30 декабря, под занавес уходящего года в Первом учебном корпусе открылся мемориальный класс выдающегося композитора, дирижера, пианиста, музыкально-общественного деятеля, создателя концепции детского музыкального воспитания, выпускника и профессора Московской консерватории Дмитрия Борисовича Кабалевского.
Дата была выбрана неслучайно – 30 декабря исполнилось 117 лет со дня рождения Мастера. Также неслучайно был выбран и класс №11 с видом на атриум с портретом П.И. Чайковского, которого так любил и сам Дмитрий Борисович, и его педагог Николай Яковлевич Мясковский. В этом же корпусе преподавал лучший ученик Дмитрия Борисовича – композитор Александр Иванович Пирумов.
Дочь Д.Б. Кабалевского Мария Дмитриевна преподнесла в дар Консерватории рояль Дмитрия Борисовича Steinway and Sons с уникальной судьбой. Инструмент пережил Великую Отечественную войну в холодной неотапливаемой квартире на 3-й Миусской улице (ныне улице Чаянова). Дмитрий Борисович в письмах к жене, находящейся в эвакуации, писал: «…жить можно только на кухне, т.к. ее можно отапливать газом, во всей остальной квартире температура много ниже нуля. Двери покрыты толстым пушистым инеем, стены блестят от тонкого слоя льда и инея. Прикоснуться к вещам нельзя – обжигает ледяной холод…» (03.02.1942 г.); «…сегодня я совершил наконец перестановку. Поскольку температура в столовой наконец поддалась и дошла чуть-чуть уже выше нуля – я перетащил туда рояль и теперь могу более или менее нормально работать…» (16.02.1943 г.).
По словам Марии Дмитриевны, «несмотря на упрямый оптимизм самого Кабалевского, рояль пережил зиму 1942 военного года очень нелегко. У него треснули обе деки, пострадали и деревянные детали внутри. Тем не менее, его удалось отреставрировать, и он служил верой и правдой моему отцу не одно десятилетие. Даже теперь, простояв «без работы» довольно долго, он сохранил глубокое звучание своих струн, хотя и нуждается в хорошем ремонте. Но главное, в чем нуждается любой инструмент – в том, чтобы быть нужным, чувствовать тепло человеческих пальцев и приносить окружающим радость».
Также Марией Дмитриевной было преподнесены в дар Консерватории полное собрание сочинений отца, аудиозаписи и уникальный фотоархив, где запечатлена история дружбы Дмитрия Борисовича с С.С. Прокофьевым, Д.Д. Шостаковичем, Р. Ролланом, Я. Сибелиусом, Б. Асафьевым, Ю. Гагариным и многими другими выдающимися людьми того времени. А вдова сына композитора Юрия, Галина Алексеевна подарила в мемориальный класс портрет Кабалевского кисти известного советского и российского художника Ирины Большаковой.
В благодарственном письме семье Д.Б. Кабалевского ректор А.С. Соколов отметил, что «безусловно, этот ценный дар поможет сохранить историческую преемственность традиций Московской консерватории, вдохновит наших студентов на композиторское и исполнительское творчество».
С музыкальными приветствиями на открытии класса выступили выпускники Консерватории, лауреаты международных конкурсов Дмитрий Онищенко (фортепиано) и Александра Будо (виолончель), исполнившие виолончельные пьесы Д.Б. Кабалевского, а также юная воспитанница дошкольного отделения ЦМШ Ножель Скрябина (класс С.Г. Аршакян), трогательно сыгравшая знаменитых «Клоунов».
Благодарим проректоров Л.Е. Слуцкую и О.П. Лянга, а также начальника учебного отдела А.А. Баранова за поддержку этой важной инициативы, и надеемся, что традиция открытия мемориальных классов будет продолжена, ибо гордость Московской консерватории – это ее выдающиеся педагоги, ее исполнительская, композиторская и научная школа.
IV Международный конкурс камерных ансамблей и струнных квартетов имени Николая Григорьевича Рубинштейнапрошел в сентябре-октябре 2021 года. I тур проводился по видеозаписям, на II и III турах участники выступили, как теперь принято говорить, «вживую» – в Малом зале Московской консерватории.
Ансамбли, которые участвовали в полуфинале и финале Конкурса, эти выступления, думается, запомнят надолго. Проведение Конкурса было отмечено большими трудностями, связанными прежде всего с COVID-19. Перед участниками, представлявшими зарубежные страны, стояла дилемма: пройдя сито отбора, они рисковали попасть в западню, попав по возвращении домой в 14-дневный карантин. Рискнуть решились немногие. Тем не менее, перед жюри в полуфинале предстали 10 ансамблей, которые выступили очень достойно.
В международное жюри, которое возглавил заведующий кафедрой камерного ансамбля и струнного квартета Московской консерватории профессор Т.А. Алиханов, кроме председателя вошли Г. Мурзабекова (Казахстан), Б. Новицки (Польша), Я. Малецкис (Латвия), Е. Семишина (Россия, СПб), И. Менькова и А. Бондурянский (Россия, Москва). Ответственный секретарь жюри – В. Юницкий (Россия, Москва).
Перед жюри стояла непростая задача отбора финалистов. Нужно заметить, что разница между исполнительскими достижениями участников была весьма невелика, за исключением, быть может, лидеров – Квартета им. В. Берлинского, сразу обозначившего обоснованность своих профессиональных притязаний. И вот – финал. В нем предстояло выступить двум струнным квартетам, одному квинтету (струнному квартету с кларнетом), двум фортепианным трио и одному фортепианному дуэту. Таким образом, была сохранена жанровая палитра Конкурса.
DaLi Duo (Д. Кудина, Е. Гарбузова)
То же можно сказать и о программе. Существующие ныне в стране серьезные конкурсы камерных ансамблей (кроме «Рубинштейновского», сюда можно отнести и Конкурс имени С.И. Танеева и Т.А. Гайдамович) весьма близки по репертуарным требованиям и образуют стройную систему, предполагающую сочетание обязательности и свободы выбора. Таким образом, в финале, где надо исполнять сочинения русских композиторов, перед нами раскрылась яркая панорама отечественной камерной музыки, представленная сочинениями П.И. Чайковского, С.В. Рахманинова, А.Т. Гречанинова, А.Н. Глазунова. В полуфинальных прослушиваниях прозвучали опусы Ф. Шопена, Й. Брамса, Ф. Мендельсона, А. Дворжака, а также П. Хиндемита, Д. Шостаковича, П. Юона, Б. Чайковского, А. Бабаджаняна, И. Стравинского.
Квартет им. В. Берлинского (М. Калашников, Ф. Калашников, П. Романенко, Р. Филипов)
Результаты Конкурса явились отражением объективной картины состоявшихся соревнований. Первую премию жюри единогласно присудило Квартету им. В. Берлинского (Р. Филипов, Ф. Калашников, П. Романенко, М. Калашников), вторую – фортепианному дуэту DaLi Duo (Д. Кудина, Е. Гарбузова; класс доцента В.А. Юницкого). Три ансамбля разделили третью премию: это два трио – Contra-trio (Е. Балашова, А. Шабалина, В. Иофе; класс доцента И.В. Красотиной и профессора А.З. Бондурянского) и Фортепианное трио (Е. Шмидт, А. Парфеньева, М. Невлер; класс профессора Т.А. Алиханова), а также струнный квартет (И. Якушева, И. Наборщиков, Л. Лазарева, И. Михайлов; класс доц. В.В. Бальшина). Gran Quintet из Санкт-Петербурга (Е. Садовникова, Е. Ильиченко, П. Остапенко, М. Гранов, Л. Журавский), который готовился в классе доцента Г.Л. Малиёва, удостоился диплома.
Примечательно, что Конкурс проводился в дни, когда Московская консерватория отмечала 155-летие своего основания, и музыкальное событие стало данью памяти великому художнику – Н.Г. Рубинштейну. Члены жюри также посетили могилу Николая Григорьевича на Новодевичьем кладбище и возложили цветы. Кроме того, Конкурс был прекрасно организован. В этом, безусловно, большая заслуга сотрудников Общевузовского центра координации творческих проектов во главе с К.О. Бондурянской, они приложили немало усилий для успеха всего мероприятия.
Прошедший Конкурс подтвердил важность подобных событий для жизни Консерватории, ее педагогов и студентов, а главное – для дальнейшего развития камерно-ансамблевого исполнительства и педагогики.
Шестой Международный конкурс органистов имени Александра Фёдоровича Гедике, прошедший в сентябре в Московской консерватории, стал первым творческим состязанием, проведенным в очном формате за все время коронавирусной пандемии.
Перенесенный несколько раз, Конкурс должен был объединить молодых музыкантов из многих стран мира. К сожалению, добраться до Москвы в сложившихся условиях смогли далеко не все. Конкурсанты представляли учебные заведения Москвы, Санкт-Петербурга, Нижнего Новгорода, Саратова, Казани и Минска. Ранее заявленным участникам из Западной Европы и других стран мира по понятным причинам прибыть в Москву не удалось.
В состав жюри вошли как прославленные отечественные органисты: профессор МГК Н.Н. Гуреева-Ведерникова (председатель), профессор Нижегородской консерватории З.А. Скульская, доцент МГК Д.В. Дианов, так и выдающиеся зарубежные музыканты: Д. Сальвадор (Испания) и В. Невдах (Беларусь).
На первый тур было отобрано 8 участников, до второго были допущены 4, в третьем выступили 3 конкурсанта. Прослушивания проходили сразу в двух знаменитых залах Московской консерватории – Малом и Большом, где участники продемонстрировали не только исполнительские навыки, но и свои умения в искусстве регистровки.
Владимир Скоморохов
Александр Волков
Победителем стал ассистент-стажер МГК Владимир Скоморохов, он же стал обладателем диплома за лучшее исполнение сочинения А.Ф. Гедике. II премия досталась восемнадцатилетнему студенту II курса хорового училища им. М.И. Глинки Александру Волкову (СПб), III премии удостоена Ольга Бестужева (Нижний Новгород), дипломом за артистичность награждена Мария Каневская (Казань), а диплом самого молодого участника увезла в Саратов семнадцатилетняя Елизавета Иванова. Мы поздравляем всех участников и лауреатов Шестого конкурса и надеемся, что ответственные и волнительные выступления в стенах Московской консерватории стали знаменательным событием в их творческой жизни, а полученный бесценный опыт – еще одной ступенью к мастерству!
Также хотелось выразить слова благодарности самоотверженному жюри, подтвердившему свое участие в долгожданном культурном событии и не побоявшемуся ни рисков, ни ограничений в связи с угрозой распространения коронавирусной инфекции. И низкий поклон нашим бессменным органным мастерам Н.В. Малиной и А.К. Шаталову – органы Московской консерватории звучали воистину завораживающе!
Автор рисунка: Маргарита Попова
Отдельная благодарность руководителю К.О. Бондурянской и всем сотрудникам Общевузовского центра координации творческих проектов, сделавшим невозможное возможным. Хочется отметить креативные идеи Г. Королёва, А. Шляхова, М. Поповой и дизайнера Е. Вдовиной: дизайн диплома самого молодого участника с хэштегом #ГедикеНаВелосипедике – одно из самых запоминающихся впечатлений Конкурса.
Нам остается ждать следующего VII Международного конкурса органистов им. А.Ф. Гедике с надеждой, что через два года одно из ярких событий в музыкальной жизни страны пройдет в срок и без ограничений.
В декабре минуло 5 лет, как ушел Рафаэль Оганесович Багдасарян, и концерт класса кларнетистов Московской консерватории, прошедший 25 ноября в Рахманиновском зале, несомненно, можно считать вечером его памяти. Концерт был организован одним из его учеников – Н.Л. Агеевым, перенявшим класс Р.О. Багдасаряна. И хочется сказать несколько теплых слов в его адрес, понимая значение человеческого фактора, особенно в искусстве, при удачной реализации какой-либо творческой идеи.
Еще недавно, посещая отчетные концерты класса Рафаэля Оганесовича, мы слушали его учеников, отмечали наиболее эффектно исполненные произведения, удачно подобранную интересную программу, в том числе и его помощником Н.Л. Агеевым. Но кроме сольных выступлений, Николай Львович делал вместе с педагогом и транскрипции для ансамбля кларнетистов. Рассказывая о концертах кларнетистов класса Р.О. Багдасаряна, мы всегда их называли шоу, так как в заключение профессор к этому дню делал новую транскрипцию для ансамбля кларнетистов (участвовали все ученики его класса) и это было нечто (!), так как публика отпускала музыкантов со сцены только после третьего исполнения этого произведения для ансамбля. Это было традицией на протяжении многих лет, и слова благодарности за организацию и ведение недавнего концерта, которые легли на плечи Н.Л. Агеева, тоже говорят о продолжении сложившихся на кафедре традиций.
Выступление на концерте класса – это нередко открытие нового имени. Не обошлось без этого и на кларнетном концерте 25 ноября в Рахманиновском зале. Замечательная виртуозная игра в «Скерцо для кларнета и фортепиано» Олега Давыдова, исполненного Владимиром Ершовым (класс доцента М.И. Безносова), которому аккомпанировал автор, было тепло встречено публикой. Радует то, что репертуар кларнетистов пополняется не зарубежными опусами, а произведениями отечественных композиторов. Пожелаем молодому автору, услышавшему свою Музу в удивительном звучании кларнета, удачи в написании и более крупных форм.
Ученики класса доцента М.И. Безносова порадовали также в сольных выступлениях: Андраник Манусаджев при исполнении «Сонаты для кларнета соло» Тибериу Олаха показал возросшее исполнительское мастерство, а Антон Власов удачно исполнил «Концертино для кларнета и фортепиано» Жанин Рюфф. Музыкант, кстати, только что вернулся с Международного конкурса в Петрозаводске, где прошел три тура и удостоился высокого звания лауреата II премии, с чем его и поздравляем!
Замечательно выступили ученики класса преподавателя Н.А. Агеева: Нонна Липартелиани и Алексей Шипунов показали отличную технику в произведениях, входящих в золотую коллекцию кларнетного репертуара, а Роман Кузин в «Арлекине» для кларнета соло Луи Каузака сумел завести публику и вызвать бурю восторга у любителей кларнета.
Студенты класса старшего преподавателя Ю.Б. Бабия, а это Цюань Лоу и Юань Чени показали пример элегантности и культуры исполнения классических произведений для кларнета. Эрнест Алавердян покорил публику высокой исполнительской техникой и темпераментом в фантазии на темы из оперы Бизе «Кармен» для кларнета и фортепиано И. Бальдеру – П. Сарасате.
Класс профессора Е.А. Петрова всегда радует разнообразием форм и жанров. Исполнение Квинтета для кларнета, двух скрипок, альта и виолончели Моцарта вернуло нас в мир классической музыки: обаятельная мелодия в исполнении на кларнете Даниила Сердюкова под прозрачный и высококлассный аккомпанемент струнных инструментов дала очередной повод для восторга. Также как и Трио для кларнета, виолончели и фортепиано Брамса, в котором Эрик Мирзоян нашел золотую середину звучания кларнета в ансамбле.
Порадовали исполнительским мастерством София Хазиева в Сонате для кларнета и фортепиано Ф. Пуленка и Александр Карачевцев, исполнив Фантазию В. Гетмана на темы из оперы Н.А. Римского-Корсакова «Золотой петушок» для кларнета и фортепиано.
В заключение концерта прозвучала популярная и хорошо известная всем кларнетистам пьеса Б. Ковача «После Вас, мистер Гершвин» в исполнении Артёма Ваняна. В соответствии южному темпераменту и высокому мастерству исполнителя, она сорвала самые продолжительные аплодисменты у публики.
Отдельного восхищения достойны концертмейстеры класса кларнета МГК имени П.И. Чайковского. Александра Полякова радует нас не одно десятилетие своим высоким профессионализмом и той творческой атмосферой, которую она создает вокруг себя на сцене. Это достойно подражания и служит нашим молодым аккомпаниаторам примером концертмейстерского искусства.
Замечательный концерт дает повод еще раз сказать, что традиции, заложенные поколением наших педагогов не забыты, а продолжают существовать и развиваться даже в столь сложное время. Это позволяет говорить о сложившейся классической школе кларнета в России.
Музыкальная жизнь Москвы чрезвычайно насыщенна. Каждый день в концертных залах столицы звучат самые разнообразные вокальные и инструментальные сочинения: Баха, Бетховена, Моцарта, Шумана, Шопена, Чайковского, Рахманинова… Эта музыка многим знакома с детства, ее изучают в школах и училищах, ее исполняют как профессионалы, так и любители, она приводит в восторг, ею восхищаются. Но есть и другая музыка, менее известная современным слушателям, но не менее прекрасная — загадочный мир старинных церковных роспевов.
Для средневековых людей главным культурным событием было богослужение, и все свое вдохновение безымянные творцы вкладывали в литургические песнопения. Эти мелодии высоко ценились, их называли «сладкозвучными», «ангелогласными». Но в течение веков музыкальная мода менялась. Менялась и нотация. С развитием многоголосной музыки общеупотребительной становится пятилинейная круглая нотация, а вот старинная невменная забывается за ненадобностью. В результате богатый пласт древних напевов для большинства музыкантов сейчас недоступен, являясь достоянием лишь узкого круга знатоков старины. Тем ценнее такие исполнители. Они становятся буквально проводниками в звуковой мир Средневековья, помогая ощутить дух той эпохи, прикоснуться к ее традициям.
В России не так много коллективов, исполняющих старинную церковную музыку, и один из них сформировался у нас, в Московской консерватории. Это ансамбль «Асматикон» под руководством Анны Елисеевой при научно-творческом центре церковной музыки имени прот. Димитрия Разумовского. Коллектив уникален тем, что специализируется сразу на двух певческих традициях – византийской и древнерусской.
Свою исполнительскую деятельность ансамбль начал в 2010 году, и с тех пор каждый год несколько раз за сезон они радуют слушателей интересными тематическими концертами. Хотя ансамбль консерваторский, выступают они чаще всего не в концертных залах, а в храмах. Для древнего пения очень важно сакральное пространство, наиболее органично эти роспевы воспринимаются там, где они создавались исторически. В этот сезон ансамбль вошел с очень необычным проектом под названием «Псалмы в византийской и древнерусской изобразительной и певческой традициях».
Первый концерт цикла состоялся 7 ноября в храме св. мученицы Татианы при МГУ. В центре внимания были псалмы, тема чрезвычайно важная и интересная, ведь библейская книга Псалтырь – это основа основ всей церковной культуры. Не обходится без нее и православное богослужение, едва ли не большую часть которого занимают псалмы. Очень ярко представлены псалмы и в изобразительной традиции, ведь старинные рукописные книги как правило богато иллюстрировались. Исполнители попытались объединить эти два направления, дополнив мелос песнопений визуальным рядом. Это дало возможность посетителям концерта воспринимать древнее искусство в его синкретическом единстве.
Очень удачно была выстроена драматургия концерта: все отобранные псалмы пронизаны единой темой – восхваление Божьей милости. При этом ансамблю удалось задействовать самые разные жанры, основанные на псалмодии. Открывал программу киноник (причастный стих. – Д.Д.) на основе 111-го псалма «В память вечную да будет праведник» византийского роспева. Его пели в мелизматической редакции, выполненной мелургом XVII века Петром Берекетом.
Затем исполнители продемонстрировали торжественный калофонический дохи́ – великий прокимен (в литургической практике – стихи псалма, предваряющие чтение Священного Писания. – Д.Д.) на основе 113-го псалма «Бог наш на небеси и на земли» в редакции Хурмузия Хартофилакса. Для воссоздания литургической обстановки прокимен исполняли с канонархом (канонарх – человек, возглашающий тексты молитвословий, которые вслед за этим поет хор. – Д.Д.), как это обычно и бывает на службах.
Византийскую часть программы сменила древнерусская. Знаменный блок открылся очень интересным песнопением – 144-м псалмом. В богослужебной практике псалом этот исполнялся в монастырской традиции в так называемом «чине о панагии», когда после окончания Литургии братия попарно исходит из храма. Представленный напев уникален, так как демонстрирует уже не древнерусскую традицию, а более позднюю – старообрядческую. Составлен он был в Выговской старообрядческой обители. Необычен сам мелос псалма: это осмогласник, то есть при распевании текстовых строк безымянный создатель задействовал 8 гласов. Все богатство знаменного осмогласия запечатлелось в одном песнопении. В концертной практике ансамбля, да, и, вероятно, в концертной практике вообще, это было премьерное исполнение!
Контраст распевно-витиеватому 144-му псалму составил цикл псалмов «Хвалитных» (пс. 148–150). Вращательное мелодическое движение в диапазоне кварты сообщает им суровый архаический колорит. А в завершение концерта «Асматикон» представил выдающийся образец древнерусского безлинейного многоголосия – троестрочный великий прокимен с символическим текстом «Кто Бог велий, яко Бог наш? Ты еси Бог творяй чудеса».
«Но как не потеряться в этом многообразии незнакомой и непривычной музыки?» – спросите вы. Ансамбль предусмотрел эти опасения, а потому каждое их выступление сопровождалось историческими и аналитическими комментариями. На этот раз лекторы выступали в паре. Искусствовед Елена Виноградова подробно и увлекательно рассказала о книжных иллюстрациях, а музыковед-медиевист Ирина Старикова объяснила особенности византийского и древнерусского псалмопения.
Хотя это направление пока не очень популярно в России, ансамбль «Асматикон» уже имеет своих поклонников. Зрительские места (будь то храм или концертная площадка), как правило, не пустуют. Вот только консерваторцев среди посетителей практически нет. А ведь ансамбль – гордость нашей Alma mater. Остается надеяться, что в следующий раз, задумчиво изучая афиши концертов, какой-нибудь пытливый студент все же захочет погрузиться в сакральное пространство древнерусской и византийской музыки, и откроет для себя творчество ансамбля «Асматикон».
Не случайно только в русском языке духовые инструменты – от слова «дух», а не «ветер» или «воздух»! Вопреки сложнейшей эпидемиологической ситуации в начале ноября в Рахманиновском зале Московской консерватории собрались ведущие молодые исполнители на гобое и валторне для того, чтобы принять участие в непростом испытании и выяснить, кто из них лучше справится с программой трех туров XII Международного конкурса среди исполнителей на духовых и ударных инструментах.
Конкурс был основан его бессменным художественным руководителем, выдающимся фаготистом, народным артистом России, профессором МГК В.С. Поповым. Как известно, состязание ежегодно проходит в стенах Московской консерватории по двум специальностям – одной медной и одной деревянной, они чередуются и каждые пять лет пара специальностей повторяется. Очередь гобоя и валторны должна была наступить уже в третий раз в прошлом, 2020 году, но состязание перенесли на год из-за непростой ситуации с короновирусом.
Этой осенью все тоже висело на волоске, однако в последний момент было принято непростое решение: провести Конкурс в закрытом режиме, без публики, без концертов и финала с оркестром, без выставок фирм-спонсоров и с допуском в здание участников и членов жюри строго по QR-кодам. Благодаря организационным усилиям Общевузовского центра координации творческих проектов и его руководителя К.О. Бондурянской удалось обеспечить участие в Конкурсе всех иностранных музыкантов – и среди конкурсантов, и, главное, в жюри, которое по правилам Конкурса должно больше чем на половину состоять из выдающихся исполнителей и педагогов разных стран.
В итоге в состязаниях приняли участие 24 гобоиста и 18 валторнистов из России, Китая, Казахстана и Белоруссии. А в работе жюри, помимо вышеназванных стран, приняли участие представители Бразилии, Германии, Италии, Норвегии и Польши. В номинации «Гобой» в жюри вошли: Айрат Кашаев (председатель; Россия), Вашингтон Барелла (Германия), Софья Беляева (Россия), Дмитрий Булгаков (Россия), Паоло Грация (Италия), Алекс Кляйн (Бразилия), Дамиля Махпирова (Казахстан). В номинации «Валторна»: Дмитрий Крюков (председатель, Россия), Ерлан Жакенов (Казахстан), Игорь Карзов (Россия), Дариуш Микульски (Польша), Алексей Раев (Россия), Эспен Сельвик (Норвегия), Владимир Тарашкевич (Белоруссия). Важно, что жюри возглавили молодые российские дирижеры – это открыло дополнительные перспективы для победителей.
Все три тура Конкурса проходили в Рахманиновском зале, летящая акустика которого идеально подходит для звучания духовых инструментов. Члены жюри отметили высокий уровень игры конкурсантов, тем сложнее им было отбирать участников для последующих туров испытаний. По правилам, это должна быть половина от тех, кто участвовал в предыдущем туре. Система голосования Конкурса предельно прозрачная, никаких баллов: члены жюри без всяких обсуждений просто ставят «да/нет», отвечая на вопрос, хотят ли они услышать данного участника в следующем туре. В итоге складывается предельно объективная картина, и в следующий тур проходят исполнители, удачнее и ярче других выступившие в предыдущем туре.
Не обошлось и без неожиданностей. Второй тур гобоистов пришлось начать немного позже, чтобы оперативно договориться и перенести работу строителей, решивших трудиться болгаркой непосредственно у стен РЗК под звуки оперных фантазий Паскулли и сонаты Дютийе.
Важнейшим мероприятием конкурса стал День мастер-классов членов жюри. Он традиционно проводится после второго тура и приоритет для выступлений всегда отдается участникам первого и второго туров, не прошедшим в финал. Они имеют возможность выступить перед иностранными членами жюри и получить комментарии и советы по своей игре на Конкурсе. Сами мастер-классы идут с утра до вечера, открывая интересную возможность сравнить методы и подходы к игре на инструменте музыкантов из разных стран.
Конкурсная неделя пролетела незаметно и выявила лауреатов. Среди гобоистов победителем стал студент Московской консерватории Фёдор Освер. Ему также был присужден спецприз от фирмы F. Lorée – скидка 50% на покупку любого гобоя этой фирмы. Вторую премию завоевал аспирант МГК Павел Чередниченко, ему же досталась премия за лучшее исполнение обязательного произведения, написанного специально для Конкурса: Cadenza для гобоя соло «Песня о любви и гневе» Дражана Косорича. Третью премию разделили выпускник РАМ им. Гнесиных Фрол Герасимов и студентка МГК Валерия Алесюк, которой также достался приз от фирмы Yamaha – скидка на покупку гобоя этой фирмы.
Фёдор Освер
Павел Чередниченко
Специальный приз жюри – машинку для изготовления тростей для гобоя фирмы Reeds’n’Stuff – получил Василий Белявин, убедительно выступивший в первых двух турах и исполнивший всю программу наизусть (в силу личных особенностей, у Василия отсутствует зрение). Жюри отдельно отметило его концертмейстера Марию Сапаргалиеву за чуткую помощь при подготовке к конкурсу и во время выступления гобоиста. Лучшим концертмейстером Конкурса был признана Александра Полякова, многие годы работающая в классах гобоя МГК. Она выступала с подавляющим количеством участников, а заодно и вынужденно заменила оркестр в финале.
Среди валторнистов тоже были выявлены лауреаты всех премий. По правилам конкурса первая премия не делится, она может быть присуждена только лучшему финалисту: победителем был признан россиянин Эдуард Жмайлов. Вторую премию разделили Георгий Прибылов (Белоруссия) и Михаил Шихов (Россия). Третья премия досталась Андрею Обревко (Россия) и Санжару Кадырбекову (Казахстан). Лучшим концертмейстером конкурса валторнистов был признан Антон Коршаков.
Эдуард Жмайлов
Георгий Прибылов
Михаил Шихов
Фирма Yamaha вручила специальные премии финалистам конкурса валторнистов – сурдины системы Silent Brass для занятий в любое время и в любых условиях. Также, все гобоисты, участвовавшие в Конкурсе, получили от японского спонсора наборы для ухода за инструментом, а все финалисты-гобоисты – именные ножи для изготовления тростей от российской фирмы URAL EDC. Еще одним важным призом для победителей по обеим специальностям станет выступление с Симфоническим оркестром Башкортостана, который возглавляет Дмитрий Крюков.
От всей души поздравляем участников и победителей XII Международного конкурса МГК среди исполнителей на духовых и ударных инструментах, благодарим жюри, а также оргкомитет и спонсоров, без которых это знаменательное событие точно бы не состоялось! Уже через год мы ждем сильных духом кларнетистов и трубачей и желаем им, чтобы очередной Конкурс прошел в менее экстремальных условиях. А у всех музыкантов и слушателей вновь появится возможность приобщиться к высокому духовому искусству в стенах Московской консерватории!
2022 год для нашей газеты начался с празднования юбилея профессора Татьяны Александровны Курышевой – главного редактора «Российского музыканта» и «Трибуны молодого журналиста». Мы нашей камерной и дружной командой редакторов хотим поздравить Татьяну Александровну с Днем рождения и обратиться к ней.
Дорогая Татьяна Александровна, от всей души поздравляем Вас с юбилеем!
Многие из нас познакомились с Вами, когда были еще студентами и только начинали постигать азы музыкальной журналистики. Мы признательны Вам за педагогический вклад в образовательно-просветительский процесс, ведь благодаря Вам в учебных программах Консерватории родился и по сей день существует предмет музыкальной журналистики. И учимся мы по Вашему учебнику. Вы с завидной настойчивостью и упорством идете вперед и достигаете своих целей. Именно с Вашей легкой руки в Московской консерватории рядом со старой газетой появилось и специальное студенческое музыкальное издание.
С Вашей мудростью и стойкостью, прорастающей вглубь красотой и огромным профессионализмом, Вы стали маяком на пути многих студентов. Мы желаем Вам продолжать светить тем же неугасающим светом. Пускай оптимистичный настрой и вдохновение всегда остаются с Вами. Вы очень нужны и важны и человечески, и профессионально!
Татьяна Александровна, пусть здоровье Вас не подводит, а жизнь преподносит приятные неожиданности, много новых радостных поворотов! Пусть на душе будет тепло и спокойно! Спокойно – даже в те моменты, когда в работе над очередным выпуском газеты случаются некоторые сбои. Мы, в свою очередь, постараемся, чтобы работа Вас только радовала.
Помимо поздравлений, у каждого из нас непременно есть яркие личные воспоминания, связанные с Вами. Рассказать о них можно было бы в отдельном выпуске газеты, однако место на бумаге строго бережется – настолько, что пространство для этих строк выкраивалось втайне от главного редактора. Теплыми историями каждый из нас поделится вживую при общей встрече, позволив себе не считать «количество знаков», которое тяготеет над нашими авторами. Но представьте, дорогая Татьяна Александровна, что это поздравление – есть экстракт тех теплых чувств, которые все участники нашей команды пережили благодаря встрече с Вами!
Мы Вас очень любим и ценим. Будьте счастливы и будьте с нами! Многая лета!!!
Редакторская команда газет«Российский музыкант» и «Трибуна молодого журналиста»
17 ноября 2021 года на сцене Рахманиновского зала Московской консерватории состоялась постановка оперы-водевиля на весьма актуальную тему – «Карантин»! Изящный, искрящийся весельем шедевр А.Н. Верстовского увидел сцену благодаря проекту «Возрождение русской оперной классики», который уже несколько лет с большим успехом проводит кафедра истории русской музыки.
Константин Новичков (Стрелецкий) и Илья Рогов (Клиникус)
Обширная просветительская деятельность всегда отличала педагогов этой кафедры. Эти традиции сегодня развивает ее заведующая, доктор искусствоведения, профессор Ирина Арнольдовна Скворцова. Под ее руководством и возник уникальный проект «Возрождение русской оперной классики», направленный на воссоздание забытых опер русских композиторов. И сама идея, и выбор жанра необычайно актуальны: интерес к сочинениям прошлого сегодня высок, а опера остается одним из основополагающих жанров русской музыки, о чем неоднократно писали величайшие русские композиторы. «Опера, и именно только опера, сближает вас с людьми, роднит вашу музыку с настоящей публикой, делает вас достоянием не только отдельных маленьких кружков, но при благоприятных условиях – всего народа», – отмечал П.И. Чайковский.
Идея проекта «Возрождение русской оперной классики» возникла в 2016 году, во время подготовки к празднованию 150-летнего юбилея Консерватории. Сначала были поставлены два интереснейших образца русского классицизма: в 2016 году публика смогла услышать мелодраму Е.И. Фомина «Орфей», а год спустя на сцене Рахманиновского зала МГК была исполнена опера Д.С. Бортнянского «Сын-соперник» – она была воссоздана к 230-летию с момента ее первого исполнения. Постепенно временные границы проекта расширялись: в 2019 году его создатели обратились к музыке эпохи модерн, представив камерный шедевр А.С. Аренского – оперу «Рафаэль». В этот раз в рамках «Возрождения русской оперной классики» прозвучала музыка современника М.И. Глинки. Постановка водевиля А.Н. Верстовского стала приношением к 155-летию Московской консерватории.
А.Н. Верстовский (1799–1862) – одна из интереснейших личностей в русской музыке XIX столетия. Композитор, общественный деятель, он не только написал более 30 водевилей, став, по словам А.Н. Серова, создателем «своеобразного кодекса водевильной музыки», но и сочинил 6 опер, множество романсов. На протяжении 35 лет Верстовский руководил единой оперно-драматической труппой Большого и Малого театров, решая как репертуарные, так и административные вопросы. Современники называли эти годы «эпохой Верстовского». «Аскольдова могила» – наиболее популярная из опер композитора, один из лучших образцов русского романтизма, многократно ставилась на протяжении всего XIX века, а многие романсы Верстовского вошли в репертуар знаменитых русских певцов. «Одушевлённой жизнию сильного таланта» называл музыку Верстовского В.Г. Белинский.
Финальная сцена: солисты, Камерный оркестр и Камерный хор Московской консерватории
«Карантин» – второй водевиль Верстовского, написанный вслед за «Бабушкиными попугаями». На момент его создания композитору был всего 21 год! В музыке водевиля проявились лучшие качества его театральных сочинений: изящество, грациозность, обилие ярких тем, мгновенно остающихся в памяти слушателей. Фабула либретто, написанного Н.И. Хмельницким, довольно проста: в центре ее – взаимоотношения двух влюбленных. Фоном для веселого действия становится чумной карантин, а действующие лица – вполне типичные для этого жанра «маски» – юная пара, суровый отец, незадачливый отвергнутый поклонник. Для каждого из них композитор создает красочную и остроумную характеристику: именно музыка поэтизирует незатейливый бытовой сюжет.
Как и все проекты «Возрождения оперной классики», постановка «Карантина» создавалась в содружестве научных и творческих сил Московской консерватории. Координаторы проекта, под руководством И.А.Скворцовой, проделали огромную работу по подготовке нотного материала – в частности, подбору увертюры, отсутствовавшей в оригинальной партитуре, – и адаптации литературного текста.
По традиции, в постановке приняли участие консерваторские коллективы: Камерный оркестр под руководством Народного артиста РФ Ф.П.Коробова и Камерный хор, художественный руководитель – профессор А.В.Соловьёв. Звучание оркестра отличалось выразительностью и вниманием ко всем нюансам партитуры, а хористы порадовали не только качеством исполнения, но и актерской игрой: их внезапное появление из зала несомненно оживило действие.
Ульяна Лисицина (Ленушка) и Константин Новичков (Стрелецкий)
Большим мастерством отличалось пение солистов: Анастасии Белуковой (Ленушка), Екатерины Лукаш (Арбатова), Анджея Белецкого (Клиникус), Александра Попова (Мовша), Дмитрия Никанорова (Стрельский), Станислава Ли (Шляхтинский). Артистизм и обаяние, с которым они исполняли водевильные куплеты, не оставили равнодушными никого из публики. Украшением постановки стали и ее гости – актеры театра «Сатирикон»: Ульяна Лисицина (Ленушка), Елена Голякова (Арбатова), Константин Новичков (Стрелецкий), Никита Григорьев (Шляхтинский), Ярослав Медведев (Мовша), Илья Рогов (Клиникус). Присущая их игре яркая броская манера оказалась вполне в духе водевильного жанра и подчеркивала остроумие положений, придуманных либреттистом.
Среди режиссерских находок – игра с пространством: прекрасные интерьеры Рахманиновского зала превращались то в сад дворянской усадьбы, то в огороженный лентой (забавная отсылка к современности!) карантинный двор. Мгновенная смена декораций происходила благодаря огромному мультимедийному экрану, размещенному по всей ширине сцены, что придавало спектаклю живость и динамичность.
Актуальная тема, прекрасная музыка Верстовского и мастерство исполнителей способствовали тому, что «Карантин» имел огромный успех. Мы надеемся, что важнейшая просветительская работа кафедры истории русской музыки будет продолжаться, и ее проект «Возрождение русской оперной классики» еще не раз порадует слушателей выдающимися сочинениями русских композиторов.
22 октября Валерий Григорьевич Кикта отметил свой 80-летний юбилей. Глядя на этого энергичного, жизнерадостного человека, легко дающего фору скоростью мысли любому юноше, в это трудно поверить! В течение года запланировано несколько мероприятий, в том числе и концерт вместе с его учениками.
Валерий Григорьевич начал преподавательскую деятельность в Московской консерватории в 1991 году по приглашению К.С. Хачатуряна. А с 2010 года он возглавил кафедру инструментовки. За годы работы профессор Кикта воспитал целую плеяду молодых талантливых музыкантов. И мне, на своем собственном опыте, посчастливилось ощутить высочайший уровень профессионализма учителя, которым он с радостью делится с учениками. Мастерски владея приемами инструментовки, он закладывает своим студентам тот прочный базис, который для многих становится путеводным навсегда.
Особо хочется отметить чуткость, необыкновенную тактичность и искренне заботливое отношение Валерия Григорьевича к своим подопечным. Он всегда приветлив, легок в общении и старается всячески помочь своим молодым коллегам, что не часто бывает в среде искусства. «Так, пишите для арфы, для органа… А для хора у вас есть что-нибудь?» – интересуется он, и не голословно, а тут же познакомит с талантливым исполнителем и порекомендует с лучшей стороны.
Но самому главному, тому, чему невозможно научить словами, мы учились на музыке Маэстро. Сам Валерий Григорьевич очень точно определил свое творческое кредо так: «Ставя перед собой художественную сверхзадачу при создании нового произведения, я прислушивался к своему внутреннему голосу и чувству – писать ясно, понятно и ярко». Найти индивидуальность звучания, отражающую внутренние ощущения художника, собственную интонацию, способную зацепить ухо пресыщенного и перегруженного противоречивым звуковым потоком искушенного слушателя – задача очень нелегкая. Стремление казаться оригинальным, изобретательным подчас приводит к полному отрыву от окружающей реальности. А заигрывание с массой, желание быть «на устах у всех» неизбежно сводится к банальности и даже пошлости, не имеющих ничего общего с истинным искусством. И только немногие способны найти свое особое место в мире творчества, где создаются подлинные произведения искусства – артефакты современной культуры, не оставленной Духом, – несущие в себе неповторимый отсвет индивидуальности.
Именно к таким творцам можно смело отнести композитора В.Г. Кикту – крупнейшую художественную личность современной России. Одним из важнейших его качеств является независимость от изменчивых музыкальных пристрастий и течений. Он пишет так, как чувствует, в естественной для себя языковой манере, сочетающей лучшие традиции русского искусства и новизну звучания. Это давно стало его визитной карточкой, узнаваемой особенностью его музыки.
Характерная черта эстетических воззрений композитора Кикты – стремление к диалогу со слушателем, желание быть понятым. Его искренне беспокоит чувство сопереживания, которое вызывает только высокое творчество. Именно это, в сущности, всегда волновало истинных художников, в той или иной мере они во все времена думали о взаимодействии с окружающей реальностью, о некой таинственной соразмерности творческого результата с жизненной действительностью. «Истинное музыкальное откровение и воздействие происходят тогда, когда от исполненного произведения слушатель постигает глубинное содержание, красоту и богатство гармонии, свет и радость, приносящие его душе утешение и успокоение», – таково убеждение самого композитора.
Музыка Кикты широко известна и постоянно исполняется не только в России, но и за ее пределами. В «творческом портфеле» композитора 12 балетов, включенных в репертуар Большого театра, Новосибирского театра оперы и балета, Нижегородского театра оперы и балета, Иркутского музыкального театра, Национальной оперы Украины, театра оперы и балета республики Коми, балетных трупп Канады и США. Его перу принадлежат симфонические произведения: «Украинские колядки, щедривки и веснянки», «Фрески Святой Софии Киевской», вариации на тему П.И. Чайковского «Был у Христа-младенца сад», «Похищение Европы» (по картине В.А. Серова), «Владимир-Креститель»; оратории и кантаты – «Княгиня Ольга», «Песнь о матери», «Святой Днепр», «Свет молчаливых звезд»; инструментальные концерты: три концерта для фортепиано с оркестром, Концерт-новелла для двух фортепиано с оркестром, четыре концерта для гобоя с оркестром, концерт для тубы с оркестром, концерт для тринадцати труб соло, «Концерт на шотландские темы XVI–XVIII веков» для двух арф с оркестром, «Волынские наигрыши» – концерт для четырех видов флейт с оркестром, концерт для валторны с оркестром; произведения для оркестра русских народных инструментов, для хора, вокальные и камерно-инструментальные произведения, музыка для театра и кино. Замыслы многих сочинения возникали непосредственно из теплого общения автора с замечательными исполнителями, которые затем включали его произведения в свой концертный репертуар.
Помимо композиторской и педагогической деятельности Кикте удается вести насыщенную общественную жизнь. Он возглавляет комиссию музыкального театра Союза композиторов Москвы, является председателем правления Русского арфового общества и президентом Фонда имени И.С. Козловского, где постоянно открывает новые имена замечательных исполнителей. Его приглашают возглавить жюри различных конкурсов, зная его честность и искреннее желание помочь молодым музыкантам и поддержать их.
Слушая музыку Кикты, я всегда ощущаю какое-то безотчетное состояние радости и света, наполняющего все вокруг. Благодаря таким людям, как Валерий Григорьевич, благодаря высокодуховной направленности его творчества, несущего позитивную, добрую энергетику, современному человеку легче преодолеть многие жизненные трудности и найти утешение души, которое дает только высокое искусство.
20 октября в Малом зале состоялся юбилейный концерт профессора кафедры сочинения, композитора и ученого Александра Александровича Коблякова. В программе были сочинения юбиляра и его учеников.
В начале прозвучали приветствия и поздравления в адрес виновника торжества от Союза композиторов и научного сообщества в лице главного научного сотрудника института философии РАН, доктора психологических наук В.Е. Лепского, который отметил уникальность А.А. Коблякова как междисциплинарного ученого, работающего на стыке музыки, логики, математики, когнитивных наук. Диапазон музыкального творчества А.А. Коблякова также обширен: от серьезной симфонической музыки до мюзикла и песен. Эту разносторонность он старается привить и нам, своим ученикам, что подтвердила программа юбилейного концерта, вместившая в себя целый спектр жанров: от академической камерной музыки до рок-оперы.
Концерт начался с пьесы для фортепиано Ольги Авраимовой. Ее музыка показалась воплощением эфемерности, легкости и неуловимости. В сочинении чувствовались и продолжение традиций фортепианной музыки, ярко представленных в циклах фортепианных миниатюр, например, Прокофьева или Бартока, и влияние музыкального языка конца прошлого-начала нынешнего веков, выразившегося в использовании сонорных приемов и новом ощущении музыкальной формы.
Два сочинения Виктора Зиновьева – Post scriptum и каденция №5 для контрабаса solo – отличались стилевым разнообразием. Виртуозная каденция для контрабаса продемонстрировала высокий профессионализм автора в понимании особенностей и специфики этого инструмента, владение богатой палитрой различных приемов звукоизвлечения на контрабасе и умение выстроить их в логичную, цельную и динамичную форму. Если в каденции для контрабаса solo можно проследить продолжение традиции сольной виртуозной концертной пьесы с использованием различных современных исполнительских техник, заложенные еще Л. Берио в своих секвенциях, то в сочинении Post scriptum воплощается иная музыкальная эстетика, близкая французскому спектрализму. Гармоническим материалом для этой пьесы служит ряд обертонов, на основе которого выстраивается изысканный «диалог» между фортепиано и кларнетом.
Прекрасно прозвучала четырехчастная соната для скрипки соло Анастасии Ведяковой, глубокое и выразительное сочинение, написанное современным языком. Очень органичны в нем были интересные приемы игры на скрипке, как и мастерское исполнение в целом: ведь Анастасия — великолепная скрипачка, лауреат международных конкурсов, солистка Смоленской филармонии.
В заключение первого отделения прозвучали два сочинения юбиляра: соната для контрабаса и фортепиано в великолепном исполнении заслуженного артиста РФ Николая Горбунова (которому она посвящена) и лауреата международных конкурсов Ольги Плетниковой; и вариации для фортепиано, блистательно исполненные лауреатом международных конкурсов Михаилом Турпановым. В сочинениях Александра Александровича хочется отметить четкость и логичность драматургии, способность развивать «по максимуму» заложенные в музыкальном материале ресурсы. В этом и заключается подлинная сущность композиции: придать материалу органичную форму, которая бы приковывала внимание слушателя от первой и до последней ноты. Именно этому Александр Александрович учит и своих учеников, прививая им тонкий вкус и ощущение логики развития материала, при этом находя к каждому свой, индивидуальный подход, заботливо раскрывая потенциально заложенные в ученике склонности и способности.
Второе отделение началось с «Трех посвящений Альбану Бергу» Вячеслава Харченко. Смысл этого сочинения определяется его названием, идея цикла – вспомнить характерный колорит сочинений Берга, который раскрывался бы с двух сторон: конструктивно-технической и смысловой. С технической стороны была использована излюбленная Бергом разработка одного центрального созвучия: в каждой пьесе оно имеет свою структуру и свою логику развития. Со смысловой – воссоздание общего колорита эстетики экспрессионизма, так убедительно и естественно переданного Бергом в своем творчестве (особенно полно, на мой взгляд, в его операх). Скрытая программа этого сочинения требовала от слушателя определенной эрудиции. В результате возникло интересное сочинение, которое хочется слушать, и не один раз. Нельзя не отметить и исполнителя – пианиста Евгения Николаева. Ввиду потери зрения он должен преодолевать неимоверные сложности, разучивая классическую и современную музыку, но каждый раз блестяще с этим справляется!
Каждое произведение концерта открывало микрокосм его автора. Тимофей Владимиров в вокальном цикле «Снег» связал традицию русских лирических романсов с современной стилистикой, органично выражая замысел поэтического текста в каждом из номеров. Вниманием к музыкальному звуку была отмечена «Серенада» Марии Аникеевой, а также новым, очень тонким пониманием музыкальной формы: ощущалось не движение, а скорее, «пребывание в одном состоянии», наполненном переливами тембровых красок. На одном дыхании слушался двойной концерт для фортепиано, маримбы и ансамбля Ивана Миронюка – масштабное сочинение, в котором сочетаются минимализм, джазовые гармонии и мелодическое богатство автора. Сочинение было с воодушевлением встречено публикой.
Концерт завершился темпераментными номерами из рок-оперы «Тибетский путеводитель» Артёма Пыся по мотивам произведений Дж. Сэлинджера. Автор музыки выступил в качестве пианиста, а солировала, причем блестяще, лауреат международных конкурсов Софья Онопченко. Два вокальных номера, написанных в джазовом стиле, завораживали мелодической гибкостью и в то же время ясностью, при этом использование колоритных гармонических красок привнесло в эти сочинения динамизм, пластичность и выразительность. Второй из номеров – «Свадебный хор» – отличался еще и полистилистически: в качества музыкального материала для него был взят свадебный хор из третьего действия «Лоэнгрина» Вагнера, который использовался в качестве коллажа, наполняемого по мере развития музыки все более терпкими гармониями, характерными для джаз-рока.
Юбилейный концерт прошел с большим успехом. Наши поздравления юбиляру и всем участникам!
Судьбы выпускников Московской консерватории складываются по-разному. Кто-то реализует себя на концертной эстраде, кто-то остается преподавать в своей Alma mater, а вот герой нашей беседы нашел свое призвание в служении Богу через древнерусское знаменное пение. Осенним днем в праздник Воздвижения мне довелось побеседовать с Глебом Борисовичем Печёнкиным – выпускником композиторского факультета Консерватории (годы учебы: 1990–1997). Прогуливаясь по парку, он рассказал о своем непростом и интересном пути – от академического композитора к головщику-знаменщику.
В храме св. муч. Татианы при МГУ
– Глеб Борисович, с чего началось Ваше увлечение знаменным пением?
– История очень интересная. В 1987 году, когда я учился в Московском хоровом училище имени А.В. Свешникова, некая Греческая продюсерская компания заказала хору Московской консерватории к празднованию 1000-летия Крещения Руси исполнение древнерусской Всенощной в концертном варианте. Для исполнения в хор пригласили и нескольких юношей из нашего училища. Насколько мне стало известно, делегаты хора консультировались со старообрядцами, а расшифровку, если я не ошибаюсь, делала Т.Ф. Владышевская. Хором руководил покойный Б.Г. Тевлин, а в качестве одного из солистов фигурировал известный хормейстер Л.З. Конторович. Затем фрагменты Всенощной попали в репертуар Хора училища (под руководством В.С. Попова).
Этот пласт настолько запал мне в душу, что, выражаясь современным языком, я испытал «культурный шок». Примерно в это же время я стал петь на клиросе в современной традиции. Но гармоническое многоголосие уже не соответствовало моим представлениям о литургическом пении. Я служил во многих храмах и каждый раз вспоминал про знаменное пение.
– А как Вы освоили крюковую нотацию?
– Уже будучи студентом Консерватории во время Великого поста, я садился в читальный зал и изучал разные пособия: Л.Ф. Калашникова, М.Д. Озорнова и др. Интересно, что долго не мог начать петь по крюкам, хотя знал все знаки. И однажды я вспомнил, как научился читать. В детстве мне читали разные сказки, и я их запоминал. Затем, когда я открыл одну из сказок, я вдруг понял, что читаю ее, так как она мне хорошо знакома. То же самое было у меня и с крюковой нотацией, когда я напелся по нотам и напевы укоренились в моей памяти, я вдруг понял, что уже пою по крюкам, не расшифровывая их.
Большое влияние на меня оказали книги В.И. Мартынова «История богослужебного пения», прот. Б. Николаева «Знаменный распев и крюковая нотация как основа русского православного церковного пения», И. Гарднера «Богослужебное пение Русской православной Церкви». Они дали мне ответы на многие вопросы и искания.
– А пересекались ли Вы в Консерватории с нашими выдающимися медиевистами Т.Ф. Владышевской и И.Е. Лозовой?
– Да, но Т.Ф. Владышевская у нас ничего не преподавала, она читала курс палеографии теоретикам. С И.Е. Лозовой мы общались творчески, я ей задавал вопросы, иногда приглашал на экзамены в свою певческую школу, чтобы она послушала, чему научились мои воспитанники.
На клиросе Г.Б. Печёнкин с супругой
– Пробовали ли Вы как-то совмещать знаменный роспев и композиторскую практику?
– Да, был такой момент. На защите диплома в аспирантуре я показывал свой распев самогласной стихиры и, должно быть, вошел в историю композиторской кафедры Консерватории. У новообрядцев есть служба «Погребения Божьей матери» (калька с богослужения «Великой Субботы»), там одна из стихир «Тебе одеющуюся» написана как бы на подобен (то есть по модели — примеч. Д. Д.) к другой стихире — «Тебе одеющагося», но текст там гораздо длиннее. Последнюю я взял за основу и интерпретировал с новым текстом, то есть как бы попробовал себя в роли роспевщика.
Мой руководитель, В.Г. Агафонников, посоветовал мне показать эту стихиру на дипломном экзамене. Я спел ее по написанным мною крюкам. Комиссия слушала очень внимательно, все смолкли и, вероятно, не знали, как реагировать на это. В стенах Московской консерватории такое звучало впервые. Заведующий кафедрой, покойный А.С. Леман, который тогда был главой комиссии, сказал: «Вам от государства надо выдать охранную грамоту».
После окончания Консерватории я еще какое-то время продолжал заниматься композиторским творчеством: писал на заказ, делал переложения духовных стихов, обработки знаменного роспева для хора. В 2003 году готовился к выходу сборник «Всенощное бдение: Древние роспевы», это было переиздание сборника Римского-Корсакова «Пение при Всенощном бдении древних напевов» (СПб, 1888. – примеч. Д.Д.). В собрании Римского-Корсакова не было степенных антифонов и их обработку заказали мне.
Но в какой-то момент я понял, что больше писать не могу. У человека, который чем-то занимается, должна быть идея, а эта идея у меня потухла, я не видел смысла, мне это уже стало неинтересно. Однако я стал трудиться как роспевщик: перекладывал дореформенные песнопения с пореформенным текстом, делал редакции уже существующих распевов. Тут мои композиторские наработки мне пригодились.
– Расскажите о своей педагогической практике.
– После окончания Консерватории у меня родилась интересная мысль – создать знаменную певческую школу для детей. 15 лет я занимался с отроками. Это были очень плодотворные занятия, ведь дети приходили ко мне как чистый лист, их сознание не было отягощено академическими стереотипами, они могли смотреть на все новое незамутненным взором.
– Какой методикой Вы руководствовались при занятии с детьми?
– Разными. Изначально я пытался совмещать линейную нотацию и крюки. Но учили знамёна мы через сольфеджио, что было не совсем правильно. Эта методика неэффективна, особенно для людей без слухового опыта. Я очень долго думал над этим и в итоге пришел к совершенно другой методике, которая, как мне кажется, воскрешает аутентичные способы обучения.
– Вы имеете в виду Вашу «методику слоев»?
– Да, это одно из рабочих названий. На этой методике строится мое новое учебное пособие для начинающих «Пение по древнерусским знаменам». Родилась она благодаря сравнительному анализу нотаций разных периодов, а также практики старообрядцев разных согласий. Чем ближе рукопись к нашему времени, тем сложнее невменная запись песнопений, но мелодическая канва остается той же. Возможно, мелос эволюционировал и усложнился со временем, а может он таким и был, просто запись была стенографической и всего не отражала. По-видимому, нотация давала определенную свободу в интерпретации. Эту свободу мы сейчас все потеряли.
Кроме того, я разрабатываю терминологию, которая была бы удобна для практики, вернее, даю новую жизнь древней забытой терминологии.
В храме Покрова Пресвятой Богородицы в Рубцово
– Азбучной?
– Да, но из старых азбук, не современных. Меня интересуют описательно-толковательные руководства XVI века, где каждый знак предписывается исполнять особым образом («из гортани гаркнуть», «подынуть к верху» и т.п.). Многие исследователи сейчас ломают голову, пытаясь понять, что это могло означать. Исходя из многолетней практики, я пришел к выводу, что описательные толкования знаков на самом деле указывают на мелизматику. То есть многоступенные знамена нельзя понимать точечно, как выражение мелодии, это все усложнение распева основного тона слога литургического текста.
– Как я понимаю, для Вас первична наречная традиция, а как Вы познакомились с наонной?
– Про наонную традицию я долгое время ничего не знал, я работал по книгам, которые у меня были (калашниковские издания, азбуки). Уже позднее я познакомился с поморскими книгами и стал изучать этот пласт. Однако если некоторые считают, что надо выбирать какую-то одну традицию, то я за то, чтобы все это изучать и обобщать, применять к сложившимся условиям и пропускать через собственный опыт. Вот как есть латынь, а есть языки, которые вышли из нее, эти языки хотя и базируются на латыни, но каждый из них – своя собственная культура, свои традиции, свое произношение. Так же я смотрю и на старообрядческие традиции. Они – своего рода новые европейские языки, а я хочу все-таки изучать и практиковать «латынь», для этого я знакомлюсь со всеми этими «языками».
– А какова Ваша позиция относительно манеры пения?
– Мне надо петь так, как мне удобно. Понятно, что момент подражательности на определенных стадиях становления неизбежен. Когда я слушал «поповцев», я начал петь таким же академическим голосом в высоком тоне, потом слушал «казаков-некрасовцев» и увлекался мелизматикой, слушал «поморцев» – пытался петь по-поморски. Но я понимал, что говорю не своим языком. Молитва выше всех подражаний. Нужно найти оптимальный путь, свой собственный.
– А изучали ли Вы византийскую традицию?
– Да, конечно, вначале самостоятельно учил по болгарским учебникам, затем слушал записи.
На службах византийским роспевом я не пою. Византийская и знаменная традиции – это все же разные языки, трудно их совмещать. Но определенное влияние византийской культуры я испытал, и это расширило мои представления о знаменном пении. На архивных старообрядческих записях есть много схожего с византийским пением. В основе этих разных певческих культур одинаковое мышление – ладовое. В современной знаменной традиции это сейчас практически утеряно.
– Как Вы считаете, нужно ли популяризировать знаменный роспев в светском обществе или он должен оставаться достоянием лишь узкого круга «посвященных»?
– Стоит, но скорее в миссионерском ключе. Важно делать акцент не на том, как это оригинально и красиво, но дать понять, что это продукт определенного уклада жизни. Нужно воспринимать эту культуру, прежде всего, в том пространстве, для которого она создавалась. Концертная практика все искажает. Знаменный роспев на концерте – это все равно, что выразительная декламация молитв на сцене.
В Москве состоялось грандиозное культурное событие, в котором приняло участие большое количество брасс-музыкантов со всей страны: с 5 по 8 октября 2021 года в концертных залах РАМ им. Гнесиных прошел I Фестиваль оркестровых медных духовых и ударных инструментов, носящий имя знаменитого на весь мир музыканта, заслуженного деятеля искусств РФ, профессора В.Н. Досадина (1933–2012).
Брасс-квинтет Большого театра России
Фестиваль был организован благодаря совместной творческой работе двух ведущих музыкальных вузов России: кафедры медных духовых инструментов РАМ имени Гнесиных в лице преподавателя по классу тубы Ф.Т. Мусина и кафедры медных духовых инструментов МГК имени П.И. Чайковского под руководством заведующего кафедрой, профессора Э.Б. Юсупова. Консерваторская кафедра постоянно находится в авангарде отечественного исполнительства, ориентируется на зарубежный опыт и предлагает свои творческие наработки, создает новаторские проекты, аккумулирует вокруг себя лучших музыкантов. Ее действующий проект «Новая духовая школа», в рамках которого организован фестиваль, – яркое тому доказательство.
Масштабные фестивали, направленные на популяризацию медных духовых инструментов в России, – явление в наши дни достаточно редкое и, конечно, значимое. Особенно востребованы события, которые отражают современное состояние отечественной духовой школы и концертного исполнительства на медных инструментах и ориентированы на все возрастные категории участников: от воспитанников детских музыкальных школ до признанных мастеров-виртуозов. Каждый подобный брасс-форум – настоящее событие, несомненно перспективное и имеющее большой потенциал для организации педагогической работы в сфере музыкального исполнительства.
Имя Владимира Николаевича Досадина хорошо знакомо музыкантам-профессионалам и любителям духовой музыки. Выдающийся тубист, профессор В.Н. Досадин в течение десяти лет возглавлял оркестровый факультет РАМ, был председателем творческой комиссии исполнителей на медных духовых инструментах Международного союза музыкальных деятелей. Он создал свою школу тубного исполнительства, вел постоянную работу по расширению педагогического репертуара для тубы и совершенствованию методики преподавания на этом инструменте. Для него написаны Концерт для тубы с оркестром Аркадия Нестерова, Концерт для тубы с оркестром и Фантазия на темы Римского-Корсакова Валерия Струкова, Соната для тубы Николая Ракова.
Владимир Николаевич воспитал не одно поколение тубистов. Среди его учеников более шестидесяти лауреатов Международных и Всероссийских конкурсов тубистов, чья игра запоминается не только отточенной техникой, но и яркостью тембра, бережным звуковедением. Коллеги высоко ценили талант музыканта. Так, Геннадий Рождественский называл Досадина «замечательным музыкантом и многолетним сотоварищем по БСО». Свою симпатию выражал и Арам Хачатурян, называя Досадина «талантливым и очень милым человеком, прекрасным музыкантом». Сохранилась открытка, посланная Ириной Архиповой из Домского Собора Риги: «Володе Досадину на память и с наилучшими пожеланиями в творчестве, в личной жизни».
Мастер-класс профессора Э.Б. Юсупова
Задумывая фестиваль памяти выдающегося музыканта, артиста яркого дарования и огромного таланта, благородного и душевного человека, его ученики и коллеги стремились сделать это событие неформальным. Оргкомитет фестиваля видел свою задачу в создании непринужденной атмосферы и моделировании яркой творческой среды, которая наполнялась бы новыми культурными веяниями и отвечала потребностям современного слушателя. Концепция фестиваля органично сложилась из синтеза современных тенденций в исполнительстве и новейших методических разработок в преподавании игры на медных духовых инструментах в Московской консерватории.
Все мероприятия фестиваля были направлены на формирование общей культуры у московского и, шире, российского студенчества, морально-духовных ценностей и эстетических ориентаций у совсем еще юных исполнителей – учащихся детских музыкальных школ и училищ. Программа концертов и мастер-классов, дискуссии на Круглом столе формировались организаторами с целью сохранения и развития культурного наследия России, распространения музыкально-педагогического творчества выдающихся музыкантов, популяризации исполнительства на оркестровых медных духовых и ударных инструментах, в том числе – и на поддержание интереса к исполнительской культуре разных этносов и народностей нашей страны.
Дата торжественного открытия фестиваля, посвященного памяти талантливого педагога совпала с Международным Днем учителя 5 октября и была приурочена к этому празднику. В масштабном концерте приняли участие более тридцати ведущих российских исполнителей-солистов, среди которых были педагоги Московской консерватории профессор Э.Б. Юсупов, доцент А.А. Раев, доцент А.В. Старков, ст. преподаватель Я.А. Беляков, а также знаменитые коллективы: брасс-квинтет Большого театра России, квартет тромбонистов и Большой брасс-ансамбль ГАСО имени Е.Ф. Светланова, брасс-ансамбль Music brass, брасс-квинтет и квартет тромбонов РАМ имени Гнесиных, ансамбль ударных инструментов Percarus Duo и Большой брасс-ансамбль Московского молодежного Брасс содружества. Это был настоящий праздник духовой музыки!
Концерт учащихся ДМШ и ССУЗ
Во второй фестивальный день в Музыкальной гостиной Дома Шуваловой состоялись мастер-классы ведущих педагогов: Эркина Бахтияровича Юсупова – солиста и концертмейстера группы тромбонов Большого театра России, профессора и заведующего кафедрой медных духовых и ударных инструментов Московской консерватории; Юрия Алексеевича Афонина – солиста оркестра Большого театра России, преподавателя тубы кафедры оркестровых духовых и ударных инструментов ГМПИ имени М.М. Ипполитова-Иванова; Алексея Александровича Раева – солиста и концертмейстера группы валторн Большого театра России, доцента кафедры медных духовых и ударных инструментов Московской консерватории; Евгения Анатольевича Алимова – солиста группы труб Государственной симфонической капеллы России п/у Валерия Полянского, преподавателя Академии джаза.
Мастер-классы, как и концерты ведущих педагогов, были объединены общей благородной идеей: созданием условий молодому поколению для осознанного выбора будущей профессии. Они отличались не только царившей дружеской и высокопрофессиональной атмосферой, но и глубиной теоретического анализа, высокой практической ценностью рекомендаций и рассматриваемых проблем. В ходе занятий педагоги использовали современные образовательные технологии – развивающего, коллективного, интерактивного обучения, а также исследовательский подход. Конечно, мастера учитывали индивидуальные возможности учеников: доступное и понятное изложение материала о технике исполнительства и современных приемах игры на духовых инструментах способствовали моментальному применению полученных знаний на практике. Все четыре мастер-класса были продуманы педагогами таким образом, что позволяли присутствующим проявить свои способности, навыки владения инструментом, информированность и заинтересованность в знаниях. Дети с большим желанием учились у известных исполнителей, а профессиональные музыканты с радостью делились своим творчеством, передавая свой опыт молодому поколению.
7 ноября, в третий день фестиваля, состоялся концерт учащихся детских музыкальных школ и средних специальных учебных заведений. Большой творческий вклад в реализацию детского концерта внес Я.А. Беляков. Под его руководством большой Брасс-ансамбль Московской консерватории исполнил торжественную фанфару и с первых звуков задал высокую планку мероприятию.
Торжественное закрытие фестиваля 8 ноября ознаменовалось Гала-концертом с участием ведущих солистов, ансамблей и губернских оркестров России: ансамбля барабанщиков «Фиеста» Института военных дирижеров Военного Университета МО РФ п/у заслуженного артиста России В.И. Аникина; Нижегородского губернского оркестра п/у заслуженного артиста России Е.Н. Петрова; Губернаторского оркестра Московской области Московского губернского драматического театра (Худрук театра – народный артист РФ С.В. Безруков), главный дирижер – заслуженный артист РФ С.В. Пащенко, дирижер К.О. Черчик.
Слушатели и гости фестиваля познакомились с удивительным миром музыкальной романтики, услышали захватывающие выступления разнообразных творческих коллективов, оценили красоту, изящество и мастерство сольных исполнителей, а также получили возможность представить себя в роли оркестрового музыканта. Фестиваль оказался очень востребованным, стал настоящим событием и в музыкантской среде, и для слушателей концертов, среди которых были люди разных возрастных и социальных групп. Пожелаем же Первому Фестивалю имени В.Н. Досадина продолжения и будем ждать новый праздник духовой музыки в следующем году!
