№ 2 (1349), февраль 2018

Учебное пособие «Алеаторика как принцип композиции» доктора искусствоведения М.В. Переверзевой посвящено методу письма в музыке XX века, допускающему вариабельные отношения между элементами ткани (в том числе нотного текста) и формы произведения, предполагающему неопределённость или случайную последовательность этих элементов при сочинении или исполнении опуса. В настоящее время фактически нет работ об алеаторике, написанных на русском языке. Учебное пособие адресовано учащимся на теоретических отделениях музыкальных специальностей, а также исполнителям современной музыки и любителям авангардного искусства в целом.

Книга снабжена не только всесторонним историческим и теоретическим освещением алеаторики как принципа композиции, но и аналитическими очерками, посвященными как самым знаковым опусам музыки ХХ века («Музыке перемен» Дж. Кейджа, графическому «Декабрю 1952» Э. Брауна, фортепианной пьесе XI К. Штокхаузена, Третьей фортепианной сонате П. Булеза и т. д.), так и практически неизвестным в нашей стране пьесам самых разных авторов – от Канады до России. Впечатляет обзор техник композиции и художественных явлений, тем или иным образом следующих алеаторному принципу. Это «метод случайных действий» и принцип индетерминизма Дж. Кейджа; свобода звука и неточная нотация М. Фелдмана; «метод подсказывания» К. Вулфа; принцип мобиля и «открытая форма» Э. Брауна; стохастическая композиция Я. Ксенакиса и компьютерная музыка Л. Хиллера; статистический метод, вариабельные и многозначные формы К. Штокхаузена; техника aléa П. Булеза; ограниченная алеаторика европейцев; импровизация и хэппенинг, и многое другое.

Наибольший интерес представляет третья глава книги, посвященная теории алеаторной формы. Автор дифференцирует мобильные композиции по степени изменяемости структуры (мобильная – вариабельная – модульная формы) и рассматривает их в аналитических очерках на примере конкретных музыкальных произведений. Открытием для читателя станет раздел о музыкальных «мобилях» – вокальных или инструментальных пьесах с разделами формы, меняющими свое количество и местоположение.

Поражает объем научной работы, проведенной М.В. Переверзевой в процессе подготовки книги и ее основательная «доказательная база» – обилие нотных примеров, таблиц и схем, подтверждающих высказанные автором идеи и гипотезы. Единственная в своем роде и увлекательная, книга имеет несомненную научную новизну и практическую ценность, она будет полезна многим музыкантам-практикам, исследователям-историкам и теоретикам, а также всем интересующимся современной отечественной и зарубежной музыкой.

Профессор Г. В. Григорьева

№ 2 (1349), февраль 2018

24 января в Большом зале состоялся концерт под названием «Шопен & Стравинский», который завершил серию вечеров, посвящённых творчеству русского композитора в сопоставлении с музыкой других великих авторов. На сцене выступили Концертный симфонический оркестр МГК (дирижёр – заслуженный артист РФ, проф. Анатолий Левин) и народная артистка СССР, проф. Элисо Вирсаладзе (ф-но). Звучали произведения Стравинского и Шопена, а также фортепианные пьесы Шопена в инструментовке Стравинского.

Игоря Фёдоровича не случайно называли «человеком тысяча и одного стиля». Отличительная черта композитора, которая отчётливо выразилась через исполнение совершенно разных его сочинений, – богатейшая творческая фантазия, создание всякий раз уникальных образов. Подобное оказалось возможным благодаря тонкому восприятию Стравинским широкого круга музыкальных традиций и стилей.

Показательна в этом отношении инструментовка балета «Сильфиды» (1909) на музыку Шопена, которой открылся концерт. Ноктюрн As-dur и Большой блестящий вальс звучали как сочинения Стравинского: композитор сохранил прозрачность и утончённость шопеновской фактуры, но при этом включил всё то, что присуще собственному оркестровому письму – колоритное чередование tutti и solo, эффектную палитру тембров. А коду Блестящего вальса наполнил веселым юмором.

Красочно и невероятно глубоко исполнила Второй концерт Шопена Элисо Вирсаладзе, подтверждая слова Я.А. Флиера, что её игра «удивительна и гармонична, в ней чувствуется настоящая поэзия». Было приятно наблюдать за каждым поворотом мысли великого композитора-романтика, в том числе в мелких нотах, звучавших как речитатив – очень полнокровно и содержательно. В темах первой и третьей частей великолепно отразилось сентиментальное настроение произведения, а сокровенная, глубоко личностная шопеновская лирика предстала в мажорных эпизодах. Пианистка находилась в тончайшем взаимодействии с оркестром.

Во втором отделении звучал Стравинский – симфоническая поэма «Песнь соловья» по сказке Андерсена и три фрагмента из балета «Жар-птица» – «Поганый пляс Кощеева царства», «Колыбельная Жар-птицы» и «Финал». «Песнь соловья» воспринималась как живая картина природы – нежная и поэтичная (в холодные зимние дни чувство весеннего пробуждения и свежести особенно ощутимо). Главная тема «Поганого пляса» поразила своей упругой, рельефной ритмикой.

Игра оркестра под управлением А.А. Левина была полна оптимизма, молодой энергетики, проникнута высочайшей находчивостью и готовностью совершать новые открытия. Дирижер смог организовать своих подопечных в замечательное единство. Все произведения были чётко выстроены по форме, имели свою индивидуальную концепцию. Да, в тот вечер выступали люди, которые творят и служат Музыке!

Степан Игнатьев, студент ФФ

№ 2 (1349), февраль 2018

8 января в Малом зале состоялся концерт Народного артиста России, профессора Александра Винницкого при участии оркестра «VERITAS» под управлением Максима Емельянычева. Программа музыкального вечера под названием «Времена года» включала в себя и особенное событие – мировую премьеру Концерта «Времена года», заказанного исполнителем талантливому молодому композитору и пианисту Никите Мндоянцу.

Сотрудничество обоих музыкантов длится уже много лет. Н. Мндоянц и раньше писал для маэстро небольшие пьесы для скрипки с оркестром. В этот же раз он создал масштабное произведение в жанре concerto grosso для скрипки, ударных и струнного оркестра, посвятив его А. Винницкому. Контрастный четырехчастный цикл нового концерта пронизан единым тематизмом, претерпевающим различные образные трансформации. Первая часть начинается со щемящего, даже трагического монолога скрипки – его развитие, поддерживаемое оркестром, приводит к драматической кульминации сочинения. Во второй части, основанной на характерном упругом ритме, композитор изобретательно использует ударные инструменты (исполнитель Андрей Винницкий продемонстрировал превосходное чувство ритма и ансамбля). Третья, в характере философского размышления, – плавно переливается в стремительный финал, завершающий сочинение на кульминации ударом там-тама. Музыка концерта написана вполне современным языком, она красива, ее хочется слушать еще и еще раз. Публика горячо приняла новое сочинение и долго рукоплескала исполнителям и автору.

Затем прозвучали «Времена года» А. Вивальди. В этом произведении особенно ярко проявились черты исполнительского стиля А. Винницкого – продуманность деталей, безукоризненная интонация. Маэстро по своей натуре – перфекционист, поэтому его игре всегда свойственно инструментальное совершенство: культура штриха, логика в построении фразы, благородное звучание инструмента.

Во втором отделении были исполнены «Времена года в Буэнос-Айресе» А. Пьяццоллы – Л. Десятникова. В это сочинение, состоящее из четырех танго-композиций, Л. Десятников ввел свою транскрипцию цитаты из «Времен года» Вивальди, тем самым тематически объединив оба произведения. Музыка А. Пьяццоллы давно полюбилась российским слушателям и на этом концерте вызвала энтузиазм присутствующих.

Дирижер и оркестр «VERITAS» заслуженно разделили успех солиста. Хотя «VERITAS» – коллектив, существующий не на постоянной основе (в его состав в основном входят ученики А.Е. Винницкого), хорошее впечатление оставили ансамблевая слаженность и интонационная чистота, с которой играли молодые музыканты. А дирижер М. Емельянычев поразил своим темпераментом и энергетикой, вдохновляя и оркестр, и слушателей.

Интересно задуманная А. Винницким программа удалась, а его высокое мастерство обеспечило не только аншлаг, но и восторженный прием публики.

Дарий Лысенко, выпускник

№ 2 (1349), февраль 2018

В Китае с 4 по 5 декабря 2017 прошла Международная научно-практическая конференция, посвященная фортепианной музыке современных российских композиторов. Организатором выступил Научно-исследовательский институт российской музыки – молодое научное сообщество, открытое в апреле 2017 года в Университете г. Линьи (Шаньдун). На сегодняшний день это единственное в Китае учреждение, которое специализируется на изучении российской музыки и российского музыкального образования. Конференция состоялась при поддержке и участии Союза музыкантов г. Линьи и Творческо-исполнительского центра института.

Научное мероприятие международного уровня, посвященное исключительно российской музыке, проводилось в Китае впервые. Неудивительно, что конференция вызвала большой интерес среди китайских и российских музыкантов и исследователей. В ее работе приняли участие музыковеды, пианисты, педагоги – сотрудники Института российской музыки Университета г. Линьи и гости из различных музыкально-образовательных учреждений Китая, России, Белоруссии.

Тема конференции была выбрана организаторами неслучайно: российская фортепианная музыка XIX – начала XX столетий хорошо известна в Китае и давно уже стала неотъемлемой частью исполнительского и учебного репертуара. Сегодня на фоне массового увлечения фортепиано в Китае с новой силой возрастает интерес и к российской фортепианной педагогике. Вместе с тем, произведения композиторов этого периода практически неизвестны ни в любительской, ни в профессиональной среде. Конференция стала прекрасной возможностью привлечь внимание к новой музыке, познакомить китайских музыкантов, педагогов и исследователей с основными тенденциями современного фортепианного творчества России.

Двухдневная программа оказалась довольно насыщенной – круглый стол, мастер-классы по фортепиано, пленарные заседания, экскурсионная программа. Настоящим подарком для всех участников и гостей мероприятия стал состоявшийся в первый день сольный концерт доцента Нижегородской консерватории им. М.И. Глинки Руслана Разгуляева. Программа вечера, включавшая произведения П.И. Чайковского, С.С. Прокофьева, Е.И. Иршаи, задала необходимую российскую «тональность» последующим событиям.

В ходе круглого стола активное обсуждение вызвало выступление редактора издательства Юго-Западного педагогического университета Ван Биня, рассказавшего об опыте публикации и внедрения в Китае российских учебно-методических материалов по музыке для начального, среднего и высшего музыкального образования. Российские и белорусские участники дискуссии поделились с китайскими коллегами информацией о новейших учебных пособиях и авторских методиках по фортепиано и музыкально-теоретическим дисциплинам.

Проблематика пленарных заседаний показала, насколько широк может быть круг исследовательских интересов, связанных с изучением современной фортепианной музыки. Сотрудники Научно-исследовательского института представили предварительные итоги работы по теме «Российские композиторы второй половины XX – начала XXI веков и их творчество (фортепианная музыка)» (В. Ворошилова, Ван Дэцун). Сразу несколько докладов были посвящены петербургским композиторам – жанровым и стилевым особенностям фортепианных произведений Б. Тищенко, Е. Иршаи (Р. Разгуляев, Нижегородская консерватория, Хунаньский пед. институт), Ю. Фалика (О. Усачева, Научно-исследовательский институт российской музыки), оригинальному использованию фортепиано как инструмента, сопровождающего вокальный фольклорный коллектив в произведении Г. Белова (А. Остапенко, Санкт-Петербургская консерватория, Харбинская консерватория).

Особое внимание участники конференции уделили детской музыке современных авторов. В представленных докладах были освещены вопросы традиций и новаторства в трактовке циклов фортепианных пьес для детей и юношества (Цюй Ва, Нижегородская консерватория); особенности использования современных композиторских техник в детских фортепианных пьесах М.И. Ройтерштейна (Пэн Чэн, Научно-исследовательский институт российской музыки); проблемы включения в учебный репертуар произведений московского педагога и композитора А. Исаковой (Ю. Акбари, Владимирский университет, Университет Хэдзэ /Шаньдун/). Педагогическую тематику конференции продолжили сообщения, посвященные роли российского музыкального образования в формировании зарубежных национальных композиторских (Ся Юньцзинь, Университет г. Наньтун /Цзянсу/) и исполнительских (Сюй Гуйнин, Научно-исследовательский институт российской музыки) школ.

Живой отклик участников и гостей мероприятия вызвали доклады о джазовой фортепианной музыке и формах ее взаимодействия с академической традицией (К. Усачев, Научно-исследовательский институт российской музыки; А. Бажанов, Шаньдунский Университет искусств).

Подводя итоги конференции, директор Научно-исследовательского института российской музыки профессор Пэн Чэн подчеркнул, что российская композиторская школа всегда славилась высоким профессионализмом и оригинальностью творческих идей. Изучение современной фортепианной музыки России имеет для Китая не только научную, но и практическую значимость. Безусловно, материалы конференции будут интересны и полезны для китайских музыковедов, пианистов, педагогов и композиторов.

Доцент О.В. Усачева,

заместитель директора Научно-исследовательского института

№ 2 (1349), февраль 2018

Жила-была маленькая девочка.

Мама любила ее без памяти, а бабушка еще больше.

Ко дню рождения подарила ей бабушка красную шапочку.

Новая шапочка была девочке очень к лицу, и за то,

что с того дня она никакую другую носить не хотела,

люди прозвали ее «Красная шапочка».

В ноябре и декабре 2017 года на сцене Центра имени Вс. Мейерхольда ансамбль солистов «Студия новой музыки» совместно с режиссером Алексеем Смирновым представили российскую премьеру инструментально-театральной пьесы Жоржа Апергиза «Красная шапочка». Спектакль состоялся в рамках фестиваля «Новый европейский театр» (NET).

Жорж Апергиз – французский композитор греческого происхождения, представитель современного музыкального театра. В 2015 году он был удостоен престижной венецианской премии «Золотой лев». Несколько лет назад Апергиз задумал и осуществил мультижанровый проект для детей «Красная Шапочка», где сказка Шарля Перро рассказывалась языком музыки при помощи двух кларнетов, саксофона, скрипки и двух роялей.

Партитура «Красной Шапочки» родилась в ходе коллективной импровизации – Апергиз создал 50 разных и никак не связанных друг с другом музыкальных фрагментов, которые распределились между эпизодами сказки. Так как спектакль рассчитан прежде всего на детей от младшего школьного возраста и выше, в процессе подготовки композитор приглашал ребят на сцену, проверяя некоторые сценические решения на них.

Специфика жанра инструментального театра такова, что музыканты являются еще и драматическими артистами – перемещаются по сцене и декламируют текст, используя при этом различные речевые техники (традиционное пение, ритмизованное проговаривание, пение в музыкальный инструмент). Новейшие приёмы звукоизвлечения в пьесе Апергиза оказались напрямую связаны с перипетиями классического сюжета.

В отличие от сказки братьев Гримм, версия Шарля Перро – более ранняя, именно она распространена в странах Европы. В ней нет ритуального спасения: девочка и бабушка съедены волком, а в конце звучит мораль о детях, которым не стоит водиться с незнакомыми хищниками. Всё как в оригинале: без доброго конца, но с поучительными наставлениями напоследок!

История Красной Шапочки у Апергиза рассказывается с разных сторон. Одна и та же ситуация – сначала от лица Красной Шапочки, затем – со стороны волка, бабушки и даже в ретроспекции следователя. Композитор показывает событие глазами каждого персонажа, один и тот же текст многократно повторяется. При таком раскладе художественный результат целиком ложится на плечи постановщика, с ролью которого мастерски справился Алексей Смирнов.

Режиссер сотрудничает со «Студией новой музыки» с 2013 года. Он признался, что постановка «Красной Шапочки» стала самым сложным, но и одним из самых интересных проектов. Постановщик нашел много смелых и интересных находок, в частности, при работе с музыкантами старался использовать привычные для тех музыкальные термины: акцент, обрыв, крещендо, сфорцандо, дабы исполнителям было проще вникнуть в специфику актерской игры. Чтобы представить себе, насколько непросто одновременно играть на музыкальном инструменте и одновременно лицедействовать, вообразите двух кларнетистов (волк в «двух лицах») плечом к плечу вдетых в одно пальто, которые исполняют наизусть (!) сложнейший текст. Такое под силу только высокопрофессиональным музыкантам.

Шесть музыкантов ансамбля «Студия новой музыки» – Никита Агафонов и Евгений Бархатов (кларнет и бас-кларнет), Владимир Устьянцев (саксофон и туба), Екатерина Фомицкая (скрипка), Мона Хаба и Наталия Черкасова (фортепиано) – попеременно перевоплощаются в разных персонажей. Иногда на сцене появляется сразу несколько Шапочек и несколько Волков. Роли не фиксируются, музыканты-перформеры словно обмениваются масками. Сюжет сказки неоднократно повторяется в виде свободных вариаций, что дает возможность даже очень маленькому зрителю по-разному воспринять оттенки истории.

Первый в 18-летней истории фестиваля NET спектакль для детей перевернул наше представление об этом жанре. «Красная Шапочка» Жоржа Апергиза удивляет не сюжетом, а его новым прочтением. Сам режиссер в одном из радиоинтервью сказал, что это – «Петя и волк» XXI века. Театральная сказка в доступной форме знакомит детей с инструментами и новой необычной музыкой, которая воспринимается ими интуитивно – проще, чем взрослыми. «Красная Шапочка» может стать отличным вводным уроком в сложное современное музыкально-театральное искусство.

Анна Пантелеева, IV курс ИТФ

Фото Екатерины Краевой

№ 2 (1349), февраль 2018

12 января на сцене Большого зала состоялся концерт «Молодые звезды Московской консерватории». В нем приняли участие студенты, аспиранты, лауреаты всероссийских и международных конкурсов – таланты нашей Alma Mater. Мероприятие было организовано силами студенческого профкома под руководством его председателя Марты Глазковой и горячо поддержано деканами факультетов – П.И. Скусниченко, В.М. Ивановым, А.А. Кобляковым, А.М. Рудневским, А.А. Писаревым.

Подготовка и знакомство с артистами началось задолго до нового года. Самой сложной задачей оказалось придумать название вечера. Среди множества вариантов выбор пал на «Молодые звёзды Московской консерватории» – эти слова стали своего рода его «визитной карточкой». За ярким названием появилась не менее яркая афиша, которая вызвала положительный резонанс среди студенчества.

Первая совместная репетиция прошла 8 января. Тогда в зале царила особая атмосфера – ребята успели не только обыграть произведения, но и познакомиться, пообщаться и вместе помузицировать на знаменитой сцене. Следующая встреча состоялась непосредственно в ночь перед выступлением. Репетиция была короче предыдущей, но от этого – не менее продуктивной.

Безусловно, самое грандиозное впечатление оставил сам концерт. Несмотря на волнение, за кулисами царила очень творческая атмосфера и воодушевлению исполнителей не было предела. Публика встречала артистов горячими аплодисментами, порой чрезвычайно продолжительными – например, Фёдор Безносиков, Олег Худяков, Василий Степанов и Иван Никифорчин дважды выходили на поклон, сопровождаемые восторженными криками «браво!». Среди зрителей находились также студенты из других вузов, которые пришли поддержать своих друзей. Особенно приятно было видеть в зале наших Учителей.

Самым важным гостем для нас в тот вечер стал ректор Московской консерватории, профессор А.С. Соколов. Александр Сергеевич отметил высокий исполнительский уровень артистов, качество подобранной программы, радостную атмосферу мероприятия, продолжившего замечательную традицию студенческих концертов в Большом зале.

Наши звёзды показали себя весьма достойно, представив слушателям музыку различных композиторов. Первое отделение открыл Иван Кокорин, который сыграл «Токкату» для маримбы А. Игнатович. Тимофей Журавель покорил публику исполнением романса Демона из одноименной оперы А.Г. Рубинштейна. Ольга Иванова представила собственную «Фантазию» на темы из оперы С.В. Рахманинова «Алеко». Невероятная ария Джудитты из одноименной оперетты Ф. Легара прозвучала благодаря Полине Кумылгановой. Свои «Наброски для фортепиано» продемонстрировал Иван Гостев, а Фёдор Безносиков блестяще сыграл «Цыганку» М. Равеля. Захватывающую дух версию «Мефисто-вальса» Ф. Листа преподнес Олег Худяков. Его успех продолжил Василий Степанов, показав высокий исполнительский уровень в пьесе Ж. Дюкро «Encore».

Второе отделение концерта было представлено коллективами Московской консерватории. Молодёжный камерный хор под руководством Михаила Кудрявцева подарил слушателям разнообразную программу из сочинений Свиридова, Евграфова, Мишкиниса, Шнитке и обработок народных песен. А камерный оркестр под руководством Ивана Никифорчина блестяще исполнил сюиту для струнного оркестра Г. Галынина. «Музыкантам очень приятно играть на сцене Большого зала – отметил художественный руководитель коллектива. – Мне кажется, что мы обязаны открывать и пропагандировать новых и незаслуженно забытых композиторов – таких как, например, Герман Галынин. В этом я вижу определённую миссию».

Выступление камерного оркестра грандиозно завершило парад молодых звёзд Московской консерватории. А неожиданно начавшийся в столице снег словно волшебный постскриптум окончательно утвердил ощущение праздника.

Марта Глазкова, председатель студенческого профкома

№ 2 (1349), февраль 2018

Человек-улыбка, человек-радость, яркий, солнечный, лучезарный… Профессор межфакультетской кафедры фортепиано Вениамин Андреевич Коробов ушёл из жизни в конце декабря 2017 года.

Сложно писать в прошедшем времени о человеке, с которым ты только недавно общался. А по отношению к Вениамину Андреевичу слово «был» кажется неуместным, неправильным… В такие моменты память ярко фокусируется на деталях дорогого образа.

Вот студенческие годы, первые уроки. Работа над Музыкой, трепетное отношение к музыкальной фразе… Рояль звучит, рояль поёт, и невозможно не увлечься… С ностальгией вспоминаются вдохновенные диалоги на занятиях. Вениамин Андреевич работал не просто с полной отдачей, он пропускал через себя все успехи и неудачи ученика. Эти принципы остались с нами, частичка души Вениамина Андреевича всегда будет жить в сердцах его студентов.

Вспоминается, как Профессор, сам активно исполнявший камерную музыку, приветствовал и поощрял наши ансамбли – камерно-инструментальные, фортепианные в четыре или даже в восемь рук… Или как готовил к концертам. Он верил в каждого студента – и не просто вдохновлял, а заряжал смелостью, вселял уверенность. В нашем классе была свобода! Можно было смело делиться с ним своими идеями и желаниями – помню, как Вениамин Андреевич поддерживал меня и в слишком смелых подходах к выбору программы, и в решениях отправиться на конкурсы вне консерватории. С теплом и любовью вспоминаю, как он помогал в подготовке к ответственным выступлениям, каким бывал требовательным и неумолимым, и как легко и вдохновенно лилась музыка, когда задачи, поставленные им, были достигнуты.

А каким он был музыкантом! Вспоминаю сольный концерт летом 2013 года. Рахманиновский зал наполнен слушателями, в паузах – заворожённая тишина, в конце произведения – бурные аплодисменты, горячая радость от музыкального общения с блестящим пианистом. Особенно ярко мне запомнились вальсы Шопена. Вновь и вновь прослушивая их запись, вижу Профессора как наяву: он такой же искрящийся, яркий, бурлящий жизнью и любовью к ней.

Вспоминаю и случайные, но такие радостные встречи в консерватории. Всегда подтянутый, элегантный, Профессор, энергичной походкой перемещаясь по коридорам Alma Mater, всегда находил доброе приветственное слово, узнать, как дела, похвалить и приободрить. Каждое, даже мимолётное общение с ним заряжало радостью и лёгкостью. Он был человеком, влюблённым в музыку, в людей, в жизнь! И эта любовь не исчезла с ним, она продолжает согревать нас.

Вениамин Андреевич Коробов ушёл очень рано, ушёл безвременно, не допев и не договорив своего Слова в искусстве и в жизни. Светлая и вечная память, дорогой Профессор!

Ольга Ординарцева, выпускница

№1 (1348), январь 2018

«Большая музыка для маленьких» – замечательное консерваторское начинание. Вот уже третий год подряд оно не перестает удивлять юных слушателей полетом своей фантазии, снова и снова отправляясь с ними в путешествие по разным уголкам Музыкального Королевства.

Проект в целом – настоящая находка для родителей, желающих неким образом приобщить своих чад к музыке. Программа каждого концерта рассчитана именно на детское восприятие и его ключевое качество – легкость и подвижность, поскольку совмещаются различные формы подачи информации. Оригинальное сочетание живой музыки, фрагментов из мультфильмов, сдобренных комментариями ведущих, их сопровождение в виде постоянного визуального ряда, рождают уникальное музыкально-словесно-изобразительное действо, способное привлечь и (что самое главное!) удержать внимание ребенка.

Есть и еще одна немаловажная особенность, выделяющая эти спектакли: организаторы дают детям возможность самим поучаствовать в исполнении музыки и почувствовать себя равноправными членами музыкального действа. Для этого специально приготовлены шумовые инструменты (бубны, мараки, бубенцы и др.), раздача которых неизменно вызывает ажиотаж у юной публики.

«Я считаю, что нельзя заставлять ребенка сидеть, слушать музыку и полагать, что этого достаточно для того, чтобы он ее полюбил, – размышляет автор проекта «Большой музыки для маленьких» К.О. Бондурянская. – Даже самая прекрасная музыка в какой-то момент все равно начнет тяготить ребенка: он захочет встать. И если при этом есть возможность продолжать слушать – это наиболее правильный для них формат музыкального выступления. Ребенок может начать двигаться вслед за пантомимой, постучать в шумовой инструмент. При этом он никому не мешает, потому что старается все делать ритмично. Кто-то сможет, кто-то нет, но стараются все!».

Первый спектакль подобного рода (посвященный музыке Моцарта) возник как единичная задумка, без какой-либо мысли о дальнейшем продолжении и развитии этой идеи. Но через два месяца на программу обратила внимание компания «Хендэ Мотор СНГ», которая захотела сделать нечто просветительски-образовательно-музыкальное именно для малышей и выступила попечителем проекта. Благодаря такой поддержке посещение музыкальных представлений остается совершенно бесплатным и требует лишь предварительной электронной регистрации.

Сейчас график выступлений музыкантов и лекторов очень насыщенный: если на первом году своей жизни эта своеобразная детская филармония поставляла для публики лишь один спектакль в месяц, то теперь фантазия авторов обеспечивает целых 32 программы за сезон.

2 декабря 2017 года в атриуме бизнес-центра «Siemens» в рамках проекта «Большая музыка для маленьких» прошло новое представление – «Рождество с Щелкунчиком». Это – миниатюрный театр, яркий и пестрый, с многочисленными переодеваниями и образными переменами, до предела насыщенный различными событиями. Вообразите себе сцену, на которой находятся музыканты и ведущий, и крохотное пространство перед ней, представляющее собой комнатку Мари: маленькую новогоднюю елочку, кресло и главного героя, расположившегося на нем – деревянную фигурку Щелкунчика.

Ведущие Александр Шляхов и Ксения Бондурянская гибко совмещали познавательные детали своего рассказа с интерактивными, постоянно поддерживая интерес слушателей. И даже здесь не обошлось без перевоплощений: А. Шляхов успел побывать и в роли рассказчика, и надеть напудренный парик господина Дроссельмейера, и станцевать вальс с Мари в образе расколдованного принца.

Особенно понравилась Екатерина Мышлянова, необычайно органично смотревшаяся в роли Мари. Миниатюрная, словно маленькая девочка, с живой мимикой, все движения которой так естественны, – каждое ее появление приводило детей в восторг. Фея Драже, арабский танец Кофе, и, наконец, Мари в шикарном платье принцессы – такая многоликость актрисы поразила даже взрослых.

Музыкальная часть спектакля представляет собой остроумную комбинацию из фрагментов балета в аранжировке для фортепиано, флейты, арфы и скрипки. Разнообразие состава инструментов, возможность непосредственно наблюдать за процессом игры на них, и главное – живость самих исполнителей заслуживает отдельных похвал. Особенно запомнилась Кристина Аванесян (скрипка), изображавшая злобный натиск Мышиной Королевы и напугавшая господина Дроссельмейера так, что тот вынужден был спрятаться от нее за пультом.

Финал представления был поистине фееричным: романтической кульминацией стало пылкое признание Щелкунчика в любви, выполненное, согласно всем канонам жанра, на одном колене, и плавно перешедшее в вальс. Новогоднее настроение поддержали бенгальские огни, переходящие от исполнителя к исполнителю, а также хлопушки – неизменная составляющая праздника. Дети смогли порезвиться с разноцветным серпантином, прыгая и разматывая его на свое усмотрение.

Еще одной всеобщей радостью стала сладкая посылка от Феи Драже: две корзинки с конфетами были мгновенно опустошены нескончаемым потоком маленьких рук.

Вообще же ни одно представление для малышей не может обойтись без комических эпизодов: непосредственность детского восприятия просто не позволит такому случиться. И вот, после печальной реплики Щелкунчика: «О, кто же сможет полюбить такое жалкое и некрасивое существо, как я?..» присутствующие с изумлением заметили, как одна детская фигурка отделилась от толпы и уверенно зашагала к креслу, где сидел несчастный Щелкунчик. Подумалось: «Вот оно – чистое сердце ребенка, способное показать миру силу Настоящего Чувства». Однако дитя, миновав Щелкунчика, направилось прямо под елку – исследовать лежавшие там подарки. Ну что же, любопытство – не порок. После нескольких «разведывательных экспедиций» подобного рода мама наконец взяла себя (и своего ребенка) в руки и удалилась из зала…

Неизменный аттракцион всех программ «Большой музыки» – возможность фотографироваться с исполнителями. Развеселившаяся ребятня рвется к единению с ними «в кадре», создавая вокруг события практически семейную атмосферу всеобщей любви и дружбы.

Для того, чтобы посмотреть представления «Большой музыки для маленьких», необязательно ездить в офисы компаний «Сименс» или «Хендэ»: еще одной традиционной площадкой для выступлений стал Рахманиновский зал, всегда гостеприимно открывающий свои двери для публики любого возраста.

Маргарита Попова,

менеджер отдела конкурсов, фестивалей и специальных мероприятий

№1 (1348), январь 2018

Весь 2017 год музыкальный мир отмечал 450-летие со дня рождения знаменитого итальянского композитора Клаудио Монтеверди, одного из основателей нового жанра музыкального театра – оперы и создателя величайших образцов – «Орфея», «Возвращения Улисса на родину» и «Коронации Поппеи». Московская консерватория также присоединилась к празднествам: 17 и 18 ноября в её стенах прошёл Международный научный семинар «450 лет Клаудио Монтеверди: Кремона. Мантуя. Венеция. Москва», организованный Студенческим научно-творческим обществом.

Слово «Москва» в названии семинара неслучайно: в тематике докладов фигурировали не только монтевердиевские места, но и наша столица, где в 1920-е годы был поставлен «Орфей» в редакции Джана Франческо Малипьеро. В семинаре приняли участие крупные специалисты в области старинной музыки – каждый из них прочёл полноценную лекцию (от часа до полутора).

Открыл заседание Р.А. Насонов, инициатор и вдохновитель «празднеств» Монтеверди, определивший своё выступление как презентацию и комментарий к недавно опубликованной статье в журнале «Научный вестник Московской консерватории»     (2017, №2). Он осветил современные версии истории создания «Вечерни Девы Марии» – главного духовного сочинения Монтеверди, история которого полна загадок. Исследователи придерживаются мнения, что предназначение «Вечерни» для исполнения в венецианском соборе Сан-Марко не более чем миф. Многие факты указывают на то, что «Вечерня» создавалась для Мантуи и несёт на себе отпечаток старинных мантуанских представлений о Непорочном зачатии Девы Марии (покровительницы города), о ее важной роли в Искуплении грехов и ее особой близости Пресвятой Троице, культ которой также развивался в Мантуе в период правления герцогов Гульельмо и Винченцо Гонзага. Р.А. Насонов заметил, что мантуанская традиция вероисповедания нашла отражение в особенностях драматургии и выборе духовных текстов «Вечерни». По его мнению, богословская концепция этого произведения сформировалась под влиянием церковных воззрений властителей мантуанского двора.

К. Ноговицына (Берн) рассмотрела соотношение текста и музыки в 7-й книге мадригалов, а также показала динамику развития светских вокальных жанров от Монтеверди к более поздним композиторам, включая Дж. Б. Марини и Дж. Роветту. Отдельное внимание исследовательница уделила терминологии Монтеверди, в частности, многообразию понятия concerto, впервые вынесенному композитором в заголовок книги мадригалов. Л.В. Кириллина рассказала о первой постановке «Орфея» в России в 1928 году. Опера была исполнена в Москве, в редакции Дж. Ф. Малипьеро, на русском языке. Аудиозаписи этой постановки не существует, но Л. В. Кириллина постаралась воссоздать впечатление о ней с помощью сохранившихся записей того времени. Выбранные ею примеры – студийная запись «Орфея» с участием певцов театра Ла Скала (1939) и записи арий Генделя – сейчас воспринимаются как некий курьёз (предельно медленные темпы и романтизированные интонации). Как далеко успело продвинуться исполнительство старинной музыки за прошедшие восемьдесят лет!

Особые гости семинара – профессор Лича Мари, итальянский музыковед, заместитель директора архива Мантуанской епархии, и Джулио Лометти, магистрант университета города Тренто – провели целую «экскурсию» по Мантуе и её достопримечательностям, по городу, где звучали знаменитые произведения Монтеверди. Джулио Лометти указал на возможные связи между эстетикой оперы «Орфей» и философскими тенденциями – мантуанской ветвью неоплатонизма, а также показал отсылки в драматургии «Орфея» к «Божественной комедии» Данте.

Лича Мари сопроводила свой доклад иллюстрированием уникальных документов – скрупулёзно собранных кратких свидетельств мантуанской жизни Монтеверди. Она «перенесла» слушателей в места исполнения духовной музыки в Мантуе – базилику Св. Варвары (вероятно, там исполнялась «Вечерня») и церковь Св. Андрея. Исследовательница также познакомила аудиторию с залами, где предположительно звучали светские произведения Монтеверди, и даже воспроизвела записанные именно в них вокальные сочинения. К сожалению, многие сведения утеряны, и о приблизительных координатах ученые могут лишь догадываться по обрывкам старых описаний.

Одним из значительных событий семинара стал концерт из сочинений Монтеверди и его современников. В первом отделении выступил ансамбль стариной музыки «La villa Barocca». Его основной состав – Анна Хазанова (меццо-сопрано), Анна Кучина (клавесин) и Екатерина Дрязжина (барочная флейта) – заметные фигуры в мире аутентичного исполнительства барочной музыки (кстати, выпускники Московской консерватории). Вместе с ними в концерте принимали участие Александр Гулин (виола да гамба, дискантовая виола), Надежда Бойко (сопрано), Юлия Меса Интриаго (лаверсная арфа), Ася Гречищева (лютня, теорба) и Анастасия Бондарева (вокал).

В тематических рамках семинара артисты ансамбля исполнили произведения раннего итальянского барокко – бессмертные вокальные и инструментальные опусы К. Монтеверди, Д. Фрескобальди, Д. Кастелло, А. Пиччинини, Б. Строцци и других знаменитых итальянцев в сопровождении оригинальных старинных музыкальных инструментов эпохи.

Живое общение с музыкой старых мастеров неизменно наводит на мысль о том, что без постоянного обращения к музыкальному наследию прошлого сложно приблизиться к пониманию искусства. В прозвучавших сочинениях скрывалось подлинно глубокое содержание, которое блестяще, с актерской филигранностью, в непринужденной импровизационной манере смогли передать артисты. Удивляет универсальность исполнителей, гармонично существующих не только в пространстве ансамблевых сцен, но и свободно переходящих к сольному высказыванию. В этой связи особенно хочется отметить высокое вокальное мастерство и драматический талант Анастасии Бондаревой, буквально очаровавшей слушателей во втором отделении концерта, особенно – исполнением на бис знаменитой арии Дидоны из оперы Г. Перселла «Дидона и Эней».

Нетрудно представить себе удивление многочисленных гостей концерта – а их, по скромным подсчетам, в уютном зале музея им. Н.Г. Рубинштейна собралось не менее ста человек! Они пришли на музыкальную «экзотику» четырехвековой давности, а нашли нечто совершенно современное: музыку, «говорящую» на понятном для них языке. В этом – непреходящее значение сочинений главного «виновника» прошедших торжеств – Клаудио Монтеверди. Его музыка сегодня живет не только на страницах объемных исследовательских трудов и становится предметом острых научных дискуссий, но и продолжает находить живой отклик у слушателей.

Анна Пастушкова, аспирантка ИТФ

Анастасия Хлюпина, студентка ИТФ

№1 (1348), январь 2018

14 декабря в Московской консерватории в рамках фестиваля «Запечатлённый ангел» прошла научная конференция «Родион Щедрин: 70 лет в музыке» (организаторы – профессор Е.С. Власова и профессор А.В. Соловьев). В ней приняли участие профессора, сотрудники и студенты Московской консерватории и Гнесинской академии, исследователи из Мариинского театра, Санкт-Петербургской и Нижегородской консерваторий, Уфимского института искусств, представители крупнейших отечественных архивов и Российского телевидения.

Необычным и запоминающимся стало открытие конференции в Рахманиновском зале. После традиционного приветственного слова ректора, профессора А.С. Соколова на сцену вышел Камерный хор во главе со своим художественным руководителем А.В. Соловьевым и исполнил новое произведение Щедрина, сочиненное за неделю до торжества – Две пословицы для хора «Сладок будешь – расклюют, горек будешь – расплюют» и «Богу не грешен, перед царем не виноват». На его титульном листе стоит посвящение: «Александру Соловьеву и его певцам». Глубина и философская направленность музыки, потрясающая акустика Рахманиновского зала, старательное исполнение с нервом и сосредоточенностью произвели огромное впечатление на слушателей и «задали тон» всей конференции.

Первым выступил с докладом В.Г. Тернявский (член Академии российского телевидения), хотя слово «доклад» кажется не очень уместным для данного случая – скорее это были воспоминания, содержавшие увлекательные рассказы о годах совместной учебы с Щедриным в ЦМШ и консерватории: «Сзади меня за партой сидел высокий, худющий, улыбчатый мальчишка, на лице которого была россыпь веснушек. Море обаяния! Его взгляд, да и вся фигура были словно готовы к очередной шалости. Глаза озорные и очень выразительные. Я ему понимающе кивнул. Он ответил. Вот и познакомились…» Валентин Григорьевич снял три фильма о Щедрине – фрагменты одного из них («Страсти по Щедрину» 2012 года) он и показал на конференции.

Три доклада были посвящены первой опере Щедрина «Не только любовь»: М.Н. Щербакова, И.С. Воробьев рассказали о жизни оперы в Мариинском театре и об ее петербургских премьерах; своими соображениями о концепции оперы поделился студент РАМ им. Гнесиных Сергей Буланов. Автору данных строк также посчастливилось выступить с докладом о неизвестной грани композиторского творчества Родиона Константиновича в драматическом театре.

Интересным и запоминающимся стал доклад О.А. Воробьевой о поздних фортепианных сочинениях Щедрина, который к тому же иллюстрировался за роялем. Своими впечатлениями от российской премьеры оперы «Лолита» на сцене Пермского театра поделилась С.М. Платонова, а О.В. Комарницкая посвятила свое выступление хоровой опере «Боярыня Морозова», многогранно раскрыв исторический облик главной героини.

Большое внимание уделялось вопросу хранения материалов Щедрина в московских фондах. И.В. Брежнева познакомила слушателей с его архивом в библиотеке Московской консерватории, Г.М. Малинина – с документами, хранящихся в фондах М. Плисецкой в РГАЛИ, И.В. Новичкова – с фондами Щедрина в ВМОМК им. М. И. Глинки. Е.Д. Кривицкая осветила публикации о Щедрине на страницах журнала «Музыкальная жизнь».

Р. А. Хананина и О. С. Алюшина обсуждали вопросы преподавания музыки Щедрина. Ольга Сергеевна предложила интересный подход изучения русской культуры иностранными учащимися сквозь призму его творчества. Римма Анатольевна рассказала о своём удачном опыте приобщения студентов со всего мира к музыке Родиона Константиновича, продемонстрировав отрывок из своего кинофильма «Стилизованные сцены русского фольклора в соединении с музыкой Щедрина».

Художественный руководитель Всероссийского музыкального фестиваля «Запечатлённый ангел» А.В. Соловьев также выступил с сообщением, рассказав о роли музыки Щедрина в репертуаре Камерного хора Московской консерватории, созданного большим другом композитора, профессором Б.Г. Тевлиным. А своеобразный портрет стиля «виновника торжества» предложила Е.С. Власова, один из крупнейших исследователей его творчества.

Особой, почетной гостьей конференции стала вдова поэта Андрея Вознесенского З.Б. Богуславская – известный критик, драматург, сценарист, писатель. Она поведала о дружбе «двух очень разных и очень одаренных с чертами гениальности художников, которые казалось бы ничего общего между собой не имели», специально подчеркнув: «Четырнадцать лет подряд мы встречали Новый год вчетвером». Теплые воспоминания Зои Борисовны органично вписались в рамки конференции и добавили новые яркие штрихи к образу композитора.

Ирина Поликарпова, студентка ИТФ

Фото Дениса Рылова

№1 (1348), январь 2018

Известная латинская пословица гласит: «когда говорят пушки – музы молчат». Однако она оказалась полностью опровергнута выступлением Молодежного симфонического оркестра Луганской академии культуры и искусств совместно с заслуженным артистом России, профессором Юрием Ткановым. Именно этот выдающийся альтист, многократно выступавший в Луганске, организовал приезд и выступление в Рахманиновском зале Московской консерватории оркестра под управлением заслуженного деятеля искусств Украины Сергея Йовсы.

Юрий Тканов и Сергей Йовса

Молодёжному оркестру Луганской академии уже второй десяток лет – его основали в 2004 году по инициативе профессора Е. Михалёвой. Репертуар (от классики до современности) растет от года к году – симфонии Гайдна, Бетховена, Дворжака, Чайковского, Шостаковича, Канчели, премьеры новых сочинений. Однако выступление в одном из лучших залов Москвы – высшая степень ответственности для музыкантов.

Концерт в Рахманиновском зале был воспринят публикой очень горячо. Провоцировала интересная программа – Симфония с солирующим альтом «Гарольд в Италии» Г.  Берлиоза, Концерт для альта с оркестром А. Эшпая, «Гершвин-фантазия» Ю. Тканова, в которой замечательный исполнитель (альтовая школа Борисовского-Дружинина!) демонстрировал свои безграничные возможности. Ведомый солистом и дирижером, молодой оркестр играл уверенно, увлеченно, ярко и точно, озвучивая весьма непростые партитуры.

Факт исторически известный – именно Гектор Берлиоз, гениальный знаток оркестра, обогатил его новыми тембрами. Он сочинил программную симфонию «Гарольд в Италии», где альт, как аналог низкого человеческого голоса, ведет свое повествование, начиная со сцен меланхолии, счастья и радости главного героя, к воспоминаниям в «Оргии разбойников», обобщающим его путь. Берлиозу, гению соединения инструментальных тембров, было важно не только провести слушателя по этапам жизни героя, но и доказать своим современникам первой трети    ХIХ века универсальность звуковой палитры альта как солирующего инструмента.

Юрий Тканов мастерски раскрыл весь тембровый арсенал инструмента. Отметим, что в звуковой реализации Симфонии «Гарольд в Италии» прекрасно проявил себя и Луганский молодежный оркестр – и по общему контакту с примариусом, и в различных ансамблях с альтом, и в эпизодах tutti. Создавалось впечатление, что оркестр сам составлен из солистов – безупречный строй деревянных и медных духовых, богатая динамическая и красочная шкала, настоящая художественная свобода!

Интересен и следующий программный выбор Ю. Тканова – Концерт для альта Андрея Эшпая. Композитор, подаривший каждому (!) из оркестровых инструментов свой сольный концертно-симфонический опус, в значительной степени расширил их репертуар, а в ряде случаев, как например, в Концерте для тубы с симфоническим оркестром, русско-марийский автор оказался в числе первопроходцев! Ю. Тканову удалось раскрыть удивительное многообразие в единстве этого яркого одночастного полотна. Особенно впечатлило звучание высокого «скрипичного» тембра у альта и превосходная, глубокая кантилена, приближенная к виолончельному колориту.

Блеснул Тканов и как композитор. Его «Гершвин-фантазия» мастерски сочетала «избранное» из знаковых сочинений Гершвина – «Рапсодии в стиле блюз» и фортепианного концерта. В калейдоскопе эпизодов, как бы Гершвин–карнавале, прекрасно прорисовывались разные тембровые маски и ситуации. Виртуозное и колористическое мастерство, свободная и вдохновенная игра органично сочетались со структурной стройностью, с опытом музыканта XXI века.

Это был настоящий успех. На «бис» сыграли две пьесы Мийо из «Скарамуша» в блистательной транскрипции Юрия Тканова, а публика все еще не хотела отпускать полюбившихся исполнителей.

Концерт стал ярким событием. Молодежный оркестр под руководством Сергея Йовсы доказал очевидную исполнительскую зрелость. Молодцы, луганчане! Так держать наперекор геополитическим катаклизмам!

профессор Е.Б.  Долинская

№1 (1348), январь 2018

Одним из значимых консерваторских событий ушедшего года стала творческая встреча с выдающимся польским композитором-авангардистом, пианистом Зыгмунтом Краузе. Она прошла 15 декабря в Конференц-зале при поддержке Польского культурного центра в Москве. Вел встречу профессор Варшавского университета Хероним Граля. Вечером того же дня в Международном союзе музыкальных деятелей состоялся незабываемый концерт, во время которого можно было непосредственно познакомиться с творчеством польского музыканта. Краузе исполнял не только произведения своих соотечественников – Ф. Шопена, К. Шимановского, И. Падеревского, но и собственные: Stone Music и Gloves Music.

Зыгмунт Краузе принадлежит к поколению всемирно известных польских композиторов, таких как Лютославский, Пендерецкий, Сероцкий. Из них он – самый молодой, замыкающий эту блестящую когорту. Уже в 1960-е годы Краузе смог показать свое новаторство: молодой автор стал сочинять «однородные» музыкальные произведения, в которых на первый взгляд ничего не происходит. Автор книги о нем И. Никольская считает эти сочинения предвестником американского минимализма. Таким образом, Краузе демонстрировал неприятие популярного на тот момент в Европе соноризма, противопоставив ему свой музыкальный унизм. Термин «унизм» композитор позаимствовал у польского художника Владислава Стшеминьского, чьи работы сильно повлияли на формирование индивидуального стиля Краузе.

В музыке часто происходит так, что молодые реформаторы со временем превращаются в солидных классиков. Но этого никак нельзя сказать о Краузе, поскольку вся его жизнь направлена на поиск новых идей. Композитор так говорит о своем творчестве и своей судьбе: «Я стараюсь всегда заниматься своим делом и не смотреть на то, что происходит вокруг. И говоря об авангарде, даже когда я был молодым человеком, авангардистом, я, прежде всего, смотрел на то, что у меня внутри, что я хочу сделать по-своему. Я думаю, что дорога композитора или любого творческого человека – это не только его личный путь, но также она сильно зависит от людей, которые его окружают. В большой степени это воля случая, как сложится жизнь. Просто случай, удача и счастье».

Зыгмунт Краузе – универсальный человек. Самобытный новатор, замечательный пианист, организатор музыкальной жизни, советник крупнейших музыковедческих учреждений и институтов, напарник Пьера Булеза, он – один из значимых мастеров оперного жанра. Именно Краузе и Пендерецкий в XX веке возродили польскую оперу. На встрече он рассказал о своих театральных сочинениях и показал фрагменты оперных постановок «Западня» и «Полиевкт».

Важным поводом для встречи с композитором послужил выход в свет книги Ирины Никольской «Зыгмунт Краузе и его музыка» на русском языке. Эта работа является первой в нашей стране монографией о выдающемся современном польском музыканте. Книга интересно построена: в первой главе подробно представлен обзор раннего творчества Краузе, а также опубликовано большое интервью с ним, помогающее лучше понять стилистические искания композитора. Вторая глава посвящена детальному анализу шести опер Краузе.

В обсуждении книги приняли участие известные российские музыковеды – Светлана Савенко, Левон Акопян и др. Восторженную оценку нового труда дала доктор искусствоведения Ольга Собакина: «Ближе познакомиться с творчеством пана Краузе – это, действительно, огромное событие для нашей музыки, и конечно, мы можем гордиться тем, что у нас вышла эта книга. Творчество композитора заслуживает пристального внимания, потому что в его музыке нашли индивидуальное претворение многие тенденции современного искусства…»

Наталия Рыжкова, студентка ИТФ

Фото Константина Маслова