№ 8 (1319), ноябрь 2014

Ансамбль Академии шашмакома Таджикистана

Феерическим концертом корейской музыки самульнори завершился 26 октября 2014 года грандиозный по своей культурной и общественной значимости международный симпозиум «Музыкальная карта мира», организованный научно-творческим центром «Музыкальные культуры мира» Московской консерватории. Неукротимые барабанщики ансамбля «Мэк» корейской школы Вон Гван настолько «зажгли» слушателей, переполнивших зал Центральной детской библиотеки, что многие из них, юных и не очень, по первому зову музыкантов ринулись на сцену, чтобы самим стать непосредственными участниками этого жизнеутверждающего звукового буйства. А двумя днями раньше руководитель школы, мастер Хан Санг Дон досконально разъяснял в своем докладе, уже в научной части симпозиума, суть и технические каноны музыки

Ансамбль музыки тасаввуф Министерства культуры и туризма Турецкой Республики

самульнори, и выступление его заняло целый час, поскольку вопросов у слушателей было много, а ответы порождали новые вопросы.

За три часа до концерта ансамбля «Мэк», в том же зале детской библиотеки с неменьшим успехом выступал Фольклорный ансамбль Московской консерватории, и люди, присутствовавшие до этого на докладах руководителя ансамбля, профессора Н. Н. Гиляровой и ее недавней аспирантки Марины Альтшулер, могли на живом примере сопоставить полученную информацию с бесценными образцами песен и обычаев, бережно записанных в экспедициях и с любовью воспроизводимых ансамблем. Подобный принцип соотнесения темы научного доклада и живой демонстрации, сопряженной с данным исследованием традиции, сопровождал всю работу симпозиума и, кажется, этот метод оказался результативным, поскольку в адрес организаторов поступило множество благодарных откликов от слушателей докладов и концертов.

Доклад Халмурзы Курбанова. Таджикистан

Международный симпозиум «Музыкальная карта мира» проводился впервые, но в основе его концепции лежит 30-летний исследовательский опыт научно-учебного направления «Музыкальные культуры мира», развиваемого в Московской консерватории на основе методологии Дж. К. Михайлова (1948–1995). Концепция симпозиума опиралась на представление о многополярность звукового мира планеты, пронизанного сегодня и во все времена интенсивными процессами информационного обмена. О маршрутах распространения музыкальных традиций по территории земного шара, о циркуляции звуковых идей между цивилизациями, о древних традициях, продолжающих свою жизнь в сегодняшних культурах, рассказывали участники форума из разных стран.

Закончился концерт Хосейн Нуршарга и группы Фераг, Иран

Показательным было, например, выступление австралийской исследовательницы Алисон Токиты, руководителя Научного центра традиционной японской музыки при Университете искусств в Киото, попытавшейся представить музыкальную культуру Японии в системе взаимосвязей традиций на территории всей Восточной Азии. Японский ученый Гэнъити Цугэ, создавший ряд антологий и энциклопедических работ по японским, арабским, иранским и другим музыкальным традициям, обратился к теме влияния монгольских музыкальных явлений на культуры Западной Азии.

Особое место в программе симпозиума заняли системно-аналитические исследования ведущих принципов модального мышления в регионах Ближнего и Среднего Востока и Южной Азии (раги, мугама, макома и др.). Важно, что именно эта часть теоретических рассуждений была убедительнейшим образом подкреплена концертами, демонстрирующими живые традиции. Так, в исполнении бакинского ансамбля «Гадим Шарг» («Древний Восток»), руководимого Махмудом Салахом, уникальным

Китайский гуцинь, играет Сергей Нарышкин

исполнителем на гавале, прозвучали образцы азербайджанского мугама. Мастер индийского классического вокала и игры на табла Гульфам Сабри вместе с известным исполнителем на сароде Акашем Сергеем Анцуповым и Лилой Людмилой Журковой (тампура) из Латвии выразительно продемонстрировали неумирающее искусство раги. Ансамбль Академии шашмакома Таджикистана под руководством Абдували Абдурашидова, виртуоза-исполнителя на струнно-смычковом инструменте сато, привезли масштабную программу уже полузабытого в Москве таджикского макома. И было чрезвычайно интересно сопоставлять слуховые впечатления от звукового строя этой музыки с соседней, родственной, но в то же время абсолютно другой фергано-ташкентской традицией макома, которой щедро поделились с нами мастер Ульмас Расулов (гиджак) и Кахрамон Тураев (дойра).

Иранская культура была представлена на симпозиуме двумя мощными явлениями, входящими в мировое культурное наследие: иранским классическим авазом, блистательно прозвучавшим в Рахманиновском зале в исполнении Хосейна Нуршарга в сопровождении группы «Фераг», и поистине уникальной традицией та’зийе – одного из древнейших на земле мистериально-театральных действ. Этот спектакль (меджлес шаби-хани
«Хорр») в исполнении известной группы из города Казвина был показан в театре «Сфера» с подробным предварительным и последующим разъяснением специально приехавшего для этого на симпозиум иранского исследователя Ардешира Салехпура, признанного лучшим специалистом в области изучения иранского традиционного театра. Особую атмосферу на симпозиуме создала серия докладов и концертов, посвященных мировой традиции суфизма. В этом русле прошли события, связанные с празднованием под эгидой ЮНЕСКО

Концерт фольклорного ансамбля МГК

столетнего юбилея Зиедулло Шахиди, удивительной личности, основателя таджикской композиторской школы, но при этом страстного защитника (это в советское-то время!) идей и традиций суфизма. О судьбе и творчестве композитора, а также о путях таджикской музыки поведала дочь композитора, востоковед и культуролог Мунира Шахиди. Наряду с уже упомянутым концертом таджикской музыки, приуроченным к данному юбилею, в концертную программу форума был включен концерт канадского квартета саксофонов «Квазар», представившего аранжировки произведений Зиедулло Шахиди, сделанные внучкой композитора Фарангис Нуруллой-Хаджой, а также музыку самой Фарангис и некоторых канадских композиторов, обращающихся в своем творчестве к звуковому материалу разных народов мира. Тему непреходящего значения культуры суфизма для огромного региона Ближнего и Среднего Востока выдвинули на обсуждение исследователи из Турции Ондер Озкоч и Бурак Тюзюн в своих докладах о звуковой символике и о феномене музыканта в мевлевийской традиции. В связи с этой сферой научных интересов впервые в стенах Московской консерватории прозвучала подлинная музыка священного мевлевийского ритуала «Аджембуселик Айин-и Шерифи» в исполнении музыкантов высочайшего уровня, приехавших в Москву из мирового центра суфизма – турецкого города Коньи.

Концерт фольклорного ансамбля МГК

В числе участников симпозиума в качестве признанных исследователей в своей области были приглашены и люди, чье научное становление связано с Московской консерваторией. Это Кэтти Вонг (Эквадор) с ее оригинальным исследованием механизмов китайского влияния на латиноамериканскую сальсу. Это Елена Гороховик (Беларусь), выступившая с концептуальным докладом о современных процессах, видоизменяющих «музыкальную карту мира». Это Татьяна Карташова (Россия, Саратовская консерватория), поднявшая тему современности на материале сегодняшней культуры Индии. Это недавняя аспирантка консерватории Чэнь Чжэнтин (Тайвань), исследующая философско-символические параллели между китайской и европейской культурами. Это

Сцена из иранской мистерии тазийе

Анастасия Новоселова (Россия, Московская консерватория), являющаяся на сегодняшний день единственным специалистом в России в области изучения древней традиции гуциня в Китае.

Симпозиум «Музыкальная карта мира» проявил реальный, можно сказать жгучий интерес современного музыкознания к проблеме жизни древних традиций в современном мире. А не менее горячий интерес публики к сопровождавшим его концертам стал свидетельством неугасающей потребности человеческих сердец прикоснуться к глубоким, истинным корням музыкальных культур мира.

Доцент М. И. Каратыгина,
руководитель научно-творческого центра «Музыкальные культуры мира»
Фото Яхья Джебели

Отклики участников симпозиума

Елена Гороховик (Беларусь):

Современного музыканта, активно функционирующего в мире своей профессии, трудно чем-либо удивить. Мы оказались в ситуации, когда сняты все барьеры, которые ещё недавно ограничивали нас в постижении музыки различных эпох и народов. Доступно абсолютно всё, стоит только нажать кнопку компьютера, пойти в концертный зал или зайти в ближайший музыкальный магазин. И всё же, это иллюзия. Иллюзия вседозволенности, которая размывает истинные смыслы того сакрального пространства, имя которому — Звук. И вот наступает час, и мы встречаемся с явлениями, постижение которых делает нас глубже, мудрее, человечнее. В этом смысле для меня уникальными событиями не только профессиональной, но и общечеловеческой значимости становятся мероприятия, проводимые научно-творческим центром «Музыкальные культуры мира». Нынешний международный симпозиум «Музыкальная карта мира», с его ошеломляющей своим разнообразием и глубиной программой, не просто впечатлил. Он вселил во всех нас, кто был причастен к работе этого уникального мероприятия, оптимизм и веру в то, что истинные ценности человеческого духа, не лежащие на поверхности, не поддаются тлену и по-прежнему хранят в себе мощный заряд созидательной энергии.

Акаш Сергей Анцупов, Лила Людмила Журкова (Латвия):

Международный симпозиум «Музыкальная карта мира», прошедший в Москве 18–26 октября, в котором мы приняли участие, оставил глубокое впечатление и запомнится нам, как самое яркое событие 2014 года. Хочется сразу отметить, что симпозиум «Музыкальная карта мира» стал логичным продолжением уже существующих проектов Центра «Музыкальные культуры мира» Московской консерватории, таких как Международный научно-практический семинар «Многоликий Chronos Musicus», Международный круглый стол «Звуковые архетипы индоевропейской культурной общности», ежегодные Международные музыкальные фестивали «Вселенная звука», «Душа Японии», “Собираем друзей” и множество других не менее интересных проектов. 

Деятельность Центра «Музыкальные культуры мира», на наш взгляд, сродни Александрийской библиотеке. Собирать уникальные образцы музыкальных традиций мира, бережно сохранять опыт старых мастеров, помогать, развивать, обучать, делиться — это бесценный вклад в сохранение и популяризацию музыкальной культуры мира. Нет необходимости говорить об огромной образовательной работе, которую Центр «Музыкальные культуры мира» беспрерывно проводит, открывая новые имена талантливых молодых исполнителей и маститых, но малоизвестных музыкантов, достигших вершин мастерства.

Благодаря уникальной научной методологии изучения музыкальных культур мира, созданной Дж. К. Михайловым, его ученикам и последователям, сегодня Московская консерватория несомненно заняла лидерские позиции и в этом аспекте изучения музыки в мире. Достаточно вспомнить несколько выступлений участников «Музыкальной карты мира», чтобы осознать верность сказанного.

Самым поразительным открытием симпозиума, на наш взгляд, была древняя мистерия «Та’зийе», в которой музыка, реальность, прошлое и настоящее, смерть и будущее всё слилось и перенесло нас в мир, где добро всегда побеждает зло. Китайский гуцинь, иранский аваз, мугамы, скрипки, кеманчи, табла, раги…. — всё соединилось, переплелось и очень наглядно продемонстрировало, как бесценен каждый звук, каждый народ, каждая традиция, потому что всё это вместе бесконечная любовь и гимн Творцу.

Чэнь Чжэнтин (Тайвань):

В этом симпозиуме меня поразила идея, что звуки сами говорят за себя. Того, что изложено письменно или устно, не хватает, чтобы объяснить музыку, без показа реальной звуко-музыкальной традиции. Несколько концертов подряд, представляющих музыку стран — бывших членов Советского Союза, казавшуюся уже устравшей темой, наглядно продемонстрировали нам действительные следы перемещения и развития системы макама в Средней Азии. Причём, это единство является не только следствием политических процессов в последние столетия, но проявляет жизнь культуры как живого организма с древности до сих пор.

Благодаря концертам и докладам мы получили возможность узнать ближе различные музыкальные традиции: корейские, китайские, японские и другие, — их современное развитие и историю, происхождение инструментов, разные правила организации музыкальных элементов. Таким образом, действительно была проявлена «музыкальная карта мира» с тонкими, деликатными и условными контурами между разными музыкальными традициями. Я благодарю Московскую консерваторию и организаторов этого симпозиума за возможность участия в столь знаменательном собрании, которое продемонстрировало тонкий вкус и мудрость в понимании чужих культур.

Ондер Озкоч (Турция):

В целом я считаю, что такое мероприятие, как симпозиум «Музыкальная карта мира», на котором собралось множество исследователей и музыковедов из разных стран, позволяет взглянуть на вещи по-новому, осознать тот факт, что межкультурное взаимодействие гораздо важнее той разобщенности, которая господствовала в прошлом. Ведь если мы посмотрим на то, как музыка воспринимается во всем мире, то поймем, что каждый обладает своей собственной перспективой в отношении к ней.

Я желаю, чтобы данный симпозиум и в будущем не утратил своей актуальности, и чтобы та новая перспектива, которую он открыл перед своими участниками, позволила бы и впредь постигать глубокие корни музыкальной концепции. Я хотел бы также выразить свою искреннюю благодарность организаторам за оказанный нам теплый прием.

Халмурза Курбанов (Узбекистан):

Огромное спасибо за приглашение принять участие в таком солидном культурном форуме, как симпозиум «Музыкальная карта мира». Организация симпозиума, без лести, была на высшем уровне — об этом мне сказали и наши музыканты. Места проведения конференции и концертов часто менялись. Не знаю, с чем это было связано, но для меня это обернулось выгодной стороной, так как дало возможность посмотреть разные залы и аудитории, корпуса консерватории. Это было своего рода экскурсией, а сдругой стороны, позволило мне ощутить саму консерваторию полнее.

Если быть откровенным, мы перед поездкой несколько сомневались по поводу восприятия узбекской традиционной музыки вашей аудиторией. На это есть основания, потому что узбекские макомы не всегда легкопринимаются современным слушателем даже у себя в Узбекистане (особенно молодежью), не говоря о близких соседях — Казахстане, Киргизии, Туркменистане. Но поразила осведомленность и жажда московского слушателя по макомной музыке таджиков, узбеков, да и вообще, традиционной музыки народов Востока.

После концерта к нашим музыкантам подходили люди из зала, большинство не музыканты, а представители разных других профессий, задавали вопросы, завязались беседы с последующим фотографированием на память. И слушатели проявили не только обычный интерес, но и определённые знания о нашей культуре. Вот это больше всего поразило. По словам наших музыкантов, такой живой интерес московских слушателей придал им чувство удовлетворенности своей работой. Адекватная реакция со стороны публики дала нам почувствовать взаимную пользу от этих концертов и докладов.

Конечно, каждый судит по себе, но думаю после данного симпозиума каждый из музыкантов и докладчиков уезжал домой с большой надеждой ещё раз вернуться в Москву для участия в таких симпозиумах в стенах Московской консерватории.

Земной поклон всем организаторам симпозиума за их работу. Мы все чувствовали себя уютно, комфортно на протяжении всего мероприятия.

Кэтти Вонг (Эквадор):

Я хотела бы поздравить Московскую консерваторию с организацией симпозиума «Музыкальная карта мира», который дал участникам возможность познакомиться с разными музыкальными традициями мира через доклады и выступления выдающихся ученых, музыкантов и ансамблей. Будучи представителем Латинской Америки, занимающимся этномузыкологией в Соединенных Штатах Америки, я особенно высоко оценила возможность приобщиться к таким малоизвестным в Америке музыкальным культурам, как, например, музыка Азербайджана, Узбекистана и Таджикистана. Я считаю, что организаторам симпозиума удалось с успехом обеспечить обмен опытом и знаниями между представителями разных музыкальных культур. Например, обсуждения иранской музыкальной мистерии Та’зийе и турецкой традиции Мевлеви, проходившие в первой половине дня, сопровождались живыми выступлениями музыкантов вечером. Будучи сама выпускницей Консерватории я была рада, вернувшись в свою альма-матер, узнать, что Московская Консерватория проводит подобные международные симпозиумы, которые важны для стимулирования культурной осведомлённости и взаимопонимания между людьми разных регионов, религий и культурных наследий. Всех сотрудников центра «Музыкальные культуры мира» благодарю как за замечательную организацию мероприятия, так и за их доброе гостеприимное отношение к участникам симпозиума.

№ 8 (1319), ноябрь 2014

С Ю. Башметом. Фото Э. Левина

24 ноября этого года Альфеду Шнитке исполнилось бы 80 лет. Но прожил он только неполных 64 года. Его нет с нами 16 лет – это много или мало? С точки зрения музыкально-исторического процесса – совсем немного. Для людей, которые знали композитора – немало. Для тех, кто слушает его музыку, достаточно, чтобы понять, какую роль он играет в современном музыкальном искусстве.

Еще живы люди, которые лично знали Альфреда Гарриевича и могут рассказать о нем не только как о композиторе, но как о личности, как о человеке необычном. Его окружала удивительная аура: особой духовности, благородства, избранности и одновременно это был человек с живым чувством юмора, теплый, простой, «свой», к которому можно было обратиться с любым вопросом.

С Г. Рождественским. Фото Э. Левина

В Московской консерватории Альфред Шнитке преподавал недолго (1961–1972). Причем ему, как и Эдисону Денисову, не доверяли воспитание композиторов, так как их авангардная – в то время – позиция была неугодна руководству консерватории. Поэтому в основном Шнитке вел чтение партитур и инструментовку. Но помимо этого и он, и Денисов в классе устраивали прослушивание современной музыки, и это было для нас, студентов, настоящей школой, импульсом для дальнейшей профессиональной деятельности.

Но дело не только в том, что Альфред Гарриевич был замечательным музыкантом, под руками которого рояль превращался в оркестр. Он был человеком необычайно эрудированным в самых разных областях знания. Он никогда не был «академическим» педагогом, занятия со студентами строились как свободные беседы, размышления. Нередко речь заходила о литературе, жизненных событиях, не боялся он обсуждать и острые вопросы культурной политики тех лет.

С С. Юрским. Фото Э. Левина

Из подобных бесед я, например, поняла, что Шнитке любит Достоевского, и это для меня, филолога по первому образованию, специалиста по Достоевскому, было очень важно. Так, мы говорили о «Бесах» Достоевского и об исповеди Ставрогина (не опубликованной в советском издании – 10-томном собрании сочинений), которую Альфред Гарриевич, однако, прочел по-немецки. Он сказал об этом просто: «Там всё правда».

С Г. Канчели. Фото Э. Левина

Отношения Шнитке со студентами перерастали профессиональные рамки и порой превращались в настоящие творческие контакты. Большая радость для меня, что Альфред Гарриевич, еще в годы моей учебы оказывал мне доверие, делясь своими творческими планами. Например, однажды он дал мне прочитать свою статью «Парадоксальность как черта музыкальной логики Стравинского». Это была одна из многих статей, которые он писал всего лишь как методические работы по кафедре инструментовки. Очевидно, он не придавал им особенного значения. Большинство из них при его жизни не было опубликовано; многие из этих прекрасных работ были извлечены из забвенья стараниями В. Н. Холоповой, разыскавшей их в читальном зале, после чего они стали доступны в качестве своего рода «музыковедческого самиздата», и лишь в настоящее время они, наконец, изданы.

Когда я прочитала эту блистательную статью о Стравинском – с ее каскадом мыслей, отнюдь не традиционных (здесь схвачена самая суть музыкального мышления Стравинского!) и выраженных отнюдь не академическим, но прекрасным литературным языком, свободно и ярко, – я просто

С женой И. Шнитке и музыкантами. Фото Э. Левина

пришла в восторг. Таких теоретических статей я тогда не встречала и, как начинающий теоретик, относящийся к своей миссии очень серьезно, я сказала слова, которые теперь, на временной дистанции в четыре десятилетия, могу воспринять лишь как нахальство и самоуверенность молодости. Итак, я сказала: «Альфред Гарриевич, Вам надо писать!» На что он, почти обидевшись, ответил: «Вы хотите сказать, что мне надо перестать писать музыку?» Я была ошеломлена и впервые задумалась над тем, какой разный смысл композитор и музыковед вкладывают в слово «писать» и что, на самом деле, важнее…

О своей музыке Шнитке говорил очень мало, так как был предельно скромным человеком, но охотно и всегда благожелательно отзывался о своих коллегах. Мягкий, чрезвычайно интеллигентный и в отношениях с близкими людьми даже, пожалуй, кроткий. Но закрытый. А что было внутри? Этого мы не знаем. Об этом говорит его музыка.

Могу сказать, что я счастлива, что Богу было угодно свести меня с композитором и человеком такого уровня, который навсегда остался для меня эстетическим и этическим эталоном. Не сомневаюсь, что музыка Альфреда Шнитке, бывшая знаменем в годы, когда она создавалась, останется жить и дальше, как это всегда бывает с настоящим искусством.

Профессор Е. И. Чигарева

К 80-летию со дня рождения А. Г. Шнитке в фойе Большого зала Музей имени Н. Г. Рубинштейна организовал фотовыставку под названием «Альфред Шнитке и его современники». Ее автор – Эдуард Левин (р. 1934), фотохудожник и фотодокументалист, много снимавший музыкантов-современников, постоянно сотрудничающий с фестивалем «Декабрьские вечера». Главной темой своего творчества он считает «музыку в портрете».
В предложенной вниманию экспозиции Мастер сумел уловить мгновения общения А. Шнитке с коллегами в дни исполнений его музыки или других творческих событий рубежа 80–90-х годов. Среди них: Ю. Башмет, Г. Канчели, Г. Рождественский, С. Юрский, жена И. Шнитке вместе с автором на сцене Большого зала.

№ 7 (1318), октябрь 2014

Летом в Смоленске прошел 57-й Международный музыкальный фестиваль имени М. И. Глинки, посвященный 210-летию со дня рождения композитора. Его главная цель – развитие традиций великого классика русской музыки, сохранение национального достояния.

История фестиваля, как рассказала Н. В. Деверилина, одна из организаторов, восходит к 1957 году, к гастролям И. С. Козловского, когда знаменитый певец написал открытое письмо в местную газету, призвав ежегодно праздновать день рождения Глинки. Идея понравилась, и сначала на Смоленщине стали устраиваться декады, потом всероссийские музыкальные фестивали. С тех пор день рождения композитора отмечается на его малой Родине большими музыкальными праздниками. Это – ежегодное значительное событие для музыкантов и любителей классической музыки, повод для паломничества на Родину великого русского композитора.

Каждый из фестивалей – фейерверк выступлений выдающихся исполнителей, всемирно известных творческих коллективов из России и зарубежных стран, открытие новых имен и явлений современного искусства. Пожалуй, трудно назвать крупные коллективы страны, которые не побывали бы на фестивале Глинки. В 2007 году вышла в свет «Летопись музыкальных фестивалей имени М. И. Глинки», где зафиксированы все исполнители, приезжавшие на Смоленщину за пятьдесят лет.

Охватить фестиваль как целое, послушать всех практически невозможно: часто артисты одновременно выступают на разных площадках – в концертных и театральных залах, на предприятиях, в домах культуры, просто под открытым небом. Нынешний фестиваль не стал исключением.

К юбилею вышли в свет интересные издания: библиографический указатель «Глинка и Смоленский край», книга-альбом «Смоленских Глинок древний род». Последняя –  рассказ не только о композиторе, но и о славном древнем роде Глинок, гордости нашей истории. Именно из глубины древней земли, вскормившей мощные корни и стволы громадного генеалогического древа этого рода, появляются такие великие личности, как Михаил Иванович Глинка.

Размышляя о проведении торжеств в Смоленске, нельзя не заметить, как согласованно и мудро действуют Администрация области, Департамент по культуре, филармония, библиотека, Музей-заповедник, Краеведческое общество.

Наряду с фестивалем традиционно прошла и музыковедческая конференция. Первый научный форум состоялся в год 200-летия со дня рождения М. И. Глинки (2004). Тогда в Смоленск приехали ведущие ученые из Украины, Грузии, Петербурга, Москвы и других регионов России. Такая встреча дала возможность коллегам плодотворно общаться друг с другом, быть в курсе новейшей проблематики исследований. С тех пор конференции являются неотъемлемой частью праздника. Они назывались по-разному: «Глинка. Личность. Музыка. История»; «Третий век Глинки. Проблемы сохранения наследия». Начиная с Четвертой, за конференцией закрепилось название «Эпоха Глинки. Музыка. Поэзия. Театр». Такое направление позволяет всеобъемлюще подходить к наследию композитора: исследованию творчества, особенностям и загадкам произведений, соотношению народного творчества и композиторского мастерства, влиянию музыки Глинки на современную культуру, жизни его произведений в современном обществе.

За 10 лет по крохам накапливались новые научные материалы разных направлений глинкианы, находившие каждый раз отражение и в очередной конференции, и в «Новоспасском сборнике» (всего вышло девять сборников, которые выпущены и в виде электронной версии Смоленской областной универсальной библиотекой им. А. Т. Твардовского). В общей сложности в 10 конференциях приняли участие более 200 специалистов из 20 городов России и из-за рубежа. Темы, предлагаемые докладчиками, практически неиссякаемы. Каждая конференция заканчивается подарком – посещением Музея-усадьбы М. И. Глинки Новоспасское, поистине благословенного уголка земли.

Значительный акцент в тематике нынешней конференции связан с фольклорными традициями края. В последние пять лет стали проводиться народные праздники в Данькове, где родился известный исследователь, этнограф и фольклорист В. Н. Добровольский, который вместе с Н. Б. Бером, племянником Глинки, записывал народные мелодии и в самом Новоспасском, и в близлежащих селах. Сюда приезжают исследователи из Фольклорно-этнографического центра Петербурга, где завершается исследование творческого наследия Добровольского. К публикации готовится четыре тома. Ученые полагают, что именно на Смоленщине, несмотря на многие трагические события, сохранились исконные  песни,  бытующие и сегодня.

Порой сопоставления и исторические аналогии оказывались неожиданными, но весьма убедительными. Таким стал доклад С. Ю. Сигиды о параллелях и влиянии фольклорных традиций Глинки в музыке американского композитора Луи Моро Готчока (1829–1869). Автор справедливо отметила, что и Глинка, и Готчок были дружны с Гектором Берлиозом. Показательно, что у Готчока есть такие произведения, как «Арагонская хота», «Ночь в тропиках», «Сувенир из Андалусии» и другие сочинения, в которых усматривается общий с Глинкой интерес к фольклорным традициям Испании…

Москва и Смоленск поддерживают давние дружеские и научные связи. По следам конференции 2004 года Музей музыкальной культуры им. М. И. Глинки опубликовал сборник статей «О Глинке», совместно со Смоленским музеем-заповедником – ценнейший каталог «Реликвии Глинки», «Письма Е. А. Глинки».

Особые отношения сложились между Смоленском и Московской консерваторией, давно шефствующей над Ельнинским районом. Каждый год профессора и студенты приезжают с концертами и мастер-классами в Ельню, где с благодарностью хранят память о консерваторцах, отдавших здесь жизнь в годы Великой Отечественной войны. Свидетельство тому – бережно охраняемый памятник воинам за Смоленскую землю…

Кандидат искусствоведения И. А. Медведева,
профессор С. Ю. Сигида

№ 7 (1318), октябрь 2014

Знакомя однажды Ростроповича с новым ярким сочинением одного из своих учеников, я, как это всегда бывало в общении с Мстиславом Леопольдовичем, получил неожиданный и очень полезный урок. Реакция музыканта на неординарный опус начинающего автора была такой: «Это гениально! Но что он будет делать дальше? Придется тебе с ним повозиться!..» Эта мысль заставила задуматься: а что такое талант в его творческом выражении?

Как мне теперь представляется, талант – это не только высокие природные дарования и способности сочетать их с безукоризненным профессионализмом. Есть нечто более сложное и важное. Если продолжить мысль Ростроповича, талант – это то, что будет дальше… Мой учитель – Борис Чайковский – пришел в музыку с врожденным стилем. Но кто сказал, что от этого проще и легче? Разве не приходится отстаивать и даже отвоевывать свой стиль у времени, текущей моды, главенствующей идеологии и оберегать его от  прочих превратностей судьбы? Обо всем этом я задумался после знакомства с новым монографическим диском одного из лучших флейтистов современной России – Сергея Журавля, изданного фирмой «RUSSIAN DISC».

Когда С. Журавель, будучи еще юным воспитанником Гнесинской школы, стал победителем международного форума «Одаренные дети», профессионалы и любители музыки, покоренные его неординарностью и яркостью, вправе были задаться вопросом – что будет дальше? А дальше был рост – репертуара, мастерства, профессиональной культуры. Не восхождение по карьерной лестнице бесчисленных соревнований, как это часто случается со «спортивной» молодежью в музыке (хотя побед на международных конкурсах у Журавля достаточно), но возрастание серьезного музыканта – столь же этическое, сколь и профессиональное.

Диск, созданный С. Журавлем в сотворчестве с Национальным камерным ансамблем «Киевские солисты» (дир. В. Сиренко), И. Журавель (фортепиано), Н. Шамеевой (арфа), И. Стародуб (клавесин) и К. Волостновым (орган), можно назвать настоящим шедевром звукозаписи. Я имею в виду, естественно, не только качество звукорежиссерской работы (впрочем, идеальной), а совершенство предложенных интерпретаций музыки, которая требует и профессионализма, и большой внутренней, духовной культуры.

Все представленные в записи опусы принадлежат перу Валерия Кикты. Собрание его флейтовых сочинений можно было бы, конечно, назвать своеобразной «энциклопедией» флейтового искусства, но это для тех, кого изощренность средств выразительности привлекает больше сокровенного смысла, явленного в строке и между строк прозрачных, утонченных и поэтически многомерных композиций В. Кикты. При всей виртуозности композиционных, темброво-колористических, интонационно-линеарных и фактурно-движенческих решений в музыке этого автора напрочь отсутствует то, чем по странному обстоянию гордятся некоторые современные композиторы – в ней нет псевдонаучной «лабораторной» дистилляции. В этой музыке много неба и воздуха. И это отнюдь не «кондиционированная» в акустическом отношении атмосфера, в ней не только безопасно, но и естественно дышать в полную силу.

Все это глубоко чувствуется и безукоризненно выражается Сергеем Журавлем. Его интерпретации сочинений Кикты заслуживают серьезного исследования. Чего стоит исполнение лишь «Волынских наигрышей» – концерта для четырех видов флейт, клавесина и струнного оркестра. Не секрет, что среди выдающихся флейтистов не много тех, кто одинаково совершенно владеет не столько даже техникой игры на весьма разнородных инструментах этого семейства, сколько способностью трактовать их как некий единый мега-инструмент. С. Журавлю это удается.

Мне представляется бессмысленным восторгаться фантастической виртуозностью Сергея Журавля, как чем-то неслыханным и диковинным. Она – естественная часть общей музыкальной культуры. С. Журавель и там, где исполняет головокружительные «ноты» и «пассажи», проявляет благородство тона, никогда не продает свое искусство на музыкальной ярмарке тщеславия. Это дорогого стоит.

Когда не стало одного из лучших наших флейтистов – А. Корнеева, я невольно задался вопросом: кто из современных музыкантов мог бы гипотетически повторить его подвиг, записав с Рихтером флейтовые сонаты Генделя? Тогда быстрого и однозначного ответа не нашлось. Сегодня он есть.

Увы, для российской публики почти незаметным стал и совсем недавний (в августе этого года) уход крупнейшего европейского музыканта эпохи – Франса Брюггена. Известно, что выдающийся дирижер-аутентист, создавший изумительные трактовки религиозной и светской, старинной и классической музыки, был едва ли не лучшим барочным флейтистом своего времени. Брюгген где-то заметил, что флейта научила его прислушиваться к вечности…

Я уверен, что в лице Сергея Журавля в исполнительское искусство России пришел не только большой музыкант, но и глубоко мыслящий человек, с нестяжательным, целомудренным отношением к искусству – музыкант, способный соизмерять в своем творчестве время и вечность, прошлое и будущее.

Профессор Ю. Б. Абдоков,
руководитель Международной творческой мастерской «Тerra Musika»

№ 7 (1318), октябрь 2014

«Всемирные хоровые встречи» – один из крупнейших международных конкурсов, организуемый Обществом «Интеркультура». Его также называют хоровой Олимпиадой. В 2014 году уже восьмой по счету музыкальный праздник высочайшего уровня состоялся в Риге – в этом году город эстафетно принял официальный статус культурной столицы Европы. Олимпийский форум, проводимый с 2000 года, в нынешнем году установил рекорд: в нем приняли участие 460 хоров из 73 стран мира, представляющих 5 континентов, в общей сложности 27 тысяч человек. Отстаивать честь Московской консерватории в Ригу отправился Камерный хор во главе с его художественным руководителем Александром Соловьевым. Из многочисленного и разнообразного репертуара были составлены три программы высокой сложности для участия в номинациях: «Смешанные камерные хоры», «Духовная музыка» и «Современная музыка».

На десять дней Рига стала международной хоровой столицей. Коллективы, прибывшие из разных уголков планеты, – Россия и Китай, Индонезия и Филиппины, США и ЮАР, Израиль и Чехия, Нигерия и многие другие – выступали, репетировали, отдыхали буквально повсюду. Латвийская столица погрузилась в атмосферу непрерывного хорового звучания. Пением были охвачены небольшие улочки старого города, на открытых площадках в парках можно было насладиться пением детских хоров.

В первый день пребывания в Риге был проведен парад всех хоров-участников, которые были выстроены по странам. Представляя Россию, мы были наполнены гордостью за свою Родину, давшую миру столько талантов. Большое количество участников обязывало к строгой дисциплине. Например, на акустическую репетицию организаторы отводили   10 минут с учетом выхода и ухода со сцены. И в данный отрезок времени важно было почувствовать акустику и проверить сценическое пространство.

Не часто удается выступать на прославленных сценах, где все  заранее предусмотрено для профессионального исполнения. Но еще реже выпадает случай исполнителю побывать в месте, где внутренняя атмосфера совпадает с внешним великолепием здания, с его историей, акустикой… Выступая в Домском соборе в номинации «Духовная хоровая музыка», мы ощутили невероятное чувство покоя и красоты происходящего… Исполнение партитуры Щедрина «Да святится Имя Твое» поразило жюри, особенно покорили русские басы и звучание на piano.

Программа в категории «Камерные смешанные хоры» включала произведения отечественных и зарубежных композиторов разных эпох. Кульминацией нашего выступления стала сценическая постановка «Либертанго» Астора Пьяццоллы с участием замечательного солиста Михаила Бурлакова.

Последнее выступление было одним из самых сложных. Современные произведения требовали большой концентрации внимания, психической и физической собранности, что не просто для певцов в ранние утренние часы. Но и это не стало преградой – с успехом было исполнено «Каприччио» Кузьмы Бодрова, написанное специально для восьмых «Всемирных хоровых встреч».

Камерный хор Московской консерватории в каждой из представленных номинаций стал обладателем золотой награды! Потрясающий результат – уникальный в своем роде «хет-трик» – свидетельство верного пути коллектива, достойно продолжающего дело своего основателя профессора Б. Г. Тевлина. Победа на хоровой Олимпиаде в Риге еще раз подтвердила универсальность Камерного хора МГК, его готовность идти на новые эксперименты, не забывая классики.

Мария Челмакина,
хормейстер Камерного хора,

Катерина Соколова,
студентка II курса КФ

№ 7 (1318), октябрь 2014

16 сентября в 17.00 на овальной площади перед памятником П. И. Чайковского возле Московской консерватории стартовала уникальная акция. К 70-летию профессора А. Б. Любимова впервые в России исполнялась фортепианная пьеса Эрика Сати «Неприятности». Это небольшое, но крайне однообразное по звучанию произведение, в конце которого композитор поставил авторскую ремарку: пианисту необходимо сыграть ее «840 раз подряд, по желанию, но не больше». В соответствии с этим условием, продолжительность исполнения может колебаться от двенадцати до двадцати четырех часов…

Название акции – «Меблировочный марафон» – отсылало к началу XX века, к так называемой «Меблированной музыке», направлению, которое создал Эрик Сати в 1914–1916 годах. Участниками марафона стали ученики и друзья Алексея Борисовича. Они не только организовали установку рояля и звукового оборудования на площади перед Московской консерваторией, но и в течение 24 часов, сменяя друг друга как на эстафете, исполняли пьесу Сати. Среди пианистов-энтузиастов были: Алексей Любимов, Сергей Каспров, Алексей Зуев, Елизавета Миллер, Юлия Успенская, Алексей Шевченко, Владимир Гринденко, Владимир Иванов, Ольга Пащенко, Анастасия Гришутина, Дарья Редина, София Решетникова, Алексей Гроц, Петр Айду, Михаил Дубов, Иван Соколов, Дмитрий Оводов, Елена Двоскина…

Пьеса «Неприятности» была написана Сати в 1893 году и практически на 70 лет предвосхитила минимализм. Однако настоящую популярность она приобрела лишь с 1963 года, после того как Джон Кейдж открыл ее всему миру. С тех пор во многих странах проходили подобные марафоны, в которых пианисты друг за другом исполняли «Меблировочную пьесу». В зависимости от взятого темпа она могла звучать вплоть до суток, поскольку основным принципом ее развития является непроизвольная повторяемость звуковых ячеек неограниченное число раз.

…В холодный осенний вечер на улице возле Московской консерватории сотни людей стали свидетелями знаменательного события в музыкальной жизни столицы. Кто-то пришел на марафон целенаправленно, а кто-то не остался равнодушным, проходя мимо. Акция состоялась именно в день рождения Народного артиста России А. Б. Любимова, причем одновременно с посвященным ему праздничным концертом в Рахманиновском зале. Так блестяще и оригинально завершился фестиваль под названием «Алексей Любимов в кругу друзей».

Анжелика Козедуб,
студентка ИТФ
Фото Ольги Пащенко

№ 7 (1318), октябрь 2014

Начало нового учебного и концертного сезона в Московской консерватории ознаменовалось выдающимся событием поистине исторического масштаба – в сотрудничестве с Британским Советом в России в рамках перекрестного Года культуры Великобритании и России с 21 по 23 сентября состоялся международный фестиваль «От Тавернера к Тавенеру: пять столетий английской духовной музыки». Изысканно выстроенные программы двух концертов, насыщенная тематика пленарных выступлений и лекций ведущих мировых музыковедов на международной научной конференции, безупречное техническое сопровождение мероприятия и роскошный информативный буклет – всё было продумано до мелочей и осуществлено на высочайшем международном уровне.

Идея провести в Москве концерты и конференцию, посвященные английской духовной музыке, зародилась два года назад в беседе художественного руководителя вокального ансамбля Intrada Екатерины Антоненко с британским композитором Джоном Тавенером (1944–2013). Но так вышло, что фестиваль состоялся без его участия – композитор в прошлом году скончался, так и не осуществив свою мечту побывать в стране, культура которой была источником вдохновения для творчества на протяжении большей части его жизни.

Тавенер – удивительный композитор. Приняв в 33 года православие, он написал много духовных сочинений для хора без сопровождения, а также произведения на тексты Ф. М. Достоевского и А. А. Ахматовой. Считая, что современная культура «лежит в руинах», Тавенер выбрал творческий путь религиозного художника, который не являет собой гения в современном представлении, а со-творит, воспроизводит. Основой его позиции были слова святого апостола Павла: «Уже не я живу, но живет во мне Христос».

Отсюда и чарующая многогранность, органичность и безмерная глубина его музыки. Исполненная в консерваторских стенах, она погрузила московскую публику в атмосферу звучащего мирового пространства без границ и времени. В ней словно слились воедино неповторимый колорит старинной английской духовной, классической и современной музыки одновременно с мягкими умиротворенными интонациями русских православных песнопений, столь знакомыми и родными практически каждому сидящему в зале.

Программы концертов были сформированы самим Тавенером специально для российской аудитории и состояли не только из его сочинений, но и вдохновлявших его произведений английских композиторов времен Тюдоров – собственного предка Джона Тавернера и Роберта Фэрфакса, а также более современных композиторов – Игоря Стравинского и Арво Пярта. Определяющей была временнáя магистраль, заложенная в названии фестиваля «От Тавернера к Тавенеру»: первые отделения обоих концертов состояли из кристально безупречных духовных произведений Тавернера в столь же безупречных исполнениях двух профессиональных вокальных ансамблей – российского Intrada и британского The Tallis Scholars. Их поочередное выступление (Intrada – 21 сентября в Рахманиновском зале, а The Tallis Scholars – 23 сентября в Большом зале) под управлением одного дирижера – Питера Филлипса – вовсе не предстало как соревнование: они блистали высочайшим профессиональным мастерством словно два разных алмаза в одной оправе.

И если восхитительное исполнительское искусство Intrada под управлением молодого талантливого дирижера Екатерины Антоненко уже не первый год знакомо московской публике, то выступление The Tallis Scholars, основателем и художественным руководителем которого является Питер Филлипс, стало настоящим открытием. Уникальные голоса десяти солистов с ярко индивидуальными тембрами столь виртуозно переплетались и сливались между собой в идеально чистых созвучиях, что каждое мгновение казалось, будто звучит какой-то совершенно новый то ли ансамбль, то ли хор. Поэтому неудивительно, что поистине духовной вершиной всего фестиваля стала российская премьера Реквиема Тавенера, прозвучавшая в завершении второго (и последнего) концерта. Пространство Большого зала переполнил искрящийся поток богатейших красок музыки выдающегося британского композитора в исполнении обоих ансамблей (к британцам присоединилась Intrada) под управлением знаменитого дирижера.

Реквием Тавенера стал магистральной темой и в научной конференции, прошедшей 22 и 23 сентября в Конференц-зале консерватории. Этого произведения касались в разной мере многие докладчики, но выступления протоиерея Константинопольского Патриархата, председателя Международного общества православной церковной музыки Ивана Муди и доцента Московской консерватории Романа Насонова затронули вопросы истории его создания и особенностей.

Важнейшей частью конференции стал Круглый стол «Современный композитор и религиозная традиция», прошедший при поддержке Британского Совета, предоставившего своего переводчика и аппаратуру для синхронного перевода, а также портала colta.ru, осуществившего видеосъемку для последующего размещения материала в Интернете. Модератором заседания был доц. Р. А. Насонов, который, впрочем, не только стал самым активным участником конференции, но и сопровождал многие выступления интересными комментариями.

Круглый стол вызвал большой интерес у публики благодаря хорошей рекламе Британского Совета. Выступавшие, среди которых были сэр Питер Филлипс, Иван Муди, В. Н. Юнусова, К. А. Жабинский, Е. Ю. Антоненко, Г. И. Лыжов, С. Ю. Савенко, обсуждали отношение Дж. Тавенера и его музыки к различным религиозным и церковным традициям – и западным, и восточным, к традициям англиканской и православной музыки, определяли место его творчества в стилистическом пейзаже музыки конца XX – начала XXI века, перспективы освоения музыки этого композитора русской культурой. Столь широкий круг проблем был обусловлен и тем, что участникам было важно получить информацию, как говорится, «из первых уст», поскольку Филлипс и Муди были друзьями Тавенера. Благодаря ему же удалось поставить и обсудить общие проблемы современной духовной музыки.

Прошедший фестиваль лишь слегка приоткрыл богатейший мир английской сакральной музыки и, безусловно, вызвал немалый интерес к ней московской публики. Так хочется, чтобы общение и совместное творчество Е. Антоненко и П. Филлипса и далее продолжалось столь же продуктивно, чтобы оно не только приносило новые шедевры английской духовной музыки на русскую сцену, но и привлекало другие исполнительские коллективы к этой музыкальной сокровищнице.

Елена Никифорова,
аспирантка МГК
Фото Дениса Рылова

№ 6 (1317), сентябрь 2014

12 мая в консерватории было учреждено, а точнее, возобновлено Студенческое научно-творческое общество (СНТО). В его состав вошли студенты и аспиранты большинства факультетов. Учредительное собрание провел ректор профессор А. С. Соколов, присутствовали проректор по научной работе профессор К. В. Зенкин и научный руководитель СНТО доц. Р. А. Насонов. С нового учебного года СНТО приступило к работе.

Впервые такое Общество было создано в Московской консерватории еще в 1930-е годы. Его основателем был замечательный композитор и человек Григорий Самуилович Фрид, который считал очень важным общение между музыкантами, заполнение «белых пятен» в музыкальном образовании и всячески этому способствовал. Вот что пишет о первом СНТО музыковед А. Селицкий: «Активными его  участниками были А. Ведерников и С. Рихтер. На заседаниях исполнялись и обсуждались редко звучащие сочинения, в том числе студентов-композиторов. Кружок активно посещали студенты и профессора разных факультетов, чаще других – Г. Нейгауз. На одном из заседаний выступил И. Соллертинский с докладом о Малере».

Возможно, самое главное в аббревиатуре СНТО – слово «общество». К сожалению, наша студенческая среда в значительной мере разобщена: каждый «замкнут» на своей группе, но мало знаком с коллегами старших и младших курсов, а тем более со студентами других факультетов. Что сетовать на стороннюю публику, если мы сами почти не общаемся, не интересуемся делами друг друга и совершенно не ходим друг к другу на концерты! Исправить такое положение дел «сверху» невозможно, это под силу только нам самим. Что и будет пытаться делать СНТО в ходе своих, хочется надеяться, немалочисленных мероприятий.

Под словом «творческое» в СНТО подразумеваются не только гипотетические прожекты на будущее, но и работа уже существующих студенческих исполнительских коллективов, которые согласились с ним активно сотрудничать. В частности, это — «Резонанс» (худрук – студент КФ Александр Тлеуов) и «Mixtum compositum» (худрук – студент КФ Денис Писаревский). Предполагается, что их выступлениями будут отмечены наиболее крупные наши мероприятия.
В основной части – «науч-ной» – важно идти и вглубь, и вширь. «Вглубь» означает, что мы будем проводить своеобразные «мозговые штурмы» – циклы семинаров и лекций студентов и аспирантов (с обязательным их обсуждением), посвященных какой-либо актуальной теме (в нынешнем семестре – современному театру). «Вширь» – потому что эти семинары будут проводиться совместно с другими творческими вузами. Для начала это будет театроведческий факультет наших соседей –   ГИГИСа. Старшекурсники ГИТИСа придут со своими лекциями к нам, а консерваторские музыковеды, в свою очередь, расскажут в ГИТИСе о собственных работах. Ближе к зиме этот цикл семинаров перерастет в конференцию (в прошлом декабре в стенах МГК уже состоялась подобная молодежная конференция; ее организовала музыковед IV курса Мария Зачиняева, ныне секретарь СНТО).

Наконец, «студенческое». На самом деле, мероприятия СНТО открыты для посещения всем желающим. А для тех, кто захочет вступить в СНТО, формальная сторона вопроса сведена к минимуму: достаточно написать короткое заявление на адрес: snto_mgk@mail.ru. Информацию о мероприятиях Общества можно получить на сайте консерватории (www.mosconsv.ru/ru/groups.aspx?id=139436), а также страничке СНТО в соцсети «Вконтакте».

22 сентября 2014 исполнится 99 лет со дня рождения Григория Самуиловича Фрида, и именно на этот день намечен официальный старт нового СНТО. А в следующем году отметить 100-летие основателя будет делом чести для нашего студенческого клуба.

В ближайших планах – декабрьская студенческая конференция «Музыкальный и драматический театр: пересечения и взаимодействия» и мероприятия, посвященные Николаю Яковлевичу Мясковскому. А самыми первыми акциями (в конце сентября) станут лекция нашего сверстника, но уже известного театроведа Антона Хитрова (журнал «Театр», ГИТИС), а также экскурсия по выставке номинантов Премии Кандинского (главной российской премии в области визуального искусства). Выбирайте и присоединяйтесь!

Владислав Тарнопольский,
аспирант ИТФ, председатель СНТО МГК

№ 6 (1317), сентябрь 2014

Московская консерватория проводит множество различных мероприятий в сотрудничестве с другими творческими вузами России. Недавно в череде подобных событий состоялось еще одно, которое, надеемся, получит продолжение и станет долгосрочным проектом, достойно представляющим Alma mater в регионах России.

В Казани в апреле прошел благотворительный концерт в рамках музыкально-образовательного проекта «Музыка детских сердец», организованный совместно Московской и Казанской консерваториями по предложению В. Валитова, худрука Юношеского симфонического оркестра России им. Л. Николаева. Этот проект в 2014 году отмечает свой 10-летний юбилей. За эти годы он обрел известность (особенно за пределами Москвы!) как серия доступных программ, рассчитанных, в первую очередь, на детей и молодежь. Но последний концерт в Казани показал, что нет пределов вдохновению, желанию внести новое видение в хорошо известное и привычное, когда за дело берется команда единомышленников, уверенных в поддержке своих начинаний. Ведь за их спинами – наша консерватория…

Первое новшество, привнесенное оргкомитетом МГК – формат оркестра, превращающегося на время в «сводный»: в него вливаются музыканты того города, где и проходит концерт. Так, в Казани на сцену лучшего зала Республики Татарстан, безвозмездно предоставленного благодаря личному участию ректора Казанской консерватории проф. Р. К. Абдуллина, вышли студенты Московской и Казанской консерваторий, других учебных заведений Москвы и ребята из «Юниор-оркестра» колледжа при Казанской консерватории. Дирижировали попеременно два руководите-ля – В. Валитов и А. Гулишамбарова, худрук «Юниор-оркестра».

Да, мы все шли на определенный риск, ведь музыканты сводного оркестра, средний возраст которых не более 18-ти, увидели друг друга впервые лишь на репетиции, за день до концерта. До этого вся подготовка в течение 2-х месяцев велась на расстоянии. Не стоит говорить, каким мужеством, самообладанием и мастерством должны обладать дирижеры, чтобы буквально за несколько часов совместных репетиций собрать в единый «звучащий инструмент» два молодежных коллектива для исполнения совсем непростой программы.

Кстати, подход к ее составлению тоже явился новшеством. Его суть – в «региональной» направленности. В основу казанской программы легла тема «диалога культур»: Москвы, как столицы России, и Казани, как столицы тюркского мира. Шедевры из сокровищницы классики – «Ночь на Лысой горе» Мусоргского, «Половецкие пляски» Бородина, «Pezzo capriccioso» Чайковского (со-лист – Камиль Мухаметдинов), «Арлезианка» Бизе – переплелись с музыкой композиторов Татарстана (две части из балета «Шурале» классика Фарида Яруллина и «Казанская сюита» нашего современника Радика Салимова). Запоминающимся и ярким стало выступление студентки МГК Алии Водовозовой (флейта, кл. проф. А. М. Голышева), которая, помимо блистательно исполненной «Венгерской пасторальной фантазии» Ф. Допплера, преподнесла в качестве «музыкального сюрприза» собственную обработку татарской народной песни для флейты соло, чем еще больше расположила к себе слушателей, вызвав бурю аплодисментов.

Кстати, о публике хочется написать отдельно. Такие отзывчивость, внимание и трепет, с какими слушатели встречали каждый номер программы, с каким воодушевлением и радостью аплодировали всем участникам и оркестрантам, встречаются нечасто. А ведь слушателями бóльшей частью  были дети из детских домов, интернатов, социальных приютов, из многодетных семей, пригласить которых мы смогли благодаря помощи регионального отделения ВПП «Единая Россия» и благотворительных организаций Казани. Дети, которым выделили лучшие места в зале, выдержали 1,5-часовой музыкальный нон-стоп «на одном дыхании». И даже за пределами основной программы, во время исполнения знаменитого Adagio С. Барбера, прозвучавшего в память об Учителе обоих дирижеров, Маэстро Фуате Мансурове, в зале стояла такая пронзительная, звенящая тишина, что, казалось, время остановилось…

Но и среди этой детской аудитории были слушатели, для которых сами музыканты, находившиеся на сцене, возможно уже не казались «людьми из другого мира». Это были ребята из детского дома и интерната для слепых и слабовидящих из небольшого городка Лаишево, что в полутора часах езды от Казани. Потому что именно сюда за два дня до главного концерта мы – ребята из ЮСОР им. Л. Николаева, я как представитель оргкомитета МГК и Радик Салимов – приехали в сопровождении активисток благотворительной организации многодетных матерей «Нэчкебил», чтобы провести небольшой концерт-встречу.

Рассказ о том, как тепло, гостеприимно и душевно нас встретили – отдельная тема. Скажу лишь, что мы, задумав эту поездку, не предполагали, что она станет началом еще одного новшества. Настраиваясь по дороге в Лаишево на непростой концерт для неподготовленной и, думалось, сложной публики, мы оказались там в роли учеников, которым слушатели преподали настоящий урок «воспитания чувств» и «упражнения в отзывчивости»… Благодаря потрясающей поддержке и вниманию ребят, педагогов, руководства Лаишевского муниципалитета, молодые музыканты провели встречу удивительно профессионально  и  неформально – рассказали об инструментах, о музыке, ими исполняемой, поучаствовали вместе с детьми в занимательных викторинах и конкурсах на призы от Московской консерватории… В Казань мы возвращались уже немного другими людьми. И те, кто не был в Лаишево, наслышанные о поездке, подходили ко мне и просили в следующий раз, если будет такая возможность, обязательно взять их с собой.

Но вернемся к концерту. Он вызвал большой интерес у публики, был широко освещен местными СМИ, получил массу положительных откликов. Но самый главный вывод, который сделали мы, организаторы, родился позже – в обсуждениях с ребятами, комментариях, которыми они делились друг с другом и с нами в соцсетях: они говорили о впечатлениях от совместной работы, о важности полученного оркестрового опыта… Что ж, надеемся, что благодаря поддержке ректора А. С. Соколова, чье приветствие участникам и слушателям звучало перед началом концерта, нашим совместным планам и надеждам суждено осуществиться, и проект ЮСОР при поддержке МГК будет продолжен и отметит еще не один свой юбилей.

Ирина Голубенко

№ 5 (1316), май 2014

С 10 по 26 марта 2014 года в Московской консерватории и Академическом музыкальном колледже при МГК прошел XIV Московский международный органный фестиваль. За годы своего существования он стал ожидаемым и любимым весенним событием столицы. И в этом году руководителю фестиваля профессору Н. Н. Гуреевой удалось удивить уже искушенную в органной музыке московскую публику. На фестиваль были приглашены два широко известных в мире органиста, ярких и самобытных: Рауль Прието Рамирес (Испания) и Штефан Энгельс (Германия – США).

Рауль Прието Рамирес открывал фестиваль в Малом зале 10 марта. Молодой, но уже титулованный органист выступает с гастрольными турами по всему миру от концертных залов России до крупнейших сценических площадок Европы и США; читает лекции в университетах; работает в составе жюри международных конкурсов. Концерт состоял из двух частей: первое отделение было полностью посвящено испанской музыке, второе составляли нередко звучащие на сцене и любимые органные сочинения. Старинная испанская музыка малоизвестна в России и очень специфична, поэтому неоценимыми для публики оказались комментарии органиста, которыми он предварял каждый номер программы. Слушатели как бы совершили путешествие по картинной галерее, где каждая картина – музыкальное произведение со своей увлекательной историей и особенностями. Рауль поразил филигранной точностью, выделанностью музыкальной ткани каждого произведения, чему во многом способствовало виртуозное использование старинной органной аппликатуры и изучение музыки по историческим трактатам. Интерпретация произведений А. де Кабесона, П. Бруны, Х. Кабаниллеса вызвала бурную реакцию публики, с большим теплом приветствовавшей темпераментного испанца.

Концерт органиста Штефана Энгельса 26 марта закрывал фестиваль. Энгельс – личность неординарная, многогранная. С 2005 года он является профессором Высшей школы музыки и театрального искусства имени Феликса Мендельсона-Бартольди в Лейпциге. Неслучайным поэтому кажется выбор основной идеи концерта, имевшего название «Лейпцигские органные традиции». В первом отделении публика познакомилась с редко звучащими сочинениями К. Хойера, Р. Шумана, З. Карг-Эллерта. В интерпретации органиста они прозвучали ярко, самобытно, индивидуально не только за счет продуманной и стройной регистровки, но и благодаря особенным приемам игры на органе Малого зала, казалось бы, не очень приспособленном для игры музыки XIX века. В умелых руках орган звучал необыкновенно мягко и романтично! Особенно поразили тончайшие градации в применении легато. Штефан Энгельс покорил московскую публику непосредственностью, ощущением легкости (даже в труднейших технически произведениях) и естественности в подаче той или иной музыки. Второе отделение было полностью построено на произведениях И. С. Баха, и здесь органисту удалось представить творчество любимого немецкого композитора в совершенно новых ракурсах. До мажорный концерт BWV 594 был очень своеобразно сыгран в Stylus fantasticus, а Прелюдия и фуга ре минор BWV 539 прозвучала камерно, в оригинальной регистровке, имитирующей скрипичную игру.

18 марта в Малом зале консерватории состоялся концерт учеников профессора Ш. Энгельса. Концерт вызвал интерес, как и у широкой публики, так и у студентов органистов московских ВУЗов. Студенты Высшей школы музыки в Лейпциге продемонстрировали прекрасно построенную программу и хороший исполнительский уровень. Особенно запомнились два музыканта: Феликс Менде, очень глубоко исполнивший три Лейпцигских хорала Баха на тему «Allein Gott in der Höh’ sei Erh», и виртуозная органистка Сора Ю, сыгравшая две хоральные прелюдии Брамса и Хоральные вариации на тему «Veni Creator» Дюруфле.

Как и прежде на фестивале выступали не только известные органисты, но и совсем юные. 16 марта на сцену зала Академического музыкального колледжа при консерватории вышли учащиеся ДМШ Москвы и ДМШ АМК при МГК, а 20 марта на той же сцене состоялся концерт студентов органного класса колледжа. Хотелось бы отметить исполнение юного, одаренного Владимира Скороходова, ученика Г. В. Семеновой.

22 марта на сцене Малого зала прошел концерт памяти профессора А. Ф. Гедике, основателя московской органной школы. Студенты и аспиранты кафедры органа Наталия Абрютина, Анна Орлова, Ярослав Станишевский, Софья Иглицкая, Анастасия Сидоркина, Наталья Ужви, Анна Никулина, Марина Бадмаева, Екатерина Спиркина, Ирина Шашкова-Петерсен, Михаил Каталиков, Денис Писаревский исполнили яркую и разнообразную программу. Концерт украсили интересные ансамбли: в дуэте с органом играли валторнисты (Давид Короповский, Евгений Круглов), гитаристы (Глеб Ласкин, Иван Мурин). Альтист Дмитрий Красников в дуэте с органисткой Анастасией Сидоркиной великолепно исполнили Адажио для альта и органа «Kol Nidrei» М. Бруха. Растрогал публику скрипичный ансамбль «L’Continuum» под руководством Елизаветы Ярцевой, состоящий из учащихся Детской музыкальной школы Академического музыкального колледжа при Московской консерватории (партия органа – Анна Орлова). В исполненных ансамблем сочинениях Дж. Габриелли, А. де Кабесона и Г. Ф. Генделя господствовала гармония, изящество, ясность и интонационная чистота. Изюминкой концерта стало исполнение Мариной Бадмаевой авторских переложений для органа сочинения М. И. Глинки: Херувимской песни (переложение для органа В. Агафонникова) и Тарантеллы (переложение для органа Д. Дианова). По зрелости, осмысленности интерпретации и техническому совершенству выделялась игра ассистента-стажера Московской консерватории Натальи Ужви, исполнившей Три пьесы соч.47 М. Регера. В подготовке концерта участвовали педагоги кафедры органа и клавесина Московской консерватории: профессор А. А. Паршин, доценты Л. Б. Шишханова, А. С. Семенов, Д. В. Дианов, ст. преп. А. М. Шмитов, ассистент К. С. Волостнов. Слова благодарности хочется сказать бессменному органному мастеру консерватории – Н. В. Малиной.

До свидания Четырнадцатый и до встречи юбилейный Пятнадцатый Московский международный органный фестиваль!

Олеся Кравченко

№ 5 (1316), май 2014

Концерты иранской классической музыки в Московской государственной консерватории – явление одновременно ожидаемое и непредсказуемое. Как, впрочем, и все, что происходит в музыкальном пространстве Москвы благодаря уникальной по своему размаху деятельности научно-творческого центра «Музыкальные культуры мира». Череда фестивалей, концерты японской, китайской, корейской, латиноамериканской музыки, один интереснее другого. Значение этой деятельности трудно переоценить. Даже на расстоянии, не присутствуя непосредственно на этих событиях, ощущаешь невероятный приток новой, свежей, требующей особого осмысления музыкальной информации, которой нам так катастрофически не хватает.

Организация концертов иранской классической музыки – результат планомерной работы с молодыми, но уже, без преувеличения, выдающимися иранскими музыкантами. Они являются одновременно и носителями древнейших традиций, и вместе с тем представителями нового поколения, в творчестве которых эти традиции живут современной, актуальной жизнью. Отрадно слышать, как от концерта к концерту совершенствуется их мастерство. Особенно хочется отметить творчество Хосейна Нуршарга, певца, наделенного невероятным по силе и выразительности голосом, носителя древнейших традиций иранской музыки. Несомненно то, что мы являемся свидетелями рождения уникального таланта, выполняющего особую миссию: нести людям радость и мир, способствовать их духовному совершенствованию. Я уже несколько лет регулярно езжу на его концерты из Минска, поскольку чувствую в этом огромную профессиональную и человеческую потребность.

В этом году вместе со мной на концерт «Легенда луны» с участием Хосейна Нуршарга и группы «Гамар», руководимой Навидом Дэхганом, выехала группа моих студентов. Вот что пишет одна из них, Юлия Ивченкова:

«Когда я ехала в Москву провести выходные дни в хорошей компании, я, не приняв всерьез слова нашего преподавателя, которая каждый раз преодолевает 700 километров, чтобы попасть на концерт Хосейна Нуршарга, никак не могла ожидать, что мне предстоит получить самое яркое музыкальное впечатление за всю мою жизнь и испытать одно из глубочайших духовных переживаний.

Первые минуты концерта ничего не было понятно. Для совершенно неподготовленного, развитого на европейской культуре слуха доносившееся со сцены воспринималось звучанием совершенно незнакомого языка: ни одной узнаваемой детали, никаких ассоциаций, в канву которых можно было бы встроить получаемый новый опыт и как-то назвать, определить его. Вспоминаю, как в шестом классе учительница испанского говорила мне, тонущей в массе незнакомых слов неадаптированного текста: “Не спеши хвататься за словарь: за любым текстом стоит человек, пожелай понять человека, настройся на него, и смысл текста начнет приоткрываться как будто сам собой”. И через короткое время я почувствовала, что мне не нужен ни переводчик, ни комментатор. Возникло ощущение, что мы, слушатели, находимся не около музицирующих, внимая им, а внутри того процесса творения музыки, который происходил в зале. Ощущение соучастия, которое трансформировалось в удивительное глубокое ощущение-знание, что все мы намного старше одной человеческой жизни и что все мы – одно, не разделенное на народы, возрастам, эпохам, культурам, видам и пр.

Концерт-медитация, концерт-терапия, концерт-промывание души изнутри. После него долго молчишь, стараясь не расплескать полученное, всматриваясь внутрь, в свою жизнь в стремлении сонастроить ее с тем камертоном, которым стало пережитое в зале.

Прочувствовалось, что избитые клише о “музыке, берущей за душу и проникающей в сердце” являются не красивым преувеличением, а констатацией факта, проявляющегося в физических ощущениях. И открылось, что такой же констатацией факта, не метафорой, оказываются слова о “музыканте, владеющем сердцами”. Я имела счастье и честь взаимодействовать с одним из людей, от которых реально – в отличие от политиков пусть самого высокого уровня – зависит то, каким является сегодня населяемый нами мир. Одним из тех, кто управляет некими базовыми уровнями, над которыми надстраиваются быстро сменяющие друг друга характеристики экономического и социального (и в некоторой мере даже культурного) толка. Тем, кто способен напомнить слушающим, порой теряющим ориентир в жизни, о том, чтó есть человек».

Красноречивые слова, не правда ли? Я связана с изучением музыкальных культур мира почти четыре десятилетия, и вот уже более 20 лет преподаю курс, посвященный музыкальным культурам мира, в Белорусской государственной академии музыки, поэтому могу сказать, что миссия, которую несет Центр, управляемый бессменными трудами его научного руководителя Маргариты Каратыгиной, является важной не только для общества, но и для каждого из тех людей, кто стоит на пути своего профессионального, духовного, человеческого совершенствования. Уверена, что концерты подобного художественного уровня в наши дни можно услышать редко, и какое счастье, что они происходят в Московской консерватории! Здесь сложился для них свой круг публики, для которой каждый из них, без преувеличения, становится событием огромного не только культурного, но и общечеловеческого значения.

И закончить этот материал хотелось бы вновь словами нашего минского коллеги Юрия Зиссера: «Это был уникальный опыт. Удивительная музыка, меняющая взгляд на мир. Солист Хосейн Нуршарг просто-таки излучал энергию, а музыканты проявили высочайший профессионализм. Большое спасибо организаторам за праздник!»

Елена Гороховик,
доцент Белорусской академии музыки

№ 5 (1316), май 2014

По сложившейся на кафедре дирижерского отделения традиции студенты 3-го курса ежегодно проходят практику в Государственном академическом ансамбле песни и пляски внутренних войск МВД. 4-го апреля состоялся итоговый концерт, венчающий их трехнедельную работу, который всегда проходит под лозунгом «Военной музыки веселье».

Для студентов-дирижеров практика в ансамбле МВД – не просто еще один экзамен. Это три удивительные недели, которые ждут с нетерпением. Огромный хор ансамбля, насчитывающий 70 человек (солдаты срочной службы, прапорщики, имеющие музыкальное образование и профессиональные вокалисты), а также солисты, среди которых почти все Заслуженные артисты, – все это придает работе особую творческую атмосферу, а концерт делает настоящим праздником.

Замечательный репертуар, включающий в себя горячо любимые и знакомые с детства песни, дает студентам возможность самим выбрать любую из предложенных к практике. На концерте 4-го апреля прозвучали: «Соловьи России» В. Левашова, «Гляжу в озера синие» Л. Афанасьева, «Баллада о матери» Е. Мартынова, и бравые «Черноглазая казачка» М. Блантера, «Смуглянка» Ан. Новикова. Студенты порадовали публику и такими песнями, как «Батяня-комбат» И. Матвиенко, «Песенка фронтового шофера» Б. Мокроусова и «Песенка военных корреспондентов» М. Блантера.

Для нас практика с военным хором и оркестром – задача не простая. Требуется особая четкость жеста, необходимая оркестру, не стоит забывать и о выразительности в звучании хора и солистов. Работа с таким ансамблем была новой, но все успешно справились с поставленной задачей, заслужив высокие оценки не только у педагогов и самих участников концерта, но и у публики. Несмотря на дневное время, в зале не было свободных мест – так много пришло людей, любящих хоровое искусство. Концерт действительно стал праздником.

Хочется поблагодарить всех за предоставленную возможность подлинного сотворчества: худрука ансамбля и руководителя педагогической практики, Народного артиста РСФСР, генерала-майора внутренней службы В. П. Елисеева; главного хормейстера, Заслуженную артистку России Л. Богомолову; хормейстера, Заслуженную артистку России Ю. Дементьеву; руководителя оркестра, Заслуженного артиста России В. Кузнецова; и, конечно педагогов кафедры хорового дирижирования, особо – декана, проф. А. М. Рудневского и заведующего хоровым отделением, проф. С. С. Калинина. А нынешним и будущим студентам-хоровикам 3-го курса пожелать вдохновения и творческих побед!

Любовь Пивоварова,
студентка III курса ДФ