№6 (1389), сентябрь 2022 года

С 11 по 16 июля в Севастополе прошла Вторая молодежная музыкально-образовательная программа Московской консерватории. По словам ректора Консерватории, профессора А.С. Соколова, «эта программа чрезвычайно важна не только для крымчан, севастопольцев, но и для нас тоже, так как просветительство, распространение опыта Московской консерватории в регионы – наша важная миссия, и в этом отношении Крым сегодня на первом месте».

Старт программы был дан в 2021 году, в год 150-летия Московской консерватории, когда в связи с пандемийными ограничениями перестал существовать студенческий лагерь в Светлогорске, бывший в течение многих десятков лет местом притяжения активной консерваторской молодежи. Замечательные результаты первой программы были отмечены Министерством культуры РФ и ФГБУК «Росконцерт», поддержавших организацию второго сезона программы.

Несмотря на тревожную обстановку в городе в связи с близостью границ, два концерта консерваторцев в Севастопольском центре культуры и искусств прошли с большим успехом и при полном аншлаге. 13 июля состоялся концерт вокально-инструментальной музыки «Молодые звезды Московской консерватории». В его программе звучала музыка Рахманинова: пьесы для фортепиано в четыре руки «Русская песня» и «Слава» в исполнении Юлии Куприяновой и Александры Котляревской, виолончельная соната соль-минор в исполнении Евгении Беляевой (виолончель) и Ильи Югова (фортепиано). Вдохновенная кларнетовая интерпретация «Размышления» Массне доцентом кафедры духовых инструментов Н.Л. Агеевым вызвала теплый отклик у публики. Квартет класса доцента А.Р. Янчишиной в составе Екатерина Карпова (скрипка), Евгения Шмидт(скрипка), Надежда Жданова (альт) и Евгения Беляева (виолончель) с большим подъемом исполнил Струнный квартет №2 Чайковского. Воспитанницы доцента Е.И. Скусниченко Елизавета Шпилейко (сопрано) и Вероника Ан (сопрано) спели виртуозные арии Генделя и Чапи. Блестяще завершила концерт сама Екатерина Скусниченко(сопрано), вдохновенно исполнив романсы Чайковского и Гаврилина. Спетый ею на бис «Севастопольский вальс» К. Листова публика встречала стоячими овациями.

15 июля прошел гала-концерт программы с участием Севастопольского симфонического оркестра под управлением заслуженного деятеля искусств Украины и заслуженного работника культуры России В.Н. Кима. Высокую исполнительскую культуру музыкантов, которая позволила слушателям испытать эстетическую радость от художественного восприятия исполняемых произведений, отметила в своем приветственном слове заместителя председателя Комитета по науке, образованию и культуре Совета Федерации Е.Б. Алтабаева.

С особой теплотой публика приветствовала музыкантов, чей творческий путь начался в Севастополе – ассистента кафедры специального фортепиано Эльмара Гасанова и воспитанницу вокального класса Е.И. Скусниченко Елизавету Шпилейко. В преддверии 150-летнего юбилея С.В. Рахманинова Эльмар исполнил с оркестром I часть Второго фортепианного концерта, а Елизавета виртуозно спела арии Генделя и Пуччини. Поразила публику Полина Борисова (скрипка) мастерским исполнением Концертной фантазии на темы из оперы «Порги и Бесс» Гершвина в обработке выдающегося скрипача, проф. И.А. Фролова.

По словам председателя Общественного совета при Департаменте культуры Севастополя А.М. Костенникова, «это был тот редкий случай, когда после каждого номера, после каждого исполнителя зал взрывался бурными аплодисментами. И такой эмоциональный отклик севастопольских любителей музыки был не случаен. Вся программа концерта и его драматургия была выстроена и продумана настолько, что способствовала раскрытию индивидуальных качеств музыканта, демонстрировала музыкально-техническую безупречность исполняемого номера. Благодаря этому музыка барокко и романтизма, оперы и оперетты, вокальная и инструментальная естественным образом, без каких-либо противоречий сменяли друг друга, раскрывая огромные музыкально-эстетические возможности мировой и отечественной культуры и ее мощное воздействие на слушателя, а главное – высочайший исполнительский уровень отечественной музыкальной школы».

• 

• 

Концерты посетили более 1000 севастопольцев и крымчан. В числе почетных гостей присутствовали сотрудники севастопольского отделения ПАО «Промсвязьбанк», партнера Московской консерватории. Каждому концерту предшествовал просветительский музыкальный лекторий студента пятого курса НКФ, лауреата Всероссийского конкурса имени Ю.Н. Холопова Ивана Поршнева.

Более 100 одаренных детей Севастополя и Крыма приняли участие в мастер-классах и открытых уроках педагогов Московской консерватории в старейшей Севастопольской музыкальной школе №1 имени Н.А. Римского-Корсакова. С учащимися восьми музыкальных школ Севастополя работали: ассистентка П.В. Борисова («скрипка»), доцент Н.Л. Агеев («кларнет», «саксофон»), преподаватели Ю.С. Куприянова и Э.В. Гасанов («фортепиано»), доцент Я.А. Кабалевская («слушание музыки»), И.Д. Поршнев («музыкальная литература»). 

Впервые в Севастополе для широкой аудитории был организован концертный мастер-класс художественного руководителя проекта «Территория сопрано», доцента Е.И. Скусниченко, в котором приняли участие не только начинающие певицы, но и профессиональные исполнительницы, в том числе солистки Крымской филармонии. «Музыкально-образовательная программа Консерватории в Севастополе – вспоминает Екатерина Игоревна, – была наполнена пронзительным ощущением единства и неотъемлемой принадлежности Крыма к великим традициям русской исполнительской школы и русским культурным традициям! Мастер-класс по вокалу был наполнен теплой и дружественной атмосферой, абсолютно все участники, от только начинающих певцов до мастеров сцены, продемонстрировали прекрасные голоса и высокий уровень подготовки, и очень надеюсь, что каждый из них смог получить мотивацию для своего дальнейшего развития и у каждого хоть немного выросли крылышки за спиной».

• 

• 

Как отметила участница мастер-класса Анна Качалова, заслуженная артистка Севастополя, «это большой багаж для вокалиста – услышать мнение о своем исполнении, почерпнуть для себя новые технические моменты. Для меня это возможность услышать авторитетное мнение педагогов такого высокого ранга как Московская консерватория». 

Искренняя благодарность детей и педагогов крымских музыкальных школ, аншлаг и овации публики на концертах, многочисленные публикации в прессе и телерепортажи свидетельствуют об успехе и практической пользе севастопольского проекта, объединившего студентов и педагогов в творческом взаимодействии и «перекрестном опылении» (по словам ректора А.С. Соколова). От всей души благодарим за неоценимую помощь в организации мероприятий художественного руководителя программы, проректора В.А. Каткова, продюсеров В. Дедюхина и Ю. Куприянову, директора агентства «ИнвестТур» Н. Коломину, директора КСО Московской консерватории Д. Дмитриеву, дирекцию Севастопольского центра культуры и искусств, администрацию Севастопольской музыкальной школы №1 и лично директора Т.А. Ким. Достигнуты договоренности о проведении осенью 2022 года третьей программы, включающей не только концерты и мастер-классы, но и научно-практическую конференцию, посвященную культурным взаимосвязям Москвы и Крыма. Летом 2023 года, в год 240-го юбилея Севастополя, планируется осуществить исполнение Севастопольской симфонии Бориса Чайковского совместными силами Севастопольского симфонического оркестра и студентов-солистов Консерватории. 

Насыщенную просветительскую программу дополняла блестяще организованная экскурсионная: консерваторская делегация посетила знаменитые крымские Воронцовский и Ливадийский дворцы. Воспоминания участников передают пережитое общее радостное настроение: «Благодарю за великолепную организацию и завоплощение прекрасного проекта! Счастлива быть частью большой команды, объединенной созидающей идеей, направленной на поддержку талантливых детей и студентов Москвы и Крыма» (П.В. Борисова). «Огромное спасибо за предоставленную прекрасную возможность посетить Крым и одну из его жемчужин – Севастополь. Поездка получилась чудесной и имела замечательный успех, что подтвердилось теплой и сердечной реакцией детей на мастер-классы и публики на лекции и концерты» (И. Поршнев).

Доцент Я.А. Кабалевская, исполнительный директор программы

Фото Эмиля Матвеева

№5 (1388), май 2022 года

Майские дни в России традиционно ассоциируются с двумя датами – один, Первомай, уже потерял идеологическую привязку и воспринимается, как удачный повод отдохнуть. А вот День Победы по-прежнему остается для многих «самым важным праздником» – об этом свидетельствуют и высказывания в личных страницах в соцсетях, где люди выкладывают фотографии близких, отдавших жизнь в боях за Победу. Поэтому появление в 2013 году фестиваля, посвященного событиям и страницам Великой Отечественной войны, стало естественным шагом. «Высокая нравственная миссия фестиваля – через музыкальное искусство способствовать патриотическому воспитанию наших соотечественников», – считает профессор А.С. Соколов, ректор Московской консерватории. С 4 по 11 мая в Московской консерватории прошел Десятый Международный фестиваль искусств «Дню Победы посвящается…».

«Память о главном, о подвигах во имя жизни – в основе концепции программ фестиваля. С глубоким почтением склоняем головы перед теми, кто, не жалея жизни, защищал соотечественников на фронте и в тылу», – подчеркнул инициатор и бессменный художественный руководитель, профессор Александр Владиславович Соловьёв. Также стоит отметить искренний посыл организаторов: «Наш фестиваль не приурочен к круглым датам: ведь есть события, которым мы должны отдавать дань памяти вне зависимости от их юбилейности – по велению сердца и совести. К таковым, прежде всего, относится годовщина Дня Победы в Великой Отечественной войне».

«Для меня тема войны особенно близка, так как мой дед Василий Иванович Алексеенко – летчик-испытатель, участник Великой Отечественной войны, награжден пятью боевыми орденами и многими медалями – признается А. Соловьёв. – Одна из его известных работ по истории авиации и авиационной техники: “Советские ВВС накануне и в годы Великой Отечественной войны”. На важности знания этих трагических страниц истории нашей страны для самоидентификации каждого человека также делал акцент основатель Камерного хора Московской консерватории, профессор Борис Григорьевич Тевлин. Он неоднократно организовывал программы, связанные с Днем победы в Великой Отечественной войне, и через этот репертуар мы “приближались” к событиям тех лет».

Уникальность фестиваля в том, что на сегодняшний день – это единственный фестиваль искусств в России, целиком посвященный теме Великой Отечественной войны; она осмысляется через существующие в самых различных жанрах произведения искусства. Именно за такую оригинальность концепции и мощный патриотический пафос Министерство обороны РФ отметило фестиваль вначале специальным дипломом (2016), а затем премией в области культуры и искусства в номинации «Культурно-просветительские проекты» (2017).

Пролистывая буклеты фестиваля, видишь, сколько ярких гала-концертов, театрализованных постановок состоялось за этот период. «Молитва о России» (2013) режиссера П. Татарицкого; «Хотят ли русские войны» (2014) – проект Камерного хора МГК совместно с актерами театра «Ленком»; танцевально-драматический спектакль «Письма памяти» (2015) режиссера О. Николаева и артистов «Театра Луны»; «Зори здесь тихие…» (2016) – опера К. Молчанова в концертном исполнении Госкапеллы России под управлением В. Полянского; «Бабий Яр» (2017) – опера-оратория Д. Кривицкого в постановке режиссера А. Цветкова-Толбина; «Дорогами Высоцкого» (2018) – концерт-спектакль с участием актера Н. Высоцкого, сына легендарного барда; «Из тени в свет!» (2019) – музыкально-поэтическая композиция театра-студии «Человек»…

«Любимые песни маршалов» (2014) и «Песни. Память. Война» (2021) – музыкально-драматические композиции по воспоминаниям великих военачальников ВОВ и их близких. Проект возник как результат многолетней дружбы фестиваля с Фондом памяти полководцев Победы и лично с Натальей Родионовной Малиновской, дочерью прославленного маршала. В 2019 году в буклете она написала пронзительные строки: «Это счастье, что сегодня среди наших музыкантов есть не только профессионалы высочайшего класса, но и люди, для которых Память, обращенная к тем, благодаря кому и мое поколение, и ваше, и самые юные живут на свете, – не пустой звук. Категорический императив благодарной памяти заставляет их вновь и вновь обращаться к великой трагической странице нашей отечественной истории. Сердечная благодарность Московской консерватории за эту благородную инициативу, за то, что в наши беспамятные времена они — помнят».

Уже стало традицией, что на открытие приглашается легендарный Академический дважды Краснознаменный, ордена Красной Звезды ансамбль песни и пляски Российской Армии имени А.В. Александровапод управлением Геннадия Саченюка. «Большой зал консерватории – особый. Он прекрасен акустически. Сцена намолена великими артистами. Что бы мы ни исполняли, лирические песни или патриотические – все здесь звучит великолепно, – рассказал в интервью журналу “Музыкальная жизнь” Геннадий Саченюк. – Особенно радует то, что на наши выступления приходит много молодежи. Любовь к произведениям, созданным в советские времена и отразившим подвиг наших отцов и дедов, насильно привить нельзя. А вот увлечь примером можно. Именно это и делает наш ансамбль на каждом выступлении, в любой аудитории».

«Для нас особенно важно, чтобы об уроках истории и войны размышляли молодые артисты», –подчеркивает ректор А.С. Соколов. Поэтому в нынешнем году с программой «В песнях останемся мы» были приглашены выступить хоровые коллективы Академии хорового искусства имени В.С. Попова, отмечающей в нынешнем году 30-летие основания. А в концерте «Внуки Победы помнят» продемонстрировали свое искусство Смешанный хор Калужского областного музыкального колледжа имени С.И. Танеева и его руководитель Максим Пимонихин и Хор студентов ГМПИ имени М.М. Ипполитова-Иванова с Владимиром Красовым, а также иностранные учащиеся Московской консерватории. Интересной краской стали программы Мужской военной капеллы под управлением Максима Попова и Оркестра русских народных инструментов «Москва» МГИМ имени А.Г. Шнитке с Николаем Алдановым.

Постоянный участник и Академический Большой концертный оркестр имени Ю.В. Силантьева со своим художественным руководителем и главным дирижером Александром Клевицким. В этом году их выступление пришлось на 9 мая, отмеченное трогательным музыкально-поэтическим вечером «Где бы мы ни были, с нами Россия» по песням Марка Фрадкина с участием актеров театра и кино Елены Захаровой и Александра Головина. Инициатор и автор сценария – Антон Фрадкин, внук прославленного композитора, поделился, что всегда мечтал сделать концерт деда на этой исторической сцене. Такие хиты, как «Дорога на Берлин», «У деревни Крюкова», «А годы летят…» слушатели услышали в тонко сделанных хоровых аранжировках Алексея Лёвина в исполнении Камерного хора Московской консерватории. Восторженных аплодисментов удостоились солисты Софья Онопченко, проникновенно спевшая «Течет река Волга» и «Там, за облаками», и Илья Ушуллу, чей обаятельный тембр внес новые краски в «Случайный вальс» и «За того парня».

С 2015 года фестиваль имеет собственную региональную программу, чья география чрезвычайно широка: Боровск, Красноярск, Нижний Новгород, Санкт-Петербург, Саратов, Тамбов, Тула, Улан-Удэ. Важной ежегодной частью фестиваля является музыкально-просветительский проект патриотической направленности «Вахта памяти Московской консерватории» в Смоленске (руководитель – доцент Я.А. Кабалевская).

Но не только фестиваль выходит за пределы столицы, но и региональные коллективы имеют возможность выступить в Московской консерватории. Можно вспомнить композицию «Ленинград и Победа» с песнями Якова Дубравина в исполнении Женского хора Санкт-Петербургского училища имени Н.А. Римского-Корсакова под управлением композитора и дирижера Сергея Екимова, приезд Хора студентов Саратовской государственной консерватории имени Л.В. Собинова и Владимирской капеллы мальчиков и юношей… 

Эту линию продолжил концерт-закрытие Десятого фестиваля, целиком отданный Национальному симфоническому оркестру Республики Башкортостан. Его главный дирижер Дмитрий Крюков придумал амбициозную программу, включившую симфоническую поэму «Салават» З. Исмагилова, Пятую симфонию С. Прокофьева, мировую премьеру «Военной кантаты» Д. Кривицкого (к 85-летию со дня рождения композитора) и Dixi Г. Канчели. К гостям из Уфы присоединились детский хор «Пионерия», Камерный хор МГК и Тульский государственный хор.

Серьезная философская музыка не оставила равнодушными слушателей, стоя приветствовавших каждое сочинение. Подтверждением успеха служит и статистика: онлайн-трансляция собрала более 117 тысяч просмотров! Да и другие события фестиваля благодаря трансляциям Телевидения Московской консерватории имели всероссийский охват и резонанс.

Тема Дня Победы – неисчерпаема, и, хотя события удаляются, но размышления о них дают импульс к преодолению трагических последствий Великой Отечественной войны, чье эхо доносится вплоть до сегодняшнего дня.

Профессор Е.Д. Кривицкая

№5 (1388), май 2022 года

1 мая в зале им. Н.Я. Мясковского состоялся интересный и яркий концерт студентов иностранного отделения Московской консерватории. В нем участвовало 23 студента из разных стран мира с исполнением сольных фортепианных и камерных сочинений композиторов XVIII–XI вв.

Программу открывала художественный руководитель концерта, заведующая иностранным отделением МКФ (межфакультетская кафедра фортепиано), заслуженный деятель искусств РФ, профессор Р.А. Хананина. Римма Анатольевна принадлежит к тому поколению, которое опалила и закалила Великая Отечественная война. Получив из рук в руки свои профессиональные знания от наших великих мастеров, она фанатически предана русскому исполнительскому искусству. Ее практическая деятельность всегда является вкладом в дело «Фонда развития творческих инициатив», возглавляемого профессором А.В. Соловьёвым. Ее неутомимая деятельность на кафедре и личный вклад в инновационные методы преподавания проходят под девизом: «не забывать исторические корни и дать новые побеги». В подготовке концерта помогли и молодые преподаватели: Е.Е. Кузнецова, С.В. Сафронов, М.Ю. Мишин, С.А. Бачковский, которые, преодолевая трудности работы с начинающими иностранцами, связанные, в частности, с преподаванием в условиях пандемии в двух форматах – очно и online, – сумели подготовить своих учеников к открытому концерту. Открывая программу, проф. Ханинина обратилась ко всем с приветственным словом:

«Дорогие друзья! Сегодня, 1 мая, в Праздник весны и труда, мы собрались здесь, в уютном камерном зале, чтобы провести наш очередной отчетный концерт иностранных студентов. Единение разных народов – это основа истории и духовной жизни России. Московская консерватория свято следует этому интернациональному принципу в своей многогранной международной деятельности и иностранное отделение МГК, работающее со всеми факультетами нашей Alma Mater, всегда в общем строю, всегда на передовой!

Концертная сцена очень важна для музыканта-исполнителя в развитии его артистизма. Вспомним открытые концерты студентов-иностранцев, проведенные в различных залах Москвы. Это и Рахманиновский зал с концертом к 150-летию нашей Alma Mater из произведений ее основателей Николая Григорьевича Рубинштейна и Петра Ильича Чайковского; это и концерты под рубрикой «Синтез искусств» в Золотом Екатерининском зале исторического комплекса «Царицыно»: музыкальная композиция с участием пантомимы студентов ГИТИСа; это и консерваторские, и выездные музыкально-литературные композиции со студентами Театрального института имени Б. Щукина при знаменитом театре им. Вахтангова… Наши лучшие студенты со всех континентов Земного Шара десятилетиями продолжают общаться со своей Alma Mater. Назову несколько имен: Лю Шикунь – победитель вместе с американским Ваном Клиберном на Первом Международном конкурсе им. П.И. Чайковского; это замечательный Альваро Монсано из Эквадора; это профессор Пекинской консерватории Линь Тао и доцент Ло Майшо; это легендарный Николас Эконому с Кипра и многие другие.

Сегодня в концерте участвует новое поколение, которое покажет свой старт в овладении фортепиано. Приветствуем и поздравляем их с выходом на сцену зала Консерватории. Мы любим всех наших воспитанников, независимо от их будущих должностей и званий. Стало традицией участие в наших концертах студентов смежных искусств: сегодня с поэтическим словом выступят наши друзья – студенты Театрального института им. Б. Щукина, заранее благодарим их за участие в нашем праздничном концерте. Передаю сцену нашему общему языку – Музыке!»

Драматургия концерта, по замыслу Р.А. Хананиной была украшена смысловыми связками читаемых стихов и идущих за ними музыкальных номеров. Так, за пушкинским «…И гордый внук славян и ныне дикий тунгус и друг степей – калмык…», шел номер, исполненный на экзотическом народном монгольском инструменте морин хуур, исполнители: Тэрбишь Жаргалсайхан и Тогооньхуу Мунхбаатар (фортепиано); пушкинский «Пророк» и «Allegro Barbarо» Б. Бартока; пушкинский «Поэт» и «Андантино» А. Хачатуряна, а за «Все в первый раз» Риммы Казаковой, прочтенной Александрой Хорунжей, шла сценка встречи двух влюбленных, артистично исполненная Ван Юйхань (сопрано) и Фан Янжуй (тенор); пушкинская шутка «Подъезжая под Ижоры» была окружена юмористическими пьесами Р. Щедрина и А. Копленда в исполнении Чжан Шицюя. Звучание в концерте поэзии А.С. Пушкина в исполнении Сергея Барышева поднимало программу на высокий уровень.

Подарком концерту в качестве его первого номера стало Концертино для двух фортепиано Д.Д. Шостаковича, исполненное студентами Тогооньхуу Мунхбаатар и Лю Лином. А завершали концерт «Баллада о борьбе» Владимира Высоцкого в исполнении Юрия Сазонова и Basso ostinato Р. Щедрина, трактуемого в этот раз как поступь космического масштаба с позывными нашего первого искусственного спутника Земли. Исполнивший этот звуковой образ Чжоу Тяньхао вызвал возглас «браво»!

Слова благодарности Московской консерватории, от имени участников концерта, сказала студентка из Ирана Халех Ахунд Самани. Весь концерт записан на DVD, который вышел к 9 мая – Празднику Великой Победы.

Собкор «РМ»

№5 (1388), май 2022 года

За 16 лет своего существования, Всероссийский конкурс по теории, истории музыки и композиции имени Ю.Н. Холопова успел стать одной из прекрасных традиций МГК им. П.И. Чайковского. Нынешний конкурс был приурочен к 90-летнему юбилею Юрия Николаевича Холопова – выдающегося ученого, одного из основателей современного музыковедения, автора множества работ по теории музыки, которому и принадлежит идея такого состязания. В жюри конкурса приняли участие: председатель – декан НКФ и зав. кафедрой истории русской музыки, доктор искусствоведения, профессор И.А. Скворцова; кандидат искусствоведения, профессор И.В. Коженова; композитор, профессор Ю.В. Воронцов; кандидат искусствоведения, доцент Л.Р. Джуманова; кандидат искусствоведения, доцент О.В. Зубова; кандидат искусствоведения, доцент Я.А. Кабалевская; кандидат искусствоведения, доцент Г.И. Лыжов.

Конкурс Холопова – уникальный проект, который позволяет молодым музыковедам и композиторам попробовать свои силы в испытаниях по специальности, а преподавателям познакомится с талантливыми музыкантами, многие из которых в будущем пополнят ряды студентов. Среди лауреатов прошлых лет немало тех, кто уже защитил диссертации и преподает в столичных музыкальных вузах. Кроме того, конкурс помогает повысить интерес к музыкально-теоретическим предметам и объединяет участников из разных городов России –за годы его проведения у консерваторцев сложились прочные связи с колледжами Санкт-Петербурга, Казани, Тольятти, Оренбурга, Йошкар-Олы, Петропавловска-Камчатского, учащиеся которых неоднократно становились лауреатами в различных номинациях. Столь обширная география свидетельствует о несомненном интересе юных музыкантов к консерваторскому проекту. Проведение конкурса не прерывалось и во время пандемии, перейдя в онлайн-формат.

К счастью, в этом году участники, прошедшие во второй тур, смогли приехать в Московскую консерваторию и «в живую» увидеться с членами жюри и другими конкурсантами. Ведь конкурс – это не только возможность проверить свои знания, но и шанс встретиться с профессорами и педагогами консерватории, почувствовать ее неповторимую атмосферу, а также найти новых друзей.

Финалистами шестнадцатого конкурса стали 14 человек. На его открытии, состоявшемся 29 апреля в конференц-зале МГК, участников приветствовали члены жюри и организаторы. Проф. И.А. Скворцова, подчеркнула уникальность проекта и его значимость как этапа подготовки к поступлению в консерваторию, а проф. И.В. Коженова отметила, что проведение конкурса не прерывалось несмотря ни на какие трудности и выразила радость от встречи с молодым поколением музыкантов. Проф. Ю.В. Воронцов и доц. Г.И. Лыжов рассказали интересные детали из биографии Ю.Н. Холопова. О важности дружеского отношения друг к другу и взаимной поддержки сказала доц. О.В. Зубова, а доц. Л.Р. Джуманова подчеркнула связь конкурса с лучшими традициями Московской консерватории. Обратились к конкурсантам и финалисты прошлых лет – преподаватели консерватории Юлия Москвина и Дмитрий Белянский, студенты Анастасия Хлюпина и Александр Миронов. Все они пожелали участникам успеха и отметили роль конкурса в их профессиональном становлении.

Конечно, открытие музыкального состязания не могло состояться без музыки. Музыкальный подарок участникам приготовили консерваторцы Даниил Чжан, порадовавший тонкой интерпретацией поэмы «К пламени» А.Н. Скрябина, Мария Мальцова (сопрано), прекрасно исполнившая арию Валли из одноименной оперы А.Каталани и лирический шедевр П.И. Чайковского – романс «Скажи, о чем в тени ветвей». Сергей Багаури – победитель конкурса Холопова 2021 года, а ныне студент 1 курса научно-композиторского факультета, –продемонстрировал и композиторское дарование, и отличную фортепианную технику, сыграв две прелюдии собственного сочинения.

На следующий день участники вновь собрались в конференц-зале для вручения наград и подведения итогов конкурсных испытаний, продолжавшихся в течении всего дня. Лауреатами в номинации «теория музыки» стали Евпраксия Екимова (Коломна), получившая вторую премию, и Иван Гайчиков (Москва), которому было присуждено третье место. В номинации «история музыки» третью премию завоевала Анастасия Котомина (Белогород). В номинации «композиция» первую премию разделили Петер Даниель Бойков (Москва) и Вячеслав Моргунов (Москва), вторая досталась Анастасии Хорошиловой (Санкт-Петербург), а третья – Полине Горловой (Ярославль). Благодарности и награды получили не только участники конкурса, но их педагоги, которые, несомненно, внесли большой вклад в подготовку своих воспитанников.

Конкурс Холопова – значительное событие в научной и творческой жизни Московской консерватории. Мы надеемся, что этот проект продолжит развиваться, привлекая все новых и новых одаренных музыкантов.

Преподаватель Анна Горшкова

Фото Дениса Рылова

№5 (1388), май 2022 года

23 марта 2022 года ушла из жизни профессор Зинаида Алексеевна Игнатьева. Выдающаяся пианистка, народная артистка России, ученица С.Е. Фейнберга, лауреат конкурса имени Ф. Шопена в Варшаве (1960), она была одним из ярких педагогов фортепианного факультета. За свою 60-летнюю преподавательскую деятельность в Московской консерватории Зинаида Алексеевна воспитала десятки учеников. Среди них – лауреат международных конкурсов, концертирующий пианист Андрей Цымбалистенко, который после ухода профессора стал руководителем ее класса. 

– Как Вы стали учеником Зинаиды Алексеевны?

– Я приехал в Москву в 15 лет, окончил ЦМШ, и в Консерватории по удачному стечению обстоятельств попал именно к ней в класс, так сказать, «по распределению». Мои детские представления о «знаменитом и важном профессоре, народной артистке» не совпали с реальностью: нас встретила очень простая в общении приятная женщина, которая мгновенно к себе располагала. Для меня была удивительна манера ее речи: неторопливая, спокойная и выразительная, я бы сказал, даже певучая. Зинаида Алексеевна рассказывала о своем учителе, Самуиле Евгеньевиче Фейнберге, как о «человеке прошлого столетия» по облику, манере разговора, жестам… Подобное впечатление произвела на нас и профессор Игнатьева.

– А слушать записи великих пианистов, по мнению профессора Игнатьевой и Вашему, допустимый метод работы над произведением? Можно его приравнять к тому самому показу на рояле? 

– Нет, это совершенно разные вещи. Педагог, демонстрируя на рояле тот или иной фрагмент пьесы, хочет добиться от студента определенных результатов в игре: изменить качество звука, манеру, сделать фразировку более выпуклой и т. д. Слушать великих исполнителей нужно, скорее, для духовного обогащения, расширения музыкального кругозора, вдохновения, но никак не для подражания. Студенты грешат этим и любят копировать понравившиеся исполнения, но в итоге получается подделка, «дешевая копия», как говорила Зинаида Алексеевна. Ее любимыми пианистами были Рахманинов, Горовиц, Софроницкий, Гилельс, их записи она настоятельно рекомендовала. Но только не тех пьес, которые ты готовишь в данный момент.

– После окончания Консерватории Вы стали ассистентом Зинаиды Алексеевны и сами начали преподавать. Что Вы почувствовали, оказавшись «по ту сторону баррикад»? 

– Вместе со своими студентами учишься и ты сам. Действительно, сейчас я совершенно по-другому смотрю на музыку, благодаря педагогике. Часто бывает, что, объясняя ученику определенное место в произведении, открываешь для себя что-то новое, о чем раньше и не подозревал. Я бы даже сказал, что период после окончания Консерватории дал мне не меньше, чем само обучение в ней. Тем более, за несколько лет ассистентской работы я имел счастье присутствовать на большинстве уроков Зинаиды Алексеевны. Нередко она обращалась ко мне, чтобы узнать мое мнение по тому или иному вопросу. Иногда профессор полушутя говорила, что в классе она «генерал», а я «полковник»: вместе мы занимались со студентами, готовили их к концертам и конкурсам.  В общем, это была наша совместная работа, и творческий тандем состоялся.

– Были ли у Вашего учителя любимые или обязательные произведения, которые она давала студентам? Так называемый «педагогический репертуар».

– В какой-то степени, да. Могу отметить ряд Токкат и Французских сюит Баха, Вариации Бетховена до мажор и си-бемоль мажор, ряд его же сонат, «Серьезные вариации» Мендельсона. В студенческий репертуар Зинаида Алексеевна также включала сюиту «Из времен Хольберга» и сонату Грига, прелюдии и этюды Рахманинова и Скрябина, «Ромео и Джульетту» Прокофьева, пару его сонат. Конечно, не обходилось и без пьес любимого Шопена, но, вместе с тем, профессор считала, что его музыка – самая сложная.

– Вы уже нарабатываете такой «багаж сочинений», которые будете давать ученикам?

— Мне кажется, что главное при выборе – это то, насколько ты к ним расположен, насколько понимаешь их, играл ли ты их или хотя бы разбирал. Еще во времена ассистентства я настоятельно рекомендовал пару произведений из своего репертуара, и с одобрения Зинаиды Алексеевны мы давали их студентам. Так произошло с «Вальсом» Равеля. Помню, что работал со студентом над этой пьесой с удовольствием. Дело в том, что, когда сочинение у тебя «в руках», ты как бы понимаешь его изнутри, можешь разобрать его до мельчайших деталей и еще глубже проникнуть в его суть. Ну и, конечно, кроме художественной стороны есть еще и техническая: вопросы аппликатуры, небольшие технические хитрости. Ты сможешь оказать большую помощь ученику, если испытал трудности «на собственной шкуре». Это, кстати, возвращает нас к взаимосвязи педагогики и исполнительства. Зинаида Алексеевна часто спрашивала и у студентов, что они хотят сыграть, и любила, когда ученики проявляли инициативу. То есть у нее не было задачи дать пьесу для развития какого-либо технического навыка или определенного звучания. Мне очень нравится такой подход.

– После ухода профессора Игнатьевой ее класс перешел под Ваше руководство. Тяжело ли перехватывать эстафету у такого большого музыканта и педагога?

– Я ощутил груз ответственности и поначалу было страшно. Но все-таки, как я уже говорил, мы работали с Зинаидой Алексеевной сообща. Я не был «подчиненным». Мне кажется, мой учитель дал мне все, чтобы я смог продолжить наше общее дело.

– 15 апреля в Малом зале состоялся концерт класса профессора – в этот раз уже без «генерала»… Что Вы чувствовали? Как проходила подготовка к нему?

– Этот концерт был, конечно, посвящен памяти Зинаиды Алексеевны. Тут и я, и студенты очень волновались: программа у некоторых была сыровата, чьи-то концертные номера Зинаида Алексеевна даже не успела послушать. К сожалению. Обычно мы вместе с ней составляли программу, высчитывали хронометраж, порядок номеров и т. д., А в этот раз уже все легло на мои плечи. Концерт стал моим «боевым крещением». Некоторое время я сомневался в каждом шаге, но в итоге все как-то выстроилось само собой. Думаю, Зинаида Алексеевна все равно помогала всем нам, даже не будучи с нами… В итоге мы потрудились на славу, и концерт прошел удачно.

– Уход «старой гвардии» музыкантов, профессоров, по-Вашему, сильно отражается на современном исполнительстве?

– Когда слушаю некоторых молодых пианистов, особенно на конкурсах, создается ощущение, что еще как отражается! И, увы, негативно. Все реже слышу то самое «пение на рояле», летящий звук, заполняющий огромный зал, глубокую и осмысленную игру – игру настоящих музыкантов, какой была Зинаида Алексеевна. Однако мне кажется, что в Московской консерватории эти замечательные традиции никогда не угаснут. Многие молодые исполнители и педагоги, в том числе и я, изо всех сил стараются сохранить то, подлинное звучание ушедшей эпохи и пронести его через поколения.

Беседовал Глеб Конькин, IV курс НКФ, музыковедение

Фото Эмиля Матвеева и из личного архива А.А. Цымбалистенко

№5 (1388), май 2022 года

В Москве с 27 февраля по 13 марта 2022 года проходил Международный вокально-хоровой конкурс VoiceFest. Он возник в 2019 году и состоялся уже в четвертый раз. С 2021 года этот конкурс стал не просто хоровым, в нем появились новые номинации – для солистов и вокальных ансамблей. 

Конкурс организует и проводит московская Детская музыкальная школа №96 при поддержке Дирекции образовательных программ в сфере культуры и искусства Центра профессионального мастерства «Хоровое искусство». В конкурсе могут принимать участие солисты и коллективы академического направления из России и других стран в возрасте от 7 лет и старше.

В этом году для участников из Москвы и Московской области конкурс проводился в 2 тура: 1-й, отборочный – дистанционно, по видеозаписям; 2-й – очно. Для солистов и коллективов из регионов и других стран конкурс проводился в один тур и только дистанционно, по видеозаписям. А Гала-концерт состоялся 18-го марта в Усадебном дворе Государственного музея им. Пушкина на Пречистенке.

Очное прослушивание в номинации «Aкадемический вокал» проходило 27-го февраля в ДМШ №96. Были представлены соискатели из разных регионов России и ближнего зарубежья. Событием конкурса стали участники, представлявшие Китай – они впервые приняли в нем участие и, будем надеяться, что это станет новой прекрасной традицией. Все участники без исключения показали свой артистизм, музыкальность и тонкое проникновение в суть исполняемых произведений. Невозможно было не заметить огромный труд педагогов, которые внесли свой вклад в развитие голосов, раскрывая индивидуальность каждого ученика и оснастив их вокально-технической базой. Многим из участников было присвоено почетное звание Лауреата 1й степени, среди них: Мария Афонина, Анна Кузнецова, Ян Юйцзе, Цуй Шиин, Фань Яоси, Ван Сицзы, Дин Цзяо.

Поистине открытием конкурса стала студентка Московской консерватории Дарья Гудыма (меццо-сопрано, класс профессора Н.В. Пустовой). Ей единогласно было присвоен Гран-при конкурса. Будем надеяться, что это звание принесет Дарье удачу и определит ее будущее.

Прекрасно показали свое мастерство и конкурсанты в номинации «Ансамбль от 2-х до 4-х человек». Жюри единодушно отдало свои голоса дуэтам «Гармония» (Фёдор Пушкар, Ярослав Трухов), «Лира» (Диана Панина, Анастасия Васенина), и трио ДМШ им. А.К. Лядова (Ави Якубов, Никита Астафьев, Даниил Астафьев). Им всем были присвоены звания Лауреатов 1-й степени.

Очное прослушивание в номинации «Хоровое исполнительство» проходило 13-го марта в ДШИ им. Ю.С. Саульского. В номинациии «Детские хоровые коллективы» Гран-при получил хор «Жаворонок» детской музыкальной хоровой школы «Весна» им. А.С. Пономарёва (руководитель И.А. Волосовцева, концертмейстер Т.А. Хананаева).

Лауреатами 1й степени стали детский хор «Канцона» (руководитель М.А. Попов, хормейстер Е.В. Попова, концертмейстер И.С. Шмелёв); детский хор «Синяя птица» (руководитель А.В Антипин, концертмейстер И.С. Васильев); концертный хор «Виват» (руководители Т.М. Гурджиян и К.А. Гурджиян, концертмейстер Т.В. Евсеенко); детская хоровая студия «Радуга» (руководитель Е.Б. Кудричевская, концертмейстер Д.И. Гарифьянова); латвийский учебный смешанный хор Даугавпилского музыкального училища им. С.Брока (руководитель Е.Устинков, хормейстеры: А. Истратия и А. Захарова); младший хор «Первоцвет» ДШИ им. И.С.Баха (руководитель О.А. Теллина, концертмейстер К.М. Ширяев); младший хор «Аврора» ДШИ им. В.В. Крайнева (руководитель В.О. Дургарян, концертмейстер Л.В. Шувалова); хор «Ручеёк» детской хоровой школы г.Королёв (руководитель А.А. Кошелева, концертмейстер Т.Г. Попова).

Конкурс VoiceFest зарекомендовал себя как значимое событие в культурной и музыкальной жизни нашей страны. За эти годы существенно расширилась его география. Свое мастерство показали коллективы и солисты из Белоруссии, Казахстана, Эстонии, Латвии, из различных регионов России. В этом году мы с радостью встретили представителей Китайской народной республики. Выражаем благодарность художественному руководителю и председателю жюри конкурса, директору московской ДМШ №96 Елене Кирик, а также преподавателям Марине Старостиной, Анастасии Мирошниченко и всему персоналу школы за прекрасную организационную работу в проведении VoiceFest.

Доцент Е.М. Околышева, кафедра сольного пения МГК

Доцент А.В. Околышев, кафедра хорового дирижирования МГК

№5 (1388), май 2022 года

«…Арфу слышу я: ее волшебный звук, на розах дремлющий, согласьем тихоструйным…». Даже известные строки Гавриила Державина не способны в полной мере выразить впечатления от прошедшего 14 мая концерта в Малом зале Консерватории. Хотя действительно в зале звучала арфа, присутствовало таинственное волшебство звука и истинное согласие струн. Однако продолжить поэтические характеристики стоит словами «мастерство», «профессионализм», «высокая культура игры». В этот вечер играли воспитанники заслуженной артистки РФ, профессора Елены Николаевны Ильинской по случаю полувекового юбилея ее творческой деятельности.

Минувшие пятьдесят лет в судьбе Елены Ильинской отмечены разносторонней и продуктивной творческой работой. Игра в составе различных оркестров и сотрудничество со многими известными дирижерами (П. Коган, М. Плетнёв, В. Спиваков, В. Федосеев и др.), работа в жюри всевозможных конкурсов, проведение мастер-классов и открытых уроков, составление педагогического репертуара и создание учебно-методических программ, осуществление транскрипций для арфы соло и ансамблей. Казалось бы, только этот перечень выглядит весьма внушительным, но все же он далеко неполон. В профессиональной биографии арфистки совершенно особое значение уже давно обрела педагогическая деятельность, ставшая фактически делом всей жизни.

Еще в далеком 1971 году по рекомендации своего великого учителя Веры Дуловой Е. Ильинская начала преподавать в Центральной музыкальной школе, где год за годом оттачивала мастерство. Спустя время сфера педагогики расширилась, и вот уже несколько лет арфистка ведет собственный класс студентов и аспирантов в Московской консерватории. Сегодня ученики Елены Николаевны представляют уже несколько поколений профессиональных арфистов. Многие из них являются солистами ведущих оркестров страны, а кто-то по примеру своего педагога совмещает игру в оркестре с преподаванием в музыкальных школах.

В организации концертного вечера ощущалась профессиональная рука мастера и ее тонкий художественный вкус. Особенно стоит отметить интересную программу, раскрывающую огромную историческую панораму: от музыки барокко до современности. Практически все звучавшие произведения являются оригинальными и созданы специально для арфы. В этом большая удача Е. Ильинской, ведь далеко не всегда арфистам удается построить программу концерта исключительно из оригинальной музыки.

Романтически утонченно и изысканно прозвучала известная «Сицилиана с вариациями» Ж.М. Дамаза (исп. А. Уварова). Истинным философским откровением предстала Фантазия Л. Шпора (исп. Е. Ставцева). В программу вошли и широко популярные сочинения, как, например, Концерт Es—dur для арфы с оркестром Р. Глиэра (исп. М. Баблоян), его же Экспромт для арфы соло (исп. К. Курлович), а также малоизвестные опусы – «Вальс памяти Шопена» А. Санько (исп. Н. Семёнова). Сюита П. Чертока Around o’clock (исп. Э. Сабитова) дополнила концерт джазовыми ритмами, столь нечасто звучащими на арфе.

Приятным сюрпризом для слушателей были авторские транскрипции самой Е.Н. Ильинской. Так, студентки Е. Дворецкая и А. Уварова исполнили «Старое банджо» С. Качалина в переложении для двух арф. Выпускники прошлых лет и вовсе подготовили номер для редкого инструментального состава – трех арф (Т. Емельянова, Н. Куприянова, Е. Ставцева) и скрипки (С. Сухобрусов). Несомненным эксклюзивом вечера по праву можно назвать дуэт арфы и дудука. В ансамбле Е. Дворецкой и Э. Мирзояна прозвучало сочинение Х. Аветисяна «Цветущая вишня».

Исполнительский уровень воспитанников класса Е.Н. Ильинской свидетельствует о высокой подготовке и профессиональном мастерстве. Каждый номер концерта – это долгие годы упорных занятий, мучительные поиски истины в вопросах интерпретаций, отработка приемов звукоизвлечения, максимально точно отражающих замысел композитора и собственное видение, радости, разочарования, волнения и т.д. Во всем слышится участие педагога, его одинаково бережное отношение к каждому ученику. Вероятно, именно в этом и коренится основа педагогического стиля арфистки.

В заключении хочется пожелать Елене Николаевне многая лета и продолжения творческой работы во славу русской арфовой школы!

Александр Баранов, начальник Учебного отдела МГК

Фото Татьяны Курлович

№5 (1388), май 2022 года

Благодаря Музыкальному театру имени К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко зрители в течение одного сезона смогли познакомиться с девятью операми на прозаические сюжеты Ф.М. Достоевского. Имя писателя, 200-летие которого отмечает весь мир, объединило два абсолютно разных проекта: вечер одноактных опер под режиссурой Людмилы Налетовой и первый спектакль Лаборатории молодых режиссеров «Круг внимания». Оба проекта были представлены на Малой сцене под музыкальным руководством дирижера театра, выпускника Московской консерватории Арифа Дадашева.

Первыми в ноябре 2021 года были сыграны две одноактные оперы – «Н.Ф.Б.» Владимира Кобекина(либретто Алексея Парина, первое исполнение в России) и «Кроткая» Алексея Курбатова (либретто Людмилы Налетовой, мировая премьера). С тех пор этот Диптих был показан еще дважды и, по словам Арифа Дадашева, запланирован на следующий сезон. А через месяц, в декабре, в театре состоялась премьера спектакля «Достоевский. Дневник сострадания», подготовленного творческой Лабораторией молодых режиссеров «Круг внимания».

«Круг внимания» – новый уникальный проект Театра, рассчитанный на привлечение молодых талантов. Шесть режиссеров, прошедших строгий конкурсный отбор, получили возможность поработать с музыкантами театра и представить на суд публики свои прочтения опер на сюжеты Достоевского. В спектакль, посвященный юбилею писателя, вошли семь отрывков из опер русских и зарубежных композиторов ХХ века: «Раскольников» Генриха Зутермейстера (реж. Анна Салова), «Князь Мышкин» Александра Балтина (реж. Дмитрий Отяковский), «Братья Карамазовы» Александра Холминова(реж. Антон Оконешников), «Белые ночи» Юрия Буцко (реж. Яна Селезнева), «Преступление и наказание» Арриго Педролло (реж. Грета Шушчевичуте), «Елка» Владимира Ребикова (реж. Виктория Агаркова) и «Игрок» Сергея Прокофьева (режиссер – куратор лаборатории Алексей Смирнов). 

Своими впечатлениями от работы над воплощениями прозы Достоевского в оперном жанре делится музыкальный руководитель обоих спектаклей, дирижер-постановщик Ариф Дадашев.

– Ариф, так сложилось, что в насыщенной программе театра именно ты был музыкальным руководителем всех «достоевских» событий. А какие у тебя лично отношения с творчеством писателя?

– Для меня Достоевский – один из наиболее значимых писателей России. Я ежегодно стараюсь обязательно что-то из него перечитывать, находить в его сочинениях какие-то детали, которые до сих пор от меня ускользали. На мой взгляд, в его работах есть эффект определенного очищения души – и словом, и образами героев, которых он создает.

– Музыкальные сочинения по его прозе до сих пор не обрели широкого признания за исключением, пожалуй, нескольких самых известных. И вдруг перед нами предстает ретроспектива целой группы опер… Можно ли по ней понять, как с течением времени менялась интерпретация творчества Достоевского в мире?

– Еще с консерваторских лет я был знаком с «Подростком» Бориса Чайковского, с «Идиотом» Вайнберга… И, конечно, с «Игроком» Прокофьева. И Диптих одноактных опер – это была запланированная работа, я к ней готовился целенаправленно. А вот Лаборатория молодых режиссеров досталась мне «по случаю» – я подхватил ее по просьбе Александра Борисовича Тителя. Там оперы уже были выбраны, я не вносил в этот список какие-то новые сочинения, единственное, что поменял – выбор некоторых сцен.

Ощущение «достоевской атмосферы», авторской речи, духа времени, – все это меняется от оперы к опере, от фрагмента к фрагменту. Понятно, что есть черты, присущие конкретному композитору, что с течением времени эволюционировали композиторский язык, техника, стиль. Это, безусловно, присутствует и в произведениях на сюжет Достоевского.

У Педролло в «Преступлении и наказании», например, музыка, продолжающая эпоху веризма, очень чувственная. У Зутермейстера в опере «Раскольников» есть определенная жесткость и мистицизм, даже ощущение присутствия сатаны в музыке – подавляющая музыка, хотя и очень интересное сочинение. А наши композиторы в большей мере воссоздают атмосферу города, который описывает Достоевский. И в нем присутствует какая-то тайна, пустота и постоянная тревога… Я могу сказать огромное спасибо всем режиссерам, они показали высокий класс: все сцены были очень яркими и точными, ни одна не осталась проходной!

– В отличие от Лаборатории, Диптих одноактных опер остался в репертуаре театра. Как в рамках одного вечера объединяются две совсем разные оперы? Насколько, с точки зрения дирижера, в них выходит на первый план «достоевское» начало и выходит ли?

– «Достоевское начало» обозначено режиссером Людмилой Налетовой – это была ее идея, и она также автор либретто «Кроткой». Несмотря на диаметрально противоположный музыкальный язык опер, Налетова объединяет их непростой женской долей, различием женских образов у Достоевского. И как бы задает себе вопрос: почему эти женщины обречены на гибель, самоубийство в одном случае и убийство в другом? Почему они не достигают счастья, не достигают радости?

Сам по себе процесс работы был интересным, хотя и очень сложным. У Курбатова более широкий состав исполнителей, там есть и деревянные духовые, и медные духовые, рояль, арфа, ударные и струнные. Его музыкальный язык близок киномузыке, хронике. У Кобекина же состав более камерный – валторна, фагот, флейта, орган (электропианино в нашем случае) и струнные. Сочинение Кобекина – непростое и по музыкальному языку, и по атмосфере. Это безостановочное движение, монотонное и отчасти остинатное, которое вдруг сменяется эмоциональными взрывами. Сложный клубок с беспрерывной вроде бы нитью, внезапно подверженной резким выпадам – музыка совершенно не звукоизобразительна, как у Курбатова, а скорее психологически окрашена.

Сложно говорить о музыке словами, а о музыке Кобекина говорить вдвойне тяжелее. Мир, в который он тебя погружает – это пространство, где нет свободы, не хватает кислорода… Это определенное состояние транса, вакуума, в котором и артисты, и даже дирижер могут утонуть. И тут, конечно, нужны артисты такого высокого уровня, которые смогли бы это все донести. Не только спеть, хотя и это безумно сложно, но и сыграть актерски, причем на Малой сцене, где все прямо перед глазами зрителей. Поэтому в этих операх у нас всего один состав. Конечно, в этом есть и сложность, потому что репетировать одним составом безумно тяжело – люди устают, репетиций нужно много. Но есть и большие плюсы, потому что можно успеть более качественно отрепетировать все.

– Что тебе, как дирижеру, особенно запомнилось в работе над операми по текстам Достоевского?

– Честно говоря, абсолютным открытием для меня стала опера Педролло «Преступление и наказание». Мне кажется, что композитору абсолютно удалось понять, осознать то, что хотел сказать своим романом Достоевский. Откровением для меня была и сцена из «Преступления и наказания», самобытно и ярко поставленная режиссером Гретой Шушчевичуте.

Лаборатория – очень хороший проект, которого не хватало ранее. Я надеюсь, что он будет продолжен, может быть, уже с другими писателями или, наоборот, с другими композиторами, эпохами, жанрами. Это очень интересно – разные люди со своими взглядами работают с артистами театра – происходит очень хороший творческий обмен. Конечно, осуществить полномасштабные постановки в рамках Лаборатории сложно, особенно сейчас. Но желание такое есть.

Публикацию подготовила Ольга Ординарцева, выпускница МГК (2014), член Международного общества Достоевского

Фото со спектаклей Сергея Родионова; Фото Арифа Дадашева – Наталья Гарцева

№4 (1387), апрель 2022 года

Вы задумывались, как живет духовная музыка в реалиях нашей бурной и быстро меняющейся современной жизни? Как исконно русская церковно-певческая традиция влияет на новые поколения молодых композиторов? Каково отношение Русской православной церкви к современному духовно-музыкальному творчеству? Эти вопросы оказываются на пересечении научных осмыслений музыковедов с творческими исканиями композиторов и исполнителей. Они созвучны тем поискам, которые много десятилетий продолжаются в поэзии и литературе, в смежных видах искусства: живописи, графике, архитектуре. Духовность – это, конечно, и философская категория, восприятие и осмысление которой меняется в каждую эпоху.

MUSICA SACRA NOVA – так называется новый многолетний масштабный проект, которому был дан старт 16 февраля 2022 года в стенах Московской консерватории. В этот день состоялся первый концерт цикла: «Musica sacra nova. Духовная музыка Второго авангарда». На инициативу Фонда Николая Каретникова осуществить исполнение духовных сочинений композиторов-шестидесятников для хора a cappella откликнулись Молодежный хор НТЦ церковной музыки при кафедрах хорового дирижирования и истории русской музыки Московской консерватории, а также Мужской хор Alexios.

В творческом диалоге директора Фонда Антона Каретникова, сына композитора, с руководителем НТЦ церковной музыки Наталией Гурьевой, главным дирижером Молодежного хора центра Михаилом Котельниковым, хормейстером Мужского хора Alexios Вячеславом Половяновым и куратором концерта, преподавателем кафедры хорового дирижирования Сергеем Терентьевым возникла идея украсить музыкальный вечер выставкой работ мистической живописи и графики художников того же поколения. Решено было предложить широкому слушателю и консерваторскую площадку для диалога – организовать живую и неформальную дискуссию о современной духовной музыке, поэзии, живописи, графике, их взаимовлияниях и пересечениях с современными философскими воззрениями и богослужебной практикой.

Эта идея заинтересовала многих, и к участию подключились проф. М.С. Высоцкая, преп. В.В. Тарнопольский, доц. Р.А. Насонов. К разговору пригласили не только музыковедов, композиторов и исполнителей, но и художников, поэтов, переводчиков, критиков, священнослужителей, регентов и, конечно, слушателей. Так, совместными усилиями Фонда, двух Научно-творческих центров и нескольких кафедр Московской консерватории стартовал грандиозный проект Musica sacra nova.

16 февраля получился, действительно, насыщен событиями и богат на эмоции. Международный Круглый стол собрал огромное количество участников, как очно – в Конференц-зале, так и онлайн – в Виртуальном конференц-зале консерватории (см. в статье «В мыслях о новой сакральности»). Модераторы диалога (Н.В. Гурьева и В.В. Тарнопольский) предложили собравшимся порассуждать на темы: Какова роль духовной музыки в современной музыкальной и, шире, культурной жизни России? В чем специфика существования духовной музыки в эпоху государственного атеизма в советский период? Как сейчас, в третьем десятилетии XXI века, выглядит диалог с церковной музыкальной традицией, и возможно ли исполнение духовной музыки, не предназначенной для богослужения, в православных храмах сегодня? Нельзя было обойти вниманием и тему «Musica sacra nova и современная молодежь».

По окончании дискуссии, в 18:00, в Выставочном зале Московской консерватории при поддержке галереи «Веллум» (основатель Любовь Агафонова) и Музея Анатолия Зверева открылась выставка «Ars sacra nova. Мистическая живопись и графика художников-нонконформистов». Были представлены экспонаты из собрания этих галерей и частных коллекций – более тридцати графических и живописных работ выдающихся художников-«шестидесятников»: Оскара Рабина, Владимира Вейсберга, Владимира Стерлигова, Владимира Яковлева, Михаила Шварцмана, Владимира Янкилевского, Михаила Гробмана, Эдуарда Штейнберга, Анатолия Зверева, Валентины Кропивницкой, Дмитрия Плавинского, Игоря Ворошилова и др. Три недели студенты, преподаватели и слушатели всех концертов, проходивших в Малом зале, могли знакомиться с ее экспонатами – шедеврами художников-нонконформистов.

А вечером в Малом зале состоялся первый концерта цикла «Musica Sacra Nova. Духовная музыка второго авангарда». Впервые все эти опусы композиторов-«шестидесятников» самых разных эстетических взглядов и направлений, условно объединяемых термином «Второй русский авангард», были представлены в рамках одного вечера.

Со вступительным словом выступила поэт, филолог и переводчик Ольга Седакова. Она прочла отрывок из стихотворения (1930) признанного классика новейшей европейской литературы, французского поэта XX века Поля Клоделя, в ее переводе:

Когда поднимается ветер, все мельницы 

крутятся, как одна.

Но есть другой ветер: Дух, который гонит 

перед собой народы и племена

И который после длительного затишья встает

и треплет человеческий пейзаж до окоёма!

Мысль во всех концах земли вспыхивает, как солома!

Что-то похожее, по мнению О.А. Седаковой, случилось и у нас в середине 60-х годов XX века. В стране победившего атеизма и материализма поднялся этот «другой ветер»: «Он, конечно, коснулся не всех, совсем немногих, но зато какие это были люди, какие авторы!» У каждого из них была своя история личной встречи с верой и Богом. «Им открывалось нечто совершенно новое, – продолжает О. Седакова, – новые смыслы, по-другому виделась картина жизни: и настоящего, и истории». 

Символично, что концерт открылся сочинением Николая Каретникова, посвященным памяти Бориса Пастернака: «Восемь духовных песнопений для мужского хора» (1969–1989). Его исполнил Мужской хор Alexios (худ. рук. М. Котельников, хормейстер – В. Половянов). «Путь Пастернака к Богу» – так сам автор говорил о своем сочинении. Цикл написан на тексты Ветхого и Нового Заветов при духовном наставничестве отца Александра Меня. 

Затем, на суд слушателей был представлен Духовный концерт Николая Сидельникова для смешанного хора, сочиненный композитором на тексты служб Великого Поста, за полтора года до смерти. Его исполнил Молодежный хор Научно-творческого центра церковной музыки Московской консерватории (худ. рук. проф. Л.З. Конторович, дирижер М. Котельников). 

Программу второго отделения украсили сочинения Арво Пярта «Богородице Дево» и «Два славянских псалма». На творческое и личное мировоззрение композитора повлияло общение с архимандритом Софронием (Сахаровым), учеником и биографом афонского схимонаха преподобного Силуана. Опусы Пярта каноничны и церковны – и по форме, и по содержанию. 

Контрастом к ним прозвучал «Свете тихий» Эдисона Денисова. Он говорил, что главное в духовной музыке – нести свет людям: «Lux aeterna – свет истины, свет вечности». Гимн Спасителю, явившему человечеству тихий свет божественной славы, поется сейчас на вечернем богослужении. В древности этот момент совпадал с закатом солнца, и в храме зажигали свечи, а люди благодарили Господа за прожитый день. Из последования православной вечерни Э. Денисов берет только текст и сочиняет к нему собственную музыку, которая стилистически очень напоминает древнерусское гетерофонное многоголосие – троестрочие. Он привносит в партитуру и элементы западноевропейского мотета (имитации, инверсии), а в кульминации доводит число голосов до девяти – звучат три с половиной октавы! Использован прием ротации тематического материала, а это уже признак додекафонной техники. Так, композитор словно перекидывает арку от музыки эпохи Возрождения к современности.

Были также исполнены «Три духовных хора» Альфреда Шнитке на тексты православного Обихода, пожалуй, единственное духовное сочинение композитора, которое может быть исполнено в православной Литургии, за богослужением. В стилистике «Трех хоров» отразилось авторское кредо в отношении церковной музыки: по его словам, «цитирование или псевдоцитирование [древних распевов – Н.Г.], стилистически ограничивающее, есть обязательная вещь не потому, что это лицемерная демонстрация твоей кротости, а потому, что по сути дела это означает, что ты сознаешь необходимость моральных ограничений, которые ты сам себе должен ставить. Ты должен ежесекундно быть выше себя» (из книги «Беседы с Альфредом Шнитке»).

В завершении вечера хор исполнил «Две рождественские колыбельные» Валентина Сильвестрова. В окружении множества авангардных, а иногда и эпатирующих публику опусов, соревнующихся между собой в оригинальности, партитуры Сильвестрова и их стиль «новой простоты» производят незабываемое впечатление. В них композитор обращается к самым светлым сторонам человеческой натуры, к лирико-созерцательному состоянию души и спокойному течению мыслей. 

В литургической практике христиан музыкальное оформление молитвы издревле было и по сей день является устойчивой многовековой традицией. Эта традиция – церковно-певческий канон – всегда остается «живым организмом», который как сохраняет лучшие черты ушедших эпох, так и постоянно впитывает стилевые элементы современности. Один из древнейших элементов канона – пение a cappella.

Все опусы первой концертной программы Musica sacra nova с этой точки зрения традиционны и каноничны. Но возникает вопрос: всегда ли именно следование канону и только ли оно позволяет нам отделить священное от несвященного, церковное от нецерковного, духовную музыку от светской? Несомненно, на наш взгляд, одно: обращение к церковной тематике и литургическому тексту, внутренний поиск света, Бога и добра, правды и морального стержня, человечности в повседневной жизни, либо, наоборот, уход от этой действительности в создаваемый композитором лучший мир – все это явные признаки неравнодушного отношения автора к миру и к своей собственной жизни. Очень часто именно так композитор приходит к вере, позволяя нам расслышать личный, сакральный путь познания истины. А сакральность в любом искусстве несет миру исключительную значимость, непреходящую ценность и требует благоговейного к себе отношения.

Доцент Н.В. Гурьева, руководитель НТЦ церковной музыки МГК

Фото Дениса Рылова

№4 (1387), апрель 2022 года

Второй семестр 2021/2022 года в Консерватории начался с кадровых перестановок: на смену профессору Л.Е. Слуцкой, занимавшей должность проректора по учебной работе с 2008 года, своей мудростью и громадным опытом обходившей невероятно «острые углы» в консерваторском учебном процессе, пришел профессор Н.И. Тарасевич, – ничуть не менее опытный и матерый руководитель, в последние годы занимавший должность проректора по учебно-методическому объединению и поставивший учебный процесс в Консерватории на «современные рельсы». Николай Иванович, который теперь сосредоточит свое внимание на обоих направлениях, объединив под своим началом обе должности, любезно согласился ответить на наши вопросы:

– Николай Иванович, как Вы, входя в «двойную» должность проректора по учебной и методической работе, представляете себе современный учебный процесс?

– Современный учебный процесс чрезвычайно сложен и включает в себя многие компоненты, среди которых главный – образовательная деятельность. Она предполагает участие преподавателей и обучающихся в процессе передачи (первые) и освоения (вторые) учебного материала – некого комплекса знаний, умений и навыков. Учебный процесс регулируется рабочими учебными планами, рабочими учебными программами, планами воспитательной работы и включает все виды занятий (лекции, семинары, индивидуальные занятия, учебную и производственную практику), равно как и самостоятельную (внеаудиторную) работу студентов с целью овладения необходимыми опытом и мастерством для дальнейшей профессиональной деятельности. В рамках законодательства нужно соответствовать требованиям, регламентирующим взаимоотношения между участниками учебного процесса. Учебный процесс не мыслим без методического и материально-технического обеспечения, поскольку современные образовательные стандарты предъявляют требования и к структуре образования, и к результатам освоения программы, и к условиям ее реализации.

– Что важнее – традиционный базовый набор академических знаний или же предоставление определенной свободы в выборе тех или иных предметов?

– Мне кажется, нужно говорить об оптимальном соотношении «сектора необходимости» и «сектора свободы» – дисциплин базовой и вариативной частей учебного плана. Ведь успех или неуспех освоения образовательной программы во многом зависит от их соотношения. Безусловно, в рамках требований образовательных стандартов определенные «свободы» вполне допустимы. И при формировании перечня дисциплин вариативной части необходимо учитывать интересы студентов.

– Каковы на Ваш взгляд плюсы и минусы «долгих» курсов?

– «Долгие» курсы, с одной стороны, дают возможность основательного и глубокого погружения в изучаемый предмет с учетом исторического, художественного и философско-эстетического контекста. С другой, развернутые дисциплины замыкают на себе время, которое можно было бы потратить на освоение вариативных дисциплин, направленных на формирование профессиональных компетенций будущего музыканта. Вот почему, еще раз повторюсь, залог успеха в освоении образовательной программы зависит, в том числе, и от продуманного соотношения между базовой и вариативной частями программы.

– А каково их соотношение согласно Федеральным государственным образовательным стандартам(ФГОС – ред.)?

– Если говорить о музыковедах, то обязательная часть без учета Государственной итоговой аттестации должна составлять не менее 70% от общего количества зачетных единиц. А вариативная, соответственно, – 30%. Эти данные касаются образовательных программ, разработанных в соответствии с ФГОС-3++. На сегодняшний момент в Консерватории обучение одновременно ведется по образовательным программам трех стандартов – ФГОС-3+, ФГОС-3++ и стандартах, разработанных и утвержденных Консерваторией самостоятельно. Такое право Консерватория получила согласно Указу Президента РФ в феврале 2020 года. В самостоятельных стандартах основной акцент сделан как раз на вариативную составляющую. Доля базовой части не должна превышать 55% общего объема образовательной программы.

– Возможен ли индивидуальный подход к каждому студенту с точки зрения наполненности учебного плана?

– Индивидуальный подход возможен именно за счет вариативной части программы. Выбор, на мой взгляд, за дисциплинами, которые, прежде всего, интересны самим студентам. В рамках дисциплин по выбору это должны быть равноправные, «конкурентоспособные» предметы. От дисциплин, которые появляются в рабочем учебном плане только потому, что преподавателя больше нечем загрузить, толку мало. Одним из вариантов развития учебных планов может стать особый статус дисциплин базовой части, которая могла бы заметно «похудеть» с точки зрения временных затрат. За счет чего? Убрать дублирующие курсы или дублирующие разделы в разных курсах, сократить некоторые «долгие» дисциплины, оставив в них только самое важное. А дальнейшее углубление знаний по предмету проводить в рамках специальных дисципли, потребность в которых зависит от студентов. Однако на практике осуществить подобное начинание не очень просто, ведь в случае отсутствия спроса на дисциплину у преподавателей могут возникнуть проблемы с нагрузкой. Имеются и другие сложности. Скажем, редкие специализации, требующие освоения дополнительного набора навыков, как правило, пользуются вниманием студентов не часто. А развивать их необходимо.

– То есть, студентам можно смелее высказывать свои предпочтения в выборе дисциплин вариативной части?

– Несомненно. В конце учебного года в деканатах производится сбор заявлений от студентов. В них можно высказать свои предпочтения относительно дисциплин по выбору, входящих в состав вариативной части учебного плана, а также факультативов.

– В таком случае, кто ответственен за формирование набора дисциплин вариативной части?

– Вузу предоставлена практически полная свобода в формировании перечня дисциплин, направленных на формирование компетенций, которыми должен обладать выпускник. Всеми действующими образовательными стандартами, в том числе и самостоятельно разработанными Консерваторией. Основное требование к дисциплине – цель ее изучения должна соответствовать целям освоения всей образовательной программы. Такой подход и определяет перечень дисциплин учебного плана.

– Безусловно, мы, студенты, благодарны нашим педагогам за те знания, которые вкладываются в нас. Однако периодически возникает ощущение, что учебный календарь сильно перегружен. Можем ли мы надеяться, что наш робкий голос по этой проблеме будет услышан? И есть ли, на Ваш взгляд, какие-либо способы оптимизации времени в учебном процессе?

– Нагрузка студентов определяется соответствующими актами. Что касается программы специалитета, то ее «трудоемкость» – 300 зачетных единиц. Они распределяются по годам, а годы – по неделям. В результате устанавливается недельная занятость обучающихся, которая должна соответствовать, как я уже говорил, нормативным актам. Недельная нагрузка студентов в Консерватории установлена на уровне 54 академических часов. Это – минимальная цифра из возможных в настоящее время. Путем нехитрых математических операций ясно, что ежедневная занятость студентов при шестидневной рабочей неделе равна девяти академическим часам. Академический час, как известно, укладывается в 45 астрономических минут. В итоге девять академических часов дают 6 астрономических часов и 45 астрономических минут. То есть занятость студентов в день – не более 7 часов. Весьма оптимальное число. Уменьшение нагрузки на младших курсах возможно, но только за счет прибавления нагрузки на курсах старших. Целесообразность подобного перераспределения выглядит достаточно спорно – выпускной курс предполагает все-таки концентрацию на грядущей Государственной итоговой аттестации.

– Что включают в себя 54 академических часа учебной нагрузки?

– Недельная нагрузка включает групповые и индивидуальные занятия, и, так называемые, часы «самоподготовки» – время на самостоятельное выполнение учебных заданий.

– В последние два года мир столкнулся с таким явлением, как COVID-19. В связи с этим хотелось спросить: какие, на Ваш взгляд, есть плюсы и минусы в онлайн-обучении?

– В связи с пандемией на многие вещи пришлось смотреть по-иному. Если говорить о положительных сторонах онлайн-обучения, то можно отметить отсутствие привязки занятия к конкретному месту, а порой и ко времени. И как следствие – отсутствие проблем с аудиторным фондом, что весьма актуально для занятий очных. Появляется возможность «экономии» – исчезает потребность в библиотеке, фонотеке, гардеробе, столовой, партах, роялях и т.д., то есть амортизационный фактор «сходит на нет». Среди отрицательных сторон укажем на недостаточную самоорганизацию студентов, что, в свою очередь, способно привести к весьма плачевным результатам на контрольных мероприятиях. Потом, в творческих заведениях далеко не все дисциплины возможно перевести в онлайн-формат. Речь идет о сольных, ансамблевых, оркестровых и хоровых исполнительских предметах, в которых живой контакт между участниками необходим как воздух.

Однако не стоит думать, что проблемам подвержены только студенты. Преподаватели, к примеру, порой просто не могут совладать с современной техникой. Кроме того, в творческих лабораториях накопленное профессором мастерство передается при личном общении, что называется, «из рук в руки» или «из уст в уста». Профессиональные секреты вряд ли возможно «закодировать» при помощи современных цифровых технологий.

– За последние несколько лет внешний облик Консерватории обновился. Мы благодарны руководству нашего учебного заведения за возможность заниматься в новых и всегда чистых аудиториях, в которых установлены современные инструменты и техника. Скажите, пожалуйста, планируется ли дальнейшее техническое оснащение простой и удобной в обращении аппаратурой? Как введение в эксплуатацию новых аудиторий способно повлиять на удобство расписания для всех участников образовательного процесса?

– Конечно же, за последние годы Консерватория похорошела и помолодела, чему нельзя не радоваться. Появляются новые аудитории, современное оборудование, высококлассные инструменты. Материально-техническая база Консерватории обновляется из различных финансовых источников, а также за счет собственных внебюджетных средств. И это – результат слаженной работы ректората, финансового управления, административно-хозяйственной части и других служб. Так, например, в 2019 году для репетиториев и жилых комнат студенческого комплекса было приобретено 49 инструментов фирм Yamaha и Kawai. В 2020 году для общежития купили 14 пианино и 6 кабинетных роялей фирмы Yamaha. В 2021 году – 22 рояля фирмы Kawai, а также необходимое для организации учебного процесса техническое оборудование (персональные компьютеры, ноутбуки, моноблоки и так далее). Весьма впечатляющие показатели! Консерватория и в дальнейшем намерена продолжать политику обновления материально-технического фонда.

Как и во всем мире, в нашем учебном заведении неуклонно идет процесс цифровизации. Установленная Электронная система управления позволяет сегодня работать и электронной информационно-образовательной среде, и электронной библиотеке. Она же (электронная система управления) способна сформировать нагрузку научно-преподавательских кадров путем взаимодействия с электронными учебными планами и электронными журналами. Прием и перевод в Консерваторию осуществляется также при помощи той же системы. Уже сейчас тестируется система электронного расписания, благодаря которой в следующем году могут начать решаться проблемы с аудиторным фондом.

– Николай Иванович, не могли бы Вы рассказать простыми словами, что такое «Программа академической мобильности студентов» и как она может быть реализована?

– Академическая мобильность предоставляет возможность студентам получить образование в учебном заведении-партнере (как в РФ, так и за рубежом). Срок пребывания в другом вузе, как правило, ограничивается семестром или двумя. При этом учеба в другом вузе учитывается: если потребуется, делается перерасчет освоенных дисциплин. При необходимости студенту предоставляется возможность восполнить недостающие знания (в связи с возможным различием образовательных программ). На период обучения в организации-партнере за студентом, естественно, сохраняется место. Отбор студентов, желающих воспользоваться программой академической мобильности, осуществляет совет факультета. Положение об академической мобильности студентов и преподавателей размещено на сайте Консерватории.

– Николай Иванович, напоследок хотелось бы спросить: с какими мыслями и стремлениями Вы приходите на новый пост и какую бы Вам хотелось видеть Консерваторию в будущем?

– Уверен, что все студенты и сотрудники хотят видеть Московскую консерваторию в числе ведущих музыкальных учебных заведений мира. И у нас есть существенные успехи в этом направлении. В 2018 году была проведена Международная профессионально-общественная аккредитация, и Консерватория получила наивысшее признание. Залогом успеха нашей образовательной организации является удержание на протяжении нескольких лет лидирующих позиций во всевозможных рейтингах. В 2022 году, согласно Глобальному агрегированному рейтингу, который составлен Гильдией экспертов в сфере профессионального образования, Московская консерватория вошла в топ – 15% лучших высших учебных заведений мира. Это достаточно высокий результат. Думается, и впредь нужно не только удерживать эти позиции, но и стремиться к еще более высоким результатам.

Беседовал Иван Поршнев, студент НКФ, музыковедение

Фото Дениса Рылова

№4 (1387), апрель 2022 года

---

Беседа с профессором Московской консерватории, заслуженным артистом России, пианистом Игорем Котляревским

– Игорь Леонидович, каков был Ваш путь становления как музыканта? Он был довольно насыщенным – Вы поучились у многих, включая С.Л. Доренского, Б.М. Давидович…

– Мне очень нравились уроки Сергея Леонидовича и его манера заниматься со студентами. Тогда он был играющим пианистом и многое показывал, у него очень красиво звучал инструмент… Но больше всего мне бы хотелось рассказать о первом педагоге, которого наверняка не все знают, это Фаина Эммануиловна Иоффе. Я всем обязан ей, она научила меня любить музыку. Вы же понимаете, что первый педагог – это все! Тем более, если ты не из музыкальной семьи и не приучен к музыке с самого детства. Влюбить ребенка в музыку очень сложно, а она сумела это сделать. Она была фанат – могла заниматься три часа, могла хвалить, ругать, я даже плакал. Но она имела право на это, потому что она любила…

Второй важный преподаватель – Александр Адрианович Егоров. Он был удивительно мягким, интеллигентным человеком, на его уроках можно было понять, что многое не умеешь, но ты всегда выходил и видел какие-то необозримые дали. После Консерватории, будучи в армии, я выучил баркаролу Шопена. Она неплохо получилась, поэтому позже я пришел к нему и сыграл. Он никогда не хвалил, это вообще свойственно игумновской школе – все очень скромно, смиренно и мягко. После баркаролы он сказал: «Я тебя поздравляю, в тебе открылось лирическое дарование». Я задал глупый вопрос: «А драматическое?». Он ответил: «Драматизм идет из лирики». Сначала лиризм, романтическое восприятие вещей через склад общего ощущения красоты, природы, любви. Поэтому вопрос был смешной, конечно.

Также стоит сказать о Всеволоде Владимировиче Топилине – ученике Нейгауза, который много играл с Ойстрахом. Потрясающий музыкант, который очень многое мне дал. Он садился за рояль – его рубато, его интонация… Совершенно необыкновенно! Таких людей немного, поверьте мне, но они незабываемы. Они живут во мне, и я стараюсь хоть как-то к ним приблизиться и продолжить то, что унаследовал от них.

 – Вы сейчас затронули темы рубато и звукоизвлечения. Но на примере представителей XX века. Бытует такое мнение, что раньше играли по-другому, что тогда в исполнении присутствовало что-то, что сейчас уже ушло из игры всех инструменталистов. При этом технический уровень, наоборот, возрос.

– Правильное мнение.

– Вы можете сказать, что именно ушло?

 – Об этом обязательно нужно сказать. Вот, например, недавний конкурс Шопена. Кому-то он интересен? Мне, честно говоря, так… чуть-чуть послушал. Не может хорошее ремесло быть единственной составляющей. Почему играли лучше? Были другие задачи, они шли от художественного, сейчас же у многих задачи перестали быть художественными. Я глубоко убежден, что старики играли лучше, потому что сейчас идет поток чего-то стереотипного. Вы не отличите одного от другого ни по звучанию, ни по фразировке, ни по манере. Редко-редко у кого-то присутствует что-то свое. А если говорить о виртуозности – никто еще никого не опередил. Вспомнить Рахманинова, Фридмана, Левина, Аррау… Юджа Вонг замечательно владеет техникой, но часто слушать ее неинтересно.

 – Думаю, что Вонг все же больше про шоу, чем про искусство.

 – Это и есть шоу. А искусство всегда было, прежде всего, про передачу особых настроений. Например, Софроницкий мог играть неудачно, а мог сыграть несколько мазурок Шопена так, что потом ты три дня ходил под впечатлением. Сейчас же все очень чисто и рационально, но ничего за этим нет. Если бы молодые люди учились по записям старых мастеров, это было бы замечательно. У тех были особые заботы о звуке – сейчас же об этом перестали говорить. Особенно если речь идет о Шопене. Это поиск баланса, концертного звучания. Кстати, этого нет и у струнников – они перестали искать интонацию, играют выхолощено. Но такой век. Мы привыкли общаться по sms, но это же не литература, sms – это выхолащивание. Лихачев говорил: «По тому, как говорит человек, можно все понять». Можно понять и душу человека, и чем он живет. 

– Кто из нынешних исполнителей удовлетворяет Ваши вкусовые предпочтения?

– Дмитрий Шишкин или Костя Хачикян, мой бывший студент. Я его очень люблю и очень люблю его слушать. Леонид Егоров – у нас его знают мало, он очень своеобразно мыслящий, но это не «стерильность». Замечательных молодых исполнителей много, но все равно что-то ушло. Из более старших – люблю послушать Плетнёва. Или, например, Владимир Тропп – когда он играет миниатюры, в них слышно что-то старое, та настоящая русская игра. 

– Что Вы думаете об Андраше Шиффе? Мне кажется, у него как раз идет перевес в интеллектуальную сферу.

– Вы очень точно сказали, это действительно высочайший интеллект и качество.

– Когда я слушала его вживую – ловила себя на ощущении, что буквально вижу партитуру перед глазами.

– Касательно Баха могу согласиться, а вот в том, что касается романтики или даже Бетховена… Мне не очень интересно становится слушать, это очень объективная игра. Это лекция замечательного теоретика о музыке. А мне не интересно слушать то, что очень трафаретно и понятно. Искусство – это все же что-то другое. Почему я Вас адресовал к Софроницкому? Потому что там Вы услышите необычные вещи. Вы можете с ними согласиться, можете не согласиться, можете поразиться или оттолкнуть – но это личность ищущая, яркая. Это ужасно, но Шиффа как романтического артиста я не представляю. Он теоретик с великолепной головой, который играет очень хорошо. Или вот, как Кисин играл в 12 лет. Потрясающе! Канторов интересно играет, он – настоящий музыкант – мыслит, как он хочет. Или Дебарг – может что-то ему удается больше, что-то меньше, но он играет по-своему.

– Можно ли сказать, что они играют «себя» на основе материала, который дает композитор?

– Вы сейчас затронули архиважный вопрос, эта тема всегда вызывает очень много полярных рассуждений. Мне очень не нравится, когда говорят «нужно играть композитора, а не себя». Антон Рубинштейн сказал: «В нотах написано все и ничего». Почему? Потому что если ты артист, имеешь этот достаточно редкий талант, то здесь уже важно не то, сколько ты читал о композиторе и как долго смотрел в ноты, но то, что ты через это говоришь. Что ты акцентируешь в этом Бетховене. Спасибо Гульду: он когда-то очистил меня своей игрой, после него я начал искать свою «Аппассионату» совершенно по-другому.

– У Гульда был талант смотреть в ноты так, будто их до него никто никогда не исполнял. Он слышал музыку совершенно по-своему.

– Вот. Так Гульд играет как раз то, что написано в нотах.

– Да, и при этом звучит он совершенно не так, как все. Это удивительно.

– Этот парадокс заставляет на проблему посмотреть с юмором – ведь правы все. Сейчас то, что мы слышим, показывает, что люди совсем не видят того, что написано в нотах, или видят недостаточно. С другой стороны, что сказал Экзюпери в «Маленьком принце»? «Самое главное то, что глазами не увидишь».

– Думаю, еще важно преподнести свою интерпретацию убедительно. Если это убедительно – тогда это имеет право на жизнь.

– Но, когда человеку говорят «так нельзя играть», его этим губят. Можно так играть. В искусстве очень редко надо употреблять слово «нельзя». 

– Как Вы к Курентзису относитесь?

– Какой прямой вопрос!

– Это же человек, который как раз позиционирует себя как «новатора-интерпретатора».

– Есть люди, которые от него в восторге, у меня другое от него ощущение. Конечно, замечательная игра, поразительное качество оркестра. Я слышал как он занимается, и знаю, как он может влиять на оркестрантов.

– Вы очень много играли в тандеме с другими музыкантами. Можете выделить кого-нибудь, с кем Вам было интереснее всего? Удобнее всего?

– У меня замечательный сын-виолончелист, концертмейстер в Большом театре. Я ни с кем не получаю такого удовольствия во время игры, и не потому, что это мой сын, а потому, что он потрясающе может играть. У нас мгновенно складывается ансамбль. Так как я играл с очень многими, я могу это оценить. Ведь есть вещи, о которых нельзя договориться. Бывает приспособление, это как неудачный брак – вы пытаетесь угодить, а ничего не выходит. А угождать не надо, это должно как-то само получаться.

– Почему Вы играете «Времена года» Чайковского с «Сентября»?

– Внутренняя находка. Это же просто ноты изданы с «Января», а если подумать – церковное новолетие начинается с сентября. Если взять «Сентябрь» – замечательная пьеса для открытия, это начало чего-то нового: этапа жизни, может быть и этапа зрелости. Сложность в том, что заканчивать приходится «Августом» – удивительная пьеса, смутные времена… Вообще для меня «Времена года» это не про времена, это про «поговорить, душу излить».  Общение двух русских людей – «от души к душе». Словно чеховские рассказы – наши символы, наши мечты, обмен душевными дарами.

– Назовите самое важное качество музыканта.

– Быть человеком. Есть замечательные музыканты, у которых зашоренность на своем достигает сумасшествия – не существует уже ничего, ни семьи, ни детей. Так нельзя. Первое это Бог, затем Россия, потом семья, а потом музыка. Я ее очень люблю, но она будет на третьем или четвертом месте.

– Тогда все это будет в музыке – и Бог, и Россия…

– Все будет, но не наоборот. Должна быть иерархия. Так ведь можно сойти с ума, такому человеку можно посочувствовать. 

– Может быть, в этом и проблема, все устремляют свой взгляд исключительно на музыку (на технику). Раньше тот же Рихтер мог по пять часов гулять по ночной Москве без каких-либо гаджетов и просто рассматривать архитектуру.

– У него были очень широкие интересы. Но он был очень несчастным человеком. С детства изуродована психика. Вы знаете его историю?

– Да, конечно.

– Это же страшно. Для такого чувствительного человека как он, это почти сумасшествие. С другой стороны, Горовиц говорил, что Скрябин сумасшедший. Так обо всех можно сказать, все музыканты немножко «сдвинутые».

– Дадите совет музыканту, как не погрязнуть в этой «зашоренности»?

– Надо быть прежде всего нормальным человеком. Любовь к вашему делу никто у вас не отнимает. Но должна быть и любовь к жизни как таковой. Ваше «Я»  должно быть связано с большим «Я» и соединяться со всем миром. 

Беседовала Анастасия Метова, студентка НКФ, муз. журналистика

Фото из личного архива И.Л. Котляревского

№4 (1387), апрель 2022 года

Круглый стол на тему Musica Sacra Nova открылся приветствием проректора по научной работе, доктора искусствоведения, профессора К.В. Зенкина: «Эта тема предполагает не просто ряд научных вопросов, а целый комплекс, целый «узел» самых животрепещущих научных проблем, причем не только музыковедческих, но и историко-культурных, историко-философских… Что такое священное, духовное? На этот вопрос даются совершенно разные ответы: с одной стороны, представителями мировых традиционных религий, с другой стороны – представителями внерелигиозной мистики. Это очень сложная тема и даже совсем пока еще не музыковедческая, просто историко-культурная. Авангард, теперь уже не только авангард, но и постмодерн, и метамодерн… этот открытый ряд будет все время привлекать наше внимание».

В своем напутственном слове зав. кафедрой хорового дирижирования, профессор Л.З. Конторович рассказал о многолетнем опыте исполнения нашими консерваторскими хоровыми коллективами православной и западноевропейской духовной музыки. Он также отметил, что современная музыка, которая написана, учитывая каноны православной службы, может исполняться во время службы: «Те композиторы, которые желают, чтобы их музыка зазвучала в Церкви, должны придерживаться канонов. Если эта музыка содержит настоящее, высокое по мысли и содержанию, то мы ее с удовольствием, как исполнители, будем петь».

О духовной музыке Н.Н. Сидельникова в завершении жизненного пути рассказала доктор искусствоведения, профессор кафедры теории музыки Г.В. Григорьева. Профессор ГИТИСа, доктор искусствоведения А.А. Баева поделилась мыслями о дилогии Н. Каретникова в контексте времени и места. С текстологическим анализом духовных песнопений композитора выступил куратор проекта, хоровой дирижер С.С. Терентьев. Отдельные замечания о специфике композиций для исполнения на клиросе высказала доктор искусствоведения, профессор кафедры истории русской музыки Т.А. Старостина, сопроводив свое выступление фрагментами сочинений, написанных для клироса игуменом Силуаном (Тумановым) и регентом, основателем Московских православных регентских курсов Е.С. Кустовским.

О жанрово-стилевых особенностях в творчестве Софии Губайдулиной рассказала кандидат искусствоведения, профессор кафедры хорового дирижирования Н.В. Кошкарева. Музыковед и независимый исследователь из Берлина Т.И. Фрумкис задалась вопросом – к какой традиции отнести, так называемые, «сакральные» сочинения: языческой, православной, католической, протестантской, экуменической? Личным 35-летним опытом духовно-музыкального творчества поделился композитор, доцент кафедры композиции РАМ им. Гнесиных А.И. Микита. О музыке как средстве богообщения порассуждал кандидат искусствоведения, доцент кафедры истории зарубежной музыки Р.А. Насонов.

В диалог с музыкантами включились и представители смежных видов науки и искусства. Поэт, филолог, переводчик, старший научный сотрудник Института мировой культуры (МГУ), член Амвросианской академии, кандидат филологических наук О.А. Седакова рассказала о «Новой религиозности» в европейской поэзии XX века и поэзии русского андеграунда. Искусствовед, коллекционер, основатель галереи «Веллум», почетный академик РАХ, куратор выставки Musica Sacra Nova, исследователь творческого наследия художников-символистов и художников Второго авангарда Л.Л. Агафонова представила чашно-купольную систему живописи Владимира Стерлигова. Ее рассуждения хочется привести:

«Второй авангард был прямым потомком Первого… Неотъемлемой чертой этого явления был синтез поэзии, музыки, текста и пластического осуществления философских изысканий молодых художников… Так, художник и поэт Игорь Ворошилов сформулировал поэтико-философскую концепцию о художнике-творце, рукой которого водит Бог, а ученик Малевича Владимир Стерлигов создал чашно-купольную теорию существования мира, в которой жертвенная чаша, отдав жертву Богу, переворачивается и защищает, став куполом. Все эти теории сегодня кажутся несколько наивными, надуманными, прямолинейными. Но, находясь в условиях религиозного вакуума, не имея практически никаких теологических источников, поэты и художники были искренни в своих изысканиях… [они] преследовали единственную цель, совсем не политическую, – создать идеальный гармоничный мир».

О музыке современных авторов в богослужебной и концертной жизни Феодоровского собора Санкт-Петербурга говорил Я.А. Стародубцев – руководитель храмового выставочного пространства «Арт-Фео», бакалавр теологии, член правления Союза музыкальных деятелей Санкт-Петербурга, член правления Гильдии храмоздателей, художественный руководитель и директор студии иконописи и дизайна «Артодокс». Продолжить диалог и расширить спектр обсуждаемых проблем, сопоставив тенденции и течения в европейской духовной музыке, побудил собравшихся музыковед из Ростовской консерватории имени С.В. Рахманинова К.А. Жабинский. Его рассуждения об опыте постижения «тайны святости и Бога» Э. Артемьевым в композиторской транскрипции органной хоральной прелюдии Баха Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ зачитала и прокомментировала доктор искусствоведения, профессор М.С. Высоцкая. 

«Очень важно, что Фонд Каретникова смог проявить такую инициативу – обобщил происшедшее в целом его исполнительный директор А.Н. Каретников. – Мне кажется, что это вообще начало хорошей традиции… Все, конечно, занимаются своими делами, но, посмотрите, если все объединяются, какие интересные результаты! У Консерватории потрясающие возможности с вашим научным потенциалом, профессорами и с исполнителями. Первый шаг был самый очевидный: подойти к разговору об этой закрытой, специальной, «капсульной» (я бы так ее назвал) ветви русского авангарда – литургической музыке композиторов-нонконформистов. Мы начали с «шестидесятников», потом будут и «семидесятники», и «восьмидесятники», и перейдем к началу века, к современным авторам… Так что планы у нас большие. Я надеюсь, что наша идея окажется удачной, и она продолжится не один год…»

Доцент Н.В. Гурьева

Фото Дениса Рылова