№7 (1399), октябрь 2023 года

Уникальные фонды Библиотеки имени С.И. Танеева, истинного сердца Московской консерватории, пополнились ценными дарениями. В ее фонды поступили: полное собрание сочинений Федора Серафимовича Дружинина, изданное усилиями его семьи, благодаря гигантской редакторской работе профессора Ю.А. Тканова. Презентация композиторского наследия выдающегося альтиста и педагога проходила в нашей Alma Mater и в Музее музыки, который посетил ректор А.С. Соколов. Уже есть заявки на повторение презентации в Институте искусствознания и в Педагогическом институте имени М.М. Ипполитова-Иванова. В чем причина столь высокого интереса? Да прежде всего в том, что ранее неизданные сочинения Ф.С. Дружинина пополнили репертуар альтистов и стали достоянием нынешнего поколения обучающихся альтистов. Услышанные с эстрады, они не могли никого оставить равнодушными.

• 

• 

Следующее дарение Библиотеке поступило от китайского композитора Ду Минсиня, прижизненного классика современной китайской музыки. Он, выпускник Московской консерватории, прислал ей в дар увесистое собрание своих поздних сочинений. В самом начале сентября текущего учебного года в Московскую консерваторию были переданы три рукописных письма и две огромные упаковки нот. Все это адресовалось ректору А.С. Соколову для передачи нашей библиотеке. Письма были написаны на китайском языке, а подпись же везде сделана по-русски: «Ду Минсинь, студент».

В сегодняшнем реестре иностранных студентов МГК этого имени нет. Оно принадлежит нашему современнику, всемирно известному композитору Ду Минсиню, ныне здравствующему профессору Центральной Пекинской консерватории, с которым профессор А.С. Соколов общался во время своего визита в Китай. Студентом же в Москве выдающийся китайский композитор-пианист был с 1954 по 1958 годы и сохранил к своей Alma Mater огромное чувство благодарности, не подверженное коррозии временем. Сейчас, находясь в весьма почтенном возрасте (р. 1928), Ду Минсинь продолжает активно творить. Его перу принадлежат: пять фортепианных концертов и два скрипичных, симфонии, множество камерных произведений для солистов и ансамблей разного тембрового состава.

Кратко расскажем о нем, опираясь на архивные документы его личного дела. В известном на всю страну Архиве МГК имени П.И. Чайковского, без которого не обходится ни одна научная работа в области истории русской композиторской и исполнительской школ, хранится рукописная автобиография Ду Минсиня: «Я китаец. Я родился 19 августа 1928 года в городе Ценцзяне провинции Хубой. С 1936 года по 1937 год я учился в начальной школе. Я не окончил начальную школу, так как началась война с Японией. После второго года войны я попал в город Цунцинь, там продолжал учиться в начальной школе. С 1940 по 1947 год я учился в музыкальном среднем училище и его окончил. С 1947 до 1949 года я работал в этом училище. Когда победила революция в Китае я работал ассистентом Центральной консерватории в городе Теньзине (с 1949 по 1953 год). 31 мая 1953 года я вступил в Новодемократический Союз молодежи Китая. 23 ноября 1953 года меня послали учиться в Пекинский институт русского языка, чтобы подготовить для учебы в СССР. Моя семья очень маленькая: я и мать. Мой отец был офицером, он убит в первые годы антияпонской войны. У меня нет сестер и братьев».

• 

• 

Четкий, красивый русский почерк Ду Минсиня, тогда тридцатилетнего студента, продолжает удивлять и в первом его прошении, в котором он просит разрешить посещение физкультуры только один раз в неделю вместо двух, и комментирует: «Мне недостает времени на приготовление занятий, и я недостаточно знаю русский язык». Ходатайство студента удовлетворено визами декана теоретико-композиторского факультета профессора С.С. Богатырева и ректора. Оценки вступительных экзаменов Ду Минсиня при поступлении в Консерваторию выгодно отличались от других абитуриентов: он, будучи пианистом, получил «отлично» и «хорошо» по гармонии и сольфеджио, и сразу был зачислен на первый курс обучения композиторов.

О стремлении углубить свои знания не только по русскому языку, но и по инструментовке свидетельствует еще одно удовлетворенное прошение Ду Минсиня: он просит продлить курс инструментовки на один год в связи с тем, что ему предстоит преподавать эту дисциплину по возвращении на педагогическую работу в Китай. Окончание Московской консерватории увенчалось присвоением Ду Минсиню красного диплома. Показательно, что в классе по композиции профессора М.И. Чулаки молодой музыкант к каждой сессии был обязан писать и одно произведение на своем родном музыкальном языке. В этом была важнейшая позиция отечественных педагогов, обучавших китайскую молодежь не только в 1950–1960 годах, но и еще раньше – на рубеже 1910–20-х годов [Выдающийся русский композитор-пианист Александр Черепнин, находясь в 1920-е годы в вынужденной эмиграции в Китае, считал главной обязанностью учить китайцев так, чтобы они оставались верны своей культуре. Сам же он подарил ученикам фортепианный сборник «49 пьес от А.Н. Черепнина», созданный в годы его преподавания в Шанхайской консерватории. В их стилистике нашли отражение разные роды пентатоники].

Сегодня в дистанции времени с особой убедительностью видно, что исторически именно первый набор молодых китайских музыкантов, отмеченных масштабностью таланта, сполна выполнил задачу, поставленную перед ними в Китае, — заложить фундамент строительства новой европейской ветви современной китайской культуры. Назовем эти славные имена: Го Шучжень (певица с мировым именем), Лю Шикунь (пианист, победитель Второго конкурса имени П.И. Чайковского и член жюри Шестнадцатого), Хуан Сяотун (дирижер, основатель этой профессии в Китае, создатель педагогической школы, через которую прошли более восьмидесяти учеников), его брат, Хуан Сяохэ (ведущий музыковед, первый кандидат искусствоведения), Ду Минсинь(композитор-пианист, педагог, создавший свою школу композиции). В их формировании принимала участие элита профессоров Московской консерватории: С.Е. Фейнберг, Н.П. Аносов, Л.С. Гинзбург, Е.К. Катульская, С.С. Скребков, М.И. Чулаки (но не начинающие педагоги, которым вполне могли бы поручить образование молодых китайцев).

• 

• 

Личные дела обучающихся китайцев усилиями историков и теоретиков Московской консерватории впервые вводятся в научный обиход китайского и русского музыкознания. Нотный подарок Ду Минсиня особенно бесценен, так как дает возможность ввести в научные работы китайских музыкантов (ВКР, диссертации) новый материал, как объект исследования. Вначале он будет представлен на персональной выставке сочинений Ду Минсиня, организованной Библиотекой имени С.И. Танеева и Архивом Московской консерватории.

Благодаря записям в личных делах китайцев приезда 1954–1962 годов мы ныне начинаем располагать новыми сведениями о шкале оценок, поставленных прежде всего по специальности и всему кругу музыкальных предметов, а также ознакомиться с творческими характеристиками ведущих педагогов, свидетельствующих о динамике роста молодых музыкантов, прибывших из Поднебесной.

Опубликованные воспоминания самых именитых музыкантов представляют большой интерес. Они свидетельствуют о многом, в частности, о бытовой стороне их жизни во время обучения в Московской консерватории. Китайцы, например, свидетельствуют, что ректор А.В. Свешников следил за тем, чтобы студентам и аспирантам предоставлялись лучшие комнаты в очень скромном общежитии на Большой Дмитровке, расположенном в самом центре Москвы. Педагоги в процессе работы убеждались, что китайцы самые трудолюбивые ученики, которые справлялись с огромными ежедневными заданиями как по специальности(пианистам, например, предлагалось выучить за неделю несколько сонат Бетховена!), так и по всему циклу историко-теоретических дисциплин. Бывшие китайские студенты и аспиранты еще сегодня вспоминают, как они прекрасно ориентировались во всех уголках Консерватории, а гардеробщица всегда их узнавала и вешала их пальто без номерков. Продавцы в булочных встречали их как своих, а гостеприимные москвичи всегда относились к китайцам, как к родным.

Почтенные профессора Го Шучжень, Лю Шикунь, Ду Минсинь вспоминают, как они себя комфортно чувствовали в столице СССР, которую полюбили, словно вторую родину. Ныне некоторые из них уже осуществили свою давнюю мечту: еще раз приехать в Москву. В 2022 году Московскую консерваторию посетила композитор-пианистка Ни Хунцзин, а Ду Минсинь после встречи с А.С. Соколовым в Центральной Пекинской консерватории планирует с таким же визитом посетить Московскую консерваторию, свою Alma mater, которую в письме ректору называет «лучшей Консерваторией в мире».

В письме к ректору он написал: «Московская консерватория является учебным заведением мирового класса. Она сделала огромный вклад в китайское музыкальное образование! Мы никогда ее не забываем! Московская консерватория превратила меня из скромного пианиста в профессора композиторского факультета Пекинской Центральной консерватории. Это для меня необыкновенный опыт. Об этом я помню всегда!».

Профессор Е.Б. Долинская

№9 (1392), декабрь 2022 года

Сергей Дягилев – великий деятель русской культуры, сияющее имя на ее небосклоне (см. «РМ» 2022, №7). Прошло 150 лет со дня его рождения, а благодарные потомки не перестают поражаться многообразию и значительности того, что он сделал для русского и мирового искусства. Юбилей выдающегося Мастера, потрясшего мир триумфальными «Русскими сезонами», ознаменовался двумя крупными культурными событиями в Москве. Осенью 2022 года Московская консерватория провела фестиваль «Музыка дягилевских сезонов», а 4 октября в Третьяковской галерее открылась выставка «Дягилев. Генеральная репетиция», на которой были представлены костюмы и эскизы декораций к балетам «Русских сезонов».

Такой альянс закономерно проистекает из деятельности импресарио: одним из его важнейших принципов был синтез искусств. Человек с необычайно широким кругом интересов, Дягилев не раз устраивал выставки живописи, способствуя продвижению творчества талантливых молодых художников, значительно обновил музейное дело. Он же организовывал музыкальные вечера, на которых звучали сочинения русских композиторов – началом деятельности импресарио в Париже стали Исторические русские концерты.

Проект Дягилевского фестиваля, возникший по инициативе профессора И.А. Скворцовой, зародился еще в 2021 году. Его истоком стала масштабная научно-практическая конференция «Синтез искусств – поле эксперимента: история, теория, практика», которая объединила специалистов в различных областях культуры. Успех мероприятия вызвал идею проведения фестиваля, осуществленного преподавателями кафедры истории русской музыки.

«Музыка дягилевских сезонов» включила в себя три концерта, посвященных композиторам, так или иначе связанным с антрепризой Дягилева. На открытии фестиваля 28 сентября в Рахманиновском зале были исполнены произведения С.В. Рахманинова. Этот выбор отнюдь неслучаен – композитор принимал участие в Исторических концертах, в том числе как пианист и дирижер. 28 октября в зале им. Н.Я. Мясковского прозвучал второй концерт, составленный из сочинений Н.А. Римского-Корсакова и М.И. Глинки: спектакли на их музыку были жемчужинами блистательного репертуара Дягилевской труппы. А кульминацией фестиваля стал заключительный концерт 8 ноября на сцене БЗК. Этот вечер оказался событием уникальным: впервые в России был исполнен балет «Русские сказки» на музыку А.К. Лядова. В программу вечера вошел и последний из балетов Стравинского, поставленных труппой Дягилева – «Аполлон Мусагет».

Премьера «Русских сказок» состоялась в 1917 году. Заслуживает внимания история возникновения балета. Прекрасный знаток русской музыки, Дягилев зачастую выступал не только инициатором, но и соавтором спектакля, определял драматургический замысел и последовательность номеров. Некоторые балеты «Русских сезонов» были своего рода «антологией» из произведений одного или нескольких композиторов. На этот раз, внимание импресарио привлекли сочинения Лядова – одного из самобытнейших представителей русского модерна. Импресарио отобрал несколько номеров из оркестрового цикла «Восемь русских народных песен», две фортепианные пьесы и симфонические картины «Кикимора» и «Баба-Яга». Красочности и яркости музыки отвечала оригинальность декораций – художниками выступили М.Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.

• 

• 

Возвращение «Русских сказок» слушателям стало возможным благодаря кропотливой архивной работе, проделанной организаторами фестиваля. Был установлен порядок следования номеров балета, а композитор, доцент кафедры сочинения К.А. Бодров мастерски, в полном соответствии стилю Лядова, специально для проекта оркестровал фортепианные пьесы. Создатели фестиваля стремились вернуть русские симфонические шедевры современной публике. И это удалось сполна!

У двух дягилевских балетов, прозвучавших на заключительном концерте, было два интерпретатора-дирижера: народный артист России, художественный руководитель Камерного оркестра Московской консерватории, доцент Ф.П. Коробов, и его ученик Федор Безносиков (известный скрипач, преподаватель МГК и студент второго курса дирижерско-симфонического факультета). Маэстро Коробов блистательно передал тончайшие нюансы музыки Лядова, подчеркнув выразительность и своеобразие каждого номера балета: фольклорную стилизацию «На лужайке» и «Протяжной», созерцательную лирику «Прелюдии», зловещую фантастику «Кикиморы» и «Бабы-Яги». А прочтение «Аполлона Мусагета» Стравинского Ф. Безносиковым далеко превзошло ученические рамки: молодому дирижеру удалось выявить скрытую экспрессию «графического» неоклассицистского балета, раскрыть его главную идею – воспевание красоты и искусства.

Следуя идее Дягилева о синтезе искусств, организаторы вечера постарались соединить слышимое и видимое, музыкальное (оркестровое звучание) и визуальное (презентация на экране). Видеосопровождение «Аполлона» и «Русских сказок» относится к бесспорным удачам проекта. Его авторы создали живописный фон из работ блистательных художников – современников и сподвижников Дягилева: А.Н. Бенуа, Н.С. Гончаровой, Л.С. Бакста, И.Я. Билибина. Презентация не стремилась проиллюстрировать каждую деталь звучавшей музыки, но отражала ее дух и помогла слушателям-зрителям погрузиться в волшебный мир русского модерна. Способствовали этому и буклет фестиваля, оформленный в эффектно-броском стиле, столь типичном для дягилевской антрепризы, а также вступительное слово профессора И.А. Скворцовой, которая рассказала важнейшие факты о деятельности Дягилева и раскрыла значимость его постановок для мировой культуры.

Заключительный концерт фестиваля «Музыка дягилевских сезонов» стал подлинным проникновением в мир творческих исканий Сергея Павловича Дягилева, человека, который открыл миру богатства русского искусства и потому заслужил благодарность современников и потомков.

Профессор Е.Б. Долинская, кафедра истории русской музыки

Фото Дениса Рылова

№9 (1383), декабрь 2021 года

17 ноября 2021 года на сцене Рахманиновского зала Московской консерватории состоялась постановка оперы-водевиля на весьма актуальную тему – «Карантин»! Изящный, искрящийся весельем шедевр А.Н. Верстовского увидел сцену благодаря проекту «Возрождение русской оперной классики», который уже несколько лет с большим успехом проводит кафедра истории русской музыки.

Обширная просветительская деятельность всегда отличала педагогов этой кафедры. Эти традиции сегодня развивает ее заведующая, доктор искусствоведения, профессор Ирина Арнольдовна Скворцова. Под ее руководством и возник уникальный проект «Возрождение русской оперной классики», направленный на воссоздание забытых опер русских композиторов. И сама идея, и выбор жанра необычайно актуальны: интерес к сочинениям прошлого сегодня высок, а опера остается одним из основополагающих жанров русской музыки, о чем неоднократно писали величайшие русские композиторы. «Опера, и именно только опера, сближает вас с людьми, роднит вашу музыку с настоящей публикой, делает вас достоянием не только отдельных маленьких кружков, но при благоприятных условиях – всего народа», – отмечал П.И. Чайковский.

Идея проекта «Возрождение русской оперной классики» возникла в 2016 году, во время подготовки к празднованию 150-летнего юбилея Консерватории. Сначала были поставлены два интереснейших образца русского классицизма: в 2016 году публика смогла услышать мелодраму Е.И. Фомина «Орфей», а год спустя на сцене Рахманиновского зала МГК была исполнена опера Д.С. Бортнянского «Сын-соперник» – она была воссоздана к 230-летию с момента ее первого исполнения. Постепенно временные границы проекта расширялись: в 2019 году его создатели обратились к музыке эпохи модерн, представив камерный шедевр А.С. Аренского – оперу «Рафаэль». В этот раз в рамках «Возрождения русской оперной классики» прозвучала музыка современника М.И. Глинки. Постановка водевиля А.Н. Верстовского стала приношением к 155-летию Московской консерватории.

А.Н. Верстовский (1799–1862) – одна из интереснейших личностей в русской музыке XIX столетия. Композитор, общественный деятель, он не только написал более 30 водевилей, став, по словам А.Н. Серова, создателем «своеобразного кодекса водевильной музыки», но и сочинил 6 опер, множество романсов. На протяжении 35 лет Верстовский руководил единой оперно-драматической труппой Большого и Малого театров, решая как репертуарные, так и административные вопросы. Современники называли эти годы «эпохой Верстовского». «Аскольдова могила» – наиболее популярная из опер композитора, один из лучших образцов русского романтизма, многократно ставилась на протяжении всего XIX века, а многие романсы Верстовского вошли в репертуар знаменитых русских певцов. «Одушевлённой жизнию сильного таланта» называл музыку Верстовского В.Г. Белинский.

«Карантин» – второй водевиль Верстовского, написанный вслед за «Бабушкиными попугаями». На момент его создания композитору был всего 21 год! В музыке водевиля проявились лучшие качества его театральных сочинений: изящество, грациозность, обилие ярких тем, мгновенно остающихся в памяти слушателей. Фабула либретто, написанного Н.И. Хмельницким, довольно проста: в центре ее – взаимоотношения двух влюбленных. Фоном для веселого действия становится чумной карантин, а действующие лица – вполне типичные для этого жанра «маски» – юная пара, суровый отец, незадачливый отвергнутый поклонник. Для каждого из них композитор создает красочную и остроумную характеристику: именно музыка поэтизирует незатейливый бытовой сюжет.

Как и все проекты «Возрождения оперной классики», постановка «Карантина» создавалась в содружестве научных и творческих сил Московской консерватории. Координаторы проекта, под руководством И.А. Скворцовой, проделали огромную работу по подготовке нотного материала – в частности, подбору увертюры, отсутствовавшей в оригинальной партитуре, – и адаптации литературного текста.

По традиции, в постановке приняли участие консерваторские коллективы: Камерный оркестр под руководством Народного артиста РФ Ф.П. Коробова и Камерный хор, художественный руководитель – профессор А.В. Соловьёв. Звучание оркестра отличалось выразительностью и вниманием ко всем нюансам партитуры, а хористы порадовали не только качеством исполнения, но и актерской игрой: их внезапное появление из зала несомненно оживило действие.

Большим мастерством отличалось пение солистов: Анастасии Белуковой (Ленушка), Екатерины Лукаш (Арбатова), Анджея Белецкого (Клиникус), Александра Попова (Мовша), Дмитрия Никанорова (Стрельский), Станислава Ли (Шляхтинский). Артистизм и обаяние, с которым они исполняли водевильные куплеты, не оставили равнодушными никого из публики. Украшением постановки стали и ее гости – актеры театра «Сатирикон»: Ульяна Лисицина (Ленушка), Елена Голякова (Арбатова), Константин Новичков (Стрелецкий), Никита Григорьев (Шляхтинский), Ярослав Медведев (Мовша), Илья Рогов (Клиникус). Присущая их игре яркая броская манера оказалась вполне в духе водевильного жанра и подчеркивала остроумие положений, придуманных либреттистом.

Среди режиссерских находок – игра с пространством: прекрасные интерьеры Рахманиновского зала превращались то в сад дворянской усадьбы, то в огороженный лентой (забавная отсылка к современности!) карантинный двор. Мгновенная смена декораций происходила благодаря огромному мультимедийному экрану, размещенному по всей ширине сцены, что придавало спектаклю живость и динамичность.

Актуальная тема, прекрасная музыка Верстовского и мастерство исполнителей способствовали тому, что «Карантин» имел огромный успех. Мы надеемся, что важнейшая просветительская работа кафедры истории русской музыки будет продолжаться, и ее проект «Возрождение русской оперной классики» еще не раз порадует слушателей выдающимися сочинениями русских композиторов.

Профессор Е.Б. Долинская

Фото Дениса Рылова

№2 (1367), февраль 2020

Каждый приезд Сергея Михайловича Слонимского в Москву всегда становился для музыкантов столицы событием. Так было и 2 ноября 2019 года в переполненном Рахманиновском зале, где встретились не только друзья и коллеги выдающегося композитора, но и многочисленный отряд молодежи различных творческих вузов. И это понятно – искусство петербургского мастера не нуждается в рекламе. На гала-концерт пришли слушатели, не утратившие способность живой реакции на порой достаточно сложную музыку, словом, истинные ее любители, понимающие, что сделанное Слонимским-композитором, педагогом, пианистом, теоретиком, общественным деятелем, есть важнейшая составляющая отечественного современного искусства.

Обо всем этом широко осведомлен ректор Московской консерватории профессор А.С. Соколов, обратившийся к кафедре истории русской музыки с предложением организовать творческую встречу петербургского мастера в одном из залов консерватории, где он множество раз выступал как играющий композитор-пианист. В частности, Слонимский был одним из первых авангардистов более полувека назад начавший не только играть на клавиатуре, но и на струнах рояля, писать для струнных инструментов музыку с использованием четверти- и трети-тонов, использовать принципы инструментального театра в квартетной партитуре («Антифоны»), сочинять новые жанры («Мотетные инвенции» для фортепиано), в авторских же концертах неизменно импровизировать на темы, заданные из зала.

Телевидение записало этот уникальный гала-концерт Слонимского в Рахманиновском зале, посвященный 100-летию Государственного музыкально-педагогического института имени М.М. Ипполитова-Иванова и 160-летию со дня рождения М.М. Ипполитова-Иванова. Программа была призвана показать разные жанровые составляющие огромной звуковой палитры Слонимского, обретающей все новые краски на протяжении почти семи десятилетий.

Двухчастная драматургия этого вечера была строго продумана и не случайно включала сочинения, уже давно ставшие классическими – песня Виринеи из одноименной оперы, «Весенний» концерт для скрипки с оркестром, или самые ранние, 1950-х годов Две пьесы для альта, фортепианные Прелюдия и фуга Fis-dur из широко вошедшего в пианистический обиход цикла «24 прелюдии и фуги», а также «Кавказская токката», «Русская песня». Но была объявлена слушателям и другая сторона звуковых миров Слонимского-новатора: квартет «Антифоны» и Соната для скрипки и фортепиано. Каждое из двух отделений гала-концерта, имело и свой тембровый облик: симфоническая музыка прозвучала как большая интрада концерта, заполнив собой первое отделение. Цикл камерных пьес открывал второе отделение, что завершалось хором с солистами.

Талантливый, ныне широко концертирующий российско-бельгийский скрипач Тигран Майтесян уже не в первый раз увлеченно играет сочинения Слонимского для скрипки, в том числе с большим успехом труднейший «Весенний» концерт в сопровождении Московского молодежного камерного оркестра ГМПИ имени М.М. Ипполитова-Иванова (художественный руководитель – профессор В.И. Ворона, дирижер Игорь Берендеев). Исполнение этого сочинения композитор охарактеризовал как лучшее в многолетней практике разных скрипачей. Сам В.И. Ворона, великолепный скрипач, блистательно сыграл с «Легенду» по пьесе Тургенева «Песнь торжествующей любви» в сопровождении созданного и руководимого им камерного оркестра.

Квартет «Антифоны» долгие годы был в числе ряда официально запрещенных композиций Слонимского. Ныне представители «Студии Новой музыки», руководимой профессором В.Г. Тарнопольским, выучили это сочинение по просьбе автора и блистательно воплотили его музыкально и сценически в составе: Станислав Малышев (первая скрипка), Инна Зильберман (вторая скрипка), Анна Бурчик (альт), Ольга Калинова (виолончель).

Исполнители камерной музыки Слонимского покоряли не только очевидным мастерством, богатством красок, но и несомненным сочетанием подлинного живого чувства и самобытности, как, например, у даровитой скрипачки Анастасии Ведяковой, сыгравшей Сонату для скрипки и фортепиано в ансамбле с Кадзуки Нисимоном.

Заслуженным был большой успех иностранных музыкантов, получивших школу Московской консерватории. В частности, скрипача Чжан Кайлиня, освоившего в короткий срок свободную игру на альте (класс проф. Ю.А. Тканова), исполнившего впервые в Москве концерт «Трагикомедия». В программе вечера он демонстрировал публике Две пьесы для альта и фортепиано (партия ф-но София Сахнова). Несомненным открытием было выступление японского пианиста К. Нисимона, воспитанника Л.М. Наумова, который обратил на себя внимание и в дуэте с А. Ведяковой, и в сольной программе.

Как гласит пословица, «Конец – делу венец!»: женская группа Хора студентов ГМПИ имени М.М. Ипполитова-Иванова под руководством дирижера и солиста Владимира Красова в кодовом великолепии завешил концерт, соединяя классику Слонимского с его самыми современными композициями, созданными буквально в наши дни. В исполнении этого коллектива «Песнь Виринеи» с хором (солистка Людмила Михайлова) и ритуальное моление «Видя разбойник» для хора с солирующим регентом изумили как богатым мастерством звуковых миров, так и органичным сочетанием ритуальности с подлинно живым религиозным чувством. Глубокий, властный солирующий голос Владимира Красова никого не оставил равнодушным.

В финале на сцену поднялся Маэстро, окруженный «своими» исполнителями – многолетними и новыми друзьями его музыки. Он горячо благодарил ректора Московской консерватории, профессора А.С. Соколова за инициативу проведения концерта. Слова благодарности Александру Сергеевичу дополнились теплым обращением к коллективу кафедры истории русской музыки, руководимой профессором И.А. Скворцовой, с которой у Маэстро дружба измеряется многими десятилетиями, и к музыкантам Ансамбля МГК «Студия новой музыки». Для этого коллектива Слонимский написал пьесу «Время чудовищ» и попросил исполнить столь дорогие ему «Антифоны». Успех этого сочинения в тот вечер был огромен.

Композитор нашел добрые слова каждому из участников гала-концерта и, прежде всего, Валерию Иосифовичу Вороне, ректору Государственного музыкально-педагогического института имени М.М. Ипполитова-Иванова, по словам Сергея Михайловича – одного из передовых вузов современности!

Публика, пришедшая на концерт, имела возможность приобрести несколько нотных и книжных изданий Слонимского. Все ноты и книга «Мелодика», что за один год вышла уже вторым изданием, буквально в одно мгновение были раскуплены…

Профессор Е.Б. Долинская

Пока отклик на гала-концерт Маэстро в Рахманиновском зале Московской консерватории ожидал выхода в свет, из Санкт-Петербурга пришла скорбная весть: 9 февраля 2020 года выдающийся русский композитор Сергей Михайлович Слонимский ушел из жизни. Вечная память!..

№8 (1364), ноябрь 2019

Это событие обретает такой облик в редких случаях – когда юбиляр может спокойно обойтись без пафосных речей в тональности славословия. Галина Алексеевна Писаренко, народная артистка, супер-заслуженный профессор, решила отметить свою полукруглую дату самым обычным классным вечером, когда, сменяя на сцене одна другую, представали перед слушателями переполненного зала ее сегодняшние воспитанницы и выпускницы прошлых лет. Чудесный Рахманиновский зал, возведенный специально для вокалистов (синодальных певчих), в тот памятный вечер, словно преобразился, напоминая пестрый цветник, уникальный в своей палитре. Все, кто пришел поздравить Галину Алексеевну, несли ей цветы: корзины, букеты и скромные букетики. Атмосфера радости от общения с подлинным Мастером своего дела не могла не впечатлить.

В этом знаковом театре, ныне тоже юбиляре, Г.А. Писаренко создала множество вокально-сценических образов, но, как точно определил С.Т. Рихтер, в образе главной героини «Евгения Онегина» – «Галина Писаренко – самая лучшая из всех Татьян».

Выдающаяся певица была совершенно неповторимой и на концертной эстраде, где, по мнению Е.Ф. Светланова, она являлась «ведущей актрисой и в этом жанре». Наблюдение великого дирижера очень точное и тонкое, если вспомнить такие камерные моноспектакли Галины Алексеевны, как ее сценическое претворение «Гадкого утенка» Прокофьева или «Детской» Мусоргского. Также она создала свои звуковые монографии романсов Грига и Рахманинова, песен Листа, романсов Чайковского (перечислить невозможно, репертуар безграничен). Но особое место занимает исполнение Г.А. Писаренко романсов и песен Метнера. Звуковое воплощение его музыки олицетворяло главную идею этого сложнейшего композитора: «Голос есть совершеннейший из инструментов, что способен стать проводником не только чувств, но и мыслей».

А как много удалось сделать Галине Алексеевне для композиторов-современников, что просили ее о премьерах! В их числе Борис Чайковский, который упоминал, что «в естественности ее исполнения есть свой секрет». А Георгий Свиридов подчеркивал ее исключительную чуткость к авторским указаниям. Владимир Рубин ценил то, что «своим ученицам Г. Писаренко сумела передать главное – помимо высокого профессионализма, безупречный вкус и подлинно трепетное, честное отношение к музыке». Им вторит Сергей Слонимский, высоко ценивший яркую индивидуальность Писаренко, ее искренность и трепетность в отношении с учениками. Потрясает и признание Евгения Колобова: «Авторитет Галины Алексеевны во многом послужил благому делу основания «Новой оперы». Эту сцену Писаренко осветила своим участием».

«Каким был этот высококлассный вечер в Рахманиновском?» – вправе спросить читатель этих строк. И будет прав, ожидая ответа. Скажу главное: выступление талантливой молодежи класса профессора Г.А. Писаренко показало наличие яркой, самобытной, единой школы, где каждый, включая иностранцев младших курсов, демонстрировал свою природную индивидуальность, отраженную опытом выдающегося мастера.

Замечательно, что в классе профессора есть молодая пианистка Евгения Лопухина, которая выделялась мастерством воплощения разных стилей. Во втором отделении великолепно аккомпанировала певцам заслуженная артистка РФ Анна Маргулис. Позволю себе провести небольшую историческую параллель – класс Н.Л. Дорлиак был бы немыслим без партнерства с В.Я. Шубиной. «Фортепианные гены» тоже передаются по наследству.

В качестве P.S. хочу напомнить, что юбиляр воспитала столь разных певиц, лауреатов конкурса им. П.И. Чайковского, как Анастасия Бакастова, Альбина Шагимуратова, Елена Гусева и дипломант этого конкурса – Надежда Сердюк. Время совершенно не властно над Галиной Алексеевной, сферы ее деятельности, в том числе педагогической, стабильно обширны. Попасть в класс певицы, проработавшей 30 лет в МАМТ, спевшей более 30 партий, выпустившей в большой мир оперы и камерного пения более 40 учениц, ныне также трудно, как и раньше.

Многие Вам Лета и здоровья, дорогая Галина Алексеевна. Не любить Вас нельзя!

Искренне Ваша,

Профессор Е.Б. Долинская

№3 (1359), март 2019

Важными составляющими  деятельности Московской консерватории всегда были и остаются ее Архив и Музей, Библиотека и Фонотека.

Архив МГК не только собирает и хранит материалы тех, кто учился и учил в Московской консерватории, но и обеспечивает документальную практику настоящего, готовя будущее.  Им заведует Раиса Николаевна Трушкова: личность неуемная в инновационных начинаниях и очень строго педантичная в своей повседневной работе. Работа любого архива, и в том числе нашей Alma Mater, исключительно многопрофильна. Для ее успешного осуществления необходимо содружество единомышленников. И оно уже сложилось из команды архивистов Андрея Цымбалистенко, Ксении Власовой, Терезы  Мартинес, Кристины Рожковой.

Нетленную ценность архивных материалов консерватории для отечественной музыкальной культуры  понимают все, кому приходится заниматься научно-исследовательской работой: изучать историю ее ведущих классов, подразделений и личные дела  крупнейших профессионалов. Из недавних, но показательных фактов сошлемся на успешную защиту М.А. Федоровой кандидатской диссертации, посвященной становлению и развитию арфовых классов Московской консерватории. Ее труд целиком базируется на архивных материалах многих зарубежных и отечественных хранилищ. Но главным источником новых знаний стал именно Архив консерватории, о чем говорила Р.Н. Трушкова, выступив на защите как свидетель многолетней работы соискателя.

Много десятилетий назад Архив МГК находился  в  Alma Mater  в полном объеме (с момента основания в 1866 году). Сейчас же, РГАЛИ как крупный меценат, владеющий бесценными артефактами в области литературы и искусства, хранит исторические манускрипты консерватории, содержащие автографы Чайковского, Аренского, Скрябина и еще многих гениев русской музыки. Важно, что в наши дни уже начата работа по созданию сканированных копий бесценных сокровищ Архива Московской консерватории.

К чести нашей Alma Mater напомним: в ней с незапамятных времен устраивались выставки, посвященные деятельности ее выдающихся композиторов, исполнителей и теоретиков. Старожилы помнят, что при входе в Библиотеку в небольшом фойе второго этажа Малого зала постоянно устраивались книжные и нотные выставки силами наших талантливых библиографов и других сотрудников Научной музыкальной библиотеки имени С.И. Танеева, где ныне по решению Ученого Совета представлено экспонирование имен ее выдающихся выпускников на беломраморных досках почета.

Уже с 2011 года новым выставочным центром Архива стал просторный вестибюль в I учебном корпусе возле бюста П.И. Чайковского, благодаря которому выставки Архива, состоящие преимущественно из документов личных дел великих музыкантов, становятся все масштабнее. Так, за прошедшие 12 лет, Архивом было организовано 37 (!) выставок. Семь из них проводилось в фойе Большого зала.

Первая из  этих широкоформатных экспозиций была устроена к 90-летию кафедры хорового дирижирования, затем отмечалось 100-летие К. Кондрашина, 80-летие А. Свешникова, 110-летие Д. Шостаковича, 140-летие К. Сараджева, 140-летие В. Сафонова, 140-летие Н. Данилина. У каждой выставки Архива всегда есть посетители, в их числе и студенты. А в читальном зале Архива присутствие аспирантов и педагогов стало ежедневной практикой.

Первые же выставки Архива начинались скромно, в виде презентаций к научным докладам. Документы экспонировались в простеньких деревянных рамках, поставленных на пюпитры для нот. Подобные экспозиции служили для воскрешения забытых имен, в частности, казначея Московской консерватории В.С. Бояринова, участвовавшего в ее строительстве. Последующие выставки проходили еще без «собственной» территории, но уже с характерными витринами под стеклом для экспонатов.

Интересен один случай. Однажды Архив, узнав о готовящейся научной конференции, в связи с юбилейной датой А.В. Рудневой, посвященной жизни и творчеству выдающейся фольклористки, решил преподнести сюрприз участникам этого события: утром в день открытия установил в фойе Конференц-зала выставку, посвященную юбиляру. Для Н.Н. Гиляровой, организатора конференции, это было радостной неожиданностью, и вызвало большой интерес участников конференции.

 Подчеркну важное. Изучая тематику и характер визуальной подачи артефактов культуры и искусства архивисты, уже не ограничиваясь собственными материалами, стали проводить научно-исследовательскую работу в других архивах и музеях, в том числе в РГАЛИ, в ЦГИА (СПб), в Архиве Санкт-Петербургской консерватории, в Российском национальном музее музыки, в Научной музыкальной библиотеке имени С.И. Танеева. Также архивисты «добывали» интересные документы и фотографии из личных архивов родственников, профессоров и учеников знаменитых музыкантов. Это ощущалось, например, в экспозициях, посвященных 135-летию Н. Мясковского, 110-летию Д. Шостаковича, 100-летию Т. Гайдамович, в выставке, организованной ко Дню России и трагической гибели В. Халилова.

Немалую помощь Архиву оказывает Денис Рылов, художественный редактор, фотограф Интернет-сайта консерватории. Участие последнего оговорим особо: до его появления и начала плодотворного сотрудничества с Архивом (три года назад) все фотографии стендов выставок сотрудники Архива выполняли сами. С приходом профессионала форма подачи фотоматериалов Архива на страничке Интернет-сайта очевидно изменилась. Кроме того, была добавлена «выплывающая» галерея панорамных снимков выставок и презентаций.

Как важен для науки уникальный труд всех ее сотрудников, занимающихся музыкальным архивированием, делом уникальным и бесценным для сохранения исполнительских артефактов культуры! Также  чрезвычайно важна сфера деятельности Московской консерватории, ее музея имени Н.Г. Рубинштейна, ныне возглавляемого Владимиром Михайловичем Стадниченко, доктором философии Фрайбургского университета. Деятельность музея постепенно расширяла профили своей работы, где важную роль играют приобретение и хранение личных библиотек, архивных фондов педагогов, экспозиционная работа и концертная деятельность как еще одного камерного зала Alma Mater. 

Хочется, чтобы ведущие сотрудники Архива, Библиотеки, Лаборатории звукозаписи, многие из которых при жизни становились легендой, удостаивались доброго отношения присвоения им званий Заслуженного работника культуры РФ. А они есть в истории нашей Alma Mater! Напомню библиотекаря З.Ф. Савёлову (1920–1930-е годы). В книге заказов  библиотеки видела  собственными глазами запись, например, от академика Б.В. Асафьева со «скромной» просьбой:  подобрать ноты изданных сочинений эпохи  Французской революции, перевести на русский с французского несколько статей и даже целую книгу (ученый композитор тогда работал над балетом с хором «Пламя Парижа»). 

В 1950–1970-е годы  в читальном зале царила  Ирина Амазасповна Адамова, волшебной памятью которой пользовались как личным интернетом. Более сорока лет формировала фонды и возглавляла Библиотеку Эмма Борисовна Рассина. В наши дни работают такие уникальные сотрудники, как Наталья Николаевна  Оленева, что долгие годы возглавляет читальный зал Библиотеки и знает все фонды наизусть, как и заведующая нотным абонементом Аннета  Константиновна  Голубкова. Назову еще Ирину Вячеславовну Брежневу, что тщательно охраняет редкие манускрипты Библиотеки имени С.И. Танеева. 

Невозможно представить себе учебную и концертную жизнь консерватории без отдела звукозаписи, бессменно возглавляемой Татьяной Викторовной Задорожной.  Под ее руководством скромная фонотека при кабинете звукозаписи превратилась в Многофункциональный учебно-производственный центр звукозаписи и звукорежиссуры. В его сферу деятельности входит множество направлений: от обеспечения учебного процесса звуковыми материалами, до прямых теле- радио- трансляций и записи концертов и музыкальных программ для последующего издания на CD и DVD.

В отделе работают подлинные энтузиасты и профессионалы своего дела – заместитель по работе с фондами, продюсер и редактор всех консерваторских аудиоизданий Евгений Николаевич Платонов, заведующий сектором технических средств Игорь Николаевич Соловьев, звукорежиссеры Михаил Валентинович Спасский, Руслана Владимировна Орешникова, многие другие сотрудники, благодаря которым аудиоархив консерватории ежедневно пополняется. Как важен для науки уникальный труд всех сотрудников, занимающихся сохранением звукового музыкального наследия, делом уникальным и бесценным для увековечивания исполнительских артефактов.

Велика роль и реставраторов – Елены Владимировны Дойниковой, Елены Михайловны Сыч, – чьими руками спасены от исчезновения уникальные записи великих исполнителей прошлого, выступавших в залах консерватории: С.Е. Фейнберга, А.Б. Гольденвейзера, В.В. Софроницкого, М.В. Юдиной, С.Т. Рихтера, Э.Г. Гилельса, Д.Ф. Ойстраха, Л.Б. Когана, В.А. Борисовского, Ф.С. Дружинина, Д.Д. Шостаковича, Л. Стоковского, Ю. Орманди, М. Лонг, И. Менухина, Г. Гульда и многих других. А благодаря научной деятельности Ольги Сергеевны и Сергея Николаевича Лебедевых постоянно пополняется и совершенствуется электронная база данных аудиоархива. Каталог изданных компакт-дисков насчитывает более 200 архивных и современных программ, большинство из которых издано впервые в мире…

Низкий вам всем поклон, дорогие заслуженные работники культуры!

Профессор Е.Б. Долинская

№6 (1353), сентябрь 2018

В советской музыке, начиная со второй половины XX столетия, как бы ни противилась этому власть, всё больше ощущалось воздействие современных зарубежных течений, которые в СССР не знали. Эдисон Денисов и Сергей Слонимский неизбывно обнаруживали в себе внутреннее несоответствие многому в происходящем. Читая их письма, понимаешь, как много для них значило художественное воображение, то есть, своя версия мира. При этом у каждого было индивидуальное чувство веры, что музыкальные дела улягутся, не будет неприятностей или публичных скандалов. Последнее они воспринимали, скорее, как нечто совершенно естественное для тягот социума. Они прекрасно понимали, что определяющим становится то, что ты делаешь сам, а не то, что время и социум делают с тобой (то есть, обществом выдвинутое и навязанное ощущение). Оба писали музыку, условно говоря, от первого лица.

Многие строки в переписке С.М. Слонимского и Э.В. Денисова свидетельствуют о цельности и во многом схожести их художественно-мировоззренческих позиций. В письмах, хотели они этого или нет, можно наблюдать процесс автопортретирования. Даже ирония, чаще всего, направлялась на самого себя, но порой и на представление того или иного события в культуре и жизни.

Они прекрасно знали цену, которую приходилось платить за жизнь в несвободной России. При этом в мире музыки каждый из них чувствовал себя абсолютно свободным. Вероятно, оба могли бы разделить мысль И. Бродского, большого друга С. Слонимского, высказанную о положении творящей личности: «На каком-то этапе я понял, что я – сумма своих мыслей, действий, поступков, а не сумма чужих намерений».

Письма сохранили постоянное возмущение обоих «вольной редактурой» их статей. 1-го августа 1965 года Слонимский пишет другу: «В сентябре журнал «СМ» дает мою статейку о студентах ЛГК. Прислали на визу, уже сдав в типографию (т. е. для проформы). Вымарали фразы типа: «Для современного певца понимать только классику XIX века и то, что на нее похоже, – это очень мало» – и все в этом духе. Зато вставили всякие демократические фамилии (Орфа вместо Стравинского и пр.). Ну, это как всегда. Мои поправки явно не внесут. Терплю ради того, чтобы поддержать печатно хороших ребят – Фалика, Мнацаканян, Лаул, Кнайфеля, Баневича и других (хотя и тут приходится маневрировать)». В следующем письме, 8 августа, через неделю, возникает категорическое резюме: «Статей больше решил вообще не писать, надоело уступать и приспосабливаться и подписывать смысловую правку. Читать тебе мою статью не нужно: суть ее в фамилиях, а ты их уже знаешь».

Два очень разных мастера в те годы общались на волне полной искренности, взаимного доверия и притяжения. Они постоянно ощущали необходимость личного общения, знакомства с новыми композициями и, разумеется, через эпистолярное слово обобщали свои взгляды – честно, нелицемерно. Вот один из многочисленных примеров –        20 ноября 1971 года Денисов пишет Слонимскому из Москвы: «… я тебя еще раз хочу поздравить с твоим прекрасным вечером. Это было во всех отношениях прекрасно: ты отлично играл на рояле, прекрасно держался и очень – как всегда – умно говорил. Молодец! Из музыки, я тебе сказал уже, мне больше всего понравились «Антифоны». Это, конечно, – извини меня, но я стараюсь говорить всегда правду – намного выше, чем все остальное, что ты показывал. И дело здесь не в оригинальности общей идеи, а в том, что это просто очень хорошая музыка».

Периодом «бури и натиска» в истории отечественной музыки характеризовались 1960-е годы и первая половина 1970-х. Именно к нему относится книга «Эдисон Денисов и Сергей Слонимский: переписка (1962–1986)» (публикация Е. Купровской и Р. Слонимской. Комментарии выполнены ими, а также С. Слонимским и А. Вульфсоном). Это было время, когда противостояние новаторов и консерваторов достигло, пожалуй, одной из высочайших точек, а авторы переписки еще не обрели статуса выдающихся русских композиторов XX века, но уже смело бросили вызов рутине и ретроградству.

Некоторые характеристики персон из окружения молодых композиторов не лишены субъективности. Однако, непосредственность наблюдений, свойственная Денисову и Слонимскому, приоткрывают и новое в облике современников. Естественно в орбиту внимания попадают оценки не только отечественных музыки и музыкантов, но и зарубежных. С особой прямотой отражаются в письмах переживания обоих композиторов по поводу услышанного, увиденного, прочитанного (в частности, многих партитур, тогда озвученных лишь глазами).

Подчеркнем главное. Авторы переписки обладают редкой глубиной и точностью наблюдений, не превращаясь при этом в холодных регистраторов болезней времени. Рекомендую всем, кто был свидетелем описанных событий, или, кто скорее, формировался в совершенно иное время, изучить этот источник самостоятельно. В музыкальной истории минувшего столетия многое поучительно.

Профессор Е.Б. Долинская

№6 (1353), сентябрь 2018

Творчески ярко завершился фестиваль «Музыкальная молодежь Москвы – 85-летию С.М. Слонимского», организованный кафедрой истории русской музыки Московской консерватории. Он охватил шесть концертов: начался в Большом театре, а закончился симфоническим итогом в институте им. Ипполитова-Иванова. Отрадно, что организовать подобную панораму творчества крупнейшего отечественного автора было исключительно легко. Слонимский – постоянно исполняемый композитор-классик, музыка которого широко вошла в концертный репертуар как видных музыкантов, так и обучающейся молодежи всех рангов.

Тот факт, что пианисты много играют пьесы Слонимского, также не составляет секрета. Сергей Михайлович и сегодня во всеоружии своего фортепианного мастерства, когда-то полученного из рук самого В.В. Нильсена. Ну кто из современных композиторов дерзнёт с эстрады импровизировать на темы, предложенные залом? Не очень многие, думается! А Слонимский на эстраде как бы допускает слушателя в «святая святых» своей творческой лаборатории – сочиняет здесь и сейчас, причем, в строго реализуемой, только ему известной форме. Сергею Михайловичу на это требуется меньше минуты!

Замечательно, что в свои 86 лет Слонимский не только много сочиняет, но также творит. Как опытнейший литератор он захватывает публику устными рассказами не столько о себе, сколько о времени, современниках, прошедших событиях, знаковых для культуры. И о тех выдающихся мастерах, которых сейчас нет, но которых нельзя забывать.

Незабываемое впечатление на публику произвел концерт-увертюра в Бетховенском зале Большого театра. Известные и новые сочинения Слонимского представил блистательный дуэт  – солистка ГАБТ, лауреат конкурса им. Слонимского Юлия Мазурова и композитор, пианист, литератор, выпускник Московской консерватории Александр Покидченко.

Большой многодневный фестиваль обычно включает в свою программу новинки. В шести концертах их было немало. Например, состоялась московская премьера девятой (последней на сегодня) оперы Сергея Михайловича «Смерть поэта» на текст М.Ю. Лермонтова, которого Слонимский чтит с юных лет и постоянно пишет новые романсы на его тексты, неоднократно украшающие программы молодых певцов.

Московскую премьеру концерта для альта, посвященную Ю. Башмету, прекрасно сыграл Чжан Кай Линь, аспирант Московской Консерватории. Сочинение, названное композитором «Трагикомедией», возникло по мотивам  «Преступления и наказания» Ф.М. Достоевского. Здесь композитор привлек сложнейшие средства современной альтовой техники.

В 2015 году Слонимский написал «Легенду» для скрипки по поэтичной  новелле Тургенева «Песнь торжествующей любви». Замечательный скрипач и ректор Института им. Ипполитова-Иванова Валерий Ворона, присутствовавший на московской премьере этой пьесы, загорелся желанием сделать ее версию со струнным оркестром. Ее осуществил М. Кадомцев: «Легенда» в новом тембровом прочтении имела огромный успех у слушателей и удостоилась искренней благодарности ее автора.

Для исполнения «Весеннего» скрипичного концерта из Бельгии специально прилетел Тигран Майтесян, один из ярко индивидуальных скрипачей. Успеху интерпретации концерта, давно известного скрипачам, сопутствовал и голос уникального инструмента Гварнери дель Джезу. А от автора настоящих строк Сергей Михайлович получил скромный подарок – монографию «Музыкальная  галактика Сергея Слонимского» («Композитор – СПб», 2018).

Отрадно, что в каждом ВУЗе желающих участвовать в фестивале было больше, чем возможностей включить всех в программы концертов. Наряду со студентами также выступали и молодые педагоги. В переполненных залах было немало преподавателей и коллег Сергея Михайловича – Ю.В. Воронцов, А.П. Кулыгин, Ю.А. Евграфов, И.А. Скворцова, А.В. Наумов, Т.А. Старостина, С.Ю. Сигида и др.

Фестивали музыки Слонимского делать легко и очень увлекательно. Коллеги разных городов! Попробуйте и убедитесь в этом сами.

 Профессор Е.Б. Долинская

№1 (1348), январь 2018

Известная латинская пословица гласит: «когда говорят пушки – музы молчат». Однако она оказалась полностью опровергнута выступлением Молодежного симфонического оркестра Луганской академии культуры и искусств совместно с заслуженным артистом России, профессором Юрием Ткановым. Именно этот выдающийся альтист, многократно выступавший в Луганске, организовал приезд и выступление в Рахманиновском зале Московской консерватории оркестра под управлением заслуженного деятеля искусств Украины Сергея Йовсы.

Молодёжному оркестру Луганской академии уже второй десяток лет – его основали в 2004 году по инициативе профессора Е. Михалёвой. Репертуар (от классики до современности) растет от года к году – симфонии Гайдна, Бетховена, Дворжака, Чайковского, Шостаковича, Канчели, премьеры новых сочинений. Однако выступление в одном из лучших залов Москвы – высшая степень ответственности для музыкантов.

Концерт в Рахманиновском зале был воспринят публикой очень горячо. Провоцировала интересная программа – Симфония с солирующим альтом «Гарольд в Италии» Г.  Берлиоза, Концерт для альта с оркестром А. Эшпая, «Гершвин-фантазия» Ю. Тканова, в которой замечательный исполнитель (альтовая школа Борисовского-Дружинина!) демонстрировал свои безграничные возможности. Ведомый солистом и дирижером, молодой оркестр играл уверенно, увлеченно, ярко и точно, озвучивая весьма непростые партитуры.

Факт исторически известный – именно Гектор Берлиоз, гениальный знаток оркестра, обогатил его новыми тембрами. Он сочинил программную симфонию «Гарольд в Италии», где альт, как аналог низкого человеческого голоса, ведет свое повествование, начиная со сцен меланхолии, счастья и радости главного героя, к воспоминаниям в «Оргии разбойников», обобщающим его путь. Берлиозу, гению соединения инструментальных тембров, было важно не только провести слушателя по этапам жизни героя, но и доказать своим современникам первой трети    ХIХ века универсальность звуковой палитры альта как солирующего инструмента.

Юрий Тканов мастерски раскрыл весь тембровый арсенал инструмента. Отметим, что в звуковой реализации Симфонии «Гарольд в Италии» прекрасно проявил себя и Луганский молодежный оркестр – и по общему контакту с примариусом, и в различных ансамблях с альтом, и в эпизодах tutti. Создавалось впечатление, что оркестр сам составлен из солистов – безупречный строй деревянных и медных духовых, богатая динамическая и красочная шкала, настоящая художественная свобода!

Интересен и следующий программный выбор Ю. Тканова – Концерт для альта Андрея Эшпая. Композитор, подаривший каждому (!) из оркестровых инструментов свой сольный концертно-симфонический опус, в значительной степени расширил их репертуар, а в ряде случаев, как например, в Концерте для тубы с симфоническим оркестром, русско-марийский автор оказался в числе первопроходцев! Ю. Тканову удалось раскрыть удивительное многообразие в единстве этого яркого одночастного полотна. Особенно впечатлило звучание высокого «скрипичного» тембра у альта и превосходная, глубокая кантилена, приближенная к виолончельному колориту.

Блеснул Тканов и как композитор. Его «Гершвин-фантазия» мастерски сочетала «избранное» из знаковых сочинений Гершвина – «Рапсодии в стиле блюз» и фортепианного концерта. В калейдоскопе эпизодов, как бы Гершвин–карнавале, прекрасно прорисовывались разные тембровые маски и ситуации. Виртуозное и колористическое мастерство, свободная и вдохновенная игра органично сочетались со структурной стройностью, с опытом музыканта XXI века.

Это был настоящий успех. На «бис» сыграли две пьесы Мийо из «Скарамуша» в блистательной транскрипции Юрия Тканова, а публика все еще не хотела отпускать полюбившихся исполнителей.

Концерт стал ярким событием. Молодежный оркестр под руководством Сергея Йовсы доказал очевидную исполнительскую зрелость. Молодцы, луганчане! Так держать наперекор геополитическим катаклизмам!

профессор Е.Б.  Долинская

№7 (1345), октябрь 2017

Сергею Михайловичу Слонимскому – 85. В это поверить очень трудно, учитывая его сегодняшнюю активность в творчестве, педагогике, общественной жизни. Деятельность выдающегося русского композитора посвящена музыке, ныне широко известной во всем мире, постоянно звучащей в лучших залах Петербурга и Москвы.

Путь композитора проходил через постоянный творческий поиск. Он обретал новые музыкальные средства и весьма самобытно трактовал традиционные. О себе Слонимский говорит: «Я – типичный петербуржец. В чем это выражается? Может быть, в самоуглубленности, в меньшей, по сравнению с московской, внешней экспансивностью, в отсутствии стремления «дружить» со знаменитостями и властями. А может, и в наивности: я часто сам себе вредил, удивляясь, если меня хвалили».

Хвалить Слонимского начали еще в раннем детстве известные писатели – например, К. Федин или М. Зощенко, горячо поддержавший Скрипичный концерт юного автора. Сергей Михайлович родился в семье писателя Михаила Леонидовича Слонимского, участника знаменитой литературной группы «Серапионовы братья», которую высоко оценивал М. Горький. И по сей день музыкант живет в доме литераторов, что на канале Грибоедова, возле храма Спаса на крови. С 1959 года по одним и тем же дням приходит в «свой» класс к тем, кто выбрал нелегкую профессию композитора.

Самому же Слонимскому повезло с учителями (кстати, не только в Петербурге, но и в Москве, где несколько военных лет он обучался в Центральной музыкальной школе при Московской консерватории). Среди его наставников были – А. Д. Артоболевская и С. И. Савшинский (ф-но), В. Я.  Шебалин, Б. А. Арапов, Е. О. Месснер (сочинение). В 1955 году Слонимский оканчивает Ленинградскую консерваторию по классу композиции профессора О. А. Евлахова, а 1956 году по фортепиано у профессора В. В. Нильсена.

Петербургский композитор был свидетелем важнейших событий в отечественной культуре и многое в ней предопределил. Произведения Слонимского, действительного члена Российской Академии образования, профессора Санкт-Петербургской консерватории изучаются молодежью в учебных заведениях. Сегодня он автор тридцати трех симфоний, девяти опер, трех балетов, серии кантат и ораторий, инструментальных концертов, камерной музыки – инструментальной и вокальной.

Поразительное многообразие созданного Сергеем Михайловичем позволяет сравнить его творчество с музыкальным музеем, где из Античного зала вы попадаете в Древний Восток, из сферы Барочного в Классицизм. XIX же век ныне ценится композитором особо: он неизменно делает ему приношения (в посвящениях, например, фортепианных пьес Григу и Брамсу, вокальных сочинений – Лермонтову и Пушкину). В этом виртуальном музее можно встретить звуковые картины в облике лирических пейзажей, портретов, бытовых шаржей, а также в виде психологических зарисовок, исторических фресок. Некоторые – плод мгновенных эскизов, иные – плод длительных раздумий нам вечными темами.

С годами возрастал интерес Слонимского к исследованию противоречий общественного развития и их влияния на судьбы личностей (оперы «Король Лир», «Царь Иксион», «Мария Стюарт», «Антигона») и людей из народа (опера «Виринея», балет «Икар»). Слонимский – художник эпического размаха (опера «Видения Иоанна Грозного»), который мощно претворяет лиризм (оперы «Мастер и Маргарита», «Смерть поэта»). И в симфонической, и в театральной, и в камерной музыке проявляется уникальный мелодический дар петербургского мастера. Не случайно он стал автором более чем 300 романсов на тексты от Г. Державина до И. Бродского и Е. Рейна.

Свой «литературный ген» Слонимский проявил в разных сферах творчества: например, в составлении либретто камерных вокальных циклов («Песни вольницы» на фольклорные тексты), кантат («Голос из хора» по А. Блоку), ораториальных хоровых сюит («Виринея») и хоровых концертов («Тихий дон»). Около десяти лет он трудился на музыковедческой кафедре, где создал свое новаторское исследование «Симфонии Прокофьева». А за ним последовало более десяти книг, композиторских эссе, посвященных истории русской музыки, петербургской композиторской школе. В июне – августе этого года Слонимский разработал курс и создал исследование об истории мелодии (разных эпох и национальных школ).

Симфония стала музыкальной формой его дневников. Но и камерные жанры постепенно вышли на первый план. Одной из своих самых знаковых работ Слонимский называет Реквием: «Мне особенно необходимо было написать одно в жизни сочинение, в котором абсолютно искренне, от души я должен был сам исповедаться, причаститься, высказать свои сокровенные мольбы об отпущении грехов; пожелать вечного света невинно убиенным людям и праведникам, обычно этим людям очень плохо на этом свете».

Размышляя о пройденном пути, Слонимский говорит, имея в виду судьбы наиболее ярких композиторов-соотечественников, что истинный путь отечественной музыки XX века надо прослеживать, прежде всего, по тогда запрещённым сочинениям. Сам он не раз познавал запреты. В годы советской власти подверглись резкой необоснованной критике опера «Мастер и Маргарита», кантата «Голос из хора», не разрешен был к печати квартет «Антифоны». В свой юбилейный год композитор пожелал услышать в Петербурге именно эти сочинения — они триумфально прозвучали в залах Филармонии, а также в Санкт-Петербургской консерватории.

Музыканты Москвы и, прежде всего, молодежь от всего сердца готовили свои исполнительские подарки для московских премьер его новых произведений – «Легенды» для скрипки (по «Песне торжествующей любви» И. Тургенева) и новых циклов романсов на стихи М. Лермонтова. Юбилейные концерты прошли в Большом театре и РАМ имени Гнесиных, Московской консерватории и Центральной музыкальной школе. Концертный фестиваль, однако, на этом не заканчивается и будет продлен приношениями молодых исполнителей других вузов, в частности, Музыкально-педагогического института им. Ипполитова-Иванова.

Завершая свою книгу о русской музыке под названием «Свободный диссонанс», Слонимский пишет: «Музыкальная речь столь же неисчерпаема, как и сама душа человеческая, ибо музыка – язык души… Смело отправимся в тот путь, который начали творцы Серебряного века к новому возрождению культуры, к русскому Ренессансу,              к новому возрождению человеческой души… Вперед – от русского Серебряного века к русскому Ренессансу».

профессор Е. Б. Долинская

№ 8 (1337), ноябрь 2016

Такие музыканты, личности на нашей грешной земле рождаются не очень часто. В их характерах доминируют романтические черты, а упоенность разными Музами не имеет границ. Желание охватить неохватное также становится знаком их характера – порывистого и нежного с увлеченностью до горячности, страстностью до предела и жертвенностью без оглядки.

Сейчас преждевременна попытка нарисовать портрет Аллы Владимировны Богдановой, доктора культурологи, кандидата искусствоведения, Заслуженного деятеля искусств России, а для близко знавших ее – просто Аллочки. Как известно, большое видится на расстоянии. Здесь же все иначе. Такие люди не угасают. Они сгорают как факел, оставляя после себя очень яркий след.

Жажда постигать новое привела к тому, что она не только окончила теоретико-композиторский факультет Московской консерватории, была одной из ярких выпускниц как профессора Н. Б. Туманиной, так и профессора Б. М. Ярустовского (в аспирантуре). Затем последовало блестящее окончание факультета журналистики Московского университета, где учиться достойно могли лишь те, кто обладал незаурядным литературным даром и точно заточенным журналистским пером. Всем этим Алла Владимировна обладала сполна.

Интерес к разработке проблем современной музыки созрел в аспирантские годы и был освещен яркой личностью наставника Б. М. Ярустовского. Это привело к успешной защите кандидатской диссертации о музыкальном театре Шостаковича, что чуть позже было представлено в виде книги «Оперный и балетный театр Шостаковича». В те годы это была одна из первых наиболее содержательных работ по данной теме. Эта книга, свободная от конъюнктуры, не испытала налета старения. А. В. Богданова была права, когда совсем недавно сделала новую, расширенную и дополненную редакцию своего труда. Следующая работа – монография об А. Эшпае, раскрыла умение Аллы Владимировны не только тонко слышать и анализировать музыку, но образно, объективно и доступно писать о ней.

А. В. Богданова сделала мощный научный вклад в разные сферы отечественного музыкознания. Очень ценной оказалась публикация ее бесед с Б. А. Покровским. Затем последовал такой капитальный труд, как книга «Музыка и власть», на основе которой Аллой Владимировной была защищена докторская диссертация в сфере культурологии. Книга Богдановой оказалась одной из первых, целиком основанных на документальных материалах, по разным причинам ранее недоступных.

Еще одной сферой интересов Аллы Владимировны стал более чем полуторадесятилетний период работы в качестве главного научного сотрудника «Шнитке-центра» и Музея Альфреда Шнитке в МГИМ имени А. Г. Шнитке. Сделанное здесь переоценить трудно: девять томов научного сериала «Альфреду Шнитке посвящается» вышли в свет в издательстве «Композитор» при непосредственном, очень объемном её участии, а еще – ставшая популярной книга «Альфред Шнитке в воспоминаниях современников».

Одним из объектов приложения своих творческих сил она избрала Московскую консерваторию, где, возглавляла Координационно-аналитический отдел, организовывала множество интереснейших проектов, в их числе «Alma Mater», выпускала буклеты, брошюры и еще многое другое. Но в центре ее бесконечных дел высился Попечительский совет МГК, в организации работы которого она была главным куратором, к чему относилась не только в высшей степени ответственно, но и, как всегда, с творческим огоньком… Светлый и гордый образ Аллы Владимировны Богдановой всегда будет с нами.

Профессор Е. Б. Долинская

№ 5 (1334), май 2016

Каждый год в начале апреля ученики выдающегося альтиста Ф. С. Дружинина проводят вечера его памяти, привлекая к участию тех музыкантов, кто прошел через класс профессора. Но не только: в этих концертах охотно принимают участие исполнители и друзья Федора Серафимовича, почитатели его таланта. Отсюда и особая атмосфера мероприятий, когда «печаль светла» и ощутим прекрасный образ человека с удивительной чистой душой.

Так было и в этот раз – полный зал Мерзляковского училища собрал семью Дружинина, его учеников разных поколений и просто любителей музыки для альта или ансамблей с участием этого инструмента.

Как известно, Федор Серафимович был наделен целым соцветием талантов – исполнителя, преподавателя, композитора, участника ансамбля. В программу концерта, построенного в трехчастной форме, были включены Струнное трио самого Дружинина, посвященная ему Соната для альта и фортепиано Шостаковича, в центре же находился Бранденбургский концерт № 6 Баха, который Федор Серафимович очень любил и постоянно исполнял (Дружинин был одним из лучших исполнителей и Чаконы Баха, которую специально играл для А. А. Ахматовой по ее просьбе. Потрясенная глубиной этой музыки, поэтесса написала свое знаменитое стихотворение «Чакона»).

Исполнение концерта Баха предстало ансамблево-выверенным шестью альтистами (А. Симакин, М. Пичужная, А. Герман, Н. Жданова, Е. Комарова, М. Мусина) и виолончелистами (А. Березин и Е. Беляева). Трио Дружинина «Esquisse orientale» увлеченно сыграли названные А. Симакин и А. Березин вместе со скрипачкой Д. Пасько. Музыкальная ткань опуса многозначна и насыщена интенсивной звуковой жизнью, что сообщает пьесе своеобразную внутреннюю взрывчатость при внешнем равновесии. Подобные особенности продиктованы значительностью содержания. Композитора волновали здесь вечные темы искусства – жизнь, смерть, бессмертие. Этот же мотив с особой драматичностью, свойственной автобиографичной музыке Шостаковича, очень ярко прозвучал в его последнем сочинении, которое на премьере играли Ф. Дружинин и М. Мунтян. Преобладание сдержанных темпов открывало в альтовой сонате-симфонии удивительные психологические глубины. Это сполна удалось сделать Е. Марковой (альт) и А. Егорову (фортепиано), интерпретировавшим сонату действенно, остро, глубоко личностно.

Хочется от души поблагодарить всех участников концерта «Ко дню рождения» и особенно А. Симакина, «мотора» этого вечера, за прекрасное исполнение, рожденное щедростью души и теплотой сердец.

Профессор  Е. Б. Долинская