№9 (1365), декабрь 2019

Музыкальная критика – это часть музыкальной науки. Истина, передававшаяся из поколения в поколение, настолько привычна, что и сейчас мне трудно представить иную подготовку и воспитание критиков. В отличие от многих музыкальных журналистов на Западе, которые имеют университетское образование и приобрели большое влияние на международных форумах, выпускники консерваторий имеют глубокую музыкально-теоретическую основу. Их суждения, как правило, коренятся в системном подходе к развитию музыкального искусства: перед глазами или ушами такого критика стоит некий идеал этого развития, какой-то иллюзорный прогресс, которому это развитие якобы подчинено. Рассуждения, ценностные критерии базируются на опыте знатоков и восприятии музыки знатоками.

И вот представьте себе такого критика, перешагнувшего черту и вставшего по ту сторону рампы – на место создающих музыкальные программы и продающих их. Другими словами, ставшего продюсером музыки. Центр тяжести теперь оказывается вовсе не в понимании развития или прогресса, а скорее в понимании востребованности и восприятия музыки. Не знатоками, а просто любителями, без которых концертная деятельность перестанет существовать.

Известны многие схемы, которые пытались упорядочить жанровую принадлежность музыки по признакам восприятия: какие механизмы восприятия задействованы в музыке ритуальной или музыке прикладной, или музыке концертной, или легкой и т.д. После разработок А.Н. Сохора и О.В. Соколова существовало еще множество попыток воссоздать жанровую картину современной музыки. Мое глубочайшее убеждение, что самое главное разделение прошло по вектору серьезной и легкой музыки именно с той поры, когда легкая музыка перестала быть отдельной облегченной разновидностью концертной музыки, а приобрела свое собственное содержание и собственный язык.

В ХХ веке перестали существовать отдельные специфические жанры легкой и серьезной (концертной) музыки. Любой жанр может быть произведен на том или ином языке. Это путь к современному метамодернизму. Я еще помню острые дебаты на конференции Союза композиторов о спектакле Марка Захарова и Алексея Рыбникова на стихи Андрея Вознесенского «Юнона и Авось». Авторы доказывали, что имеются все признаки оперы. Музыковеды оппонировали, что это не так, пока не выяснилось, что за всем этим спором стоит ценник ГОСТа. За оперу полагалась ставка гораздо выше, чем за музыкальный спектакль. Слово «мюзикл» не употреблялось – такого в ценнике Минкульта просто не было. Уже потом появилось определение «рок-опера». Еще лет за десять до того такую «рок-оперу» написал Имантс Калныньш по пьесе Вильяма Сарояна «Эй, кто-нибудь».

Позже, в начале 1990-х, Гидон Кремер привез в Московскую консерваторию одну из своих танго-программ. Пьяцолу тогда играли Гидон Кремер, Вадим Сахаров и Алоиз Пош. И никому не пришла в голову мысль, что Кремер взялся за легкую музыку, хотя играли танго, типично танцевальный жанр, который до того мог появиться на большой сцене только как жанрово-бытовая зарисовка, не более того.

А затем появилась на свет программа «8 сезонов» – восемь времен года: четыре концерта «Времена года» Вивальди, чередуемые с четырьмя знаменитыми танго Пьяцолы (тоже четыре времени года) в инструментовке Леонида Десятникова. Эта программа имела огромнейший успех. Она была записана и издана на Deutsche Grammophon. Если послушаться промоутеров и агентов, то мы – я имею в виду Гидона Кремера и оркестр Kremerata Baltika – могли бы играть ее по всему миру и по сей день. Но вступило в силу критическое мышление, выработанное в консерватории – тяга к обновлению, развитию и прогрессу. И, вопреки требованию промоутеров, еще и еще раз сыграть беспроигрышный дуэт Вивальди и Пьяцолы, мы оставили эту программу позади и двинулись дальше.

Постепенно у нас возникли программы: все концерты Альфреда Шнитке, авторские программы Арво Пярта. Софии Губайдулиной, Леонида Десятникова, Гии Канчели. Теперь уже лет пять занимаемся восстановлением мирового имени Мечислава Вайнберга. Записаны все его камерные симфонии, квинтет, к его столетию создана аудиовизуальная программа «Хроника текущих событий». Это было для нас последовательным, ежедневным отстаиванием чести серьезной музыки ХХ века, которая вроде бы потерялась в перипетиях окружающей всюду легкой музыки, поскольку та теперь претендует на те же площадки, те же жанры и тех же слушателей, что раньше было прерогативой лишь серьезной концертной музыки.

Как критик я всячески приветствую любое новое начинание, любое последовательное движение к высокой цели. Но с продюсерской точки зрения очень важно не разочаровать своего слушателя. Это как треугольник, где в основе лежит музыка, а над ней сталкиваются два боковых вектора – критика и продюсеры. Публика же такая разная!

Можете себе представить, например, совместную программу Канчели и Десятникова?! Мы ее готовили для мексиканского тура, а потом повезли в Питер. Репетировать начали на Кубе – поближе к столице Мексики. Как правило, первое представление программы происходит именно на месте подготовки. Итак, представьте себе кубинского слушателя на концерте, где исполняется «Тихая молитва» Канчели для скрипки, виолончели и камерного оркестра. После первого шока, когда пара самых нетерпеливых поклонников Гидона Кремера вышла из зала, воцарилась именно та тишина, которую требует эта музыка.

Мастерство исполнителя побеждает, если программа продумана. Даже самая сложная. Хотя доминанта исполнителя зачастую может привести к конфликтам в музыкальном бизнесе, который строится по звездному принципу. Никакая программа не убедит промоутера заменить «звезду» концерта на кого-то другого. Поделюсь с вами самым страшным кошмаром своего 22-летнего опыта управления оркестром.

Выстроился тур 70-летия Гидона Кремера и 20-летия Kremerata Baltika. В туре по Америке и Европе участвовал Даниил Трифонов – тогда восходящая звезда. Внезапно он заболел, врачи сказали: «Две недели покоя. Никаких концертов». Отменить концерты в Мюнхене и Гамбурге было невозможно – все перелеты и гостиницы были оплачены. Оркестру пришлось лететь. А промоутеры наотрез отказались принимать любого другого пианиста, даже лауреата Шопеновского конкурса. Возмущенный Гидон Кремер в состоянии стресса написал письмо всем своим агентам, протестуя против звездной практики. И объявил забастовку на три месяца, т.е. отменил все свои выступления, в том числе, и на своем юбилейном концерте в Брюсселе.

Пришлось спасать все туры оркестра. Брюссель прекрасно взяла на себя Марта Аргерих с Сергеем Накоряковым. На концерте «Культурные столицы Европы» Гидон Кремер предложил юного виртуоза Даниила Булаева. А что было делать с танго-программами в авторских программах Кремера, где никто не может заменить самого маэстро?! И тут он пригласил гениального скрипача из Парижа: Дидье Локвуд сыграл прелестные концерты с импровизацией и завораживающим действом оркестра. Для публики было нечто столь необычное, что те промоутеры, которых удалось уговорить не отказаться от концерта, были счастливы вместе со всеми присутствующими.

Итак, подведем итоги. Самый главный герой концерта все-таки музыка. Если концерт выстроен оригинально и логично, его ценность бесспорна при любых ситуациях.

Ингрида Земзаре

Фото Дениса Рылова

№9 (1365), декабрь 2019

12 октября в Рахманиновском зале в исполнении профессора Московской консерватории Ольги Мартыновой прозвучал первый концерт абонемента «Клавирная антология Йозефа Гайдна».

Этот гайдновский цикл не совсем обычен для наших академических площадок. Благодаря замыслу факультета исторического и современного исполнительского искусства у столичных меломанов появилась возможность уже в четвертый раз услышать музыку венских классиков на тех инструментах, на которых ее исполняли при жизни композиторов. В предыдущих сезонах прозвучали антологии клавирной музыки Моцарта и Бетховена, а также все скрипичные сонаты последнего. В абонементе, посвященном клавирной музыке самого старшего из венских классиков, запланировано участие буквально всех типов клавирных инструментов, на которых играли музыку композитора, начиная с момента ее возникновения и вплоть до наших дней: от клавесина до современного рояля.

Одна из ведущих клавиристок мировой сцены включила в свой концерт два исторических инструмента: клавесин и хаммерклавир. В ее исполнении эти относительно тихие в сравнении с современным роялем клавиры поразили публику не только исключительным богатством тембров и возможностей динамики, но и разнообразием и осязаемой яркостью музыкальных образов.

Несмотря на комментарии, которыми исполнительница предварила каждое из отделений концерта, казалось бы, всем хорошо известная гайдновская музыка прозвучала настолько незнакомо и свежо, что буквально ошеломила слушателей своей новизной и непривычностью. Исполнение музыки австрийского гения на инструментах его эпохи ошарашило и вызвало столь сильный эмоциональный отклик у публики, что после каждого произведения звучали бурные несмолкающие аплодисменты и крики «браво», а студенты-пианисты консерватории повторяли, что концерт «перевернул их представления о музыке». Обо всем этом захотелось побеседовать с исполнительницей «чудодействия», профессором О.В. Мартыновой:

– Ольга Викторовна, в наши дни уже хорошо известно, что на протяжении всего XVIII и начала XIX веков параллельно сосуществовало огромное количество самых разных типов клавирных инструментов. При этом, как правило, не было разделения репертуара по этим инструментам – абсолютное большинство клавирной музыки того времени могло быть исполнено на любом из них. Однако сегодня мы услышали, как кардинально меняется музыка одного и того же автора при смене инструмента – как будто бы она написана разными людьми и даже в разные эпохи. Самое поразительное, что при звучании на другом «клавире» мы слышим в этой музыке не просто другие краски – мы слышим в ней совершенно другие эстетические представления. Получается, что в одно и то же время в одном и том же месте параллельно сосуществовали абсолютно разные эстетические миры. Ведь совершенно немыслимо даже предположить, чтобы гениальные музыканты, и Гайдн в том числе, искусственным образом ограничивали себя и отказывались бы ото всей богатейшей палитры выразительных возможностей, которую предоставлял им каждый из клавирных инструментов.

– Да, это так.

– В сегодняшней программе мы услышали абсолютно барочные музыкальные аффекты, но при этом сам язык, с помощью которого они выражены, совершенно другой, чем у композиторов эпохи барокко. Образы все те же, а музыкальные средства другие?

– Совершенно верно. И это нормально, потому что эволюция языка – она происходит во всех областях. И те мысли, которые мы сегодня выражаем современным языком, мог выразить, скажем, и Сумароков, но совсем другим, современным ему слогом. И с музыкой происходит аналогичная история.

Не надо забывать о том, что все венские классики очень хорошо знали, что происходило в музыкальном искусстве на протяжении века до них. Если, к примеру, почитать биографию Гайдна, написанную Альбертом Кристофом Дисом и изданную в 1810 году, то из нее мы узнаем, что когда музыкант в своих композиторских исканиях зашел в тупик, он отправился в книжную лавку и попросил учебник по композиции, как бы мы сейчас сказали. И первое, что ему дали – это был трактат К.Ф.Э. Баха. Вероятно, поэтому в гайдновских ранних клавирных сонатах столь заметны следы стилистических поисков.

– Получается, что в то время трактат К.Ф.Э. Баха, также как и его музыка, были всем хорошо известны – гораздо лучше, чем сейчас?

– Его трактат тогда знали абсолютно все. Он очень сильно влиял на протяжении как минимум лет пятидесяти на все происходящее в музыкальном мире. А сейчас этот трактат и его историческую значимость очень недооценивают.

– Мне кажется, что музыка сыновей Баха – Иоганна Кристиана, Вильгельма Фридемана и Карла Филиппа Эмануэля – все еще известна слишком мало даже профессионалам. И слишком редко исполняется. Или, например, клавирная музыка такого автора, как Душек…

– Да. Я придерживаюсь этого мнения: что Душек, что Клементи – это совершенно гениальные люди. Их музыка только сейчас постепенно набирает популярность, и ее только сейчас понемногу начинают ценить по достоинству.

– Но вернемся к Гайдну. Для меня в концерте очень непривычно прозвучало буквально «оркестровое» расслоение клавирной фактуры – не только в смысле отличия тембров и динамики, но и в отношении того, что каждый из этих пластов живет своей полнокровной самостоятельной жизнью и постоянно вступает в «беседу» с другими слоями музыкальной ткани. И при этом соотношение этих «пластов» в моем восприятии оказалось отнюдь не традиционным – далеко не везде мы могли слышать столь привычное нам господство верхнего голоса. В который раз убеждаюсь, что знакомый нам с детства термин «гомофонно-гармонический склад» имеет к «серьезным» жанрам в музыке венских классиков, по-видимому, весьма опосредованное отношение…

– Конечно, венские классики по сути своей «полифонисты». А у Гайдна в клавирной музыке и в самом деле можно услышать «оркестр»: в ней есть все то же, что есть и в его симфониях. Чтобы представить себе, как могут звучать соотношения разных слоев его клавирной фактуры, достаточно посмотреть на «аккомпанирующую» фактуру в его симфониях.

– В концерте прозвучало два исторических «клавира» – копия французского клавесина XVIII века знаменитого мастера Буше, на инструментах которого играла тогда вся Европа, и копия хаммерклавира венского мастера Вальтера. По каким признакам при исполнении того или иного сочинения можно отдать предпочтение выбору того или иного инструмента?

– Как я говорила перед началом второго отделения, Иоганн Николаус Форкель, первый биограф Баха, очень красочно описывал, как менялся старший из его сыновей, Вильгельм Фридеман, когда пересаживался из-за одного инструмента за другой. Каждый из этих инструментов требуют своего состояния, своего физического подхода, и приемы игры на них очень отличаются. Я, в своем выборе, исхожу из своего инструментального слышания: возможностей динамики, возможной скорости, темпов и тому подобных вещей на каждом «клавире». Если, конечно, нет каких-либо прямых конкретных указаний (например, на использование педали или обозначений динамики) в авторском тексте.

Посетивший первый концерт гайдновского абонемента профессор Национальной музыкальной академии Софии и консерватории в Перудже, крупнейший специалист в области европейской клавирной музыки второй половины XVIII – первой половины XIX веков хаммерклавирист Константино Мастропримиано охарактеризовал игру исполнительницы как «кристально ясную, утонченную и изысканную», отметив, что в ее интерпретации музыкальная ткань «ведет диалог и постоянно разговаривает».

Впереди еще три концерта на разных клавирах в исполнении педагогов ФИСИИ: Марии Успенской, Елизаветы Миллер и Екатерины Державиной. Но мы уже предвкушаем и новые «диалоги» с нашими представлениями о музыке Гайдна, и новые открытия от встреч со столь непривычной нам классикой.

Преп. Е.О. Дмитриева, кандидат искусствоведения

Фото Татьяны Медведевой

№9 (1365), декабрь 2019

1 октября, в Международный день музыки, в Большом зале консерватории прошел концерт памяти выдающейся пианистки, профессора Московской консерватории Веры Васильевны Горностаевой. Праздник получился двойным, поскольку именно 1 октября 2019 года пианистка отпраздновала бы свое 90-летие.

«Сонатой-воспоминанием» a-moll Метнера из цикла «Забытые мотивы» второе отделение концерта открыла Полина Осетинская. Ее исполнение постепенно приобрело черты настоящего спиритического сеанса и дух восхищенного Метнера будто бы витал над сценой. Беззащитный силуэт, хрупкие плечи и даже сама необычная посадка исполнительницы за роялем (явно напоминавшие Иду Рубинштейн с картины Серова) как нельзя более соответствовали крайней меланхоличности метнеровской сонаты, которая звучала в абсолютной тишине затаившего дыхание зала. При этом пресловутая меланхоличность не имела никаких признаков декаданса и упадничества.

Выступившие следом Максим Филиппов и Дарья Петрова во всей красе раскрыли слушателю Прокофьева. Они исполнили сюиту из балета «Золушка» в переложении Михаила Плетнёва. Искрометная яркость этого знаменитого произведения была усилена великолепной аранжировкой Плетнёва, который акцентировал в фортепианной версии «Золушки» все те качества, благодаря которым Прокофьев любим публикой.

Яркое абхазское солнце озарило сцену в лице великолепной Хиблы Герзмавы, которая, как и проработавшая в Московской консерватории более 50 лет Горностаева, являет своим творчеством пример глубочайшей преданности Alma mater. Оперная певица открыла цикл Прокофьева «Пять стихотворений Анны Ахматовой» коротким номером «Солнце комнату наполнило». Аккомпанировала ей Екатерина Ганелина.

Прошедший концерт открыл очередной фестиваль «Эстафета Веры», который будет идти в залах Московской консерватории до 9 апреля 2020 года.

Екатерина Пархоменко, студентка, муз. журналистика

№8 (1364), ноябрь 2019

23 октября 2019 года в Московском театре Новая опера им. Е.В. Колобова состоялось вручение первой Международной премии «Чистый звук» за лучшую аудиозапись российской академической музыки. В число победителей и лауреатов Премии вошли записи, созданные сотрудниками МУПЦЗЗ (Многофункционального учебно-производственного центра звукозаписи и звукорежиссуры) Московской государственной консерватории им. П.И. Чайковского.

Уникальность премии «Чистый звук» в том, что впервые в истории конкурс аудиозаписей учитывал совокупное участие в достижении конечного результата сразу всех участников записи – и исполнителя, и живущего ныне композитора, и звукорежиссера, и продюсера. «Этот союз надо оценить» – подчеркнул на вручении Премии ректор Консерватории А.С. Соколов.

Организатор Премии – Российский музыкальный союз. Цель конкурса – совершенное запечатление и сохранение шедевров отечественной музыки в ее живой исполнительской интерпретации, развитие отечественной исполнительской и композиторской школы, индустрии звукозаписи и музыкальной культуры в целом. Аудиозаписи, выполненные в консерваторском Центре, долгие годы возглавляемом Т.В. Задорожной, получили высокие награды в разных номинациях.

• 

• 

• 

В номинации «Издание архивной аудиозаписи» 1-е место занял аудиодиск «Вэн Клайберн в Московской консерватории, 1960». Ранее не издававшиеся записи: Сергей Прокофьев. Концерт № 3 для фортепиано с оркестром до мажор, op. 26. Исполнители: Вэн Клайберн (фортепиано), Симфонический оркестр Всесоюзного радио, дирижер Геннадий Рождественский. Запись с концерта в Большом зале Московской государственной консерватории им. П.И. Чайковского 3 июня 1960 года. Реставратор Елена Дойникова, инженер Игорь Соловьёв и продюсер Евгений Платонов дали новую жизнь единственному сохранившемуся в записи примеру сотрудничества этих выдающихся музыкантов!

В номинации «Издание архивной аудиозаписи» 2-е место получил аудиодиск «Русские балеты Сергея Дягилева. исторические записи 1916–1930 годов. Игорь Стравинский, «Петрушка». Исполнители: Оркестр Русского балета Сергея Дягилева, дирижер Анри Дефоссе. Запись 1927 года. Автор идеи этого издания — неутомимый исследователь музыкальных редкостей, профессор А.Б. Любимов. Он же предоставил для издания оригинальные шеллаковые пластинки, найденные и привезенные им из Франции. Работу выполнили: реставратор Елена Сыч, инженер Игорь Соловьёв, продюсер Евгений Платонов.

В номинации «Хоровые произведения» за запись «Антологии современной хоровой музыки композиторов России» (исполнители: Камерный хор Московской консерватории, Евгения Кривицкая /орган/, Екатерина Мечетина /фортепиано/. Дирижер Александр Соловьёв) 2-е место заняли звукорежиссеры консерватории Михаил Спасский, Светлана Спасская, Руслана Орешникова.

В номинации «Камерная инструментальная музыка (ансамбль)» за запись «М. Вайнберг. Фортепианный квинтет ор. 18. С. Прокофьев. Увертюра на еврейские темы ор. 34» (исполнители: Андрей Ярошинский /фортепиано/, Никита Борисоглебский /1-я скрипка/, Елена Корженевич /2-я скрипка/, Ирина Сопова /альт/, Александр Рамм /виолончель /, Никита Зимин /саксофон/) 3-е место заняла звукорежиссер, профессор МГК Мария Соболева.

В рамках премии «Чистый звук» в Конгресс-центре международной торговли на Красной пресне прошел международный симпозиум «Индустрия звукозаписи академической музыки», спикерами которого стали: звукорежиссер, профессор МГК Мария Соболева (Темы: «Современные методы и технологии концертного звукоусиления» и «Профессиональное образование в области звукорежиссуры») и заместитель заведующего Центра звукозаписи и звукорежиссуры МГК Евгений Платонов («Бизнес-решения и авторское право в индустрии звукозаписи»), а также профессор МГК Евгения Кривицкая («Роль СМИ в развитии индустрии звукозаписи и популяризации академической музыки»).

В программу симпозиума также был включен мастер-класс «Реставрации и архивирование звукозаписей классической музыки», который провели в реставрационной аппаратной Центра продюсер аудио-изданий консерватории Е.Н. Платонов, реставраторы Е. Сыч, Е. Дойникова, инженер И. Соловьёв. Мастер-класс вызвал столь серьезный интерес, что участников симпозиума, желающих принять в нем участие, пришлось делить на два потока, и все равно не хватило возможностей принять всех желающих!

Идея участия Центра звукозаписи и звукорежиссуры Московской консерватории в конкурсе «Чистый звук» в номинации «Реставрация архивных записей» возникла достаточно спонтанно. Тонкая специфика работы с архивными материалами, высочайший профессионализм реставраторов и наше негласное первенство в рейтинге архивных аудиоизданий среди профессионалов и любителей музыки, подтолкнули нас поделиться своими достижениями с профессиональным сообществом.

Работа по реставрации архивных записей очень непублична, не терпит спешки, суеты и лишена каких либо амбиций на общественное признание. В чем-то она сродни работе врача-реаниматолога, который весь свой опыт, профессионализм, чутье, и иногда посылаемую Богом удачу полагает на спасение жизни человека. В нашем случае – спасать от гибели приходится шедевры музыкального исполнительского наследия, нашу музыкальную историю, нашу музыкальную культуру, являющуюся, в более широком контексте – частью мирового музыкального наследия. Ответственность и риски – колоссальные. Ведь некоторые пленки из-за ветхости можно воспроизвести всего один раз!

Московская консерватория – музыкальное учебное заведение и, одновременно, один из самых современных в России аудио-комплексов по записи классической музыки. Единственный в России Центр реставрации любых архивных аудионосителей, аудиоиздательская деятельность которого может составить конкуренцию известным международным лэйблам (каталог составляет более 200 компакт-дисков!). Как ни странно, сейчас мало кто знает, что Московская консерватория была первым в Европе музыкальным вузом, в котором получали академическое образование звукорежиссеры – аудиофоники, как их тогда называли. Кафедра аудиофоников была образована в начале 30-х годов – в то время как в Европе подобные кафедры появились только в 40–50-е годы.

Выдающимися выпускниками кафедры были Валентин Скобло, Александр Гроссман, записи которых до сих пор являются эталонными. Образование было поставлено так, что принципы обучения, заложенные кафедрой, прошли проверку временем и сохранили свою актуальность до сегодняшнего дня. Кафедра готовила специалистов по двум профессиям – аудиофоник (совр. – звукорежиссер) и музыкальный руководитель (совр. – редактор). Причем готовили этих специалистов с учетом взаимозаменяемости друг друга в исключительных ситуациях. Именно в таком тандеме в лучшие времена отечественной звуковой индустрии создавались записи Золотого фонда на Радио и на фирме «Мелодия».

Таким же образом ведется работа сейчас и в консерваторском Центре звукозаписи и звукорежиссуры. В 2015 году по инициативе ректора А.С. Соколова был сделан первый шаг к возрождению славной традиции подготовки звукорежиссеров в консерватории: возникла ассистентура-стажировка мастерства музыкальной звукорежиссуры. Это произошло столь естественно, что дало основание надеяться и на открытие в будущем специалитета, который позволит объединить современные технологии звукозаписи с образовательной программой и подготавливать специалистов высочайшего уровня в связке: композитор – исполнитель – звукорежиссер.

Е.Н. Платонов, зам. зав. Центром звукозаписи и звукорежиссуры

№8 (1364), ноябрь 2019

На одном из мероприятий кафедры теории музыки в рамках отзыва на научную статью А.С. Соколова прозвучало сравнение с «навороченным внедорожником», который в силу обстоятельств чаще вынужден ездить по паркету. Смысл этой шутливой метафоры поймут все, кто, так или иначе, соприкасался с разными гранями научной и творческой деятельности Александра Сергеевича. Это сожаление о том, как много у автора за творческой его душой есть интересного и важного: того, что сказать в области теории музыки и смежных гуманитарных дисциплин, того, что могло бы воплотиться в монографии, статьях и других формах научно-исследовательской работы. Но факт есть факт: в сутках пока не сорок восемь часов и писать Александру Сергеевичу, занимавшему и занимающему многие годы различные руководящие посты (от ректора консерватории до министра культуры), пока удается урывками, большей частью, находясь в отпуске. Все же некоторую компенсацию читатели и почитатели А.С. Соколова в России и за рубежом могут получить, слушая его академические и просветительские лекции, выступления на конференциях и мастер-классы. «Виртуозное владение устным словом» – вот обычный вердикт, который выносит ему самая различная аудитория.

Руководствуясь этими обстоятельствами, оргкомитет по подготовке цикла торжественных мероприятий, посвященных юбилейному году ректора-музыковеда, решил не ограничиваться традиционным для этого случая выпуском фестшрифта, а устроить некое фестивальное действо, в котором научная конференция длиной в три дня была бы прослоена концертами и сценическими придумками.

Такое стремление к синтезу аудиального и визуального нашло свое отражение в превосходно оформленном буклете: программы конференции и концертов соседствуют в ней с поздравлениями коллег и друзей, а также с фотографиями из личного архива виновника торжества. Обложка же буклета вполне способна конкурировать с «голливудским глянцем»: таковой ее делает царственно-роскошный портрет юбиляра.

Развертывание во времени внутренней смысловой структуры конференции оказалось таким же роскошным как ее полиграфическое оформление. Среди многочисленных заявок были отобраны те претенденты, темы которых оказались наиболее близкими к основной объявленной тематике: «Музыка и новые методы гуманитарных исследований» (секция, получившаяся наиболее объемной); «Музыкально-социологические исследования в современной России: опыт систематизации»; «Новые методы анализа формы», «Разработки кафедры теории музыки Московской консерватории в ХХI веке»; «Новый звуковой материал и методы его исследования». Заданные для выступлений направления не случайны: они, не исчерпывающе, но в большой мере способны очертить векторы научно-творческих интересов и достижений самого А.С. Соколова.

Конференция при сохранении торжественно-праздничного стиля (на который прекрасно настроили своими яркими выступлениями проф. В.В. Задерацкий и проф. К.В. Зенкин, открывшие пленарную часть конференции и проанализировавшие разноаспектные формы социокультурной и научной деятельности А.С. Соколова) получилась научно-насыщенной и географически представительной. Помимо докладчиков из крупных городов России (таких как Санкт-Петербург, Казань, Ростов, Уфа) в конференции участвовали музыковеды и исследователи из стран Европы (Германия, Швейцария, Франция, Италия) и Азии (Монголия).

Междисциплинарный характер конференции отразился не только в частом выборе выступающими тем «на перекрестье» (таких как, музыка и визуальные искусства, социологические аспекты музыкального исполнительства, цифровые технологии в творчестве и в музыкальном образовании), но и в межкафедральном составе ее консерваторских участников. С докладами выступили представители кафедры современной музыки, инструментовки, истории русской и зарубежной музыки, кафедры сочинения и кафедры гуманитарных наук. Настоящий сюрприз-подарок А.С. Соколову как заведующему кафедрой теории музыки (и, конечно, всем участникам конференции), был сделан заведующей аналогичной кафедрой в Российской академии музыки имени Гнесиных проф. Т.И. Науменко. Она, изучив архивы МГК, рассказала о том, как происходило становление теоретического музыкознания в Московской консерватории.

Научное значение конференции еще предстоит оценить в деталях, когда по ее материалам будет готовиться сборник статей. Социальное же и, попросту, человеческое значение уже обозначил Александр Сергеевич, сказав в своем ответном благодарственном слове на открытии конференции, что главное для него – это «возможность всем нам встретиться и пообщаться».

Самому же дорогому юбиляру хочется пожелать, пользуясь все той же любимой им авто-тематикой: табуна свежих лошадиных сил под капотом, надежной и слаженной работы системы курсовой устойчивости – на любых виражах, по любым дорогам и бездорожью. А нам  – дальнейшего удовольствия выруливать вслед за Флагманом.

Профессор М.В. Карасёва

№8 (1364), ноябрь 2019

Это событие обретает такой облик в редких случаях – когда юбиляр может спокойно обойтись без пафосных речей в тональности славословия. Галина Алексеевна Писаренко, народная артистка, супер-заслуженный профессор, решила отметить свою полукруглую дату самым обычным классным вечером, когда, сменяя на сцене одна другую, представали перед слушателями переполненного зала ее сегодняшние воспитанницы и выпускницы прошлых лет. Чудесный Рахманиновский зал, возведенный специально для вокалистов (синодальных певчих), в тот памятный вечер, словно преобразился, напоминая пестрый цветник, уникальный в своей палитре. Все, кто пришел поздравить Галину Алексеевну, несли ей цветы: корзины, букеты и скромные букетики. Атмосфера радости от общения с подлинным Мастером своего дела не могла не впечатлить.

В этом знаковом театре, ныне тоже юбиляре, Г.А. Писаренко создала множество вокально-сценических образов, но, как точно определил С.Т. Рихтер, в образе главной героини «Евгения Онегина» – «Галина Писаренко – самая лучшая из всех Татьян».

Выдающаяся певица была совершенно неповторимой и на концертной эстраде, где, по мнению Е.Ф. Светланова, она являлась «ведущей актрисой и в этом жанре». Наблюдение великого дирижера очень точное и тонкое, если вспомнить такие камерные моноспектакли Галины Алексеевны, как ее сценическое претворение «Гадкого утенка» Прокофьева или «Детской» Мусоргского. Также она создала свои звуковые монографии романсов Грига и Рахманинова, песен Листа, романсов Чайковского (перечислить невозможно, репертуар безграничен). Но особое место занимает исполнение Г.А. Писаренко романсов и песен Метнера. Звуковое воплощение его музыки олицетворяло главную идею этого сложнейшего композитора: «Голос есть совершеннейший из инструментов, что способен стать проводником не только чувств, но и мыслей».

А как много удалось сделать Галине Алексеевне для композиторов-современников, что просили ее о премьерах! В их числе Борис Чайковский, который упоминал, что «в естественности ее исполнения есть свой секрет». А Георгий Свиридов подчеркивал ее исключительную чуткость к авторским указаниям. Владимир Рубин ценил то, что «своим ученицам Г. Писаренко сумела передать главное – помимо высокого профессионализма, безупречный вкус и подлинно трепетное, честное отношение к музыке». Им вторит Сергей Слонимский, высоко ценивший яркую индивидуальность Писаренко, ее искренность и трепетность в отношении с учениками. Потрясает и признание Евгения Колобова: «Авторитет Галины Алексеевны во многом послужил благому делу основания «Новой оперы». Эту сцену Писаренко осветила своим участием».

«Каким был этот высококлассный вечер в Рахманиновском?» – вправе спросить читатель этих строк. И будет прав, ожидая ответа. Скажу главное: выступление талантливой молодежи класса профессора Г.А. Писаренко показало наличие яркой, самобытной, единой школы, где каждый, включая иностранцев младших курсов, демонстрировал свою природную индивидуальность, отраженную опытом выдающегося мастера.

Замечательно, что в классе профессора есть молодая пианистка Евгения Лопухина, которая выделялась мастерством воплощения разных стилей. Во втором отделении великолепно аккомпанировала певцам заслуженная артистка РФ Анна Маргулис. Позволю себе провести небольшую историческую параллель – класс Н.Л. Дорлиак был бы немыслим без партнерства с В.Я. Шубиной. «Фортепианные гены» тоже передаются по наследству.

В качестве P.S. хочу напомнить, что юбиляр воспитала столь разных певиц, лауреатов конкурса им. П.И. Чайковского, как Анастасия Бакастова, Альбина Шагимуратова, Елена Гусева и дипломант этого конкурса – Надежда Сердюк. Время совершенно не властно над Галиной Алексеевной, сферы ее деятельности, в том числе педагогической, стабильно обширны. Попасть в класс певицы, проработавшей 30 лет в МАМТ, спевшей более 30 партий, выпустившей в большой мир оперы и камерного пения более 40 учениц, ныне также трудно, как и раньше.

Многие Вам Лета и здоровья, дорогая Галина Алексеевна. Не любить Вас нельзя!

Искренне Ваша,

Профессор Е.Б. Долинская

№8 (1364), ноябрь 2019

29 октября в Рахманиновском зале состоялся заключительный концерт совместного проекта Министерства культуры Азербайджанской Республики и Московской консерватории. Ансамбль солистов Азербайджанского государственного симфонического оркестра имени Узеира Гаджибекова под руководством дирижера Фуада Ибрагимова подготовил программу из музыки Альбана Берга, Лучано Берио, Сальваторе Шаррино, Луи Андриссена, Аяза Гамбарли, Хайяма Мирзазаде, Александра Вустина, в которую включил и сценическую композицию в духе инструментального театра – «Семь преступлений любви» Жоржа Апергиса.

Проект с полным правом может претендовать на статус фестиваля: шесть концертов представили панорамный обзор ― от «классики» XIX столетия до самых современных композиций, в том числе специально написанных для этого культурного события. Автор идеи и куратор цикла профессор Фарадж Караев особое внимание уделил присутствию в программах музыки ХХ века – как «знаковых» имен (Бела Барток, Игорь Стравинский, Сергей Прокофьев, Оливье Мессиан, Эдисон Денисов), так и произведений композиторов, менее, а то и вовсе не известных московской публике – Всеволода Задерацкого, Исмаила Гаджибекова, Назима Миришли. Каждый из концертов предварялся вступительным словом доктора искусствоведения Рауфа Фархадова, искусно намечавшего точки пересечения множественных стилевых траекторий и создававшего для неподготовленных слушателей (а таких было достаточно!) ориентиры в непривычном, часто предельно диссонантном мире звуков.

Шесть концертов ― шесть автономных и вместе с тем взаимосвязанных концепций, реализованных в рамках драматургически безупречно выстроенной конструкции. Разные «лики» и «форматы» исполнительства: фортепиано соло (Ульвия Гаджибекова – 16 ноября 2018 года, Концертный зал имени Н.Я. Мясковского и Гюльшен Аннагиева – 16 февраля 2019 года, Рахманиновский зал), дуэт ― вокально-инструментальный (Фарида Мамедова (сопрано) и Юлия Керимова (фортепиано) – 17 декабря 2018 года, Рахманиновский зал) и инструментальный (Анар Ибрагимов (скрипка) и Тамилла Кулиева (фортепиано) – 25 сентября 2019 года, Малый зал), камерный ансамбль солистов с участием голоса (Ансамбль солистов и Фарида Мамедова – 29 октября 2019 года).

На московские выступления Фариды Мамедовой – участницы двух концертов цикла – приходит уже «своя» публика, те, кому посчастливилось слышать певицу в ряде концертов, кто по достоинству оценил и ее артистизм, и великолепное владение певческим аппаратом. На этот раз Мамедова представила слушателям многогранный и масштабный образ музыки ХХ века сквозь призму «одинокого человеческого голоса» – то пленительного и высветленного надеждой (Н.А. Римский-Корсаков, Ф. Пуленк, М. Равель), то надломленного страданиями и разочарованием (А. Шёнберг, А. Цемлинский). Исполнение Юлией Керимовой трех прелюдий из фортепианного цикла Кара Караева подготовило восхождение к кульминации дуэтного концерта, арии Катерины из оперы Дмитрия Шостаковича «Леди Макбет Мценского уезда».

Хочется отметить оригинальность замысла и изящество его воплощения в сольном концерте Османа Эюблу (16 марта 2019 года, Концертный зал им. Н.Я. Мясковского), выступившего в двух ипостасях: в качестве пианиста и скрипача. Согласно аннотации, программа «Ночные причуды» предлагала «новый взгляд на скрипичный каприс и фортепианный ноктюрн ― два знаковых для эпохи романтизма музыкальных жанра, которые, будучи рассмотрены через “фильтры” пост-современной оптики, создают сюжет истории молодого человека, находящегося в поиске собственного творческого “я”». Молодой исполнитель вовлек слушателей в увлекательное путешествие, наполненное неожиданными стилевыми «модуляциями»: от Никколо Паганини ― к Джорджу Рохбергу, от Фридерика Шопена – к Арво Пярту, причем сочинение последнего, Fratres в версии для скрипки и фортепиано, было исполнено музыкантом «в дуэте» с собственной записью (!).

Проект состоялся. Подводя итоги, можно назвать его успешным – ведь наполняемость консерваторских залов регулировалась не только гарантией свободного посещения всех концертов по бесплатным билетам (что немаловажно!), но и искренним интересом, потребностью в новом знании, общении, обмене мнениями. Для азербайджанских же музыкантов выступление в камерных залах главного музыкального вуза России стало разновидностью культурной «трансгрессии», возможностью говорить и быть услышанными публикой, которая умеет быть и доброжелательной, и понимающей.

Профессор М.С. Высоцкая

№8 (1364), ноябрь 2019

Одним из главных культурных событий осени стал XVI международный фестиваль новой музыки Московский форум, проходивший с 22 по 27 октября.

Фестиваль возник в сложные для страны годы. Став некоммерческим пространством, он фактически спас «новую музыку» в России, вытащил ее из руин и позволил развиваться. За четверть века, что длится Форум, было открыто множество композиторских имен, а современная российская музыка заняла свое место в контексте общеевропейской. Восприятие новой музыки публикой тоже заметно изменилось: преодолев, наконец, нулевую отметку, оно продолжает взбираться по шкале со знаком «плюс».

Московский форум этого года сохранил традиции и одновременно стал феноменальным явлением, отличным от всего, что было ранее. Художественный руководитель форума В.Г. Тарнопольский, говоря о «переизбытке фестивалей в бесконечно что-то празднующей Москве», предложил новый формат. Теперь событие стало не только торжеством новой музыки, но и рабочим пространством для эстетических диспутов вокруг связанных с нею вопросов. Парадная одежда композиторов, философов и искусствоведов сменялась лабораторным халатом в масштабных дискуссиях, проводимых прямо на сцене между отделениями концертов. В это время неработающий буфет Рахманиновского зала, где проходила основная часть мероприятий, безмолвно протежировал духовной пище.

Совершенно разные темы концертов-дискуссий объединяла идея взаимосвязи тенденций современной музыки и феноменов, происходящих в нашем обществе. Первые два вечера прошли под знаменем «Свободных радикалов». Так назвали композиторов, чьи сочинения составили программу концертов, в которую вошли, в том числе, российская премьера The Ocean of Yes and No для ансамбля Клауса Ланга, мировая премьера Numbers для 12 исполнителей Кирилла Широкова, «Манифест» для трех пенопластов Георгия Дорохова.

Все вопросы, которые только могли возникнуть в связи с названием «Свободные радикалы», были подняты в дискуссии. Состоявшийся разговор резюмировали два противоположных по стилю высказывания. Специальный гость фестиваля, любимый московским студенчеством композитор Клаус Ланг определил радикализм поэтично, назвав его «следованием глубинным законам своего языка». Другой участник, теоретик искусства, основатель Института БАЗА Анатолий Осмоловский обыграл перевод латинского слова radix (корень), выпалив слоган: «Радикализм — это по хардкору». Понятие «радикализм» было настолько обстоятельно рассмотрено, что еще не раз появлялось в контексте других мероприятий форума. Можно сказать, что весь фестиваль с его новой концепцией имел радикальный характер, и весь он был – «по хардкору».

Следующую пару концертов посвятили понятиям «Eroica – Erotica». Совершение подвига и проявление любви – это древнейшие константы, на которые опирается мировая культура. Однако нередко их присваивает себе популярное искусство, часто обслуживающее человеческие инстинкты и выдающее лишь романтизированную трактовку героического и эротического. Своеобразной иронией над этим стала российская премьера сочинения Sonata Erotica для женского голоса соло композитора Эрвина Шульхофа (1919) – хит, затмивший все происходившее до и после концерта-дискуссии. Наверно, впервые возрастной ценз 18+ на буклете мероприятия в стенах Консерватории был действительно оправдан. Сложнейшее и в техническом, и, еще больше, в психологическом плане произведение исполнила Надежда Мейер. Остался вопрос, что главенствовало в ее исполнении – эротика или же все-таки героика (в самых что ни на есть романтизированных смыслах этих слов). Совершив профессиональный подвиг, она ушла и не вернулась, несмотря на долгие аплодисменты, потому что, по словам В.Г. Тарнопольского, «такое, видимо, не повторяется».

Музыкальную часть Московского Форума завершил концерт-дискуссия под названием «Локальное – Глобальное». В его программу входили российские премьеры сочинений Фараджа Караева (Проповедь, мугам и молитва для тара, инструментального ансамбля и магнитной ленты), Армана Гущяна (Stillhörig для 13 инструментов) и Клауса Ланга (Tehran Dust для фисгармонии и виолончели). Восток и его культура на протяжении столетий развивался обособленно от стран Запада. В условиях глобализации ситуация меняется. В чем заключаются эти изменения и как они отразились в музыкальном искусстве обсудили во время дискуссии композиторы Мехди Хоссейни, Клаус Ланг Владимир Тарнопольский, Фарадж Караев, а также профессор факультета гуманитарных наук ВШЭ Михаил Велижев.

Формат обсуждения реализовался не только в вечерних концертах, но и в дневной программе Московского форума – II Всероссийском семинаре по музыкальной критике для журналистов и культурологов. На протяжении 6 дней между мастерами своего дела и молодыми представителями профессии шел диалог об актуальных тенденциях в современной журналистике, об особенностях  общения с различными типами аудитории, о ключевых понятиях современной культурологии, о музыкальной журналистике за рубежом, а еще о полотнах Поллока, об интерпретации биографии Бетховена и о многом другом…В завершении семинара состоялся практикум, в котором журналист Гюляра Садых-Заде с большой деликатностью разбирала тексты участников, посвященные концертам-дискуссиям, но, не к чести студентов будет сказано, не всегда эта деликатность оказывалась взаимной. Организаторам семинара (сайт о новой музыке Stravinsky.online и Центр современной музыки МГК) удалось подобрать широкую по темам и важную по их значимости программу и создать для участников располагающую к свободной и серьезной мысли обстановку, которой ощутимо не хватает после завершения Форума.

Важным событием для российского музыковедения стала презентация первого русскоязычного сборника трудов одного из самых авторитетных немецких музыковедов второй половины XX века Карла Дальхауса. Переводчик Степан Наумович отметил, что названия работ ученого часто сформулированы полемически, в виде вопросов: дискуссионный формат форума  продолжился на страницах книги.

Завершился Московский форум в кинотеатре «Красный октябрь» показом российской премьеры фильма Ханса Карла Бреслауэра «Город без евреев». Немой фильм (1924), долго считавшийся утраченным, был найден случайно несколько лет назад на блошином рынке в Париже. Написанную специально для ленты музыку австрийского композитора Ольги Нойвирт исполнял ансамбль солистов «Студия новой музыки» под управлением Игоря Дронова. Слушать полистилистическое произведение, с которым находишься в одном историческом времени и физическом пространстве, и одновременно с этим переживать события, находящиеся по ту сторону экрана и эпохи – опыт, который, вероятно, можно было бы сравнить со взглядом на Землю из иллюминатора МКС.

Программа каждого Московского форума выстраивается вокруг некой концепции. В прошлый раз она заключалась в вопросе: And how are we today? Ответы на него  подоспели после фестиваля этого года. И в социальных сетях, и в кулуарных разговорах Форума отмечалось, что в культурной среде, в частности, в пространстве новой музыки, происходят большие и качественные перемены. Они были бы невозможны без экспериментов с форматами, без «Студии новой музыки», без нескончаемого энтузиазма редакции сайта Stravinsky.online и без публики, не боящейся взглянуть на саму себя с другой стороны. Название этим переменам найдется со временем. А пока нам невероятно везет переживать редкое состояние люфтпаузы, в течение которой с трепетом и готовностью ждешь непременного наступления неизвестного.

Мария Невидимова, редактор «РМ»

№8 (1364), ноябрь 2019

Великий учитель, поэт фортепиано, музыкант-мыслитель, настоящий волшебник… Так отзывались о творчестве Виктора Карповича Мержанова современники, ученики, почитатели его неповторимого дарования. В этом году международная музыкальная общественность отмечает 100-летие со дня рождения выдающегося пианиста, народного артиста СССР, профессора Московской консерватории В.К. Мержанова, проработавшего в Alma Mater без малого три четверти века.

21 сентября 2019 г. в Овальном зале Музея им. Н.Г. Рубинштейна состоялся вечер, посвященный этой знаменательной дате. В нем приняли участие ученики, коллеги, друзья Виктора Карповича, почитатели его таланта и истинные любители фортепианного искусства. Вечер открыл директор музея В.М. Стадниченко. Он отметил, что исполнительское искусство Виктора Мержанова представляет особый интерес для молодых музыкантов. Его творчество и гражданская позиция – это отражение лучших традиций Московской консерватории.

Профессор М.В. Никешичев поделился воспоминаниями о встречах с Виктором Карповичем, рассказал о ярких страницах его творческой биографии – о годах учебы в Московской консерватории, которую пианист окончил с золотой медалью, об участии в Великой Отечественной войне, о блестящей победе на Всесоюзном конкурсе музыкантов-исполнителей в год Великой Победы. И о том значительном вкладе, который внес В.К. Мержанов в историю музыкальной культуры, являясь концертирующим пианистом с мировым именем и одним из ведущих профессоров не только Московской консерватории, но и Варшавской академии музыки (1973–1978) и Высшей музыкальной школы г. Троссинген в Германии (1990–1998).

Народный артист России, профессор Ю.С. Слесарев, рассказал о годах учебы в классе  профессора Мержанова, о масштабной концертной деятельности пианиста. На протяжении своей жизни Виктор Карпович дал более 2000 концертов, выступал и с сольными концертами, и с симфоническими оркестрами под управлением выдающихся дирижеров, среди которых К. Кондрашин, А. Гаук, Н. Аносов, К. Иванов, Е. Светланов, Г. Рождественский, Ю. Темирканов, Ф. Мансуров. Виктором Карповичем было сделано многочисленное количество грамзаписей, которые выпускались не только в СССР, но и в США, Италии, Японии. Он был одним из первых исполнителей фортепианных произведений С. Прокофьева, записи которых до сих пор считаются эталоном фортепианного искусства.

В концертной программе юбилейного вечера приняли участие: ученица В.К. Мержанова, проф. Н.Н. Деева, в великолепном исполнении которой прозвучала «Элегия» Рахманинова, а также проф. М.В. Никешичев, доц. А.М. Малкус и Михаил Ковалев, лауреат международного конкурса имени В.К. Мержанова в Болгарии, исполнивший собственное сочинение – две части из фортепианной сюиты «Посвящение Мержанову».

И еще одна премьера состоялась в тот вечер. В дар музею Консерватории была передана скульптурная композиция «Рука войны», изображающая руки великого мастера фортепиано Виктора Мержанова. Ее автор – известный скульптор, член Союза художников России В.С. Пилипер – создатель также скульптурных портретов В.К. Мержанова и Р.Б. Баршая, которые украшают галерею великих музыкантов в фойе Большого зала Консерватории.

После официальной части вечера все желающие имели возможность ознакомиться с фотовыставкой, подготовленной заведующей архивом МГК Р.Н. Трушковой. В посвященной великому пианисту экспозиции представлен богатый событиями и яркими достижениями жизненный путь В.К. Мержанова, чья многогранная деятельность – пример бескорыстного служения искусству.

Евгений Достов, курсант Института военных дирижеров Военного университета

№8 (1364), ноябрь 2019

1 ноября 2019 года траурный зал городской больницы имени Боткина с трудом смог вместить всех желающих, пришедших проститься с Львом Владимировичем Раковым. Огромное количество людей – коллег, родственников, друзей и студентов не только его класса, но и всей кафедры контрабаса и виолончели Московской консерватории, которые сочли своим долгом отдать дань уважения Мастеру, – свидетельствовало о том, каким огромным авторитетом пользовался этот человек. Многие специально приехали из других городов, чтобы проводить в последний путь Льва Владимировича. Если бы каждый из присутствующих имел возможность сказать хотя бы пару слов благодарности и сочувствия, время, отпущенное для прощания, вышло бы за рамки дозволенного.

Л.В. Раков приглашал и организовывал творческие встречи с зарубежными контрабасистами, выдающимися музыкантами современности – О. Бадила, К. Хук, К. Ротару, сам был членом жюри многих международных конкурсов. Его знали и ценили. В 2016 году в Москву приехали Т. Мартин, Кл. Трумф, Дж. Брадетич, чтобы лично поздравить Льва Владимировича с 90-летием.

Лев Владимирович – маститый Учитель, отдавший большую часть своей жизни педагогической деятельности в МССМШ и училище имени Гнесиных, а так же МГК им. П.И. Чайковского. Одним из его замечательных качеств было умение видеть в учениках только положительные стороны, выявлять их и развивать. Он не боялся экспериментировать и быть новатором в методике обучения. На траурном прощании профессор А.А. Кобляков, декан композиторского факультета, сказал: «Лев Владимирович обладал удивительным чутьем и интуицией открывать новые горизонты возможностей студентов и самого инструмента».

Прекрасный профессионал, Лев Владимирович считал, что контрабас – инструмент, изначально предназначенный для игры в оркестре, справедливо полагая, что сольно он будет использоваться единицами. Поэтому всю жизнь был ярым сторонником оркестрового строя. «Контрабас – уникальный, удивительный, прекрасный инструмент, но прежде всего он – инструмент оркестра и ансамбля. Именно в этом его изначальная предназначенность как самого низкого по звучанию смычкового инструмента» – писал Лев Владимирович в своей книге «Учиться, знать, уметь» (М. 2009). Именно поэтому он так много времени уделял на занятиях осмыслению и проработке оркестровых партий, готовил учащихся «к усердному изучению именно того дела, которым они будут заниматься всю свою профессиональную жизнь».

Убежденность, с которой он отстаивал свои принципы, не мешала ему выпускать из своего класса не только добротных оркестрантов, которые занимают ведущие позиции в лучших оркестрах как в России, так и за рубежом, но и превосходных солистов, лауреатов международных конкурсов.

Важно отметить огромное методическое наследие, которое оставил после себя Лев Владимирович. Средства массовой информации и интернет наполнены его изданиями. Но предмет его творческих устремлений не ограничивался составлением только методических изданий школ и хрестоматий. Обладая недюжинным литературным талантом, он написал множество статей, рецензий и книг, посвященных истории контрабаса, рассказывающих о знаменитых солистах-виртуозах и педагогах-контрабасистах. Поражает, какой гигантский объем информации был найден в архивах, освоен, литературно обработан и сохранен для потомков.

До последних дней Лев Владимирович общался и поддерживал связь со многими зарубежными коллегами, живо участвовал в обсуждении различных вопросов, касающихся исполнительского мастерства и активно интересовался дальнейшими перспективами развития контрабасового искусства. Масштаб личности Льва Владимировича Ракова и то, что он успел сделать и воплотить в жизнь, заставляет видеть в нем Человека с большой буквы, мастера своего дела, которому мы должны если не подражать, то хотя бы стремиться следовать его примеру.

Доцент Н.Ю. Горбунов

№8 (1364), ноябрь 2019

5 октября на сцене Малого зала по инициативе ректора Московской консерватории проф. А.С. Соколова состоялась долгожданная презентация сборника «Музыка М.И. Глинки в зеркале органной интерпретации» (2018, составитель Д. Дианов), приуроченная к 215-летию со дня рождения великого классика.

Грандиозный проект не мог бы осуществиться без участия большого количества высокопрофессиональных музыкантов. Большая часть сочинений, прозвучавших в концерте-презентации, была подготовлена доцентом Д.В. Диановым к 200-летию Глинки в 2004 году. Декан композиторского факультета, проф. А.А. Кобляков принял решение о публикации произведений в отдельном сборнике, эту же идею поддержала и зав. кафедрой органа и клавесина проф. Н.Н. Гуреева-Ведерникова. Ноты были переданы в издательство «Композитор», но… постепенно канули в лету. В итоге выход сборника растянулся на 15 лет!

Процесс публикации сдвинулся с мертвой точки только тогда, когда весь материал вернулся в Alma Mater. Большой вклад в общее дело внесли зав. органной мастерской Н.В. Малина, осуществившая нотный набор, проректор по научной работе проф. К.В. Зенкин, зав. кафедрой русской музыки проф. И.А. Скворцова, руководитель НИЦ «Московская консерватория» Н.О. Власова, музыкальный редактор С.М. Мовчан.

Формированию сборника предшествовала большая исследовательская работа: необходимо было найти оригинал коллективного сочинения – Вариации на тему Песни Вани из оперы «Иван Сусанин» (1957 г., столетие памяти Глинки). В создании этого фортепианного произведения приняли участие 8 композиторов, но для органной версии Д. Дианов отобрал музыку, написанную композиторами Московской консерватории: В. Шебалиным, А. Эшпаем, Р. Щедриным, Д. Кабалевским и Д. Шостаковичем.

В концерте прозвучали бессмертные сочинения русского гения в различных интерпретациях: переложения, транскрипции и фантазии для органа, а также новые произведения, написанные Л. Бобылевым («Жаворонку»), В. Агафонниковым («Херувимская песнь») и Д. Диановым (Три фуги, Тарантелла, фантазия на тему песни «Как в вольных просторах» для флейты и органа, фантазия Rozmowa, «Молитва» для скрипки и органа, Свадебная песня и Романс Антониды для голоса и органа).

Д.В. Дианов – признанный мастер органных переложений и транскрипций. Пожалуй, нет ни одной эпохи или стиля, которые не получили бы авторское преломление в его творчестве. Причем, степень свободы в выборе формы и новизны языка каждый раз связана с конкретной задачей. Тема Глинки – одна из любимейших в его композиторской лаборатории. Уже после выхода сборника им были созданы новые транскрипции, которые впервые прозвучали в концерте.

Мероприятие прошло на непрерывном crescendo. В первом отделении сольные органные номера перемежались с красивыми ансамблями, во втором прозвучали две крупные композиции – «Жаворонку» Бобылёваи великолепные коллективные Вариации на тему песни Вани. Свое мастерство продемонстрировали талантливые органисты: А. Максимова, О. Кравченко, В. Скоморохов, Е. Белова и, конечно, главный герой мероприятия – Д. Дианов. Партию флейты исполнила А. Антонова, партию скрипки – Э. Хечикян. Особые аплодисменты выпали на долю певицы И. Якубовской.

Концерт получился большим, но не скучным. Немалую роль сыграла интересная научная статья, которую Д. Дианов подготовил для программки. В своем заключительном слове он рассказал захватывающую историю об издании многострадального сборника и поблагодарил всех, кто принял участие в этом проекте. Презентация закончилась торжественным вручением авторских экземпляров композиторам и их наследникам.

Мария Макарова

№7 (1363), октябрь 2019

День рождения Московской консерватории – 13 сентября – ознаменовался открытием в фойе Малого зала нового выставочного пространства. Проект дизайна, который носит название «Точка соприкосновения. Touchpoint», был разработан на кафедре средового дизайна Московской государственной художественно-промышленной академии имени С.Г. Строганова. Настоящим подарком от Академии стала экспозиция лучших работ студентов кафедр художественного стекла, реставрации художественного металла, монументально-декоративной живописи, дизайн-текстиля. Эта выставка стала частью насыщенной программы Молодежного форума Московской консерватории «Партитура будущего», который проводится при поддержке Федерального агентства по делам молодежи «Росмолодежь» и направлен на объединение студентов творческих вузов.

Новый зал поражает художественным разнообразием элементов интерьера, креативным сочетанием ажурных конструкций, стеклянных стендов и натяжных тросов. Неудивительно, что в это современное пространство гармонично вписались экспонаты выставки, где были представлены не только картины и скульптуры, но и образцы декоративного текстиля, необычные композиции из стекла и изящные изделия из металла. Посетителей поразило разнообразие материалов и высокое качество экспонатов, многообразие стилей и эпох: представленные работы охватывают стилевой диапазон от Ренессанса до наших дней. Интересно, что во многих произведениях нашли отражение музыкальные мотивы и даже музыкальный инструмент: именно орган вдохновил создателей на подобное многообразие художественных форм.

Одной из главных задач при оформлении зала был синтез искусств – живописи архитектуры, дизайна и музыки. Эта концепция воплотилась и на открытии выставки: гости смогли не только увидеть замечательные работы строгановцев, но и насладиться прекрасной музыкой в исполнении студентов и аспирантов Московской консерватории. В это вечер прозвучали: блестящее Вальс-скерцо ор. 34 Чайковского в исполнении Анны Савкиной (скрипка) и Олега Худякова (фортепиано); лирический дуэт Лакме и Малики из оперы Делиба «Лакме», представленный Анной Загородней (меццо-сопрано), Полиной Кумылгановой (сопрано) и доцентом Московской консерватории Екатериной Ганелиной (фортепиано); поэтическое Pezzo capriccioso для виолончели и фортепиано ор. 62 Чайковского, исполненное Василием Степановым (виолончель) и Виталием Егоровым (фортепиано). Большое впечатление на посетителей произвело не только мастерство артистов, но и органично вписавшийся в новое пространство футуристический рояль, подаренный Консерватории в 2018 году венгерской фирмой «Боганьи».

С приветственными речами перед гостями выступили ректор Московской консерватории, профессор А.С. Соколов, начальник Финансового управления Консерватории Н.В. Кобец, исполнительный директор форума «Партитура будущего», кандидат искусствоведения Я.А. Кабалевская и представители Академии им. Строганова: проректор по развитию социальной инфраструктуры и молодежной политики, профессор Ф.И. Рагимов, заведующая кафедрой средового дизайна, профессор Е.А. Заева-Бурдонская, заведующий кафедрой реставрации художественного металла, профессор Д.М. Чавушьян, заведующий кафедрой монументально-декоративной живописи В.А. Чернорицкий и заведующая кафедрой художественного стекла, доцент О.А. Чистякова. Все они подчеркнули важность события для обоих вузов и выразили надежду, что это творческое сотрудничество будет развиваться.

Дружба вузов продолжается уже не первый год. Ранее проводились выставки работ студентов и преподавателей Академии в Большом и Рахманиновском залах Консерватории, кроме того, строгановцы принимают участие в оформлении нового корпуса общежития МГК на Малой Грузинской. Также Консерватория совместно с Академией помогают детям с нарушениями слуха в рамках благотворительной музыкально-образовательной программы «Консерватория – детям». А.С. Соколов отметил, что «этот союз в сфере искусства, наверное, самое драгоценное что можно увидеть в жизни молодых людей». Ректор поблагодарил студентов Академии за то, что они своим творчеством вошли в жизнь Консерватории и пообещал, что это будет двухсторонним движением: «музыка точно также будет и вашим пространством».

Анна Горшкова, Юна Катко, Яна Катко