№7 (1363), октябрь 2019

Впервые в Московской консерватории прошла международная научно-публицистическая конференция «Музыкальная журналистика в информационном веке», посвященная юбилею газет «Российский музыкант» и «Трибуна молодого журналиста» (80+20=100). Об этом суммарном «столетии» мы уже рассказывали нашим читателям («РМ» 2018, №8). Столь значимый факт явился поводом для широкого обмена мнениями по разным проблемам текущего музыкально-культурного процесса: в течение двух дней – 15 и 16 октября – гости из разных городов и стран делились своими размышлениями об актуальных практических задачах современной музыкальной критики и публицистики, а во второй день к ним присоединились и студенты.

И, как и должно, праздник сопровождала музыка: вечером 15-го на «Нескучном концерте» в Рахманиновском зале участников конференции и виновников торжества приветствовали два знаменитых коллектива, которые также роднит приверженность музыкальной современности: артисты ансамбля «Студия новой музыки» и Камерный хор Московской консерватории. Их художественные руководители – профессор В.Г. Тарнопольский и профессор А.В. Соловьёв – лично тепло и с юмором поздравили консерваторские газеты, причем в программе «Студии» прозвучали знаменитые «Газетные объявления» А. Мосолова, а хор после многих разножанровых современных миниатюр закончил музыкальный вечер «Многолетием».

Конференцию открыл ректор Московской консерватории, профессор А.С. Соколов. В своем обращении к аудитории он подчеркнул значимость медийных аспектов в современной культуре, поздравив консерваторские газеты с их юбилеем и той важной информационно-просветительской миссией, которую они исполняют, в том числе в интернете, а теперь и в соцсетях. Ректор отметил также растущую роль музыкально-журналистского образования в стенах самой Московской консерватории – и в рамках традиционного музыковедческого курса, и на специальном музыкально-журналистском направлении бакалавриата.

Затем внимание научного собрания останавливалось на разных сторонах современного музыкального процесса. Глобальных задач музыкально-журналистской деятельности в контексте современной культуры коснулись: главный редактор газет-юбиляров, доктор искусствоведения, профессор Т.А. Курышева («Музыкальная журналистика в культуре XXI века и газеты Московской консерватории»); главный редактор газеты «Музыкальное обозрение» А.А. Устинов («Образ музыкального пространства России на рубеже веков: к 30-летию газеты “Музыкальное обозрение”»); доктор искусствоведения, доцент Казанской консерватории Т.С. Сергеева («Современные просветительские проекты о музыке в СМИ: российский и зарубежный опыт»); доктор искусствоведения, профессор Московской консерватории М.В. Карасева («Новые мультимедийные тренды под эгидой Московской консерватории: тематические фильмы и социальная сеть для музыкантов»); руководитель специальных проектов радио «Орфей» Т.А. Цветковская («Формат Classical в истории музыкального радио»); доктор искусствоведения, профессор Ростовской консерватории А.М. Цукер («Рок-музыка как объект музыкальной критики и журналистики»); ст. преподаватель Белорусской академии музыки Н.Е. Бунцевич («Научно-развлекательное направление в музыкальной журналистике и его перспективы»); преподаватель цикла теоретических предметов колледжа Тюменского государственного института искусств К.А. Стацура («Нестоличная музыкальная журналистика: Тюмень»).

Отдельно была поднята тема более узкой и самой сложной сферы музыкально-журналистской практики – музыкальной критики. Профессиональный взгляд на творческие процессы в сфере современного исполнительства и новой музыки, вопросы репертуара, оценочные критерии и подходы в их освещении также нашли отражение в разных выступлениях. Музыкальный критик П.Г. Поспелов – шеф-редактор издательства «Композитор», под эгидой которого выходят журналы «Музыкальная академия» и «Музыкальная жизнь»,в своем докладе («Как изменилась критика за последние десять лет») обратил внимание на важный факт: «рост художественных объемов, за которыми нужно следить», обилие разноплановых событий, фестивалей, ярких личностей, рождение новых направлений и коллективов сегодня требуют не столько информативного подхода (информация постоянно поступает из разных источников), сколько авторской музыкально-критической аналитики.

Гостья из Латвии Ингрида Земзаре – музыкальный критик и директор Камерного оркестра Kremerata Baltika в своем докладе («По ту сторону рампы – взгляд на музыкальную критику с позиции продюсера») остановилась на проблемах соотнесения художественной политики коллектива со вкусами и запросами публики. В частности, она привела интересный пример: «Когда появилась программа “Восемь сезонов” – четыре концерта Вивальди ̋Времена года̋ чередовались с четырьмя знаменитыми танго Пьяццоллы (тоже четыре времени года) в инструментовке Леонида Десятникова, она имела огромнейший успех, была записана и издана на Deutsche Grammophon. Если послушаться промоутеров и агентов, то мы – я имею ввиду Гидона Кремера и его оркестр – могли бы играть эту программу по всему миру и по сей день. Но в силу вступило критическое мышление, выработанное в консерватории – тяга к обновлению и развитию. И вопреки требованию промоутеров мы оставили эту программу позади и двинулись дальше».

Критический взгляд на недостаток внимания к духовому исполнительству изложил в своем докладе(«Необитаемые острова в прибрежных водах: музыкальная журналистика и духовые инструменты») доктор искусствоведения, профессор МГК В.В. Березин. Конкретных объектов критического осмысления коснулись кандидат искусствоведения, доцент Белорусской академии музыки Н.Г. Ганул («Белорусский оперный театр 2010-х в зеркале музыкальной критики») и кандидат искусствоведения, доцент М.В. Щеславская («Творчество М.Б. Тертеряна в контексте современности. Журналистский взгляд»).

Последовавший через неделю после конференции II Всероссийский семинар по музыкальной критике для журналистов и культурологов в рамках фестиваля «Московский форум» фактом своего проведения подчеркнул необходимость углубления музыкально-критического направления. Этот образовательный семинар ориентирован, прежде всего, на проблемы новой и новейшей музыки, на понимание и трактовку актуальных исканий в разных художественных сферах, тесно взаимосвязанных между собой.

Музыкальное образование в сфере артжурналистики стало главной темой выступлений гостей, приехавших из Нижегородской консерватории. Там уже функционирует кафедра музыкальной журналистики, и ее педагогов волнуют, в том числе, методические аспекты. Зав. кафедрой, профессор Л.А. Птушко выступила на тему: «Музыкальная журналистика в вузе». Ее коллеги предложили темы: профессорТ.Р. Бочкова – «Музыкальная рецензия в современном медийном пространстве»; журналист «Радио России», доцент Л.Р Кириллова – «Об особенностях преподавания музыкальной радиожурналистики в вузе» (этот доклад, к сожалению, не прозвучал); кандидат филологических наук, доцент В.Ю. Белоногова – «Александр Улыбышев и современная музыкальная журналистика».

Учебная проблематика высвечивалась и у двух московских докладчиков: преподавателя МГК В.В. Тарнопольского («Музыкальная журналистика: экспериментальная часть учебного курса») и ответственного редактора газет МГК Н.А. Травиной («Музыкальная журналистика: практическая часть учебного курса»). Студенческий круглый стол, в котором приняло участие 11 человек, добавил молодой журналистской энергии научному собранию. Молодежь не только сделала заявленные ими сообщения, но и устроила предметную дискуссию, что радует.

На творческой встрече с главным редактором газет МГК, проф. Т.А. Курышевой возникла тема тележурналистики и ее давних авторских телепередач «Музыка наших современников». По желанию аудитории, присутствующие посмотрели фрагмент с композитором Гией Канчели и послушали его музыку. Это стало данью памяти только что ушедшему из жизни выдающемуся грузинскому музыканту.

В целом конференция оказалась многогранной и удивительно творческой. Было высказано много метких наблюдений, прозвучало много сердечных слов и пожеланий. У нижегородцев даже возникло желание продолжить московское начинание. Отлично! Возможно, родилась новая традиция всероссийского масштаба. И уже видно, что есть культурное пространство, на базе которого она может развиваться, и есть молодое поколение, которое хочет и сможет ее продолжить. Спасибо всем участникам!

Профессор Т.А. Курышева

№7 (1363), октябрь 2019

6 мая в Малом зале состоялся юбилейный авторский вечер, посвященный 50-летию сразу двух педагогов композиторского факультета Московской консерватории – доцента кафедры сочинения и кафедры инструментовки Сергея Валерьевича Голубкова и доцента кафедры инструментовки Евгения Владимировича Щербакова. В программе необычайно интересного концерта звучала органная и камерно-инструментальная музыка в исполнении замечательных музыкантов.

Концерт начался масштабной, драматичной Сонатой для виолончели и фортепиано Сергея Голубкова в исполнении лауреата международных конкурсов Дмитрия Чеглакова и автора, продемонстрировавших превосходную ансамблевую сыгранность, зрелость и техническое мастерство. Особенно хочется отметить убедительное драматургическое развитие четырехчастной композиции с ее предельными образными контрастами в первой и второй частях, кульминацией развития в виолончельной каденции и виртуозным финалом.

Далее на сцене «царствовал» исторический орган Малого зала консерватории. Произведения Сергея Голубкова звучали в исполнении талантливого молодого органиста, лауреата международных конкурсов Владимира Скоморохова (класс проф. Н.Н. Гуреевой). После монументальной Органной прелюдии и фуги на имя BACH центральным сочинением органной части программы стала пассакалия Circulus disjunctus. Произведение с элементами своего рода «космической фантастики» написано, по словам автора, с применением оригинального метода композиции на «всеинтервальной» основе.

Затем в тонкой, проникновенной интерпретации того же Владимира Скоморохова прозвучала пьеса «Таинство», ставшая в прошлом году обязательным произведением на V Международном конкурсе органистов имени А.Ф. Гедике. В завершение первого отделения впервые была исполнена специально подготовленная органистом для этого концерта транскрипция двух полифонических фортепианных миниатюр (Инвенция и Фугетта) из сборника «Пьесы на бис» Сергея Голубкова.

Второе отделение концерта открыла Соната № 2 для скрипки и фортепиано Евгения Щербакова в замечательном исполнении Заслуженного артиста РФ Александра Тростянского и Натальи Ардашевой. Музыкантам удалось максимально точно воплотить авторский замысел масштабной трехчастной композиции. Профессор А.Б. Тростянский, безусловно, является одним из выдающихся скрипачей современности, и его выступления на этом концерте еще раз убедительно это подтвердили. Причем как в скрипичной сонате, так и в завершившем концерт многогранном, изысканном по звучанию Секстете Е. Щербакова для двух скрипок, двух альтов и двух виолончелей. Его достойными партнерами по камерному ансамблю выступили Дмитрий Новиков (скрипка), Сергей Полтавский и Илья Гофман (альт), Рустам Комачков и Елена Жулева (виолончель).

Авторский вечер Сергея Голубкова и Евгения Щербакова стал ярким и запоминающимся событием в концертной жизни Московской консерватории. В кулуарах слушатели с восхищением говорили о музыке юбиляров и ее блестящих исполнителях. Присоединяясь к мнению большинства присутствующих, хочется выразить надежду, что общение с искусством выдающихся современных музыкантов – авторов и исполнителей – будет и в дальнейшем занимать важное место в консерваторских программах. А С.В. Голубкову и Е.В. Щербакову пожелаем новых концертов и ярких премьер!

Доцент А.В. Комиссаренко

№7 (1363), октябрь 2019

В 2018 году газетам Московской консерватории «Российский музыкант» и «Трибуна молодого журналиста» исполнилось сто лет на двоих: 80 + 20 = 100. В связи с этим в октябре состоялась международная конференция «Музыкальная журналистика в информационном веке». В преддверии торжеств мы решили встретиться с музыкальным критиком и журналистом, главным редактором «Музыкальной академии» Ярославом Тимофеевым и побеседовать с ним о настоящем и будущем музыкальной журналистики.

– Ярослав, абсолютно ясно, что журналистика, скажем, 10 лет назад и сейчас – очень разные вещи. Постепенно перестают существовать бумажные издания, информация перебирается в сеть. А на Ваш взгляд, произошли ли в связи с этим глубинные изменения в журналистике музыкальной? Случился ли разрыв связи того, что есть, с тем, что было?

– Как известно, когда появилось кино, все знатоки сказали, что театру пришел конец. Сегодня в Москве по статистике в театры ходят даже больше, чем, скажем, 50 лет назад. Когда появилась фотография, все сказали, что умрет живопись. На самом деле тогда начался, возможно, самый большой расцвет в истории живописи, потому что она оторвалась от реальности. То же самое с изобретением интернета: он изменил мир, но вряд ли сможет убить бумагу. Газеты по-прежнему печатаются и по-прежнему читаются, пусть меньшим количеством людей. Мне кажется, особенность нынешней эпохи заключается в том, что одного культурного или информационного потока больше нет и не может быть, есть раздробление на множество разных течений, каждое из которых утоляет чью-то жажду.

В интернете появляется огромное количество статей о музыке, которые написаны по старым правилам – как бы для бумаги, и они тоже неплохо читаются. Есть тексты, которые пишутся для телеграм-каналов, посвященных музыке, – они другие по стилю и формату, отчасти потому, что телеграм не поддерживает размещение лонгридов и, таким образом, стимулирует человека выражать свою мысль кратко. Но если журналист пишет музыкальную рецензию для сайта общественно-политической газеты, он никогда не будет ограничивать ее 500 знаками. Во-первых, его гонорар окажется меньше, чем комиссия за перевод на карту. Во-вторых, он знает, что читатель, который открывает сайт серьезной газеты, не стремится мгновенно проскроллить статью. Он хочет попить кофе за то время, пока читает, ему нужен нормальный вдох и выдох. В общем, изменения происходят, но ничто пока не умирает, все подстраивается под новую жизнь.

– Последние несколько лет людей все больше привлекает жанр интервью. Особенно, видео-формат, благодаря Юрию Дудю и подхватившим тенденцию блогерам на YouTube. Итервью проводите и Вы в Филармонии, разговаривая с легендами мира академической музыки, и Союз композиторов с его новым YouTube-проектом «Начало времени композиторов». Как Вы можете объяснить возросший интерес именно к этому жанру? Ведь если предложить человеку выбрать между чтением рецензии или просмотром интервью, он, наверняка выберет второе.

– Прочитать рецензию и посмотреть интервью – это разные удовольствия, одно не заменяет другое. Я как читатель, хоть и люблю интервью, с не меньшим аппетитом открываю рецензии Екатерины Бирюковой или Юлии Бедеровой и наслаждаюсь виртуальным общением с авторами. Но, действительно, сейчас жанр интервью – самый актуальный. Думаю, тому есть две причины. Первая – это роль персоны как PR-объекта, которая сегодня велика как никогда. Раньше воспринимающая сторона не могла взаимодействовать со своим кумиром постоянно. Можно было прочесть книжку о звезде, можно было раз в год, накопив денег, поехать на концерт в далекий город или страну. Сегодня ты можешь следить за жизнью кумира в инстаграме 24 часа в сутки, видеть, во что он одевается, что ест, с кем целуется. Недаром сегодня аккаунты некоторых персон собирают больше подписчиков, чем самые влиятельные газеты.

Вторая причина связана с ролью интернета как средства превращения человека в одинокое существо. Есть исследования, согласно которым современный человек проводит в одиночестве в несколько раз больше времени, чем человек второй половины ХХ века. Виртуальный мир забирает время у общения с людьми. Мы, наследники homo soveticus, чувствуем это, может быть, особенно сильно, потому что в нас на генетическом уровне живет память о «кухонных разговорах». Интервью восполняет этот голод. Видеоинтервью – в первую очередь. Когда человек смотрит ролики того же Юрия Дудя, он как будто близко знакомится с его гостем, видит мимику, реакции, питается его энергией – и у него создается ощущение, что он поговорил с интересной личностью. В прежние времена человек пошел бы в библиотеку, на лекцию, в клуб. В «Ленинке» была легендарная курилка (ее убил недавний закон о защите здоровья от вреда табачного дыма), там был просто рай для тех, кто хочет поговорить с каким-нибудь интеллектуалом. Сейчас такой вселенской курилкой стал YouTube.

– Недавно Вы возглавили журнал «Музыкальная академия», который стал и интернет-ресурсом. Один из главных планов журнала – создание электронного архива всех выпусков, начиная с 1933 года. А есть ли у Вас мечты, связанные с журналом, которые хотелось бы воплотить?

– Создание архива – по сути, тоже мечта. Мы обязательно его сделаем, но это будет непросто и не очень быстро. 767 выпусков – это десятки тысяч статей, у каждой есть автор, у автора должна быть биография, желательно фото, каждая статья должна быть обработана с метаданными, чтобы быть полезной для исследователей, чтобы ее можно было быстро найти. Это сложный процесс.

А еще у меня есть мечты, связанные с выходом к мировой аудитории, потому что языковые барьеры в мире быстро исчезают, и их давно можно и нужно переступать. Сегодня, если ты, находясь в Рязани, сделал какое-то важное музыковедческое открытие и написал о нем в «Музыкальную академию», – это, конечно, хорошо. Но если об этом не узнает мир, то твое открытие останется домашней радостью, игрой в песочнице. Очень возможно, что спустя неделю такое же открытие сделает кто-то в Венесуэле и успеет зарегистрировать его в каком-нибудь международном журнале. Конкуренция большая. И одна из самых грустных особенностей русского музыковедения в том, что оно, имея прекрасную, великую историю и невероятные умы, почти неизвестно в мире. Мы могли бы дать мировой науке гораздо больше, если бы переводили свои тексты, оформляли их в соответствии с международными требованиями. Вот этим мы и начинаем заниматься – чтобы интересные статьи, появляющиеся в Москве или провинции, влияли на научный процесс.

– Ваша деятельность посвящена академической музыке, но помимо этого, Вы играете в поп-группе OQJAV?

– Первая причина, по которой я решил попробовать себя на поприще поп-музыки – это, что называется, желание узнать врага в лицо. Я считаю, что музыковед совершенно точно должен знать популярную музыку, знать, как она устроена, по каким законам живет, потому что музыковед – это человек, который мыслит и осознает музыку. Если он «мыслит» только в определенных стилях, он словно без ног или без рук. Я с младенчества был огражден от поп-музыки и относился к ней с высокомерием, смешанным со страхом, потому что все равно чувствовал – это что-то большое и важное. Но примерно на втором курсе Консерватории у меня сложилось понимание, что поп-музыка – это абсолютно живая культура, достаточно простая, часто ориентированная на животные инстинкты человека и во всем этом по-своему замечательная. Она развивается абсолютно по тем же законам, по которым жила классическая музыка в эпохи своего расцвета. Например, итальянская опера XVIII века – это просто тотальное совпадение с современной попсой в плане бесконечного повторения одних и тех же шаблонов, очень короткой жизни каждого произведения и даже института звезд, за которыми гоняются фанаты.

А вторая причина – это невероятное ощущение свободы, осмысленности жизни, восторга, которые я испытывал в детстве во время исполнения музыки на сцене. Группа OQJAV – то, что возвращает мне кайф, который я помню с детства как пианист.

– Филармония в своем известном проекте «Мама, я меломан» создала уникальные условия, в которых молодой зритель сам определяет программу, голосуя за произведения, которые он хочет услышать. Чего удалось достигнуть?

– Главное, что вокруг этого проекта сформировалась новая «экосистема». Молодая аудитория, готовая воспринимать классическую музыку, – это мечта и источник фантомной боли всех концертных залов не только России, но и Западной Европы и Америки. В Москве за последние десятилетия, кажется, не было ни одного долгосрочного, качественного и легкого проекта для людей, которые хотят узнать классическую музыку, но при этом не готовы сразу окунуться во что-то очень серьезное и суровое, где нельзя чихнуть, где вокруг сидят злые бабушки, которые на тебя цыкают, где засыпающий дирижер дирижирует полтора часа Четвертой симфонией Малера и ты чувствуешь себя паршиво, когда захлопал не вовремя.

Каждый раз, приходя на «Маму, я меломан», я вижу людей 20–30-летнего возраста – свежую аудиторию, которая еще не устала и готова экспериментировать. Она очень активна в интернете, много общается с друзьями и, следовательно, не ведая того, сама является прекрасным рекламным инструментом. Людей привлекают ночные концерты, возможность снимать происходящее на телефон, проголосовать за репертуар и услышать что-то свое, любимое. Кроме того, аудитории нравится, когда с ней разговаривают. Благодаря этому представление о классической музыке меняется на 180 градусов, и бывает, что человек выходит из зала перевернутым, со слезами на глазах, или – что еще лучше – со слезами внутри.

– Вы как-то рассказывали о том, что по зрительским симпатиям Рахманинов обогнал Чайковского. С одной стороны, инициатива слушателя сближает его с тем, что будет звучать на концерте. С другой, не является ли такой подход тормозящим в отношении искусства? Ведь вряд ли человек сам выявит желание послушать, например, классиков авангарда.

– Нет, такой подход не является тормозящим. Цель нашего проекта заключается не в том, чтобы эти прекрасные молодые люди всю жизнь до старости ходили только на «Маму, я меломан» и слушали отрывки из Рахманинова. Наша цель в том, чтобы после «маминой» прививки они пришли на другие концерты, где смогут услышать и классиков авангарда, и современную музыку, и барокко. Но сначала нужно уколоть человека в сердце классической музыкой так, чтобы произошла первая химическая реакция. В большинстве случаев она происходит при участии таких авторов, как Рахманинов, Григ, Бетховен…

– Что бы Вы посоветовали начинающему музыкальному журналисту?

– Надо подумать. Я бы посоветовал начинающему музыкальному журналисту никогда, ни на секунду не переставать испытывать наслаждение от своего труда. Если же это наслаждение ушло надолго, то я бы посоветовал выбрать более полезную для человечества профессию. Музыкальная журналистика – одна из самых бесполезных и (в том числе поэтому) прекрасных профессий на свете.

– Каковы, на Ваш взгляд, качества идеальной рецензии?

– Идеальная рецензия – это текст, который содержит блистательные идеи, выраженные великолепным языком. Для меня это единство формы и содержания, как и в любом искусстве. Форма рецензии – это, собственно, слова, язык, и тут критику нужно пытаться соперничать с самыми великими писателями. А содержание рецензии – это идеи о музыке. Когда есть идеи и есть красивый язык, тогда рецензия может быть лучше и круче, чем сам концерт, которому она посвящена. И для меня это некая цель музыкального журналиста – написать такую рецензию, после которой читатель скажет: «Я был на этом концерте, но рецензия произвела на меня большее впечатление!».

– Каким Вы видите будущее музыкальной журналистики? Будут ли изобретены новые форматы и как от этого может измениться ее суть?

– Очевидно, что новые форматы появятся. У меня есть предположение, что будет создано нечто, связанное с музыкально-критическим интерактивом. Например, человек сможет задавать своему устройству вопросы (либо оно само будет считывать вопросы этого человека) и получать от виртуально воссозданного любимого музыкального журналиста ответы в режиме реального времени. Думаю, уже скоро нейросети, изучив мозг и корпус публикаций какого-либо критика, с этой задачей справятся.

Если же говорить не о веселых форматах, а о сути музыкальной журналистики, то лучшее, наверное, впереди, несмотря на то, что ближайшее будущее обещает быть темным и сложным. Музыка была и остается самым непонятным явлением человеческой культуры, самым загадочным искусством, которое в полной мере невозможно добропорядочно объяснить никакой наукой. Мы не можем сказать, почему малый уменьшенный септаккорд вызывает у нас то самое чувство, которое я в данный момент не могу объяснить словами. Но я всю жизнь буду пытаться. И в этом – огромное наслаждение и огромные перспективы музыкальной журналистики.

Беседовала Мария Невидимова, студентка ИТФ

№7 (1363), октябрь 2019

На протяжении четырех лет кафедра истории русской музыки Московской консерватории представляет слушателям уникальный проект «Возрождение русской оперной классики». В этот раз его участники обратились к наследию А.С. Аренского (1861–1906): 7 октября зрители получили редкую возможность услышать на сцене Рахманиновского зала Московской консерватории концертное исполнение одной из жемчужин русской музыки конца XIX века – оперу «Рафаэль».

Идея воссоздания незаслуженно забытых опер русских композиторов возникла в период подготовки к празднованию 150-летнего юбилея Консерватории. Художественный руководитель и автор проекта – заведующая кафедрой истории русской музыки, доктор искусствоведения, профессор И.А. Скворцова.Первым сочинением, возвращенным на сцену творческими коллективами Московской консерватории в 2016 году, стала мелодрама Евстигнея Фомина «Орфей» («РМ» 2016, №8). А в 2017 году, к 230-летию первого исполнения, была воссоздана опера Дмитрия Бортнянского «Сын-соперник» («РМ» 2018, №2). В этот раз хронологические рамки проекта расширились, охватив один из самых ярких периодов в истории русской культуры – рубеж XIX–XX веков, прошедший «под знаком модерна».

В настоящее время А.С. Аренский наиболее известен как профессор Московской консерватории, воспитавший немало знаменитых музыкантов, в числе которых С.В. Рахманинов и Н.К. Метнер. Фигура Аренского-композитора остается несколько в тени, что несправедливо, ведь его творчество было невероятно популярным среди современников, вызывало восхищение С.И. Танеева, Л.Н.  Толстого. «Аренский удивительно умён в музыке; как он все тонко и верно обдумывает!» – заметил однажды П.И. Чайковский о своем младшем современнике, которого очень ценил. Автор множества произведений различных жанров, Аренский уделил немалое внимание музыкально-театральной сфере.

Камерная одноактная лирическая опера «Рафаэль» написана в 1894 году. Вторая опера Аренского – одно из наиболее ярких его произведений, в котором во всей полноте раскрылись лучшие качества его дарования, мгновенно покоряющие сердца слушателей – эмоциональная открытость высказывания, пластичность мелодики, богатство красок, изящество формы.

Обращение к образу великого итальянского художника эпохи Ренессанса не случайно  – произведение создавалось по заказу для Первого съезда художников и любителей искусств, ставшего значительным событием культурной жизни России конца XIX столетия. Кроме того, композитор, чутко слышавший «требования века», воплотил здесь и многие черты эпохи модерн, в числе которых культ красоты, главенство эстетической стороны, идеализация прошлого. Да и сама идея оперы – всепобеждающая сила искусства, покоряющая своей возвышенностью, чистотой и искренностью выражения, абсолютно в духе времени.

На первый взгляд «Рафаэль», благодаря его краткости и лаконизму – в опере всего четыре действующих лица – может показаться несложным, но это впечатление обманчиво. Сочинение изобилует тонкими нюансами, требующими от исполнителя особой чуткости. Выступавшие на концерте 7 октября артисты превосходно справились с этой непростой задачей – им удалось в полной мере воплотить изящество лирики Аренского.

Красота тембра и искренность чувства Чингиса Аюшеева (тенор), исполнившего партию Рафаэля, не могли оставить равнодушными никого из публики. Роль Форнарины с большим мастерством и обаянием спела Анастасия Белукова (сопрано). Особенно яркое впечатление произвел дуэт героев, ставший подлинной кульминацией оперы. Не менее ярко выступил Михаил Головушкин (бас) с небольшой партией кардинала Бибиены, внесшей драматический контраст в господствующую лирическую линию суровым звучанием монолога «Бог всемогущий!». И, конечно, нельзя не отметить эффектное появление Владимира Дмитрука (тенор), исполнившего самый знаменитый номер оперы – Песню певца за сценой. По остроумной задумке постановщиков, он, проходя по залу, предстал в облике рок-музыканта, что сразу привлекло внимание публики.

В постановке участвовали консерваторские Камерный оркестр под управлением заслуженного артиста России Ф.П. Коробова и Камерный хор (художественный руководитель и дирижер – профессор А.В. Соловьёв), что стало своеобразной творческой «рифмой» премьере оперы в 1894 году, которая была осуществлена силами студентов Московской консерватории и состоялась 125 лет назад. Нельзя не отметить, что и в этот раз студенты стали достойными партнерами солистам: оркестрантам удалось передать все оттенки красочной партитуры Аренского, славившегося мастерством оркестрового письма, а звучание хора отличалось не только слаженностью и чистотой интонирования, но и четкостью артикуляции.

Исполнение «Рафаэля» – несомненная очередная удача проекта «Возрождение русской оперной классики». В этот день Рахманиновский зал был переполнен, а после концерта слушатели восторженными овациями благодарили артистов и постановщиков за уникальную возможность открыть для себя обаятельную лирику одного из интереснейших композиторов рубежа XIX – XX веков. Мы надеемся, что столь важная просветительская деятельность кафедры истории русской музыки будет продолжаться, возвращая к жизни незаслуженно забытые шедевры русской оперной классики.

Анна Горшкова, аспирантка МГК

№7 (1363), октябрь 2019

18 и 19 мая в Концертном зале Воскресной школы при Храме Архангела Михаила в Летове состоялся Первый Всероссийский конкурс музыкантов-исполнителей «Лествица мастерства». Торжественное событие проходило в благодатном и живописном уголке Новой Москвы, удивительно сочетающем в себе красоту природы с атмосферой высокой духовности.

Храм Архангела Михаила, где проводился конкурс, стал культурным центром Новой Москвы, местом проведения концертов, музыкально-театральных постановок и творческих встреч. В 2006 году было построено отдельное здание для Воскресной школы. Ее духовником стал настоятель протоиерей о. Димитрий Кувырталов, стараниями которого храм за короткий срок был поднят из руин. Совсем недавно в просторном и светлом зале школы, специально оборудованном для конкурса, был установлен прекрасный орган.

Основной целью конкурса было содействие творческому росту молодых исполнителей. Такое серьезное испытание должно было стать своего рода «лестницей» мастерства, важной ступенью в формировании таланта.

В состязании приняли участие молодые музыканты разных специальностей, распределенные по пяти возрастным категориям. Среди номинаций были представлены орган, фортепиано, флейта, камерный ансамбль, аккордеон и хоровое пение.

Хотя Московская консерватория и не являлась официальным учредителем конкурса, ее педагоги сыграли важную роль в этом событии. Жюри возглавил заслуженный артист РФ, заслуженный деятель искусств РФ, профессор А.А. Паршин. В состав жюри вошли значительные музыканты: профессор А.С. Семёнов, профессор Е.И. Максимов, доцент А.О. Шевченко. В работе жюри участвовали также настоятель храма в Летове протоиерей о. Димитрий Кувырталов, лауреат международного конкурса Д.А. Расуль-Кареев, старший преподаватель Российской академии музыки имени Гнесиных Н.Е. Шубина.

Высокий уровень исполнения показали органисты старшей возрастной категории – Арсентий Бураков (класс доц. Е.Н. Цыбко), Екатерина Спиркина, Андони Андрада Позо, Марина Бадмаева, Илья Югов, Валерия Синицына (класс проф. А.А. Паршина), Маргарита Попова (класс проф. А.С. Семёнова), Диана Цветкова (класс О.С. Бижако).

Яркое впечатление оставили участники номинации «Флейта». Сильнейший уровень подготовки был заметен у учеников П.Ю. Карасиковой, особенно, у Анастасии Мокеевой, которая очаровала членов жюри неподдельным артистизмом. В старшей категории большим мастерством порадовало слушателей исполнение Марии Урыбиной (класс проф. А.М. Голышева).

Нельзя не отметить пианистов старшей категории Алену Гришанову (класс Н.В. Кожина) и Екатерину Васёву (класс Л.И. Дробышевой-Разумовской), в игре которых не только чувствовалась основательная подготовка, но и проявилось собственное отношение к исполняемым произведениям. Званием лауреата старшей категории номинации «Фортепиано» были отмечены не только представители специального фортепиано, но и студентка оркестрового факультета Московской консерватории Таисия Кузнецова (класс фортепиано проф. Е.И. Максимова).

Особое внимание публики привлекла младшая категория. Приятно было слышать исполнение молодых дарований: Веры Селиваненко (класс М.Ш. Шалитаевой), Полины Василики (класс И.С. Щёлковой), Анны Ворошилиной (класс Э.Л. Горбачук), Анны Седых (класс А.А. Ашихиной), Марии Паршиной (класс Л.Л. Яковенко), Персея Щипунова (класс Н.О. Махалной). Аполинарии Коноплёвой (класс С.В. Дежиной) за исполнение Первой Сонаты Бетховена было присуждено Гран-при. Она приняла участие в концерте лауреатов в Малом зале консерватории 1 июня.

Сильное впечатление произвели два молодых аккордеониста – Олег Пронкин и Алексей Рогачёв. Члены жюри давно не слышали такого виртуозного и осмысленного исполнения.

Яркий след в череде конкурсных прослушиваний оставили выступления хоровых коллективов. Особенно убедительным был Хор мальчиков ДХМШ «Алые паруса» г. Красногорска под руководством Е.О. Толстогузовой, который завершил концерт лауреатов в Малом зале Консерватории.

Опыт сотрудничества церковной и светской музыкальной сфер в Летове оказался удачным. Благодаря их единению возникла необычайно благоприятная творческая атмосфера, в которой звучание музыки участников конкурса приобрело особую глубину. Важную роль в этом замечательном мероприятии сыграло духовенство в лице о. Димитрия. Хочется верить, что творческая работа в столь перспективном направлении будет продолжена.

Профессор Е.И. Максимов

Интервью с ректором, профессором А.С. Соколовым

№6 (1362), сентябрь 2019

– Александр Сергеевич, Ваш 70-летний юбилей, который прошел 8 августа, – серьезный повод поговорить о жизни. В интервью 10-летней давности Вы заметили: «Первокурсником переступив сорок лет назад порог Московской консерватории, я с нею с той поры и до сего дня уже не расставался. Поэтому смело могу сказать: консерватория – это вся моя жизнь». То есть, Вы уже полвека неразлучно с Alma Mater, из них двадцать лет ее руководитель (с коротким перерывом на повышение управленческой квалификации в должности Министра культуры страны!) – все это значимые вехи. Как Вы лично оцениваете эти годы?

– Мы беседуем с Вами 2 сентября, и это символично. Когда в торжественной обстановке Малого зала я ежегодно приветствую первокурсников, то каждый раз возникает ощущение цели, ради которой молодые люди стремятся учиться, а если повезет, то затем и работать в Московской консерватории. А размышляя о своем пятидесятилетии в этих стенах, на первый план я бы поставил совершенствование в профессии, которое, начавшись в студенческие годы, никогда не прекращается. И, конечно, счастье приобщиться к великим традициям консерватории, счастье общения и с учителями, и с коллегами, а впоследствии с учениками. А еще – участие в богатейшей концертной, фестивальной, конкурсной, научной жизни и многом другом… Консерваторская атмосфера многогранна.

– Невольно вспоминается 150-летие Московской консерватории, которое во главе с Вами мы все так незабываемо ярко отпраздновали в 2016 году!

– 150-летие – важная цифра. Тогда мы представили всему миру наши богатства – интеллектуальные и творческие. А в этом году был уже 150-й выпуск. И то, и другое было отмечено фестивальными программами и обширной научной деятельностью. В юбилейном 2016-м состоялось и еще одно, ценное во всех смыслах начинание: родилась новая традиция ежегодного вручения медали им. Н.Г. Рубинштейна пяти ведущим профессорам, которых тайным голосованием избирает Ученый совет. Кроме весомой золотой медали каждый получает денежную премию в полмиллиона рублей, и, наверное, самое ценное – запись на мраморной доске в фойе Малого зала.

– Четырехлетняя работа Министром культуры России что-то дополнительное привнесла в Вашу жизнь?

– Прибавилась степень ответственности. Как и новые полномочия и возможности. Министерский период для меня важен, потому что именно он позволил обрести опыт, которым я раньше просто не мог располагать. Теперь необходимая координация действий осуществляется на совершенно другом уровне. Этот опыт оказался очень востребованным и в самой консерватории, и на других занимаемых мною постах. А их немало: я – председатель правления Московского музыкального общества, которое сейчас будет отмечать свое 160-летие, поскольку оно – правопреемник Императорского Русского музыкального общества; еще Международный союз музыкальных деятелей и Всероссийское общество интеллектуальной собственности – и там, и там я президент. Кроме того, я возглавляю Совет ректоров российских консерваторий и Совет ректоров консерваторий стран СНГ, а также Совет Общества теории музыки, которое мы создали. Мы стали членами Международного ОТМ, проводим международные конгрессы, творческие встречи. Ближайший IV Конгресс пройдет в Казани, где мы как хозяева будем принимать внушительную делегацию гостей из разных стран.

– Понимая значимость, мы старались всегда информировать своих читателей о работе нашего Общества теории музыки. Что еще в своей большой административной деятельности Вы считаете важным именно для консерватории?

– Прежде всего, создание 17 лет назад Попечительского совета. Больше, насколько я знаю, таких Советов нигде нет, кроме Новосибирска, но там совсем другое. У нас это очень сильный уровень поддержки и административной, и финансовой. Достаточно назвать три имени почетных председателей Совета: первым был Борис Александрович Покровский, великий режиссер, вторым – Евгений Максимович Примаков (комментарии излишни!). Причем, оба были с нами до последних дней своей жизни. А сейчас это Герман Оскарович Греф, председатель Сбербанка, большой друг консерватории. Попечительский Совет – наш мощный ресурс.

А еще я бы отметил, что в этом календарном году мы получили международную аккредитацию. Первая консерватория в России, которая прошла полную аккредитацию по стандартам Евросоюза, несмотря на то, что страна членом ЕС не является. Теперь наш диплом не только де факто, что было и прежде, но и де юре признан в европейском сообществе.

– Александр Сергеевич, в начале нулевых мы неоднократно публично беседовали с Вами на страницах «Российского музыканта» и как с ректором, и как с зав. кафедрой теории музыки. У консерватории тогда были большие трудности. Многие опасности Вам удалось отвести. А какие проблемы до сих пор тревожат нашу жизнь?

– Мы все-таки живем «в эпоху перемен», поэтому, во-первых, это реформы в образовании, которые интенсивно проводятся. Были серьезные дискуссии на самом высоком уровне по поводу нового общефедерального закона об образовании, и вот тут-то наша активная позиция дала положительный результат: удалось в этом законе прописать и утвердить специалитет – наше фундаментальное академическое образование. Ведь в первых редакциях закона такого понятия вообще не было, была только западная двухуровневая система: бакалавр-магистр. Московская консерватория, используя ресурс Совета ректоров, свою позицию отстояла.

– Эти бои закончились?

– Они всегда будут. Хотя, слава Богу, это уже не бои, а диалог. Теперь это проблема не закона, а подзаконных актов. И она требует повышенного внимания, поскольку связана с разными стандартами, с разными нормативными актами, и, как правило, в них наша специфика не учитывается или учитывается очень слабо. Поэтому речь идет об адаптации к нашим условиям появляющихся новых документов. В данном случае приятно, что и Министерство культуры, и Министерство образования прислушиваются к консерватории, и такого рода согласования идут.

А во-вторых, обострились финансовые проблемы. Мы очень активно занимаемся строительством, и это все видят. Вводятся новые площади – разного рода добавления к нашим историческим зданиям, пристройки, которые расширяют пространство, рождается многофункциональный студенческий комплекс. Государство финансирует эти огромные строительные работы, но оно не финансирует их эксплуатацию, а все, естественно, становится дороже, включая коммунальные платежи. Надо самим зарабатывать, при этом продолжая заботиться и об увеличении заработных плат наших сотрудников. Нагрузка на внебюджетные источники – очень большая и неизбежная проблема. Которую мы решаем.

– Как говорил великий русский поэт, Ваш полный тезка, «сердце будущим живет». Какие важные дела и новые идеи есть в Ваших консерваторских планах?

– Сейчас главное – завершить строительство. Студенческий комплекс мы должны закончить к сентябрю 21-го года. Это три высотных здания, из которых уже одно построено и эксплуатируется, а также здание, в котором разместятся два концертных зала, 70 репетиториев, бассейн, тренажерный зал, подземный паркинг. Затем приступить к строительству оперного театра, которого у нас никогда не было – газета, помнится, публиковала этот интересный проект. Ну, и реконструкция здания библиотеки. А вообще-то, ректорату идеи выдумывать не приходится, поскольку ими фонтанируют все факультеты, кафедры, студенчество и творческие коллективы консерватории. Задача ректората – их не оставить без внимания и помочь в реализации. Можно, к примеру, вспомнить инициативу студентов по весенним балам – это яркое и запоминающееся событие выплеснулось за пределы консерватории, к нам уже приходят делегации из других вузов, причем, для активного участия, а не просто посмотреть.

Из творческих идей очень важна программа открытых репетиций. В новом сезоне мы планируем акустические репетиции в день концерта сделать публичными для социально незащищенных слоев населения: детей-инвалидов, семей военнослужащих, погибших в горячих точках… Ее гуманная направленность привлекла внимание наших друзей-партнеров в МО, МВД, прокуратуре, следственном комитете на уровне первых лиц. Мы получаем от них награды участникам и консерватории в целом.

Продолжим задуманный еще Г. Рождественским и начатый в год юбилея марафон дирижеров. Именитые музыканты, такие как Ю. Темирканов, В. Гергиев, В. Федосеев, трое Юровских, Т. Курентзис, В. Спиваков, Ю. Башмет с нашими оркестрами готовят программу, проводят репетиции и выступают на сцене БЗ. Эти события – не только стимул профессионального совершенствования, они вызывают огромный интерес у публики.

– Нынешний век справедливо называют информационным. И печатные СМИ, и электронные (телевидение, радио), и особенно интернет – быстро делают происходящее в мире достоянием практически «всего человечества». Культура в этом всемирном процессе не исключение, скорее, наоборот. Плоды деятельности Московской консерватории тоже во многом обращены urbi et orbi – «граду и миру». Какие, на Ваш взгляд, значимые достижения на почве публичности произошли в консерватории за последние годы?

– Выход в мировое медиапространство для нас важен. Недавно было создано профессиональное действующее телевидение Московской консерватории. Нужно упомянуть и собственную социальную сеть для музыкантовSplayn. Эти проекты уже реализованы. И в договоры о международном сотрудничестве мы вносим использование новых ресурсов. Мы также ведем подготовку кадров для средств массовой информации: и курс журналистики, и бакалавриат предполагают выход за стены консерватории.

– В 1998 году, еще будучи проректором по научной и творческой работе, Вы поддержали идею создания студенческой газеты «Трибуна молодого журналиста». За двадцатилетие наше молодежное издание сильно эволюционировало. Как Вы считаете – «Трибуна» оправдала Вашу поддержку и право быть рядом с «Российским музыкантом»? Газеты только что отметили юбилей – совместное «столетие» музыкальной журналистики Московской консерватории (80+20=100). Чем они важны для Вас, представляя консерваторию и печатно, и на сайте в интернете, а теперь и в соцсетях?

– «Трибуна», наряду с «Российским музыкантом», безусловно, полномочный представитель Московской консерватории. Причем, важно, что у «Трибуны» изначально было и остается свое лицо «с необщим выражением». Живой отклик студенчества на происходящее вокруг, не только в стенах консерватории, но и вне ее, очень многое подсказывает в понимании современной жизни.

– Дорогой Александр Сергеевич, разрешите от лица наших многочисленных читателей, от коллектива объединенной редакции газет Московской консерватории и от меня лично поздравить Вас с прошедшим замечательным Днем рождения и пожелать Вам бесконечной молодости души и неугасимого творческого горения на благо дорогих Вам людей – родных, друзей, коллег и учеников! Многая Лета!

Беседовала профессор Т.А. Курышева, главный редактор газет МГК

№6 (1362), сентябрь 2019

«Синтез искусств» – так называлась музыкально-поэтическая композиция профессора Р.А. Хананиной, представленная 12 апреля этого года в переполненном зале им. Н.Я. Мясковского. Это были полтора часа напряженной тишины и внимания к художественному чтению фрагментов из произведений А.С. Пушкина, отраженных в музыке Г.В. Свиридова.

Предупреждение профессора во вступительном слове о сквозном сценическом действе и просьба не прерывать его аплодисментами, создало непривычную для этого зала атмосферу – сосредоточило внимание на причудливом переплетении слова и музыки: как специально написанной Свиридовым к тексту Пушкина, так и искусно подобранной автором и режиссером композиции.

Найденный формат синтеза музыки и слова был первым опытом и для слушателей, и для самих исполнителей. В его основу автор композиции, опираясь на классические работы академика Б.В. Асафьева «Об интонации» и К.С. Станиславского «Работа актера над собой», положила идею единства требований к музыканту и к чтецу – правдивость смысловой интонации, идущей со сцены в зал. При таком подходе музыкант и мастер художественного слова – оба, работая в тандеме, ставят перед собой одну и ту же задачу: они обогащают друг друга, а художественный образ приобретает новый объем смыслового и звукового измерения. Это вид тонкой работы над мастерством актера и музыканта-солиста, а не традиционная форма музыкального оформления спектакля.

В результате сцена нашего камерного зала в этот вечер преобразилась. Благодаря совместному творчеству студентов двух вузов, она расцвела красками театра, новым дыханием свободы жестов, выразительностью мимики.

Программу открывала повесть Пушкина «Метель», представленная в симметричной композиции (ABCBA). Театральные режиссеры (Н. Охлопков и др.) экспериментировали, создавая конструкцию спектакля наподобие музыкальной формы – здесь использован этот принцип. Номер запомнился не только свежестью тембровых соединений ансамбля (орган, скрипка и фортепианный дуэт), но и общей красотой мизансцены.

Сочетание стихотворной поэмы «Братья разбойники» с музыкой отдельных частей фа-минорной фортепианной Партиты Свиридова эмоционально заострило восприятие образов и дало новые режиссерские задачи чтецу. Изыском подачи поэтического слова прозвучала пушкинская «Сказка о мертвой царевне и о семи богатырях». Апоэма «Цыганы»сопровождалась шумовыми эффектами «цыганского табора» (ударные инструменты: бубен, треугольник, малый барабан и гитара), неожиданно появившимися из глубины зала и сценкой двух «разговаривающих» скрипок в quasi цыганских костюмах, театрально изобразивших встречу Земфиры и молодого цыгана. Темой этой импровизации стал «Старинный танец» Свиридова.

Исполненные романсы и краткие комментарии с мини-экскурсами в историю русской литературы играли в композиции роль модулирующих аккордов к эмоционально новым тональностям последующих произведений. А завершало вечер двухрояльное звучание музыки Свиридова «Время, вперед!», на фоне которой под бурные аплодисменты зала на сцену вызывались по одному все исполнители музыкально-поэтической композиции.

Это были студенты из многих городов России и мира. От Московской государственной консерватории им. П.И. Чайковского: Джереми Уолкер (Великобритания), Сон Минхо (Южная Корея), Сануэса Торо Хуан Пабло (Чили), Катарина Мрвич (Сербия), На Нури (Южная Корея), Цань Синюй (Китай), Евгений Паскаль (Россия), Анна Загородняя (Россия), Джонатан Дуарте (Канада). От театрального института им. Б.В. Щукина: Фатима Абдулвагабова (Махачкала), Мария Чекалина (Серпухов), Вадим Петров (Луганск), Иван Горшков (Пермь), Анастасия Масленникова (Москва), Алан Фардзинов (Москва).

Вечер оставил впечатление праздника, профессионально обогатив участников. Публика долго не расходилась, многие просили повторять такие вечера. В напутственном слове Римма Анатольевна пожелала будущим профессионалам музыкального и театрального искусства взять с собой в творческую жизнь все лучшее из традиций великой русской художественной культуры.

Собкор «РМ»

№6 (1362), сентябрь 2019

В Большом зале состоялась премьера документально-художественного фильма «Симфония органа», посвященного реставрации исторического инструмента Аристида Кавайе-Колля. Ранее картина была с успехом показана на одном из крупнейших российских кинофестивалей «Окно в Европу». Теперь же ее смогла увидеть консерваторская публика.

Мероприятие состоялось в том самом месте, где фильм и снимался. Зрители следили за киноповествованием в непосредственной близости от его главного героя – самого органа. Выйдя после сеанса из зала, они оказывались перед витражом Святой Цецилии, который демонстрируется в картине и играет там важную символическую роль. А во втором отделении вечера гости смогли услышать звучание органа вживую: члены кафедры органа и клавесина консерватории проф. А.А. Паршин, проф. Л.В. Шишханова и проф. А.С. Семенов, а также органист из Франции Габриэль Маргьери продемонстрировали уникальные возможности отреставрированного инструмента. В концерте приняли участие Ольга Гречко (сопрано), Леонид Друтин (саксофон), хор студентов Московской консерватории (дирижер – Алексей Рудневский) и Ансамбль старинного танца The Time of Dance под управлением Наталии Кайдановской.

«Симфония органа» – первый полнометражный фильм, созданный Московской консерваторией. И не только по документам (Министерство культуры выдало картине прокатное удостоверение). Почти для всех его авторов консерватория – Аlma mater. Продюсерами картины выступили проф. А.С. Соколов и проф. М.В. Карасева. Функции режиссера, сценариста и монтажера взял на себя выпускник МГК Сергей Уваров. Музыку для «Симфонии органа» написал еще один выпускник – Денис Писаревский. Рассказчиком и соавтором закадрового текста стал проф. М.А. Сапонов, а героем фильма и научным консультантом – главный органный мастер, доц. Н.В. Малина.

Неудивительно, что звуковая составляющая в фильме находится на первом плане. Даже форма кинопроизведения организована по музыкальным принципам. Всё начинается с увертюры: под музыку I части Симфонии Писаревского демонстрируются кадры внутри органа. Только затем на экране появляется название фильма и начинается повествование, разделенное на два акта: «Рождение» об истории инструмента и «Возрождение» – о его реставрации 2014–2016 годов. Между актами – Интерлюдия: IV часть вышеупомянутого произведения.

В конце фильма звучит Токката из Пятой симфонии для органа Шарля-Мари Видора. Эту живую запись можно считать исторической: она сделана 12 декабря 2016 года на первом органном концерте после окончания реставрации. Выбор из обширной программы мероприятия именно этого сочинения, исполненного преподавателем кафедры органа и клавесина К.С. Волостновым, неслучаен: ту же Пятую симфонию сыграл сам Видор на торжественном вечере 11 апреля 1901 года, состоявшемся вскоре после установки органа в Большом зале. Именно тогда московская публика впервые услышала его звучание.

Кстати, авторская историческая запись Токкаты Видора в фильме тоже фигурирует – в первом акте, во время рассказа о первой демонстрации органа на Всемирной выставке в Париже. Получилось уникальное музыкальное решение: одно и то же произведение дважды звучит в фильме целиком, но в разных исполнениях. Эта арка акцентирует параллель между двумя событиями и, в то же время, играет формообразующую роль.

Музыкальность фильма проявляется не только в количестве и значимости музыкальных эпизодов, но даже в работе с видеорядом. Так, использование кадров фасада органа и съемок работы мехов, снабжающих воздухом инструмент, позволяет говорить о визуальном аналоге вагнеровской лейтмотивной системы. Эти образы возвращаются снова и снова, однако каждый раз они варьируются и взаимодействуют с другими изображениями.

Прием наложения кадров также используется неоднократно. Подобная «полифония», образованная несколькими «слоями» видеоряда, помимо чисто эстетического имеет и символическое значение: например, в финальной Токкате кадры, снятые внутри органа, накладываются на съемки зрителей, слушающих концерт. Идея понятна: после долгого «отлучения» от публики инструмент, наконец, встретился с теми, ради кого он и существует.

Поскольку реставрация органа шла два года, и общий хронометраж съемок составил сотни часов, перед авторами фильма стояла непростая задача: «спрессовать» события таким образом, чтобы не просто рассказать об основных этапах, но передать ощущение от перерождения великого инструмента, одухотворить весьма приземленный, по сути, процесс. И здесь на помощь опять пришла музыка. Работа реставраторов демонстрируется под фрагменты ансамблевого произведения Дениса Писаревского «У горизонта событий», созданного специально для фильма. Решение не использовать в этой сцене органное звучание закономерно: инструмент не может играть, когда его разбирают и чинят. Но на авангардную музыку накладываются естественные внутрикадровые шумы – удары молотка, скрежет напильника, полирующего наконечник трубы… Таким образом, даже в подобные моменты орган все-таки звучит, пусть и нетипичным образом.

Авторы «Симфонии органа» подчеркивают: фильм – не просто документальный, а документально-художественный, поскольку главной задачей было создать художественный образ этого удивительного гиганта. Средствами видеоарта, музыкального и неигрового кино орган показан как живое существо: он может спать и просыпаться, он может страдать, он может дышать. Но главное, это напоминание того, что последний концертный орган Кавайе-Колля снова обрел голос.

Собкор «РМ»

№6 (1362), сентябрь 2019

Оперный жанр переживает явный ренессанс. Он стал заметен с того момента, когда «глобальная режиссура», не довольствуясь разнообразными экранными и театральными поисками, почувствовала грандиозный потенциал бесценных музыкальных богатств мирового оперного наследия для воплощения концепций любого уровня сложности. И среди постановщиков наряду с собственно оперными мастерами замелькали имена режиссеров кино, драматического и балетного театров, художников и даже дирижеров в режиссерской роли.

Cегодня успешно сосуществуют три формы публичного оперного бытия. Во-первых, театральная постановка (включая кинооперу – экранный аналог авторского театрального спектакля). Здесь, опираясь на законы и возможности современного театра (и кино), рождается произведение, в котором главенствует концептуальная режиссура. Она организует и всех постановщиков (включая дирижера и художников), и всех артистов, реализуя единичный замысел оригинального зримо-слышимого прочтения избранного музыкального шедевра.

Во-вторых, концертное исполнение, где царит дирижер и его интерпретация музыки, а солисты, хор и оркестр, подчиняясь ему, совместно музицируют подобно кантатно-ораториальным жанрам. При современном диктате режиссуры концертное исполнение дает возможность сбросить ее фантазии и погрузиться в великую музыку, максимально приблизившись к композиторскому тексту, включая его трактовку сюжетных коллизий, воплощенную в звуках.

В-третьих, набирающая силу концертная постановка. Внешнеона отвечает задачам концертного исполнения: все музыканты нередко находятся на сцене, включая оркестр и дирижера, главенство которого не только «слышимо», но и «видимо»; внимание публики сосредоточено, прежде всего, на музыкальных красотах и исполнителях. Но, одновременно, Его Величество – Театр, который владел воображением композитора, сочинявшего оперу, не сдает позиции: здесь уже присутствует постановщик и его работа в предложенных условиях, солисты пребывают в костюмах и в образе, режиссура сосредоточена на деталях – характере персонажей и ситуаций.

Несколько лет назад в течение близкого времени я увидела-услышала три таких презентации «Тристана и Изольды» Вагнера и невольно задалась сравнением. Тем более, что это были одни и те же исполнители – музыканты Мариинского театра во главе с В. Гергиевым. Первой была концертная постановка, воплощенная в зале им. Чайковского в Москве, в которой особенно запомнился первый акт: фоном для напряженного действия на судне был огромный экран с романтично летящими облаками – возникало реальное ощущение моря. Затем полноценный гастрольный спектакль с осовремененной трактовкой событий (далеко не бесспорной по отношению к великой музыке) на Новой сцене Большого театра. И, наконец, качественное и абсолютно статичное концертное исполнение за рубежом. А недавно, в течение двух недель апреля, довелось услышать-увидеть три публичных презентации масштабных оперных произведений, которые заставили вновь вернуться к размышлениям о возможностях разных подходов.

В качестве спектакля предстала эффектная премьера оперы Россини «Путешествие в Реймс» в Большом театре – московское воплощение совместной постановки Нидерландской национальной оперы (Амстердам). Королевской Датской оперы (Копенгаген) и Оперы Австралии (Сидней).

Последняя итальянская опера Россини – трудный орешек для театрального спектакля. В ней море прекрасной музыки для пения и практически нет сюжетного движения для динамичного театрального действия. Дирижер-постановщик (Туган Сохиев), хормейстер (Валерий Борисов) и исполнители разнохарактерных сложных партий (Ольга Селивестрова, Анна Горячева, Альбина Шагимуратова, Хилькар Сабирова, Сергей Романовский, Рузиль Гатин, Давид Менендез, Никола Уливьери, Жозе Фардилья и др.) получили, очевидно, огромное удовольствие и имели заслуженный успех.

Но, разумеется, конечный результат определили итальянские постановщики занимательного спектакля (режиссер Дамиано Микьелетто, сценограф Паоло Фантин, художники Карла Тети и Алессандро Карлетти). Они поместили персонажей в современную картинную галерею с ее смешением разных времен и стилей. Именно здесь развиваются сложные отношения разноликих участников, плетутся интриги, возникают конфликтные ситуации, а кульминацией оказывается появление в галерее… ожившего грандиозного полотна Франсуа Жерара «Коронация Карла Х», посвященного именно тому событию 1827 года в Реймсе, которое послужило поводом для создания оперы Россини и главным мотивом ее либретто.

Другой пример – концертное исполнение в новом московском зале «Зарядье» музыки оперы-балета Н.А. Римского-Корсакова «Млада», посвященное 175-летию со дня рождения композитора. Учитывая, что трехчасовая «Млада» практически не ставится и целиком не звучит, это высокозначимое просветительское деяние было подарком Санкт-Петербурга – Мариинского театра,его солистов, хора и оркестра во главе с Валерием Гергиевым – Москве.

Редкой театральной реализации «Млады» за годы ее существования мешало многое. И запутанный сказочно-мифологический сюжет из языческих времен древних славян. И жанровая двойственность: основные реальные персонажи – оперные, а тени усопших и события в мире загробном – балетные. А еще и зрелищные ритуальные сцены. Поэтому в музыке «Млады» много как певческих красот – сольных и хоровых, так и чисто симфонических. И, наконец, усложненный оркестровый состав, по поводу которого в свое время дирижер Э.Ф. Направник, готовивший премьеру, сокрушался: «Понадобился удвоенный оркестровый аппарат духовых групп, присоединение не имевшихся до сих пор инструментов не только в оркестре, но и на открытой сцене…». Концертное исполнение такого сочинения стало большим событием в культурной жизни столицы.

Третьим в названном перечне впечатлений оказался «Отелло» Верди на сцене Фестшпильхауса Баден-Бадена. Его апрельская премьера специально анонсировалась как музыкальное событие, которое подготовил знаменитый дирижер Зубин Мета с оркестром Berliner Philarmoniker. В качестве организатора антрепризы выступил сам театрально-концертный зал, собравший творческую команду. В нее также вошли известные по разным оперным сценам солисты, среди которых австралиец Стюарт Скелтон (Отелло), болгарские певцы Соня Йончева и Владимир Стоянов (Дездемона и Яго), хор Венской филармонии (руководитель Вальтер Цех) и др. В качестве постановщика предстал художник по свету Роберт Уилсон.

Предложенное публике нетривиальное зрелище отличало световое и цветовое решение: сцена погружена в темные тона, причем с доминирующим черным – и в декоративных силуэтах на заднике, намекающих на место действия, и в костюмах всех участников, кроме Дездемоны, она единственная была в белом. Только в конце появляется цветовое пятно – огромная красная луна, олицетворяя собой кровавую суть развязки.

Вопреки Шекспиру и Верди, в драматургии которых стремительно развиваются реальные события, кипят человеческие страсти – любовь и ревность, героизм и низость, верность и предательство (причем, добро и зло сталкиваются в запредельных формах) – здесь все очень статично. Хор, как и положено на концерте, стоит сзади, одетый в одинаковые черные «робы» (без разделения полов), причем, долгое время он даже не видим (включая начальную сцену шторма). Движения солистов замедлены и абстрактно декоративны, как и их одежда. Этническая особенность Отелло отсутствует, как и его глубинный контраст облику Дездемоны (постановщик ограничился цветом одежды).

Очень стильное и холодноватое зрелище отсылает к условности традиционного восточного театра. Спектакль скорее очерчивает «геометрию трагедии» как говорил о своей опере-оратории «Царь Эдип» Игорь Стравинский, чем воплощает ее самоё, позволяя вспомнить знаменитую японскую киноверсию «Эдипа» при участии дирижера Сейджи Озава. Но музыкально-драматический шедевр двух гигантов – Верди и Шекспира – сопротивляется такой трактовке. И, подобно концертной постановке, главным для публики становится процесс слушания захватывающей музыки в отличном исполнении, а изобразительное решение как эффектная рама картины лишь усиливает ее восприятие.

Оперные игры продолжаются…

Проф. Т.А. Курышева

Фото «Путешествия в Реймс» Дамира Юсупова,

Фото «Отелло» Луции Йанш (Lucie Jansch)

№6 (1362), сентябрь 2019

Когда близкий человек уходит от нас навсегда, боль бывает непереносимой. 15 августа 2019 года на 89 году жизни после тяжелой и продолжительной болезни скончался Роман Семенович Леденев. Композитор, учитель, коллега, друг.

Вся жизнь Романа Семеновича была связана с Московской консерваторией. Он родился в Москве в 1930 году, в 1948-м окончил ЦМШ (кл. сочинения Е.И. Месснера и В.Я. Шебалина), в 1955-м – Московскую консерваторию (кл. Н.П. Ракова, А.Н. Александрова), в 1958-м – аспирантуру у А.Н. Александрова. Еще в годы учебы (1956–1964) начал преподавать в качестве ассистента полифонию, сольфеджио, инструментовку, гармонию, сочинение. Затем на протяжении 14 лет работал в Правлении и Секретариате Союза композиторов, но в 1978 году вновь вернулся к педагогической деятельности – в качестве доцента, а затем профессора кафедры сочинения. С 2006 года параллельно начал вести класс композиции в ЦМШ.

Роман Семенович проявил себя как удивительно многогранный, тонкий и чуткий композитор. За время работы им написано огромное количество сочинений различных жанров и направлений. Среди наиболее часто исполняемых и известных можно назвать «Эпиграфы» для флейты и камерного оркестра, Симфонию в простых ладах, Вариации на тему Гайдна, Концерт-романс для фортепиано и симфонического оркестра, Con sordini (Маленький реквием) для альта и камерного оркестра, «Русь – зеленая и белоснежная» для оркестра, балет «Сказка о зеленых шарах», «Некрасовские тетради» для баса и фортепиано. Он также написал музыку к кинофильмам «Раннее, раннее утро», «Ход конем», «Зной», «Крылья», «Вся королевская рать», «Странная женщина», «Атланты и кариатиды» и другим. Главное, что связывает эти разные сочинения – тема родной земли и русской природы, любимой во все времена. Отсюда особая тонкость, чистота и откровенность в передачи чувств.

Музыка Романа Семеновича часто звучит в московских концертных залах, в особенности, в любимых залах Московской консерватории. До самой последней минуты он мечтал еще раз пройти коридорами консерватории, войти в свой любимый 35 класс, а после занятий – обязательно послушать музыку в Малом или Большом зале.

Дело учителя продолжают ученики. Его выпускники работают в Москве и многих других городах России, а также в ряде зарубежных стран – Аргентине, Великобритании, Греции, Камбодже, Мексике, Ливане, Люксембурге, Японии.

Государство высоко оценило труд Романа Семеновича. Он удостоен званий заслуженный деятель искусств РСФСР и народный артист РФ, лауреат Государственной премии РФ.

Очень скромный, старающийся не доставлять проблем людям, Роман Семенович всегда умел понять других, поддержать каждого, кому были нужны его помощь, сочувствие, добрый и мудрый совет. К нему можно было прийти просто поговорить о жизни, о музыке, поделиться впечатлениями о новых сочинениях, поговорить о планах.

Человек живет столько, сколько хранится память о нем. И мы, все, кто имел счастье знать его, будем хранить добрую память о нашем чудесном Друге и Человеке – Романе Семеновиче Леденеве. Светлая память… Похоронен Роман Семенович на Троекуровском кладбище Москвы.

Доцент И.А. Дубкова

№6 (1362), сентябрь 2019

Событийными стали концертные программы выпускных экзаменов кафедры хорового дирижирования. В течение четырех дней мая на сцене Большого зала консерватории развертывалась величественная тетралогия, по своей сути представлявшая восемь крупных концертных отделений: четыре – a cappella и столько же – в партнерстве с оркестром. Главными действующими лицами стали дирижеры-дипломники. Каждый из них выступил с самостоятельно разученными сочинениями для хора и хора с оркестром.

Масштабность программ позволила включить в них произведения самых различных эпох и стилей. Обширный спектр охватывала литературная основа звучавшей музыки: от фольклора и канонических текстов до Ивана Бунина и Варлама Шаламова. Заметное место заняло хоровое творчество современности. Всё это предъявляло к дирижерам высокие требования в плане мануальной оснащенности, владения арсеналом средств управления музыкальными коллективами, как и профессиональной культуры в целом. И они успешно выдержали это творческое испытание, а вместе с ними – хор студентов (рук. профессор А.М. Рудневский), камерный оркестр (рук. доцент Ф.П. Коробов) и солисты – певцы и инструменталисты.

Традиция включения в экзаменационные программы циклических форм для хора и оркестра на этот раз реализовалась в исполнении музыки Франца Шуберта и Михаила Броннера, нашего современника, уже давно выделяющего хору совершенно определенные приоритеты. Вот и теперь, по просьбе кафедры, композитор сделал редакцию своей экспрессивной кантаты Stabat mater. Вместе с просветленной кантатой Dona nobis pacem они составили замечательный, горячо принятый публикой финал концертных программ экзамена. В ансамбль исполнителей здесь влились Анна Шайтанова (меццо-сопрано) и Марианна Высоцкая (орган).

В торжественной и праздничной атмосфере экзамен завершили напутственные слова председателя государственной комиссии, композитора, народного артиста России, профессора Э.Б. Фертельмейстера, ректора Московской консерватории профессора А.С. Соколова и заведующего кафедрой хорового дирижирования профессора Л.З. Конторовича. Не скрывали добрых чувств к своим педагогам и благодарные студенты. Эстафету, принятую на многотысячелетнем пути хорового искусства от великих предшественников, подвижников хора, молодым музыкантам предстоит нести в грядущее. Пожелаем им счастья!

Профессор Ю.А. Евграфов

№6 (1362), сентябрь 2019

Стало доброй традицией в дни Великого Поста исполнять в стенах Московской консерватории духовную музыку. Лучшие хоровые коллективы, ведущие ученые-музыковеды и представители Церкви объединяются ради совершения совместного благого дела – возрождения традиции исполнения духовной музыки и осмысления ее истоков. В этом году весной прошел уже Второй Международный Великопостный хоровой фестиваль.

Фестиваль – совместный музыкальный проект Московской консерватории имени П.И. Чайковского и Общецерковной аспирантуры и докторантуры им. святых равноапостольных Кирилла и Мефодия. Он проходит при содействии Министерства культуры РФ и поддержке Церковно-общественного Совета при Патриархе Московском и Всея Руси по развитию русского церковного пения, АНО «Страна Воскресения», Фонда содействия возрождению Синодального хора и Фонда развития творческих инициатив. Художественные руководители фестиваля – ректор Московской консерватории проф. А.С. Соколов и председатель Отдела внешних церковных связей Московского Патриархата, ректор Общецерковной аспирантуры и докторантуры, митрополит Волоколамский Иларион. Инициатором проведения фестиваля стал Народный артист РФ, зав. кафедрой хорового дирижирования МГК, профессор Л.З. Конторович, исполнительный директор – профессор А.В. Соловьев.

Открылся фестиваль не на концертной сцене, а в стенах храма иконы Божией Матери «Всех скорбящих Радость» на Большой Ордынке. Академический Большой хор «Мастера хорового пения» п/у Льва Конторовича исполнил «Всенощное бдение» Рахманинова на службе, в которой участвовал и Московский Синодальный хор п/у Алексея Пузакова. Во время исполнения Всенощной Рахманинова в стенах храма многие, даже не воцерковленные слушатели, испытали моменты высочайшего взлета помыслов и очищения.

Следующий концерт принимала консерватория в Рахманиновском зале. В первом отделении звучала музыка А. Архангельского, М. Балакирева, П. Чеснокова, А. Шнитке, А. Фатеева и Н. Кедрова в исполнении хора юношей Хорового училища имени А.В. Свешникова п/у Дениса Храмова и хора мальчиков и юношей этого училища п/у Алексея Петрова, которым дирижировал Алексей Пушкарев. Всегда приятно наблюдать за подрастающим поколением, которое, очень вероятно, скоро вольется в составы наших ведущих хоров.

На одной сцене с юными, начинающими артистами в этот вечер выступали и взрослые коллективы: Московский Синодальный хор, Молодежный хор НТЦ церковной музыки при кафедре хорового дирижирования (худ. рук. проф. Л.З. Конторович, дирижер Михаил Котельников), Тульский государственный хор (худ. рук. Александр Соловьев) и Преображенский хор прихожан Храма Христа Спасителя п/у Сергея Сидоренко. Они исполняли духовную музыку разных столетий – от «Свете тихий» А. Кастальского до «Хвалите имя Господне» митрополита Илариона (Алфеева). Наверное, в таком совместном выступлении юных и маститых музыкантов и проявляется преемственность поколений, продолжаются традиции отечественной хоровой исполнительской школы. После концерта в фойе зала маленькая девочка радостно напевала только что прозвучавшую мелодию – трудно придумать большую похвалу для музыкантов.

В дни Великопостного хорового фестиваля Московская консерватория и Общецерковная аспирантура проводят Международную научную конференцию. В этом году она была посвящена памяти нашего выдающегося соотечественника – князя Владимира Федоровича Одоевского. В день открытия конференции, вечером в Большом зале звучали богослужебные песнопения и молитвы русских композиторов трех последних столетий: Д. Бортнянского, С. Рахманинова, С. Дегтярева, Г. Свиридова, А. Кастальского, митрополита Илариона (Алфеева), А. Шнитке, М. Шорина и других авторов. На сцену поочередно выходили хоры из Москвы и Санкт-Петербурга: Концертный хор детской хоровой школы имени Г.А. Струве п/у Елены Веремеенко, Праздничный хор храма Сергия Радонежского в Солнцево п/у Варвары Волковой, Государственная академическая хоровая капелла имени А.А. Юрлова п/у Геннадия Дмитряка, Детский хор «Весна» имени А.С. Пономарева п/у Надежды Авериной, женский хор Санкт-Петербургского музыкального училища имени Н.А. Римского-Корсакова п/у Сергея Екимова и Камерный хор Московской консерватории, которым руководит Александр Соловьев.

Концертные программы фестиваля продолжались и в Храме Усекновения главы Иоанна Предтечи под Бором, и в храме иконы Божией Матери «Всех скорбящих Радость» на Большой Ордынке, и в Рахманиновском зале. А завершился фестиваль концертом в Большом зале: в исполнении «Мастеров хорового пения» и Российского национального молодежного симфонического оркестра прозвучали произведения митрополита Илариона: духовная музыка для хораa cappella – «Благослови, душе моя, Господа», «Блаженны», «Ектения сугубая», «Херувимская песнь», «Тебе поем», «Свете тихий», «Ныне отпущаеши», «Богородице Дево, радуйся», «Под Твою милость», а также произведения для хора и оркестра Stabat Mater и «Песнь Восхождения». С хором выступили великолепные певцы: солистка «Новой оперы» Полина Шамаева (меццо-сопрано) и лауреаты международных конкурсов Вячеслав Воробьев (тенор) и Дмитрий Кузнецов (баритон). Дирижировал Лев Конторович. Публика тепло и долго приветствовала музыкантов.

Великопостный хоровой фестиваль стал воплощением гармонии между физическим и эмоциональным, между исполнителями и слушателями, их единым устремлением к божественно прекрасному. Каждое его событие, будь то концерт, служба, конференция или мастер-класс открывали участникам красоту отечественной православной хоровой музыки; каждое сочинение, звучавшее со сцены или под сводами храмов Москвы, приближало к свету и истине. Как говорил наш выдающийся соотечественник, писатель и историк, создатель «Истории государства российского» Н.М. Карамзин: «Что может быть прелестнее гармонии человеческих голосов?»

Доцент Н.В. Гурьева, руководитель НТЦ церковной музыки

Михаил Котельников, дирижер Молодежного хора НТЦ