№ 1 (1330), январь 2016

Титульный лист клавира

Закончился 2015 год, год столетия нашего великого соотечественника – Святослава Рихтера. В многочисленных событиях, которыми отмечался этот юбилей (см. «РМ» 2015, № 4 – ред.), имели полное право занять свое место и мы – Моцартовское общество. Ведь оно было создано с благословения и при поддержке Святослава Теофиловича. Вместе с ним в организации и работе Общества принимали участие Н. Л. Дорлиак, О. В. Лепешинская, Е. Г. Сорокина, А. Г. Бахчиев. Общество существует уже 25 лет, и все это время им руководит известная оперная певица, профессор Московской консерватории Галина Алексеевна Писаренко.

Галина Алексеевна имела счастье многолетней дружбы и совместного творчества со Святославом Теофиловичем. В разное время они подготовили несколько концертных программ (Шимановский, Метнер, Григ), с успехом исполненных в России и за рубежом. Помимо этого их связывает еще одна совместная творческая работа – первая в России (СССР) постановка оперы Б. Бриттена «Поворот винта». Произошло это в далеком 1984 году на «Декабрьских вечерах» в Музее изобразительных искусств им. Пушкина (в 1985 г. этот спектакль был показан также в Ленинграде и Киеве). К величайшему сожалению, видеозапись спектакля, кроме нескольких эпизодов, была «случайно» испорчена: Министерство культуры того времени скептически отнеслось к решению Рихтера поставить эту оперу Бенджамина Бриттена.

С тех пор прошло 30 лет. Время изменилось радикально. В те далекие времена, о которых идет речь, зарубежные оперы у нас пели на русском языке. Правда, в печати и на ТВ уже тогда велись горячие споры между сторонниками исполнения опер на языке оригинала и теми, кто ратовал за исполнение на русском. Но для С. Рихтера вопрос не подлежал обсуждению. Он твердо знал, чего хотел. А хотел он, чтобы слушатель мог без дополнительного напряжения следить за развитием событий, особенно если на сцене происходит что-то необыкновенное. Но такое возможно только тогда, когда понимаешь, о чем поют. А в «Повороте винта» происходят страшные события, и Рихтер хотел, чтобы слушатель полностью ощутил это.

Цель свою он определенно достиг. Я помню, как однажды во время репетиции Святослав Теофилович, желая показать исполнителю, каким образом нужно сыграть эпизод, чтобы зрителю стало страшно, вдруг, словно ящерица, прилип к декорации, распластав на ней руки и изменив до неузнаваемости выражение лица. Сделано это было так неожиданно и правдоподобно, что мальчик, исполнявший роль Майлса, заплакал от страха.

В одной из статей, посвященных этой постановке, указано, что режиссировали оперу С. Т. Рихтер и Б. А. Покровский. Мягко выражаясь, дело обстояло не совсем так. Действительно, Рихтер пригласил Бориса Александровича на одну из последних репетиций – ему хотелось услышать мнение и, может быть, советы великого мэтра. После репетиции на вопрос Рихтера (точных слов я уже не помню, но хорошо запомнил содержание диалога): «Ну что вы можете сказать?» Покровский ответил: «Мне кажется, вам стоит заняться оперной режиссурой». Реакция последовала незамедлительно: «А что, я уже плохо играю на рояле?», – великий Рихтер любил шутку. Покровский высоко оценил режиссерскую работу Рихтера. По его мнению, что-либо изменять или добавлять необходимости не было, и только сделал несколько очень ценных замечаний исполнителям и скорректировал некоторые мизансцены.

Главную роль Гувернантки в опере «Поворот винта» исполняла тогда Г. А. Писаренко. Партия – не из легких: она занята в 15-ти из 16 сцен. Опираясь на великолепные актерские и вокальные данные певицы, С. Рихтер достиг в своей постановке впечатляющего результата. Успех спектакля был огромным и заслуженным. Известный дирижер Дмитрий Китаенко, присутствовавший на премьере, был потрясен тем, что он услышал и увидел на сцене. «Это самое сильное музыкальное впечатление за весь год», – так определил он свои ощущения от спектакля.

Занимаясь режиссурой, Святослав Теофилович находил время помогать и мне в работе над русским текстом оперы. Известно, что у каждого певца бывают свои «удобные» и «неудобные» ноты, гласные и прочие предпочтения. На репетициях некоторые из них обращались ко мне с просьбой переделать текст, чтобы им было легче спеть ту или иную фразу. Предъявляя строгие требования к слову, Рихтер против небольших переделок не возражал. А в некоторых местах простой перевод ничего не давал русскому слушателю. Рихтер, например, предложил свой вариант текста взамен цитаты из стихотворения ирландского поэта У. Йейтса «Второе пришествие», которая русскому слушателю не предлагала никаких аллюзий. Помимо этого, Святослав Теофилович сам перевел «Пролог» к опере. Таким образом, С. Рихтер мог бы справедливо быть упомянутым на афише и в программках как один из авторов русского текста, но из скромности он не позволил упомянуть себя даже в качестве режиссера.

В юбилейный год Рихтера история постановки «Поворота винта» была продолжена Моцартовским обществом публикацией клавира оперы (первой в России) с оригинальным текстом и текстом на русском языке в том виде, в каком она исполнялась в 1984–1985 годах. Так мы отметили еще и столетие Бриттена, отделенное от юбилея Рихтера всего на несколько месяцев. Два друга, два гения музыки вновь встретились в 2015 году на страницах одной из самых популярных опер ХХ столетия.

Презентация клавира состоялась в марте 2015 года на торжественном вечере, посвященном столетию со дня рождения Святослава Рихтера. В нем приняли участие многие музыканты, но мне хочется рассказать о выступлении совсем еще юной студентки МГК Анастасии Мукориной. Как «прелюдию» ко всему концерту она впервые публично исполнила Серенаду, сочиненную отцом Святослава Рихтера Теофилом Даниловичем. Рукописный оригинал Серенады хранился у Г. А. Писаренко. Светлый и прозрачный тембр голоса юной Анастасии естественно сливался с такими же светлыми, прозрачными гармониями и трогательной мелодией, сочиненной человеком, давшим миру великое чудо, которое мы называем Святослав Рихтер…

Александр Розинкин,
автор русского текста к опере Б. Бриттена «Поворот винта»

№ 1 (1330), январь 2016

Юбилейный благотворительный марафон в честь Alma mater продолжил симфоничес-кий концерт, прошедший в Большом зале 5 декабря. В этот раз со студенческим оркестром Московской консерватории выступали ее именитые выпускники и нынешние профессора – Юрий Башмет и Александр Чайковский.

В программе была своя «изюминка»: классические партитуры Петра Ильича Чайковс-кого – Увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта» и Пятая симфония – обрамляли эффектный современный опус композитора Александра Владимировича Чайковского «Этюды в простых тонах» (1992). Сочинение, имеющее подзаголовок «Второй концерт для альта с оркестром», было посвящено, как и Первый альтовый концерт (1979) композитора, Ю. Башмету, давнему другу и соратнику в искусстве. Но в выборе именно этого сочинения для юбилейной программы была вторая «изюминка» вечера: наряду с основным солистом его партитура предполагает участие солирующего фортепиано. В результате оба музыканта выступали вместе – автор сел за рояль, за дирижерский пульт встал Валентин Урюпин. Музицирование, глядя «глаза в глаза», сидевших на сцене Ю. Башмета и А. Чайковского, то серьезное, то иронично-насмешливое, наэлектризовало зал. Публика, заведенная музыкой, не отпустила исполнителей – финал сочинения, завершавшего первое отделение программы, солисты с оркестром повторили на «бис».

«Ромео и Джульеттой», открывшей вечер, и Пятой симфонией Чайковского, звучавшей во втором отделении, дирижировал Юрий Башмет. Представ перед публикой в своей второй творческой ипостаси – дирижера, он в этот раз стоял не во главе своего коллектива – оркестра «Новая Россия», а Оркестра студентов МГК. Профессор А. А. Левин, художественный руководитель и главный дирижер студенческого оркестра, разумеется, готовил ребят к работе с другим дирижером, помогал заранее освоить программу. И все же такую возможность трудно переоценить: современный оркестрант должен уметь играть «под разную руку», должен быть гибким и чутким, воплощая замыслы разных художников. А оркестрант-студент – тем более: репетируя с крупнейшими мастерами, он уже в процессе такой работы приобретает новые знания и опыт, растет.

Дирижер стремился особенно подчеркнуть романтический дух шедевров Чайковского. Музыка, где каждый звук, каждый контрапункт и каждая фраза прекрасно известна и любима слушателем, воссоздавалась исполнителями как можно более выразительно, тщательно и деликатно.

Напротив, «Этюды» А. Чайковского для многих в зале стали неожиданным открытием. Четырехчастная партитура «Этюдов» – музыка подлинно концертной природы. Она рассчитана на эффект, будь то разноплановые тембровые находки или токкатная моторика, колоритные «маски» то альта, то фортепиано, то оркестра, забавные театрализованные «представления» солиста или дирижера (который один раз даже покинул свое место и присел на дирижерский подест – пусть музицируют сами!). Дух игры и импровизации привел в финальной части сочинения к неожиданному и, одновременно, естественному эпизоду в джазовом стиле. Начавший его пианист втянул в эту веселую атмосферу всех остальных музыкантов. А затем и публика с удовольствием включилась в предложенную игру, и, восторженно аплодируя, заставила повторить столь впечатливший всех финал.

Собкор «РМ»
Фото Дениса Рылова

№ 1 (1330), январь 2016

16 декабря исполнилось сто лет со дня рождения Георгия Васильевича Свиридова. Ранние детские годы он провел в Фатеже – маленьком городке под Курском. Здесь весной слышны звонкие соловьиные трели. Сотни соловьев заливаются в кустах по берегам речек. А в окрестных селах поныне звучат самобытные русские песни. И все это богатство звуков впитывал будущий композитор.

Музыкальную школу мальчик закончил в Курске. Затем жил и учился в Ленинграде. В том числе – у Д. Д. Шостаковича. Искал свою индивидуальную композиторскую манеру. Помнится, он говаривал: «Сложно может написать каждый. Ты попробуй написать просто!».

К песням родного края Георгий Васильевич обратился в начале 1960-х годов. Поводом к тому послужил выход в свет нотного сборника А. В. Рудневой «Народные песни Курской области» по результатам музыкально-этнографических экспедиций известной собирательницы и исследовательницы музыкального фольклора. И тут мы впервые встретились с композитором в деловой обстановке.

Я тогда был молодым лаборантом кабинета народной музыки Московской консерватории. А Свиридов пришел к Анне Васильевне послушать звучание записанных ею песен. И мне довелось присутствовать при этом. Следует отметить, что в годы работы А. В. Рудневой в курских селах звукозаписывающая аппаратура была несовершенной. И звук воспроизводился с неприятным шипением. Думается, на композитора такое прослушивание не произвело особого впечатления. Анна Васильева предложила ему тему сочинения «Времена года». Но, подумав, он не принял такой совет. Ему ближе оказалось отражение в кантате судьбы русской женщины. Тогда Георгий Васильевич сказал мне, что ему не нравится, как писал на русскую тему Стравинский. И заметил, что напишет иначе.

Исполнение своего нового сочинения Свиридов поручил Республиканской капелле под управлением А. А. Юрлова. В то время мой близкий знакомый тенор Александр Дунаев работал в капелле. И говорил, что его коллегам очень нравится музыка кантаты «Курские песни». Когда сочинение было исполнено и записано на магнитофонную ленту, Юрий Александрович Фортунатов, курировавший тогда Студенческое научное общество, попросил меня охарактеризовать студентам новую кантату Свиридова, что я и сделал. Не очень удачно, как понимаю сегодня.

Прошли годы. И вот недавно меня пригласили в Магнитогорскую консерваторию выступить с сообщением на ту же тему на пленарном заседании научной конференции, посвященной юбилею Г. В. Свиридова и озаглавленной «Родина в творчестве композитора». Предложенная мною тема  «О кантате “Курские песни” Георгия Свиридова» оказалась уместной и была принята организаторами. В современных условиях стало возможным привлечь видеоматериалы из интернета и показать, как по-разному подходят ныне музыканты к интерпретации кантаты. К тому же можно было «почистить» звукозаписи А. В. Рудневой на компьютере и сопоставить народные образцы с их претворением в произведении Г. В. Свиридова.

В некоторых случаях композитор радикально упростил и заметно «высветлил» фольклорный первоисточник. Так, в первой части «Зеленый дубок» Свиридов обратился к песне, которая в подлиннике изложена жестко, с применением диссонирующих созвучий, что особенно рельефно проявляется в звонкой народной вокализации. В кантате же тема воспроизводится мягко, в унисон, в окружении прозрачных «свиридовских» созвучий. Кстати, А. В. Руднева неверно нотировала начальные слова песни, из-за чего меняется ее смысл:

Зелен дубок –
Липа зеленее.
Отец с матерью роднее –
Дружочек милее.

Именно не «зеленый дубок», а «зелен дубок». Желательно сделать исправление в партитуре, чтобы сберечь подлинное содержание народного оригинала.

Свиридов сохраняет целотонное строение темы, типичное для ряда курских образцов, а также характерные народные приемы изложения словесного текста во взаимосвязи с напевом – так называемые «огласовки» согласных, паузы в середине музыкально-стиховой фразы, необычные для европейского музыкально-поэтического искусства. А в разделе кантаты «Ты воспой, воспой, жавороночек» происходит иное преобразование сельского оригинала, который изложен мужским голосом соло, неспешно и задумчиво. В кантате же, после насыщенного энергичного оркестрового вступления, имитирующего трели жаворонка, и аналогичных интерлюдий следует развитое многоголосное хоровое звучание в подвижном темпе. Это своего рода гимн солнцу, свету, весне. Но гармонически все это достаточно просто. И действительно далеко от Стравинского, тяготевшего к остроте ритма, резкости звукосочетаний, изломанности мелодической линии.

В музыкальной жизни произошли многочисленные модификации инструментального изложения этого яркого сочинения. Существует собственная оригинальная версия композитора для хора, двух фортепиано, органа и группы одиночных оркестровых музыкальных инструментов. В музыкальном училище Кривого Рога привлекли к исполнению оркестр андреевского типа. Юрий Колесник в музыкальном училище имени Гнесиных перед исполнением кантаты воспроизвел нотные записи А. В. Рудневой в интерпретации народного студенческого вокального ансамбля. Все это дает кантате новые формы существования, обогащает наше представление о ней.

Георгий Васильевич проявлял живой интерес к народной музыке еще и в том, что присутствовал на музыкально-этнографических концертах, проводимых мною в Доме композиторов в конце 1960-х годов. После концерта обычно подходил и поздравлял меня с успехом. Вероятно, знакомство с моей фольклористической деятельностью послужило основанием для его решения, когда он был избран в 1968 году Первым секретарем правления Союза композиторов РСФСР, пригласить меня, тогда молодого человека, не бывшего членом организации, на должность заместителя председателя фольклорной комиссии Союза. Ему, видимо, в работе нужна была «свежая кровь». К сожалению, деловые взаимодействия с Георгием Васильевичем у меня не сложились. В общении с подчиненными он был непростым человеком – резким, деспотичным. Но отношение к нему как к великолепному музыканту у меня осталось и остается неизменным.

В 1990-м году Свиридов снова обратился в своем творчестве к русской песне. И опять к родной, создав цикл «Три старинных песни Курской губернии» для хора в сопровождении фортепиано и ударных. Здесь заметно развитие его композиторского стиля, хотя во многом он остается верен устоявшимся принципам, в первую очередь – простоте хорового изложения. Особо экспрессивно звучит заключительная часть – ее основу составляет обрядовая курская песня «У ворот сосна раскачалася», ладово напряженная (острая тритоновая рамка), ритмически импульсивная (переменный метр 3+5 восьмых в подвижном темпе). Свиридов снова использует однородный либо октавный унисон. Однако фортепиано во взаимодействии с ударными создают жесткий, изобилующий секундовыми созвучиями и импульсивными ритмами аккомпанемент. Это уже отдаленно напоминает манеру Стравинского. Вероятно, все это происходило помимо воли композитора. Просто современность диктовала свои законы.

Композиторское творчество Г. В. Свиридова многогранно. Но русская, а особенно кровная – курская – песня заняла в нем значительное и достойное место.

Профессор В. М. Щуров

№ 9 (1329), декабрь 2015

Действо тазийе

Очень грустно закончилась научная часть Международного симпозиума «Музыкальная карта мира»: гость из Индии Атиш Мукхопадхьяй, вдохновенно описывающий уровни духовности в индийской классической музыке, столь последовательно раскрывал тему своего доклада, что жадно слушающая его аудитория так бы и не заметила, что на часах уже 23:15, если бы музыкант не достал из футляра свой сарод и не издал невыразимо печальные звуки раги Дарбари-Каннада, приуроченной к началу ночи. Сумрак охватил сердца и от горестно «вздыхающей» ступени «дха», характерной для данной раги, и от того, что всем стало ясно: завтра – последняя встреча в череде ярких и необычных событий симпозиума, за которой последует неизбежное возвращение к обыденной жизни.

Очень радостно, однако, завершился симпозиум, что, в сущности, парадоксально, так как присоединившиеся 27 октября к сопереживанию мистеральному иранскому действу тазийе «Магталь Аббаса», посвящённому оплакиванию мученически погибших Имама Хосейна и его сподвижников в пустыне Кербеле, испытали искреннее потрясение от разыгранной драмы. Битком забитый Большой зал Центра Вс. Мейерхольда горячо рукоплескал крошечной труппе из шести человек, сумевшей развернуть в воображении зрителей картину вселенской битвы Добра и Зла.

Атиш Мукхопадхьяй читает доклад

Труппа, показавшая это действо, развивает традиции города Казвина, считающегося, благодаря высокому уровню своих певцов и актёров, «столицей тазийе». Она приглашается Московской консерваторией уже во второй раз: в 2014 году, также в рамках Международного симпозиума, ею был представлен маджлес «Хорр» в театре «Сфера». Чтобы подготовить непривыкшую к такого рода действам московскую аудиторию, накануне спектакля в рамках симпозиума была прочитана лекция «Традиция тазийе в иранской культуре», автор которой, иранский певец Хосейн Нуршарг многократно участвовал в подобных представлениях и знает традицию изнутри. Сам факт появления тазийе на московских площадках, как и последовательное развитие иранского направления в научной и творческой деятельности МГК – результат многолетнего подвижнического труда этого иранского консультанта центра «Музыкальные культуры мира».

Таков был финал международного форума «Музыкальная карта мира», а его великолепной увертюрой стал концерт «Музыка Персии в Оружейной палате Московского Кремля». Музеи Кремля предложили организовать эту программу для II Международ-ного музыкального фестиваля «Посольские дары». Сегах, Хомаюн – это названия старинных иранских дастгахов (ладовых систем), которые иранские музыканты – певец Хосейн Нуршарг и девушки из группы «Караван» – избрали для создания звуковой атмосферы, соответствующей формам придворного этикета, принятым при персидском дворе, с которым общались русские дипломаты времён Бориса Годунова. На следующий день иранские музыканты были в гостях у первокурсников историко-теоретического факультета с разговором о своей удивительной традиции и, конечно, с живой музыкой.

Итиро Макихара

Присутствие традиций Ближнего и Среднего Востока в программе симпозиума было впечатляющим. Учитывая, что тема «Музыкальная карта мира» имела в этом году подзаголовок «Музыка и религия», многие выступления концентрировались на духовной стороне культурных явлений. При этом речь идёт не только о научных сообщениях, таких как доклад «Музыка в средневековых традициях исламской цивилизации (VII–XVII века)», прочитанный востоковедом Тамилой Джани-заде (РАМ им. Гнесиных). Впервые в стенах МГК был проведён цикл традиционных молитвенных повествований о духовном подвиге Имама Хосейна и его сподвижников, характерных для арабских обществ, воспринявших ислам в его шиитской форме. Помимо сказаний, включающих в себя рассказы, песнопения, проповеди, молитвы, плачи и другие виды творчества, исполнитель этого действа Казем Шамас (Ливан) и журналист Ахмад Хаж Али провели два насыщенных семинара, разъясняющих содержание и структуру этого культурного феномена.

Зороастрийская традиция получила освещение в докладе «Музыкальная основа Авесты», прочитанном профессором МГУ им. М. В. Ломоносова Владимиром Ивановым. Многие из нас впервые услышали, как в живую звучат сочинённые, как утверждают зороастрийцы, самим Пророком Заратуштрой, молитвенные песнопения гаты, пропетые в лекции-демонстрации «Пение Авесты – священной книги зороастрийцев» мобедом (зороастрийским священнослужителем) Камраном Лорианом (Иран).

Лазо Монгуш и Валерий Монгуш

Во многом родственные иранской тематике проблемы обсуждались в «индийской части» симпозиума. Здесь прозвучали два доклада: «Звук и Сакрум в культурах Южной Азии» Елены Гороховик (Беларусь), представляющий собой философское размышление о роли звука в ведийской ритуально-религиозной практике, и «Пути духовного совершенствования в музыке уп-шастрия» Татьяны Карташовой (Саратов), выявляющий разные типы соотношения «земного и возвышенного» в особой сфере культуры, самими индийцами осознаваемой в качестве полуклассики (уп-шастрии). Рассуждения музыковедов были дополнены выступлениями индийских музыкантов, содержащими в себе и теоретическую часть, и живой показ рассматриваемых музыкальных явлений: «Вклад Хазрата Амира Хусроу в традицию суфийской музыки в Индии» педагога Культурного центра имени Джавахарлала Неру Посольства Индии в Москве Гульфама Сабри и «Индийская музыка и духовность» уже упомянутого известного исполнителя на сароде Атиша Мукхопадхьяя. Цикл мастер-классов дали оба индийских музыканта, а также японский исполнитель на сякухати Итиро Макихара, известный своей приверженностью к практике странствующих монахов комусо, которые по сей день ходят по дорогам городов и деревень в надетых на голову соломенных корзинах и неустанно играют на японской флейте, собирая подаяние.

Камран Лориан и Авеста

Многогранное освещение на симпозиуме получила музыкальная культура Японии. Традиция комусо была преподнесена Итиро Макихарой в его сольном концерте «Звучание бамбука» и цикле мастер-классов. О влиянии индийской духовной традиции на Японию поведала в своём докладе «Косики-сёмё: буддистская пение-проповедь» директор Центра традиционных исследований Киотоского отделения Национального университета искусств Алисон Токита. Доцент того же Центра Эмико Такэноути в докладе «Культура цитры в Японии» описала пути проникновения конфуцианства из Китая в Японию и исполнила несколько пьес на китайской цитре гуцинь. Образец традиции, адаптирующейся в условиях чужой культуры, рассмотрела сотрудник МГК Наталья Клобукова (Голубинская), прочитавшая доклад «Японский православный певческий канон: история создания и особенности».

Фольклорный ансамбль Московской консерватории

От православия в Японии был перекинут мостик к «Народному православию в России», докладу руководителя Научного центра народной музыки имени К. В. Квитки, профессора Натальи Гиляровой. И сам доклад, и продемонстрированные видеоматериалы, и проведённый ранее концерт «Кому повем печаль мою» Фольклорного ансамбля Московской консерватории, руководимого Натальей Николаевной, продемонстрировали неразрывную связь религиозных христианских канонов с древними традиционными верованиями людей, живущих в окружении природы и зависящих от её стихий.

Наиболее очевидная связь Человека и Природы была проявлена в выступлениях гостей из Тувы: шамана-хоомейжи Лазо Монгуша и Народного хоомейжи Республики Валерия Монгуша (традиция хоомей известна под названием «горловое пение»). Их концерт «К духам тайги взываем» и последующая лекция-демонстрация «Шаманские и обрядовые традиции Тувы» не просто удивили и порадовали слушателей, но безоговорочно убедили нас в том, что есть реальные носители экстраординарных способностей, обладающие силой воздействия на окружающих людей, их состояние, здоровье, судьбу и ведущие свою деятельность на основе чистых помыслов и истинной любви к людям и природе.

Гость из Китая, великолепный мастер игры на китайских флейтах сяо и дицзы Цзян Вэйцян изложил своё видение духовных основ китайской классической музыки в лекции «Объяснение эстетики и выразительности китайской музыки на примере флейт дицзы и сяо». В концерте китайскому гостю помогли участники класса китайской музыки НТЦ «Музыкальные культуры мира»: Евгения Глухова, Сергей Нарышкин и Евгения Тарабарина.

Исполнительница иранской музыки

На симпозиуме прозвучали темы, связанные с музыкальными культурами Европы и Америки. Красочный доклад Джозефа Лиа «Музыка и религия на Мальте», снабжённый видеозаписями, запечатлевшими разнообразные религиозные праздники-шествия фесты, подтвердил мнение о мощном участии персидского и египетского мистериального опыта в генезисе этой традициии, пышно процветающей сегодня на Мальте. Доклад «Любовные мадригалы Монтеверди в контрфактуре Коппини: о духовном эросе», прочитанный аспиранткой МГК Надеждой Игнатьевой, обратил внимание слушающих на специфику взаимоотношений светского и религиозного начал в мадригальном творчестве. Духовная музыка США получила панорамное обозрение в концерте «Как сладок звук!», включившем американские гимны, афроамериканские спиричуэлы и духовные песнопения Англии времён Тюдоров в исполнении Вокального ансамбля «Цецилия» (город Эйкен, Южная Каролина). Руководитель коллектива, доцент Университета Южной Каролины Джоэл Скрейпер предпослал концерту лекцию «Духовные песнопения Американского Юга», которая открыла теоретическую часть симпозиума.

Грустно констатировать, что насыщенная удивительными встречами, впечатлениями, открытиями жизнь Международного симпозиума «Музыкальная карта мира» сегодня уже ушла в область воспоминаний. Радостно, однако, осознавать, что участники этого незабываемого события обрели новых друзей, заглянули в неведомые доселе уголки мировой культуры. Впереди нас ждут новые события НТЦ «Музыкальные культуры мира»: ежегодные фестивали «Душа Японии», «Вселенная звука», «Собираем друзей» и россыпь встреч с музыкантами многих стран мира.

Доцент М. И. Каратыгина

№ 9 (1329), декабрь 2015

В консерватории 16 сентября состоялся мастер-класс на тему «Что такое импровизация». Его провел виртуозный пианист, композитор и импровизатор Кароль Беффа (доцент École normale supérieure, Париж, Франция), известный музыкант, закончивший факультет композиции Парижской консерватории, чьи произведения звучат в самых престижных залах Франции.

У студентов консерватории была уникальная возможность не только послушать замечательного мастера, но и пообщаться за роялем, попытаться раскрыть в себе талант импровизатора. Маэстро предлагал участникам исполнить собственные тональные и атональные импровизации, демонстрируя варианты своих построений, сопровождая эти показы очень точной словесной расшифровкой. Он обращал внимания слушателей на фактурное развитие и свободу музыкального мышления за роялем. Участники исполняли импровизации не только соло, но и дуэтом – виолончель и фортепиано, а также сразу на двух роялях. Творческая атмосфера накалялась с каждым предложенным вариантом, заставляя максимально раскрывать свои способности.

Известно, что импровизация – полезная область творческой деятельности. Она учит гибкости музыкального мышления, находчивости. Было очень ответственно и одновременно увлекательно творить вместе с Каролем, ловить повороты его музыкальной мысли, создавать собственные тематические построения. Необычно звучала импровизация на рояле с виолончелью, где каждый исполнитель должен был почувствовать партнера, не только продолжать, но и предвосхищать музыкальные находки друг друга… Не часто в консерваторию приезжают мастера такого уровня! Три часа пролетели незаметно в непринужденной, творческой атмосфере.

Но, к сожалению, только четыре студента (два пианиста, скрипачка и виолончелистка), как и автор этих строк, заинтересовались неординарным событием. Неужели студенты (а также их педагоги) настолько заняты, что не могут выделить время для раскрытия новых сторон своей музыкальной натуры?! Возможно, время было не совсем удобным (три часа дня), хотя лекционные занятия в основном уже закончились, а до начала концертов оставалось несколько часов. Обидно, что только пять человек проявили интерес к общению с Мастером, а ведь та творческая искорка, которая появляется на подобных встречах, кто знает, возможно, стала бы началом нового взгляда на исполнительство… Где же вы были, остальные музыканты?!

С. А. Бачковский,
преподаватель межфакультетской кафедры фортепиано

№ 9 (1329), декабрь 2015

25 октября 2015 года в Концертном зале имени Н. Я. Мясковского состоялся вечер памяти Заслуженного деятеля искусств РФ, композитора, профессора Евгения Михайловича Ботярова (1935–2010), посвященный 80-летию со дня его рождения.

Среди учителей Евгения Михайловича были такие именитые педагоги, как Г. И. Уствольская, Н. И. Пейко и С. А. Баласанян (композиция), Н. П. Раков (инструментовка), С. С. Скребков (полифония) и В. Н. Рукавишников (гармония). Став педагогом Московской консерватории сначала на кафедре теории музыки (1964–1968), затем на кафедре инструментовки (1968–2010, с 1997 – заведующий кафедрой), Евгений Михайлович на протяжении практически всей жизни до самых последних дней был связан с Alma mater.

Творчество этого замечательного композитора охватывает многие жанры – от детских пьес и камерных сочинений до масштабных симфонических полотен; в 1999 году им была создана опера-сказка «Леснянка и Апрель». Особое место в творческой биографии Е. М. Ботярова занимает музыка к художественным, а также любимым несколькими поколениями мультипликационным фильмам: «Пони бегает по кругу», «Тигренок на подсолнухе», «Рыжий, рыжий, конопатый» и многим другим. Вне зависимости от жанра музыку Е. М. Ботярова отличает удивительная искренность и выразительность.

Трудно переоценить вклад Евгения Михайловича в композиторскую педагогику. Имея колоссальный опыт преподавания инструментовки и чтения оркестровых партитур, он был автором замечательных учебных и методических пособий, в частности, «Учебного курса инструментовки», предназначенного для композиторов, оперно-симфонических дирижеров и музыковедов. Благодаря его усилиям в учебный план композиторского факультета Московс-кой консерватории были введены курсы истории оркестровых стилей, инструментовки для духового оркестра и оркестра русских народных инструментов.

Октябрьский концерт был организован композиторским факультетом и кафедрой инструментовки МГК при активном участии учеников Евгения Михайловича. Лауреаты международных конкурсов, выпускники и педагоги консерватории исполняли сочинения композитора. В переполненном зале прозвучали Четыре пьесы для струнного квартета, представленные Анастасией Стрельниковой, Полиной Шупиловой, Надеждой Герасимовой и Робертасом Гродом, Соната для скрипки и фортепиано в исполнении Назара Кожухаря и Сергея Голубкова, а также фортепианные произведения: Екатерина Яцюк исполнила «Русскую сюиту», а Марьяна Лысенко – четыре пьесы из сборника лирических пьес «Реверанс» («Реверанс», «Вдвоем на лодке», «Песня-танец», «Девушка и море»).

Программа концерта включала также произведения выпускников и ассистентов-стажеров консерватории – Семь прелюдий для фортепиано Екатерины Яцюк (ученицы Е. М. Ботярова по композиции) в авторском исполнении, «Liberte» для виолончели и фортепиано Марьяны Лысенко в интерпретации Робертаса Грода и автора и Вокальный цикл для баритона и фортепиано Ирины Минаковой на слова А. Жигулина, исполненный Павлом Быковым и автором.

Вечер завершился показом мультипликационного фильма «Смех и горе у Бела моря» режиссера Леонида Носырева («Союзмультфильм», 1988) с музыкой Евгения Михайловича. Мультфильм состоит из семи новел. Первые шесть сказок-небылиц – «Вечны льдины», «Про медведя», «Морожены песни», «Волшебное кольцо», «Перепилиха», «Апельсин» – повествуют о быте русского Севера. Рассказанные неподражаемым Евгением Леоновым с тонким юмором, они органично дополняются музыкой, удивительной в своей кажущейся простоте. Последняя новелла, «Поморская быль» – трагическая история о двух братьях, погибших в море из-за шторма, – не оставила равнодушным ни одного из слушателей. Пронзительный материнский плач по умершим сыновьям, звучащий в конце фильма, воспринимался как логическое завершение вечера памяти Евгения Михайловича… А пока жива память о наших профессорах, живы и они.

Марьяна Лысенко,
ассистент-стажер КФ

№ 9 (1329), декабрь 2015

В честь 20-летия Камерного хора Московской консерватории состоялся внушительный музыкальный «салют»: в рамках XI Международного Осеннего хорового фестиваля имени профессора Б. Г. Тевлина, имевшего подзаголовок «Формула успеха!», прошли пять концертов в Большом зале. Практически все руководители хоров, приглашённых к участию в нынешнем представительном хоровом Форуме, ставшим за прошедшие годы традиционным крупнейшим смотром творческих достижений исполнительских сил из многих стран мира, являются воспитанниками Московской консерватории. Не исключение – гости из Коста-Рики и США, которые приехали из-за океана и впервые выступили в России со своими хоровыми коллективами.

Е. Мечетина и А. Соловьев

Сочинениями почётного профессора Московской консерватории Р. К. Щедрина, чьё творчество – неотъемлемая часть отечественного хорового искусства и одна из ярких страниц в большом репертуарном листе Камерного хора, были символично обрамлены концертные программы фестиваля. На открытии, 7 октября прозвучала его русская литургия «Запечатлённый ангел» в исполнении Академического Большого хора «Мастера хорового пения» под управлением Народного артиста РФ, профессора Л. А. Конторовича. Это исполнение музыканты посвятили памяти незабвенной Майи Михайловны Плисецкой. А другой опус Щедрина в честь предстоящего 150-летия Московской консерватории – «Многия лета» для камерного хора, солирующего фортепиано (Екатерина Мечетина) и 3-х групп звенящих инструментов (дирижёр Александр Соловьев) – стал заключительным аккордом фестиваля.

Во вступительном слове на юбилейном гала-концерте Камерного хора, 30 октября, ставшим также одним из центральных ме-роприятий фестиваля новой музыки «Московская осень», председатель Союза московских композиторов О. Б. Галахов отметил: «Многолетнее  творческое сотрудничество Камерного хора с композиторами – удивительно плодотворное, взаимообогащающее, наполненное яркими художественными впечатлениями. Камерный хор – это дерзость первооткрывателей, стремление к познанию неведомого, чрезвычайный динамизм, свежесть и открытость взгляда на окружающий музыкальный мир – традиция, которую основал Маэстро Тевлин…». Подводя итог сказанному, он вручил нынешнему художественному руководителю хора доценту А. В. Соловьёву памятную Золотую медаль Союза московских композиторов «За содружество, за вклад, за развитие современной музыки».

Этот вечер запомнился универсальным репертуаром (было много премьер – прозвучали сочинения А. Пахмутовой, Э. Артемьева, Т. Шахиди, Е. Подгайца, К. Бодрова, С. Екимова) и блестящими солистами (Вероника Джиоева, Екатерина Мечетина, Даниил Крамер, Надежда Гулицкая, Станислав Малышев, Этери Бериашвили, Дмитрий Волков, Евгений Кунгуров). Особенно приятно констатировать, что концерт был поистине аншлаговым – все билеты были проданы!

Хочется  процитировать слова профессора Ю. А. Евграфова, чей диптих «О любви и небе» также впервые прозвучал в этот вечер: «Камерный хор Московской консерватории – замечательный цветок на мощном стебле новых хоровых генераций. Именно они – Певцы Грядущего – вливают свои свежие силы в песню. Чистота, искренность и незамутненность их – самодостаточны. „И я вижу: свет на траве стоит; вижу, как звук плывет; и желтые запахи слышу я; синие голоса; мохнатую шерсть полевых цветов; и зеркальные купола…“ Подобно вечноцветущей бегонии, двадцать лет Камерный хор украшает великий треугольник, по сторонам которого – композитор, исполнитель, слушатель. У Камерного хора тысячи больших и маленьких достижений: фундаментальные пласты хоровой классики всех эпох и стилей, премьеры, фестивали, гастроли, записи, конкурсы, испытания-экзамены, мощная база практики будущих руководителей коллективов, композиторов, педагогов».

Вот уже несколько поколений консерваторцев с благодарностью вспоминают основателя Камерного хора, Учителя не только в профессии, но и в жизни, профессора Бориса Григорьевича Тевлина. Именно он преподал нравственные и профессиональные ориентиры – открытость всему новому и устремлённость в будущее, вовлек своих учеников в орбиту универсальных возможностей хорового искусства и инициировал проведение ежегодного Осеннего хорового фестиваля – смотра лучших хоров не только из России, но и стран ближнего и дальнего зарубежья. Во всем этом, по мнению руководителя фестиваля Александра Соловьева, и заключена формула успеха любимого детища профессора Тевлина – прославленного Камерного хора Московской консерватории.

Профессор И. А. Скворцова
Фото Дениса Рылова

№ 9 (1329), декабрь 2015

Валентина Николаевна Холопова, выдающийся ученый, педагог, доктор искусствоведения, профессор Московской консерватории 14 декабря 2015 года отмечает свой восьмидесятилетий юбилей. Композитор Ю. Каспаров очень точно определил масштаб ее научной деятельности: «Среди музыкантов-ученых есть исполинс-кие фигуры, заменяющие собой целые научно-исследовательские институты! Одной из таких исполинских фигур является Валентина Николаевна Холопова».

Область научных интересов В. Н. Холоповой очень широка, важнейшее направление ее исследований – теория музыки ХХ века. Широко известны ее работы, посвященные творчеству Стравинского, Веберна, Прокофьева, Шостаковича, Шнитке, Губайдулиной, Денисова, Щедрина, Слонимского, Тищенко, Леденева, Шутя, Суслина, Тарнопольского.

Многие труды В. Н. Холоповой вошли в золотой фонд отечественной музыковедческой науки, среди них «Вопросы ритма в творчестве композиторов первой половины ХХ века» (1971), «Антон Веберн. Жизнь и творчество» (в соавторстве с Ю. Н. Холоповым, 1984), «София Губайдулина. Монография» (1996, 2008, 2011), «Формы музыкальных произведений» (1999, 2001, 2006, 2013), «Музыка Веберна» (в соавторстве с Ю. Н. Холоповым, 1999), «Композитор Альфред Шнитке» (2003, 2008, 2010), «Теория музыки: Мелодика. Ритмика. Фактура. Тематизм» (2002) и мн. др.

Автор 37-ми книг, 367-ми статей на русском и 58-ми на иностранных языках, В. Н. Холопова является также автором 3-х новых для российского музыкознания научных направлений: Теория и история музыкальной ритмики, Теория музыкального содержания и Теория музыкальных эмоций.

Вышедшие в последние годы фундаментальные исследования «Музыкальные эмоции» (2012), «Феномен музыки» (2014) не имеют аналогов в российском музыкознании. Список книг в 2015 году пополнился еще одним исследованием, посвященным новейшей музыке, который размещен на сайте www.kholopova.ru: «Российская академическая музыка последней трети ХХ – начала XХI веков (жанры и стили)». Отличительная черта их автора – неустанное движение вперед, открытие новых путей в науке.

Многие известные композиторы и музыканты отмечают, что исследования В. Н. Холоповой проникают в самую суть музыки и исполнительства. С. Слонимский: «Работы Холоповой (…) напоены музыкальностью, отмечены тонким и острым слухом, строгим и смелым вкусом, пониманием и ощущением самой новой музыки…». Р. Щедрин: «От профессионального взгляда Валентины Николаевны не ускользнул ни один из моих фестивалей, ни одна из моих премьер на российской земле. Для меня она – вдумчивый, обстоятельный летописец моего творческого пути». Р. Леденев: «…Для нее музыка –  не затверженный урок с опорой на распространенное мнение, а собственные ощущения, приводящие ее к тонкому анализу подмеченных ею свойств музыки». Г. Кремер: «Валентина Николаевна – уникальный энтузиаст своего дела. Нет для нее цели более важной, чем служить музыке и музыкантам, в которых она верит». Все эти качества исследователя мы видим на страницах книг-портретов, которые Валентина Николаевна посвятила творчеству Р. Щедрина, С. Губайдулиной, А. Шнитке, А. Любимова, В. Спивакова.

Педагогическая деятельность В. Н. Холоповой, которая продолжается уже свыше 60-ти лет, привела к созданию серьезной научной школы. Под ее руководством были написаны 43 дипломные работы, защищены 27 кандидатских диссертаций, а в 5-ти докторских она являлась научным консультантом. Те, кому посчастливилось работать под научным руководством В. Н. Холоповой, помнят и ценят не только то, как Валентина Николаевна стала для них проводником в сложном и неизведанном мире научных изысканий, но и ее доброе, внимательное, теплое отношение и поддержку в самых трудных моментах жизни.

Созданная по инициативе В. Н. Холоповой в 1991 году кафедра междисциплинарных специализаций музыковедов, которую она бессменно возглавляет, впервые в истории Московской консерватории ввела в учебную программу такие курсы, как балетоведение, английская и немецкая му-зыкальная терминология, менеджмент в музыкальном искусстве.

В. Н. Холопова – автор уникального учебного курса «Музыка как вид искусства», основное содержание которого изложено в книге с одноименным названием, выдержавшей уже четыре издания. Цель этого курса – расширить возможности аналитического проникновения в мир музыки, затрагивая вопросы музыкальной психологии, семиотики, музыкальных эмоций, исполнительской интерпретации и др. За прошедшие годы этот курс обрел значение крупного научно-педагогического направления – теории музыкального содержания, которое успешно реализуется на всех ступенях музыкального образования.

Поздравляем дорогую Валентину Николаевну Холопову с замечательным юбилеем! Здоровья и неиссякаемой творческой энергии на долгие годы!

Елена Ферапонтова

№ 9 (1329), декабрь 2015

Юбилейная дата… В каком-то смысле это всегда неожиданность − и для юбиляра, и для его окружения. Особенно если многие годы проживаются в достаточно тесном контакте, когда легко находишь и темы для бесед, и поводы для встреч. Для меня как человека, все этапы профессионального «взросления» которого связаны с профессором Галиной Владимировной Григорьевой, её нынешняя солидная дата − нечто из разряда труднопостижимого. Да и как увязать юбилейные цифры с обликом этой красивой женщины, с первых минут общения неизменно очаровывающей элегантным аристократизмом своей особенной манеры держаться, говорить − редким «отприродным» качеством, присущим представителям исчезающей категории «старой московской интеллигенции»?!

Есть учителя и Учителя – последних мы выбираем сами, вписывая их в собственную систему координат, наделяя признаками эталона, подражая, стараясь «дотянуться» и не разочаровать, безраздельно доверяя и доверяясь… 30 лет назад, ни минуты не колеблясь, я выбрала своего Учителя, который на протяжении долгих лет остаётся для меня одним из самых близких и дорогих людей − мудрым наставником, советчиком, другом и, что немаловажно − образцом честного и трепетного отношения к ремеслу.

Вся профессиональная жизнь Галины Владимировны связана с Московской консерваторией − начиная с момента поступления (после окончания ЦМШ в 1954 году) и по сей день. В 1963 году, сразу после завершения обучения в аспирантуре в классе В. А. Цуккермана она приступает к педагогической работе на кафедре теории музыки, читая курс анализа музыкальных произведений для студентов-исполнителей, а с 1981 года − авторс-кий курс современной музыки, адресованный студентам теоретико-композиторского факультета. Именно этот курс в своё время стал для меня «центральным элементом» всего учебного процесса, чётко обозначив сферу научных интересов. Именно Галине Владимировне − его идеологу и практику − я обязана и выбором исследовательской специализации, и нынешним статусом её преемника в преподавании дисциплин, связанных с проблематикой Новой и Новейшей музыки.

Наследие профессора Григорьевой включает свыше 100 научных и музыкально-критических трудов − книги, статьи, методические разработки и рецензии, бóльшая часть которых посвящена музыкальной композиции ХХ века и, прежде всего, вопросам стиля и музыкальной формы. В списке обобщающих исследований − рукопись «Русская и советская комическая опера» (кандидатская диссертация, 1968), книги «Стилевые проблемы русской советской музыки второй половины ХХ века» (по материалам докторской диссертации, 1989), «Музыкальные формы ХХ века» (2004), а также выдержавшие переиздания уникальная монография «Николай Сидельников» (1986, 2014) и учебное пособие «Музыка ХХ века: от авангарда к постмодерну» (совместно с автором данного текста − 2011, 2014).

Тематика музыкальной современности в широком диапазоне представлена в работах выпускников индивидуального класса Галины Владимировны − дипломников, аспирантов, ассис-тентов-стажёров, докторантов… Из последних наиболее заметных и значимых исследований сошлюсь на кандидатскую диссертацию японского учёного Д. Тиба «Симфоническое творчество Альфреда Шнитке: опыт интертекстуального анализа» (2003) и докторскую диссертацию М. В. Переверзевой «Алеаторика как принцип композиции» (2015) − в российском музыкознании первые системные разработки теории и аналитической методики применительно к рассмотрению соответствующих композиционных принципов и типологии взаимодействия музыкального материала.

Есть учителя и Учителя − те, чья светлая позитивная энергетика питает и вдохновляет, чьим мнением дорожишь, с чьей ролью в судьбе соизмеряешь собственные удачи на педагогическом поприще. Воспринимая приближающуюся дату не как данность, но лишь как повод к ретроспекции и рефлексии, от имени всех учеников − прошлых лет и нынешних − я сердечно благодарю Галину Владимировну за радость общения, участие и помощь, доверие и поддержку – за всё то доброе и важное, что с течением времени перестаёт быть фактом биографии и становится частью жизни души.

Профессор М. С. Высоцкая
Фото проф. А. А. Паршина

№ 9 (1329), декабрь 2015

Ни для кого не секрет, что существует магия цифр. И люди давно знают, что в некоторых из них заложена совершенно особая энергетика. Что такое 85? Это возраст большой мудрости, бесценного жизненного опыта, упорства, закалки и воли. Именно эти качества переводят жизнь на другой уровень, на котором особенно важны реальные ценности и становятся не столь значимыми житейские мелочи. Это возраст Любви – к людям, и людей – к Вам.

Дорогой Роман Семенович! Вы отмечаете совершенно особый день – день состоявшихся ожиданий. Музыка стала Вашей жизнью, Вашей любовью, Вашим образом жизни и вдохновением! Путь к вершинам не был простым. Но тем значительнее победы. Заниматься в жизни своим любимым делом и получать от этого радость – это и есть настоящее счастье.

Своим вдохновенным трудом и музыкальным талантом Вы завоевали любовь и признание многих ценителей искусства в России и за ее пределами, Ваша музыка звучит, записывается и издается. Каждое Ваше сочинение живет своей, самостоятельной жизнью и многие входят в репертуар ведущих концертных коллективов: хоров, оркестров, ансамблей и солистов.

Ваш юбилей – большое событие, и не только для Вас, но и для Ваших друзей, учеников, близких. Мы ценим Вашу твердость и целеустремленность, низкий поклон за Ваш талант и мастерство. В этот праздничный день мы желаем Вам здоровья, новых концертов, благодарных слушателей, стойкости в любых жизненных ситуациях, оптимизма, благополучия и добра. Пусть удача улыбается Вам, а Господь бережёт от всех проблем. И, пожалуйста, всегда помните, что мудрые 85 – это всего лишь пять раз по семнадцать!

Ваша преданная ученица
Доцент И. А. Дубкова

Дорогой Роман Семенович!

Сердечно поздравляем Вас со знаменательной датой – 85-летием!

Вы прошли немалый жизненный путь, в котором были и трудности и радости, но сегодня время вспоминать только самое лучшее. Ваш творческий багаж необъятен. Это сочинения в разных жанрах и для самых различных коллективов: музыка для симфонического оркестра, хоровая, инструментальная, театральная, музыка к кинофильмам и для детей. Тема Родной Земли, любования природой, бескрайними российскими просторами пронизывает буквально каждое Ваше произведение. И делает притягательным Ваше творчество для широких слоев слушателей.

Ясность и простота выражения, лаконичность музыкального языка, фантазия и мелодическая изысканность стали неотъемлемой чертой Вашего композиторского стиля. И пусть то, что вами создано славного, звучит и повторяется вновь и вновь, принося людям радость и счастье.

Вам, Роман Семенович, нашему доброму коллеге и другу, талантливому музыканту, человеку редких душевных качеств, желаем многих счастливых лет, мира, добра, удачи и процветания!

Профессорско-преподавательский коллектив КФ
Фото проф. А. А. Паршина

№ 9 (1329), декабрь 2015

«Архитектурный совет согласился с предложенным проектом Оперного театра-студии в Среднем Кисловском переулке» – такое судьбоносное для нас заключение вынес авторитетный синклит города Москвы.

Заседание Архитектурного совета столицы состоялось 7 октября. Интернет-сайт консерватории известил своих пользователей о столь важном событии, причем, благодаря ссылке, привел полностью повестку дня, где наряду с положительным решением по консерваторскому проекту фигурирует и отрицательное по другому, аналогичному по сложности вопросу (тоже историческая среда городской застройки), что, естественно, повышает градус нашего удовлетворения.

На обсуждении проекта главный архитектор Москвы Сергей Кузнецов (он же председатель Совета) высказал свои соображения: «Объект находится в центре города, здесь много ограничений с точки зрения охраны культурной среды. И в очень непростой ситуации коллеги, надо сказать, нашли интересное, нетривиальное решение. Да, оно вызывает много вопросов, но в диалоге с архитектором Совет склонился к тому, что с этим надо соглашаться, потому что в этой ситуации, видимо, принципиально улучшить ничего нельзя».

Действительно, перед проектировщиками (ФГУП «Центральные научно-реставрационные проектные мастерские», ООО «Архструктура») задача стояла крайне сложная – при минимуме места следовало вписаться в исторически сложившуюся композицию зданий и разместить не что-нибудь, а современный театр!

Вот как описывается этот замысел: «В центре участка располагается один из таких исторических домов, который по проекту восстанавливается в прежних габаритах. Однако, поскольку они не позволили вместить необходимый объем помещений (а помимо театра, техническое задание предусматривало размещение администрации, вокальной студии, двух больших репетиционных залов, мастерских по ремонту инструментов и проч.), архитекторы предложили убрать основной массив в подземную часть. Таким образом, под землей оказались непосредственно оперный зал и колосниковая сцена. Помещения, требующие дневного света, расположились в наземной части, увеличенной за счет надстройки из матового стекла. За стеклянным фасадом предусмотрена светодиодная матрица, транслирующая изображения оперных сюжетов».

Предложенное решение уже не кажется невероятным после того, как рядом с консерваторией возник другой современный оперный театр: новый большой зал «Геликон-оперы», который получил имя И. Стравинского, – первая и главная среди нескольких игровых площадок единого театрального комплекса, – «врыт в землю» двора бывшей усадьбы. В утвержденном проекте консерваторского театра зрительный зал – тоже располагается на подземном уровне. Причем зал на 500 человек!

Как заметил один из членов Архитектурного совета: «Единственной альтернативой сложившемуся объемно-планировочному решению перевернутого театра, где зал находится в самой нижней точке здания, могло бы быть абсолютно новое здание, построенное на месте исторического в новых габаритах. Однако, я понимаю, что сделать так нельзя, поэтому считаю представленное решение чистым и аккуратным».

Обсуждение сложного театрального проекта касалось и собственно театральных возможностей, которые особенно волнуют нас, и окружающей городской среды, которая, естественно, волнует архитекторов. Возникали и неожиданные параллели: «…Пока в проекте ощущается недостаточной та среда, которая формируется вокруг нового здания… Планировочная структура выполнена вполне остроумно. Этот небольшой зал вполне соизмерим с внутренней площадью, которая там образована, и, в общем-то, в Европе, в той же Венеции есть множество примеров функционирования подобных объектов».

Принятое решение, будем надеяться, окончательно переворачивает страницу многочисленных поисков выхода из, казалось бы, абсолютно безнадежной ситуации, вспыхивавших надежд и многократных разочарований. Мы хотим иметь свой настоящий оперный театр – этим желанием окрашены несколько десятилетий! Теперь осталась самая малость – театр надо… построить. Подождем еще пару лет. И тогда наши сегодняшние первокурсники смогут не только спеть, но и разыграть свои дипломные партии на родной театральной сцене.

Пусть все получится! – самое оптимистичное пожелание всем на пороге Нового, юбилейного для Московской консерватории года!

Главный редактор «РМ»

№ 8 (1328), ноябрь 2015

«Да что же такое простота, как не благоразумие?», – вопрошает Иоанн Златоуст, величайший богослов, один из трех Вселенских святителей и учителей. Глубина смысла этой фразы такова, что ее толкованию могут быть посвящены десятки страниц. Я лишь попробую дать свой небольшой комментарий. Слово «благоразумие» состоит из двух слов: благо и разум. Благо всегда имеет вектор со знаком «+», а разум всегда подразумевает логику и упорядоченность. Стало быть, благоразумие – некая положительная упорядоченная энергия, без которой человек никогда не стяжает простоту. На рассуждение о ней меня натолкнула вовсе не философская книга, а дневной воскресный концерт, который состоялся 27 сентября в Зале им. Н. Я. Мясковского. Это был концерт детского абонемента с таинственным и увлекательным для юного слушателя названием: «Что таится в музыке? Сказка о звуке».

Импровизация со зрителями «Сказка о звуке»

Заняв свое место в зале и приступив к изучению программы, я тотчас обнаружила такую особенность: она включала шесть произведений, четыре из которых принадлежали современным композиторам (Я. Судзиловский, Т. Чудова, С. Шаррино, Д. Писаревский). А зал был наполнен детьми младшего школьного возраста! Посетив много концертов современной музыки и насмотревшись на «массовый исход» публики во время исполнения, я решила, что разочарование присутствующих неизбежно. Но ошиблась. Дети с большим интересом и вниманием выслушали весь концерт, который длился больше часа.

Организатор концерта и его участник – студент Московской консерватории Денис Писаревский, композитор, органист, пианист и художественный руководитель ансамбля современной академической музыки «Mixtum compositum», – оказался тонким психологом, что позволило ему завоевать сердца детской аудитории. В психологии есть такое понятие как синестезия – явление восприятия, при котором раздражение одного органа чувств наряду со специфическими для него ощущениями вызывает и ощущения, соответствующие другому органу чувств (например, человек видит определенный цвет, когда слышит определенный звук). Д. Писаревский, вероятно, знал это и «привлек» в свой концерт большое количество «вспомогательного материала»: иллюстрации, метафоры, ассоциации, непосредственное общение с детьми. Это помогло маленькому слушателю не испугаться непонятного мира современной музыки, а воспринять его и, что самое ценное – принять.

Б. Мартину. «Кухонное ревю»

Не стало камнем преткновения даже такое авангардное сочинение как Quintettino № 2 для квинтета духовых итальянского композитора Сальваторе Шаррино (р. 1947). Прежде чем прозвучал данный опус, Денис вместе с музыкантами и детьми из зала сымпровизировали нечто вроде пасторальной сценки, в которой очень выразительно была раскрыта шумовая природа современных приемов игры на музыкальных инструментах, что и помогло ребятам понять их смысл в самой пьесе.

Успеху концерта, безусловно, способствовали солисты ансамбля «Mixtum compositum», без мастерства которых «Сказка о звуке» не стала бы явью. Назову их имена: М. Костицына (флейта), Е. Ворошилова (гобой), К. Асатрян (кларнет), Е. Корнеева (фагот), Е. Воронкова (валторна), В. Барамиа (труба), М. Бузин и Д. Писаревский (фортепиано), А. Ольхина (скрипка), А. Петрова (альт), М. Аленин (виолончель). За дирижерским пультом был Д. Писаревский, заменивший в тот день главного дирижера С. Акимова.

Особо выделю лауреата международных конкурсов В. Урбановича, исполнявшего пьесу Т. Чудовой для там-тама соло. Его виртуозность и артистизм буквально приковали детские взгляды к металлическому диску и создали образ настоящего театрального действа.

Концерт послужил прекрасным наглядным методическим пособием того, как рассказать детям просто о сложном. Следующие концерты этого замечательного образовательного абонемента пройдут в зале Мясковского днем 8 ноября, 28 февраля и 27 марта. Приходите!

Евгения Бриль,
ассистент-стажер КФ