№ 8 (1328), ноябрь 2015

В последние годы жизни Лев Николаевич Наумов курировал проект создания звучащих хрестоматий для учащихся детских музыкальных школ. Актуальность и значимость этой идеи трудно переоценить. Ее, наконец, удалось блестяще осуществить в год 90-летия со дня рождения Мастера его консерваторским воспитанникам – Даниилу Копылову, Алексею Кудряшеву и Вере Кравцовой при содействии студии звукозаписи ЦМШ.

Еще Г. Г. Нейгауз – учитель Наумова, один из корифеев отечественного музыкально-исполнительского искусства – проницательно отмечал: «Ребенок, начиная играть на каком-либо инструменте, уже должен духовно владеть какой-то музыкой: хранить ее в своем уме, носить в своей душе и слышать своим слухом». В таком же духе, говоря о задачах практической педагогики, высказывался Е. М. Тимакин: «Везде необходимо сначала слышать, а потом делать. Если мы предварительно слышим, то наше исполнение делается осмысленным и выразительным». Эти наблюдения глубоко справедливы по отношению к разным этапам становления исполнителя и касаются различных аспектов развития его внутренне-слуховой сферы – фундаментальной музыкальной способности.

Создать оптимальные условия для формирования такого предварительного внутреннего слышания, которое необычайно ускоряет весь процесс художественного и технического освоения произведения, и призван завещанный Наумовым новаторский проект издательства «Дека-ВС» (к слову сказать, отмеченное издательство, возглавляемое авторами данного начинания В. В. Упориным и В. Е. Кравцовой, ранее выпустило большую книгу воспоминаний о Наумове в комплекте с видео-записями его уроков). Осуществленное в юбилейном году издание поражает своим размахом и величиной проделанной работы: все семь объемных «Нотных папок пианиста», каждая из которых включает в себя от трех до шести тетрадей (всего 24 тетради репертуара ДМШ с 1 по 7 класс) снабжены компакт-дисками (к каждой папке приложено от 2-х до 4-х компакт-дисков – всего их 17!). Таким образом, озвучены все произведения, напечатанные в нотных тетрадях, от самых легких до весьма трудных – 708 фортепианных сочинений!

Как известно, одна из насущных и острейших проблем массового обучения юных музыкантов-исполнителей заключается в том, что, начиная работать дома над заданием, средний и, особенно, начинающий ученик не имеет ни педагогического наблюдения, ни доступного звукового образца произведения. Потому он делает это крайне неэффективно, на что Е. М. Тимакин справедливо указывал: «Преждевременная самостоятельность ученика в разборе музыки в большинстве случаев замедляет и затрудняет дальнейшую работу».

Опытные педагоги не только предварительно проигрывают учащемуся задаваемые произведения, но и разбирают их вместе с учеником в классе. Однако такой подход встречается крайне редко. Чаще воспитанник на многие часы обречен оставаться один на один с нотным текстом. А тут роль внимательного наставника, постоянно снабжающего ученика надежным «камертоном» исполнения, выполняют прилагаемые к нотам звукозаписи.

Не следует преувеличивать опасность поначалу слепого ученического копирования – на определенном этапе следование профессиональным образцам просто необходимо. Как указывал один современный психолог, «подражание – это своего рода инстинкт, и наиболее полно развертывается он в детстве и юности», а другой добавлял: «кто никогда не подражает, ничего не изобретет». Конечно, педагог по мере освоения предложенной музыки должен выявить индивидуальность воспитанника, но пусть у его подопечного будет сразу в наличии некий первоначальный звуковой ориентир.

Не имея под рукой такого «навигатора», ученик с самого начала освоения музыки лишается столь важного понимания ее образного содержания, элементарного ощущения мелодической фразы, примерных представлений темпа, динамики, артикуляции, тембра и т. д. Лишается нередко и интереса к самому сочинению, как и воли к его изучению. Особенно страдают от отсутствия таких звуковых подсказок и наставлений школьники младших и средних классов. Юный исполнитель, особенно тот, кто делает первые шаги в игре на каком-либо инструменте, в такой ситуации чаще всего обречен немалое время мучительно соединять – часто чисто механически, «по слогам» – буквально одну ноту с другой, «не видя за деревьями леса»…

Все совершенно преображается, если молодой исполнитель – благодаря предлагаемым звукозаписям – имеет возможность ознакомиться на слух с тем сочинением, которое ему предстоит разучить. К тому же, весьма полезно, просто слушая музыку, следить за нотным текстом. Это расширяет кругозор учащегося, развивает его репертуарную активность, облегчает восприятие современной музыки, особенно сложной при разборе.

Эти чудесные возможности – впервые в таком объеме, с такой систематичностью и с такой всеохватностью – предоставляет данное, по-своему уникальное издание: «Нотная папка пианиста. Золотая фонотека педагогического репертуара. Памяти Л. Н. Наумова». Не случайно его появление приветствовали такие замечательные музыканты, как В. В. Задерацкий, В. Н. Минин, В. Т. Спиваков…

Профессор А. М. Меркулов

№ 8 (1328), ноябрь 2015

Интригой Хорового конгресса стал вечер 5 октября в Малом зале с участием камерного хора Донецкой государственной музыкальной академии имени С. С. Прокофьева и Art Vocal Ensemble из Армении.

Коллективы, наследующие самобытные певческие традиции своих народов, и в обычной ситуации вызывают большой интерес. В непростое время, когда донецкий хор нашел возможность посетить Москву, к нему было обращено самое пристальное внимание – ведь, что лучше музыки может передать чувства и чаяния людей?!

Сильное впечатление произвело ансамблевое мастерство, продемонстрированное им в технически сложных партесных концертах. Великолепное владение нюансами отличало исполнение духовных произведений. Слушателям особенно полюбилась интерпретация музыки Ирины Денисовой, нашедшая достойное воплощение. Невозможно не отметить прекрасное владение стилистикой хоровой музыки Возрождения, а также кропотливую работу хормейстера и концертмейстера, проделанную в процессе подготовки «Маленькой джазовой мессы» Боба Чилькота. А искреннее и яркое исполнение обработок украинских народных песен заслужило самые громкие овации!

Выступление прошло с большим успехом и имело особое значение для нас, студентов дирижерского факультета. Оно явило пример настоящего профессионализма и любви к своему делу, зная, в каких условиях сейчас живет и работает коллектив. Этими достижениями хор несомненно обязан своему талантливому и многообещающему руководителю Алиме Мурзаевой, обладающей прекрасной дирижерской техникой, чувством стиля и отлично владеющей хормейстерским искусством.

Второе отделение Art Vocal Ensemble (руководитель и дирижер – Арно Бархударян) начал с традиционных армянских напевов. Большим удовольствием было наблюдать, с какой увлеченностью хор и дирижер работают над созданием убедительных и живых музыкальных образов. Тонкая работа над музыкальной фразой, захватывающая пластичность и выразительность несомненно являются «визитной карточкой» коллектива, который был блестяще подготовлен и виртуозно исполнял произведения, требующие значительного вокального мастерства. На одной сцене с этим замечательным ансамблем было приятно увидеть прекрасного концертмейстера А. А. Бугаяна, с которым мы знакомы по подготовке дипломных работ.

Любовь к родной песне и к своему делу не может оставить человека равнодушным наблюдателем. Чувство единения и родства, за которое мы так любим хоровую музыку, лучше любых слов способствует взаимопониманию и открывает возможность для диалога культур.

Мария Мясоедова и Ирина Панфилова,
студентки ДФ

№ 8 (1328), ноябрь 2015

«Хоровая музыка представляется мне близкой по духу театральному действу» – эти слова Н. Н. Сидельникова, замечательного композитора, полностью раскрыли свой смысл на концерте, завершившем II Международный хоровой конгресс. Программа была посвящена хоровой музыке Сидельникова, едва ли не лучшей части его богатого творческого наследия. В нее были включены опусы, относящиеся к разным годам – оратория-реквием «Смерть поэта», финальный хор «Memento» из цикла «Романсеро о любви и смерти» на стихи Ф. Г. Лорки, два номера из хорового цикла «Сычуаньские элегии» на стихи Ду Фу («Олень» и «Стихи о том, как осенний ветер разломал камышовую крышу моей хижины»). Открывал вечер Духовный концерт №1, впервые прозвучавший в тот день.

Композитору Н. Сидельникову в этом году исполнилось бы 85 лет. Он рано ушел из жизни, не осуществив множества творческих планов. Музыка его звучит в концертах достаточно редко, и этот вечер стал без преувеличения выдающимся событием.

Хоровая музыка Сидельникова – мир особый, несущий слушателю истинную мелодическую красоту, полнозвучную красочную гармонию, богатство изобретательной многоголосной ткани. Во всех исполненных произведениях слушатель смог ощутить и индивидуальное своеобразие «китайских» интонаций, и истинно русский дух духовных песнопений, а в «испанском» цикле окунуться в неожиданно романтический, возвышенный характер заключительного «Мemento» (он сопровождался партией фортепиано – А. Бугаян, и электрогитары – П. Фролов-Багреев).

Хоры разных лет исполнялись в первом отделении. Программу второго составило исполнение оратории-реквиема «Смерть поэта», сочинения, в высшей степени сложного, не лишенного элементов театральности.

Инициатива этого исполнения принадлежит С. С. Калинину, впрочем, как и как сама идея концерта из произведений Сидельникова в рамках хорового конгресса. Трудности были связаны уже с доставанием партитуры, не говоря о разучивании этого опуса силами хора и оркестра студентов консерватории. Произведение необычно по жанру: хор выступает здесь в роли комментатора трагических событий, оркестр берет на себя функцию эмоционального «досказывания», чтец (в этой роли выступил артист Николай Бурляев) произносит бессмертные стихи Лермонтова, написанные на смерть Пушкина («Погиб поэт, невольник чести…»).

Музыкальный язык оратории включает самые разные технико-стилистические элементы – здесь и «говор» толпы (звукоизобразительные приемы у хора), и молитвенное пение, и реакция хора на произносимые строки стихотворения. В оркестром пласте важное место занимает тема знаменитого похоронного марша Шопена, она гармонически «остранена», и в контексте сочинения звучит поэтому особенно трагично и болезненно. Очень выразительно был исполнен оркестровый фрагмент, оплакивающий безвременную гибель поэта.

Исполнение оратории потребовало огромного количества участников: на сцене было 160 человек (был задействован также хор мальчиков ДМХШ «Алые паруса» под руководством Е. Толстогузовой), огромный состав оркестра (художественный руководитель В. Валеев). Собрать все это воедино, выстроить целое, соотнести партию чтеца со звучанием музыки, с возможностями певцов-солистов (Д. Давыдова, Е. Кузнецова, М. Сажин, К. Сучков) – задача наитруднейшая. С. С. Калинин показал себя как опытный дирижер-симфонист, оратория была исполнена прекрасно, с полной отдачей сил, воспринята публикой с большим энтузиазмом. Неожиданным «сюрпризом» была бурная реакция группы слушателей из подразделения МЧС, с которым связан по роду своей деятельности Н. Бурляев; молодые люди, одетые в форму, вели себя почти как на стадионе, но свист, видимо, должен был выразить их наивысшее одобрение услышанному.

Консерваторский хор под управлением его художественного руководителя, профессора С. С. Калинина проделал гигантскую работу, прекрасно освоив хоровые опусы Сидельникова со всеми их интонационными, тембровыми и ритмическими трудностями. Завораживали удивительные тихие звучности, где была слышна линия каждого голоса, красиво звучали мощные кульминации, трогательные сольные голоса наших студенток и студентов (Е. Дондуковой, Н. Даньковой, Г. Болотова). Вероятно, автор порадовался бы, услышав свою музыку, исполненную столь любовно, тщательно, с пониманием каждой детали, каждой ремарки, каждого нюанса этих воистину бессмертных произведений.

Профессор Г. В. Григорьева

№ 8 (1328), ноябрь 2015

В Московской консерватории в сентябре прошел II Международный хоровой конгресс «Выдающиеся деятели русского музыкального искусства». Это крупное событие включало в себя музыку в исполнении хоровых коллективов из Армении, России и Украины, а также концерты, посвященные юбилейным датам С. И. Танеева, Г. В. Свиридова и А. В. Свешникова. Хоровой форум, длившийся почти две недели, объединил выдающиеся музыкальные произведения различных эпох в исполнении настоящих профессионалов своего дела.

Открытие конгресса в Большом зале было посвящено 125-летию со дня рождения А. В. Свешникова. С приветственным словом выступил ректор профессор А. С. Соколов, который подчеркнул значение Свешникова в развитии отечественной музыкальной культуры. Весь вечер на сцене Большого зала пел Хор Московской консерватории под управлением профессора С. С. Калинина, в свое время учившегося у профессора Свешникова. В программе была представлена панорама русской хоровой музыки преимущественно духовного содержания.

В первом отделении прозвучали сочинения Кастальского, Чайковского, Данилина, Чеснокова, Голованова, Свиридова, Рахманинова. В исполнении хора они стали подлинной исповедью, содержавшей различные оттенки чувств – смирение, блаженство, трепет, восхищение перед Богом. Коллектив консерватории в очередной раз демонстрировал великолепную работу со словом, интонируя смысл особо проникновенно и выделяя наиболее важное. К примеру, в сочинении Г. Свиридова «Странное Рождество видевшее» слово «аллилуйя» преподносилось как торжественное заклинание с постепенным нарастанием динамики. А в «Свете тихий» Н. Голованова выразительные голоса солистов, имитировавших ангельское пение, сливались воедино с остинатным фоном других голосов. Единственным «отступлением» от христианской тематики стала русская народная песня «Ах ты, степь» в обработке Свешникова. Распевная протяжная мелодия, поначалу звучащая словно ниоткуда, символизировала широту степей и полей, которые так дороги русскому человеку.

Во втором отделении концерта публика услышала хоровые сочинения композиторов XX–XXI века. Запомнилось исполнение части «Да святится имя твое» из литургии Р. Щедрина «Запечатленный ангел», где использованы принципы русского знаменного распева. По хоровым приемам это произведение является настоящей энциклопедией хорового письма, включающей также народную подголосочность, звучный аккордовый склад, краску басов-октавистов, эффект эха и имитацию колокольного звона. В «Песне о криницах» А. Эшпая воспевалась чудо-вода и родники – своего рода чистота нашей земли. Проникновенное исполнение хора не оставило слушателей равнодушными, они долго аплодировали этому яркому лирическому номеру. Кульминацией концерта стало своеобразное приношение Ивану Бунину: в сочинениях А. Вискова и А. Комиссарова были представлены замечательные стихотворения поэта: «Родина», «Рассвет», «В степи», «Дорога» и др. Ценно, что эти многочастные хоровые произведения были исполнены в России впервые. Завершала вечер триада популярных русских народных песен: «Гибель варяга», «Вечерний звон», «Колокольчик» (солист М. Сажин). Известные мотивы и слова звучали удивительно свежо, радуя публику столь полюбившимися фразами.

Хор Московской консерватории во главе со своим художественным руководителем вновь продемонстрировал высококлассный профессионализм и мастерство, умение превращать каждое выступление в яркое концертное событие. Можно утверждать, что дело А. В. Свешникова продолжает жить и развиваться, открывая любителям хорового искусства музыкальные шедевры.

Надежда Травина,
студентка ИТФ
Фото Дениса Рылова

№ 8 (1328), ноябрь 2015

За дирижерским пультом

1 декабря в Большом зале консерватории начинается юбилейный фестиваль Народного артиста СССР, заведующего кафедрой скрипки Московской консерватории, профессора, уникального музыканта и человека Эдуарда Грача. 85-летие – уже повод для торжеств, но эта дата умножается рядом знаковых для него событий, выпадающих на этот год: 125 лет со дня рождения любимого учителя, одного из корифеев отечественной скрипичной педагогики А. И. Ямпольского, 25 лет с момента основания Камерного оркестра «Московия», наконец, 25 лет счастливого супружеского и творческого союза с заслуженной артисткой России, пианисткой Валентиной Василенко.

Каждое число – не просто цифра, за ней – огромная череда поисков, восхождений, артистических свершений. О многом сказано в нашей книге «Эдуард Грач. От первого лица», вышедшей в 2012 году. Но время не стоит на месте, особенно, когда речь идет о такой многогранной личности – скрипаче, альтисте, педагоге, дирижере, организаторе конкурсов. Эдуард Грач – деятелен и энергичен, заряжая своей энергией студентов, публику, коллег. Он строг, даже неумолим к себе и к окружающим, когда дело касается профессии, и чрезвычайно обаятелен и артистичен в дружеском общении. Выкроив минутку в напряженном графике, маэстро поделился новостями в творческой жизни, рассказав, какие подарки ждут его слушателей в эти юбилейные дни.

— Эдуард Давидович, помню ваш прошлый концерт в день 80-летия – яркая, с фантазией придуманная программа. Что нас ждет в этот раз?

С супругой в зале «Гаво». Париж, 2014

— Невозможно делать юбилеи по шаблону, так что я попытался придумать что-то новое. 1 декабря в БЗК примут участие представители мастер-классов, конкурсов, где я – почетный профессор. Например, курсы в Кешет-Эйлоне, откуда меня приедут поздравить директор Ицхак Рашковский и его супруга Аня Шнарх, которая выступит как солистка с «Московией». Будут играть и молодые скрипачи, участники этих мастер-классов, и мои воспитанники – Игорь Хухуа и Гайк Казазян.

Другие мои давние друзья – Камерный оркестр «Виртуозы Якутии», считающий меня своим патроном. Многие участники этого коллектива выросли на моих глазах, оркестр неоднократно ездил со мной на мастер-классы. Жду их в гости. Будет и мировая премьера современного сочинения: «Апофеоз любви» Давида Кривицкого, посвященная мне и Валентине Василенко. Для грандиозного состава – 24 скрипок и фортепиано, партию которого исполнит внук композитора, студент Московской консерватории Михаил Кривицкий.

— В вашем репертуарном списке большое место занимают сочинения композиторов XX и XXI века, созданные и посвященные вам.

— Всю жизнь я охотно играл современную музыку, прежде всего российских композиторов. Когда занялся подсчетами, то получилось, что только крупных партитур в жанре концерта оказалось больше двадцати – Эшпая,  Светланова, Крейна, Балтина, Акбарова, Ходяшева… Это наша миссия исполнителя – давать жизнь новым сочинениям.

— Огромная часть вашей жизни связана с Московской филармонией, которая также собирается вас чествовать.

На фестивале «Золотые скрипки Одессы», 2015

— День рождения 19 декабря я проведу на сцене Концертного зала имени Чайковского. Так было на прошлом юбилее, прошедшем с аншлагом, мне было предложено сохранить это число. Первое отделение вижу как скрипичное гала и хочу назвать «Звезды XXI века», поскольку дали согласие участвовать мои ученики прошлых лет – Алена Баева, Никита Борисоглебский, Гайк Казазян, Айлен Притчин, Сергей Поспелов. Они все имеют сольные карьеры, их любит публика – и заслуженно.

— В каком репертуаре мы их услышим?

— Исхожу из того, что можно саккомпанировать составом оркестра «Московия». Первым прозвучит сочинение, очень значимое для меня. Чакона Витали – с нее начинался мой публичный дебют, состоявшийся в 1944 году в Новосибирске. А сейчас в ней будет солировать Никита Борисоглебский. Надеюсь услышать произведения Шуберта, Сен-Санса, «Кармен» Бизе-Ваксмана… А во втором отделении ожидаются музыкальные поздравления, сюрпризы – приходите, увидите сами.

— Главным музыкальным событием нынешнего года стал Международный конкурс имени Чайковского. Ваш класс блистал на нем, и как мне кажется, профессор Эдуард Грач установил личный рекорд по количеству участвовавших студентов: трое прошли предварительный отбор, один из них завоевал премию. Браво!

— Спасибо за поздравление. Я конечно следил за ходом конкурса и отслушал все туры по трансляции. Качество вещания было великолепное, не сравнить с прошлым разом.

— Вы действительно прослушали всех участников?

- Да, всех без исключения.

- Еще один рекорд! Поделитесь вашими впечатлениями…

- После драки кулаками не машут (улыбается). Могу, конечно, что-то прокомментировать. Конкурс был очень сильный, и, на мой взгляд, безусловно, должен был увенчаться первой премией.

— Ваш выбор?

У зала «Гаво». Париж, 2014

— Клара-Джуми Кан. Я знал ее раньше, слушал на конкурсе в Сеуле, будучи там в жюри. Уже тогда обратил на нее внимание, но за эти годы она феноменально выросла, развилась. Теперь это превосходная скрипачка, очень увлеченная – ее спокойно слушать невозможно. Хотя в третьем туре Концерт Чайковского не стал ее высшим достижением, и тут, как мне кажется, Гайк Казазян ее переиграл. Но, тем не менее, по результатам всех туров она, безусловно, заслуживала первого места. Как и Гайк – второй премии. Но жюри вынесло решение – первую премию не присуждать! И так второй конкурс подряд. Ощущение, что есть какие-то силы, желающие убедить, что скрипичная школа деградирует, что в упадке российская школа. Это несправедливая и предвзятая позиция.

Я работал в жюри многих конкурсов, в том числе таких известных как Венявского в Польше или Лонг-Тибо в Париже. Считаю, что такого бы не случилось, если бы был председатель жюри. Пусть в Москве собрали ведущих звезд, но все равно организующее начало должно быть. Потом член жюри должен присутствовать на всех турах, чтобы, оценивая, иметь целостную картину. Да, бывали прецеденты – Менухин приезжал на финал конкурса в Брюсселе. Но это Менухин, и ему подражать надо не в этом.

— Конкурс совпал с 175-летием со дня рождения Чайковского. Ваше отношение к этому композитору?

— Гениальный композитор, я с благоговением играю его произведения. Среди скрипичных концертов, его – самый трудный, и с технической, и с художественной стороны. Говорили же: «Это концерт – не для скрипки, а против скрипки». Действительно Чайковский использует нетрадиционные скрипичные приемы. Но трудность заключается и в том, что бы суметь сыграть его просто и благородно, передать его лирическую суть. С «Московией» сделана программа из его сочинений: «Воспоминание о Флоренции», Струнная серенада, оркестровая версия пьес из «Времен года», скрипичные миниатюры. Ее мы собираемся показать весной 2016 года, в день рождения Чайковского, 7 мая, в Большом зале консерватории. Планировал сыграть ее в этом году, но из-за конкурса Чайковского не удалось. В консерватории ведь традиционно сокращается на месяц учебный год, сессия проходит уже в мае, и работать с оркестром не было возможности.

— А кто ваш любимый композитор?

С А. И. Ямпольским. Москва, 1949. На вокзале после победы на конкурсе в Будапеште

— Творческая жизнь длинная и выделить кого-то одного не смогу. Когда-то для меня Брамс был самым любимым композитором. Обожаю французскую музыку: Дебюсси, Равеля. Конечно Моцарта – все, что вышло из-под его пера, настолько вдохновенно. Но соглашусь с Рихтером, который говорил, что Моцарт – самый трудный композитор. Последние годы я еще больше полюбил Шуберта: что-то в нем есть щемящее, интимное. А вообще мне повезло: я не играл нелюбимых композиторов.

— Расскажите, что было интересного в вашей творческой жизни в этом году?

— Музыканты живут не годами, а сезонами. Этот еще только начался, а вот прошлый получился очень насыщенным – могу подвести некие итоги. Летал вновь в Китай, где провел мастер-классы в Шанхае, прошлой осенью работал в жюри Международного конкурса имени Лонг-Тибо в Париже. Невероятная ностальгия – сидеть в зале Гаво и невольно вспоминать 1955 год, когда я сам играл на этом конкурсе. Сейчас в Оргкомитете работал сотрудник, который меня слушал полвека назад – очень волнительное событие! И я счастлив, что мой ученик Айлен Притчин победил на этом конкурсе, завоевал Гран-при.

Традиционно принимал участие в жюри Скрипичного конкурса в Астане, который организует ректор Казахского университета искусств Айман Мусаходжаева. А между поездками – концерты класса, «Московия».

— Вы недавно вернулись из Одессы… Как вас встречали в это тревожное время на Украине?

– Я получил приглашение приехать на фестиваль «Золотые скрипки Одессы». Приятная атмосфера, в зале меня встречали восторженным скандированием: никакой враждебности… Я встал за дирижерский пульт и аккомпанировал Сергею Ивановичу Кравченко Полонез ре мажор Венявского. Концерт длился три с половиной часа, собрав многих одесситов, разбросанных по всему миру. Приехали Александр Винницкий, Павел Верников, преподающий в Швейцарии, Дора Шварцберг, работающая в Вене, Михаил Вайман, живущий теперь в Германии.

Три дня, проведенные в моем родном городе, очень согрели меня. Нас прекрасно принимали, организовали прием у мэра, где я произнес от имени всех участников речь, поблагодарив за гостеприимство.

Конечно, прогулялся к своему дому на Пушкинской улице, где состоялся типично одесский диалог. Я стал фотографировать, а ко мне подошел мужчина и говорит: «Вы лучше сфотографируйте соседний дом, там Пушкин жил два года». А я в ответ: «Обязательно, ну а в этом доме родился я».

— Вы меня встретили репликой, что проигрыш Марии Шараповой испортил вам настроение на весь день. Какую роль играет в вашей жизни спорт?

— Все началось с футбола, которым увлекался с детства. Сам играл, ходил на стадион болеть за «Динамо» – до сих пор любимую команду. Потом прибавился хоккей, а сейчас я увлекся теннисом – в этих матчах завязываются невероятные интриги. Из женщин-теннисисток болею за Шарапову: ее проигрыш действительно меня так расстроил, что думал, не смогу дать интервью. А из мужчин слежу за Новаком Джоковичем. Он мне реже портит настроение – сейчас он «первая ракетка» мира.

Я настолько много работаю – и ученики, и оркестр, и концерты, и поездки, что спорт мне необходим для разрядки. Возможность посмотреть интересный матч – теннисный или футбольный, дает мне переключение. Хотя хладнокровно, просто ради удовольствия смотреть не могу: я человек горячий, азартный, радуюсь победам и принимаю близко к сердцу неудачи…

Музыка для меня – вся жизнь, иначе я бы не работал до такого возраста. Если выдается пара свободных дней, я начинаю хандрить, а когда преподаю или репетирую к концертам, то сохраняю жизненный тонус.

Беседовала профессор Е. Д. Кривицкая

№ 8 (1328), ноябрь 2015

10 октября  2015 года в Большом зале консерватории было праздничное оживление. Люди, знакомые и незнакомые, улыбались друг другу, с особым волнением ожидая начала концерта: в его программе стояла российская премьера Третьей симфонии Николая Корндорфа. Концерт из серии «юбилейных сезонов» был посвящён памяти Лео Морицевича Гинзбурга (1901–1979), крупного дирижёра, много лет отдавшего педагогической работе в стенах консерватории (1930–1979). Его учениками были и Николай Корндорф, и Анатолий Левин, дирижировавший первым отделением, и Александр Лазарев, дирижировавший во втором.

Действительно, российская премьера крупного сочинения Николая Корндорфа – всегда событие. А здесь практически никому не известная симфония. Даже те, кто более или менее хорошо знал короткий, но насыщенный  жизненный и творческий путь композитора, кто не пропускал немногочисленные концерты, где исполнялись его сочинения, либо знакомился с его творчеством по записям и партитурам, даже они не могли представить себе, что их ожидает. А ожидало их настоящее чудо, откровение Мастера.

В программке концерта был приведен текст «Учитель музыки», посвящённый Лео Гинзбургу, с таким пояснением: «Н. Корндорф написал этот текст по просьбе А.  Лазарева для программки концерта к 100-летию со дня рождения их общего учителя Л. М. Гинзбурга, который был должен состояться осенью 2001 года в Большом зале консерватории. Сегодняшний концерт – реприза того, осеннего, концерта, дань памяти и благодарности знаменитых воспитанников – Н. Корндорфа, А. Лазарева и А. Левина – дорогому учителю».

Как известно, Корндорф был не только замечательным композитором, но и интересным дирижёром и прекрасным преподавателем, о котором до сих пор вспоминают его ученики. Но одно не было отделено от другого: главное  – понимание Музыки, и в этом отношении Гинзбург оказал на него значительное влияние. Вот как об этом пишет Николай Сергеевич в своем тексте для программки: «Будучи не только дирижёром и учителем дирижирования, сколько учителем Музыки, Гинзбург постоянно обращался к проблемам  философии музыки». От своего учителя, которого он бесконечно уважал, которым как музыкантом и дирижером восхищался, он воспринял мысль о том, что форма произведения рождается во время исполнения. Именно такова форма-процесс у Корндорфа. В ней живой движущийся поток звучаний, естественное развёртывание музыкальной ткани – отсюда излюбленный композитором волновой принцип организации сочинения. В этом можно было убедиться, слушая и его Третью симфонию.

Как обычно, концерт состоял из двух отделений, выстроенных исторически. В первом отделении прозвучал довольно редко исполняемый двойной концерт Брамса для скрипки и виолончели с оркестром (ор. 102). Высокий профессионализм продемонстрировали как солисты – лауреаты международных конкурсов Айлен Притчин (скрипка) и Александр Бузлов (виолончель), так и Концертный симфонический оркестр Московской консерватории, которым дирижировал Анатолий Левин.

Однако «центр тяжести» пришёлся на второе отделение – им стала Третья симфония Николая Корндорфа для большого симфонического  оркестра, хора мальчиков, мужского хора и чтеца (1989). В 1992 году она была исполнена под руководством Александра Лазарева на фестивале во Франкфурте-на-Майне, но в России ещё не звучала.

Перед началом дирижёр зачитал письмо композитора к нему, в котором тот рассказывает о замысле симфонии. Это произвело очень сильное впечатление: Лазарев, давний друг Корндорфа, повернувшись лицом к залу, произносит слова автора, которого уже почти 15 лет нет с нами! Там были и такие слова: «Эта симфония – как бы три попытки достичь… Рая».

После такого вступления слушатели с особым напряжением ждали начала звучания, но все равно первый аккорд tutti fff показался неожиданным и буквально потряс всех. Ощущение апокалиптическое – причём совершенно реальное: здесь, сейчас! И вдруг всё стихло, и зазвучали ангельские голоса (детский хор)… преддверие Рая. Невозможно  описать эту музыку, её надо слушать, пропустить через себя, «прожить». Симфония длилась полтора часа, когда всё окончилось, наступило недолгое молчание, а потом –  гром оваций. Это был настоящий триумф!

Публика не хотела отпускать исполнителей, вызывая вновь и вновь. Им всем, прежде всего, следует сказать слова огромной благодарности. Это Александр Лазарев и консерваторские коллективы – Симфонический оркестр студентов (художественный руководитель проф. А. А. Левин), Хор студентов (художественный руководитель проф. С. С. Калинин) и Камерный хор (художественный руководитель доц. А. В. Соловьёв), а также детский хор «Весна» им. А. С. Пономарёва (художественный руководитель проф. Н. В. Аверина)…

Все долго не расходились после концерта – и слушатели в фойе Большого зала, и оркестранты во дворе консерватории. Не хотелось расставаться друг с другом, с объединившей всех музыкой…

Профессор Е. И. Чигарева
Фото Игоря Каверина

№ 8 (1328), ноябрь 2015

Московская консерватория имени П. И. Чайковского уже открыла свои эффектные юбилейные программы. Обрамляя праздничный день 150-летия – 13 сентября 2016 года, – два насыщенных концертных сезона («до» и «после») предлагают любителям музыки и преданным слушателям целый букет уникальных художественных событий. Среди задуманного и ожидаемого – выступления выдающихся дирижёров и исполнителей, в основном – всемирно известных выпускников Московской консерватории.

5 ноября в переполненном Большом зале состоялся именно такой концерт под заголовком «Денис Мацуев и друзья…». Это был благотворительный вечер в дар готовящейся к своим торжествам Московской консерватории, музыкальное приношение Маэстро и его друзей своей Alma Mater. «Друзьями» популярного музыканта в тот вечер были: другой именитый выпускник Московской консерватории Михаил Плетнёв и Российский национальный оркестр. «Я преклоняюсь перед этим выдающимся музыкантом, знаю все его записи, много ходил на его концерты. Это легендарный пианист и дирижёр», – говорит о Плетнёве Денис Мацуев. В результате тандем двух блестящих консерваторцев превратил музыкальный вечер в подлинный праздник к восторгу всех присутствующих.

В первом отделении дирижер Михаил Плетнёв, известный своим просветительским энтузиазмом, познакомил столичную публику с Симфонией «Возрождение» (1902) классика польской музыки Мечислава Карловича (1876–1909). Композитор и скрипач, проживший короткую жизнь (он погиб в Татрах под снежной лавиной в возрасте 32 лет), предстал перед слушателями тонким романтиком и богатым мелодистом. Дирижер тщательно и с вниманием к нюансам прочел это выразительное и классически выстроенное сочинение.

Во втором отделении царил Денис Мацуев. В программе стояли Третий фортепианный концерт Бетховена и «Пляска смерти» Листа (парафраз на тему «Dies irаe» для фортепиано с оркестром). «Мы записали с РНО и Плетнёвым четыре года назад монографический листовский диск – два концерта и “Пляску смерти”, и переиграли с ним эти сочинения во многих странах мира, – рассказывает Д. Мацуев. – Где-то в прессе появились отзывы, что я лучший исполнитель Листа в наше время. Это приятно. Третий концерт Бетховена мы, напротив, вместе никогда не исполняли: это будет наша премьера, и я очень жду встречи на сцене».

Именно Концерт Бетховена стал абсолютной вершиной музыкального вечера. Музыканты буквально священнодействовали. Мацуев был серьёзен, глубок и точен в каждой детали бетховенского текста, завораживая графикой воспроизводимых мелодических плетений, четкостью формы и тончайшим пианиссимо медленной части. Оркестр аккомпанировал очень чутко и ярко выходил на авансцену только в моменты своего одиночества. Зал буквально не дышал, пока «на глазах», словно впервые, рождалась так хорошо известная и, казалось, совсем новая музыка…

Купаясь в волнах слушательского признания, пианист с нескрываемым удовольствием играл на бис, завершив музыкальное выступление искрометной и как всегда блестящей джазовой импровизацией. А за ней последовали обращенные в зал его теплые слова любви и благодарности великой Московской консерватории, несравненному Большому залу, чьи совершенные портреты благосклонно наблюдали за всем происходящим, и своему Учителю – профессору С. Л. Доренскому, свидетелю феерического успеха знаменитого Ученика.

Профессор Т. А. Курышева
Фото предоставлены пресс-службой Дениса Мацуева

№ 7 (1327), октябрь 2015

Взгляните на наш мир глазами ребенка из обычной среднестатистической семьи и попробуйте разглядеть что-то, помимо электронных игрушек, зубастых роботов, «айфонов» и «айпэдов» (а нынешние детки разбираются в них получше любого взрослого), компьютерных игр и примитивнейших мультиков. К сожалению, все эти блага цивилизации кажутся куда заманчивее книжек, красок, музыкальных инструментов. И на какие только ухищрения не приходится идти родителям, чтобы заинтересовать свое технически подкованное чадо чем-то настоящим! Московская консерватория при поддержке компании «Хёндэ Мотор СНГ» сумела продемонстрировать детям, что музыкальное царство может обернуться той чарующей Нарнией, от путешествия в которую не отказался бы ни один ребенок.

2 октября в Зале имени Н. Я. Мясковского стартовал проект «Большая музыка для маленьких» и его первая лекция-концерт «Сказки о маленьком Моцарте». Перед юными слушателями ожили события почти трехсотлетней давности, прозвучали отрывки из самых известных сочинений композитора, был показан веселый мультфильм о детстве великого композитора. А ведущим этого красочного, забавного и музыкального действа стал… сам Вольфганг Амадей.

Задумка «Большой музыки для маленьких» и ее реализация принадлежат Ксении Бондурянской – руководителю Дирекции просветительских и творческих программ Московской консерватории. И «Маленький Моцарт» – это только начало! Ежемесячно, в течение всего концертного сезона, будут устраиваться подобные интегрированные программы, главная задача которых – приобщение маленького человечка к шедеврам мировой классики в легкой, увлекательной и действительно интересной форме. Приятнее всего то, что программы эти бесплатные и проводятся на двух концертных площадках. Одна из них – уже упомянутый Зал им. Мясковского, ревнивый хранитель академических традиций; другая – современная дизайнерская студия компании Hyundai, расположенная на Новом Арбате. Так что любой желающий в удобный для него день сможет приоткрыть своему ребенку дверцу в волшебный мир музыки.

Надо ли говорить, что на протяжении часа маленькие слушатели вместе с родителями с нескрываемым восторгом следили за происходящим на сцене. Оживший Моцарт (в олицетворении Александра Шляхова) рассказывал историю своей жизни, исполнители (пианист Виталий Гаврук, скрипачка Валерия Сидоренко и флейтист Георгий Абросов) дополняли его повествование музыкальными фрагментами, под которые особенно непоседливые слушатели начинали приплясывать на коленях у мам. А сколько смеха вызывали кадры чудесного мультфильма «Little Amadeus»! (Реж. Уинфред Дебертин, Удо Бьессель. Германия, 2006).

Случайно подслушанный обрывок телефонного разговора (говорящий – юная блондинка с желтыми бантами в волосах; абонент – мама, очевидно, отправившая отца семейства и дочь «культурно просвещаться») гласил: «Мама! Было так интересно! Мультики показывали! И дяденька говорил за Моцарта! И дяди с тетей играли на инструментах! Мам, а ты купишь мне скрипочку?..». Дети – самые строгие цензоры, поэтому такая реакция – награда для организаторов. И кто знает, может быть, спустя годы, эта девочка станет великой скрипачкой и в одном из интервью признается, что любовь к музыке в ней проснулась благодаря увиденной и услышанной в детстве истории про Моцарта… Вот было бы здорово!

Так или иначе, но проект «Большая музыка для маленьких» стартовал с огромным успехом. Организаторы пообещали, что впереди юных слушателей ждут настоящие чудеса, еще более интересные истории и, конечно, много прекрасной музыки. В заявленных на сезон программах – «Ящик с игрушками» Дебюсси, волшебные балеты Чайковского, весенняя сказка о «Снегурочке» Римского-Корсакова и многое-многое другое. Приходите, и вы всё увидите и услышите сами!

Татьяна Любомирская
Фото Марии Аксёновой

№ 7 (1327), октябрь 2015

Фото Олимпии Орловой

В Московской консерватории в последний день сентября состоялось уникальное событие – творческая встреча с Хайнером Гёббельсом (Германия), которая прошла в Центре электроакустической музыки. Известный композитор, музыкант, режиссер музыкального театра приехал в столицу на репетиции своего спектакля «Макс Блэк или 62 способа подпереть голову рукой», премьера которого ожидается в Электротеатре «Станиславский». Он рассказал любителям современного театрального искусства о своих постановках, музыкальных композициях и принципах работы с актерами и публикой.

Присутствовавшим на этой встрече, состоявшейся по инициативе ее организатора, музыковеда Владислава Тарнопольского, выпала редкая возможность не только увидеть фрагменты спектаклей, но и узнать основные творческие позиции режиссера. По его мнению, важнейшее эстетическое качество в искусстве – это различие между тем, что мы видим, и тем, что мы слышим. В качестве примера Гёббельс привел воспоминание о концерте Давида Ойстраха, на котором он присутствовал в юности: в своем исполнении великий скрипач удивительным образом сочетал эмоциональное звучание с внешней статичностью. Эта творческая позиция «соединения несоединимого» впоследствии отразится в его режиссерских опытах, к которым он пришел спустя 15 лет после утверждения этой идеи.

Говоря о своей композиторской деятельности, Гёббельс остановился на раннем произведении – пьесе для радио «Berlin Q-damm» (1981). По его словам, это сочинение отражает дух того времени: вспышки в социуме, массовые протесты. Находясь под впечатлением от услышанного по радио репортажа об аресте на одном из бульваров Берлина, он попытался передать напряженность этой сцены посредством звуков. Вдохновленный экспериментами Кейджа, Гёббельс помимо препарированного фортепиано использует два звуковых устройства с магнитофонной лентой, которая запускается в определенное время. Фактически вся композиция основана на технике фриппертроникс, где происходит взаимодействие ленты и звука электрогитары. Сочетание звучания клавесина, гитары и электронной аранжировки, напоминающей современный жанр дабстеп, с криками и речью из сводок новостей – все это позволяет назвать его раннюю работу выдающимся экспериментом в контексте академического авангарда. Дальнейший композиторский опыт заключался в работе с голосом и текстами Хайнера Мюллера, между которыми путем «нарезки» вставлялись музыкальные эпизоды.

В инструментальном театре «Черное на белом» для восемнадцати музыкантов (исполняет знаменитый коллектив Ensemble Modern), есть стремление избежать некой централизации и акцентов на том или ином персонаже (в 2004 г. в рамках Года Германии в России спекакль был представлен на Новой сцене Большого театра – прим. ред.). Гёббельсу важно, чтобы зрители сами выбирали то, что привлечет их внимание в театральном действии, где нет главных лиц и персонификации. Музыканты представлены единым коллективным целым, чередующим исполнение, перемещения по сцене с игрой в теннис – словом, находятся в постоянном процессе импровизации. Одна из драматургических находок – пение еврейского хорала и чтение на разных языках притчи «Тень. Парабола» Э. По. Статичное движение музыкантов, чьи перемещения определяла структура декораций, отбрасывало на полуосвещенной сцене таинственные тени, отражающие философско-мистическую концепцию притчи: Тень явилась к тем, кто не умел ценить жизнь.

Взаимодействие зрителя и музыканта-актера с идеей децентрализации продолжилась в музыкальном спектакле «Eislermaterial», где музыканты исполняют гимн США, отдавая дань уважения его авторам, Г. Эйслеру и Б. Брехту. Отказываясь от дирижера, Гёббельс оставляет середину сцены пустой, располагая исполнителей по разным сторонам, и разделяет струнную группу, помещая ее части на расстоянии. Каждый солист ансамбля задает свой ритм, не координируясь с остальными, а пианисты видят друг друга только в автомобильные стекла.

Иные задачи исполнителям пришлось выполнить в следующей ключевой работе Гёббельса – опере «Пейзаж с дальними родственниками», где им предстояло сменить 300 костюмов, петь, танцевать, вращаться и даже… выступать в масках боевиков. По словам автора, опера была написана вскоре после американского теракта 11 сентября, но не содержала прямого политического подтекста, а идея исполнения в масках пришла к нему после просмотра кадров с освобождением заложников мюзикла «Норд-Ост». При этом основная концепция сочинения – воспевание пейзажных картин и перенесение их на сцену так, как «если бы мы прошлись по ним, как по музею».

В завершение вечера Гёббельс продемонстрировал отрывок из своего спектакля «Вещь Штифтера», который в прошлом году был показан на фестивале «Золотая маска». В роли актеров здесь выступают рояли и пианино, три бассейна с водой, лучи света, которые создают мир без человеческого присутствия. Закадровый текст писателя А. Штифтера о чуде превращения живого в неживое на фоне пейзажа превратил спектакль-инсталляцию в философское размышление о влиянии различных вещей на нашу жизнь (в качестве катарсиса здесь выступает запись приветственного пения гречанки, встречающей чужие корабли).

Творческая встреча с таким художником мирового уровня, как Хайнер Гёббельс, безусловно, останется ярким событием. Режиссер, изменивший представление о современном театре, экспериментальный композитор, незаурядная личность в художественной среде, он на протяжении двух часов искал взаимодействие с публикой – со своим «коллективным зрителем». И в этот вечер они были единым живым организмом. Остается надеяться, что подобные встречи не станут единичным случаем в жизни нашей консерватории, которой не чуждо актуальное искусство.

Надежда Травина,
студентка ИТФ

№ 7 (1327), октябрь 2015

На днях у меня возникла интересная мысль: некоторые факты биографии и черты личности Альберта Семеновича Лемана перекликаются с Иоганном Себастьяном Бахом. Судите сами: Леман получил начальное музыкальное образование у своего отца, с ранних лет профессионально занимался музыкой как композитор и исполнитель, крупные периоды его жизни связаны с работой в разных городах, он испытал голод блокады и всеобщее признание, тяготы организационно-административной деятельности и успех своих сочинений. До самого дня смерти его творчество продолжало расти и расти. Уверена, что и масштаб личности Лемана ни в чем не уступает баховскому. Стоит только послушать произведения Альберта Семеновича, чтобы убедиться, насколько глубока и прекрасна его музыка.

В этом году к столетнему юбилею со дня рождения профессора А. С. Лемана, многие годы возглавлявшего кафедру сочинения Московской консерватории (1971-1998),  композиторский факультет во главе с проф. А. А. Кобляковым организовал фестиваль «Альберт Леман и его ученики».

Встречаясь за кулисами с коллегами, мы много говорили об Альберте Семеновиче. Среди них был доц. С. В. Голубков – композитор, пианист, органист, сыгравший заметную роль в организации юбилейных концертов, который вспоминает: «С музыкой Альберта Семеновича я познакомился еще до консерватории, позже встретился и с ним самим. Участвуя по просьбе А. С. Лемана в премьерах его поздних камерных произведений и постигая авторский замысел, я неизбежно испытывал влияние композитора. Думаю, что наследие Лемана еще ждет своей «эпохи возрождения» в XXI веке. У Альберта Семеновича было потрясающее чувство юмора. Он, например, говорил: «Собака слышит одну четвертую тона, а свинья – одну восьмую тона. Поэтому для композиторов-“слухачей” должно быть высшей похвалой то, что у него “слух, как у свиньи”».

В Большом зале 17 сентября состоялся концерт симфонической музыки, на котором прозвучал Концерт для скрипки с оркестром А. Лемана (солист Назар Кожухарь) и сочинения его учеников: Концерт для альта с оркестром М. Коллонтая (солистка Най-Юэ Чан, Тайвань), «Tro Mot» До Хонг Куана, две части  из симфонии «Золотая Орда» А. Хасаншина, Концерт для терменвокса с оркестром О. Ростовской. Открывая юбилейный вечер теплым вступительным словом, проф. В. В. Задерацкий рассказал присутствующим о трагических перипетиях поразительного жизненного и творческого пути композитора. А дирижер Роман Белышев, выступавший с Симфоническим оркестром, со своей стороны заметил: «Это первое мое соприкосновение как исполнителя с творчеством А. С. Лемана. Могу отметить его блестящее владение оркестром. Однажды я удостоился фразы Лемана, которая согревает меня всю мою творческую жизнь: “Желаю Вам усидеть на двух стульях: стать великим композитором и великим дирижером! Как Густав Малер”. Как прекрасно, когда в тебя верят и желают добра!».

Через несколько дней в Малом зале  (28 сентября) звучали камерные сочинения А. С. Лемана: Concerto da camera для флейты, кларнета, скрипки, альта, виолончели и чембало (солисты ансамбля «Студия новой музыки», дирижер – С. Малышев), Концертные вариации на тему М. Росси для виолончели и фортепиано (Д. Чеглаков и С. Голубков), цикл пьес в старинном стиле для клавесина «Франсуа Лежен – простодушный» (Т. Сергеева), Хорал для органа (Д. Дианов),   Были также исполнены: органное сочинение «Музыка XVIII века» С. Загния, Хорал на тему Д. Букстехуде И. Гольденберга, Токката Ф. Строганова, фортепианная фантазия «Воспоминания о Брюгге» М. Петухова. И мы снова вспоминали Альберта Семеновича.

Сергей Голубков и Дмитрий Чеглаков исполняют Концертные вариации на тему М. Росси Альберта Лемана

Виолончелист Д. Чеглаков неоднократно игравший произведения А. С. Лемана, вспомнил его знаменитое: «Талантливый человек не может быть ленивым». Композитор и органист Д. Дианов добавил: «Это был человек той формации, которую сейчас почти не встретишь, той культуры, которая впитала в себя глубокие и серьезные традиции. Альберт Семенович обладал потрясающим слухом, у него нет случайных созвучий, а есть переживание каждого тона». А. С. Леман вообще считал обязательным композиторское музицирование, он был принципиален в том, что композитор должен быть артистом.

Композитор и пианист С. Загний со своей стороны вспомнил: «Во время моей первой консультации у Лемана он задал мне странный вопрос: «Как Вы думаете, Сережа, какие фуги лучше – с удержанным противосложением или нет?». Я отвечаю: «Когда как», – и тут понимаю, что этот вопрос был задан, чтобы меня «проверить на вшивость». Леман был тонким психологом, и мой ответ ему понравился. Благодаря Альберту Семеновичу изменилась моя жизнь: именно он пригласил меня преподавать в консерватории. Он высказывал все, что думал, но при этом оставлял возможность делать то, что я хочу. Леман всегда старался помочь».

Пианист, органист и композитор И. Гольденберг дополнил картину: «Меня должны были забрать в армию со второго курса. Альберт Семенович ходил в военкомат. Помню, была жара, и ему, пожилому, было нелегко. Он договорился, чтобы меня прослушали и взяли в ансамбль. Благодаря ему меня приняли в коллектив».

А. С. Леман много сделал для того, чтобы зал имени Н. Я. Мясковского стал постоянной площадкой студентов композиторс-кой кафедры. 4 октября там прошел очередной концерт юбилейного фестиваля, прозвучала музыка А. Лемана, А. Ветлугиной, Д. Габитовой, Х. Кампоса, В. Левицкого, Л. Родионовой, Д. Ушакова, Д. Чеглакова и М. Якшиевой. Его вела композитор, преподаватель А. Комиссаренко, которая ведет концерты кафедры композиции уже много лет. Она рассказывает: « Я до сих пор чувствую к Альберту Семеновичу огромнейшую благодарность за поддержку на вступительных экзаменах. Когда я задумывалась над каким-нибудь ответом, он говорил: «Ну, ничего, Вы это освоите в консерватории», – давая понять, что я уже поступила. Это было настолько приятно, что я помню это по сей день».

На концерты фестиваля в Москву приехал композитор и дирижер Азамат Хасаншин, доцент Уфимской академии искусств. И он поделился своими воспоминаниями об Учителе и коллеге: «Имя Альберта Семеновича в нашей семье произносилось часто. Мой отец учился у него, и когда мне было лет одиннадцать, привел меня к памятнику П. И. Чайковскому и сказал: «Ты будешь учиться здесь у Лемана». При одном взгляде на человека Леман сразу видел его насквозь. Тогда я не понимал, откуда у него такое знание человеческой природы. И только недавно узнал, что Леман, будучи больным дистрофией, был вывезен из Ленинграда, попал в лагерь и некоторое время жил в Свияжске под Казанью. Такой достойный человек был ущемлен в правах. Думаю, что его знание психологии связано именно с тем, что он пережил и взлеты, и падения. В каждом ученике он видел то, чего тот еще сам в себе не видел. Леман помогал человеку найти самого себя, чтобы получить шанс прожить не чужую, а свою собственную жизнь…»

Благодарные ученики Альберта Семеновича Лемана планируют особенный проект – написать коллективное сочинение, связанное с его музыкой. Надеюсь, что наш замысел осуществится, и в ноябре состоится памятный вечер.

Олеся Ростовская,
композитор, органист

№ 7 (1327), октябрь 2015

Творчество Наталии Николаевны Шаховской – поистине золотая страница отечественной музыкальной культуры. Виолончельный «голос» Шаховской, его теплоту, трепетность и глубину невозможно спутать ни с одним звучанием самых крупных мастеров. В ее игре есть тонкость и благородство вкуса, невероятная чистота инструментального «произнесения» и редкая красота тона, глубина и масштаб интерпретации, яркий темперамент и истинно русская эмоциональная насыщенность. Имя Шаховской, народной артистки СССР, профессора, заведующей кафедрой виолончели Московской консерватории – настоящий «знак качества», исполнительского, педагогического и просто человеческого.

Блистательным артистическим стартом ученицы С. М. Козолупова и М. Л. Ростроповича стали победы на многих международных конкурсах. Особо выделяется впечатляющий триумф на Втором конкурсе имени П. И. Чайковского (1962), где впервые была представлена виолончельная номинация. «Артистке подвластно все, от изысканной лирической интровертной задумчивости до огненного неукротимого огня высоких эмоциональных энергий», – восторженно писали критики о ее концертах.

В репертуаре Шаховской практически вся классическая сольная и ансамблевая литература для виолончели, ей посвящали свои сочинения А. Хачатурян и С. Губайдулина, С. Цинцадзе и Н. Сидельников, С. Беринский и Л. Книппер… Многие годы она играла с Е. Малининым и Э. Грачом в составе фортепианного трио, выступала с дирижерами К. Зандерлингом, Д. Китаенко, К. Кондрашиным, К. Мазуром, Н. Рахлиным, Г. Рождественским, М. Ростроповичем, В. Спиваковым, А. Хачатуряном, М. Шостаковичем…

Без малого 60 лет продолжается педагогическая деятельность Наталии Николаевны. За это время создана всемирно известная школа профессора Шаховской, продолжающая и развивающая козолуповскую метóду и музыкальные новации «вулканического» Ростроповича не только в России, но и за рубежом. Среди учеников Шаховской – профессора и доценты консерваторий, концертмейстеры крупнейших оркестров, свыше 40 лауреатов международных конкурсов: К. Родин, Д. Шаповалов, С. Антонов, Б. Андрианов, В. Бальшин, О. Галочкина, Е. Горюнов, А. Демин, Т. Заварская, А. Загоринский, И. Зубковский, О. Коченкова, А. Найденов, Е. Румянцев, Н. Савинова, С. Судзиловский, П. Суссь, Е. Сущенко, М. Тарасова, Н. Хома, Д. Цирин, Д. Чеглаков, Т. Мерк (Норвегия), Г. Торлеф и У. Шайфер (Германия), Д. Урба и Д. Озолиня (Латвия), Э. Валенсуэло (Чили), Д. Вейс (Чехия), С. Аттертон (Франция), С. Багратуни (США), В. Пономарев (Швейцария) и многие другие.

Творческий график педагога насыщен и по сей день. Она проводит мастер-классы по всему миру, работает в жюри престижных международных конкурсов, среди которых «Пражская весна», АRD в Мюнхене, конкурса в Претории, имени М. Л. Ростроповича в Париже, имени В. Лютославского в Варшаве, Д. Поппера в Венгрии, К. Давыдова в Латвии…

Шаховская – педагог, что называется, от Бога. В основе ее впечатляющих педагогических успехов лежит невероятная требовательность к себе, бескомпромиссность в отношениях с коллегами (и администрацией!), честность в профессии и в жизни, душевная теплота, почти материнская забота об учениках, неиссякаемое чувство юмора. В стиле преподавания Наталии Николаевны очень многое идет от ее характера, главное в котором – неповторимая гармония и обаяние музыкантского и личностного начала. «Моя задача – подвести ученика к “источнику” в искусстве. А уж сможет ли он из него “напиться”, – это зависит только от мотивации, общей культуры и музыкального дарования студента», – говорит Шаховская.

Поздравляем со славным юбилеем, дорогая Наталия Николаевна! Здоровья, счастья Вам, творческих успехов во благо российской виолончели, долгих лет жизни!

Профессор А. Н. Селезнев

№ 7 (1327), октябрь 2015

В Московской консерватории с блеском прошел Второй международный конгресс Общества теории музыки. Ректор Московской консерватории – крупный ученый-теоретик и президент Общества теории музыки в России, сделал все, чтобы оно развивалось. И на Втором конгрессе он смог повести за собой большой коллектив участников (из 150 поданных заявок было выбрано 80) и как организатор, и как ученый. Это и определило мой взгляд на событие. Все три ракурса – с точки зрения организатора (автор данных строк – один из инициаторов Общества), с точки зрения иностранного участника и с точки зрения российского теоретика-музыковеда, – отражают красоту идеи Общества теории музыки и богатую перспективу его развития.

Открывавший конгресс пленарный доклад проф. А. С. Соколова дал направление форуму: в сжатой форме он представил исследования нескольких поколений отечественных теоретиков. Концепция функциональности музыки во многих ее параметрах, таких как гармония, форма, драматургия, динамика, тембр, музыкальная коммуникация и другие, была и остается краеугольным камнем отечественной традиции от Асафьева, через Способина, Мазеля, Цуккермана, Бобровского, Назайкинского, Холопова до наших дней.

Еще одним пленарным докладчиком был профессор университета МакГилл (Монреаль) Уильям Каплин, последователь учения Шёнберга – Раца о музыкальной форме. Каплин на Втором конгрессе выступил с докладом о теории каденции для музыки романтизма. Он предложил классификацию и терминологию, которые никто еще не знает (в том числе и наши коллеги из Германии и Италии). Это дает нам шанс освоить их первыми. Это был его первый визит в Россию, и впечатления от нашей науки и от страны у проф. Каплина были самые позитивные. Его больше всего поразило величие Москвы.

К этому мнению присоединился и другой пленарный докладчик, профессор Римского университета, доктор Джорджио Сангвинетти (а также его супруга, доктор Тереза Гвильярдони, музыковед, исследователь жанра кантаты и главный редактор римского журнала «Studii musicali»). Сангвинетти совместно с Робертом Гьердингеном из Северо-Западного университета открыл метод композиции, превалировавший в неаполитанской традиции XVIII века и оказавший влияние на композиторов разных национальных и стилистических направлений, включая Доницетти, Беллини, Россини, Верди, а также Гайдна, Моцарта, Глинку и других. В современной западной теории музыки «партименти» считаются «третьим путем» в композиции, наряду с теорией гармонии и генералбасом. В докладе Сангвинетти сочетались академическая строгость с неотразимым обаянием итальянского музицирования, когда рождаются те сладчайшие созвучия, с которыми ассоциируется эта солнечная страна.

Названные пленарные докладчики – звезды первой величины в науке. Их приглашают на крупнейшие конференции и симпозиумы в США и в Западной Европе. Участие иностранных ученых вообще является отличительной особенностью конгрессов ОТМ, так было и в первый раз в Санкт-Петербурге. В Москве от немецкого Общества теории музыки выступили его Президент, профессор теории музыки Венской консерватории и Берлинского университета, доктор Гезина Шрёдер и ряд ее коллег; французское Общество музыкального анализа представляла Сусанна Касьян с докладом о теории гармонических векторов Николя Меюса; об итальянских ученых было сказано; американское Общество теории музыки было представлено, помимо Каплина, несколькими учеными, включая известных в США профессоров Дэвида Хааса из университета Джорджии и Джо Крауса из Нью-Йорка (который занимается теоретическими исследованиями музыки Чайковского!). С докладами о русской музыке приняли участие и два представителя Австралии – Дэнис Коллинз и Саймон Перри. Были и представители Болгарии: Димитар Нинов и Иван Янакиев. Порадовал визит Президента только что созданного польского Общества теории музыки, проф. Славомиры Камински. От России в еще одном пленарном докладе доктор Т. И. Науменко дала фундаментальный анализ диссертаций за 70 лет.

Программа Второго конгресса была составлена так, что участники оказались вовлеченными в бурное развитие событий в исторической и концептуальной перспективах. По удачной идее проф. К. В. Зенкина, конгресс имел единую тему – «Школы и направления в музыкальной науке, исполнительском и композиторском творчестве». Ожидалось, что она вызовет интерес как у профессоров России, так и у многих зарубежных участников. Ожидания оправдались полностью. А сама атмосфера Московской консерватории, готовящейся отметить свое 150-летие, усилила ощущение значимости темы.

В первый день прошли три параллельные секции: «Музыкально-теоретические традиции Б. В. Асафьева», «Школы Московской консерватории» и «Музыкальная наука: гармония». Стоит пожалеть, что никто не мог посетить все три одновременно – они были в равной степени важными и интересными.

Секция, посвященная Б. В. Асафьеву (ее вела проф. В. Н. Холопова), оказалась очень представительной – 7 докторов наук. На ней выступили К. В. Зенкин, В. Н. Холопова, Л. П. Казанцева, В. В. Медушевский, Е. И. Чигарева, А. Г. Коробова и др. А ведь казалось, что об этом основоположнике российского музыковедения стали забывать! Но категория, с которой уже начали прощаться, – интонация, – живет полной жизнью и в музыке, и в теории.

В секции «Школы Московской консерватории» (ее вела проф. И. А. Скворцова) прозвучали доклады о Л. А. Мазеле, В. А. Цуккермане, С. С. Скребкове. В последнее время некоторые молодые ученые стали относиться к их трудам как к пройденному этапу. Конгресс неожиданно раскрыл важность продолжения исследований трудов этих корифеев российской науки. Сегодня, в XXI веке, можно по-новому взглянуть и на масштабно-тематические структуры, и на историю художественных стилей, и на идеи производного контраста…

В секции о гармонии выступали представители разных школ. Это важно: соревнование двух традиций, московской и петербургской, часто проходившее в очень накаленной атмосфере, в ОТМ преодолено. И в уставе, и на деле представители всех школ и традиций имеют равный статус и права. Была представлена концепция гармонии Т. С. Бершадской в ее наиболее современном варианте, прозвучали доклады Е. В. Титовой и Д. В. Шутко (Санкт-Петербург). В этой же секции выступила и доцент МГК Л. Р. Джуманова, а также наши молодые коллеги из США.

В программе первого дня прозвучали доклады, которые можно назвать «мемориальными». Новую для многих информацию представил доклад И. П. Сусидко о Р. Н. Берберове, чьи термины анализа музыкальной формы остались в устной традиции. Запомнились доклады о циклических формах в учении Е. В. Назайкинского, о развитии идей Асафьева в теории В. П. Бобровского, о функциональной теории гармонии Ю. Н. Холопова…

Отдельная секция была отдана единственной новой научной концепции российского музыкознания в ХХI веке – теории музыкального содержания (один из создателей — проф. В. Н. Холопова). В своих докладах В. Б. Валькова ввела новый термин – «музыкальная идиома»; Н. В. Бойцова показала смысловую органику в соединении музыки с живописью; В. П. Чинаев представил творчество Игумнова и Гольденвейзера, используя идеи теории музыкального содержания. Е. Б. Журова в мастер-классе продемонстрировала связь теории содержания с игрой на инструментах и сольфеджированием. Были обрисованы пути к широкому музыкальному просвещению в нынешнем социуме.

Не только гармония, форма и анализ образуют область музыкальной науки в России. Уже второй раз свои достижения представляли ведущие ученые и педагоги в сфере развития слуха и сольфеджио. Направление настолько развито, что публикация докладов М. В. Карасевой, Л. М. Масленковой, Т. А. Литвиновой, Е. И. Фалалеевой внесет значительный вклад в развитие этого фундаментального компонента музыкальной науки в мировом масштабе. Как и на прошлом конгрессе, на этом была и секция по полифонии.

Очень глубокими и эмоционально-окрашенными оказались выступления на секциях, посвященных композиторским школам. В докладах были представлены Танеев и Скрябин, Филипп Гершкович, Николай Сидельников, Альберт Леман… Порадовала и отдельная секция, составленная из докладов молодых ученых – студентов и аспирантов. Интерес к ней был живой и неподдельный, в зале было много слушателей. Ведь молодежь – наша надежда, их отношение к миру науки – восторженное, реакция на музыку – молниеносная, идеи – оригинальные.

В конце конгресса прошла секция о восприятии концепций Хуго Римана и Хайнриха Шенкера в разных странах. Она была организована как концептуально-полемическая. По мнению очевидцев, накал страстей был высок, и многие «увидели» теорию музыки как увлекательное соревнование идей. Риман и Шенкер – два самых крупных теоретика недавнего прошлого, сошлись в благородном поединке, представленном (разыгранном как на сцене) наследниками англо-саксонской и российской традиций. Школы противопоставили свои базовые концепции. Функциональность – одна из главных тем конгресса, открытая для обсуждения в пленарном докладе А. С. Соколова и подхваченная в докладе Г. В. Лыжова, – была подвергнута на этой секции жесткому критическому переосмыслению.

Несмотря на некоторые чувствительные для обеих сторон моменты и «повисшие в воздухе» вопросы, в конечном счете восторжествовала дружба. И российская теория сохранила в этом поединке свое лицо, несмотря на аргументы против функциональности. А для разрядки бинарной оппозиции, молодой ученый Томас Кьеркегор-Ларсен представил доклад о применении функционального метода гармонии в Дании, о чем, кажется, до этого не знал никто из присутствующих. Получилось хорошо: вместо усталости и сонного состояния, столь характерных для заключительных заседаний, на конгрессе в конце был всплеск энергии. И остались вопросы, на которые можно будет ответить при будущих встречах на самом высоком, международном уровне.

Конгресс завершился, оставив глубокое удовлетворение у всех присутствовавших. По мнению многих коллег, его академический уровень был очень высоким, как в результате взаимодействия с крупнейшими представителями западной науки, так и в результате обсуждения самых ярких страниц советской и российской истории теории музыки. Отрадно, что все это богатство будет опубликовано в журнале Общества теории музыки на двух языках и станет достоянием глобального мира ученых. Впереди у Общества теории музыки России большие планы по взаимодействию с европейскими и американским коллегами, включая участие наших ученых в конференциях EUROMAC и SMT, и даже планируемое проведение всеевропейской конференции EUROMAC в России.

Доктор Ильдар Ханнанов,
зам. председателя научного комитета ОТМ, 
профессор теории музыки консерватории Пибади  университета Джонз Хопкинс (США)