14 сентября концерт в Большом зале консерватории из произведений С.И. Танеева открыл XIXМеждународный осенний хоровой фестиваль имени Б.Г. Тевлина. В этом году он был приурочен к 100-летию кафедры хорового дирижирования Московской консерватории. Прозвучали 12 хоров на стихи Якова Полонского и кантата «Иоанн Дамаскин» в исполнении Академического большого хора радио «Орфей» и симфонического оркестра радио «Орфей». Управлял исполнением Народный артист России, заведующий кафедрой хорового дирижирования Московской консерватории и художественный руководитель хора «Мастера хорового пения», профессор Л.З. Конторович.
Кафедра хорового дирижирования была основана в 1923 году, после присоединения к Московской консерватории Московской народной хоровой академии (до 1918 года – Синодальное училище церковного пения). У истоков кафедры стояли выдающиеся преподаватели этого училища, подлинные мастера хорового искусства: А.Д. Кастальский, Н.М. Данилин (первый заведующий кафедрой), П.Г. Чесноков, А.В. Александров (в 1932–1934 гг. заведующий кафедрой) и А.В. Никольский – музыканты, продолжившие славные традиции русской хоровой школы.
В рамках Осеннего хорового фестиваля прошло множество мероприятий. Одним из самых ярких событий стал именно концерт-открытие, на котором исполнялись знаменитые сочинения выдающегося ученика и друга П.И. Чайковского, композитора С.И. Танеева.
В первом отделении концерта мы услышали 12 хоров на стихи Якова Полонского – цикл для смешанного хора a capella, написанный для хора Московских Пречистенских курсов для рабочих. Это первый в отечественной музыке классический образец хорового цикла светского содержания, хотя исторически первым обычно называют хоровой цикл на светские темы А.А. Алябьева. Оценивая историко-художественное значение цикла Танеева, Б.А. Асафьев отмечал, что хоры «являются высшим достижением классического стиля русской светской хоровой культуры дореволюционной эпохи».
Все прозвучавшие хоры делятся на три тетради. Из первой тетради больше всего запомнился яркий третий хор – «Развалину башни, жилище орла». Грозная и вместе с тем торжественная музыка рисует мрачную картину старой каменной башни на вершине острой скалы на Кавказе. Контрастируют этому образы «размышления» башни, которые будто воскрешают воспоминания о происходивших когда-то рядом с ней битвах. Хор был исполнен великолепно, коллектив пел как один человек. Грозный характер музыки был передан очень точно.
Во второй тетради запомнился один из самых светлых хоров, шестой – «Молитва», стилистика которого отчасти напоминает церковные песнопения. Его молитвенное настроение, обращенное к Богу, передалось и слушателям: в зале было тише, чем обычно.
Заканчивался цикл номером «В дни, когда над сонным морем» для двух четырехголосных хоров. В сочинении они как бы противопоставляются друг другу. Хочется отметить то, что все голоса сложнейшей хоровой ткани очень хорошо были слышны из зала.
Исполнение хорового цикла слушатели приняли очень тепло, аплодисменты были долгими. И действительно, двенадцать сложных с исполнительской точки зрения сочинений прозвучали более чем достойно. Вопросы вызывали только хоры в быстром темпе: в них не всегда был понятен текст.
Во втором отделении концерта прозвучала кантата С.И. Танеева «Иоанн Дамаскин» для смешанного хора и оркестра (дирижировал тоже Лев Конторович). Написанная в 1884 году, она посвящена памяти ушедшего из жизни первого директора Московской консерватории Н.Г. Рубинштейна. В качестве текста Танеев выбрал отрывок из одноименной поэмы графа Алексея Константиновича Толстого.
Иоанн Дамаскин – один из отцов Церкви, святой, знаменитый богослов и гимнограф. И музыка сразу погрузила слушателей в море размышлений о вечности. С первых тактов звучания кантаты чувствовалось глубокое философское прочтение, мотивы заупокойного песнопения «Со святыми упокой» навевали мысли о бренности всего земного. Исполнение вызвало глубокий отклик у слушателей: с первых же аккордов кантаты в зале сразу стало на порядок тише, чем в первом отделении концерта. Величие образов, великолепно переданных исполнителями, никого не оставило равнодушным, аплодисменты по окончании второго отделения продолжались очень долго.
Концерт-открытие XIX Международного осеннего хорового фестиваля имени профессора Б.Г. Тевлина оставил глубокое и неизгладимое впечатление. Можно сказать, что это было одно из тех событий, которые запоминаются надолго.
Архив Московской консерватории в 2023 году отмечает свое 90-летие. Точкой отсчета принято считать 1933 год, когда в штатное расписание Консерватории была введена ставка архивариуса. Но история Архива началась задолго до этого, ведь с первого дня существования Консерватории в делопроизводстве стали образовываться и откладываться различные документы.
Диплом первой выпускницы Московской консерватории Н.А. Муромцевой. 1871 год
В первые десятилетия за сохранность документов отвечала канцелярия, но накоплениям требовалась научно-техническая обработка. Первым человеком, внесшим заметный вклад в дело упорядочения Архива, стала архивариус В.Н. Тарасова, позднее переведенная на должность заведующей. Перед ней стояла очень непростая задача выстраивания работы вновь созданного отдела и первичной обработки документов. С большой отдачей она проработала в архиве с 1933 по 1959 год. Начатое дело продолжили заведующие Архивом: Л.П. Ларионова, Н.В. Акопова-Мурадова, Н.А. Иванова, И.В. Калмыкова, И.В. Глазнева, В.С. Белозерцев, Л.Н. Старостина.
Сейчас в Архиве насчитывается около 50000 единиц хранения, и это лишь небольшая часть богатейшей истории Консерватории. К сожалению, далеко не все исторические документы сохранились в нашем Архиве. В 30-х годах XX века началось движение по интегрированию документов ведомственных архивов в государственные; тогда часть документов Консерватории была передана на постоянное хранение в Центроархив, а в 1944 году внушительное количество документов поступило в ЦГЛА (Центральный государственный литературный архив, позднее РГАЛИ — Российский государственный архив литературы и искусства). В РГАЛИ находятся 2 фонда Московской консерватории: дореволюционный (2099) и фонд после 1917 года (658). При создании Музея имени Н.Г. Рубинштейна, значительная часть документов Архива пополнила его коллекцию. В 1943 году Музей отделился в самостоятельную государственную структуру – Государственный центральный Музей им. М.И. Глинки (позднее Всероссийское музейное объединение музыкальной культуры имени М.И. Глинки, затем Российский национальный Музей Музыки). Документы Архива вместе с материалами Музея оказались в его составе, и сейчас, находясь в Музее музыки, они насчитывают 6 фондов. Кроме того, некоторые из наших документов были переданы в ГАРФ (Государственный архив РФ), ЦГА Москвы (Центральный государственный архив Москвы) и РГИА (Российский государственный исторический архив). К сожалению, произошла утрата ряда документов во время пожара 2002 года.
Серьезным испытанием для Архива стал его переезд в 2005 году из Первого учебного корпуса, где он располагался в цокольном этаже, в помещение Большого зала. В этот поворотный момент весь состав сотрудников Архива уволился. Меня пригласили на должность заведующей в ноябре этого года, тогда же приступил к работе и новый штат сотрудников. Нам предстояла непростая задача добиться ремонта нового помещения, закупки и монтажа металлических стеллажей для размещения документов. Также требовалось укомплектовать архив металлическими картотечными шкафами, картонными коробами для горизонтального хранения документов, приборами климат-контроля для измерения температуры и влажности помещения. Весь огромный по объему архив, включающий в себя 630 больших картонных коробок, был рассредоточен в нескольких комнатах корпуса Большого зала. Нам предстояло реализовать перемещение всего массива документов в новое помещение Архива. Эта работа представляла собой длинную цепочку целого ряда организационных и такелажных действий. Весь документальный фонд был размещен в структурно-хронологическом порядке.
Наше подразделение является ведомственным архивом и источником комплектования РГАЛИ. Уже в марте 2007 года сотрудники Центра комплектования РГАЛИ посетили Архив Московской консерватории после его переезда. По итогам этого посещения директор РГАЛИ Т.М. Горяева составила письмо на имя ректора профессора Т.А. Алиханова, где указала: «В настоящее время архив Консерватории стал одним из лучших ведомственных архивов, с которыми работает РГАЛИ». А спустя всего лишь 3 года нам предстоял еще один переезд в другое, более просторное помещение, которое находилось также в корпусе Большого зала. Такое частое перемещение архива является чрезвычайно редким явлением; обычно местоположение архива остается неизменным в течение долгих лет. Нам опять предстоял ремонт, сбор и распаковка целого комплекса документов, расстановка его на стеллажах, с той лишь разницей, что на этот раз коробки компоновали мы сами, и у нас был заранее составлен четкий план сбора и последующего размещения документов по структурно-хронологическому принципу. Это позволило нам не прекращать работу по ответам на запросы граждан.
По штатному расписанию Консерватории Архив относится к административно-управленческому персоналу. Несмотря на это, команда сотрудников, которая сейчас работает в Архиве, способна выполнять задачи научного подразделения. В своей научной деятельности Архив работает в нескольких направлениях: написание статей, создание историко-документальных выставок, участие в научных конференциях и сотрудничество с различными организациями по научным и научно-методическим вопросам.
В Архиве работают как профессиональные историки-архивисты, выпускники Историко-архивного института РГГУ, так и профессиональные музыканты, окончившие Консерваторию. Такой симбиоз как нельзя лучше помогает наладить работу, в которой сочетаются документоведческая точность и дотошность, а также вдохновение чуткой души музыканта и тонкий художественный вкус.
Одним из особенно важных направлений работы Архива является создание электронного архива. Его наличие позволяет нам адаптироваться к современным реалиямиспользования документов, у нас идет удобный всем обмен электронными документами внутри структур Консерватории, и не только. Мы помогли многим сообществам, которые к нам обращаются за копиями документов: всемирная организация «Клейм Конференс» для получения пособий выпускникам Консерватории – жертвам нацизма; Большая Российская энциклопедия; издательство «Планета музыки»; акционерное общество «Мелодия». Кроме того, у Архива есть целый фронт работ, связанный с выполнением платных услуг, под которые подпадают некоторые виды социально-правовых, генеалогических запросов и заявок на сканирование документов. Пользователям нашего читального зала предоставляется возможность заказать цифровые версии архивных документов для текущей работы над статьями, диссертациями, а также для иллюстраций при издании книг.
В своих основных профессиональных функциях Архив похож на многие другие. Но в вопросах творчества наш Архив уникален, это происходит благодаря неповторимой документальной истории Консерватории. Наша научная и творческая работа идет параллельно с архивной. Мы увлеченно изучаем как историю самого Архива, так и историю Консерватории, ее студентов и профессоров. За период с 2008 года сотрудниками Архива написано около 100 статей по истории Консерватории, которые опубликованы в научных сборниках, журналах и энциклопедиях не только Москвы, но и других городов. Большую работу Архив проделал для подготовки к изданию таких публикаций, как Биографический энциклопедический словарь «Московская консерватории. От истоков до наших дней 1866-2006»; «Московская консерватория в прошлом, настоящем и будущем», 2018; энциклопедия «Московская консерватория 1866–2016» в 2-х томах; «Концертмейстеры Московской консерватории», 2019, в 2-х томах и других.
Интересным стал факт публикации сборника «Наталья Андреевна Любомудрова. Избранные статьи и методические работы. Воспоминания коллег и учеников». Издание этого сборника, где я была одним из составителей, стало возможным благодаря тому, что мною было найдено замечательное машинописное учебное пособие Н.А. Любомудровой «О подготовке педагога-пианиста» среди документов административно-хозяйственного отдела Консерватории, подготовленных на уничтожение!
С результатами своих исследований сотрудники выступали на таких форумах, как Первая международная научная конференция «Наследие: русская музыка – мировая культура» (Москва, 2008), Международная научно-практическая конференция «Дирижерско-хоровое образование: традиции и современность» (Москва, 2011), II Международный конгресс Московской консерватории памяти Народного артиста СССР, профессора А.В. Свешникова (Москва, 2015), Международная научная конференция «Московская консерватория в прошлом, настоящем и будущем» (Москва, 2016), Международный семинар «История музыкального образования: новые исследования» в рамках шестой сессии Научного совета по проблемам истории музыкального образования (Воткинск, 2017); Международная конференция «Московский Синодальный хор: 300 лет служения Церкви, Отечеству и русской культуре» (Москва, 2021), I Всероссийская научно-практическая конференция «Жирковские чтения» (Якутск, 2021) и Международная конференции «Жирковские чтения» (Якутск, 2022 г), Международная конференция «Музыкальное образование в России: сохранение традиций и развитие новых стратегий» (Саратов, 2022) и другие.
Доброй традицией стала установка историко-документальных выставок Архива в разных залах Московской консерватории. Выставки являются яркой показательной частью нашей работы. Первые две выставки были созданы в 2008 году, одна из них посвящена дореволюционным студентам, а вторая – памяти главного казначея Московской консерватории В.С. Бояринова и инспектора Консерватории А.Н. Губерт. С того времени Архивом создано свыше шестидесяти тематических выставок. В основном они были установлены к юбилейным датам наших профессоров, среди которых: М.М. Ипполитов-Иванов, В.И. Сафонов, А.Б. Гольденвейзер, А.И. Зилоти, К.Н. Игумнов, Д.Д. Шостакович, Н.Я. Мясковский, А.Ф. Гедике, Г.Г. Нейгауз, Я.В. Флиер, М.В. Юдина, Т.П. Николаева, Ю.Н. Холопов, В.К. Мержанов, Р.Р. Давидян, К.С. Сараджев, В.Г. Дулова, Г.В. Крауклис, К.П. Кондрашин и многие другие известные музыканты.
Мы откликаемся и на общественно значимые события. Например, Архивом создано две выставки по военной тематике, они были посвящены участию студентов и педагогов Московской консерватории в Первой мировой войне и в Великой Отечественной войне. На выставке ко Дню России под названием «Великая страна – великие люди» большую часть экспозиции мы посвятили памяти В.М. Халилова – художественного руководителя Академического ансамбля песни и пляски Российской армии имени А.В. Александрова, что нашло живой отклик у многих ее посетителей. Еще один яркий пример: в 2021 году была установлена выставка «Мамонтовский кружок. Творчество во имя Отечества», посвященная 180-летнему юбилею со дня рождения С.И. Мамонтова, крупного мецената и создателя Московской русской частной оперы. В своей многогранной деятельности Савва Иванович напрямую не был связан с Московской консерваторией, хотя здесь он черпал талантливых исполнителей для своего детища – частной оперы. На праздновании этого юбилея была вручена медаль первому лауреату премии «Меценат года» имени С.И. Мамонтова, которая направлена на возрождение и развитие традиций меценатства, благотворительности и спонсорской деятельности. С этого момента в Московской консерватории ежегодно происходит награждение лауреатов этой премии.
Часто наши выставки приурочены к всероссийским и международным научным конференциям, фестивалям. Например, выставка к 100-летию со дня рождения К.Б. Птицы проводилась в рамках международной научно-практической конференции дирижерско-хоровой кафедры; выставка «Борис Тевлин. Формула успеха. К 90-летию со дня рождения» – в рамках XVII Осеннего хорового фестиваля имени профессора Б.Г. Тевлина; выставка, посвящённая 90-летнему юбилею Р.К. Щедрина – в рамках Всероссийского музыкального фестиваля «Запечатленный ангел» и т.д.
Интересной и плодотворной была работа по созданию совместных выставок Архива МГК с Российским национальным Музеем Музыки (Выставка «Вселенная Альфреда Шнитке» к 80-летию композитора в Энгельсе, Саратове и Москве); с Музыкально-педагогическим институтом имени М.М. Ипполитова-Иванова (посвящённая 150-летию со дня рождения); с Центром вокального искусства имени В. Левко (посвящённая Валентине Левко в рамках VII Международного вокального конкурса ее имени); с Мемориальным музеем А.Н. Скрябина (выставка «Владимир Софроницкий – поэт фортепиано. К 120-летию со дня рождения»); с Фондом семьи Ф.И. Стравинского и его сыновей (Выставка «Игорь Федорович Стравинский: жизнь и творчество. К 140-летию со дня рождения и 60-летию визита в СССР»); со Старочеркасским историко-архитектурным музеем-заповедником (выставка «Казаки-Некрасовцы. К 60-летию возвращения на Родину и 40-летию выступления в Малом зале Московской консерватории»); с Художественно-историческим центром «Сириус» города Сочи (выставка, посвящённая А.И. Хачатуряну). Архив поддерживает творческие связи с Военным институтом Военного университета: Архив установил передвижную выставку памяти профессора Б.А. Дикова и участвовал в торжественном открытии мемориального класса в его честь; совместно с Институтом была установлена выставка памяти профессора В.А. Блажевича в честь открытия его мемориального класса; также мы помогли материалами в создании класса-музея имени профессора Г.А. Орвида.
Концепцию каждой выставки мы тщательно продумываем, стараемся, чтобы она была цельной и в то же время доступной для восприятия. С каждым разом содержание наших выставок становится все глубже и информативнее, а художественное оформление – профессиональнее. Отобранные экспонаты мы сканируем в высоком разрешении, при необходимости ретушируем изображения в графическом редакторе, стараемся повысить разборчивость текста на старинных документах, а также улучшить качество и четкость фотографий. При подготовке проекта мы используем специализированные программы для создания цифровых макетов. Это позволяет нам заранее точно выверить размеры и подобрать наилучшую компоновку экспонатов. По завершении макетирования все экспонаты проходят дополнительный этап обработки и цветокоррекции, после чего направляются на печать в типографию. На всех этапах подготовки идет коллективная работа над художественным оформлением выставки. Мы горячо обсуждаем наполнение стендов, афиш и роллапов, выбираем стиль оформления, цветовую гамму и шрифты. Здесь необходима не только техническая подкованность, но и особое чутье, художественный вкус и включение творческого воображения.
Если первые выставки создавались преимущественно на материалах Архива, то позднее мы стали расширять круг поиска и исследования: стали привлекать коллег и учеников юбиляров, их родственников, которые с радостью делились с нами сохранившимися документами и фотографиями из своих семейных архивов. Интересные находки ждали нас и на полках государственных архивов, в коллекциях музеев и библиотек. При использовании партнерских архивных материалов мы всегда помещаем благодарности на выставке и отмечаем их участие в этикетаже.
Щедро делясь накопленным опытом по созданию и установке выставок, мы помогаем организациям в наполнении музеев, архивов и выставок на основе собрания документов нашего Архива. С такими просьбами к нам обращаются различные заведения: Государственный архив документов новейшей истории Калужской области; Школьный музей ДМШ №1 им. Т.П. Николаевой г. Брянска; Академический музыкальный колледж при МГК; Музей истории культуры городского поселения в Малаховке Московской области; Тверской музыкальный колледж; Школьный музей ДМШ № 1 им. С.И. Танеева.
Архив принимал участие в таких интересных проектах, как съемка документального фильма о Московской консерватории (канал ТВЦ), фильма о профессоре Ю.Н. Холопове (Свердловская киностудия). Наши материалы представляют уникальную возможность приобщиться к славной истории Московской консерватории, а вдумчивый ученый всегда найдет нишу для научного исследования в нашем Архиве.
Р.Н. Трушкова, заведующая Архивом Московской консерватории
Уникальные фонды Библиотеки имени С.И. Танеева, истинного сердца Московской консерватории, пополнились ценными дарениями. В ее фонды поступили: полное собрание сочинений Федора Серафимовича Дружинина, изданное усилиями его семьи, благодаря гигантской редакторской работе профессора Ю.А. Тканова. Презентация композиторского наследия выдающегося альтиста и педагога проходила в нашей AlmaMater и в Музее музыки, который посетил ректор А.С. Соколов. Уже есть заявки на повторение презентации в Институте искусствознания и в Педагогическом институте имени М.М. Ипполитова-Иванова. В чем причина столь высокого интереса? Да прежде всего в том, что ранее неизданные сочинения Ф.С. Дружинина пополнили репертуар альтистов и стали достоянием нынешнего поколения обучающихся альтистов. Услышанные с эстрады, они не могли никого оставить равнодушными.
Ду Минсинь – студент Московской консерватории
Следующее дарение Библиотеке поступило от китайского композитора Ду Минсиня, прижизненного классика современной китайской музыки. Он, выпускник Московской консерватории, прислал ей в дар увесистое собрание своих поздних сочинений. В самом начале сентября текущего учебного года в Московскую консерваторию были переданы три рукописных письма и две огромные упаковки нот. Все это адресовалось ректору А.С. Соколову для передачи нашей библиотеке. Письма были написаны на китайском языке, а подпись же везде сделана по-русски: «Ду Минсинь, студент».
В сегодняшнем реестре иностранных студентов МГК этого имени нет. Оно принадлежит нашему современнику, всемирно известному композитору Ду Минсиню, ныне здравствующему профессору Центральной Пекинской консерватории, с которым профессор А.С. Соколов общался во время своего визита в Китай. Студентом же в Москве выдающийся китайский композитор-пианист был с 1954 по 1958 годы и сохранил к своей AlmaMater огромное чувство благодарности, не подверженное коррозии временем. Сейчас, находясь в весьма почтенном возрасте (р. 1928), Ду Минсинь продолжает активно творить. Его перу принадлежат: пять фортепианных концертов и два скрипичных, симфонии, множество камерных произведений для солистов и ансамблей разного тембрового состава.
Кратко расскажем о нем, опираясь на архивные документы его личного дела. В известном на всю страну Архиве МГК имени П.И. Чайковского, без которого не обходится ни одна научная работа в области истории русской композиторской и исполнительской школ, хранится рукописная автобиография Ду Минсиня: «Я китаец. Я родился 19 августа 1928 года в городе Ценцзяне провинции Хубой. С 1936 года по 1937 год я учился в начальной школе. Я не окончил начальную школу, так как началась война с Японией. После второго года войны я попал в город Цунцинь, там продолжал учиться в начальной школе. С 1940 по 1947 год я учился в музыкальном среднем училище и его окончил. С 1947 до 1949 года я работал в этом училище. Когда победила революция в Китае я работал ассистентом Центральной консерватории в городе Теньзине (с 1949 по 1953 год). 31 мая 1953 года я вступил в Новодемократический Союз молодежи Китая. 23 ноября 1953 года меня послали учиться в Пекинский институт русского языка, чтобы подготовить для учебы в СССР. Моя семья очень маленькая: я и мать. Мой отец был офицером, он убит в первые годы антияпонской войны. У меня нет сестер и братьев».
София Губайдулина и Ду Минсинь в Пекине. 2005 г.
Ду Минсинь и Цзо Чжэнгуан в гостях у Альфреда Шнитке
Четкий, красивый русский почерк Ду Минсиня, тогда тридцатилетнего студента, продолжает удивлять и в первом его прошении, в котором он просит разрешить посещение физкультуры только один раз в неделю вместо двух, и комментирует: «Мне недостает времени на приготовление занятий, и я недостаточно знаю русский язык». Ходатайство студента удовлетворено визами декана теоретико-композиторского факультета профессора С.С. Богатырева и ректора. Оценки вступительных экзаменов Ду Минсиня при поступлении в Консерваторию выгодно отличались от других абитуриентов: он, будучи пианистом, получил «отлично» и «хорошо» по гармонии и сольфеджио, и сразу был зачислен на первый курс обучения композиторов.
О стремлении углубить свои знания не только по русскому языку, но и по инструментовке свидетельствует еще одно удовлетворенное прошение Ду Минсиня: он просит продлить курс инструментовки на один год в связи с тем, что ему предстоит преподавать эту дисциплину по возвращении на педагогическую работу в Китай. Окончание Московской консерватории увенчалось присвоением Ду Минсиню красного диплома. Показательно, что в классе по композиции профессора М.И. Чулаки молодой музыкант к каждой сессии был обязан писать и одно произведение на своем родном музыкальном языке. В этом была важнейшая позиция отечественных педагогов, обучавших китайскую молодежь не только в 1950–1960 годах, но и еще раньше – на рубеже 1910–20-х годов [Выдающийся русский композитор-пианист Александр Черепнин, находясь в 1920-е годы в вынужденной эмиграции в Китае, считал главной обязанностью учить китайцев так, чтобы они оставались верны своей культуре. Сам же он подарил ученикам фортепианный сборник «49 пьес от А.Н. Черепнина», созданный в годы его преподавания в Шанхайской консерватории. В их стилистике нашли отражение разные роды пентатоники].
Сегодня в дистанции времени с особой убедительностью видно, что исторически именно первый набор молодых китайских музыкантов, отмеченных масштабностью таланта, сполна выполнил задачу, поставленную перед ними в Китае, — заложить фундамент строительства новой европейской ветви современной китайской культуры. Назовем эти славные имена: Го Шучжень (певица с мировым именем), Лю Шикунь (пианист, победитель Второго конкурса имени П.И. Чайковского и член жюри Шестнадцатого), Хуан Сяотун (дирижер, основатель этой профессии в Китае, создатель педагогической школы, через которую прошли более восьмидесяти учеников), его брат, Хуан Сяохэ (ведущий музыковед, первый кандидат искусствоведения), Ду Минсинь(композитор-пианист, педагог, создавший свою школу композиции). В их формировании принимала участие элита профессоров Московской консерватории: С.Е. Фейнберг, Н.П. Аносов, Л.С. Гинзбург, Е.К. Катульская, С.С. Скребков, М.И. Чулаки (но не начинающие педагоги, которым вполне могли бы поручить образование молодых китайцев).
Ду Минсин на XV Пекинском фестивале современной музыки
Личные дела обучающихся китайцев усилиями историков и теоретиков Московской консерватории впервые вводятся в научный обиход китайского и русского музыкознания. Нотный подарок Ду Минсиня особенно бесценен, так как дает возможность ввести в научные работы китайских музыкантов (ВКР, диссертации) новый материал, как объект исследования. Вначале он будет представлен на персональной выставке сочинений Ду Минсиня, организованной Библиотекой имени С.И. Танеева и Архивом Московской консерватории.
Благодаря записям в личных делах китайцев приезда 1954–1962 годов мы ныне начинаем располагать новыми сведениями о шкале оценок, поставленных прежде всего по специальности и всему кругу музыкальных предметов, а также ознакомиться с творческими характеристиками ведущих педагогов, свидетельствующих о динамике роста молодых музыкантов, прибывших из Поднебесной.
Опубликованные воспоминания самых именитых музыкантов представляют большой интерес. Они свидетельствуют о многом, в частности, о бытовой стороне их жизни во время обучения в Московской консерватории. Китайцы, например, свидетельствуют, что ректор А.В. Свешников следил за тем, чтобы студентам и аспирантам предоставлялись лучшие комнаты в очень скромном общежитии на Большой Дмитровке, расположенном в самом центре Москвы. Педагоги в процессе работы убеждались, что китайцы самые трудолюбивые ученики, которые справлялись с огромными ежедневными заданиями как по специальности(пианистам, например, предлагалось выучить за неделю несколько сонат Бетховена!), так и по всему циклу историко-теоретических дисциплин. Бывшие китайские студенты и аспиранты еще сегодня вспоминают, как они прекрасно ориентировались во всех уголках Консерватории, а гардеробщица всегда их узнавала и вешала их пальто без номерков. Продавцы в булочных встречали их как своих, а гостеприимные москвичи всегда относились к китайцам, как к родным.
Почтенные профессора Го Шучжень, Лю Шикунь, Ду Минсинь вспоминают, как они себя комфортно чувствовали в столице СССР, которую полюбили, словно вторую родину. Ныне некоторые из них уже осуществили свою давнюю мечту: еще раз приехать в Москву. В 2022 году Московскую консерваторию посетила композитор-пианистка Ни Хунцзин, а Ду Минсинь после встречи с А.С. Соколовым в Центральной Пекинской консерватории планирует с таким же визитом посетить Московскую консерваторию, свою Alma mater, которую в письме ректору называет «лучшей Консерваторией в мире».
В письме к ректору он написал: «Московская консерватория является учебным заведением мирового класса. Она сделала огромный вклад в китайское музыкальное образование! Мы никогда ее не забываем! Московская консерватория превратила меня из скромного пианиста в профессора композиторского факультета Пекинской Центральной консерватории. Это для меня необыкновенный опыт. Об этом я помню всегда!».
В 2022–2023 годы впервые в московской Детской музыкальной хоровой школе «Весна» имени А. С. Пономарева прошел увлекательный абонементный цикл органных концертов Софьи Иглицкой и Ивана Царева, который привлек множество заинтересованных слушателей. Музыканты играли на прекрасном духовом инструменте немецкой фирмы A. Schuke (1997). И захотелось поближе познакомить наших читателей как с этим органом, так и с исполнительницей, организовавшей вместе с коллегой такой замечательный просветительский проект: Софья Иглицкая, выпускница Московской консерватории (2013), перед началом нового концертного сезона любезно рассказала нам об органе школы «Весна».
– Соня, орган – большой, дорогой и сложный инструмент. Расскажи, пожалуйста, как опытный исполнитель и органный мастер в одном лице, нужны ли особенные условия для его содержания и хорошей формы?
– Прежде всего, это вопрос влажности. Сейчас, летом, влажность всегда нормальная, обычно ниже 45% не опускается, так как нет отопления, на улице часто дожди и температура воздуха высокая (ведь чем выше температура воздуха, тем больше там может быть растворено влаги). Почему зимой, например, категорически нельзя открывать окна? Потому что мы впускаем холодный воздух, в котором всегда содержится очень мало влаги, он в помещении нагревается, но от этого влаги в нем больше не становится. Поэтому если мы открыли окна и даже если воздух нагрелся, то удельная влажность остается низкой. Вообще органу хорошо, когда большая влажность, 50-60% – оптимально. Но и больше он хорошо переносит. Есть местности, где весной влажность повышается чуть ли не до 98% и держится несколько недель. Там стоят органы в церквах, и с ними все в порядке. Правда, деревянные детали разбухают, орган может начать гудеть, могут быть проблемы с механикой, но если ее отрегулировать (то есть подкрутить соединения в определенных местах), то проблема решится.
– А если низкая?
– Вот, если влажность низкая, то это может быть катастрофой для инструмента. Особенно если влажность падает резко, тогда дерево может треснуть. Ведь и воздуховоды («легкие» органа) по большей части деревянные, и виндлада («сердце» органа) тоже из дерева. На виндладе стоят трубы, к ней подходит механика от клавиш и от регистровых рукояток, внутри находится воздух под давлением, и если где-то треснет дерево и нарушится герметичность – то нужен будет уже сложный и дорогостоящий ремонт на фирме. Органу непросто в нашем климате в отопительный сезон из-за резкого падения влажности в помещении. Лучше всего, если в зале есть хорошая система климат-контроля, тогда органный мастер будет избавлен от множества проблем. Потому что если влажность от 45% до 55% и температура более или менее без больших колебаний, то орган может веками стоять! Разве что язычковые трубы понадобится чуть-чуть настроить, хотя если стабильные температура и влажность, то и язычковые никуда не уползут. Дело в том, что трубы язычковые и лабиальные по-разному реагируют на изменения температуры и влажности и по-разному расстраиваются.
– Кто-то из мастеров говорил мне, что частая настройка инструмента нежелательна. Почему? Ты согласна с этим?
– Настройка – достаточно травматичный процесс. Язычковые трубы в принципе приспособлены для настройки: там двигается полозок, который прижимает язычок, это можно делать практически без ущерба для трубы, но все равно лучше минимальными движениями: «гонять» туда-сюда много не надо. Есть лабиальные трубы с крышечками, при необходимости эту крышечку можно тоже продвинуть выше или ниже, высота воздушного столба изменится и таким образом можно подстроить. А вот если у металлической лабиальной трубы настроечный ролик многократно крутить туда-сюда или у металлической трубы без специального настроечного механизма верхнюю часть немного сужать или расширять специальным инструментом в целях настройки – такое действие можно делать ограниченное количество раз. Конечно, если что-то сильно расстроилось – нужно поправить. Но регулярно, перед каждым концертом настраивают только используемые в нем язычковые регистры, а генеральная настройка делается обычно только при установке инструмента и после капитальных ремонтов.
– Оказывается, большие и тяжелые металлические трубы могут быть при этом чрезвычайно уязвимыми и так легко испортить их звучание одним неосторожным движением. А почему не разрешают входить внутрь органа и даже просто прикасаться к трубам?
– Фасадные трубы не стоит трогать потому, что от рук остаются жирные плохо отмываемые пятна. Внутри же инструмента находится множество мелких и хрупких деталей. Очень легко абстракт (систему, соединяющую клавиши с трубами) повредить, или если наверху на узкой дорожке между трубами оступился, то можно, например, и трубы помять. В этом органе у нас довольно мало места, сделано все очень компактно.
– А бывает иначе?
– В больших органах может быть очень много пространства. В органе Большого зала Консерватории, например, можно буквально «жить», это как целое здание из нескольких этажей, на втором этаже, например, даже стол стоит внутри! Надо заметить, что в Консерватории органы содержатся в идеальном состоянии. Ведь вообще часто встречается чуть расшатанная педальная механика или клавиатура неравномерная, или что-то фальшиво звучит… А у Н.В. Малиной всегда все настроено, всегда в идеальном состоянии трактура, никогда ничего не гудит. А если вдруг что-то происходит – то оно исправляется тут же!
– А как на Западе, где органы – давняя и важная часть исполнительской культуры?
– У нас, конечно, совсем другая картина, чем на Западе. Там каждый церковный органист сам ухаживает за своим органом. У нас далеко не всегда так. В филармониях есть органисты и есть отдельно органный мастер, в Консерватории – отдельно на кафедре преподают педагоги и отдельно существует штат органных мастеров. На Западе, если ты церковный музыкант и сидишь на своем месте, то мелкие недостатки ты сам устраняешь, а крупные – звонишь на фирму, они приезжают и чинят. Это все гораздо проще. У нас же нет ни одной органостроительной фирмы, это связано с историческими и отчасти географическими особенностями.
– Можешь подробнее рассказать, как устроен орган – и для читателей консерваторской газеты, и для ребят школы «Весна»?
– Как у человека есть кровеносная, лимфатическая, дыхательная система, у органа есть механика (клавиатура, то, как она связана с трубами, а также регистровая трактура), есть воздушная система, есть сами трубы. Для того, чтобы труба звучала есть как бы два уровня доступа: один – клавиши, другой – регистры. Регистровая трактура (движение регистровых шляйфов) открывает потенциальный доступ воздуха к конкретному регистру. Сейчас мы видим начала трактур: от клавиши к клапану под трубой, и от регистровой рукоятки к регистровому шляйфу. Например, в педали этого органа есть четыре регистра: Subbass 16′, Oktavbass 8′, Choralbass 4′, Fagott 16′. На фасаде стоит октавбас, за фасадом находятся трубы суббаса и четверки, а язычковый регистр – фагот, самый дальний от фасада. Он специально расположен с краю, чтобы к нему удобно было подойти и настроить.
– Думаю, здесь уместно напомнить, что регистр – это ряд труб одного тембра и у органистов принято условно обозначать регистры цифрами: 16′ говорит о том, что реальное звучание нот оказывается на октаву ниже – длина нижней трубы «до» данного регистра равна 16 футам. 8′ –высота звуков в таких регистрах соответствует общепринятой, длина нижней трубы «до» 8 футов. А 4′ («четверки») звучат октавой выше, высота нижней трубы «до» подобных регистров — четыре фута.
– Поскольку Fagott 16′ хорошо видно, мы можем его рассмотреть. Труба состоит из двух частей: из ножки и раструба. У язычковой трубы звукогенерация происходит в ножке, а раструб нужен для облагораживания звука и для придания ему тембра. Для резонанса. Если я сыграю на фаготе без раструба – он тише и у него обертонов меньше, хотя саму ноту мы ясно услышим. А поставим раструб на место – он станет снова красивым и благородным. Одна половина труб расположена справа, другая половина – слева. В каждой стороне трубы идут по целым тонам, и для экономии пространства делается так, чтобы большие трубы рядом не стояли, то есть здесь стереофония возникает не только оттого, что одни тоны собраны здесь, а другие с противоположной стороны, но даже внутри одной стороны получается, что они как бы разбросаны.
– Действительно, поразительное изобретение человеческого гения!Довольно волнительно было прикоснуться к этому искусству, жаль, что за одну встречу невозможно внимательно вблизи рассмотреть каждый регистр и глубоко изучить, чем отличаются разные трубы, узнать, почему у каждой из них свой индивидуальный голос. Надеюсь, мы еще продолжим разговор о том, что находится внутри органа. Спасибо тебе!
Беседовала Екатерина Дубравская, кандидат искусствоведения, выпускница Московской консерватории (2009)
11 сентября в Большом зале Консерватории отдали дань памяти двум мастерам, композиторам, посвятившим свою жизнь музыке для духовых инструментов. К 100-летию со дня рождения Георгия Ивановича Сальникова (1923–2015) и 70-летию со дня рождения Игоря Николаевича Савинова (1953–2022)состоялся концерт Центрального военного оркестра Министерства обороны РФ, где прозвучали сочинения мэтров и их учеников.
Георгий Иванович Сальников
Игорь Николаевич Савинов
Многие знают, что в исполнении духового оркестра прекрасно звучат марши, вальсы. Однако, духовому оркестру подвластны все жанры, вплоть до симфонии. Так, крупные концертные произведения для духового оркестра были созданы такими мастерами, как Дмитрий Шостакович, Борис Кожевников, Григорий Калинкович. И, конечно, особое место в этом ряду занимают фигуры двух выдающихся композиторов, которым и был посвящен концерт.
Заслуженный деятель искусств РСФСР, профессор Г.И. Сальников с 1961 года работал на кафедре инструментовки в Московской консерватории, композитор преподавал чтение симфонических партитур и инструментовку, позже, с 1998 года, также инструментовку для духового оркестра. Через класс Г.И. Сальникова прошли сотни учеников – композиторы, музыковеды, дирижеры как духового, так и симфонического оркестров. В 1978–1988 годах он возглавлял Комиссию духовой музыки Московского отделения Союза композиторов. В 1985 году Григорий Иванович стал членом Всемирной ассоциации духовой музыки WASBE, а в 1990 году он проводил мастер-классы по инструментовке для духового оркестра в Гавре (Франция). Сальников – автор более полусотни сочинений для духового и симфонического оркестров, фортепиано, хора, солистов-инструменталистов и вокалистов.
Особо хочется отметить, что Георгий Иванович был участником Великой Отечественной войны, награжден орденом Отечественной войны II степени и пятью медалями, в том числе медалью «За Победу над Германией», также он был удостоен Ордена Дружбы. Его сочинения были пронизаны военными воспоминаниями и любовью к Родине, что можно было услышать и на представленных на концерте марше «Василий Тёркин», «Оде к тысячелетию Крещения Руси» и «Бравурной увертюре».
Профессор И.Н. Савинов более 15 лет возглавлял творческую комиссию духовой музыки Союза московских композиторов, где организовывал концерты молодых авторов на международном фестивале современной музыки «Московская осень». Именно благодаря Игорю Николаевичу создавались новые партитуры для духового оркестра с поиском индивидуальных тембровых решений, форм и новых средств выразительности. Он видел своей целью развитие жанра духовой музыки, ее обогащение оригинальными произведениями серьезного концертного уровня. Будучи постоянным членом жюри международных конкурсов композиторов и духовых оркестров Coups de Vents во Франции, Игорь Николаевич способствовал обмену мировым опытом композиторского мастерства, отбирая лучшие партитуры для концертов в России и пропагандируя участие в этом конкурсе композиторов нашей страны, в том числе студентов своего класса. Более сорока лет Игорь Николаевич Савинов вел педагогическую деятельность. Работая на композиторском факультете Московской консерватории, Игорь Николаевич создал новый курс «Сочинение для духового оркестра», и студенты-композиторы стали иметь уникальную возможность поработать с духовым оркестром, почувствовать его изнутри и услышать свои сочинения в живом концертном исполнении, что является важным этапом в становлении профессионального музыканта.
Профессор В.Г. Кикта тепло вспоминает о коллегах: «Двух выдающихся мастеров Георгия Сальникова и Игоря Савинова объединяло служение их делу и любовь к духовому оркестру. Интересно проследить и сопоставить их творчество: Сальников представляет советский период, что проявляется в пристрастии к жанровости (марши), его музыка близка к симфоническим партитурам того периода. А у Савинова – абсолютно новое понимание, ощущение, соответствующее новой эпохе, что отразилось в его музыке. Представленная на концерте поэма-картина «Золотая рыбка Тихого океана» – глобальное сочинение для духового оркестра, вдохновленная концертной поездкой автора на Тайвань. Это яркое, образное, проникнутое восточным мелодизмом и мудростью сочинение. Ученики Игоря Николаевича получили от него этот заряд нового ощущения духовой музыки, что несомненно отразилось в их партитурах новыми идеями, расширением возможностей оркестра и обогатило концертный репертуар.»
Торжественным гимном в честь двух композиторов прозвучала «Поздравительная», написанная С. Голубковым и Г. Сальниковым. На концерте пьеса воспринималась как благодарственный поклон учеников своим учителям. Второе отделение концерта было отдано ученикам И.Н. Савинова.
Владимир Шергов, задав своим сочинением «Алания» экспрессивный, динамичный настрой, поделился,что его замысел возник под впечатлением поездки в фольклорную экспедицию в Северную Осетию. Автора поразило разнообразие осетинского фольклора: воинствующие, торжественные, распевно-лирические песни; темпераментные танцы-симды, хонги; в конце сочинения он использует народную песню «Растянулась наша степь Моздокская». Зажигательные ритмы, восточный тематизм напомнили эффектную «Лезгинку» из «Кавказских эскизов» Ипполитова-Иванова, где также оркестровое звучание имитирует наигрыши национальных инструментов, изображая красочную картину народного гуляния.
Татьяна Астафьева представила «Рождественское путешествие дядюшки С. на поезде» (по мотивам Диккенса). Автор так описывает идею сочинения: «Дядюшка С. нелюдим, никогда не бывает добрым, у него нет семьи и друзей. И только в Рождество он решает измениться: герой садится в поезд, засыпает, видит страшный сон о своем одиночестве и просыпается с намерением начать новую жизнь». Действительно, слушателям представилась целая фантазийная картина, где слышен стук колес поезда в темноте туннеля, волшебное погружение в сон и финальное перерождение героя под чарующие звуки челесты.
Центральный военный оркестр МО РФ
После концерта в Большом зале
Интересное объединение постоянно меняющегося мира, его технического развития и незыблемой вечности красоты природы сумел найти в красках духового оркестра Алексей Попков. Его сочинение «Жигули», впервые прозвучавшее в концерте, было посвящено одновременно и горам на Волге и одноименному автомобилю. Еще одну премьеру представил Энхбаяр Бямбаа – самобытную эпическую картину «Сын неба». По словам автора, в монгольской философии есть сказание о Сыне Неба, который объединяет их народ и помогает сохранять нацию. В самые сложные времена, надо всегда найти силы, терпеть и помнить, что самый громкий звук – это тишина! Автор показал интересные гармонические находки, а яркие ритмические соло ударных инструментов очень точно передавали образ эпоса.
Мария Генченкова показала нестандартный подход к духовому оркестру в тонком колористическом сочинении «Рождественская звезда». Автор так раскрывает замысел: «В центре внимания – образ Вифлеемской звезды, причудливо изменяющейся, сверкающей. Это не просто звезда в нашем обычном понимании, но некая «ангельская сила». Несмотря на то, что в сочинении много звукописи, более всего мне хотелось выразить то радостное настроение праздника, о котором говорится в Священном Писании». Хочется отметить индивидуальные авторские находки: антифонное сопоставление тембров арфы и фортепиано, отражение стилистики древнерусских церковных распевов в многочисленных мелодических линиях и затейливая восточная ритмика в эпизоде поклонения волхвов.
Очень ценны и личные воспоминания учеников о своих Учителях. М. Генченкова поделилась своей памятью о И.Н. Савинове: «Когда я пришла на первый урок к Игорю Николаевичу, я уже знала, что это очень сильный педагог, профессионал в своем деле. В начале лекционного курса он обрисовал нам перспективу окончания года и показал видеозапись с концерта в Рахманиновском зале, на котором были исполнены аранжировки и сочинения студентов одного из предыдущих курсов. Концерт произвел огромное впечатление, все было замечательно: аранжировки произведений (очень различных по стилю и эпохам), звучание оркестра в авторских студенческих композициях, исполнение, наконец, огромный объём программы. Самое удивительное, что через год мы тоже подошли к этому уровню, и подобный же концерт прошёл прекрасно! Это состоялось только благодаря необыкновенной инициативе Игоря Николаевича, его целеустремленности, позитивному настрою, дисциплине, работоспособности. Сложность предмета заключается и в том, что у обучающихся достаточно малая «наслушанность» произведений для такого состава. Игорь Николаевич же знакомил нас с новыми сочинениями для духового оркестра, среди них было много зарубежных и современных. А в индивидуальных занятиях проявился особый педагогический дар Учителя – найти подход к каждому ученику, помочь выразить свой внутренний мир и свои краски в палитре духового оркестра. Упомяну и то, что Игорь Николаевич был патриотом нашей Родины, и это сказывалось буквально во всём. Мне запомнилось, как он радовался, когда услышал в моем произведении русскую интонацию! Для меня Игорь Николаевич был педагогом, который относился ко мне с огромным вниманием, теплотой и заботой. Это бесценно! Я счастлива, что училась у такого Человека, Педагога, Музыканта!»
Дело всей жизни Г.И. Сальникова и И.Н. Савинова продолжает жить в учениках. Так, концерт их памяти был организован композитором, преподавателем А.А. Чернаковым, который теперь передает знания мастеров новому поколению студентов. Благодаря такой профессиональной преемственности есть уверенность, что будут написаны новые сочинения для духового оркестра, которые внесут значимый вклад в развитие серьезного академического репертуара в данной сфере. А для композитора самое важное – слышать свою музыку в живом исполнении! Поэтому выражаем огромную благодарность Центральному военному оркестру Министерства обороны РФ (под руководством заслуженного артиста России Сергея Дурыгина), дирижерам Константину Петровичу и Игорю Клюнникову. Благодаря блистательному исполнению оркестром современных, не столь привычных партитур, вечер прошел на высочайшем уровне. Мы надеемся на дальнейшее плодотворное сотрудничество, что станет важнейшим стимулом для появления новой музыки для духового оркестра!
Если антологией принято называть сборник избранных произведений, то в данном случае это не произведения, а блестящий творческий монолит портретов авторов музыки к художественным фильмам России за столетие с 1920 по 2020 год. Бесценные исторические страницы книги «Столетие отечественной киномузыки», изданной в 2020 году Союзом кинематографистов РФ, Гильдией композиторов и Российским фондом культуры, – ветви древа, посаженного и выращенного одним человеком – композитором Владимиром Константиновичем Комаровым. По аналогии с фильмом эту книгу можно назвать авторской.
Яркие образы талантливых людей, создававших новый вид синтетического искусства – киномузыку – являются основным богатством антологии. Это не научный труд, а эмоциональный сплав творческих мыслей и чувств. Автором интуитивно используются необычные и в то же время яркие полиграфические приемы, способствующие привлечению интереса к альбому читателей разных поколений, наглядно оценить вклад каждого композитора в историю кинематографа. Понятно, что В. Комарову стоило немалых трудов создать удачную форму для «объятия необъятного» – столетнего пути отечественной киномузыки. Не так легко, например, уговорить коллег композиторов поделиться своими сокровенными мыслями и размышлениями о любимом искусстве. Одни их автографы, специально написанные от руки, являются ценнейшим вкладом в сохранение памяти о выдающихся представителях российской культуры. Для такого доверительного контакта автору книги нужно было иметь безграничное уважение своих коллег, тонко ощущающих нюансы и не склонных зачастую к публичному откровению.
В книге есть и фрагмент, посвященный кинокомпозиторам, которые так или иначе связаны с Московской консерваторией: они либо учились в ней, либо в ней преподавали. Даже их простое перечисление (от классиков и до наших дней) занимает солидный объем, что говорит о постоянном интересе консерваторцев к искусству кино. Особый акцент в книге сделан на современной ситуации в нашей Консерватории: встречи студентов-режиссеров и студентов-композиторов, их совместные работы, создание курса «Основы киномузыки».
По словам В.К. Комарова, президента Гильдии композиторов СК РФ, окончательный вид книги автор видел еще на стадии проекта. Получился оригинальный образ книги-альбома – глубокий и одновременно с этим доступный, трогательный и возвышенный, с элементами кинематографического приема монтажа.
Комаров заполняет альбом художественными эссе композиторов, режиссеров, своими собственными очерками о развитии киномузыки, о друзьях и коллегах, изобразительным рядом с прекрасными картинами и фотографиями художников кино. Их более тысячи, включая постеры фильмов, со вкусом и с любовью размещенных в книге. Только представить себе, что каждому из бесчисленных героев страниц альбома восьмидесятилетний Владимир Константинович искал в Интернете постеры кинофильмов, выбирая десятки лучших, чтобы поставить рядом с портретом автора музыки!
В завершении этого огромного проекта В.К. Комаров сам создает конечный макет книги-альбома для печати. Прекрасно владеющий компьютерной техникой, он с первой страницы до последней делился с коллегами файлами своих макетов, советовался по поводу содержательной стороны этой грандиозной работы. Краткий биографический справочник в конце альбома заполнялся по мере работы над книгой. В нем указаны даты жизни российских композиторов, места учебы, награды и названия их кинофильмов.
Поразительно, что этот проект придуман и реализован одним человеком – сколько в нем молодой солнечной энергии и сил! Рекомендую прочитать этот замечательный труд всем тем, кто интересуется киномузыкой: музыковедам, искусствоведам, студентам-композиторам и любителям музыки.
Профессор А.А. Кобляков, научно-композиторский факультет, кафедра композиции
Московская консерватория вновь стала куратором музыкального направления Всероссийской декады выпускников творческих вузов, которая прошла в мае-июне 2023 года (первая состоялась в прошлом году – см. «ТМЖ», 2022 №6). Организаторами мероприятия стали Министерство культуры РФ, Ассоциация учебных заведений искусства и культуры и «Росконцерт». Цель Декады – демонстрация дипломных работ студентов выпускных курсов творческих вузов России в формате яркого культурно-просветительского проекта – позволила представить широкой публике молодых талантливых музыкантов, актеров, артистов балета, кинематографистов и художников, и привлечь к ним внимание продюсеров и потенциальных работодателей.
Московская консерватория им. П.И. Чайковского и Российская академия музыки им. Гнесиных как организаторы музыкального направления Декады составили разнообразную программу, состоящую из концертов, мастер-классов, творческих встреч и даже интерактивной художественной выставки. Мероприятия прошли не только в Московской консерватории и РАМ имени Гнесиных, но и в Санкт-Петербургской и Уральской консерваториях.
22 мая в Большом зале Московской консерватории состоялось открытие музыкального направления – сводный концерт с участием Симфонического оркестра студентов Петрозаводской консерватории под руководством ректора Консерватории, доцента Алексея Кубышкина. В его программе приняли участие выпускники Московской, Санкт-Петербургской, Нижегородской, Саратовской, Уральской консерваторий, РАМ имени Гнесиных, Луганской академии культуры и искусств имени М.Л. Матусовского и Дальневосточного государственного института искусств. Поздравление в адрес участников направила заместитель Министра культуры РФ Н.А. Преподобная, с приветственными словами выступили ректоры двух ведущих музыкальных вузов Москвы профессор А.С. Соколов и профессор А.С. Рыжинский.
Образовательный блок Декады открылся 8 мая мастер-классом для симфонических дирижеров. Его провел Эдуардо Гарсиа Барриос, в прошлом – выпускник Московской консерватории, ныне – выдающийся мексиканский дирижер, основатель и руководитель Национальной системы музыкального развития Министерства культуры Мексики. Маэстро Барриос отметил искреннюю заинтересованность наших студентов в профессии дирижера, их открытость новой музыке. Большую помощь в организации мастер-класса оказал профессор А.М. Рудневский, декан факультета симфонического и хорового дирижирования МГК. Также Эдуардо Барриос провел мастер-классы для студенческого оркестра Музыкального училища РАМ имени Гнесиных.
22 мая в Московской консерватории с большим успехом прошел мастер-класс заведующего кафедрой медных духовых и ударных инструментов, солиста группы тромбонов Большого театра России, проф. Э.Б. Юсупова. Прошли выездные мастер-классы наших педагогов и в регионах. 20 мая в Санкт-Петербургской консерватории состоялся мастер-класс доцента М.И. Каратыгиной, руководителя Научно-творческого центра «Музыкальные культуры мира»; Маргарита Ивановна рассказала о международной деятельности Центра на примере фестиваля «Вселенная звука». 26 мая в Уральской консерватории имени М.П. Мусоргского состоялся мастер-класс профессора кафедры хорового дирижирования А.В. Соловьёва на тему «Современное хоровое исполнительское искусство», в котором принял участие хор студентов Уральской консерватории (художественный руководитель профессор В.Б. Завадский).
25 мая во ВГИКе студенты и педагоги Московской консерватории приняли участие в совместной конференции студенческих научно-творческих обществ ВГИКа, МГК и РАМ имени Гнесиных. А завершился образовательный блок 30 мая творческой встречей-презентацией научных работ выпускников Московской консерватории, РАМ им. Гнесиных и Санкт-Петербургской консерватории, организованной Центром практической подготовки и карьеры выпускников (руководитель доц. Л.Р. Джуманова).
С 1 июня по 15 июля в выставочном пространстве Малого зала МГК состоялась инклюзивная выставка студентов и выпускников Российской государственной специализированной академии искусств «Особенные шедевры от особенных авторов». Выставка сопровождалась концертами и перфомансами интерактивного проекта студенческого профкома Консерватории «Музыка кисти».
Официальная часть Декады завершилась грандиозным гала-концертом в зале «Зарядье». В нем приняли участие сводный хор выпускников творческих вузов, включая Камерный хор Московской консерватории (руководитель и дирижер проф. А.В. Соловьёв), оркестр «Академия русской музыки» (дирижер – выпускник и преподаватель МГК Иван Никифорчин) и солист Симон Бюрки (фортепиано; студент класса проф. А.А. Писарева). Члены рабочей группы по подготовке к Декаде под руководством ректора Консерватории, которые с успехом провели этот масштабный проект, удостоились именных благодарностей Министра культуры РФ О.Б. Любимовой.
Одним из самых запоминающихся мероприятий музыкального направления Декады стал концерт 10 мая в Большом зале консерватории, организованный в партнерстве с Международным фестивалем «Вселенная звука» и при поддержке посольства Мексики. Э.Д. Барриос с Концертным симфоническим оркестром МГК исполнил культовое сочинение Сильвестре Ревуэльтаса «Ночь майя». После концерта мне удалось побеседовать с маэстро Барриосом:
–Дорогой Эдуардо, мы рады Вас приветствовать в Вашей Alma Mater и благодарны, что в это непростое время Вы прилетели в Россию, чтобы принять участие во Всероссийской декаде выпускников творческих вузов и фестивале «Вселенная звука». Расскажите о Вашей учебе в Московской консерватории, о Ваших педагогах. Что из студенческой жизни Вам запомнились?
– Я приехал в Москву в 1982 году. Сначала учился 3 года в Академическом музыкальном училище при МГК. Но еще до этого, в Мексике, мне посчастливилось встретиться с преподавателем училища Г.А. Дубровой, которая очень помогла мне не только подготовиться к поступлению, но и получить стипендию на обучение в Москве. А поступив в училище на струнное отделение, я учился у нее по специальности, по фортепиано – у Н.А. Хачатурян, а по теоретическим предметам у Д.А. Блюма и И.С. Лопатиной. Вспоминается и директор училища Л.Л. Артынова, жесткая и требовательная, но очень любящая свое дело.
– Легендарные педагоги! Я тоже воспитанница училища. Незабвенная Ирина Сергеевна была моим классным руководителем, а Лариса Леонидовна много сил отдавала воспитанию детей-сирот, благодаря ей многие беспризорники стали отличными музыкантами.
– Абсолютно верно! Консерваторию я окончил в 1990 году у выдающегося дирижера современности Дмитрия Георгиевича Китаенко. До встречи с ним я два года занимался в классе Ю.И. Симонова. По теоретическим предметам моими учителями были Ю.А. Фортунатов, И.А. Барсова, В.В. Задерацкий. Деканом иностранного отделения была потрясающая И.В. Коженова, которая на протяжении всей учебы очень меня поддерживала, помогала решать самые сложные ситуации.
– Ирина Васильевна в Консерватории как раз стояла у истоков движения по отбору иностранных студентов, организовывала поездки педагогов и болела душой за каждого своего подопечного.
– Верно! Помню, в последний год учебы меня пригласили ассистентом дирижера Г.П. Проваторова в оркестр Московского музыкально-экспериментального театра. И Ирина Васильевна мне очень помогла с организацией концертов. Как раз тогда я познакомил публику с музыкой любимого мной мексиканского композитора Сильвестре Ревуэльтаса. Искренне ей благодарен и очень ее люблю. Она была строгая, но справедливая.
– Ее называли «совестью Консерватории» …
– Да! Интересно, что за 9 лет моей учебы в Москве никто не мог отгадать, что я мексиканец (смеется). Высказывались разные варианты – Болгария, Грузия и т.д. И это мне помогало спокойно путешествовать, хотя в то время нам это было запрещено. Огромное впечатление на меня произвела поездка в Санкт-Петербург (тогда Ленинград) на штутгартскую постановку «Саломеи» Рихарда Штрауса.
– А как Вы относитесь к русской музыке? Какой репертуар изучали в Консерватории?
– Вспоминаю эпизод из детства. Моя мама была кубинкой и замечательно пела. Отец тоже хоть и был любителем, но постоянно музицировал. Он и стал моим первым учителем по фортепиано. У нас дома все время звучала музыка Чайковского и арии из «Бориса Годунова» Мусоргского в исполнении Шаляпина. Мы читали русские сказки – то есть постоянно, с детских лет, соприкасались с русской культурой. И впоследствии благодаря моим педагогам я полностью погрузился в мир русской музыки, эти легендарные личности формировали мое к ней отношение.
Будучи в Москве, я посетил Троице-Сергиеву лавру и увидел там надгробие Бориса Годунова, это меня просто потрясло. Уже в Москве я открыл для себя Глинку. Мы слушали «Пиковую даму» в исполнении Рождественского у училищных педагогов дома с партитурой! И, в то же время, проходили рок-оперу «Иисус Христос – суперзвезда» как высокий образец современного искусства. Было достаточно много свободы, в том числе и для научной работы, для выбора темы диссертации и т.д.
В Консерватории я, конечно, исполнял Чайковского, Стравинского, Хачатуряна, ходил на концерты гениального Г.Н. Рождественского… Очень любил ходить на уроки выдающихся профессоров. Один год я учился у Ю.А. Фортунатова, он, конечно, талантливый педагог. Помню его философское отношение к музыке. Он развивал наше образное мышление, всегда просил обосновать, почему композитор использует тот или иной инструмент в разных разделах произведения, уважал мастерство оркестровки Мануэля де Фальи, которого ставил даже выше Равеля… Ну и, конечно, не могу не вспомнить о любимом педагоге – Д.Г. Китаенко. Помню, как-то я принес на урок «Картинки с выставки» Мусоргского, и его незабываемое – «вы ничего здесь не видите?». Оказывается, он рисовал (!) для себя персонажей этого цикла, чтобы иметь визуальное представление, как этот цикл исполнять. Такая уникальная методика.
Одно из самых сильных влияний на меня в то время оказала фигура К.П. Кондрашина. Зачитывался его книгой «Мир дирижера», настоящей лабораторией мастера, в которой он тоже подтверждал важность создания визуальных образов… Помню, как перешел от скучных формальных лекций по форме для иностранцев в класс В.В. Задерацкого и был потрясен разницей. Хотя мне было очень нелегко из-за недостаточного знания терминологии на русском, в этом мне помогали мои товарищи, студенты-теоретики, которые объясняли мне то, что было непонятно… Побывал на нескольких лекциях выдающегося Ю.Н. Холопова. Особенно сильное впечатление произвело его исследование ладовой системы Шостаковича, о котором сам композитор отозвался «ничего себе, а я-то думал, что пишу в мажоре и миноре» (смеется)…
– Вы приехали не один, а с ансамблем Оркестра имени Карлоса Чавеса, чьим руководителем Вы являетесь. Вчера на концерте прозвучала сюита Ревуэльтаса «Ночь майя», в которой были задействованы уникальные инструменты доколумбовой эпохи – караколь, гуиро, айотль, тепонацтли. Расскажите об этой партитуре поподробнее.
– Конечно, я очень рад, что этот грандиозный проект состоялся, несмотря на все сложности, связанные с непростой политической обстановкой. «Ночь майя» была написана для романтического фильма – главный герой приезжает из Мексики в Юкатан, где сосредоточена культура майя, и влюбляется в девушку. Впоследствии композитором была сделана сюита, которую мы исполнили. В ней интересно все – и фактура, и мелодика, и оркестровка. Здесь показана и лирика, и экспрессия, и ритуальность. В мелодике используются индейские народные темы, хотя композитор нечасто использовал в своих произведениях народную музыку. В этом произведении слышны аллюзии на музыку Вареза и, конечно, Стравинского, который в свое время хвалил композитора. Кстати, Хиндемит сделал из этого произведения свою сюиту.
Ритуальность показана здесь с помощью ударных инструментов, которые мы с большим трудом привезли в Москву. Есть и исторические находки – например, музыкальные инструменты, сделанные из ракушки, панциря черепахи и т.д. Это производит грандиозное впечатление на слушателей. Не волнуйтесь, ни одно животное при подготовке к концерту не пострадало (улыбается). Конечно, партитура для исполнения не самая легкая, особенно для духовиков – им нужно имитировать звуки древних инструментов. Но ваши ребята из Концертного симфонического оркестра справились прекрасно!
– В России традиционно пристальное внимание уделяется детскому музыкальному воспитанию, отстаиваются традиции непрерывного музыкального образования, наставничества. Расскажите о Вашей общественной деятельности на посту руководителя системы музыкального развития Министерства культуры Мексики. В своих интервью Вы рассказываете о модели музыкального образования, «модели, которую нужно собрать на уровне всей страны».
– Эта система под названием «гуманитарное воспитание через музыку» связана с нашей реальностью. И, кстати, я считаю, что она была создана еще 100 лет назад именно здесь, в России, в суровых реалиях после Первой мировой войны, когда было много беспризорных детей и не было денег, чтобы их учить. В 90-е эта тяжелая, мрачная ситуация повторилась…
У нас в Мексике есть большая проблема: на огромную страну в 130 миллионов человек у нас очень мало музыкальных школ, всего несколько. А в общеобразовательных школах нет предмета «музыка». Мало музыкальных коллективов, оркестров, мало денег на развитие музыкального искусства. В провинции трудно найти оркестр с полным составом. И в целом, музыкальное образование очень бедное даже на профессиональном уровне. Стали думать, что делать, и решили обратиться к венесуэльскому опыту, который оказал прямое влияние не только на Латинскую Америку, но и на весь мир. Речь идет о системе фантастического музыканта и общественного деятеля Хосе Антонио Абреу (1939–2018; дирижер, пианист, педагог, активист и политик, основатель Национальной системы молодежных, детских и дошкольных оркестров Венесуэлы). Он отказывается от традиционной европейской модели музыкального воспитания через индивидуальные занятия (т.к. это очень дорого) и вводит понятие «общественное музицирование». То есть дети разных возрастов попадают в один музыкальный коллектив и начинают совместно работать, взаимодействуя и развиваясь. Возникает синергия творчества. Конечно, получается не оркестр или хор в традиционном смысле, где все очень серьезно и не принято шалить (улыбается). А получается содружество начинающих музыкантов, где все друг друга уважают и друг у друга учатся. Блестящий результат этой модели – Густаво Дудамель.
Я решил апробировать эту модель на севере Мексики – в городе Тихуана, где стал постепенно внедрять и развивать эту систему коллективного обучения (поначалу денег на это не было совсем, но впоследствии для самых способных ребят, а это около 15% всех обучающихся, даже удалось найти стипендии!). Первый принцип нашей модели заключается именно в групповом обучении – детей обязательно должно быть много, и они должны быть разных возрастов вне зависимости от того, оркестр это, хор или ансамбль. Причем хор у нас выступает обязательно в костюмах и с танцевальными движениями.
– У нас это называется хоровой театр…
– Да. Это затрудняет методику обучения, т.к. сложнее добиться хорошей интонации, звука, органичности выступления. Процесс обучения становится длиннее, но мы готовы к этому, воспитывая в детях эмоциональность, образность. Через эмоцию мы учим взаимодействовать со звуком. От эмоции через движение к технике. И еще один важный момент – нужно уважать и поощрять стремление детей учиться, не критиковать неудачи, воспитывать в них солидарность, радость успехам товарищей.
Второй принцип – это необходимость коллегиальной работы, сообщества не только детей, но и педагогов, родителей, социальных и общественных учреждений, т.к. нужна постоянная помощь и от родителей, и от чиновников. Возникает коллективное мышление, коммуникация на всех уровнях. Отсюда возникает третий принцип нашей модели – принцип экосистемы, т.е. взаимодействие коллективов друг с другом уже не только одного города, но всей страны. Организация концертов, творческих встреч, курсы повышения квалификации и т.д. Возникает стройная система: «индивидуальность – коллектив – общество». Важно соотношение между социальной базой и профессиональным миром. Поэтому наши дети уже с 17 лет становятся педагогами, приобретая огромный опыт преподавания. То есть, как только ученик приобретает знания – он обязан сразу делиться ими с малышами. Так мы решаем проблему отсутствия педагогов в наших провинциях.
– Когда Вы увидели первые результаты?
– Уже через год наш первый наш оркестр заиграл. Это уже можно было назвать «музыкальным порядком». Когда у нас стало учиться около 500 детей и мы создали уже три симфонических оркестра, нас посетил министр культуры и пригласил меня в Мехико внедрять нашу методику уже по всей стране. Было выделено финансирование. Теперь такие модели воспитания внедряются и в других направлениях искусства – театре, цирке, кино, живописи.
Мы достигли действительно неплохих результатов, но пандемия, конечно, замедлила этот процесс. Тем не менее, мы продолжаем работу. Сейчас я занимаю пост художественного руководителя замечательного Оркестра имени Карлоса Чавеса, который родился благодаря нашей системе. Вы смогли убедиться в этом на концерте в Большом зале (улыбается). И я хочу все больше и больше времени посвящать преподаванию, а не организации этого преподавания. У нас создана замечательная команда, а мне хочется вернуться, так сказать, к истокам, признаюсь, что я действительно хороший педагог.
– На каком репертуаре воспитываются дети?
– В нашем принципе коллективной практики репертуар – это фундамент всего. Конечно, мы стараемся сохранять традиции, обращаясь к национальной музыке. Хоры исполняют индейскую музыку. Есть педагоги-индейцы, которые помогают с произношением. Как можем стараемся преодолевать идеологическую опасность засилья современной популярной музыки, вынужден констатировать, что у большинства детей внутренний слух испорчен этой музыкой. Стоит задача исправить эту ситуацию. Приведу пример: в штате Чьяпас на границе с Гватемалой есть музыкальный коллектив «Майя Чух», носители языка майя. Чьяпас расположен в лагуне, половина которой принадлежит уже не Мексике, а Гватемале. И в Гватемале еще говорят на языке майя, а в Мексике язык уже, к сожалению, потерян. И мы создали там хор народной музыки и ансамбль ударных инструментов с аутентичными костюмами. То есть через язык музыки, язык песни стараемся восстановить древнейшую традицию, ведем философский диалог культур.
– Что бы Вы могли посоветовать начинающим дирижерам – студентам Московской консерватории?
– Я бы хотел пожелать то, чему меня учили в Московской консерватории. Не важно, каким ты будешь дирижером, какой будешь изучать материал, не важен даже уровень оркестра. Ты обязан внушить огромную любовь к музыке! Это главная цель для меня как художника. Чтобы этого добиться, чтобы понимать, какой результат может дать тебе оркестр, ты должен быть мастером. Каждая партитура должна быть самой главной для тебя. Это должен быть шедевр. Нужно не забывать, что не дирижер производит звук, а музыканты, они настоящие художники. Функция дирижера – пробудить эту коллективную энергию через глубокое знание партитуры, истории создания произведения и его значения в музыкальном искусстве. Студенты должны любить музыку и дирижерское искусство больше, чем себя, стать дирижером по призванию, а не по профессии. Конечно, это редко бывает, но к этому нужно стремиться.
Доцент Я.А. Кабалевская, куратор Декады выпускников творческих вузов
Так уж повелось, что с самого начала XXI века научно-творческий Центр «Музыкальные культуры мира» каждое лето «отправляет» слушателей концертных залов Московской консерватории в разные концы света за удивительными звуковыми приключениями. Лето 2023 года не стало исключением. Если прорисовать на карте линию через те географические точки, откуда приехали в Москву участники ежегодных международных фестивалей «Вселенная звука» и «Собираем друзей», то получится примерно такой маршрут: Анадырь (Чукотка), Манила (Филиппины), Тайбэй (Тайвань), Пекин (Китай), Джакарта (Индонезия), Улан-Батор (Монголия), Улан-Удэ (Бурятия), Колката (Индия), Кызыл (Тува), Тегеран (Иран), Элиста (Калмыкия), Нальчик (Кабардино-Балкария), Дамаск (Сирия), Стамбул (Турция), Ла-Пас (Боливия), Мехико (Мексика). Многие гости привозили программы, панорамно охватывающие культурные традиции своего региона, что в итоге позволило москвичам познакомиться с весьма широким спектром самобытных звуковых явлений планеты.
Приходилось ли Вам слышать, как звучит высушенная ослиная челюсть или панцирь черепахи? Между тем, именно эти предметы, когда-то превращенные индейцами майя в музыкальные инструменты, прозвучали в Большом зале на открытии фестиваля «Вселенная звука» 10 мая 2023 года. В результате невероятных усилий нашего выпускника, а ныне известного во многих странах дирижера Эдуардо Гарсиа Барриоса удалось объединить поддержку Министерства культуры Мексики и посольства этой страны с возможностями МГК, подкрепленными содействием Министерства культуры РФ, банка ВТБ и компании EXEED, и осуществить исполнение в Москве легендарной симфонической поэмы Сильвестре Ревуэльтаса «Ночь майя».
Специально для этого проекта в состав Концертного симфонического оркестра МГК были внедрены девять музыкантов Ансамбля ударных инструментов Оркестра имени Карлоса Чавеса (Мехико) с оригинальными индейскими инструментами доколумбовой эпохи: вертикальными, выдолбленными из цельного бревна барабанами тепонацтли, погремушками гуиро из высушенных тыквообразных плодов, колокольчиками койолли, звенящими металлическими дисками чилилитли, свистульками чичтли, окаринами уилакапитцтли. Заметную роль в красочной партитуре поэмы играла раковина морского моллюска караколь, магическое звучание которой, как гласит майяская легенда, возвестило миру о сотворении человека богом Кетцалькоатлем. Над всем этим великолепием звучаний царила высокая фигура пританцовывающего и как будто бы колдующего дирижера Эдуардо Барриоса.
Большой удачей оказалось совпадение по срокам начала двух знаменательных событий: 21-го Международного фестиваля «Вселенная звука» и 2-й Всероссийской декады выпускников творческих вузов. Совместными силами этих двух форумов был проведен целый каскад концертов, мастер-классов, научных и просветительских мероприятий в Москве и в Санкт-Петербурге (например, запись лекции-демонстрации «Бог солнца Кинич Ахау и его музыкальные потомки»: https://www.youtube.com/watch?v=gNAuPMb20M0).
Стоит отметить, что имена зарубежных выпускников Московской консерватории из года в год неизменно украшают афиши международных летних фестивалей. Помимо Э.Г. Барриоса этим летом мы с удовольствием встречали наших недавних воспитанников, а сегодня преуспевающих артистов: Лишу Чжэн (Китай), ученицу проф. Ю.С. Слесарева (концерт, 18.08), Чун-Ю Хуана (Тайвань), ученика проф. М.С. Петухова (концерт, 14.08), Четина Джевиза (Турция), ученика проф. М.А. Готсдинера (квинтеты Н. Метнера и У. Дж. Эркина в исполнении сформированного Джевизом турецкого ансамбля, 5.08). Благодаря их выступлениям, как и других музыкантов, принадлежащих к европейской традиции, путешествие по звуковым мирам оказалось сопряженным с целым рядом открытий даже в этой, казалось бы, наиболее привычной для нас сфере. Прозвучали не только незнакомые произведения китайских композиторов: Чэнь Сычжи, Чэнь Пэйсюнь и Ван Цзяньчжун, но и сочинения авторов, считающихся классиками своих национальных композиторских школ: Улви Джемаля Эркина (Турция), Эдуардо Кабы (Боливия), Юрия Ирдынеева (Бурятия), Петра Чонкушова (Калмыкия), Нихата Османова (Кабардино-Балкария).
С новым, свежим интересом слушали посетители Рахманиновского зала такие известные, но почему-то нечасто исполняемые творения, как Струнный квартет «Молодежный» М. Кажлаева (концерт квартета AnnoDomini, 16.08), Квартет А. Рубинштейна и Квартет № 2 Антонина Дворжака (концерт Московского квартета имени П.И. Чайковского, 24.08), а также изумительный Фортепианный квинтет Н. Метнера (концерт квинтета из Турции, 05.08). Были извлечены на свет из отдела редкостей библиотеки МГК и вовсе никогда не исполнявшиеся в России кантаты неаполитанского композитора XVIII века Франческо Дуранте (19.08).
Конечно же главной особенностью названных фестивалей можно считать программы, расширяющие горизонты нашего слуха, привносящие новые яркие ощущения, незнакомые эмоции, другие измерения времени и пространства, другую красоту звука. В них встречаются разные, иногда остро контрастные образы мира, сформированные в разных частях света, в разных природных зонах, в разных цивилизациях. Так, культура Великой степи (Монголия, Тува, Калмыкия), называемая еще «вселенной кочевника», демонстрирует торжество линеарного мышления, долгих мелодий, нередко расщепляемых на обертоны и мерцающие призвуки, большое разнообразие горловых техник. Культуры, опоясываемые океаном, завораживают слух расплывающимися в воздухе перезвонами гонгов и мелодичными перестукиваниями и пересвистами бамбуковых инструментов, а также подстраиваемыми под эти звучания нежными голосами. Кто был у нас на программах Индонезии и Филиппин, может вспомнить свои ощущения.
Бесценные сокровища мировой музыкальной культуры – это классическая музыка великих цивилизаций Дальнего Востока (Китай, Корея, Япония), Индии и Ирана. Программы, привозимые их носителями, уже давно обрели свою постоянную аудиторию и всегда ожидаются с особым трепетом. К счастью, у НТЦ «Музыкальные культуры мира» есть надежные специалисты, помогающие познавать эти удивительные культуры: известный исполнитель на сароде из Колкаты Атиш Мукхопадхьяй, уже более десяти лет преподающий основы североиндийской классической музыки, и выдающийся иранский певец Хосейн Нуршарг, не только лично выступивший в качестве солиста во множестве концертных программ, но и многократно привозивший на фестивали уникальные музыкальные и театральные проекты.
Интересно, что реакция публики во многом соответствует как духу самой музыки, так и душевному состоянию общества: после иранских концертов во всех городах люди долго не расходились и стремились непременно поведать на камеру о глубине своего потрясения и пережитых эмоциях; на других программах (Чукотка, Калмыкия) слушатели просто пускались в пляс прямо в зале. Бурным триумфом и горячей эмоциональной поддержкой от соотечественников и просто от сочувствующей аудитории завершились концерты боливийского певца Диего Сармьенто (7.08) и ансамбля «Солисты Дамаска» из Сирии (21.08; см.: https://www.youtube.com/watch?v=hS_v2iwucH8). Нормой стало и подключение к нашим летним фестивалям концертных площадок других городов. На этот раз последовали приглашения от «Петербург-Концерта» (Мексика, Иран, Монголия, Филиппины, Боливия) и Карельской государственной филармонии в Петрозаводске (Иран).
Важно отметить еще одну отличительную черту августовского фестиваля «Собираем друзей» – обязательный Концерт учащихся Международной школы МГК. Это событие всегда волнующе торжественно и трогательно. На сцену Рахманиновского зала выходят все ученики, которые еще не успели разъехаться по домам: от самых маленьких трудолюбивых музыкантов до амбициозных молодых людей, готовящихся к конкурсам или к поступлению в Московскую консерваторию (некоторые уже поступили, с чем их и поздравляем!).
Вот так, шаг за шагом, год за годом учимся сами, ненавязчиво учим нашу публику, учим наших гостей из регионов и из других стран слушать и слышать друг друга, проникать слухом в мысли и желания тех, кого еще вчера считали «чужими», а сегодня готовы называть их «соседями». Впереди еще один масштабный фестиваль: «Россия – Вселенная звука».
Доцент М.И. Каратыгина, руководитель НТЦ «Музыкальные культуры мира», начальник Управления международного сотрудничества МГК
В начале лета, с 19 июня по 1 июля, в России прошел очередной, уже семнадцатый по счету Международный конкурс имени П.И. Чайковского. В этот раз легендарный конкурс, начавший свой путь в 1958 году, отмечает свою 65-ю годовщину.
Выдающееся событие, с первых шагов было освящено именами корифеев Московской консерватории и отечественной исполнительской школы. Среди них были великие музыканты, профессора Московской консерватории Эмиль Гиллельс, Давид Ойстрах, Мстислав Ростропович, Ирина Архипова…
Четыре базовых направления, которые вводились одно за другим (сначала фортепианное и скрипичное, на Втором конкурсе добавилась виолончель, на Третьем – сольное пение), долгие годы оставались неизменными, в соответствии с творческим наследием Чайковского. На прошлом, XVI Конкурсе исполнительские направления расширились, добавились еще два: деревянные духовые и медные духовые инструменты. Среди других существенных новаций – расширение территориальное: конкурс уже четвертый раз проходит в двух городах – Москве и Санкт-Петербурге. В этом году в Москве соревновались пианисты и скрипачи, все остальные выступали в северной столице.
В Московской консерватории к конкурсу подготовилась большая группа молодых талантливых музыкантов. Редакция и читатели «РМ» приветствуют всех участников выдающегося состязания и поздравляют лауреатов!
Энджел Станислав Вонг (кл. проф. Н.В. Труль) лауреат 2-й премии, ф-но
Равиль Ислямов (кл. проф. А.Е. Винницкого) лауреат 2-й премии, скрипка
За кулисами конкурса
Будучи на пороге выпуска из Московской консерватории, мне посчастливилось поработать на одном из самых значимых событий в мировом музыкальном сообществе – XVII Международном конкурсе им. П.И. Чайковского. Две чрезвычайно насыщенные недели были посвящены работе в пресс-службе Конкурса и глубокому погружению в прекрасную музыку, исполняемую участниками.
На время Конкурса, казалось, преобразилась вся столица! А у музыкантов и ценителей академической музыки определилась главная тема общих обсуждений. В Московской консерватории праздничная и волнующая атмосфера была ощутима буквально везде: от ротонды с яркими, цепляющими взгляд афишами до маленьких коридоров между артистическими Большого и Малого залов, где участники подготавливались к выступлению.
Так как в числе моих обязанностей было сопровождение конкурсных прослушиваний в самом зале, то, к счастью, я оказалась в то же время и активным слушателем. Исполнения участников, такие разные, вызывали невероятную гамму эмоций! В первую очередь, восхищал высочайший профессиональный исполнительский уровень всех участников, как и неимоверная психологическая выдержка у каждого из них. Восхищало и то, каких огромных усилий требует подготовка к Конкурсу. Слушатели узнали как новые имена, так и своих кумиров – уже известных в стране музыкантов. На Конкурсе Чайковского на сцену вышли пианисты, ставшие в 2022 году лауреатами Конкурса Рахманинова: Константин Хачикян, Александр Ключко, Сюаньи Мао, Илья Папоян. У каждого была своя группа поддержки и было приятно видеть, как музыкантов не отпускают фанаты, желая общения с ними.
Поскольку я счастливым образом наблюдала, как работает Конкурс «изнутри», хочется сделать акцент на организаторской подготовке и проведении такого масштабного проекта, ведь во многом благодаря усилиям организаторов Международный конкурс им. Чайковского держит планку одного из самых престижных состязаний нашего времени. Нельзя сказать, что работа в каких-то отделах происходила более интенсивно и активно. Все сферы были насыщенны и по каждому направлению работали профессионалы, абсолютно знавшие свое дело. Очень слаженно и гармонично проходила совместная работа организатора Конкурса ФГБУК «РОСКОНЦЕРТ» с администрацией Большого и Малого залов. Поражает, насколько тонко и четко были проработаны все аспекты: программы и расписание каждого дня, работа с участниками и членами жюри, партнерство со СМИ, ведение прямого эфира и многое другое. Это были горящие своей работой люди, готовые тратить все свое время на благополучное проведение грандиозного события!
едор Освер (кл. проф. А.Ю. Уткина) лауреат 2-й премии, гобой
Валентин Малинин (кл. проф. К.В. Кнорре) лауреат 2-й премии, ф-но
У каждого участника и члена жюри был свой куратор – сотрудник, подготовленный к тесной работе со своим подопечным. Основной задачей кураторов являлась поддержка и сопровождение конкурсанта на протяжении прослушиваний. На них возлагалась ответственность за комфортное пребывание участников и членов жюри в период Конкурса, и особенно иностранных гостей. Так как все прослушивания сопровождались прямой трансляцией, кураторам было необходимо соблюдать точное расписание и заранее оповещать членов жюри и участников о предстоящих выходах в зал и на сцену.
Большое значение в организационной работе над Конкурсом отдается пресс-службе. Как и кураторы, сотрудники пресс-службы являлись сопровождающими всех аккредитованных на Конкурсе журналистов. Именно это место служит источником новостей и всей важной информации, пресс-центр работает со СМИ, музыковедческими изданиями, журналами и газетами, а также новостными ТВ-службами. Ведь чтобы о Конкурсе своевременно были написаны многочисленные статьи, рецензии, репортажи, комфортные условия должны быть созданы и для журналистов, они должны быть вовремя проинформированы о новостях и возможных изменениях, о программах участников каждого прослушивания. И в целом, Пресс-центр – это уютное место, которое базировалось в корпусе зала Н.Я. Мясковского, где каждый желающий, будь то журналист, сотрудник или участник, мог отдохнуть и выпить чашку горячего чая.
Сколько фото- и видеоматериалов мы можем увидеть с Конкурса: прекрасные запечатленные моменты, которые навсегда останутся в музыкальной истории. Все это сделано большими профессионалами, которые благодаря своему опыту умеют совершать качественную съемку без дискомфорта для участников и членов жюри, а также слушателей. Наблюдая за действиями операторов в самом зале, я поражалась, как же четко и филигранно они выполняют свою работу!
Несмотря на аншлаги почти каждого тура конкурсных прослушиваний, большую часть аудитории занимали онлайн-слушатели, которые имели возможность подключаться к Конкурсу через прямую трансляцию – общее количество просмотров и прослушиваний через сеть Интернет достигло 60 миллионов! Техническое обслуживание трансляции и режиссерская работа вызывают восхищение, ведь совместно с хорошим звуком визуальная часть была проработана до самых мелочей с гармоничной сменой кадров согласно музыкальному движению во время исполнения произведений на сцене. А в перерывах между прослушиваниями на связи были ведущие трансляции, которых за время Конкурса публика тоже очень полюбила.
XVII Международный конкурс им. П.И. Чайковского – уникальное мировое событие. И за ярчайшими выступлениями молодых музыкантов кроется огромный пласт организационной работы, осуществляемой большим количеством специалистов. Для организаторов очень важно, чтобы вся работа проделывалась профессионально, слаженно и в точный срок, но важнее всего, чтобы она никоим образом отрицательно не влияла на качество самих прослушиваний и не мешала ни публике, ни жюри, ни, главное, самим участникам, от исполнения которых во многом зависит их дальнейшая судьба. В этом и заключается огромная значимость этого неповторимого проекта длиною уже в 65 лет!
Анжела Клевич, председатель Студенческого профсоюзного комитета
На пороге XVIIКонкурс им. П.И. Чайковского один из его будущих участников – трубач, тогда студент V курса Московской консерватории Дмитрий Синчинов рассказал нашему корреспонденту, студентке научно-композиторского факультета, о грядущем событии, о своих представлениях о жизни и музыке.
– Дмитрий, для Вас это первый такой знаковый конкурс?
– Да, для меня такой значительный конкурс впервые. Естественно, я волнуюсь, но в меру, конечно. Подкрепляю это усиленной подготовкой.
– И кто Вас поддерживает?
– Меня поддерживают друзья, большая часть которых – коллеги. Также некоторые уже состоявшиеся артисты и, само собой, педагоги. Я учусь у действующего музыканта – Алексея Олеговича Корнильева, солиста Большого театра. Он много выступает сольно в разных городах.
– А кто-то еще из Ваших знакомых участвует в конкурсе?
– Да, некоторые мои однокурсники. Но из трубачей, насколько знаю, заявился я один.
–Расскажите о своей программе. Есть ли какая-то концепция в ее построении?
– Программа у нас определена по большей части условиями Конкурса. Я лишь выбрал из предложенного и составил порядок исполнения по своим каким-то профессиональным «технологическим» взглядам.
–Кого Вы можете назвать примером для себя по жизни и в музыке?
– Для меня примером очень долгое время являлся и, наверное, до сих пор является мой преподаватель Владислав Михайлович Лаврик, у которого я четыре года учился в консерватории. С самого начала я вдохновлялся его выступлениями. Также есть артисты, на которых я обращаю внимание, так как со многими выступал в России и за рубежом. Кроме того, я бы назвал, конечно, Тимофея Александровича Докшицера, который меня с детства вдохновлял своими записями, артистизмом, тягой к игре соло. В то время на трубе мало солировали, а он сделал очень много переложений. Одно из них – «Цыганские напевы» Пабло Сарасате – играю на выпускном экзамене. Из своих кумиров я бы назвал еще Уинтона Марсалиса – выдающегося джазового трубача и скрипачку Викторию Муллову.
– Играете ли Вы современную музыку?
– К современной музыке я отношусь с осторожностью, потому что имею в этом мало опыта. Но я все-таки играл, например, сочинение Татьяны Смирновой. Была такая женщина-композитор здесь, в консерватории. Она писала для интересных составов – с медными, просто с трубами, с детским хором. У нее есть репертуарные сочинения для трубы. Также я готовился к нашему консерваторскому конкурсу, который проходил осенью. Там во втором туре нужно было сыграть современное сочинение. Но в конкурсе я в итоге не участвовал, хотя сочинение разобрал. Еще из современной музыки я играл TrombaLontana Джона Адамса – в театре «Новая опера», где я работаю, две трубы играли соло на балконе, а внизу сидел остальной оркестр, которым управлял Филипп Чижевский. Там же мы готовили оперу «Доктор Атом» того же Джона Адамса. По музыкальному языку она очень сложная, и репетировали мы долго и тяжело.
–Помогает ли игра в оркестре развитию навыков сольного исполнительства?
– Она, конечно, в чем-то помогает, но на самом деле специфика игры в оркестре усложняет сольное исполнительство. Соло всегда требует от тебя и гибкости в исполнительском аппарате, и иной концентрации. А в оркестре ты привыкаешь выполнять какие-то задачи. Редко встречаются очень сложные сольные места, к которым готовишься так же, как к сольному выступлению. К тому же в оркестре иногда присутствует доля рутины.
–Номинация «Духовые инструменты» недавно появилась в конкурсе – Валерий Гергиев предложил ввести ее в 2019 году. Насколько это целесообразно, ведь сольных сочинений для духовых инструментов у Чайковского нет?
– Да, действительно. Но мы не можем сказать, что Чайковский не любил трубу или валторну, так как он пишет замечательные соло для этих инструментов в своих симфониях и не только. Возможно, не было в то время таких ярких исполнителей, либо он не был с ними лично знаком. Ведь за много лет до Чайковского для трубы писали очень много. Поэтому я не думаю, что вводить нашу номинацию неправильно – это, наоборот, хорошо. Появляется много исполнителей, которые претендуют на звание участника конкурса, открываются новые имена. Тем более Тимофей Докшицер, по-моему, давно уже доказал, что на трубе можно сыграть многое. И Морис Андре всю свою карьеру доказывал, что труба играет все. Как и другие инструменты.
– А что Вы будете исполнять из Чайковского на конкурсе?
– Я играю арию Ленского из «Евгения Онегина».
–Сейчас непростое время для нашей страны: русскую культуру «отменяют», российских артистов бойкотируют или не допускают к участию в престижных фестивалях, конкурсах. Как Вы считаете, не должны ли организаторы конкурса Чайковского поступать также? Или Россия по-прежнему открыта для всех?
– Я считаю, что обязательно надо всех приглашать, но отбирать очень тщательно. Если не хотят, чтобы мы у них участвовали, пусть участвуют у нас – у нас есть залы и компетентное жюри.
– Дмитрий, спасибо. Успеха на конкурсе!
Беседовала Софья Игнатенко, V курс НКФ, музыковедение
Так рождается весна: бурно, порывисто, потоком солнечных лучей, жаждой растопить снеговые залежи, открыть дорогу яркой зелени и цветам… Изменить мир, наполнить его новой мелодией, новым звучанием… Именно с весенним обновлением у меня связано восприятие неповторимо-романтичной фортепианной игры Александра Малкуса. И каково же было мое удивление, когда я узнала, что родился этот талантливый человек в день весеннего равноденствия – 21 марта! Как все гармонично и промыслительно…
Мое открытие этого прекрасного музыканта началось с исполнения им рахманиновcкой прелюдии до-диез минор. Это произошло на заседании Школы русского слова в Государственном институте русского языка им. А.С. Пушкина, куда музыкант был приглашен в качестве почетного гостя. В большой лекционной аудитории рояль оказался в рабочем состоянии, и все присутствующие были потрясены рахманиновской музыкой в его исполнении.
Александр Маркович Малкус – яркое явление в современной музыкальной культуре. Его главные ипостаси – пианист и педагог, а интересы и репертуар широки и многообразны – от старинной музыки и признанной классики до авангарда наших дней. Он сформировался как личность под влиянием своего учителя, профессора В.А. Натансона, который был учеником выдающегося советского композитора, пианиста и педагога С.Е. Фейнберга, традиции школы которого, несомненно, повлияли и на молодого Александра Малкуса.
Мне посчастливилось в этом сезоне несколько раз насладиться его исполнительским искусством. Это были выступления в Московской консерватории – Музее им. Н.Г. Рубинштейна, Зале им. Н.Я. Мясковского, а также в других камерных залах столицы. Особенно ярким было его выступление в Большом зале консерватории в ноябре 2022 года на концерте, посвященном 100-летию Александра Зиновьева. Там прозвучали две пьесы А. Лядова и Basso ostinato Р. Щедрина, как бы предваряя юбилейные концерты А.Малкуса в 2023 году в Рахманиновском и Большом залах Московской консерватории.
Концерт в Большом зале состоялся 22 мая. Он в определенной степени подвел итог творческой деятельности А. Малкуса и ни у кого не оставил сомнения в том, что он яркий и серьезный музыкант. Зал был полон. На концерте, куда пришли не только почитатели и поклонники юбиляра, его коллеги и ученики, но и просто ценители музыки, царила особая атмосфера радостного общения как с прекрасными произведениями музыкального искусства, так и с личностью самого исполнителя. И градус этого общения повышался от номера к номеру, музыкальный нерв достигал необычайной высоты и завершался шквалом аплодисментов.
В игре А. Малкуса раскрылся не только высокий уровень владения техникой, смелость проникновения в сложный мир образов композитора, но и глубина собственного прочтения, понимания этого мира. Программа была составлена таким образом, чтобы слушателю открылась звуковая палитра во времени и пространстве, чтобы показать, как бьется и развивается музыкальная мысль, способная передавать божественную сущность бытия. Пианист словно приглашал в музыкальное путешествие и в большей части программы сам участвовал и в качестве солиста, и в составе ансамблей, где он ярко продемонстрировал значение фортепианной партии, как важной составляющей художественного произведения.
Музыкальное путешествие началось с первой половины XVIII века, с эпохи барокко – Концертом для двух клавиров с оркестром до минор И.С. Баха (BWV 1060). Солировали Александр Малкус и Михаил Рыба́. Это исполнение запомнилось тем, что музыканты как бы перенесли музыку Баха в бетховенскую эпоху. Они выявили драматизм диалога в первой части, производящий динамическое впечатление борьбы, который во второй части сменился медлительным и печально-напевным размышлением о текучести бытия, а в Allegro третьей части вновь возник диалог-спор, завершающийся в финале единением противоположностей.
Уже после концерта в ходе беседы с А. Малкусом на мой вопрос о любимом композиторе он ответил, что в течение всей жизни особенно ценил Бетховена, Шопена и Чайковского, а в последние годы у него все более усиливалось преклонение перед музыкальным гением И.С. Баха, а также повысился интерес к творчеству Скрябина и Листа, две рапсодии которого прозвучали на этом юбилейном концерте (Венгерская рапсодия №11 и Испанская рапсодия). Оба произведения, основанные на народных танцевальных ритмах и мотивах, были исполнены блестяще.
В Испанскую рапсодию особый колорит внес оркестр (прозвучала версия для фортепиано и струнного оркестра известного пианиста и композитора Михаила Петухова). В программе принимал участие оркестр «Новая Москва» (художественный руководитель и дирижер Даяна Гофман), сопровождавший клавирный концерт Баха и Испанскую рапсодию Листа, а также исполнивший почти не звучащий в России Langsamer Satz Антона Веберна – в переложении для струнного оркестра. Это очень красивое произведение, написанное в позднеромантическом стиле, было выбрано совместно Д. Гофман и А. Малкусом и исполнено с тончайшими звуковыми нюансами.
Во втором отделении музыкальное путешествие продолжилось образами России и Армении. Вначале свежо прозвучало Трио для скрипки, виолончели и фортепиано ре мажор талантливого русского композитора и пианиста А.В. Станчинского (1888–1914), чье 135-летие отмечалось в этом году. Партию скрипки исполнил лауреат международных конкурсов, преподаватель МГК Геннадий Акинфин, виолончели – профессор МГК Андрей Спиридонов. Кстати, творчество этого композитора, прожившего всего 26 лет, А. Малкус ценит очень высоко и постоянно к нему возвращается. Весной этого года он вместе с певицей Марленой Мош посетил с концертами город Иваново и Ивановскую область (село Оболсуново, где родился Станчинский). Ранее фирма «Мелодия» выпустила грампластинку, а впоследствии и компакт-диск с его музыкой в исполнении А. Малкуса.
Как это бывает часто в юбилейных концертах, в нем также была представлена педагогическая деятельность доцента А.М. Малкуса: две сказки Метнера из соч. 51 сыграл талантливый пианист из Китая Пань Юэ, который в этом году закончил курс ассистентуры-стажировки Консерватории (класс А.Малкуса); его исполнение было тепло принято слушателями. Затем сам юбиляр превосходно сыграл «Весну» из цикла Метнера «Забытые мотивы» (соч. 39 №3).
Звучание музыки Армении добавило музыкальному путешествию новые краски. Это были как древние христианские песнопения (шараканы), так и сочинения Саят-Нова. Их с большим успехом исполнила известная певица Марлена Мош, и сольно, и с фортепиано и виолончелью (Андрей Спиридонов). Голос певицы наполнил зал глубокой и возвышенной атмосферой духа древней Армении. Кроме того, нельзя не сказать о тонкой звуковой атмосфере песни «Весна» классика армянской музыки Комитаса в фортепианной транскрипции Р. Андриасяна в проникновенном исполнении Пань Юэ. Он также деликатно аккомпанировал Марлене Мош, с которой сотрудничает в течение нескольких лет.
Продолжением программы в той части, где играл юбиляр, стала Фантазия на темы Римского-Корсакова для кларнета и фортепиано Александра Розенблата, современного композитора, известного своими фантазиями на музыку классиков («любовью к сочинениям на чужие темы», как иронично замечает сам автор). Выбор и исполнение этого произведения А. Малкусом свидетельствует о том, как важна для него преемственность в музыкальной культуре, говорит о стремлении открыть новое в знакомом. Партию кларнета виртуозно исполнил профессор МГК Евгений Петров.
Исполнение «Марша-плаката» В.П. Задерацкого (1891–1953), «потерянного классика ХХ века», показало неподдельный интерес А. Малкуса к редко звучащим шедеврам, относящимся как к классике, так и к авангарду. А завершающим аккордом концерта стало мощное звучание незабываемого Basso ostinato для фортепиано Родиона Щедрина. Это исполнение поистине стало триумфом, зал ликовал и не отпускал артиста.
Одним из главных свойств мастерства Александра Малкуса можно назвать его способность влюблять в музыку, которую он исполняет. Его смелая, масштабная, но в то же время легкая, виртуозная игра, передающая движения души, вызывающая радостный отклик в сердцах, заставляет думать, вспоминать, прощать и любить…
Антонина Белова, поэт, член Союза писателей России, кандидат филологических наук, доцент
