№4 (1387), апрель 2022 года

Второй семестр 2021/2022 года в Консерватории начался с кадровых перестановок: на смену профессору Л.Е. Слуцкой, занимавшей должность проректора по учебной работе с 2008 года, своей мудростью и громадным опытом обходившей невероятно «острые углы» в консерваторском учебном процессе, пришел профессор Н.И. Тарасевич, – ничуть не менее опытный и матерый руководитель, в последние годы занимавший должность проректора по учебно-методическому объединению и поставивший учебный процесс в Консерватории на «современные рельсы». Николай Иванович, который теперь сосредоточит свое внимание на обоих направлениях, объединив под своим началом обе должности, любезно согласился ответить на наши вопросы:

– Николай Иванович, как Вы, входя в «двойную» должность проректора по учебной и методической работе, представляете себе современный учебный процесс?

– Современный учебный процесс чрезвычайно сложен и включает в себя многие компоненты, среди которых главный – образовательная деятельность. Она предполагает участие преподавателей и обучающихся в процессе передачи (первые) и освоения (вторые) учебного материала – некого комплекса знаний, умений и навыков. Учебный процесс регулируется рабочими учебными планами, рабочими учебными программами, планами воспитательной работы и включает все виды занятий (лекции, семинары, индивидуальные занятия, учебную и производственную практику), равно как и самостоятельную (внеаудиторную) работу студентов с целью овладения необходимыми опытом и мастерством для дальнейшей профессиональной деятельности. В рамках законодательства нужно соответствовать требованиям, регламентирующим взаимоотношения между участниками учебного процесса. Учебный процесс не мыслим без методического и материально-технического обеспечения, поскольку современные образовательные стандарты предъявляют требования и к структуре образования, и к результатам освоения программы, и к условиям ее реализации.

– Что важнее – традиционный базовый набор академических знаний или же предоставление определенной свободы в выборе тех или иных предметов?

– Мне кажется, нужно говорить об оптимальном соотношении «сектора необходимости» и «сектора свободы» – дисциплин базовой и вариативной частей учебного плана. Ведь успех или неуспех освоения образовательной программы во многом зависит от их соотношения. Безусловно, в рамках требований образовательных стандартов определенные «свободы» вполне допустимы. И при формировании перечня дисциплин вариативной части необходимо учитывать интересы студентов.

– Каковы на Ваш взгляд плюсы и минусы «долгих» курсов?

– «Долгие» курсы, с одной стороны, дают возможность основательного и глубокого погружения в изучаемый предмет с учетом исторического, художественного и философско-эстетического контекста. С другой, развернутые дисциплины замыкают на себе время, которое можно было бы потратить на освоение вариативных дисциплин, направленных на формирование профессиональных компетенций будущего музыканта. Вот почему, еще раз повторюсь, залог успеха в освоении образовательной программы зависит, в том числе, и от продуманного соотношения между базовой и вариативной частями программы.

– А каково их соотношение согласно Федеральным государственным образовательным стандартам(ФГОС – ред.)?

– Если говорить о музыковедах, то обязательная часть без учета Государственной итоговой аттестации должна составлять не менее 70% от общего количества зачетных единиц. А вариативная, соответственно, – 30%. Эти данные касаются образовательных программ, разработанных в соответствии с ФГОС-3++. На сегодняшний момент в Консерватории обучение одновременно ведется по образовательным программам трех стандартов – ФГОС-3+, ФГОС-3++ и стандартах, разработанных и утвержденных Консерваторией самостоятельно. Такое право Консерватория получила согласно Указу Президента РФ в феврале 2020 года. В самостоятельных стандартах основной акцент сделан как раз на вариативную составляющую. Доля базовой части не должна превышать 55% общего объема образовательной программы.

– Возможен ли индивидуальный подход к каждому студенту с точки зрения наполненности учебного плана?

– Индивидуальный подход возможен именно за счет вариативной части программы. Выбор, на мой взгляд, за дисциплинами, которые, прежде всего, интересны самим студентам. В рамках дисциплин по выбору это должны быть равноправные, «конкурентоспособные» предметы. От дисциплин, которые появляются в рабочем учебном плане только потому, что преподавателя больше нечем загрузить, толку мало. Одним из вариантов развития учебных планов может стать особый статус дисциплин базовой части, которая могла бы заметно «похудеть» с точки зрения временных затрат. За счет чего? Убрать дублирующие курсы или дублирующие разделы в разных курсах, сократить некоторые «долгие» дисциплины, оставив в них только самое важное. А дальнейшее углубление знаний по предмету проводить в рамках специальных дисципли, потребность в которых зависит от студентов. Однако на практике осуществить подобное начинание не очень просто, ведь в случае отсутствия спроса на дисциплину у преподавателей могут возникнуть проблемы с нагрузкой. Имеются и другие сложности. Скажем, редкие специализации, требующие освоения дополнительного набора навыков, как правило, пользуются вниманием студентов не часто. А развивать их необходимо.

– То есть, студентам можно смелее высказывать свои предпочтения в выборе дисциплин вариативной части?

– Несомненно. В конце учебного года в деканатах производится сбор заявлений от студентов. В них можно высказать свои предпочтения относительно дисциплин по выбору, входящих в состав вариативной части учебного плана, а также факультативов.

– В таком случае, кто ответственен за формирование набора дисциплин вариативной части?

– Вузу предоставлена практически полная свобода в формировании перечня дисциплин, направленных на формирование компетенций, которыми должен обладать выпускник. Всеми действующими образовательными стандартами, в том числе и самостоятельно разработанными Консерваторией. Основное требование к дисциплине – цель ее изучения должна соответствовать целям освоения всей образовательной программы. Такой подход и определяет перечень дисциплин учебного плана.

– Безусловно, мы, студенты, благодарны нашим педагогам за те знания, которые вкладываются в нас. Однако периодически возникает ощущение, что учебный календарь сильно перегружен. Можем ли мы надеяться, что наш робкий голос по этой проблеме будет услышан? И есть ли, на Ваш взгляд, какие-либо способы оптимизации времени в учебном процессе?

– Нагрузка студентов определяется соответствующими актами. Что касается программы специалитета, то ее «трудоемкость» – 300 зачетных единиц. Они распределяются по годам, а годы – по неделям. В результате устанавливается недельная занятость обучающихся, которая должна соответствовать, как я уже говорил, нормативным актам. Недельная нагрузка студентов в Консерватории установлена на уровне 54 академических часов. Это – минимальная цифра из возможных в настоящее время. Путем нехитрых математических операций ясно, что ежедневная занятость студентов при шестидневной рабочей неделе равна девяти академическим часам. Академический час, как известно, укладывается в 45 астрономических минут. В итоге девять академических часов дают 6 астрономических часов и 45 астрономических минут. То есть занятость студентов в день – не более 7 часов. Весьма оптимальное число. Уменьшение нагрузки на младших курсах возможно, но только за счет прибавления нагрузки на курсах старших. Целесообразность подобного перераспределения выглядит достаточно спорно – выпускной курс предполагает все-таки концентрацию на грядущей Государственной итоговой аттестации.

– Что включают в себя 54 академических часа учебной нагрузки?

– Недельная нагрузка включает групповые и индивидуальные занятия, и, так называемые, часы «самоподготовки» – время на самостоятельное выполнение учебных заданий.

– В последние два года мир столкнулся с таким явлением, как COVID-19. В связи с этим хотелось спросить: какие, на Ваш взгляд, есть плюсы и минусы в онлайн-обучении?

– В связи с пандемией на многие вещи пришлось смотреть по-иному. Если говорить о положительных сторонах онлайн-обучения, то можно отметить отсутствие привязки занятия к конкретному месту, а порой и ко времени. И как следствие – отсутствие проблем с аудиторным фондом, что весьма актуально для занятий очных. Появляется возможность «экономии» – исчезает потребность в библиотеке, фонотеке, гардеробе, столовой, партах, роялях и т.д., то есть амортизационный фактор «сходит на нет». Среди отрицательных сторон укажем на недостаточную самоорганизацию студентов, что, в свою очередь, способно привести к весьма плачевным результатам на контрольных мероприятиях. Потом, в творческих заведениях далеко не все дисциплины возможно перевести в онлайн-формат. Речь идет о сольных, ансамблевых, оркестровых и хоровых исполнительских предметах, в которых живой контакт между участниками необходим как воздух.

Однако не стоит думать, что проблемам подвержены только студенты. Преподаватели, к примеру, порой просто не могут совладать с современной техникой. Кроме того, в творческих лабораториях накопленное профессором мастерство передается при личном общении, что называется, «из рук в руки» или «из уст в уста». Профессиональные секреты вряд ли возможно «закодировать» при помощи современных цифровых технологий.

– За последние несколько лет внешний облик Консерватории обновился. Мы благодарны руководству нашего учебного заведения за возможность заниматься в новых и всегда чистых аудиториях, в которых установлены современные инструменты и техника. Скажите, пожалуйста, планируется ли дальнейшее техническое оснащение простой и удобной в обращении аппаратурой? Как введение в эксплуатацию новых аудиторий способно повлиять на удобство расписания для всех участников образовательного процесса?

– Конечно же, за последние годы Консерватория похорошела и помолодела, чему нельзя не радоваться. Появляются новые аудитории, современное оборудование, высококлассные инструменты. Материально-техническая база Консерватории обновляется из различных финансовых источников, а также за счет собственных внебюджетных средств. И это – результат слаженной работы ректората, финансового управления, административно-хозяйственной части и других служб. Так, например, в 2019 году для репетиториев и жилых комнат студенческого комплекса было приобретено 49 инструментов фирм Yamaha и Kawai. В 2020 году для общежития купили 14 пианино и 6 кабинетных роялей фирмы Yamaha. В 2021 году – 22 рояля фирмы Kawai, а также необходимое для организации учебного процесса техническое оборудование (персональные компьютеры, ноутбуки, моноблоки и так далее). Весьма впечатляющие показатели! Консерватория и в дальнейшем намерена продолжать политику обновления материально-технического фонда.

Как и во всем мире, в нашем учебном заведении неуклонно идет процесс цифровизации. Установленная Электронная система управления позволяет сегодня работать и электронной информационно-образовательной среде, и электронной библиотеке. Она же (электронная система управления) способна сформировать нагрузку научно-преподавательских кадров путем взаимодействия с электронными учебными планами и электронными журналами. Прием и перевод в Консерваторию осуществляется также при помощи той же системы. Уже сейчас тестируется система электронного расписания, благодаря которой в следующем году могут начать решаться проблемы с аудиторным фондом.

– Николай Иванович, не могли бы Вы рассказать простыми словами, что такое «Программа академической мобильности студентов» и как она может быть реализована?

– Академическая мобильность предоставляет возможность студентам получить образование в учебном заведении-партнере (как в РФ, так и за рубежом). Срок пребывания в другом вузе, как правило, ограничивается семестром или двумя. При этом учеба в другом вузе учитывается: если потребуется, делается перерасчет освоенных дисциплин. При необходимости студенту предоставляется возможность восполнить недостающие знания (в связи с возможным различием образовательных программ). На период обучения в организации-партнере за студентом, естественно, сохраняется место. Отбор студентов, желающих воспользоваться программой академической мобильности, осуществляет совет факультета. Положение об академической мобильности студентов и преподавателей размещено на сайте Консерватории.

– Николай Иванович, напоследок хотелось бы спросить: с какими мыслями и стремлениями Вы приходите на новый пост и какую бы Вам хотелось видеть Консерваторию в будущем?

– Уверен, что все студенты и сотрудники хотят видеть Московскую консерваторию в числе ведущих музыкальных учебных заведений мира. И у нас есть существенные успехи в этом направлении. В 2018 году была проведена Международная профессионально-общественная аккредитация, и Консерватория получила наивысшее признание. Залогом успеха нашей образовательной организации является удержание на протяжении нескольких лет лидирующих позиций во всевозможных рейтингах. В 2022 году, согласно Глобальному агрегированному рейтингу, который составлен Гильдией экспертов в сфере профессионального образования, Московская консерватория вошла в топ – 15% лучших высших учебных заведений мира. Это достаточно высокий результат. Думается, и впредь нужно не только удерживать эти позиции, но и стремиться к еще более высоким результатам.

Беседовал Иван Поршнев, студент НКФ, музыковедение

Фото Дениса Рылова

№2 (1385), февраль 2022 года

В стенах Московской консерватории на протяжении 6 лет с неизменным успехом проходит «Большой Фестиваль Двойной Трости». Редакция «РМ», решая ближе познакомить читателей с таким интересным творческим явлением, предлагает вниманию беседу с художественным руководителем фестиваля, доцентом кафедры деревянных духовых инструментов Московской консерватории, солисткой (гобой) Ансамбля «Студия новой музыки» Анастасией Владимировной Табанковой: 

– Анастасия Владимировна, как возникла идея организации вашего фестиваля?

– Как это часто бывает, фестиваль мне…  приснился. Восемь лет назад. Я проснулась в полной уверенности, что этот сон вещий, и в скором времени я его реализую. Через несколько дней мы пили кофе с моим учителем и «отцом-наставником», профессором Валерием Сергеевичем Поповым. Я поделилась с ним своими мыслями, и реакция была молниеносной: «Я всю жизнь мечтал сделать такой фестиваль! Он просто необходим нашим исполнителям и нашей публике!! Ничего подобного в России пока еще нет!!!»

Валерий Сергеевич обозначил судьбу фестиваля и оказался прав. С первых же концертов мы увидели какой интерес у слушателей и исполнителей вызывают наши выступления. По сей день мы вместе придумываем программы и планируем концерты.

– Не всем понятно, что такое «двойная трость». В чем суть фестиваля и кому интересно ходить на ваши концерты?

– Да, действительно, название многим непонятно, и был момент, когда мы хотели его поменять на какое-то другое – близкое слуху. Но однажды в коридоре я услышала разговор студентов-первокурсников: «Ну что? На Двойную трость идем? Там сегодня крутые солисты Мариинки будут…» Выражение «двойная трость» уже вошло в обиход. А главное: у нас появился свой канал на платформе YouTube, где уже около 2000 подписчиков и несколько сотен видео, которые набирают по 10–14 тыс. просмотров. Эти видео многие музыканты используют для участия в конкурсах, транслируют за границу, выкладывают на свои сайты.

И, наконец, о сути вашего вопроса: инструменты «двойной трости» – это гобои и фаготы, а также их «родственники»: английский рожок, гобой д’амур, геккельфон, басовый гобой, фаготино и контрафагот. Трости у гобоя и фагота – это две пластинки, которые соединяются друг с другом и обматываются ниткой; при давлении на них губами и вдувании воздуха пластинки начинают вибрировать и получается звук – вот и вся специфика. Эти инструменты очень напоминают человеческий голос и имеют невероятно красивый и богатый тембр.

– То есть такое название известно?

– Во всем мире давно существуют ассоциации Double reed! Наиболее значимая из них: International Double Reed Society (IDRS) – Международное общество двойной трости. А также национальные общества и ассоциации: Великобритании – British Double Reed Society, Японии – Japanese Double Reed Society, Нидерландов – Nederlandstalig Dubbelriet Genootschap, Финляндии – Finnish Double Reed Society, Австралии – Australasian Double Reed Society, Испании – Asociación de Fagotistas y Oboístas de España и др. Как правило, подобные сообщества объединяют исполнителей, педагогов, музыковедов и композиторов всего мира.

– И в чем заключается их деятельность? 

– Одна из важных форм функционирования данных организаций – проведение конкурсов исполнителей на гобое и фаготе для различных возрастных категорий. Но не только. Многие из членов таких обществ и ассоциаций занимаются научной деятельностью, что выражается в большом количестве публикаций, участием в конференциях, семинарах, круглых столах, симпозиумах. Кроме того, в работе упомянутых сообществ активное участие принимают производители инструментов и аксессуаров. Они проводят выставки, презентации, мастер-классы по изготовлению тростей и ремонту инструментов. И, конечно, самое главное – организация живых концертов, коммуникации исполнителей и публики.

Отрадно, что благодаря «Фестивалю Двойной Трости» теперь и у нас появилась возможность такого общения друг с другом. Во время наших концертов в артистических царит очень горячая, дружественная атмосфера. Гобоисты и фаготисты лучших оркестров Москвы и других городов делятся опытом, своими записями и идеями, обсуждают насущные проблемы и без конца шутят. В последнее время мы все больше «видимся» и общаемся в социальных сетях и, конечно, очень скучаем по живому общению.

– А публика? Уже сложился какой-то круг слушателей?

– Что касается публики – к нам приходят люди всех возрастов, даже совсем маленькие. У нас был концерт «Духовые династии», где играли мамы, папы, бабушки, дедушки и их музыкальные детки. Оказалось, что у нас очень много музыкальных и талантливых семей – надо будет продолжить эту тему! 

– Ваши концерты имеют тематическую направленность?

– Да. И тематика наших концертов очень разная. Есть концерты, полностью посвященные деревянным духовым квинтетам. Мы сыграли с оркестром все концерты Девьена для фагота. Было сыграно много российских и мировых премьер для гобоя, фагота и ансамблей. Так же мы устраиваем дружеские концерты: Москва – Питер, Москва – Минск, куда приглашаем ведущих солистов и их учеников. Мы с уважением и трепетом относимся к нашим педагогам и солистам, которых уже с нами нет, и часто делаем концерты их памяти. У нас есть цикл концертов барочной и романтической музыки… Всего и не расскажешь.

– Анастасия, спасибо за такой интересный анонс! И поделитесь, пожалуйста, своими планами – какие концерты в грядущем сезоне ожидают наших слушателей?

– В наступившем году у нас целых четыре юбилея: в сентябре исполняется 85 лет горячо любимому Валерию Сергеевичу Попову, и я мечтаю пригласить на сцену всех его учеников (их даже больше 85!) и сыграть для него туш таким хором фаготов. Мы уже отмечали его дни рождения и играли ансамблем из 20 фаготов – это невероятное, ни с чем несравнимое звучание! Далее юбилей у моего учителя, замечательного гобоиста Алексея Юрьевича Уткина, который превосходно совмещает преподавание в Консерватории и руководство камерным оркестром. Здесь тоже будет много интересных сюрпризов от его учеников (почти все сейчас работают в лучших оркестрах мира). И еще два сильных юбилея: 120 лет немецкой фирме Puchner, на инструментах которой (фаготах и гобоях) играет вся Европа, Америка и Россия; и день рождения доктора искусствоведения, профессора МГК по классу «деревянный духовой квинтет» Валерия Владимировича Березина. 

Профессор Березин — человек невероятной эрудиции. Он написал и издал огромное количество бесценных статей и книг по истории исполнительства на духовых инструментах. Валерий Владимирович своим примером показал нам, как играть в ансамбле, уважать друг друга, всегда стремиться к дальнейшему духовному росту. Во время своих занятий он научил нас слушать и любить музыку! И сейчас мы хотим подарить ему концерт, состоящий из ансамблей духовых инструментов. Валерий Владимирович также сделал большое количество переложений для квинтета духовых, и мы обязательно включим их в концерт. 

Я надеюсь, что концерты «Фестиваля Двойной Трости» доставляют радость нашей дорогой публике и еще принесут ей много положительных эмоций! 

Беседовала доцент Я.А. Кабалевская

№1 (1384), январь 2022 года

30 декабря, под занавес уходящего года в Первом учебном корпусе открылся мемориальный класс выдающегося композитора, дирижера, пианиста, музыкально-общественного деятеля, создателя концепции детского музыкального воспитания, выпускника и профессора Московской консерватории Дмитрия Борисовича Кабалевского.

Дата была выбрана неслучайно – 30 декабря исполнилось 117 лет со дня рождения Мастера. Также неслучайно был выбран и класс №11 с видом на атриум с портретом П.И. Чайковского, которого так любил и сам Дмитрий Борисович, и его педагог Николай Яковлевич Мясковский. В этом же корпусе преподавал лучший ученик Дмитрия Борисовича – композитор Александр Иванович Пирумов.

Дочь Д.Б. Кабалевского Мария Дмитриевна преподнесла в дар Консерватории рояль Дмитрия Борисовича Steinway and Sons с уникальной судьбой. Инструмент пережил Великую Отечественную войну в холодной неотапливаемой квартире на 3-й Миусской улице (ныне улице Чаянова). Дмитрий Борисович в письмах к жене, находящейся в эвакуации, писал: «…жить можно только на кухне, т.к. ее можно отапливать газом, во всей остальной квартире температура много ниже нуля. Двери покрыты толстым пушистым инеем, стены блестят от тонкого слоя льда и инея. Прикоснуться к вещам нельзя – обжигает ледяной холод…» (03.02.1942 г.); «…сегодня я совершил наконец перестановку. Поскольку температура в столовой наконец поддалась и дошла чуть-чуть уже выше нуля – я перетащил туда рояль и теперь могу более или менее нормально работать…» (16.02.1943 г.).

По словам Марии Дмитриевны, «несмотря на упрямый оптимизм самого Кабалевского, рояль пережил зиму 1942 военного года очень нелегко. У него треснули обе деки, пострадали и деревянные детали внутри. Тем не менее, его удалось отреставрировать, и он служил верой и правдой моему отцу не одно десятилетие. Даже теперь, простояв «без работы» довольно долго, он сохранил глубокое звучание своих струн, хотя и нуждается в хорошем ремонте. Но главное, в чем нуждается любой инструмент – в том, чтобы быть нужным, чувствовать тепло человеческих пальцев и приносить окружающим радость».

Также Марией Дмитриевной было преподнесены в дар Консерватории полное собрание сочинений отца, аудиозаписи и уникальный фотоархив, где запечатлена история дружбы Дмитрия Борисовича с С.С. Прокофьевым, Д.Д. Шостаковичем, Р. Ролланом, Я. Сибелиусом, Б. Асафьевым, Ю. Гагариным и многими другими выдающимися людьми того времени. А вдова сына композитора Юрия, Галина Алексеевна подарила в мемориальный класс портрет Кабалевского кисти известного советского и российского художника Ирины Большаковой.

В благодарственном письме семье Д.Б. Кабалевского ректор А.С. Соколов отметил, что «безусловно, этот ценный дар поможет сохранить историческую преемственность традиций Московской консерватории, вдохновит наших студентов на композиторское и исполнительское творчество».

С музыкальными приветствиями на открытии класса выступили выпускники Консерватории, лауреаты международных конкурсов Дмитрий Онищенко (фортепиано) и Александра Будо (виолончель), исполнившие виолончельные пьесы Д.Б. Кабалевского, а также юная воспитанница дошкольного отделения ЦМШ Ножель Скрябина (класс С.Г. Аршакян), трогательно сыгравшая знаменитых «Клоунов».

Благодарим проректоров Л.Е. Слуцкую и О.П. Лянга, а также начальника учебного отдела А.А. Баранова за поддержку этой важной инициативы, и надеемся, что традиция открытия мемориальных классов будет продолжена, ибо гордость Московской консерватории – это ее выдающиеся педагоги, ее исполнительская, композиторская и научная школа.

Доцент Я.А. Кабалевская

Фото из личного архива

№1 (1384), январь 2022 года

IV Международный конкурс камерных ансамблей и струнных квартетов имени Николая Григорьевича Рубинштейна прошел в сентябре-октябре 2021 года. I тур проводился по видеозаписям, на II и III турах участники выступили, как теперь принято говорить, «вживую» – в Малом зале Московской консерватории.

Ансамбли, которые участвовали в полуфинале и финале Конкурса, эти выступления, думается, запомнят надолго. Проведение Конкурса было отмечено большими трудностями, связанными прежде всего с COVID-19. Перед участниками, представлявшими зарубежные страны, стояла дилемма: пройдя сито отбора, они рисковали попасть в западню, попав по возвращении домой в 14-дневный карантин. Рискнуть решились немногие. Тем не менее, перед жюри в полуфинале предстали 10 ансамблей, которые выступили очень достойно.

В международное жюри, которое возглавил заведующий кафедрой камерного ансамбля и струнного квартета Московской консерватории профессор Т.А. Алиханов, кроме председателя вошли Г. Мурзабекова (Казахстан), Б. Новицки (Польша), Я. Малецкис (Латвия), Е. Семишина (Россия, СПб), И. Менькова и А. Бондурянский (Россия, Москва). Ответственный секретарь жюри – В. Юницкий (Россия, Москва).

Перед жюри стояла непростая задача отбора финалистов. Нужно заметить, что разница между исполнительскими достижениями участников была весьма невелика, за исключением, быть может, лидеров – Квартета им. В. Берлинского, сразу обозначившего обоснованность своих профессиональных притязаний. И вот – финал. В нем предстояло выступить двум струнным квартетам, одному квинтету (струнному квартету с кларнетом), двум фортепианным трио и одному фортепианному дуэту. Таким образом, была сохранена жанровая палитра Конкурса.

То же можно сказать и о программе. Существующие ныне в стране серьезные конкурсы камерных ансамблей (кроме «Рубинштейновского», сюда можно отнести и Конкурс имени С.И. Танеева и Т.А. Гайдамович) весьма близки по репертуарным требованиям и образуют стройную систему, предполагающую сочетание обязательности и свободы выбора. Таким образом, в финале, где надо исполнять сочинения русских композиторов, перед нами раскрылась яркая панорама отечественной камерной музыки, представленная сочинениями П.И. Чайковского, С.В. Рахманинова, А.Т. Гречанинова, А.Н. Глазунова. В полуфинальных прослушиваниях прозвучали опусы Ф. Шопена, Й. Брамса, Ф. Мендельсона, А. Дворжака, а также П. Хиндемита, Д. Шостаковича, П. Юона, Б. Чайковского, А. Бабаджаняна, И. Стравинского.

• 

Результаты Конкурса явились отражением объективной картины состоявшихся соревнований. Первую премию жюри единогласно присудило Квартету им. В. Берлинского (Р. Филипов, Ф. Калашников, П. Романенко, М. Калашников), вторую – фортепианному дуэту DaLi Duo (Д. Кудина, Е. Гарбузова; класс доцента В.А. Юницкого). Три ансамбля разделили третью премию: это два трио – Contra-trio (Е. Балашова, А. Шабалина, В. Иофе; класс доцента И.В. Красотиной и профессора А.З. Бондурянского) и Фортепианное трио (Е. Шмидт, А. Парфеньева, М. Невлер; класс профессора Т.А. Алиханова), а также струнный квартет (И. Якушева, И. Наборщиков, Л. Лазарева, И. Михайлов; класс доц. В.В. Бальшина). Gran Quintet из Санкт-Петербурга (Е. Садовникова, Е. Ильиченко, П. Остапенко, М. Гранов, Л. Журавский), который готовился в классе доцента Г.Л. Малиёва, удостоился диплома.

Примечательно, что Конкурс проводился в дни, когда Московская консерватория отмечала 155-летие своего основания, и музыкальное событие стало данью памяти великому художнику – Н.Г. Рубинштейну. Члены жюри также посетили могилу Николая Григорьевича на Новодевичьем кладбище и возложили цветы. Кроме того, Конкурс был прекрасно организован. В этом, безусловно, большая заслуга сотрудников Общевузовского центра координации творческих проектов во главе с К.О. Бондурянской, они приложили немало усилий для успеха всего мероприятия.

Прошедший Конкурс подтвердил важность подобных событий для жизни Консерватории, ее педагогов и студентов, а главное – для дальнейшего развития камерно-ансамблевого исполнительства и педагогики.

Профессор А.З. Бондурянский

№1 (1384), январь 2022 года

Шестой Международный конкурс органистов имени Александра Фёдоровича Гедике, прошедший в сентябре в Московской консерватории, стал первым творческим состязанием, проведенным в очном формате за все время коронавирусной пандемии.

Перенесенный несколько раз, Конкурс должен был объединить молодых музыкантов из многих стран мира. К сожалению, добраться до Москвы в сложившихся условиях смогли далеко не все. Конкурсанты представляли учебные заведения Москвы, Санкт-Петербурга, Нижнего Новгорода, Саратова, Казани и Минска. Ранее заявленным участникам из Западной Европы и других стран мира по понятным причинам прибыть в Москву не удалось.

В состав жюри вошли как прославленные отечественные органисты: профессор МГК Н.Н. Гуреева-Ведерникова (председатель), профессор Нижегородской консерватории З.А. Скульская, доцент МГК Д.В. Дианов, так и выдающиеся зарубежные музыканты: Д. Сальвадор (Испания) и В. Невдах (Беларусь).

На первый тур было отобрано 8 участников, до второго были допущены 4, в третьем выступили 3 конкурсанта. Прослушивания проходили сразу в двух знаменитых залах Московской консерватории – Малом и Большом, где участники продемонстрировали не только исполнительские навыки, но и свои умения в искусстве регистровки.

• 

• 

Победителем стал ассистент-стажер МГК Владимир Скоморохов, он же стал обладателем диплома за лучшее исполнение сочинения А.Ф. Гедике. II премия досталась восемнадцатилетнему студенту II курса хорового училища им. М.И. Глинки Александру Волкову (СПб), III премии удостоена Ольга Бестужева (Нижний Новгород), дипломом за артистичность награждена Мария Каневская (Казань), а диплом самого молодого участника увезла в Саратов семнадцатилетняя Елизавета Иванова. Мы поздравляем всех участников и лауреатов Шестого конкурса и надеемся, что ответственные и волнительные выступления в стенах Московской консерватории стали знаменательным событием в их творческой жизни, а полученный бесценный опыт – еще одной ступенью к мастерству!

Также хотелось выразить слова благодарности самоотверженному жюри, подтвердившему свое участие в долгожданном культурном событии и не побоявшемуся ни рисков, ни ограничений в связи с угрозой распространения коронавирусной инфекции. И низкий поклон нашим бессменным органным мастерам Н.В. Малиной и А.К. Шаталову – органы Московской консерватории звучали воистину завораживающе!

Отдельная благодарность руководителю К.О. Бондурянской и всем сотрудникам Общевузовского центра координации творческих проектов, сделавшим невозможное возможным. Хочется отметить креативные идеи Г. Королёва, А. Шляхова, М. Поповой и дизайнера Е. Вдовиной: дизайн диплома самого молодого участника с хэштегом #ГедикеНаВелосипедике – одно из самых запоминающихся впечатлений Конкурса.

Нам остается ждать следующего VII Международного конкурса органистов им. А.Ф. Гедике с надеждой, что через два года одно из ярких событий в музыкальной жизни страны пройдет в срок и без ограничений.

Анастасия Черток

Фото Эмиля Матвеева

№8 (1382), ноябрь 2021 года

17 сентября в Московской консерватории прошла презентация книги Бруно Монсенжона «Маэстро-чародей. Беседы с Геннадием Рождественским». Прославленный кинорежиссер, скрипач и литератор хорошо известен широкой публике по своим замечательным киноработам «Рихтер непокоренный», «Гленн Гульд: вне времени», «Иегуди Менухин. Скрипка века» и многим другим фильмам. Новая работа Монсенжона посвящена выдающемуся дирижеру, педагогу, пианисту, композитору и музыкальному деятелю – профессору Геннадию Николаевичу Рождественскому.

На презентации в зале присутствовал не только сам Бруно Монсенжон, но также вдова Г.Н. Рождественского Виктория Постникова, ректор Консерватории Александр Соколов и редактор русского издания Григорий Моисеев. Атмосфера царила радушная: Консерватория с большим трепетом и пиететом принимала в своих стенах именитого гостя из Франции. Монсенжон отвечал взаимностью – автор смог найти время не только на само выступление, но и на личное общение практически с каждым гостем встречи, что, надо признать, заняло у него немало времени.

Российскому читателю невероятно повезло, ведь последнее детище Монсенжона издано только на двух языках – французском и русском. Перевод и издание самого произведения стали возможны при непосредственном участии Консерватории: «У меня постоянно была поддержка Виктории и поддержка Консерватории, которая была для меня очень важна, потому что без нее и ректора Соколова мне было бы бесполезно делать русский вариант», – заметил автор.

По его заверению, русскоязычное издание ничуть не потеряло при переводе, а может даже и приобрело – здесь фотографии сопровождают повествование, в то время как во французском издании они скомпонованы в отдельном блоке. Единственное существенное различие между оригиналом и переводом – это смена названия самой книги. Основанием французскому заглавию «Бемоли Сталина» послужила история о том, как однажды Иосиф Виссарионович в антракте спектакля, делясь своими впечатлениями с Геннадием Николаевичем, дирижировавшим оркестром в этот вечер, решил ему высказать замечание по поводу «недостаточного количества бемолей в партитуре». И смех, и грех…

По признанию автора, работа над книгой заняла у него практически 40 лет и основывается на его фильме-беседе непосредственно с самим Геннадием Николаевичем, которого он снимал на протяжении 30 лет. «Главный источник наших бесед в книге, конечно, этот фильм – рассказывает Монсенжон. – Но есть и другие: это великолепные отношения с Викторией Постниковой и Геннадием Рождественским; у меня всегда была мечта собрать все, что он мне рассказывал в течение этих сорока лет в какую-то литературную форму, ведь книга – это совершенно другое дело. Там есть некая литературная свобода, а в фильме все зависит от того, есть ли картинка. Книга несравнимо больше».

Построена книга по главам, каждая из которых раскрывает конкретную тему, а повествование касается самого широкого круга вопросов, начиная с рассуждений маэстро о дирижерской профессии и заканчивая воспоминаниями о таких великих музыкантах, как Д.Ф. Ойстрах, Д.Д. Шостакович и многих других. На презентации присутствующим также были продемонстрированы фрагменты фильма, на основе которого была написана книга.

Одно из главных качеств Геннадия Николаевича, которое сразу бросается в глаза – это его искрометное чувство юмора. У Рождественского оно очень элегантное, изящное и насквозь пропитано витальностью – то, с какой легкостью и иронией он рассказывает о совершенно абсурдных, а местами ужасающих вещах, вызывает восхищение. Ненароком задумываешься о силе духа этого великого музыканта.

Но не стоит относиться к этому творению как к сборнику анекдотов. Произведение Монсенжона — это своеобразная летопись, срез целой эпохи и не только в контексте музыкальной жизни. «Все это для меня было и гигантским удовольствием, и гигантской работой, но я так рад, в конце концов, что эта книга вышла и здесь тоже. Мне кажется это очень важным, ведь Геннадий Николаевич стал первым советским дирижером, который занял пост главного дирижера оркестра BBC, и вообще эта книга – целая история вашей страны и взаимоотношений человека с миром».

Тандем Рождественский – Монсенжон вряд ли сможет оставить кого-то равнодушным. Тем более, что этот замечательный материал рассчитан на разнообразный круг читателей, не только на профессионалов и любителей музыки, но и на тех, кто хочет узнать о той бурной и колоритной эпохе намного больше. Книга ждет своего читателя.

Анастасия Метова, студентка НТФ, муз. журналистика

№8 (1382), ноябрь 2021 года

Кафедра междисциплинарных специализаций музыковедов возникла в Московской консерватории в 1991 году, став новой кафедрой Новой России. В 2010-м она получила от РАЕ почетный титул «Золотая кафедра России». А сейчас кафедра МСМ достигла 30-летия, которое мы отметили 15 октября юбилейным концертом в зале имени Н.Я. Мясковского.

Тогда, у истоков, мне было ясно, что пришло время осваивать многие предметы и специализации, необходимые культуре, но отсутствовавшие на существовавших кафедрах. Поэтому я предложила открыть в Консерватории новую кафедру, а часы взять от явно отпадавших коммунистических дисциплин («Научный коммунизм», «История коммунистической партии» и т. д.). В числе первых, по инициативе кандидата искусствоведения, доцента Л.А. Ладыгина, была создана специализация «музыковед-балетовед». Пресса жаловалась, что «балетники» пишут только о танце, но ничего не могут написать о музыке. Так, с помощью письма самой Галины Улановой, возник специалист нового типа, а позднее главным представителем стала А.П. Груцынова, ныне доктор искусствоведения, профессор, преподающая «Историю балета».

В первый же день заведования я пригласила к нам знаменитого филолога и культуролога А.В. Михайлова, опасаясь, чтобы его раньше не перехватил МГУ. Но там и не подумали! И мы слушали его уникальный курс, пока его не перевели на новую философскую кафедру Консерватории. Еще быстрее пришлось передать туда с нашей кафедры и другого яркого философа (и музыковеда) Т.В. Чередниченко, чей портрет висит в одном из классов Консерватории.

Первопроходцем в ведении совершенно нового предмета – «Теория музыкального содержания» – стал А.Ю. Кудряшов, имевший и музыковедческое, и фортепианное образование. Такого предмета еще не было в истории мировой педагогики. Хотя сама теория была разработана мною, но для ее преподнесения студентам-исполнителям требовался педагог и с исполнительской специальностью. Кудряшов выпустил ценнейший учебник – «Теория музыкального содержания. Художественные идеи европейской музыки XVII-ХХ вв.». Предмет, который он вел, настолько плотно подошел к исполнительской практике студентов, что его преподавание помимо МГК вызвало восхищение также в РАМ им. Гнесиных: там в одном из классов вывесили его портрет.

Новый предмет – «Английская музыкальная терминология» – установила С.И. Завражнова, начавшая составлять англо-русский музыкальный словарь. После того, как Консерватория по моей инициативе купила первый компьютер (1990), на кафедре был открыт курс «Музыкальная информатика», затем переведенный в Центр информатики вместе с педагогом Ю.Н. Рагсом. А ныне здравствующий доктор биологически наук В.П. Морозов, автор сотен научных работ, преподавал вокалистам предмет о структуре вокального голоса (с измерениями на аппаратуре) и разработал тестирование «эмоционального слуха», которое применял для отбора певцов при поступлении в Консерваторию.

Впервые в музыкальных вузах страны, с полного нуля создала предмет «Менеджмент музыкального искусства» О.А. Левко (теперь кандидат искусствоведения, доцент). В начале 1990-х, когда рухнули филармонии и другие организующие структуры, Левко стала учить студентов-исполнителей организовывать концерты, создавать музыкальные ансамбли, вести документацию на английском языке. Сама она, став победителем международного конкурса Фулбрайт (США) и пройдя стажировку в США, сегодня организует концерты Башмета, Мацуева, ее ученики выходили на работу в Большом театре, НФОР и даже в американском Национальном оркестре.

Преподает на кафедре доктор педагогических наук, профессор М.С. Старчеус – один из двух ведущих музыкантов-психологов России (наряду с Д.К. Кирнарской, кстати, писавшей докторскую диссертацию на нашей кафедре). Проф. Старчеус, автор капитальных исследований «Слух музыканта» и «Личность музыканта», читает курсы музыкальной психологии и педагогики.

Свой курс «Оперный театр» преподает доктор искусствоведения, профессор О.В. Комарницкая (также победитель конкурса Фулбрайт). Она впервые подробно раскрыла роль религиозных идей в русской классической опере. А доктор искусствоведения, профессор Б.Г. Гнилов разработал курс «Теория и практика музыкальной импровизации» с собственным практическим методом игры такого рода.

Курс «Латинская музыкальная терминология» ведет кандидат искусствоведения, доцент С.Н. Лебедев – победитель конкурса им. Александра фон Гумбольдта (Германия). Он выпустил уникальный билингвистический труд, с параллельными текстами на латинском и русском языках – «Основы музыки» Боэция. «Английскую музыкальную терминологию» сейчас преподает кандидат искусствоведения А.А. Ровнер, носитель языка, учившийся в Джульярдской школе.

Пианистка и музыковед Н.О. Баркалая успешно ведет «Теорию музыкального содержания»; она защитила кандидатскую диссертацию на русском языке и ее же на французском в Париже, где выступала с концертами и получила почетный титул Кавалера Ордена искусства и литературы Франции. С тройной специальностью (пианист, композитор, музыковед) и с желанием преподавать именно «музыкальное содержание» пришел на кафедру доцент И.Г. Соколов. Концертирующий пианист, он разместил в интернете 200 (!) своих лекций-концертов – целую музыкальную культуру!

Автор книги о Ксенакисе, преподаватель кафедры, кандидат искусствоведения Е.В. Ферапонтова за свою работу по организации концертов МГК награждена Министерством культуры РФ. А выдающийся специалист по Штокхаузену М.Т. Просняков ведет курс «Философия и композиция новейшей музыки», и в Германии обучает музыкантов играть музыку названного композитора.

Я сама преподаю курс «Музыка как вид искусства», придуманный мною. Удостоена званий академика РАЕ и лауреата премии Правительства РФ. В ближайшие год-два у меня должны выйти в свет семь книг: четыре в России и три в Китае.

На юбилейном концерте свою музыку показали композиторы кафедры А.А. Ровнер и И.Г. Соколов при участии приглашенных молодых исполнителей. В этот вечер мы получили десятки приветствий со всего мира. Поздравили ректор А.С. Соколов, проректоры К.В. Зенкин, Л.Е. Слуцкая, декан НКФ И.А. Скворцова, коллеги М.А. Сапонов, В.Г. Тарнопольский, Н.О. Власова, А.А. Амрахова, пришли письма из РАМ им. Гнесиных, Академии хорового искусства, нескольких ДШИ, из Ростова-на-Дону, Астрахани, Беларуси, Франции, Англии, Канады, Китая, Японии, США. Такой праздник вдохновляет нас идти дальше, говоря словами Василия Кандинского, – вперед и вверх!

Профессор В.Н. Холопова, доктор искусствоведения, и.о. зав.кафедрой МСМ

Фото Эмиля Матвеева

№5 (1379), май 2021 года

17 апреля в Большом зале Московской консерватории завершился XXII Международный фестиваль «Душа Японии» мультимедийным проектом «Синоптические волны и ветры Ямато». В его программе переплелись японские произведения от старейшей пьесы из репертуара хонкёку, сформировавшегося в IX веке, до «Волны» для ансамбля ударных Кэйко Абэ (2000). Под знаком Ямато соединились Игорь Кефалиди и Александр Петтай, группа «Мияби», PercaRus Group и ансамбль Wa-On.

Первым на сцене выступает… зал. Да-да, Большой зал предстает перед глазами в гигантском «зеркале» белого экрана. Волны, зримые и слышимые, растворяют вход в Зазеркалье, стирают грани между публикой и исполнителями. С пронизывающими насквозь вибрациями барабанов тайко в зал пробирается легкий ветер, с шепотом обегая ряды. И где-то высоко над ними колеблющиеся воздушные массы рассекает флейта фуэ.

Звуки ветра. В тишине полумрака прожекторы выхватывают фигуру Александра Ивашина с сякухати в боковой ложе. Используемая в «медитациях на звуке» буддийских монахов, эта бамбуковая флейта так же открывает сердца присутствующих к вслушиванию в нее, в себя, во вселенную. В контрапункте причудливо изгибается проекция иероглифа «сердце», главного лейтмотива всего Фестиваля.

И снова – ветер. Музыкальный «ветер», созданный Игорем Кефалиди, незаметно переносит на своих крыльях от эпохи к эпохе, от древних, классических пьес к «Дождевому дереву» Тору Такемицу и «Волне» Кэйко Абэ. Пульсирующие абстракции на экране, достигая кульминации в середине концерта, разрывают путы времени – и возвращают к истокам, к репертуару хонкёку для сякухати. Хотя последнее слово остается за XX веком, и кодой становится «Подобно птице» Тадо Саваи. Вместе со звенящим тембром струн дуэта кото в памяти вспыхивают отголоски «Дождевого дерева». Захватывающее душу действо завершилось.

Родившийся «из воздуха» на редкость цельный концерт прошел без ведущих, без торжественных выходов с поклонами после объявления номеров. Синоптические волны в качестве рефрена спаяли воедино все произведения и стали природным разделителем, облегчающим ориентацию в происходящем. И все же публика растерялась от слитности концерта, терпеливо выжидала возможность поаплодировать и, не дождавшись, дважды разбивала звуковое чудо гулом нестройных хлопков.

Между тем, все действо было пронизано идеей единства. Желтые отсветы вырастающих на экране музыкантов, рассеивая сумрак на сцене и в зале, формировали из них почти единое световое пространство. Ритм, краски, формы визуального ряда рассказывали свою историю, резонирующую с дыханием природы в звуках. А все исполнители пребывали на своих местах на протяжении всего концерта. То погружаясь в тень, то всплывая из нее, они духовно и физически разделяли каждый звук, каждую частичку этого события вместе с нами.

Концерт завершился поклонами и объявлением его участников. А было ли начало? И где оно было — в движении облаков? В ветре, встретившем на пороге в Консерваторию? В инструментах, безмолвствующих в шорохах наполняющегося зала? В погашенной тишине и зажженном экране? Вероятно, музыка души начинается там, где рождается ветер…

София Петрунина, студентка НКФ, музыковедение

№5 (1379), май 2021 года

Центр «Музыкальные культуры мира» Московской консерватории в апреле организовал серию концертов иранской музыки «Те бархатные голоса». Певец Хосейн Нуршарг, мастер иранского классического вокала, выступил с солистами Тохидом Вахидом (каманче) и Амирхосейном Мохтари (канун), специально приехавшими из Ирана. Также в концертах принял участие московский камерный ансамбль Anno Domini.

Вечера проходили в залах Москвы, Пушкино и Ярославля. Два отделения этой программы были контрастными: в первом отделении звучала собственно иранская классическая музыка, во втором – привычный для европейского слушателя песенный репертуар.

Первая часть концерта представляла неразрывную композицию в традиции иранского искусства бэдахэ, структура которой создается исполнителями спонтанно из строгих канонических мелодико-ритмических формул. Каждая из формул соотносится с определенным состоянием человеческого духа, и в этом наиболее ярко ощущается влияние древней жреческой практики иранской культуры. Несмотря на совпадение «крупного плана» первых отделений, проявившееся в чередовании двух саз-о авазов (спонтанных «диалогов» певца и инструменталиста) и таснифов (песен с канонической ладовой структурой) с предваряющим их пишдарамадом (инструментальным вступлением), композиция каждый раз звучала по-новому.

Так, на концерте в Ярославле тихое начало пишрамада с первых секунд увлекло слушателя проникновенным монологом каманче, смычкового инструмента, далекого предка современной скрипки. Его несколько хрипловатый тембр с носовым оттенком благодаря традиционной настройке струн был максимально близок к звучанию человеческого голоса. Немного позднее к каманче присоединилась иранская цитра канун. Хотя Хосейн Нуршарг и выступал совместно с различными иранскими ансамблями, однако именно в этой группе концертов канун был представлен российскому слушателю впервые.

В разделах саз-о аваз, напоминающих беседу двух людей о сокровенном, замирало все: не подчиненная регулярной метрике свободная декламация в разных регистрах голосового диапазона «лилась», изредка перемежаясь виртуозными тахрирами (специфическая техника межрегистрового «тремолирования» голоса), настолько естественно, что не могла не достичь глубин души каждого слушателя. Стоит отдать должное мастерству каждого иранского музыканта во владении своим инструментом, однако настоящая ансамблевая свобода и органичность достигалась именно во взаимодействии Хосейна Нуршарга и Тохида Вахида (сказывается их многолетнее творческое содружество).

В основу композиции легли тексты широкого временного диапазона, начиная с поэзии XIV века Хафеза Ширази и завершая сочинениями XX века Хосейна Монзави. Безусловно, преобладающее большинство слушателей не владело персидским языком, поэтому в программах к концерту были даны профессиональные переводы текстов.

Вторая часть концерта состояла из песен программы Гольха («Цветы») Национального радио Ирана 1960–1970-х гг. Программа имела мировую известность, всего было выпущено 1578 передач. Эти песни были написаны иранскими композиторами ХХ века на персидскую поэзию разных веков.

Конечно, для ценителей классической иранской музыки переход к эстраде европейского типа – нелегкий процесс. Как каманче требует перенастройки на европейский темперированный строй во второй части концерта, так же и для восприятия необходима перестройка. В этой музыке собственно иранское заменяется на музыку с иранским колоритом. Струнный квартет временами уподобляется то струнным щипковым, то струнным смычковым инструментам иранского инструментария. Гобой имитирует звучание единственного встречающегося в иранской музыке высокой традиции духового инструмента нэя.

Концертный зал Ярославской филармонии вобрал в себя максимально разрешенное в условиях пандемии количество публики. Большинство стремилось послушать именно иранскую музыку, были и те, кого заинтересовало название ансамбля Anno Domini. В зале было немало людей, связанных с Востоком, начиная с исследователей, и заканчивая представителями культур, соседствующих с Ираном.

Не будет ошибкой сказать, что сила воздействия пения Хосейна Нуршарга была столь велика, что большая часть слушателей, даже не владея персидским языком, при возможности ему бы подпевала. Однако лишь маленькие дети, более свободные чем «зажатые» формами приличия родители, могли себе позволить еле слышным голосом вторить пению Хосейна Нуршарга. Наверное, именно так и выражается высшая благодарность публики артисту.

Каждый из концертов завершался продолжительными аплодисментами, что потребовало от музыкантов исполнения одного или двух произведений на бис.

Фархад Бахтияров, студент НКФ, музыковедение

№5 (1379), май 2021 года

С чем можно сравнить визит «живого классика» в Alma Mater? С путешествием во времени, потому что Щедрин – свидетель эпохи Прокофьева и Шостаковича, Маяковского и Хлебникова. В его рассказах величественные фигуры из книг и учебных программ вдруг предстают живыми людьми, с которыми его связывали жизненные ситуации, разговоры, совместное творчество. Да и самого Родиона Константиновича уже «проходят» в Консерватории в курсе истории отечественной музыки.

15 апреля, в день творческой встречи, захожу в Рахманиновский зал через боковую дверь. И – надо же было так зайти – буквально сталкиваюсь с Родионом Константиновичем! Попадаем сразу под прицел нескольких камер. Десять минут общения. Вспоминаю, что нужно попросить автограф. Ищу в сумке и не нахожу никакой бумаги, кроме партитуры моего сочинения — того самого, премьера которого сегодня вечером участвует в финале конкурса. Родион Константинович ставит на нем свою подпись с добрыми пожеланиями, и все вокруг шутят, что теперь это сочинение обречено на успех. Фотографии, смех… Родион Константинович идет к сцене, где его уже ждут для начала творческой встречи.

Импровизация. Именно этим словом сам композитор еще до начала характеризует формат встречи. И точно: разговоры плавно перетекают в музыку, а музыка – обратно в разговоры. На сцене периодически появляется Камерный хор под руководством А.В. Соловьёва, и в причудливых фигурах и движениях предстает музыка Щедрина. Царит дух творчества, юной и весенней энергии, колкого юмора. Помимо «Бурлески» (на слова Н. Асеева) и знаменитых «Пословиц» звучит мировая премьера: сочинение «Притча» (на слова Н. Глазкова) исполняется сегодня впервые.

Обращаясь к студентам, Щедрин особенно акцентирует внимание на важности общения между творческими людьми. Сожалеет, что сейчас молодежь разобщена, каждый сам по себе, призывает не замыкаться и идти навстречу миру. По его словам, сегодня часто музыку пишут для себя или для коллеги, но этого мало. Как говорил Пастернак, «большое искусство должно иметь большую аудиторию». Напоследок композитор желает Консерватории дальнейшего процветания и отмечает, что, несмотря на «непростое, коварное, извилистое» время, она идет трудным, но правильным путем.

Зал очень медленно пустеет. Никто не хочет расходиться, словно бы всех притягивает магнетическая энергия Родиона Константиновича. Наконец, я покидаю свое место, отправляюсь в соседний консерваторский зал на конкурс с нотами, подписанными Щедриным. И… получаю первую премию.

Ольга Иванова, студентка НКФ, композиция

Фото Эмиля Матвеева

№3 (1377), март 2021 года

«Академия русской Музыки» — один из камерных оркестров Московской консерватории. У молодого творческого коллектива, которому всего несколько лет, уже есть свое имя, известность и признание столичной музыкальной общественности. С момента основания оркестром руководит талантливый молодой дирижер Иван Никифорчин (см. «РМ», 2018, №9). Нашему корреспонденту представилась возможность побеседовать с ним о его коллективе, эстетических взглядах и творческих планах.

– Иван, Вы являетесь основателем, художественным руководителем и главным дирижером камерного оркестра «Академия русской Музыки». Последнее время в Москве, создается много новых коллективов. Чувствуете ли конкуренцию? Как вам удается столь успешно осваивать современное концертное пространство?

– «Академия русской Музыки» чувствует себя независимо и самодостаточно, и это хорошо просматривается из нашего репертуара, плотного концертного графика и насыщенной работы в сфере звукозаписи. Меньше всего мы думаем о конкуренции. В нашем деле важны не конкуренты, а ориентиры. Для нас это – легендарный баршаевский Московский камерный оркестр в своем первом составе, Ленинградский оркестр старинной и современной музыки под руководством Эдуарда Серова, камерная капелла «Русская консерватория» Николая Хондзинского и, конечно же, выдающиеся и во многом недосягаемые камерно-оркестровые коллективы, созданные Арнонкуром, Гардинером…

Изначально мы стремились делать в музыке то, что не только в Москве, но и в России никто кроме нас практически не делает. Это касается не только репертуара, но и тематики компакт-дисков для ведущих европейских звукозаписывающих лейблов. Целый ряд опусов ренессансных и барочных авторов, а также сочинения Элгара, Холста, Респиги, Хиндемита и других крупнейших европейских мастеров мы исполнили в России впервые. Сейчас готовим российские премьеры партитур выдающегося британского маэстро Джеральда Финци. Но основу нашего репертуара составляет отечественная музыка ХХ–ХХI веков. Здесь мы также с самого начала стремились не просто к интересной и продуманной афише, но к настоящим открытиям.

Впервые в мировой практике «АРМ» записала для известной европейской фирмы полную антологию камерно-оркестровых партитур и смычковых ансамблей гениального русского композитора Германа Галынина. Хор «АРМ» (полноправный спутник нашего оркестра) также впервые в мировой практике записал интереснейшую антологию хоровых сочинений Лядова. В ближайших планах исполнение сочинений Комитаса, Шебалина, Кусс, Уствольской и других. «АРМ» также исполняет в концертах практически все оркестровые транскрипции Баршая.

– У «АРМ» репутация одного из лучших молодежных оркестров страны. Представители нового поколения определяют сегодня пути развития искусства?

– Молодежных оркестров сейчас действительно много. Однако, по-настоящему качественное коллективное музицирование предполагает безупречную ансамблевую культуру. Достигается это благодаря высокому профессионализму каждого инструменталиста (это аксиома), а также непрерывной репетиционной работе, в которой оркестранты вместе воспитываются, учатся слышать друг друга. Мы видим успех «АРМ» в самом факте ее счастливого рождения и непростого, но очень интересного бытия, в нашей удивительной дружбе, а главное: в стремлении непрестанно учиться у музыки, которую мы исполняем…

Работа адская в плане самоотдачи. Это не какой-то междусобойчик для удовлетворения артистических амбиций. С кем-то иногда приходилось расставаться, но оркестр рос от программы к программе, от одной записи к другой. Я благодарен каждому музыканту, который жертвовал своим временем и силами, чтобы коллектив обрел свое имя и репутацию.

Профессиональным, идейным и духовным вдохновителем «АРМ» стал наш наставник – профессор Московской консерватории Ю.Б. Абдоков. Для оркестрантов счастье и огромная школа работать с таким музыкантом. Юрий Борисович является воспитанником таких корифеев, как Борис Чайковский и Николай Пейко. Благодаря Абдокову в нашем коллективе не было и нет борьбы поколений и школ. Есть борьба за музыку.

– В условиях пандемии театры, музыкальные коллективы переживали трудные времена, многие устраивали прямые трансляции. Как Ваш молодой оркестр справлялся с этой глобальной проблемой?

– Несмотря на всю сложность ситуации с коронавирусом, для «АРМ» прошедший год стал одним из самых плодотворных. Удивительно, но в Соединенном Королевстве, в строго намеченные сроки, летом, вышел компакт-диск с упомянутой камерно-оркестровой антологией Г. Галынина. Здесь, как и в некоторых других наших проектах, мы многим обязаны председателю «Общества Бориса Чайковского» И. Прохорову. С осени последовала череда концертов и записей со сложнейшими монографическими программами. Назову лишь некоторые работы: Первый флейтовый концерт (с солистом Елисеем Крупенковым) и Камерная симфония №4 М. Вайнберга, оркестровые поэмы Ю. Абдокова, кларнетовые концерты (с солистом Эрнестом Алавердяном) Б. Чайковского, Моцарта (трансляционное исполнение в Консерватории), и многое-многое другое.

– Насколько мне известно, в начале марта состоялся Ваш дирижерский дебют в Большом театре. Как Вам удается совмещать разные дирижерские ипостаси? Что Вам ближе – «АРМ» или работа с другими оркестрами?

– В работе с другими оркестрами, в качестве гастролера, есть огромная польза. Это невероятно поучительно. Конечно, нередко происходят такие случаи, когда маститый оркестр ведет за собой молодого дирижера, собственно, «руководит» им. Но вот здесь и сказывается, я уверен, наличие или отсутствие опыта взаимодействия со своим коллективом. В чужой оркестр надо приходить не со своим уставом, а с достоинством и уважением, с умением воплотить собственные мысли и идеи. У меня не такой уж богатый гастрольный опыт, но и тем, который есть, я очень дорожу. Особенно памятны выступления с Госоркестром Татарстана и хабаровскими музыкантами. Всегда признателен за возможность потрудиться с Концертным оркестром Московской консерватории. В Большом театре я действительно дирижировал «Дон Жуаном» Моцарта. Что сказать – это было страшно и прекрасно! Еще до пандемии мне предложили дирижировать в Большом театре российской премьерой одного из оперных шедевров Ренессанса. Надеюсь, что и это вскоре состоится. 

– В элитарном репертуаре Вашего коллектива присутствуют авторы разных эпох, школ и направлений, в том числе и композиторы XXI века. Ведете ли Вы поиск «своего» автора, чьи премьеры исполнялись бы только Вашим оркестром?

– Такие творческие «дуэты» – свидетельство близости эстетических взглядов, родства душ. Мы с огромным наслаждением исполняем музыку Ю. Абдокова, созданную для других оркестров, но я смею надеяться, что когда-нибудь и «АРМ» будет первым исполнителем музыки этого художника…

– Вы даете много концертов в Московской консерватории. Это Ваш родной дом. Не хотели бы провести цикл просветительских концертов, как например это делали некоторые Ваши коллеги?

– А мы, собственно, только этим и занимаемся. Если речь идет об упрощении слушательского восприятия за счет разного рода демократических приманок (визуализация, театрализация и т. п.), то мне это крайне чуждо, хотя я далек от того, чтобы негативно оценивать тех, кому это близко. Не люблю я и дирижерских «конферансов» перед концертами. Просветительской должна быть сама программа. Я не поклонник стилевой всеядности. Мы уже несколько лет даем концерты из цикла «Великие страницы русской камерно-оркестровой музыки ХХ столетия». Это, на мой взгляд, и есть просветительство.

Беседовала Маргарита Говердовская, студентка НКФ, музыковедение

Фото Ксении Остриковой

№3 (1377), март 2021 года

Девятого февраля исполнился год со дня смерти Сергея Михайловича Слонимского. 17 февраля в Рахманиновском зале Московской консерватории состоялся вечер в честь выдающегося композитора, педагога, пианиста, мастера музыкального и художественного слова. Почтить память Сергея Михайловича, вновь услышать его музыку в исполнении талантливых музыкантов пришли как воспитанники Консерватории, так и многие коллеги композитора.

Концерт открыла заслуженный деятель искусств РФ, профессор Елена Борисовна Долинская, близкий друг и сотоварищ Слонимского: «Пятнадцать месяцев назад последний раз Сергей Михайлович присутствовал в этом зале». С тех пор он так и не вернулся в Московскую консерваторию: композитор чувствовал, что поездка в столицу в ноябре 2020 года окажется последней.

С особым трепетом и глубоким уважением профессор Долинская делилась историями о Друге: «Его жизнь была пронизана борьбой. Доказывал, что ад не преисподняя, а жизнь на нашей земле». Тяжелая доля выпала Сергею Михайловичу, пережившему тяготы войны в детском возрасте, непринятие и гонение уже в зрелом возрасте со стороны коллег.

Вечер памяти, организованный Еленой Борисовной, состоял исключительно из произведений композитора. И не только в исполнении приглашенных музыкантов. Сам автор, «виновник» встречи, вновь играл на рояле, но уже лишь на видео. Зрители снова услышали «Колокола» – пьесу, которая явно выделялась на фоне сочинений прошлого столетия. Следует напомнить, композитор искал новые краски, новые приемы звукоизвлечения, изучая тенденции будущего. «Он играл на струнах, и происходило чудо: звучали колокола», – отметила Елена Борисовна. В настоящее время мало кого можно удивить игрой на струнах, но раньше это было, определенно, новшеством в исполнительстве.

Два отделения концерта отражали «звуковое зеркало различных стилевых тенденций» в творчестве музыканта. В самом начале прозвучали романсы на стихи Лермонтова и Цветаевой. Их исполняла непревзойденная солистка Большого театра Юлия Мазурова (сопрано), которая также была лично знакома с композитором. За роялем был пианист, заслуженный артист РФ, Александр Покидченко, не раз игравший на одной сцене с автором этих сочинений. Эмоционально чуткое и качественное исполнение не оставило равнодушными никого из присутствующих: между циклами слушатели бурно реагировали на исполнение, повсеместно раздавалось «браво».

Во втором отделении зал услышал скрипичную пьесу «Монодия» в исполнении Анастасии Ведяковой, фортепианную балладу (за роялем Александр Покидченко). Гостями вечера стали студенты и педагоги Государственного музыкально-педагогического института имени М.М. Ипполитова-Иванова, исполнив хоровые произведения Мастера. 

Наследие, которое оставил нам выдающийся музыкант, обширно. Нет жанра, в котором бы не писал композитор. «Не страшно, когда композитор умирает физически, страшно, когда умирает его музыка» – говорил Сергей Михайлович. И замечательно, когда есть друзья, коллеги, заинтересованные в сохранении творчества музыканта. Благодаря им огонек в бессмертном наследии пылает ярче и притягивает новых слушателей.

Алевтина Коновалова, студентка НКФ, муз. журналистика