№9 (1392), декабрь 2022 года

Родион Константинович Щедрин, наш славный соотечественник, 16 декабря встречает свой большой юбилей. Московская консерватория приветствует своего именитого выпускника, а ныне – ее почетного профессора в день его 90-летия! Будучи одним из выдающихся музыкантов ХХ века, композитор Родион Щедрин и в новом столетии продолжает свою активную творческую деятельность.

Уже в XXI веке Щедрин создал четыре оперы, тут же вышедшие на сцену, – «Очарованный странник», «Боярыня Морозова», «Левша», «Рождественская сказка» (все на либретто самого Щедрина); сочинения с оркестром – «Диалоги с Шостаковичем», «Гейлигенштадтское завещание», «Parabola concertante» (с соло виолончели), «Concerto lontano» (с соло фортепиано), «Клеопатра и змея» (с соло сопрано), «Приключения обезьяны» с индивидуальным составом; около двух десятков камерных произведений самых разных составов, в том числе с вокалом (цикл «Век мой, зверь мой» на слова О. Мандельштама), «Лирические сцены» для ансамбля инструментов, «Баллада Гамлета» для ансамбля  виолончелей, «Dies irae» для органа и трех труб, циклы и отдельные пьесы для фортепиано; а также свыше двадцати опусов для хора a cappella.

Чуткá к личности Щедрина оставалась также и родина – Россия. Камерный хор Московской консерватории постоянно содержит в своем репертуаре его музыку, осуществляя и премьеры. Долгие годы этим процессом руководил профессор Б.Г. Тевлин, а после его ухода из жизни коллектив возглавил профессор А.В. Соловьёв, плавно продолжив сложившуюся традицию. И к 85-летию Щедрина, в декабре 2017 года Александр Соловьёв, став художественным руководителем Всероссийского фестиваля «Запечатленный ангел» (по названию произведения Щедрина!), со своим хором проехал Россию из конца в конец: Нижний Новгород, Петербург, Владивосток, Боровск, Калуга, Красноярск, Оренбург, Саратов, Сургут, Тула, Улан-Удэ, Москва.

Запомнилась и необыкновенная встреча Камерного хора Московской консерватории с Щедриным в апреле 2021 года, организованная А.В. Соловьёвым и ректором Консерватории А.С. Соколовым (см. «РМ», 2021, №5). Присутствующие задавали вопросы, хор пел, но главное – Alma mater столь обжигающе горячо выразила радость и гордость своему давнему выпускнику, славящему Россию на весь мир, что вряд ли Родион Константинович в другой точке земли был бы опален таким огнем эмоций.

85-летие композитора было отмечено и на самом высоком, государственном уровне. Президент РФ В.В. Путин (который знал Р.К. Щедрина лично, бывал на концертах) наградил его орденом Почета и подарил картину В. Денисова «Монтажник-высотник», остроумно обыграв всем известную песню композитора «Марш монтажников-высотников» из кинофильма «Высота».

Наконец, творчество Щедрина в свои мощные руки взял один из ведущих дирижеров современности, художественный руководитель и генеральный директор Мариинского театра Валерий Гергиев. Приближаясь к 90-летнему юбилею композитора, за год до него, в 2021 году, он провел в Петербурге неслыханную «неделю Щедрина», где исполнил в присутствии автора следующие сочинения: оперы «Очарованный странник», «Левша», «Боярыня Морозова»; балеты «Конек-Горбунок», «Кармен-сюита»; симфоническую сказку «Приключения обезьяны». Добавлены были два показа балета «Анна Каренина». Ранее в репертуар Мариинского театра входили также оперы «Мертвые души», «Не только любовь», «Лолита» и «Рождественская сказка». «Левша» же был сочинен к открытию новой сцены театра в 2013 году и в день премьеры произошло событие, в высшей степени почетное для автора всей этой музыки: по инициативе Гергиева Камерный зал в Мариинке-2 получил имя Родиона Щедрина. «Большая честь для меня!» – сказал герой, в честь которого назвали зал.

Две российские знаменитости – супруги М. Плисецкая и Р. Щедрин – в 2000 году создали «Международный фонд Майи Плисецкой и Родиона Щедрина», который располагается в Майнце (Германия). Молодые музыканты начали получать «Премии камерной музыки Родиона Щедрина» (2005, 2006, 2014, 2017 и др.). Свои же творческие архивы Родион Константинович и Майя Михайловна в 2006 году в торжественной обстановке передали в крупнейший российский фонд РГАЛИ: 67 больших коробок, в том числе рукописи сочинений Щедрина. Множатся почетные регалии, присуждаемые в разных странах. В американском Питтсбурге Щедрина объявили «композитором года». Во французском Сен-Назере Щедрин и Плисецкая получили медали почетных граждан города, а на Международном фестивале там же были исполнены 22 (!) произведения Щедрина (по несколько концертов в день, чего у него еще не бывало!). Выступали музыканты из Японии, Голландии, Франции, США и России (Екатерина Мечетина). Автор с удовлетворением констатирует: «публика вынесла такое обилие моей музыки без чрезмерного перенапряжения».

В этом кипении успехов и преуспевания 2 мая 2015 года произошла непоправимая трагедия: ушла из жизни от инсульта бесценная Майя Плисецкая, с которой они прожили вместе 57 лет. Всего полгода не дожила она до своего 90-летия, празднование которого супруги намечали и обсуждали. В реальность ухода Майи Щедрин никак не может поверить: «Она все время рядом со мной, я болею этим, мне ее не хватает каждый день…». В их мюнхенском доме он расставляет вокруг рояля цветы, которые любила жена, а в своей музыке запечатлел неизбывную память о ней – в «Мессе поминовения» (2018).

Родион Щедрин в философии и эстетике своего творчества продолжает важные свойства русской классической культуры. Одно из них – высота нравственности, – проходит во всех сюжетах его опер. В «Рождественской сказке» наглядно противопоставлены Замарашка и Злыдня, и поскольку это сказка, то добро с очевидностью берет верх над злом. Сложнее обстоит дело в трагедиях «Левша» и «Боярыня Морозова», где герои погибают: их нравственную правоту композитор воплощает, выводя финалы в сверх-земную сферу, для чего прибегает к звучанию церковных молитв.

Композитор проводит через собственную индивидуальность и «смеховую культуру», с которой связал себя давным-давно. Он сочинил «Озорные частушки» для оркестра, ввел частушку в ранний Первый фортепианный концерт, написал «Юмореску» для фортепиано, кантату «Бюрократиада», музыку к «Мистерии-буфф» по Маяковскому, оперу «Мертвые души», «Балалайку» для скрипки без смычка, «Приключения обезьяны» по рассказу Зощенко.

О том, как ощущает себя Щедрин в окружении «левых крайностей» своего времени, можно судить, например, по его оценке творчества Оливье Мессиана. Он лично общался с французским мэтром, когда они сидели в одном жюри Международного конкурса пианистов памяти Глена Гульда (1985). Щедрин говорил, что Мессиан «не перешел в авангардную веру, не сменил своих знамен, не поменял одежд», избежал отчуждения от аудитории «благодаря своей стойкости, истинно святостному отношению к искусству», он «как бы во всеуслышание внятно и громко провозгласил: можно и по-другому!».

В музыкальном языке Щедрин выработал удивительно прочную и надежную собственную систему. В звуковысотности он выдерживает 12-полутоновость, но организует ее особым образом, с функциональной локализацией диатоники и хроматики. Это хорошо видно в операх: положительным персонажам дается больше диатоники (Аввакум, Морозова), а чем более персонаж или ситуация отрицательны, тем полнее активизируется хроматика. Своеобразно происходит и взаимодействие с классической тональностью: она у него присутствует, но структурно отодвигается на дальний план.

Важное значение Щедрин придает ритму, вырабатывая множество ритмо-остинатных форм, простирающихся на десятки тактов и создающих сильное динамическое нагнетание. При этом он вовсе не прибегает к современному минимализму, кажущемуся ему безмерно скучным («сиди и читай программку»). Остинатные ритмоформы можно считать оригинальной находкой его индивидуального стиля, чему можно у него и поучиться. А в отношении тембров и артикуляции Щедрин может считаться самым настоящим авангардистом, столько у него новаторских изобретений. И не абстрактных, а реалистических: инструмент пила, милицейский свисток, изображение плеска воды, аплодисментов, даже уникального лая собаки, вписанного в партитуру («Приключения обезьяны»). Композитор продуманно организует и баланс традиционных и нетрадиционных форм. И вся эта свежесть, оригинальность, яркость и впечатляемость музыкальных средств идет от творческого дара его личности. Поистине, Щедрин – гений собственной индивидуальности!

Как музыкальная фигура композитор Родион Щедрин востребован во всем мире: и исполнителями, и организаторами, и публикой. «Мне грех жаловаться, – говорит он. – Любая моя нота встречает у исполнителей интерес и желание исполнять». Он пишет только по заказу и признается, что, «пожалуй, никогда столько не работал». Мы поздравляем композитора с впечатляющим юбилеем и желаем ему новых успехов, все той же неиссякаемой энергии и безграничных духовных и физических сил!

Профессор В.Н. Холопова

№9 (1392), декабрь 2022 года

В Рахманиновском зале Московской консерватории 3 октября состоялся гала-концерт Фестиваля ансамблей медных духовых и ударных инструментов. Такие фестивали – явление пока нечастое в российских реалиях. Его идейным вдохновителем и организатором стал доцент А.А. Раев, также организаторами выступили и.о. заведующего кафедрой медных духовых и ударных инструментов профессор Э.Б. Юсупов, доцент А.О. Корнильев и доцент С.Ф. Бармин.

Концерт включил в себя несколько запоминающихся исполнений. Программа началась своеобразным exordium, яркой заставкой: прозвучали «Фанфары для обычного человека» А. Копланда (ее исполнил ансамбль медных духовых инструментов ГАСО России имени Е.Ф. Светланова) и «Фанфара ангелу», которую представил квартет трубачей-солистов и артистов оркестров Москвы. 

Руководитель Music Brass, тромбонист Дмитрий Булкин задал щелчком пальцев темп – и музыка началась. Раскованные по атмосфере произведения необычно сочетались с академической обстановкой Рахманиновского зала. При исполнении «Блюза жестяной крыши» с сочным соло тромбона с сурдиной музыканты активно взаимодействовали на сцене: синхронно двигались, обменивались подбадривающими жестами. А «Ночь в Тунисе» была отмечена запоминающимися соло трубы. В композиции Л. Бонфла из музыки к фильму «Черный Орфей» вновь было много солирующих моментов, в том числе в партии барабанщика. Публика восторженно приняла коллектив, зарядившись его энергией.

Парад инструментов продолжила «Рапсодия для виброфона и маримбы» М. Тейлора в исполнении Марии Захаркиной и Анны Смирновой, в которой основную тему, прихотливую по ритму и гармонии и первобытную по духу, перемежали более классические эпизоды. Девушки также представили не менее примечательный «Танец барабанов» Дж. Кошински, в нем кроме ударных инструментов была задействована большая морская раковина, из которой одна из исполнительниц извлекала призывный гул. Произведение воссоздало звуковой облик древнего мира, и покорило слушателей: артисток вызывали на бис. Завершил отделение Брасс-ансамбль артистов Большого театра, исполнив помпезный маршевый «Трубный глас» и джазовый «Кракен», в котором оглушительно прозвучали тромбоны.

Второе отделение открыли необычные по составу ансамбли, созданные силами Московской консерватории: хор тромбонов представил «Башенную музыку» В. Нельхайба с интересными минималистическими звуковыми наслоениями. Хор тубистов отличился разнообразием репертуара: за классическим гимном Te Deum М.-А. Шарпантье последовала казачья песня «Полно вам, снежочки» в обработке С. Бармина и П. Колесникова. 

Большой ансамбль медных духовых инструментов МГК завершил программу, слаженно сыграв душевный и местами удивительно прозрачный по звучанию «Салют любви» Э. Элгара, а также Концерт для гобоя с оркестром В. Беллини в переложении для экзотически прозвучавшей трубы пикколо, романтический «Опустевший собор» О. Питерсона. Итог концерта музыканты подвели вечной классикой – Триумфальным маршем из оперы «Аида» Дж. Верди.

• 

• 

По окончании концерта доцент А.А. Раев ответил на несколько вопросов:

– Алексей Александрович, как Вы думаете, в чем важность этого фестиваля?

– Фестиваль дает возможность выступить классическим музыкантам, посоревноваться, услышать и увидеть своих коллег. Ведь у исполнителей подчас бывает такая ситуация, когда человек засиделся в своем оркестре, но внутри живет такой червячок, который говорит, что нужно музицировать при любой возможности. Фестиваль как раз собрал таких, уже состоявшихся артистов из разных коллективов.

– Это своего рода брасс-фестиваль?

– Наш фестиваль называется: Фестиваль ансамблей медных духовых и ударных инструментов. От слова «брасс» в названии решено было отказаться, поскольку оно и так часто присутствует в названии коллективов. Исполнители нуждаются именно в ансамблевых взаимодействиях. Ведь все студенты в период обучения мыслят себя как солисты, а потом, в основном, работают в коллективах. В Европе ансамблевая практика более развита – как правило, обучающийся там участвует минимум в пяти ансамблях. 

– И кто участвовал в Фестивале?

– В Фестивале приняли участие довольно редкие ансамбли – например, хор тубистов с эксклюзивными аранжировками, хор валторн и хор тромбонов. Такой набор исполнителей интересен и визуально, и акустически. В дальнейшем возможно объединить ансамбли в один коллектив в рамках гала-концерта. 

– Вы придумали для программ и что-то оригинальное?

– Первый концерт Фестиваля проходил во Всемирный день музыки. Его открыли ансамбли учащихся Академического музыкального училища при МГК имени П.И. Чайковского и студентов Московской консерватории. А во втором отделении ансамбль Music Brass представил интересную литературно-музыкальную композицию «Медная сказка». В ней рассказывалось про хороших веселых духовиков, «плохую» планету Дилижамба, населенную дирижерами, и про недопонимание между ними. В ходе представления из зала на сцену вывели юного героя – маленького мальчика, которому поручили продирижировать, – получился настоящий перформанс!

Фестиваль понравился публике – проба пера удалась! А пущенные им корни обязательно дадут побеги и расцветут в новых творческих встречах, которые должны стать ежегодными.

Дарья Малкова, IV курс НКФ, музыковедение

Фото Панкрата Колесникова

№9 (1392), декабрь 2022 года

Сергей Дягилев – великий деятель русской культуры, сияющее имя на ее небосклоне (см. «РМ» 2022, №7). Прошло 150 лет со дня его рождения, а благодарные потомки не перестают поражаться многообразию и значительности того, что он сделал для русского и мирового искусства. Юбилей выдающегося Мастера, потрясшего мир триумфальными «Русскими сезонами», ознаменовался двумя крупными культурными событиями в Москве. Осенью 2022 года Московская консерватория провела фестиваль «Музыка дягилевских сезонов», а 4 октября в Третьяковской галерее открылась выставка «Дягилев. Генеральная репетиция», на которой были представлены костюмы и эскизы декораций к балетам «Русских сезонов».

Такой альянс закономерно проистекает из деятельности импресарио: одним из его важнейших принципов был синтез искусств. Человек с необычайно широким кругом интересов, Дягилев не раз устраивал выставки живописи, способствуя продвижению творчества талантливых молодых художников, значительно обновил музейное дело. Он же организовывал музыкальные вечера, на которых звучали сочинения русских композиторов – началом деятельности импресарио в Париже стали Исторические русские концерты.

Проект Дягилевского фестиваля, возникший по инициативе профессора И.А. Скворцовой, зародился еще в 2021 году. Его истоком стала масштабная научно-практическая конференция «Синтез искусств – поле эксперимента: история, теория, практика», которая объединила специалистов в различных областях культуры. Успех мероприятия вызвал идею проведения фестиваля, осуществленного преподавателями кафедры истории русской музыки.

«Музыка дягилевских сезонов» включила в себя три концерта, посвященных композиторам, так или иначе связанным с антрепризой Дягилева. На открытии фестиваля 28 сентября в Рахманиновском зале были исполнены произведения С.В. Рахманинова. Этот выбор отнюдь неслучаен – композитор принимал участие в Исторических концертах, в том числе как пианист и дирижер. 28 октября в зале им. Н.Я. Мясковского прозвучал второй концерт, составленный из сочинений Н.А. Римского-Корсакова и М.И. Глинки: спектакли на их музыку были жемчужинами блистательного репертуара Дягилевской труппы. А кульминацией фестиваля стал заключительный концерт 8 ноября на сцене БЗК. Этот вечер оказался событием уникальным: впервые в России был исполнен балет «Русские сказки» на музыку А.К. Лядова. В программу вечера вошел и последний из балетов Стравинского, поставленных труппой Дягилева – «Аполлон Мусагет».

Премьера «Русских сказок» состоялась в 1917 году. Заслуживает внимания история возникновения балета. Прекрасный знаток русской музыки, Дягилев зачастую выступал не только инициатором, но и соавтором спектакля, определял драматургический замысел и последовательность номеров. Некоторые балеты «Русских сезонов» были своего рода «антологией» из произведений одного или нескольких композиторов. На этот раз, внимание импресарио привлекли сочинения Лядова – одного из самобытнейших представителей русского модерна. Импресарио отобрал несколько номеров из оркестрового цикла «Восемь русских народных песен», две фортепианные пьесы и симфонические картины «Кикимора» и «Баба-Яга». Красочности и яркости музыки отвечала оригинальность декораций – художниками выступили М.Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.

• 

• 

Возвращение «Русских сказок» слушателям стало возможным благодаря кропотливой архивной работе, проделанной организаторами фестиваля. Был установлен порядок следования номеров балета, а композитор, доцент кафедры сочинения К.А. Бодров мастерски, в полном соответствии стилю Лядова, специально для проекта оркестровал фортепианные пьесы. Создатели фестиваля стремились вернуть русские симфонические шедевры современной публике. И это удалось сполна!

У двух дягилевских балетов, прозвучавших на заключительном концерте, было два интерпретатора-дирижера: народный артист России, художественный руководитель Камерного оркестра Московской консерватории, доцент Ф.П. Коробов, и его ученик Федор Безносиков (известный скрипач, преподаватель МГК и студент второго курса дирижерско-симфонического факультета). Маэстро Коробов блистательно передал тончайшие нюансы музыки Лядова, подчеркнув выразительность и своеобразие каждого номера балета: фольклорную стилизацию «На лужайке» и «Протяжной», созерцательную лирику «Прелюдии», зловещую фантастику «Кикиморы» и «Бабы-Яги». А прочтение «Аполлона Мусагета» Стравинского Ф. Безносиковым далеко превзошло ученические рамки: молодому дирижеру удалось выявить скрытую экспрессию «графического» неоклассицистского балета, раскрыть его главную идею – воспевание красоты и искусства.

Следуя идее Дягилева о синтезе искусств, организаторы вечера постарались соединить слышимое и видимое, музыкальное (оркестровое звучание) и визуальное (презентация на экране). Видеосопровождение «Аполлона» и «Русских сказок» относится к бесспорным удачам проекта. Его авторы создали живописный фон из работ блистательных художников – современников и сподвижников Дягилева: А.Н. Бенуа, Н.С. Гончаровой, Л.С. Бакста, И.Я. Билибина. Презентация не стремилась проиллюстрировать каждую деталь звучавшей музыки, но отражала ее дух и помогла слушателям-зрителям погрузиться в волшебный мир русского модерна. Способствовали этому и буклет фестиваля, оформленный в эффектно-броском стиле, столь типичном для дягилевской антрепризы, а также вступительное слово профессора И.А. Скворцовой, которая рассказала важнейшие факты о деятельности Дягилева и раскрыла значимость его постановок для мировой культуры.

Заключительный концерт фестиваля «Музыка дягилевских сезонов» стал подлинным проникновением в мир творческих исканий Сергея Павловича Дягилева, человека, который открыл миру богатства русского искусства и потому заслужил благодарность современников и потомков.

Профессор Е.Б. Долинская, кафедра истории русской музыки

Фото Дениса Рылова

№9 (1392), декабрь 2022 года

29 сентября в Галерее Нико состоялся концерт фортепианной музыки в исполнении профессора А.Б. Любимова. Программа объединила сочинения трех композиторов: Комитаса, Георгия Гурджиева и Валентина Сильвестрова.

Концерт академической музыки вне концертного зала – то, что освобождает исполнителей и слушателей от условности мягких скрипучих кресел, первого (второго, третьего…) звонка и антрактного бутерброда в буфете. Устаревшая атрибутика академичности сменяется простотой, свободой, открытостью восприятия. Особенно любопытная трансформация концерта происходит в новых выставочных залах, картинных галереях и других изначально не музыкальных арт-пространствах. Изобразительное и звуковое в таком случае взаимообогащают друг друга – происходит игра смыслами и высвечиваются новые грани и того, и другого.

В Галерее Нико этот новый синтез представлен очень естественно и удачно. Николай Никогосян, армянский скульптор и художник, выстроил это место как мастерскую для своих самых монументальных скульптур, а сейчас оно функционирует как музей его работ – выставочный зал и открытое различным творческим проектам пространство. Рояль находится в центре вместительного белого зала с замечательной акустикой, прямо под стеклянным куполом. Перед ним на том же уровне – зрительный зал. А вокруг зала и за роялем теснится и наблюдает за происходящим наследие Никогосяна. Ощущение концертного пространства в окружении суровых портретных образов укрупняется, углубляется. На композиторов, ученых, актеров, балерин еще недавно смотрели посетители галереи, а сейчас они сами стали зрителями. Их соседство привносит какую-то торжественность в происходящее. В паузах между композициями тишина становится практически звенящей.

Трио композиторов, чья музыка была представлена на концерте, на первый взгляд, обескураживает. Гурджиев, Комитас, Сильвестров – совершенно разные и по времени, и по духу. Да и популярной классикой их назвать никак нельзя: если Сильвестрова стали чаще исполнять в последнее время, то Комитас звучит гораздо реже. Мистик же Гурджиев в своем сотворчестве с Тома де Гартманом, непривычном для приверженцев идее авторства (Гурджиев не был музыкантом и свои опусы Гартману буквально «напевал»), вообще практически не знаком слушателю. Но в галерее Нико выявился общий знаменатель их произведений – медитативное течение музыки, которая, казалось, выплывала из тишины и ее продлевала. Такая особенность, впрочем, характерна для многих последних клавирабендов Алексея Любимова. Тонкость и точность его игры вводит и слушателей тоже в некий транс.

Отделения концерта традиционно были выстроены в хронологической последовательности (от первой половины XX к началу XXI века) – пусть и не строгой. Но в такой музыкальной диспозиции можно усмотреть и другие закономерности. Во-первых, вся прозвучавшая музыка опирается на некие исторические прообразы. У мистика Гурджиева в его цикле «Искатели истины. Путешествия в недоступные места» слышны интонации архаизированных восточных напевов – сам автор называет пьесы музыкой для духовных упражнений. Комитас обращается к армянским народным источникам и в ясном, классически-простом стиле обрабатывает их в своих «Семи песнях» – без слов, конечно же. Сильвестров в большинстве пьес представляет собирательный образ романтического стиля, подернутый дымкой времени. Это и ранняя «Китч-музыка», и образцы позднего стиля – Три багатели ор. 1, Четыре пьесы ор. 2, Три вальса и Постлюдия ор. 3, под, казалось бы, несолидными и несоответствующими количеству написанного номерами опусов. В результате образуется дополнительная перспектива, второй исторический пласт. Его элементы и предельно контрастны, и в каком-то смысле похожи – своей принципиально внеавторской, вневременнóй направленностью.

Параллельно с движением из глубины веков в Новое время определилась и эмоциональная направленность концерта. Гурджиев с самого начала приковал внимание мрачновато-пугающей архаикой (впрочем, с последующим просветлением). Комитас – теплотой армянских фольклорных интонаций. А Сильвестров в поразительно проникновенном исполнении Любимова погрузил зал в состояние ностальгической трогательной просветленности.

Кодой (или постлюдией) концерта стал единственный стилевой анахронизм – «Вестник-1996», исполненный с полностью закрытой крышкой рояля. Его моцартовские интонации постепенно истаяли в самых верхних регистрах. В этой светлой и тихой точке завершился концерт. Возможно, как некое утешение слушателям… 

Дана Денисова, студентка НКФ, музыковедение

Фото Гаянэ Никогосян

№9 (1392), декабрь 2022 года

После долгого перерыва, связанного с ковидом, возобновились концерты в зале консерваторского Музея им. Н.Г. Рубинштейна. И честь их открытия не случайно выпала именно Марлене Мош (сопрано), обладающей уникальной манерой исполнения, выступившей здесь 5 ноября с сольным концертом «Песнопения Армении из века в век». Программа выступления была построена таким образом, что слушатель мог наслаждаться как народными армянскими песнями, так и гусанскими, то есть авторскими песнями XIX–XX веков. Кроме того, на концерте прозвучали произведения классиков армянской культуры X–XX веков.

Стоит сказать о внешнем облике исполнительницы: ее национальный костюм подчеркнул природную красоту и очарование. Особо следует выделить то, что певица не просто поет, а создает образ, причем голос словно отражается в мимике, в жестах рук, движениях пальцев, в их пластике, и все вместе производит впечатление чистой гармонии. Это завораживает слушателя и уже не столь важно, что слова непонятны, возникает нечто большее – сопереживание слушающих. Проживая новый образ, певица с каждой песней преображается и увлекает за собой в таинственный мир армянских песнопений.

Выступление Марлены Мош началось с сольного исполнения песни «Садовник» (гусан Ширин, XIХ в.). Кроме «Садовника», прозвучала песня «Горы Сюни» (гусан Ашот, XХ в.), исполнение которой будто открывало слушателям горный пейзаж Южного Кавказа, долины покрытые цветами, высокое таинственное небо. Голос певицы передавал тончайшие движения души, приближал к нам, слушающим в XXI веке, мелодии древнего духа величественных гор.

Две народные песни «Ерем джан» и «Я малышка» были исполнены под аккомпанемент фортепиано. Первая из них прозвучала как диалог влюбленных. Певица, исполняя мужскую и женскую партии, сумела передать не только живые разговорные интонации армянского языка, но и яркие характеры беседующих. Вторая песня, легкая и радостная, как белое облачко среди лазури, раскрывала любящее девичье сердце – это песня для любимого. Своеобразной перекличкой с народными песнями оказалась и плясовая «Наз пар», исполненная как вокализ с фортепианным аккомпанементом.

Особого внимания заслуживает такой номер программы, как шаракан «Ес Дзайн зариицюн асем»/«Я Голос услышал» для голоса и ф-но. Это древнеармянское песнопение исполняется особым способом: своеобразным «купольным» пением, когда уста исполнителя почти не открываются. Такое пение можно уподобить нанизыванию жемчужных бусин на нить или молитвенному перебиранию четок в руках монаха. Вот как об этом говорит сама исполнительница в одном из интервью: «Армянский фольклор очень древний, а наша церковная музыка восходит к первым векам христианской эры. Я ее пою не как западную классику, а как древнюю восточно-христианскую музыку, чудом до нас дошедшую».

Примером такой музыки может служить и песнопение «Сайлн айн ичанэр»/«Песнь Воскресения»,созданное Григором Нарекаци́ (951–1003), который причислен армянской церковью к лику святых и известен, прежде всего, как автор «Книги скорбных песнопений». Исполненная Марленой «Песнь Воскресения» оставила в сердцах слушателей острое переживание евангельского сюжета, связанного с крестным путем на Голгофу и Воскресением Спасителя.

Другим образцом древней духовной музыки явилось исполненное в сопровождении ф-но песнопение Хачатура Таронаци́ (XII–XIII) «Хорхурд»/«Глубочайшая Заповедь». Автор был не только поэтом, музыкантом, но и церковным деятелем, теологом, его могила бережно сохраняется до наших дней на территории современной Армении в монастыре Агарцин, где он был настоятелем.

Песнопения XVIII века были представлены на концерте произведением знаменитого армянского поэта-ашуга Саят-Нова́ (1712–1795) «Аранц киз» («Что бы я делал без тебя?») в сольном исполнении. Это одическое восхваление возлюбленной, в нем торжественно поется о любви, прежде всего духовной, воспевается не только женская красота, но и готовность к самопожервованию ради любви к ближнему.

Высочайшим образцом классической армянской духовной музыки, безусловно, являются произведения Комитаса (1869–1935) – Согомона Геворка Согомоняна. «Каким-то чудом наш выдающийся национальный композитор Комитас сумел собрать древнейшие армянские песни. Он сумел также отсечь от них более поздние наслоения турецких и иранских мелодий», – заключает певица. На концерте исполнялось несколько его произведений: «Крунк»/«Журавль» (голос соло), «Кагавик»/«Куропаточка» (голос и ф- но), «Мокац Мирза» – имя героя текста (голос соло), «Алагяз» – название горы (голос и ф-но), «Гутанэрг»/«Пение плуга» (голос соло). Каждое из этих произведений в исполнении Марлены Мош буквально дышало благодаря не только артистическому таланту певицы, но и ее глубокой духовной силе. Все это заставляло верить в красоту и гармонию, переживать подлинное состояние счастья. Смею думать, что присутствовавшие на концерте не только слушали, но и увидели и грустного журавля с его прощальной печальной песней, и веселую звонкую куропаточку, и солидного Мокац Мирзу, и уходящую в поднебесье гору Алагяз, где растут душистые ладан-деревья, и пахаря с сеятелем (как библейские символы), идущих с песней за плугом.

Нельзя не сказать и о фортепианных пьесах Комитаса на народные темы, мастерски исполненных Александром Малкусом – деликатно и гармонично. Они действительно оказались тем дополняющим нужным фоном, как, впрочем, и весь фортепианный аккомпанемент, на котором ярче высветился вокальный дар Марлены Мош. Стоит отметить также древнюю армянскую пьесу в исполнении Вениамина Мясоедова на шалюмо – духовом инструменте из абрикосового дерева, по своему звучанию напоминающем древний дудук. Глубокое бархатное звучание шалюмо словно приближало слушателей к далеким ушедшим временам. 

В чем же состоит особенность древней армянской музыки? «В ней есть глубинная мудрость, дух древнего народа. Одновременно встречаются безудержная бурная радость и глубокая скорбь, печаль. Здесь есть связь времен, есть ощущение, что все суета сует», – так отвечает на этот вопрос Марлена Мош. И ей, на наш взгляд, вполне удается осуществить связь времен, донести до своих современников живое звучание далеких песнопений, подняться над временем, стать свидетелем давно ушедшего, войти в него и ощутить его пульс, его биение. В заключение хочется пожелать Марлене новых творческих успехов, открытий и озарений, новых встреч с публикой, которая всегда с нетерпением ждет встречи с этой неповторимой певицей.

Антонина Белова, поэт, член Союза писателей России, кандидат филологических наук

№8 (1391), ноябрь 2022 года

21 октября 2022 года закончился Международный музыкальный фестиваль «Россия – Вселенная звука» – масштабный и чрезвычайно важный в современной ситуации культурный проект, охвативший своими событиями огромную многонациональную территорию нашей страны, от Чукотки до Дагестана. Он проводился Московской консерваторией при поддержке Президентского фонда культурных инициатив на основе своего ежегодного фестиваля «Вселенная звука», имеющего уже 20-летний стаж и широкую международную поддержку. 

В этом году в свете Указа Президента РФ В.В. Путина «О проведении в Российской Федерации Года культурного наследия народов России» и в ситуации объявленного Западом «запрета» культуры и искусства России фестиваль сфокусировал свое внимание на внутренних культурных достижениях нашего многонационального народа. Под расширенным названием «Россия – Вселенная звука» он сплотил вокруг своих миротворческих и просветительских идей деятелей культуры, студенчество и общественность десяти регионов: Республики Алтай, Бурятии, Дагестана, Якутии, Татарстана, Тывы, Сахалина, Таймыра, Чукотки, Самарской области. К событиям фестиваля присоединились также гости из других стран: Индии, Ирана, Кореи, Монголии, США, Турции, Японии и Западной Сахары.

• 

• 

• 

Фестиваль получился чрезвычайно насыщенным и многоликим. Он выполнил свою главную цель –вовлечение как можно большей части населения России в обсуждение вопроса многонационального состава нашего общества. Возникла возможность для непосредственного диалога представителей разных культур друг с другом, чтобы люди смогли больше узнать друг о друге, научились слушать, слышать, понимать и уважать друг друга, невзирая на различия в этнической принадлежности, языках и обычаях.

Все без исключения программы отличались ярким колоритом и продуманным контентом. Для посетителей фестиваля была представлена широкая панорама традиций, бытующих на территории нашей страны. Однако отдельные выступления можно назвать подлинным открытием как для слушателей, так и для организаторов фестиваля. Речь идет об участии прямых носителей уникальных традиций крайнего востока и севера России: Чукотки, Сахалина и Таймыра.

Таймыр – самый северный полуостров Евразии, отличающийся обилием этнически самобытных музыкально-культурных традиций. В творческой программе фестиваля представители Таймыра выступали дважды: в июне в Москве и в октябре в Самаре. Большая лекция-демонстрация под названием «Напевы Таймырской тундры и музыкальные древности Сахалина» прошла в Лектории культурного центра «ЗИЛ» 15 июня 2022 года.

Встречу вела доктор искусствоведения, ведущий научный сотрудник Лаборатории комплексных геокультурных исследований Арктики Арктического государственного института культуры и искусств Оксана Эдуардовна Добжанская. Ей же принадлежит честь формирования совершенно уникальной группы иллюстраторов ее чрезвычайно познавательной лекции, представленной реальными носителями, сегодня уже крайне редких, традиций заполярного полуострова. 

По роду своей хозяйственной деятельности нганасаны принадлежат к арктическим охотникам на дикого северного оленя. Это один из древнейших народов Севера, сумевший частично сохранить элементы своей традиционной культуры, в том числе способы изготовления одежды из меха оленя и ее украшения орнаментами, вырезанными из кожи. Зрители с большим интересом и удивлением слушали в исполнении Алексея Чунанчара и Светланы Кудряковой иносказательную песню в жанре кэнгэйрся с импровизированным благопожелательным текстом, адресованным всем присутствующим.

Как и другие народы Севера, нганасаны вплоть до наших дней являются носителями шаманской культуры. Советские этнографы сохранили ценнейшие видео- и аудиозаписи, а также текстовые описания акций камлания и обрядовых действ, проводимых знаменитым на весь край шаманом Дюходе и его сыновьями Тубяку и Демниме. Рудименты шаманского промысла сохраняются и сегодня. Алексей Чунанчар представил на встрече шаманский танец. 

• 

• 

• 

Таймырские ненцы – оленеводческий народ, ведущий кочевой образ жизни. Постоянно передвигаясь по тундре, они освоили весьма обширные территории от Кольского полуострова до Таймыра. Традиционный репертуар ненцев составляют многочисленные песни о природе, птицах, животных, а также «родовые песни», повествующие о доблестях родоначальников и предводителей каждого рода: Харючи, Яптунэ, Вэнго, Ядне и других. Песню о многочисленном и процветающем роде Тэседо исполнил Павел Накочевич Ядне. 

Совсем иная судьба у энцев – самого малочисленного народа Таймыра (на сегодняшний день всего 237 человек). Зоя Николаевна Болина сохранила, благодаря своей матери, удивительную традицию энецких поющихся сказок сюдобичу. Во время встречи сказительница исполнила фрагменты из сказки «Волосатый великан» и песню «Девушка из рода Моггади», восхваляющую красоту, ум и искусное мастерство энецких девушек.

Народ долганы проживает не только на Таймыре, но и в Анабарском районе Якутии. Они считаются самой северной тюркоязычной группой. Игра на губном баргане занимает значительное место в сегодняшнем репертуаре долган, равно как и мелодичные песни самодеятельных авторов. На встрече прозвучала, в частности, песня Матвея Чарду «Бергехэ» («Шапка») в исполнении Натальи Фальковой и в сопровождении на баргане Анастасии Чарду.

Изумив московскую публику необычными для ее слуха звучаниями, красивейшими традиционными костюмами и своей готовностью до бесконечности рассказывать о жизни и традициях своего народа, чудесные посланники загадочной культуры Таймыра отправились по своим далеким домам. 

Но тема Таймыра на этом не закрылась, так как новая группа носителей таймырских традиций приехала на гала-концерт фестиваля в городе Самаре 18 октября. На этот раз нганасанские традиции – личные песни на нганасанском языке, наигрыши на музыкальных инструментах нганасан, а также театрализованную песенную сценку с куклами-персонажами «Старик и старушка» – представила Евгения Чебяковна Сидельникова, которая к тому же преподнесла вдохновенный рассказ о традициях своего народа на конференции для студентов Самарского государственного института культуры.

Музыкальный фольклор ненцев был представлен в Самарском гала-концерт Розой Накочевной Ядне. Среди ненцев популярны легенды о малорослом народце сихиртя. Эти светловолосые и красивые люди жили внутри сопок, добывали и обрабатывали драгоценные камни и металлы, по ночам пасли мамонтов и вообще умели управлять природой. Роза Накочевна исполняет песню девушки-сихиртя, которая шьет на берегу моря одежду из шкуры мамонта и напевает: «Если я сейчас потрясу эту шкуру мамонта – начнется пурга. А если ее просто аккуратно повешу – будет хорошая погода».

Сахалин прозвучал на московской встрече в июне очаровавшими всех слушателей негромкими и изящными музыкальными традициями нивхов: пением сквозь длинную трубу кални, приглушенными ритмами знаменитого «нивхского бревна» тятя-чхаш, печальными звуками смычкового тынгрына, шуршащими погремушками из рыбьей кожи, завораживающим ритуальным танцем и веселой «игрой в подбородочки». 

Всем известна завораживающая красота и особая энергетика Алтая, за которой едут в этот край тысячи людей. Однако в глубине этого таинственного чуда лежит древняя история и традиции народов Алтая, которые не каждому открываются с первого взгляда. 16 июня 2022 года в КЦ «ЗИЛ» прошла встреча с носителями алтайской культуры. Они рассказали о том, откуда берется шаманский дар, познакомили зрителей с алтайскими эпическими сказаниями. Также была представлена выставка изделий-реконструкций артефактов Пазырыкской культуры.

Считается, что традиция изготовления классических атрибутов кама (шамана) – костюма и шапки (манјак ӱлбӱрек), бубна и колотушки (тӱҥӱр ле орбу) – на Алтае утеряна. Но есть реальный обладатель этих неприкосновенных предметов – кам Владислав Челтуев, живущий в Кош-Агашском районе, о шаманском даре которого по Алтаю ходят легенды. Именно его уговорил приехать в Москву вместе с учеником Алексеем Юновымфилолог и фольклорист, глубокий знаток сибирских древностей Василий Ойношев. В этот вечер с нами были еще двое авторитетных гостей из Горного Алтая: сказитель  Эмил Теркишев (как говорят, единственный на Алтае кайчы, способный рассказать эпос «Алып-Манаш» от начала до конца) и искусный кузнец Аржан Кухаев, мастер по изготовлению предметов в пазырыкском стиле, небольшой коллекцией которых полюбовались посетители этой необычной встречи.

Ансамбль школы-студии этно-пения «Хадаг» («хадаг» /тибет/ – синоним бурятского слова «тэнгэри» /небо/) из Улан-Удэ привез на фестиваль целый обряд «Сагаан сарын найр» («Празднование белого месяца»). Это центральный календарный праздник Бурятии, объединяющий семьи, роды, друзей, коллег, весь народ. В полуторачасовое действо на сцене Рахманиновского зала оказался уложенным длинный процесс традиционного приема гостей, вознесения молитв буддийским и языческим божествам, совместных песен, хороводов и даже старинных игр, а также наслаждения мастерством приглашенных исполнителей на морин-хууре, товшууре и недавно возрожденном исконно бурятском суха-хууре. Весь этот увлекательный сюжет был развернут учениками и коллегами выдающейся исполнительницы бурятских народных песен, международно известной исследовательницы традиционной культуры, народной артистки Республики Бурятия Гомбоин Ешин-Хорло Будуевны. 

Хомус (варган) – один из самых древних музыкальных инструментов народов мира. В Якутии это не просто инструмент, а настоящий сакральный символ национальной культуры народа саха. Несмотря на малый размер, хомус позволяет извлекать завораживающие звучания, имитирующие звуки природы и уводящие слушателя в бескрайние дали сибирских просторов, раскрывая философию жизни и космоса. 

«Чудеса, да и только!» – отозвались слушатели Рахманиновского зала (03.07.2022) об умении якутских девушек исполнять приветственные тойуки или протяжное пение дьиэрэтии. А о звучании хомуса самого Артура Семёнова было сказано: «Это нечто запредельное!». В гала-концерте в Самаре 18 октября снова звучал волшебник-хомус, а певческую культуру якутов слушатели познавали через вереницу традиционных жанров: тойук с его характерными горловыми призвуками, песни в стиле дэгэрэн с использованием приемов хонсуо(«гнусавое пение»), таналай ырыата («небное пение»),  хабарга ырыата («пение с гортанными хрипами»). Абсолютным открытием для всех присутствующих на концерте была встреча с недавно возрожденным якутским смычковым инструментом кылыьах-кырыымпа со струнами из конских волос.

Да разве же возможно рассказать обо всех чудесах, случившихся на фестивале в течение его 169-дневного марафона?! Сколько еще осталось за пределами нашего рассказа: звуковые красоты Дагестана, Поволжья, Рязанщины, Тывы, а также великолепные музыкальные программы гостей из Турции, Индии, Монголии, Западной Сахары! Самыми «выносливыми» зарубежными участниками, проехавшими с фестивалем почти по всему маршруту, оказались иранские музыканты во главе с выдающимся певцом современности Хосейном Нуршаргом.

При подведении итогов фестиваля оказалось, что более 90% из 272 непосредственных участников концертных программ составили молодые люди до 40 лет! Некоторые коллективы были целиком молодежными. Параллельно активной творческой линии фестиваля (концерты, лекции, круглые столы, выставки, студенческие встречи) развивались две сопутствующие процедуры социально-исследовательского характера – социальный опрос и всероссийский конкурс на одну и ту же тему: «Что вы знаете о своих соседях по стране?».

Опрос охватил людей, так или иначе попавших в информационное поле вокруг фестиваля «Россия – Вселенная звука». Он привлек 653 респондента, представителей 52 этносов, из которых 74% оказались людьми в возрасте до 44 лет. В конкурсе участвовали 135 человек в возрасте от 14 до 40 лет. Из них 11 человек стали участниками Полуфинала, проведенного в Самаре, шестеро в качестве финалистов представляли свои презентации в Махачкале. Трое (представители Самары, Москвы и Дагестана) получили призовые места.

Один из главных итогов фестиваля – выявление группы ярких, неравнодушных и активных молодых людей из разных регионов страны, желающих жить в России и жить достойно, внося свой личный вклад в духовное развитие и рост благосостояния нашего общества. Это бесценный человеческий капитал для нашего государства. Территориальная удаленность друг от друга не мешает им быть единой командой, способной влиять на умонастроения окружающих людей.

Что дальше? Готовим печатные материалы (буклет и два сборника). Готовим отчетный ролик и документальный фильм. Готовим следующий фестиваль. Уже стекаются заявки на участие в нем из разных регионов нашей великой страны, поистине оказавшейся необъятной Вселенной звука!

Доцент М.И. Каратыгина, художественный руководитель фестиваля

Фото Евы Лобастовой

№8 (1391), ноябрь 2022 года

В октябре старейшая российская консерватория – Санкт-Петербургская государственная консерватория имени Н.А. Римского-Корсакова – отметила 160-летний юбилей. Все эти годы Петербургскую и Московскую консерватории связывает плодотворное творческое сотрудничество, как завещали «отцы-основатели» Антон и Николай Рубинштейны. Поэтому ректор Московской консерватории, профессор А.С. Соколов и консерваторские музыканты лично приехали в Петербург поздравить дорогих коллег и друзей со знаменательной датой.

Праздничные мероприятия вошли в программу ХХII фестиваля «Международная неделя консерваторий», в котором приняли участие ректоры, профессора и студенты еще девяти российских консерваторий и высших школ музыки дружественных стран. По словам ректора Санкт-Петербургской консерватории А.Н. Васильева, «мне хотелось отпраздновать не столько наши 160 лет, сколько 160 лет консерваторского движения в России». С радостью подтверждаем, что этот замысел был воплощен с большим размахом и на высочайшем профессиональном уровне.

Открытие фестиваля состоялось 22 октября в Большом зале Санкт-Петербургской филармонии. В исполнении Сводного хора и Молодежного международного симфонического оркестра, в которых объединились молодые музыканты ведущих российских консерваторий, мощно прозвучала Патетическая оратория Георгия Свиридова, прославленного выпускника Санкт-Петербургской консерватории. За дирижерским пультом выступил ректор Санкт-Петербургской консерватории, заслуженный артист РФ Алексей Васильев. 23 октября в концертном зале Петербургской Государственной академической капеллы Камерный хор Московской консерватории под управлением проф. А.В. Соловьёва исполнил сочинения А. Скрябина, Р. Щедрина, И. Стравинского, С. Екимова; солировали А. Васильев (виолончель) и Е. Кривицкая (орган).

Научно-практической составляющей фестиваля стал Ректорский Круглый стол по вопросам музыкального образования в России и мире, в котором от Москвы выступили ректор Консерватории, проф. А.С. Соколов и ректор Академии хорового искусства, проф. А.В. Соловьёв. Большой интерес вызвала и выставка об истории Петербургской консерватории.

• 

• 

• 

30 октября в Капелле состоялся Фестивальный эпилог с участием заведующего кафедрой органа МГК, народного артиста России Рубина Абдуллина и известной вокалистки, выпускницы Санкт-Петербургской консерватории Олеси Петровой.

В рамках юбилейной недели были организованы мероприятия Региональной молодежной программы «Молодые звезды Московской консерватории» при поддержке Министерства культуры РФ и ФГБУК «Росконцерт». 21 октября в Музее-квартире Л. Бенуа прошел концерт камерно-инструментальной музыки. Для гостей этого уникального «живого» музея, которым заведуют потомки выдающегося русского архитектора, градостроителя Петербурга, ректора Академии художеств Леонтия Николаевича Бенуа, выступили доц. Н.Л. Агеев (кларнет) и преп. А.И. Котляревская (ф-но). Проникновенно прозвучал цикл «8 сонетов Шекспира» М. Таривердиева в обработке для академического голоса в исполнении доц. Е.И. Скусниченко (сопрано) и преп. Ю.С. Куприяновой (ф-но). Вела концерт музыковед, доц. Я.А. Кабалевская.

В этот же день состоялись мастер-классы педагогов МГК в Санкт-Петербургском музыкальном училище имени Н.А. Римского-Корсакова по специальностям «вокал», «скрипка» и «виолончель». А доц. Л.Р. Джумановапровела открытую лекцию на тему «Новые трактовки традиционных форм преподавания сольфеджио». Директор училища К.А. Архипов выразил надежду на дальнейшее сотрудничество, отметив, что «мероприятия прошли на высоком профессиональном уровне и вызвали большой интерес среди студентов и преподавателей».

22 октября состоялись мастер-классы и концерт педагогов Московской консерватории в вечернем Музыкально-просветительском колледже им. Б.И. Тищенко. В программе концерта прозвучала российская премьера Сонаты для скрипки и фортепиано Нино Роты в исполнении лауреатов международных конкурсов Анны Савкиной (скрипка) и Даниила Саямова (ф-но). А 23 октября Александра Будо (автор-ведущая, виолончель), Анна Савкина (скрипка) и Александра Котляревская (ф-но) выступили с благотворительной программой «Консерватория-детям» в Центре содействия семейному воспитанию №12 для детей-сирот. Консерваторцы уже не первый год приезжают в ЦССВ, радуя подопечных интерактивными музыкальными концертами.

Завершилась программа «Молодые звезды» 23 октября концертом «Опера Италии». По приглашению профессора С.В. Стадлера студенты Московской консерватории Мария Мальцева (сопрано) и Артак Кулиджанян(баритон), а также Камерный хор МГК с большим успехом выступили на сцене Эрмитажного театра с Симфоническим оркестром Санкт-Петербурга под управлением маэстро.

Юбилейные торжества, к сожалению, проходили не в родных стенах Санкт-Петербургской консерватории. Но, по любезному приглашению ректора А.Н. Васильева, для гостей праздника была организована экскурсия по историческому зданию Консерватории, в котором возобновлены реставрационные работы. Делегация осмотрела концертные залы, учебные аудитории, внутренний дворик и даже Домовый храм с сохранившимися ликами святых, из которого планируется сделать кабинет церковной музыки. По словам ректора, «Консерватория посвежеет, все современные технологии, направленные на то, чтобы сделать уровень жизни выше, будут применены… Склонен верить, что все получится, что к сроку 1 марта 2024 года, названному вице-премьером Маратом Хуснуллиным, Консерватория вернется в историческое здание… Верим в эту дату…». От всей души поздравляем Санкт-Петербургскую консерваторию с юбилеем и желаем осуществления всех надежд!

Доцент Я.А. Кабалевская

№8 (1391), ноябрь 2022 года

Уходящий год, ознаменованный 150-летним юбилеем А.Н. Скрябина, выдался насыщенным на культурные события. Среди них – Первый Международный фестиваль имени Скрябина, многочисленные концерты с участием столичных оркестров, творческие мероприятия Фонда А.Н. Скрябина, успешно реализованная программа Мемориального Музея А.Н. Скрябина с выставками, детскими мастер-классами, лекторием «Скрябин-150» и ежегодным конкурсным прослушиванием на стипендию. Большим событием стал выпуск 12-томного Полного собрания сочинений в издательстве «Музыка» – «П. Юргенсон».

Талантливые музыканты России и всего мира поддержали юбилейный год и сыграли памятные концерты, на которых подарили слушателям возможность соприкоснуться с удивительным звуковым миром Скрябина. В их числе – доцент Московской консерватории Дмитрий Анатольевич Людков. Пианист подготовил со студентами серию классных вечеров, состоящих только из опусов Александра Николаевича, а в завершение концертов рассказал нашему корреспонденту о подготовке к выступлениям, о своем отношении к Скрябину и методах работы над сложными сочинениями.

– Дмитрий Анатольевич, какое место в Вашем творчестве и жизни занимает Скрябин? 

– Скрябин для нашего класса и, в частности, для меня – композитор особенный. Мой наставник – народная артистка России, профессор Маргарита Алексеевна Фёдорова (1927–2016), – выдающийся скрябинист. Будучи ученицей Генриха Нейгауза в Центральной музыкальной школе и в Консерватории, она была в прямом смысле слова заражена любовью к этому композитору. Впрочем, все ученики Генриха Густавовича отличались трепетным отношением к музыке Скрябина. Насколько мне известно, еще в ЦМШ Маргарита Алексеевна исполнила в классе профессора Нейгауза объемный скрябинский репертуар, включавший в себя Первую и Четвертую сонаты, многие этюды и прелюдии, Концерт для фортепиано с оркестром. В год 100-летнего юбилея Скрябина впервые в истории фортепианного исполнительства в Московской консерватории прозвучало полное собрание фортепианных сочинений композитора – более 200 произведений. Этот творческий подвиг совершила Маргарита Фёдорова, которая на тот момент была известной пианисткой и доцентом Московской консерватории. Все ее ученики также с большим интересом исполняли музыку гениального композитора.

– Вы продолжили эту традицию?

– Я как студент класса М.А. Фёдоровой тоже увлекался Скрябиным; позднее, когда стал ее ассистентом, мы делали тематические концерты с нашими студентами. Поэтому я посчитал своим долгом к 150-летию со дня рождения маэстро организовать фортепианные вечера, которые целиком состояли бы из произведений Скрябина.

Мы не преследовали цель исполнить абсолютно все сочинения, но нам удалось сыграть в одном отделении все этюды. Подготовка к концертам продолжалась около года. Программа была обдумана заранее с учетом наших классных вечеров. Очень рад, что мои студенты поддержали идею и без промедления приступили к процессу разучивания. Я также сыграл несколько сольных концертов из произведений Скрябина, в том числе в Рахманиновском зале, и выступил с Ярославским симфоническим оркестром. На классных вечерах прозвучали все этюды (соч. 2 №1, соч. 8, соч. 42, соч. 49 №1, соч. 56 №4, соч. 65 и альтернативная версия этюда соч. 8 №12), а также избранные сонаты, прелюдии, поэмы, вальсы, мазурки и полонез. Очень рад, что концерты прошли удачно и получили благодарный отклик у слушателей. 

– Что лично Вас связывает с музыкой Александра Николаевича? 

– Мое первое знакомство с этим композитором состоялось, когда я был еще студентом Хабаровского колледжа искусств. Тогда в моей программе были прелюдии одиннадцатого опуса. Вспоминаю, что Лариса Анатольевна Токарева, мой дорогой учитель, и весь фортепианный отдел благосклонно оценили мои юношеские интерпретации.

Первая же настоящая «скрябинская победа» случилась во время учебы в Консерватории: на нашем факультете проходил конкурс на лучшее исполнение Концерта Скрябина в преддверии 100-летнего юбилея В.В. Софроницкого. Тот конкурс принес мне первое место. После конкурса большой честью и радостью стала возможность исполнить Концерт на сцене легендарного Большого зала. Это значимое для меня событие оказало огромное влияние на мое творчество и становление в профессии.

– На какие важные детали необходимо обратить внимание при разучивании произведений Скрябина?

– Скрябин – особый композитор. Конечно, существует ряд профессиональных требований, которые должны всегда присутствовать в работе исполнителя: правильный текст, аппликатура, звукоизвлечение и т. д. Но особенно важно погружение в мир автора. А в случае со Скрябиным это вдвойне необходимо. Студенты обязательно должны знать интересы и желания автора, его круг знакомств, реакции на происходящее в искусстве и в жизни. Например, как бы он отреагировал на исторический ход событий. Не только важные и значимые детали, но и незначительные нюансы рисуют полный, целостный образ человека. 

– Что лично Вам помогает при работе над сочинениями?

– Генрих Нейгауз говорил о внутренней творческой иерархии: Человек – Художник – Музыкант – Пианист. Я всегда прошу студентов «просканировать» исполняемое произведение сквозь эти составляющие. Что хотел сказать автор как человек? А какая художественная задача здесь стоит? Важной составляющей творческого процесса является анализ музыкальной стороны: как развивается форма, какие средства выразительности применил здесь автор? И только потом – самый важный вопрос: как воплотить все это пианистически? Думаю, этот универсальный подход поможет понять любого композитора. Все музыканты говорят, что для исполнения Скрябина нужна особая психо-техника, человеческая и слуховая реактивность. Конечно, здесь требуется большая фантазия, и, к сожалению, не все могут интерпретировать его музыку убедительно. «Тут либо дано, либо не дано», как справедливо говорит наша выдающаяся пианистка Элисо Константиновна Вирсаладзе. 

– Существует мнение, что есть произведения, которые хорошо звучат, если только человек имеет определенный жизненный и творческий опыт. Вы преподаете в музыкальной школе и в Консерватории. На Ваш взгляд, в каком возрасте оптимально познакомить ученика с произведениями Скрябина? И в какой момент они начинают звучать зрело и убедительно?

– Знаете, все зависит от таланта. Моя ученица со времен детской музыкальной школы Софья Юдина, ныне студентка второго курса Консерватории, в юном возрасте на ряде фестивалей проникновенно исполнила Концерт Скрябина и получила высокую оценку представительного жюри, состоявшего из профессоров Консерватории.

– Ее исполнение звучало уже по-взрослому?

– Скорее по-своему, и это главное – музыканты единогласно отметили ее яркое выступление. Я сам, когда слушаю ее игру, понимаю, что Софья попадает в стиль, тонко чувствует эту музыку. Мемориальный музей А.Н. Скрябина с 1992 года ежегодно проводит конкурсные прослушивания на «Стипендию имени А.Н. Скрябина», благодаря которым мы узнаем новые имена талантливых молодых музыкантов. Вспомним совсем юного Даниила Трифонова, который получил стипендию в 2004 году – уже тогда он убедительно и зрело исполнял музыку Скрябина.

– Мой педагог из Хабаровского колледжа искусств говорила, что у музыканта есть либо мощная творческая интуиция, либо техническое дарование, и эти понятия редко органично сочетаются, чаще всего приходится что-то развивать.

– Талант на то и талант, что многое происходит неожиданно. И, как правило, существует баланс между интуицией и техническим воплощением. Можно быть уязвимым в техническом плане, но тонко чувствовать стиль музыки. А можно быть виртуозом, но не уметь выразить дух композитора, его стиль. Совершенству нет предела – настоящий профессионал постоянно стремится создать собственный сбалансированный исполнительский «сплав» из авторского замысла, творческого вдохновения, звуковых и пианистических задач.

– С какими сложностями Вы сталкиваетесь при разучивании скрябинских произведений со студентами? 

– Каждое новое произведение зрелого периода Скрябина представляет нам совершенно нового автора. Бытует мнение, что ранние произведения разбирать сложнее: там богатая, порой перегруженная фактура. Поздние же сочинения учатся легче. Студенты об этом не знают. (Улыбается) Но, если объяснить, они начинают все это слышать и понимать. Скрябин при его уникальном языке классичен: музыкальная форма всегда четко выстроена. Из-за необычного музыкального языка многие не догадываются, что в этом композиторе заложена своя «божественная математика». Если же понять закономерности стиля и проанализировать их, произведение становится понятным.

– Как Вы воспринимаете Скрябина во всех его ипостасях – человека, музыканта, пианиста?

– Про него можно сказать абсолютно разные вещи: он и мистик, и сумасшедший эгоцентрист, но прежде всего – Творец! Время показало, что его произведения отражают веру в человека, воспевают его возможности и духовный потенциал. В этом отношении Скрябин для меня очень ценен. Ранние его произведения написаны с душевной теплотой, отражающей принадлежность к русской культуре и природе. Как говорил Рахманинов: «Музыка должна идти от сердца к сердцу». То же можно сказать и о Скрябине, его музыкальный язык очень проникновенный и искренний. И, конечно, нельзя обойти стороной его потрясающий темперамент. Многообразие чувств и состояний его музыки привлекает музыкантов и слушателей. Хочу отметить важное сходство Александра Николаевича с Шопеном, потому что Скрябина также можно назвать «поэтом рояля» – он тонко чувствует инструмент и открывает нам его богатейшие возможности. В случае полного понимания Скрябина как композитора случается волшебство на сцене: магическое звучание, состоящее из необычных гармоний и созвучий, завораживает и поражает. Я всегда с большим удовольствием исполняю скрябинские произведения. 

– Что Вы можете посоветовать молодым музыкантам, разучивающим Скрябина? 

– Уровень Московской консерватории необычайно высок, поэтому наши студенты не нуждаются в особых советах, ребята поступают уже вполне сформировавшимися музыкантами. Однако мне бы хотелось, чтобы у наших студентов оставалось живое любопытство к автору музыки, желание самим что-то узнать о нем. За двадцать лет мы сильно продвинулись в технологиях, интернет и гаджеты, безусловно, обогатили нашу жизнь. Но в чем-то они ограничивают человека, притупляют его природный творческий потенциал, жажду поиска и открытий. Сохранить в себе живой творческий импульс, желание творить самому, без оглядки на бесконечно развивающиеся технологии – мое пожелание всем начинающим музыкантам.

– Какие опусы из всего наследия композитора Вам особенно дороги?

– Я всегда стараюсь играть то, что мне близко. Очень люблю Прелюдию и Ноктюрн для левой руки, многие поэмы и этюды, и, конечно, Концерт для фортепиано с оркестром. С этими произведениями связаны дорогие для меня воспоминания. Сам характер этой музыки помогает установить доверительный контакт со слушателями, что всегда очень ценно для любого музыканта.

– Кто, по Вашему мнению, среди именитых музыкантов особенно хорошо исполняет Скрябина?

– Тонко и изысканно интерпретирует эту музыку Павел Нерсесьян, его исполнение – каждый раз открытие для публики. Замечательный скрябинист в Консерватории – Алексей Чернов, он исполняет цикл из всех произведений Скрябина. Среди пианистов северной столицы хочу отметить Петра Лаула, в репертуаре которого тоже полное собрание сочинений. На самом деле я боюсь кого-то не назвать: музыка Скрябина привлекает огромное количество исполнителей, и каждый из них по-своему «говорит» на ее языке, стараясь вслушаться в нее и найти к ней свой индивидуальный подход.

Беседовала Алевтина Коновалова, студентка НКФ, муз. журналистика

Фото Эмиля Матвеева

№8 (1391), ноябрь 2022 года

20 октября в выставочном пространстве Московской консерватории, в нижнем фойе Малого зала открылась выставка «Рисую Россию». На вернисаже представлена живопись художников факультета дополнительного образования Российского государственного художественно-промышленного университета имени C.Г. Строганова, вуза-партнера Московской консерватории. 

В 2019 году строгановцы оформили и «подарили» нам это выставочное пространство. Год назад в Консерватории проходила выставка работ куратора проекта «Рисую Россию» Андрея Криволапова, а в этот раз выставлены картины, созданные в сентябре 2022 года на пленэре в Крыму. Проект был реализован в рамках гранта Президента Российской Федерации для поддержки творческих проектов общенационального значения в области культуры и искусства.

Как отмечает руководитель проекта, директор АНО «Центр культурного и творческого развития „Арт Про“», художник и музыкант Юлия Лабинская, «я счастлива, что эта поездка состоялась, и что особенно важно и значимо, что она состоялась в столь непростое для России время… Для меня «Рисую Россию» – это не просто выигранный грант, это – возможность узнать о нашей великой и бескрайней стране больше, проникнуться традициями легендарных мест, связанными с именами великих деятельней отечественной культуры, таких как Антон Павлович Чехов, Лев Николаевич Толстой, Алексей Максимович Горький, Фёдор Иванович Шаляпин, Исаак Ильич Левитан и многими другими».

На открытии выставки с музыкальным приветствием выступили студенты и выпускники Московской консерватории: Мария Ткач (фортепиано), вокальный ансамбль «Пастораль» под руководством Марии Кравцовой, дуэт в составе Михаил Манашеров и Софья Алтухова (класс ансамбля ст. преп. кафедры хорового дирижирования Т.Ю. Ясенкова). Прозвучала музыка П.И. Чайковского, С.И. Танеева, а изюминкой программы стало исполнение хоровой миниатюры «Горные вершины», созданной выдающимся русским художником Василием Поленовым. От всей души благодарим Консерваторию в лице Н.В. Кобец за активную и действенную помощь в проведении выставки.

Марина Воинова, cт. преподаватель кафедры теории музыки

Фото Эмиля Матвеева

№8 (1391), ноябрь 2022 года

13 сентября, в день рождения Консерватории, не стало одного из самых авторитетных ее педагогов, профессора кафедры истории зарубежной музыки, кандидата искусствоведения Ирины Васильевны Коженовой. 

Имя И.В. Коженовой высечено золотыми буквами на мраморной доске почета среди профессоров, посвятивших Консерватории полвека своей жизни. За эти годы – а это более трети всей истории существования вуза – она выпустила свыше 1000 студентов разных специальностей, работая долгое время деканом иностранного, а затем историко-теоретического факультетов.

«В искусстве, как и в любви, прежде всего, нужно быть откровенным». Словами великого Верди можно охарактеризовать жизнь и творческую деятельность Ирины Васильевны. Свидетельница победы Вана Клиберна на первом конкурсе Чайковского, она была сопричастна успехам и ярким победам Alma Mater. Закончив родной факультет в 1963 году, с 1968-го преподавала на кафедре истории зарубежной музыки, продолжая и развивая педагогические традиции своего учителя – профессора Н.С. Николаевой. 

Главную консерваторскую заповедь – преемственность традиций – Ирина Васильевна привила и мне, ее ученице. Большим счастьем стала встреча с этим выдающимся педагогом и уникальным по своим душевным качествам человеком. Мы были незнакомы, когда я выбрала для курсовой работы музыку Сибелиуса к «Буре» Шекспира. И с тех пор, вот уже 20 лет, мы с Ириной Васильевной практически не расставались. Она стала для меня и мудрым наставником, и мамой в профессии, и настоящим другом, искренне радовалась успехам и сопереживала неудачам, буквально как своим. 

Ирина Васильевна учила мыслить, учила трудиться. Она открыла мне мир музыкальной шекспирианы, который я полюбила на всю жизнь. Удивительно «общалась» с композиторами, как с живыми. Верди и Сибелиуса она обожала, а Берлиоз вызывал головную боль. Благодаря универсальности ее мышления и богатейшему кругозору предмет «История музыки» превращался в поистине бескрайнюю вселенную, где, по ее словам, никому никогда не бывает тесно, каждый находит себе тему по душе. 

Ирина Васильевна была настоящим подвижником искусства. С юмором вспоминала трудные для всей страны 90-е годы, и эта фраза стала в Консерватории крылатой: «Получали мы тогда по 10 долларов на наши деньги, но, будучи настоящими консерваторцами, всегда были готовы даже сами доплатить, лишь бы нас пускали работать». 

Будучи главой консерваторской школы скандинавистов, всю жизнь пропагандируя музыку Финляндии, буквально в мае в очередной раз проявила свою знаменитую силу духа и активную гражданскую позицию, отказавшись посвящать свою творческую встречу музыкальной культуре этой страны, так как, по ее словам, то, что там сейчас происходит по отношению к нашей культуре – недостойно. В этом она вся – душа и совесть Московской консерватории. Зачастую ее справедливое слово становилось решающим на заседаниях Ученого совета.

Работа Ирины Васильевны была всеохватной и системной – более 15 лет она проводила Всероссийский конкурс по теории, истории музыки и композиции для учащихся средних специальных учебных заведений, «с младых ногтей» воспитывая все новые и новые поколения музыковедов, многие из которых успешно окончили Консерваторию и уже в ней преподают. Недаром среди многочисленных наград за активную общественную деятельность Ирина Васильевна была удостоена диплома «За значительный вклад в формирование, развитие и сохранение творческого и интеллектуального потенциала России». 

6 октября в Консерватории впервые должна была состояться музыкальная секция XXIX Международной научной конференции «Шекспировские чтения – 2022» и презентация сборника научных статей «Музыка России и Британии: параллели и перекрестки», авторами-составителями которого стали мы с Ириной Васильевной вместе. Конференция и презентация прошли уже без нее, и в память о ней в Рахманиновском зале в этот же день состоялся концерт.

В концерте приняли участие те, кто так любил и уважал Ирину Васильевну. В исполнении доц. Е.И. Скусниченко (сопрано) и преп. Ю.С. Куприяновой (ф-но) проникновенно прозвучал цикл «8 сонетов Шекспира» Таривердиева. Вероника Ан (сопрано) исполнила арию Клеопатры из оперы «Юлий Цезарь» Генделя. Доц. Р.Н. Кудояров сыграл пьесы из «Дневника каникул» Бриттена и, совместно с Ю.С. Куприяновой, Фантазию для двух фортепиано Глазунова и Сонату из кантаты Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit Баха. Один из ее учеников, профессор Михаил Никешичев перед своим выступлением сказал, что вот уже 40 лет Ирина Васильевна является для него эталоном в профессии, а ее открытия в области монтажных принципов формы в духовных произведениях Баха стали поистине пророческими.

Нам еще предстоит оценить масштаб личности Ирины Васильевны, ее роль в развитии музыкальной науки. Возвращаясь к словам так любимого ею Верди, все, что она делала в искусстве – она делала искренне, откровенно и с большой любовью. Всем известна ее фраза: «Консерватория существует для студентов. Мы работаем ради студентов, а не наоборот». И, безусловно, вся Консерватория – студенты, коллеги, друзья – отвечала ей такой же искренней любовью.

Помним, любим, скорбим…

Доцент Я.А. Кабалевская

Фото Дениса Рылова