвестного «Торжественного марша Шамиля» М.П. Мусоргского.

«Марш Шамиля» Мусоргский сочинил в 1859 году. Ранее часть этого хора считалась утерянной, а в 2021 году в Российской национальной библиотеке музыковед, научный сотрудник Государственного института искусствознания Василиса Александрова обнаружила полную рукописную копию «Марша Шамиля». Сенсационная находка послужила поводом к научной статье, открывшей юбилейный, 780-й выпуск «Музыкальной Академии». Над ней работали сразу три исследователя творчества Мусоргского – Е. Левашев, В. Александрова и Н. Тетерина. К выпуску – он уже имеется в продаже – приложена хоровая партитура «Марша», отредактированная Н. Тетериной, а также компакт-диск и цифровой альбом, выпущенные в партнерстве с Союзом композиторов России и фирмой «Мелодия».

Мусоргский посвятил «Марш Шамиля» А.П. Арсеньеву, которого в балакиревском кружке ласково называли «Мустафой», «Сарфокузан» за его интерес к исламу и арабскому языку. Кавказский воин имам Шамиль в то время был известен по всей России. В 1859 году, в конце длительной Кавказской войны против Российской империи, он был пленен, помилован, позднее возведен в потомственное дворянство и даже отпущен в Мекку совершить хадж, где и скончался (похоронен в Медине). Столь яркая самобытная фигура как Шамиль, который, будучи врагом, вызывал неподдельное любопытство, а в некоторых кругах вовсе считался народным героем, оказался воспет художниками, поэтами. Лев Толстой упомянул его в рассказе «Рубка леса» и в поздней повести «Хаджи-Мурат». Не остался в стороне от кавказской темы и Мусоргский.

Празднование началось приветственным словом Ярослава Тимофеева – главного редактора журнала «Музыкальная Академия». Затем выступили авторы статьи о «Марше» Мусоргского Н. Тетерина и В. Александрова. А шеф-редактор издательства «Композитор» Петр Поспелов поведал краткую, но очень остроумную историю сотрудничества издательства и журнала, а также историю публикации партитуры.

Последнее сочинение еще в конце 1970-х – начале 1980-х годов Гаврилин создал специально для камерного хора и посвятил его хормейстеру В.Н. Минину. Солистами выступили: Татьяна Земляная, Юлия Золотарева, Татьяна Метлина, Светлана Николаева, Маргарита Петухова, Ольга Федорещенко, Алена Шебалина, Александр Белецкий, Андрей Иванов, Григорий Медведь, Семен Мусатов. За роялем была Елена Ильина. Музыканты исполняли произведения с большим вдохновением и воодушевлением, что естественно передалось слушателям. Поразило и мастерство общения с хором молодого дирижера Тимофея Гольберга.

Неожиданным окончанием премьерного вечера стало повторное звучание «Марша Шамиля». Я. Тимофеев, подчеркнув, что «Марш» стал еще одной (после «Перезвонов») «визитной карточкой» хора, высказался по этому поводу: «В начале XX века была прекрасная традиция: когда композитор-авангардист сам дирижировал премьерой своего сочинения и чувствовал, что публика ничего не поняла, он брал и дирижировал это сочинение снова, второй раз. Я не сомневаюсь в том, что вы все поняли, но мы хотим эту традицию возобновить».

Официальная и концертная часть юбилея плавно перешла в приятную душевную атмосферу торжества, где каждому предлагался бокал шампанского, а также дружеское общение и обмен впечатлениями. Трансляцию, а теперь и запись, можно посмотреть на YouTube-канале, а также в группе VK Союза композиторов России и «Музыкальной Академии».

Софья Игнатенко, студентка НКФ, музыковедение

Фото Анны Бобрик

№4 (1396), апрель 2023 года

В Рахманиновском зале Московской консерватории состоялось интересное событие – концерт Центра электроакустической музыки «Музыка машин» и сопровождавшая его выставка в новом АРТ-пространстве Консерватории. Уникальность этого проекта заключалась в его акценте на взаимодействии искусства и технологий.

В программе концерта «Музыка машин», который прошел 1 марта, были представлены как произведения современных композиторов, так и переосмысленные конструктивистские опусы отечественных композиторов начала XX века. Каждый номер программы сопровождался светом и видеоинсталляциями, которые по-своему преображали пространство Рахманиновского зала.

Для создания звука в концерте использовались самые разнообразные музыкальные инструменты: от традиционных до различных электронных устройств. Так в пьесе «Ноктюрн» Матьяжа Веттля звук был сконструирован исключительно с помощью переключения выключателей настольных ламп. Яркой частью программы стали композиции Владимира Дешевова, Сергея Прокофьева и Александра Мосолова зазвучавшие по-новому в обработке Александра Хубеева и Николая Попова.

Концерт «Музыка машин» еще раз наглядно показал, как использование технологий может стать инструментом для создания новых форм музыкального искусства. Он также послужил настоящим открытием для тех зрителей, которые ранее не имели возможности познакомиться с современной академической музыкой.

• 

• 

Параллельно концерту в тот же день в новом Арт-пространстве Московской консерватории открылась необычная выставка, подготовленная Центром электроакустической музыки (ЦЭАМ) и художником Давидом Ру при поддержке автомобильного бренда EXEED. Оригинальная экспозиция, наполненная интереснейшими инсталляциями, картинами и световым оформлением погрузила всех присутствующих в самую суть события.

Этот проект оказался особенным и, несомненно, успешным благодаря сотрудничеству Московской консерватории и автомобильного бренда EXEED. Организаторы и кураторы создали по-настоящему уникальное и запоминающиеся событие. 

Николай Дуденков, студент НКФ, композитор

Фото Дениса Рылова

№4 (1396), апрель 2023 года

«Музыкальная жизнь» — ведущий журнал об академической музыке в России, ежемесячно освещающий всю палитру музыкальных событий страны и мира, точно и взвешенно оценивающий происходящее. За свою более чем полувековую историю ему неизменно удается сохранять актуальность и постоянно развиваться. Об его основополагающих чертах, успехах и новых тенденциях наш корреспондент поговорил с главным редактором журнала Е.Д. Кривицкой.

В целом, мы ведем насыщенную текущую жизнь. Сейчас сложилась такая ситуация, когда многие СМИ закрывают свои бумажные версии, остаются только в электронном формате. Мы, несмотря на все катаклизмы, стараемся и удержать нашу традиционную бумажную версию, и двигаться в ногу со временем, используя все средства новых медиа: у нас есть соцсети, телеграм-канал, сайт, количество материала на котором превышает часто объем бумажного выпуска. В последний входит только все самое важное, интересное и качественно написанное из множества освещаемых событий.

– Вы работаете главным редактором журнала с 2012 года, и в прошлом году у Вас тоже был юбилей – 10 лет в этой должности?

– Можно и так сказать. Я не фокусировала на этом внимание, хотя это серьезная страница в моей творческой биографии, очень ответственный период, учитывая статусность журнала… Мне нравится работать в этом журнале – в нем много пространства для творчества, а для меня это очень важно.

– В журнале достижим больший творческий простор, чем в газете?

– Конечно. Ведь журнал и газета – это совершенно разная специфика, разное наполнение материалами, разный ритм их появления и жанровая палитра. Не забудем, что журнал полностью посвящен музыкальной культуре. В то же время во многих федеральных газетах просто закрыты отделы культуры, и, в частности, академическая музыка исчезает из пространства внимания читателя. Мне кажется, это очень плохо, потому что наша музыкальная культура находится на большом подъеме, и важно отслеживать интересные и значимые события, информировать читателей о них. В данном случае журнал предоставляет максимальную возможность для личного высказывания.

– А как Вы пришли на должность главного редактора?

– Мне кажется, что я начала сотрудничать с журналом примерно в 2000 году. Пришла просто как молодой автор, которому давали определенные задания. Это не была моя штатная работа, но у меня было активное желание освоить новую для себя профессию. Главным редактором на тот момент был Яков Платек – известный журналист и музыкальный писатель. Он давал мне различные творческие задания. Одним из первых было интервью с Владимиром Спиваковым: где-то у меня до сих пор хранится листочек со списком вопросов, которые тогдашний главред рекомендовал задать артисту. Старшие товарищи всегда направляли меня, что очень важно. В журнале я занималась и переводами с иностранных языков различных архивных материалов. Потом я довольно долгое время вела рубрику «Концертная афиша», став преемницей Артема Варгафтика. Вообще «Музыкальная жизнь» была трамплином для многих журналистов, музыковедов и критиков, которые здесь начинали свою деятельность, а после уходили в другую сферу — например, А. Варгафтик стал радио- и тележурналистом, ведущим. Таким образом, мое вхождение в журнал было постепенным: я прошла все стадии от начинающего неопытного автора до журналиста, пишущего на разные темы, и затем – до руководителя.

– Когда Вы уже стали руководителем, была ли задача реформировать журнал?

– Это происходило в несколько этапов. В начале передо мной стояла задача поднять уровень публикуемых материалов, в частности, избегать текстов справочного характера: анонсов, пресс-релизов, а также привлечь ведущих критиков, которые могли бы украсить собой наше издание. Так и произошло, и мне приятно, что благодаря этой деятельности в 2015 году мы получили премию «Резонанс», которую тогда впервые проводил Дягилевский фестиваль для журналистов. Там нас отметили в категории «лучшее СМИ, пишущее об академической музыке».

Также я считаю, что журналу очень повезло, когда в 2017 году в Союз композиторов России, который является одним из учредителей журнала, пришла новая команда во главе с генеральным директором Кариной Абрамян. Благодаря ее идеям удалось сделать «апгрейд» полиграфии, макета, оформления журнала, придумать новые рубрики, расширить штат авторов, с которыми мы сотрудничаем. Причем мы стараемся привлекать не только мэтров, но и молодых журналистов, в том числе музыковедов из Московской консерватории. Мне особенно приятно, что некоторые студенты, с которыми я общаюсь как педагог, затем приходят в журнал как мои молодые коллеги.

Также мы в этом году уже четвертый раз будем проводить проект «Журналистские читки», который направлен на обмен опытом, знаниями и взглядами на профессию с молодыми журналистами. Этот всероссийский проект представляет собой трехдневный семинар, в процессе которого я и мои коллеги читают лекции и, что важно, подробно разбирают тексты рецензий и интервью, чтобы дать представление о требованиях современной журналистики.

– Какой у Вас любимый публицистический жанр?

– Мне нравятся все жанры. Потому что в интервью ты беседуешь с человеком, обмениваешься мыслями. Иногда бывают совершенно потрясающие собеседники, а иногда разговор с тобой может повлиять на мнение самого артиста, даже дать ему творческий импульс. В рецензии я высказываю оценку события не для артистов, а для читателя. Вообще задача журналиста формировать вкус публики. Но при этом я понимаю, что и артисты наверняка будут читать мои статьи, в связи с чем нужно быть максимально корректной. Каждый артист стремится выступить наилучшим образом, но бывает, что-то не получилось по независящим от него обстоятельствам либо была неудачно выбрана программа… Поэтому здесь важно соблюсти меру в оценках. В целом, в своей творческой жизни я старалась освоить всю палитру публицистических жанров: от новостной заметки до некролога.

– Есть ли существенные отличия иностранной музыкальной критики от критики российского сегмента?

– Наш журнал – критико-публицистический. Мы не пишем, строго говоря, научных анализов. Но пытаемся совместить глубину оценки с доступностью ее выражения. Это не значит, что мы будем тотально избегать музыкальных терминов, как это требуется в обычных газетах. Но, тем не менее, это всегда будет некое личное высказывание, а не диссертационный текст. В зарубежной критике, на мой взгляд, существует специфический стиль, который особенно понимаешь, когда начинаешь переводить рецензии. Там встречаются загадочные выражения вроде «бескомпромиссная игра», или «сверкающая медь» – броские слова, которые ничего за собой не несут. Я сторонник того, чтобы любой красивый литературный текст содержал профессиональную аргументацию. Еще мне кажется, что для русской критики со времен Стасова, Асафьева, особенно важен просветительский момент. Поэтому мы сейчас много времени уделяем современным, молодым композиторам, а не только классикам: необходимо отследить процесс того, как начинающие авторы становятся зрелыми мастерами. Мы можем общаться с ними и обсуждать их музыку – а это бесценная возможность, которую не стоит упускать.

– Какова основная специфика «Музыкальной жизни» сейчас?

– Журнал выходит раз в месяц. Соответственно, у нас есть определенный внутренний график работы. В первой декаде месяца мы собираем материалы, после их читает корректор и верстает дизайнер, а в третьей декаде они уходят в типографию. Таким образом, мы охватываем все самое интересное и яркое, что было в течение месяца, а в конце выдаем некий обзор. Прекрасно, что сейчас есть интернет, который нам помогает быть при этом оперативным СМИ, потому как многое удается выложить на сайт буквально спустя пару дней после события – здесь все зависит от скорости письма автора. Благодаря интернету мы можем работать с оперативностью ежедневной газеты. А в нашем телеграм-канале активно используем видеоматериалы.

В современной журналистике вообще есть такой тренд – съемка репортажей на телефон. На наших «Журналистских читках» в этом году будет специальная лекция, посвященная особенностям такой работы. Здесь журналист оказывается еще и видео-оператором, то есть должен иметь «чувство кадра», ощущение момента, который надо успеть зафиксировать. Я сама часто сейчас при посещении концертных залов или театров включаю телефон и делаю минутную съемку. И затем отправляю нашей сотруднице, которая ведет телеграм, чтобы она оперативно, пока еще идет концерт или спектакль, выложила для наших подписчиков такую горячую информацию. Мне это интересно. Хотя я понимаю, что какие-то вещи могут оказаться сиюминутными, но для этого и существует наша бумажная версия, в которой мы работаем для потомков, для истории.

Интернет появился в нашей жизни недавно, и неизвестно, как долго он будет функционировать. А вдруг произойдет какой-то технический сбой и доступ к сайту нарушится – тогда все материалы пропадут! А бумажная версия останется, так или иначе, в библиотеках, в подшивках, и мы сможем с ее помощью восстановить ход нашей истории и музыкальной культуры. Я говорю это и по своему научному опыту: когда пишу исторические статьи, то часто читаю подшивки «Музыкальной жизни», «Музыкальной академии», газет, чтобы узнать, например, как в 1920-е годы ставилась «Руслан и Людмила» Глинки, или как приезжал Стравинский в 1962 году в СССР. Иногда находятся действительно ценные материалы. Без сохранившихся документов связь времен просто порвется. Поэтому я считаю, что журнал «Музыкальная жизнь» осуществляет, в том числе, важную историческую миссию.

Беседовала Дарья Малкова, студентка НКФ, музыковедение

Фото из личного архива

№4 (1396), апрель 2023 года

Московская государственная консерватория знаменита своими выдающимися выпускниками, профессорами, педагогами, научными деятелями. Однако некоторые имена, к сожалению, забываются, теряются в памяти, как и их неоценимый вклад и наследие. Одним из таких незаслуженно забытых стало имя Георгия Львовича Катуара (1861–1926) – русского композитора, профессора теории композиции и анализа музыкальных форм Московской консерватории (1917–1926), видного ученого, внесшего огромный вклад в музыкальную науку.

Через «катуаровскую школу» прошли многие молодые музыканты того времени. Среди них композиторы Д.Б. Кабалевский, Л.А. Половинкин; А.С Абрамовский, теоретики С.В. Евсеев, Л.А. Мазель, профессор класса сочинения В.Г. Фере; пятеро из «московской шестерки» начинали свое консерваторское образование у Катуара: Ю.С Никольский, Л.Н. Оборин, М.М. Черемухин, М.Л. Старокадамский, М.М. Квадри, а В.Я. Шебалин прошел у Георгия Львовича класс форм. Он создал два научно-теоретических труда, которые непосредственно связаны с его педагогической практикой: «Теоретический курс гармонии», в котором Катуар практически первым в русском музыковедении разработал функциональную теорию и «Музыкальная форма» (закончена Мазелем, Кабалевским и Половинкиным).

Однако, несмотря на свою успешную научную и педагогическую деятельность, творчество Катуара имело и другую, более печальную судьбу. В московскую музыкальную жизнь он вошел как композитор и пианист одновременно со звездами уже следующего поколения – Рахманиновым, Скрябиным и Метнером. Громкая слава этих мастеров оставила в тени композиторское наследие Георгия Львовича. Несмотря на усилия Танеева (он посвятил Катуару Фортепианный квинтет g-moll), а позже Гедике, Конюса и, особенно, близкого друга Гольденвейзера, произведения Катуара звучали редко. Играли в основном Сонату-поэму для скрипки и фортепиано (op. 20, 1906), Трио (op. 14, 1900) и Концерт для фортепиано с оркестром (op. 21, 1909).

Однако наследие Катуара более широко и разнообразно. Им были созданы произведения почти во всех жанрах, кроме оперы: симфония, симфоническая поэма «Мцыри», кантата «Русалка», Концерт для ф-но с оркестром, ансамбли (трио, квартеты, квинтеты), две сонаты для скрипки и ф-но, хоровые миниатюры, скрипичные и фортепианные пьесы, романсы. В 1885 году, в начале своего профессионального музыкального пути, Катуар имел счастье лично познакомиться с Чайковским, который положительно оценил его композиторские опыты – именно Чайковский настаивал на том, чтобы Георгий Львович посвятил себя музыке и композиции. В профессиональных кругах творчество Катуара высоко ценили Метнер, Рахманинов, Мясковский. Его музыку исполняли Гольденвейзер, Ойстрах, Ростропович.

А.Б. Гольденвейзер писал в своих «Воспоминаниях» (М., 2009) о друге: Личность Катуара была на редкость обаятельна. Это был человек тонкой культуры, исключительно скромный, абсолютно не обладавший никаким самомнением, никогда не выдвигавший себя. Катуар очень тяжело и болезненно переживал свое непризнание. <…> Странным образом, даже музыканты склонны были смотреть на него чуть ли не как на дилетанта. Впоследствии оказалось, что этот “дилетант” не только был превосходным композитором, но и глубоким музыкантом-ученым, написавшим два крупных научных труда: по гармонии и по форме. <…> На нас, друзьях, а также на учениках Катуара лежит долг — восстановить его память. Мы должны принять решительные меры к тому, чтобы его музыка опять зазвучала, чтобы наши молодые товарищи ближе узнали его прекрасные сочинения и полюбили их так, как они этого заслуживают».

И вот исполнители наконец-то предпринимают первые шаги на пути к возрождению творческого наследия Катуара: с 24 января по 11 февраля в Москве по инициативе Московской консерватории прошел фестиваль «Возрождая забытые шедевры». В рамках фестиваля было организовано 3 концерта, программа которых достаточно полно очертила творческий путь композитора.

Первый концерт прошел 24 января в Рахманиновском зале Московской консерватории. Его программа включала не только некоторые фортепианные сочинения композитора, но и его авторское переложение произведения П.И. Чайковского. Концерт открыл профессор Р.А. Островский, один из инициаторов его проведения. Он глубоко проникся проблемой несправедливого забвения творческого наследия Катуара: «Я не припомню другого композитора, чья, мягко говоря, сравнительно малая известность была бы столь непропорциональна высочайшим качествам его музыкального творчества – заметил он. – Имя Катуара, конечно, у многих профессионалов на слуху, но живое звучание его музыки – это огромная редкость». Именно благодаря Р.А. Островскому и его ученикам на сцене Рахманиновского зала музыка композитора вновь обрела жизнь.

В первом отделении прозвучали Четыре прелюдии op. 17 в исполнении Марии Кальяновой, 3 пьесы op. 2, Этюд «Видение» op. 8, переложение для двух фортепиано Вальса из Серенады для струнного оркестра Чайковского и Четыре пьесы op. 12 в исполнении Анны Алексеевой-Месснер, праправнучки Георгия Львовича. Одна из ветвей его рода продолжила музыкантскую династию: внук Катуара, Павел Валерьянович Месснер, стал известным пианистом и впоследствии профессором Московской консерватории.

Почти все опусы (кроме op. 17), представленные в первом отделении, относятся к раннему периоду творчества композитора. В них преобладает романтическая природа музыкального мышления, а мелодизм отсылает к задушевной лирике Чайковского. Но, используя те же средства, что и его предшественники, Катуар отыскал в них новый потенциал: «сквозь чайковско-шопеновскую оболочку проступают оригинальные черты композитора» констатировал С.В. Евсеев («Советская музыка», 1941 № 5). Музыка его ранних опусов прозвучала удивительно свежо, изысканно и утонченно.

Во втором отделении вниманию слушателей был представлен Концерт для фортепиано с оркестром op. 21 (версия для 2-х фортепиано) в исполнении Никиты Мелихова и профессора Р.А. Островского. Еще при жизни Катуара этот концерт был высоко оценен Гольденвейзером, он сам его неоднократно исполнял и давал своим студентам.

Второй концерт прошел 5 февраля в Большом зале Музея Скрябина и включал камерные сочинения Катуара и вокальные миниатюры. В первом отделении прозвучали Элегия для скрипки и фортепиано op. 26 и Соната для скрипки и фортепиано № 2 «Поэма» в исполнении Алины Куроедовой (скрипка) и Анны Рудаковой(фортепиано). За ними последовали 7 романсов на слова разных поэтов в исполнении Яны Иваниловой (сопрано) и Екатерины Державиной (фортепиано). Важно заметить, что Яна Иванилова участвовала в записи почти всех романсов Катуара с пианисткой Анной Засимовой, которая в свою очередь является современным исследователем жизни и творчества композитора.

Второе отделение концерта стало особенным событием в судьбе творческого наследия композитора: в нем прозвучали две премьеры – Andante для струнного квартета (1886) и струнный квинтет op. 4a. Исключительная история каждого произведения была описана ведущей концерта Аглаей Наумовой со слов профессора Е.П. Месснер, правнучки Г.Л. Катуара. Andante для струнного квартета чудом сохранилось в руках самокритичного композитора, благодаря Чайковскому. Уничтожив другие части написанного квартета, Катуар оставил только страницы рукописи, содержавшие ремарки Чайковского, с которым Георгию Львовичу посчастливилось познакомится в 1885 году (год их первой личной встречи известен из переписки Чайковского и Н.Ф. фон Мекк). Петр Ильич очень тепло встретил молодого Георгия Львовича, положительно оценил его композиторские опыты и был крайне удивлен – как вышло, что такой творчески одаренный юноша до сих пор не встал на путь профессионального музыканта: «Затем он остановился на некоторых гармонических деталях и без конца повторял их: “Как хорошо! Как вы это нашли?!”. Я умолял его не льстить мне так, потому что, – я это чувствовал, – уже очень возгордился». Впоследствии Чайковский очень сопереживал Катуару – его искренне интересовали успехи Георгия Львовича на пути профессионального становления (об этом нам известно из сохранившейся личной переписки между Катуаром и Чайковским).

На сцене Большого зала Музея Скрябина Andante прозвучало в исполнении артистов Национального филармонического оркестра России – Анны Гуревич (скрипка), Марины Слуцкой (скрипка), Иоанны Бердюгиной(альт) и Айдеры Рысалиевой (виолончель). А в заключение концерта был исполнен Струнный квинтет op. 4а. Необычная нумерация этого опуса связана с тем, что первоначально под опусом 4 Катуар сочинял квартет, который позднее переделал в квинтет. Пока не удалось установить, сохранился ли квартет в исходной версии, но его аутентичный номер исследователи решили приберечь на всякий случай. Струнный квинтет op. 4a прозвучал со сцены в исполнении артистов Национального филармонического оркестра России и Заслуженного артиста РФ Николая Солоновича (виолончель). Ноты Andante и струнного квинтета op. 4а не изданы – исполнителям была предоставлена расшифровка рукописи, выполненная Борисом Цуккерманом.

Третий и заключительный концерт фестиваля прошел, как и первый, в Рахманиновском зале 11 февраля 2023 года. Программа включала произведения, относящиеся к более зрелому периоду творчества Катуара.

Первое отделение открыл Михаил Турпанов четырьмя пьесами для фортепиано op. 24 c авторским программным названием «Песни в сумерках». Опубликованный в 1914 году, этот опус все же относится к сочинениям 1900-х годов. Именно в произведениях этого времени ярко выступает индивидуальный катуаровский стиль, который отличается усложнением и детальной проработанностью фактуры, капризным ритмом и более глубокой хроматизацией мелодико-гармонического языка, как и в некоторых сочинениях 1900-х прослеживается близость музыке молодого Скрябина. А завершило отделение исполнение Трио для фортепиано, скрипки и виолончели f-moll op. 14 (1900) Юлией Куприяновой (фортепиано), Надей Мейксон (скрипка) и Александрой Будо(виолончель). Интересно заметить, что существует запись этого Трио в исполнении Леонида Когана, Мстислава Ростроповича и Александра Гольденвейзера, сделанная в 1949 году.

Во втором отделении прозвучали Фуга Чайковского из первой сюиты для оркестра в переложении Катуара для одного фортепиано в исполнении Рустема Кудоярова и Фортепианный квинтет g—moll op. 28 (1914) в исполнении Государственного квартета имени Прокофьева (Ирина Менькова, Елизавета Ярцева, Екатерина Маркова, Ольга Галочкина) и Рувима Островского (фортепиано). Это сочинение причисляется исследователями к числу рубежных, в которых просматриваются некоторые особенности позднего творческого мышления Катуара.

Однако третий концерт не стал окончательной завершающей точкой фестиваля. В его рамках 17 февраля 2023 года в Овальном зале консерваторского Музея имени Н.Г. Рубинштейна состоялось музыкальное собрание, посвященное памяти Г.Л. Катуара. На нем прозвучали четыре прелюдии op. 17 в исполнении Марии Кальяновой и Скорбная песнь для виолончели и фортепиано (1926) С.В. Евсеева, ученика Георгия Львовича, в исполнении Марии Петуниной и Марины Евсеевой. 

После музыкальной части собрания был проведен Круглый стол, посвященный проблемам изучения и публикации творческого и эпистолярного наследия Катуара. В нем участвовали: доцент кафедры теории музыки МГК Е.М. Двоскина, опубликовавшая ряд статей посвященных Катуару; профессор М.С. Евсеева, внучка советского композитора и музыкального теоретика С.В. Евсеева, который был другом и учеником Катуара (он также в свое время опубликовал ряд статей о своем учителе); профессор Е.П. Месснер, правнучка Катуара; профессор Р.А. Островский, исполнитель музыки композитора и инициатор данного фестиваля; Б.З. Цуккерман, исследователь и исполнитель музыки Катуара за рубежом; студентка Московской консерватории Е. Попова, написавшая курсовую работу по гармонии, посвященную индивидуальному творческому стилю Катуара; студентка Академии Искусств Е. Григорьева (скрипка), интересующаяся творчеством композитора.

Фестиваль стал важным шагом на пути воскрешения несправедливо забытых шедевров Георгия Львовича Катуара.

Евгения Попова, студентка НКФ, музыковедение

Фото из личного архива профессора Е.П. Месснер