Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

«Ты должен быть влюблен в музыку…»

Авторы :

№3 (1350), март 2018

«Дорогой Теодор! То, что мы сейчас ощущаем – не просто восторг. Это – потрясение. Для Московской консерватории этот март был особенным, потому что почти неделю вы с нашим оркестром разговаривали на языке, который открывает горизонты профессии, горизонты смысла в музыке. И я вам, прежде всего, благодарен за эти репетиции – это было не просто мастерство, это было духовное общение…». Проникновенные слова ректора Московской консерватории, профессора А.С. Соколова, завершавшие концерт в Большом зале 9 марта, были обращены к дирижеру Теодору Курентзису, который выступал в этот вечер во главе симфонического оркестра студентов Московской консерватории. Молодые музыканты исполнили Первый концерт для скрипки с оркестром Прокофьева (солировал Айлен Притчин) и Седьмую симфонию Бетховена.

Новость о том, что популярный дирижер, стремительно покоряющий концертные залы мира, знаменитый худрук Пермского театра оперы и балета начнет работать со студентами Московской консерватории, мгновенно вызвала небывалый ажиотаж. Конечно, за плечами оркестра, руководимого профессором А.А. Левиным, уже был небольшой опыт сотрудничества с выдающимися дирижерами (Ю. Темирканов, В. Гергиев, А. Лазарев, В. Федосеев, В. Юровский…). Но все, кто хоть немного слышал о Курентзисе, прекрасно понимали, что это будет не просто подготовка концерта, не просто мастер-класс или творческая встреча, это будет незабываемое общение.

Репетиции, которые продолжались несколько дней с утра и до позднего вечера, напоминали мастерскую, в которой Курентзис подобно Пигмалиону лепил из юношей и девушек «своих» музыкантов. Поначалу мешала скованность оркестрантов, студенческая боязнь, однако маэстро выбрал правильный психологический подход, сразу обратившись к ним как к своим друзьям – просто, с улыбкой и шутками. «Устройте вечеринку, выйдите из своего скафандра» – предложил дирижер, репетируя ликующий финал Седьмой симфонии Бетховена. – Не будьте как старички!» Органично соединяя требования к штрихам и ритму с образными комментариями (например, «Бетховен здесь написал джазовую музыку» или «сыграй пиано так, будто тихо рассказываешь сплетню»), Курентзис реально пропевал каждый такт, озвучивая, как это должно быть сыграно. И снисходительно закрывал глаза на то, что украдкой из-под пульта кто-то снимает все это на телефон…

Концерт имел феерический успех. Всего за несколько дней Курентзис нашел ключ к сердцу каждого, предлагая пойти вслед за ним. И ребята сделали это, вдохнув в музыку новую жизнь. В конце под несмолкающие овации ректор вручил гостю памятный подарок – ювелирную серебряно-золотую статуэтку работы «Галереи Михайлов» – символ Московской консерватории.

Ранее на творческой встрече с маэстро собралось почти все музыкальное студенчество: по словам ректора, таким наполненным Рахманиновский зал еще не бывал. Поздним вечером, в полумраке Курентзис говорил о музыке и красоте, о том, что любит исполнять «4’33»» Кейджа, поскольку нам всем так не хватает тишины. Признавшись, что его речь ему напоминает грузинский тост, маэстро принялся отвечать на вопросы студентов, занимавших долгую очередь к микрофону.

Заключительным событием «студенческой весны с Курентзисом» (выражение, которое появилось среди его поклонников) стал мастер-класс для дирижеров. По решению маэстро были отобраны три участника – Джереми Уолкер (класс проф. Г.Н.  Рождественского), Даяна Гофман (класс проф. С.Д. Дяченко) и Дмитрий Матвиенко (выпускник МГК, класс проф. В.А. Понькина). Почти 5 часов (!) без перерыва Курентзис делился с ними своим пониманием партитур Пятой и Шестой симфоний Чайковского, ставил дирижерский жест и шлифовал фразировку подобно тому, как это больше двадцати лет назад показывал своим студентам его великий петербургский учитель И.А. Мусин… А после, уже в артистической, смог ответить на несколько вопросов для читателей нашей газеты, поставив философское «многоточие» в почти недельном празднике Музыки:

Уважаемый маэстро! К нашей великой радости в последнее время вы стали частым гостем Большого зала. Мы до сих пор вспоминаем незабываемые ночные концерты с музыкой Прокофьева, Рамо, Шостаковича, Берио, которые вы представляли нам со своим коллективом musicAeterna. Но в этот раз все было иначе: вы готовили программу прямо на наших глазах, в стенах консерватории со студенческим оркестром Московской консерватории. Каковы ваши впечатления?

– Что такое оркестр? Это всего лишь инструмент. Мы играем музыку, и через нее можем приблизиться к Высшему. В целом, я хотел, чтобы они могли поискать что-то сами. Чтобы их музыка была живой, свободной. Я сделал с ними концерт и симфонию, и на этой «базе» пытался сказать простую мысль: более трепетно относитесь к своему творчеству, вдохновляйтесь, достигайте больших глубин… Каковы мои впечатления от оркестра? Боюсь сглазить, но перспектива есть… А вот вы что скажете?

– Я думаю, что этот концерт им запомнится на всю жизнь. Так же, как и всей консерватории…

– Дай Бог. Я буду очень рад.

– На сцене Большого зала выступали великие музыканты. Многие считают это место волшебным, мистическим. А что чувствуете вы, когда выходите на эту сцену?

– Я считаю, что в нем есть нечто духовное. Объясню почему. Бывают места с очень хорошей акустикой, но они тебя «не приглашают» играть. Сам зал энергетически не расположен к духовному общению. Хотя там ты можешь сделать много хорошего, но он не «намоленный». В Большом зале я ощущаю эту «намоленную» атмосферу внутри. И важно, что она не пропала после ремонта. Например, мы недавно играли в Большом зале филармонии в Петербурге, и мне показалось, что после реконструкции исчезла его энергетика. Это странно. А здесь она сохранилась. Я это очень сильно чувствую – особенно на сцене.

– Что дает такое ощущение? Может быть, портреты великих композиторов, расположенные на стенах, вас поддерживают?

– Это не зависит от портретов. В Большом зале собралась энергетика и мечты людей, которые более столетия в него многое вкладывали. Это можно сравнить со старинным храмом – ты чувствуешь, что люди очень много молились в этом месте. В Московской консерватории, в ее главном зале – особая атмосфера. То же можно сказать и про Musikverein в Вене. Я вообще большой поклонник старинных вещей, которые несут какую-то память. Мне это очень близко. Если мы возьмем какой-то современный зал, который построили вчера, то там никогда не будет такого ощущения – станет ясно, что там просто сделали хорошую работу за большие деньги.

– Практически целую неделю вы находились среди студентов Московской консерватории. Что бы вы им пожелали?

– Я хочу пожелать, чтобы они были влюбленными в музыку. Ты не можешь подписать контракт с искусством и договориться с музыкой. Ты должен быть в нее влюблен. И тогда есть надежда, что она тебя тоже полюбит. Учиться в консерватории, ее закончить еще не означает дать людям свет. Это было бы очень легко. Я должен сказать, что мы всю жизнь учимся. И мы все с вами студенты – до последнего. Я бы хотел, чтобы каждый научился открывать аккумулятор в своем сердце. Чтобы их музыка говорила, и это были бы не просто звуки и тональность, а настоящее лекарство.

Надежда Травина,

ответственный редактор «РМ»

Фото Дениса Рылова и Эмиля Матвеева

 

Стравинский съездил в Лондон

Авторы :

№3 (1350), март 2018

В конце 2017 года Московская консерватория с удовольствием откликнулась на приглашение Королевского колледжа музыки Лондона принять участие в фестивале Лондонского симфонического оркестра под управлением Владимира Юровского «Changing Faces: Stravinskys Journey». Московская консерватория и Королевский колледж заключили договор о сотрудничестве уже более 10 лет назад. С тех пор множество наших выпускников – пианистов и струнников – получили степень магистра в этом авторитетнейшем учебном заведении британской столицы, открытом еще в 1882 году и находящемся под августейшим покровительством Королевы Елизаветы II.

Предложенный колледжем репертуар для студенческого выступления – концертное исполнение музыкально-театральных произведений И.Ф. Стравинского, а именно, одноактной оперы «Мавра» и веселого представления с пением «Байка о Лисе, Петухе, Коте да Баране» – достаточно труден для реализации в рамках образовательного процесса. Тем не менее, практически все факультеты и административные подразделения Alma Mater с энтузиазмом взялись помочь реализовать этот непростой проект.

Перед гастролями было решено осуществить два концертных прогона в Рахманиновском зале консерватории. Однако задача осложнялась отсутствием необходимого в «Мавре» оркестрового сопровождения, т.к. основное время репетиций выпадало на зимние каникулы. И если «Байку» согласился исполнять консерваторский ансамбль «Студия новой музыки», у которого она была в репертуаре, то для «Мавры» усилиями деканов, профессоров В.М. Иванова и А.В. Соловьева, был собран новый оркестровый коллектив, дополненный артистами «Студии».

Дирижер московских выступлений – студент V курса Азим Каримов – совершил практически невозможное. За неполных два месяца он тщательно отрепетировал оба произведения с двумя составами солистов. Предварительную подготовку вокалистов, которых отобрал и рекомендовал профессор П.И. Скусниченко, блестяще провели концертмейстеры Александра Котляревская и Евгений Сергеев. Благодаря подлинно творческой отдаче участников, московские премьеры, которые прошли 14 и 19 февраля поздним вечером (в 22:00), превратились в эффектные аншлаговые представления, а концертное исполнение – в полноценные спектакли.

А. Каримов, воспитанник профессора Г.Н. Рождественского, перенял характерные приемы маэстро в работе над постановкой «Мавры» (2013) в Камерном музыкальном театре им. Б.А. Покровского: умение передать удивительную собранность и при этом прозрачность партитуры на точной ритмической основе (уникальной составляющей музыки Стравинского), привнеся и свои индивидуальные черты – по-европейски выверенный баланс групп оркестра, выразительность дирижерского жеста и педагогическую волю в общении с коллективом.

Еще одна часть успеха – яркая работа студента режиссерского факультета ГИТИСа Александра Бильданова. Центральным сценическим акцентом в «Мавре» оказался самовар, который, к слову, впоследствии переместился на лондонскую сцену, чем немало позабавил английскую публику (наши прибыли в Лондон «со своим самоваром»!).

Изюминкой консерваторской постановки «Байки» стало участие артистов Государственного академического театра классического балета под руководством Наталии Касаткиной и Владимира Василёва. По словам проф. С И. Савенко, «Байка» была первым театральным сочинением Стравинского из серии так называемых микстов – сценических произведений, объединяющих музыку, пение и хореографию, поэтому включение в концертное действие балета стало логичным и соответствовало замыслу композитора. Артисты балета придумали собственную сценографию под руководством Народной артистки России Н. Касаткиной. Отметим, что ввиду сложности сценического воплощения балет принимал участие лишь в избранных исполнениях «Байки» – последнее представление состоялось более 40 лет назад, в 1974 году в Музыкальном театре им. К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко.

Наталия Касаткина, которая присутствовала 14 февраля в Рахманиновском зале, украсила вечер уникальными воспоминаниями о своем общении со Стравинским в Нью-Йорке, заметив, что «Стравинский, можно сказать, самый главный композитор в нашей жизни…», а также подчеркнула важные детали новой постановки «Байки»: «Создание этой хореографической композиции наши солисты осуществили из подбора движений, придуманных для музыки Стравинского, в частности, к «Весне священной», Владимиром Василёвым и мною. Конечно, под моим наблюдением и при моем участии».

Московские представления стали важной «пробой пера» для солистов и, безусловно, помогли им достойно выступить 27 февраля на сцене Amaryllis Fleming Concert Hall с симфоническим оркестром Лондонского Королевского колледжа. Дирижер – музыкальный руководитель Английской национальной оперы сэр Мартин Браббинс, будучи выпускником Санкт-Петербургской консерватории, моментально нашел общий язык с московскими студентами, логично выстроил программу концерта – от «Байки» «русского» периода Стравинского к «Мавре» «неоклассического» периода, чутко воспринял и передал публике присущий партитурам гротеск и черты водевильности.

По словам руководства Колледжа, получилась настоящая «вечеринка в русском стиле». Артисты «Мавры» – Алена Розкопа (Параша), Александр Чернов (Гусар), Анна Викторова (Мать), Вероника Ершова (Соседка) – восхитили публику динамичным исполнением, незаурядными актерскими способностями и ярким драматизмом финальной сцены. Солисты «Байки» – Александр Бородейко, Богдан Галяпа, Тимофей Павленко и Кирилл Капачинских – в жестких рамках концертного исполнения устроили настоящее представление с выразительной мимикой и театрализованными мизансценами. Молодые артисты получили огромное удовольствие и глубокое творческое удовлетворение. Подводя итоги, один из них (Т. Павленко) подчеркнул: «Незабываем опыт работы с мастером высочайшего класса, дирижером Мартином Браббинсом. Ни одна фраза не была оставлена без его присмотра. При малейшем звуковом дисбалансе маэстро прибирал звучность оркестра, щадя живой инструмент певцов. Необходимо отметить профессионализм оркестра, виртуозную школу духовиков и прекрасную цимбалистку!».

Организацией столь важного мероприятия по поручению ректора занимались его помощницы Я.А. Кабалевская и Ю.С. Куприянова. Ощутимую поддержку каждый в своей области оказали проректоры В.А. Катков, проф. Л.Е. Слуцкая, руководитель Управления международного сотрудничества проф. М.И. Каратыгина. Усилия всех увенчались не только ярким выступлением в Лондоне – концерт транслировался на весь мир в режиме online. На сайте Московской консерватории также можно было подключиться к просмотру.

Ректор консерватории, проф. А.С. Соколов в своем вступительном слове к московской премьере отметил: «Я хочу сказать спасибо всем тем, благодаря кому год Стравинского не заканчивается и имеет такое блестящее продолжение. Конечно, моя первая благодарность – инициативе и проявленному доверию Владимира Михайловича Юровского, который сегодня присутствует в зале и которому я признателен за постоянные встречи с нашим оркестром и дирижерами. Конечно, Стравинский – это большое испытание на зрелость, прежде всего, для вокального факультета. Поэтому мы сделали два равнозначных состава для наших постановок, уже имеющих перспективы показа не только в Лондоне, но и в Вене. Нас это очень радует. Таким образом, мы реализуем давно заключенные договоры о сотрудничестве между Московской консерваторией и лондонским Королевским колледжем музыки, как и между консерваторией и Венским университетом».

Собкор «РМ»

Фото Дениса Рылова

Сто лет спустя

№3 (1350), март 2018

29 января в стенах Рахманиновского зала царила музыка, ранее никогда в нем не звучавшая, но необыкновенно родная. Ровно сто лет назад, в 1918 году, Синодальное училище было закрыто большевиками. В силу безжалостных исторических реалий многовековые традиции сочинения церковной музыки оказались в опасности, но были сохранены и преумножены вдали от Родины в творчестве музыкантов, эмигрировавших из СССР, а также их зарубежных коллег и друзей. И вот сейчас, век спустя, духовно-музыкальное наследие композиторов русского Зарубежья триумфально вступило на историческую сцену.

Под длинным названием концерта – «Столетие духовно-музыкального наследия композиторов русского зарубежья (1917 – 2017)» – скрывался не только вечер в Рахманиновском зале, но и невероятно насыщенная событиями предшествующая неделя. Внушительный по замыслу проект помимо концерта включал в себя несколько прямых эфиров и записей передач на крупнейших радиостанциях («Радонеж», «Вера», «Орфей»); пресс-конференцию «Столетие русского духовно-музыкального наследия, 1917 – 2017. Богатства композиторов Зарубежья» в Московской консерватории; панихиду памяти всех трудников на церковно-певческой ниве, пострадавших в России в годы гонений, а также принужденных покинуть Родину и сохранивших память о своем Отечестве в храме Священномученика Климента Папы Римского; многочисленные мастер-классы, и, конечно, часы репетиций главной концертной программы.

Действующие лица и исполнители мероприятия, призванного открыть широкой публике огромный пласт ранее неизвестной музыки – два дирижера: профессор кафедры хорового дирижирования Алексей Рудневский и регент из США Петр Ермихов; два хора (мужской хор «Кастальский» и объединенный смешанный хор «Кастальский») и три консультанта (Владимир Морозан (США), Николай Шидловский (США), Марина Рахманова (Россия).

Концерт стал яркой кульминацией, венчавшей события целой недели. Беззаветное творческое горение и погружённость в материал позволили дирижерам развернуть перед слушателями доселе неслыханные на российских просторах красоты духовной хоровой музыки. Среди композиторов, чьи создания открывались слушателям – Александр Гречанинов, Александр Чесноков, Николай Черепнин, Константин Шведов, Борис Ледковский, Андрей Ильяшенко, Иван (Иоганн фон) Гарднер, Михаил Константинов, Альфред Сван, Сергей Глаголев, Курт Сандер, Иван Муди.

Очень длинный и насыщенный по программе вечер не отпускал внимание слушателей ни на мгновение. Под руками дирижеров в звучании разнородных хоров сияла Пасхальная радость, пронзительно звенела молитвенная мольба, потаенно и прочувствованно дышала душа вдохновенная. На последних номерах зал стоял, не садясь… Без преувеличения грандиозный концерт, посвященный столетию русского духовно-музыкального наследия, наглядно показал неразрывную, нерушимую связь поколений и традиций в нашей музыкальной культуре.

Ольга Ординарцева,

выпускница

Исповедь жены художника

Авторы :

№3 (1350), март 2018

Об Эдисоне Денисове, с именем которого связана одна из ярких страниц в истории отечественного музыкального авангарда 1960-80-х годов, написано немало – это и серьезные научные исследования, и обширная мемуаристика. Вышедшая недавно книга Г.В. Григорьевой «Мои тридцать лет с Эдисоном Денисовым: Воспоминания. Документы. Статьи», посвященная композитору и близкому человеку, гармонично сочетает оба ракурса. Она позволяет в значительной степени расширить представления о личности и музыкальном мире Денисова, зафиксировать сущностные черты художника и его эпохи.

Долгие годы Галина Владимировна, по ее собственному признанию, не считала себя вправе писать о бывшем муже, его музыке, а тем более о непростой совместной жизни, чаша которой была испита сполна. Однако в 2014 году    к 85-летию композитора состоялась публикация воспоминаний его второй жены Е.О. Купровской, и брошенный таким образом «вызов» был принят. Благодаря прерванному обету молчания мы имеем уникальную возможность проследить детали жизненного «интертекста» супружеского тандема, тесного союза незаурядных творческих личностей, преданных «искусству из искусств», и просто – двух очень красивых людей. Вызывает восхищение та удивительная стойкость, внутренняя самодисциплина и мудрость, которая помогала обоим преодолевать многочисленные жизненные препоны, и даже в самых остродраматических ситуациях сохранять человеческое достоинство и нравственный стержень.

Сдержанно и тактично описывает Галина Владимировна то «трудное счастье», которое выпало ей в браке, условно деля тридцатилетие (1957–1987) на три этапа. Безоблачным и самым счастливым, несмотря на бытовые неурядицы и неприятности, было первое десятилетие. Но чем комфортней и успешней становилась жизнь, тем больше возникало поводов для взаимного непонимания, что и привело в дальнейшем к болезненному разрыву.

А начиналось все с романтического знакомства двух студентов теоретико-композиторского факультета на овощной базе Краснопресненского района в далеком 1954-м и подаренных на день рождения моцартовских клавиров, бережно хранимых и по сей день. Память выхватывает простые детали повседневности и примечательные эпизоды невероятно насыщенной артистической жизни, которые говорят сами за себя. Персонажи «живых картин» Шостакович, Рихтер, Вишневская, Ростропович, Юдина, Фальк, Любимов, Ноно, Булез… Какие имена, какие лица!

Чередуются «кадры» семейной кинохроники. Вот крупным планом набор столовых приборов, подаренный Д.Д. Шостаковичем на свадьбу… Ночные купания в ялтинском санатории «Курпаты» в компании с Галиной Вишневской… А вот подрастающие Митя и Катя. «Эдисон и дети – это особая тема замечает Галина Владимировна, – он считал детей смыслом своей жизни, безмерно баловал и всё прощал».

«Интерьерные съемки» квартира в композиторском доме на Студенческой, ставшая центром артистических собраний и знаменитые художественные «квартирники» Бориса Биргера, запечатленные на известной картине «Красные бокалы» (1978)… Любимые дачные пейзажи Рузы, Абрамцева, Сортавалы… Многочисленные зарубежные вояжи Варшава, Загреб, Штутгарт, Кёльн… И Париж, ставший местом последнего пристанища.

Особую ценность в книге представляет интереснейшая подборка фотографий, писем и документов из семейного архива, а также из личного дела Эдисона Васильевича, хранящегося в Московской консерватории. Своей Alma mater Денисов отдал более 30 лет, работая на кафедре инструментовки, и лишь в начале 1990-х получил класс композиции как один из лидеров «академического поставангарда» (по своеобразному определению А.С. Лемана).

Вторую часть книги составили статьи Галины Владимировны о музыке Денисова, написанные уже после его смерти – это доклады на конференциях, публикации из сборников in memoriam. Собранные вместе, они образуют стройную циклическую композицию, призванную обозначить и конкретизировать главные парадигмы авторского стиля. С одной стороны – это абсолютная приверженность идиомам и методам авангарда, а с другой – прочная опора на историческую культурно-музыкальную традицию, что особенно заметно в зрелом и позднем творчестве Денисова. Необычайно интересна подборка «двойных портретов» Денисов + (Андрей Волконский, Альфред Шнитке, Роман Леденев, Борис Тевлин), для каждого из которых найдена особая «тональность».

Книга Г.В. Григорьевой – прекрасная дань памяти Эдисону Васильевичу Денисову, для которого движение вперед было главным жизненным вектором. Конечно, многое осталось «за кадром», однако каждое слово этой исповеди – правдивое свидетельство времени, квинтэссенция прожитых вместе лет, искреннее выражение Любви и Прощения.

Доцент Е.А. Николаева

Призывной голос медных инструментов

№3 (1350), март 2018

В конце первого семестра, 4 декабря, в Московской консерватории с неизменным успехом прошел очередной концерт студентов и ассистентов-стажеров кафедры медных духовых инструментов (классы педагогов В.С. Шиша, Ю.Я. Ларина, В.А. Новикова, В.Б. Баташева, А.В. Старкова, А.О. Корнильева, Э.Б. Юсупова, А.А. Раева, В.М. Лаврика, Я.А. Белякова, С.Ф. Бармина). В мероприятии приняли участие и приглашенные музыканты – Екатерина Спиркина (орган), Янай Егудин (ударные), Яна Костина (фортепиано), а также вокальный ансамбль «Arielle» под управлением Эльмиры Дадашевой.

Подобные программы, ставшие популярными у широкого круга слушателей, традиционно демонстрируют богатую «смесь» из музыки различных жанров, стилей и эпох. В этот раз в одно целое объединились произведения композиторов барокко, романтизма, классицизма и XX века.

Первое отделение началось октетом тромбонов, которые исполнили «Торжественную музыку» В. Нехльбеля. Следом предстала яркая череда концертов: Концерт Cdur для двух труб и органа А. Вивальди, Концерт для двух валторн и фортепиано А. Розетти и Концертино для тромбона и фортепиано М. Списака. Другую группу ярких ансамблевых номеров составили «Славянская фантазия» для трубы и фортепиано К. Хёне, Соната для бас-тромбона и фортепиано Т. Альбинони, Соната для тубы и фортепиано В. Кладницкого и «Побег» для брасс-ансамбля К. Макки.

Особенным подарком любителям барочной музыки стал хорал «Wir sind erfreut» для камерного хора, органа, двух труб и литавр из Пасхальной оратории И.С. Баха. А «Хвалебная песнь» для валторны соло Б. Крола воспринималась как его непосредственное продолжение.

Второе отделение открыли блестящие «Армянские эскизы» для брасс-квинтета А. Арутюняна. Затем прозвучали разнообразные, мастерски исполненные пьесы – Концертштюк №1 для трубы и фортепиано В. Брандта, Концерт для валторны с оркестром Р. Глиэра, Соната для трубы, валторны и тромбона Ф. Пуленка, Соната b- moll для тромбона и фортепиано С. Шулека и др. Особенно запомнился эпизод «Шествия князей» из оперы «Млада» Н.А. Римского-Корсакова в аранжировке Я. Белякова для большого брасс-ансамбля.

В целом, подобные концертные программы как нельзя лучше показывают результаты успешной и плодотворной работы педагогов кафедры, ассистентов-стажеров и студентов. Нельзя не отметить и профессионализм концертмейстеров – Ольги Ветух, Екатерины Грашиной, Елены Кузнецовой, Натальи Мятиевой, Марии Орловой, Светланы Оруджевой и Натальи Полищук. В тот вечер все участники концерта показали высокий уровень владения тремя стилями музицирования – оркестровым, ансамблевым и сольным.

 Н.А.  Токарев,

ассистент кафедры

Едва начавшись, 2018 год преподнес профессионалам и любителям музыки сюрприз. В феврале стало известно, что в XVI Международном конкурсе имени П.И. Чайковского впервые смогут принять участие исполнители на духовых инструментах. Концерт педагогов и ассистентов-стажеров кафедры медных духовых, состоявшийся в Рахманиновском зале 12 февраля, дал однозначный положительный ответ на вопрос, готовы и достойны ли духовики уже в следующем году вступить в битву за звание лауреатов этого знаменитого конкурса.

Вечер начался с минуты молчания, которой присутствующие почтили память погибших в авиакатастрофе АН-148. Концертную программу открыли ст.  преп.  А.М. Иков, преп. А.В. Ферапонтов, доц. Э.Б. Юсупов и преп. С.Ф. Бармин, которые исполнили «Фанфары для Бима» Л. Бернстайна. В концерте принял участие практически полный педагогический состав кафедры, представивший все грани профессионального мастерства, богатую техническую, художественную и репертуарную палитру сегодняшней консерваторской «меди». Негласным девизом данного вечера стал афоризм «научить можно только тому, что умеешь делать сам».

С включением в программу Конкурса им. Чайковского исполнителей-духовиков встал вопрос об обязательном конкурсном репертуаре. Как известно, оригинальных сочинений для медных духовых композитор после себя не оставил (не считая оркестровые solo). Произведения Чайковского в этот вечер в Рахманиновском зале не звучали, но говорить о недостатке исполнительского арсенала «блестящих» тоже не придется. К примеру, доц. В.М. Лаврик блистательно представил «Победителя» – Концертино для трубы А.Н. Пахмутовой. Мировая премьера этого сочинения, посвященного самому музыканту, состоялась 5 февраля в Большом зале – но уже в сопровождении симфонического оркестра. Еще одна пьеса Пахмутовой – «Ноктюрн» для валторны и фортепиано – была сыграна ассистентом-стажёром А. Мартыненко.

Создание новых произведений – не единственный путь обогащения репертуара духовиков. В практику вошли также переложения инструментальных произведений. Композиция Д. Андерсона «В мире морском», в профессиональной обработке преп. С.Ф. Бармина для 8 (!) туб с ударными инструментами, произвела огромное впечатление на публику (ансамблем дирижировал проф. В.С. Шиш). Звучали в программе и другие аранжировки. «Баркаролу» из оперы «Сказки Гофмана» Ж. Оффенбаха и Фантазию на русскую народную песню «Вдоль по Питерской» Б. Анисимова (все – версии Н. Власова) продемонстрировали ассистенты-стажёры А. Бахарев и В. Пинялов. Концерт для двух валторн Гайдна в переложении для флюгельгорна и валторны явили слушателям преп. А.А. Раев и доц. А.О. Корнильев. Сюиту для квартета тромбонов и духового оркестра «Путешествие по Европе» И. Гостева в обработке автора сыграл Квартет тромбонистов кафедры и Большой брасс-ансамбль п/у преп. Я.А. Белякова.

Конечно, в программе вечера были и сочинения, написанные непосредственно для медных духовых инструментов. Среди них – I часть Концертино Ф. Давида для тромбона, которое подарил слушателям доц. Э.Б. Юсупов; Концерт А.  Вивальди для двух труб в интерпретации ассистента кафедры Н.А. Токарева и студента И. Мальцева; Сюита для тубы и фортепиано Д. Хаддада в исполнении ассистента-стажёра Д. Фёдорова. Настоящий музыкальный подарок слушателям преподнёс доц. А.В. Нянькин, позволивший на миг окунуться в чарующий мир джаза под звуки «Сентиментального настроения» Дж. Бассмана. А завершился вечер бравурными аккордами «Парада трубачей» Л. Андерсона в исполнении всех участников концерта.

Звучание медных духовых инструментов всегда привлекало внимание широких слоев любителей музыки – вспомните концерты духовых оркестров в садах и парках. Поддержка духового искусства в России в последние годы стало делом государственной важности. В связи с этим, очевидно, что перед «духовым музыкальным сообществом» нашей страны встают и новые вызовы, которые требуют незамедлительного, виртуозного и профессионального ответа. Концерт кафедры медных духовых инструментов Московской консерватории показал, что консерваторская «медь» идет в ногу со временем и достойна «золота» самой высшей пробы.

Владимир Пинялов,

 ассистент-стажер кафедры

В честь «сибирского соловья». К 230-летию со дня рождения А.А. Алябьева

№3 (1350), март 2018

«Среди многих музыкальных дарований всплывает имя Алябьева, имя, с каждым годом все более и более яснеющее для нас благодаря умножающимся раскопкам его музыки» – писал в свое время Б.В. Асафьев. Сказанное актуально и сегодня.

4 (15) августа ушедшего года исполнилось 230 лет со дня рождения выдающегося композитора пушкинской эпохи Александра Александровича Алябьева (1787–1851). В разных регионах России, в том числе на родине Алябьева в Тюменской области, состоялись юбилейные мероприятия с участием известных музыкантов, актеров и общественных деятелей. В Тюмени и Тобольске прошел ежегодный фестиваль «Алябьевская осень», а также концерты в доме-музее композитора в Пятигорске. Во Всероссийском музейном объединении музыкальной культуры имени М.И. Глинки 4 ноября был представлен концерт Государственного духового оркестра России под управлением Александра Нянькина. В программе звучали неизвестные сочинения, рукописи которых хранятся в фондах музея: некоторые произведения были исполнены на исторических музыкальных инструментах XIX века из Государственной коллекции.

Московская консерватория не могла обойти стороной эту знаменательную дату. Любопытно, что в архивах Музея им. Глинки удалось обнаружить афишу юбилейного концерта к 160-летию Алябьева в Малом зале, прошедшего в рамках филармонических Исторических концертов. Среди исполнителей видим Государственный симфонический оркестр СССР под управлением Н.П. Аносова, легендарный Государственный квартет им. Бетховена, вступительное слово – Б.В. Доброхотов. И спустя 70 лет молодое поколение консерваторцев вновь отдает дань памяти одному из ярких представителей отечественной музыкальной культуры первой половины XIX столетия.

Кафедра истории русской музыки 20 декабря представила программу юбилейных мероприятий в честь «сибирского соловья»: выставку архивных документов, принадлежащих Московской консерватории, которую помогла сделать Научная музыкальная библиотека им. Танеева; открытое заседание кафедры, посвященное музыкальному наследию композитора; и гала-концерт 20 декабря в Рахманиновском зале консерватории.

А.А. Алябьев – талантливый русский композитор-романтик, вольнодумец и герой Отечественной войны 1812 года – человек сложной, трагической судьбы. В феврале 1825 года, накануне печально известных исторических событий, Алябьева по недоказанному обвинению в убийстве лишают всех званий и отправляют в ссылку в Сибирь. Как знать, может быть, эта ссылка спасла ему жизнь, ведь многие из ближайшего окружения композитора участвовали в восстании декабристов, некоторые из них погибли.

Обширное творческое наследие композитора во многом не было оценено при его жизни. Имя Алябьева даже запрещалось упоминать на афишах, указывались лишь инициалы «А.А.». Многочисленные вокальные произведения (в том числе собрания русских песен), пять одночастных симфоний и симфонические увертюры, фортепианная музыка, хоровые, камерные сочинения (сонаты, трио, квартеты, квинтеты), 6 опер (три из них не завершены), балет, множество водевилей, музыка к спектаклям – все это долгое время не изучалось, многие произведения были погребены в архивах, а то и вовсе не сохранились. Тем не менее, Алябьев никогда не бросал сочинять – в его камере по ходатайству друзей даже установили фортепиано. Композитор создал в ссылке свои лучшие духовные сочинения для хора, а также великолепные образцы музыки для духового оркестра.

Программа концерта «Алябьев-гала» в Рахманиновском зале была подобрана очень тщательно, чтобы максимально широко представить многообразие творческого наследия композитора. Вновь прозвучали фрагменты оперы «Буря», возрожденной к жизни 3 года назад в режиссерском прочтении П. Татарицкого (об этом событии «Российский музыкант» рассказывал своим читателям – «РМ», 2015, №1). Ансамбль «Chant des flutes» исполнил Квартет для четырех флейт – ранний образец русских камерных ансамблей для духовых инструментов, «уникальный пример монотембрового сочинения первой трети XIX века» (проф. Е.Б. Долинская). Лауреаты международных конкурсов К. Апалько, К. Кравцов и А. Толстов блестяще интерпретировали Большое фортепианное трио ля-минор. Вокальная лирика Алябьева была представлена четырьмя разноплановыми романсами – «Воспоминание» и «Два ворона» на стихи Пушкина, «Желание» (стихи Н.Н.), и «Нищая» (стихи Беранже в переводе Д. Ленского) – в исполнении солистки Большого театра России Д. Давыдовой (ф-но – Ю. Куприянова). «Визитная карточка» Алябьева – романс «Соловей» прозвучал в транскрипции Листа, его исполнила на арфе лауреат международных конкурсов Н. Куприянова.

Хоровой музыке Алябьева посвятили отдельный блок. Камерный хор Московской консерватории (художественный руководитель – проф. А.В. Соловьев) под управлением Т. Ясенкова спел «Херувимскую» и переложения романсов – «Зимняя дорога» на стихи Пушкина (ф-но – Ю. Куприянова), «Всех цветочков боле», «Прощание с соловьем на Севере» (соло – Д. Давыдова, партия органа – проф. Е.Д. Кривицкая), и застольная песня «Други, радость нам дана» на стихи А. Дельвига.

Во втором отделении звучала музыка для духового оркестра, которому Алябьев всегда уделял большое внимание. Государственный духовой оркестр России под управлением А. Нянькина продемонстрировал сочинения, некоторые из которых были расшифрованы лишь в 2017 году – Симфонию Ми-бемоль мажор, Увертюру к опере «Швейцарское семейство», Пьесу для корнета и духового оркестра, Скорый марш и Pass Redouble для духового оркестра. Мощным заключительным аккордом стала премьера Торжественного гимна «В сей день вы, россы, торжествуйте», оркестрованного для духового оркестра, струнного квартета и хора известным российским композитором Кузьмой Бодровым специально для гала-концерта (вспомним, что именно Бодрову принадлежит редакция для камерного оркестра оперы Алябьева «Буря»).

Самые теплые слова благодарности за помощь в проведении юбилейных мероприятий хочется высказать в адрес Московской консерватории, а также директора Всероссийского музейного объединения музыкальной культуры имени М.И. Глинки М.А. Брызгалова и сотрудников музея, художественного руководителя Центра духовой музыки С.А. Поляничко, артистов и дирекции Государственного духового оркестра России.

По словам Ираклия Андронникова, «время не состарило великолепную музыку Алябьева». Растущий интерес исследователей и исполнителей обусловлен тем, что творчество композитора отражает важнейшие эстетические тенденции романтической эпохи, ставшие актуальными и в наши дни – противостояние реального и идеального, одинокого «я» и окружающего мира (зачастую враждебного), бренность власти, богатства и вечной ценности любви, гармонии человека и природы.

Я.А.  Кабалевская,

преп. кафедры истории русской музыки

Хор по праву носит его имя

Авторы :

№3 (1350), март 2018

8 февраля переполненный Рахманиновский зал чествовал 85-летие со дня рождения одного из выдающихся выпускников Московской консерватории Андрея Дмитриевича Кожевникова. Школа, которую прошел Кожевников, – это плеяда больших имен русской хоровой культуры: профессора Московской консерватории А.В. Свешников, В.Г. Соколов, С.К. Казанский, В.П. Мухин. Несколько лет вместе с Б.Г. Тевлиным Кожевников руководил Московским хором молодежи и студентов. Позже – организовал и многие годы пестовал Московский хор Дома учителя. Но главным делом Андрея Дмитриевича стал Государственный академический московский областной хор, где более двадцати лет он был помощником и соратником основателя коллектива, выдающегося мастера В.Г. Соколова, а затем возглавил хор в качестве художественного руководителя. Ныне хор по праву носит его имя.

А.Д. Кожевников многие годы успешно занимался педагогическим трудом и остался в сердечной памяти многих своих коллег и выпускников Московского педагогического государственного университета, где он руководил хоровым классом. Кожевников – автор репертуарных сборников и сотен переложений и обработок для хоров различных составов. Глубокими мыслями и наблюдениями наполнены его статьи, интервью. А в кризисные 90-е Андрей Дмитриевич приложил титанические усилия для сохранения и возрождения своего коллектива.

Принципиальной была позиция Кожевникова в отношении репертуара. Вместе с верностью образцам светской и духовной музыки прошлого красной нитью прослеживается его устойчивый интерес к творчеству современников. Без пустых слов он реально длил существование хорового искусства, непосредственно принимая участие в создании новой для своего времени эстетической реальности. Под управлением дирижера звучали произведения Шебалина, Свиридова, Леденева, песни Дунаевского, Френкеля, Пахмутовой. Отдельной строкой в репертуаре коллектива прописаны сочинения сверстников и друзей Андрея Дмитриевича, композиторов-выпускников Московского хорового училища (а затем и Московской консерватории): Щедрина, Флярковского, Бойко, Агафонникова, Григоренко, Кикты…

В течение нескольких десятилетий хор Кожевникова являлся надежным другом Союза композиторов Москвы. Он был постоянным участником фестиваля «Московская осень», для которого подготовил сотни (!) премьер. За свой самоотверженный труд Народный артист России, профессор Кожевников награжден золотой медалью и принят в члены Союза композиторов. Марафонскую дистанцию, которую преодолел хор на пути этого сотрудничества, завершала памятная легендарная овация в прощальном концерте Андрея Дмитриевича в Доме композиторов.

На вечере в Рахманиновском зале звучали слова светлой памяти и благодарности ветеранам хора: с их прекрасными голосами связана вся его история – начиная с памятного 1957-го года, когда в Москве проходил Всемирный фестиваль молодежи и студентов, навстречу которому и создавался коллектив. Восторженной нотой на протяжении всей жизни звучал тенор с верхним до Виктора Ермакова, бас-профундо Анатолия Евграфова и многие другие голоса артистов хора имени Кожевникова. Слова приветствия услышал зал и в адрес преданного друга Андрея Дмитриевича, его супруги, артистки хора Н.В. Рэммер, которой преподнесли корзину цветов. Также пожелали успехов и нынешнему художественному руководителю хора Н.Н. Азарову.

Сердцевину вечера составила концертная программа. В ней приняли участие пять хоровых коллективов – старший хор «Алые паруса» ДМШ № 68 им. Р.К. Щедрина и Камерный хор «Консонанс» (оба – под руководством Аллы Пушкаревой), Камерный хор «Классика» (руководитель – Нина Королева), Московский мужской камерный хор «Кастальский» (руководитель – Алексей Рудневский) и Государственный академический Московский областной хор им. А.Д. Кожевникова (руководитель – Николай Азаров).

На сцене были и дети, их родители и учителя, и молодые специалисты, и зрелые певчие… Хоровая культура предстала в своём жизнестойком многообразии: романсовая лирика, фольклор, духовная музыка. Звучали также обработки, переложения и редакции юбиляра, давно занявшие достойное место в репертуаре многих и многих хоровых коллективов. В честь А.Д. Кожевникова пели Чайковского, Шуберта, Островского, Вивальди, Щедрина, Рахманинова, Пендерецкого, Библа, Шапорина, Шведова… В.Г. Агафонников, который дружил с юбиляром с 1944 года до его последних дней, посвятил памяти Андрея Дмитриевича «Отче наш» для баритона, мужского хора и фортепиано. Сочинение выразительно исполнили Михаил Давыдов, Даниил Борзенко и хор «Кастальский». Украшало торжество ведение программы Нины Карташевой, как и море цветов от благодарных слушателей.

В финале концерта коллективы объединили свои усилия под управлением А. Рудневского и Н. Азарова. Хоровое братство вновь пробудило и объединило добрые чувства собравшейся аудитории, певцов, великих классиков светлой памяти Андрея Дмитриевича Кожевникова.

Профессор Ю.А. Евграфов

 

«Сын-соперник» в Московской консерватории

Авторы :

№ 2 (1349), февраль 2018

В рамках проекта «Возрождение русской оперной классики» 5 декабря ушедшего года в Рахманиновском зале была представлена опера Дмитрия Бортнянского «Сын-соперник». Выбор постановки оказался неслучаен: в 2017 году исполнилось 230 лет со дня премьеры этого сочинения, которая состоялась 11 октября 1787 года в Дворцовом театре Павловска.

…Ты гимны дивные писал

И созерцая мир блаженный,

Его нам в звуках начертал…

Агафангел.

Памяти Бортнянского

Дмитрий Степанович Бортнянский (1751–1825) – один из талантливых представителей русской музыкальной культуры доглинкинской эпохи, снискавший искреннюю любовь соотечественников и как композитор, чьи сочинения пользовались исключительной популярностью, и как незаурядная, обладавшая редким человеческим обаянием личность. Композитор создал множество сочинений в разных жанрах: оперы, хоровые произведения, камерно-инструментальные сочинения, романсы. В середине 80-х годов XVIII века Павловский двор увлекся театром, и для них Бортнянский в течение двух лет сочинил три комические оперы: «Праздненство сеньора» (1786), «Сокол» (1786) и «Сын-соперник» (1787). Позже Б. Асафьев написал: «Прелесть этих опер Бортнянского, написанных на французский текст, в необычайно красивом слиянии благородной итальянской лирики с томностью французского романса и острой фривольностью куплета».

«Сын-соперник, или Новая Стратоника» – одно из ярчайших произведений музыкального театра XVIII века. Либретто было написано Францем-Германом Лафермьером, состоявшим на службе при «малом дворе» в должности преподавателя французской литературы, библиотекаря и чтеца. В основу произведения легли две линии – история любви Дона Карлоса и легенда о любви сына сирийского царя Антиоха к мачехе Стратонике. Объединив два сюжета, Лафермьер создал собственный литературный текст в духе сентиментальной драмы, которая смягчается комедийными сценами «беззаботного времяпрепровождения аристократических дам и кавалеров» (История русской музыки, 3 том). К сожалению, оригинальное либретто на французском языке утеряно, но сохранились вокальные номера. Именно по ним было создано новое либретто на русском языке Т. Щепкиной-Куперник.

История постановок оперы весьма печальна. Несмотря на интересный сюжет, выразительную музыку и сценичность, она довольно долго пребывала в забвении. И, наконец, дождалась своего часа уже в XXI веке. Давний замысел постановки «Сына-соперника» в Москве принадлежит проф. Т.А. Курышевой, у которой, по счастливому стечению обстоятельств, оказалась партитура полного авторского текста, воссозданного к жизни санкт-петербургским исследователем и страстным поклонником искусства композитора А.С. Розановым (нотные материалы с оригинальными вокальными и хоровыми партиями на французском языке, увертюрой и другими эпизодами). Еще в 90-е годы ушедшего столетия вместе с Ю.А. Башметом, дирижером камерного оркестра «Солисты Москвы», и режиссером О.Т. Ивановой они с этой целью проводили в консерватории «кастинг» солистов-вокалистов. Но тогда осуществить начатое не удалось. И теперь Татьяна Александровна предложила имеющиеся у нее материалы автору и руководителю замечательного проекта Московской консерватории «Возрождение русской оперной классики» проф. И.А. Скворцовой, которая с энтузиазмом взялась за реализацию бесценного предложения.

Собралась большая, талантливая команда, которой удалось воплотить не только атмосферу того времени, но и ярко показать музыкальную суть произведения. Ведь опера «Сын-соперник» отмечена высоким благородством и изяществом, ее музыка пронизана выразительными мелодическими линиями, поражает тонкостью оркестрового письма. Под чутким руководством Заслуженного артиста РФ, дирижера Феликса Коробова над постановкой работали консерваторские коллективы – Камерный оркестр и Камерный хор (художественный руководитель проф. А.В. Соловьев), а также солисты Музыкального театра им. К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко (Д. Зуев, А. Нестеренко, Д. Макаров, Д. Кондратко, К. Золочевский, Н. Петрожицкая, М. Гончарова, И. Клочко, М. Макеева), среди которых были выпускники Московской консерватории.

Хотя спектакль проходил в камерном концертном зале, режиссер Дмитрий Зуев ставил оперу с учетом особенностей этого пространства. Зал оказался визуально увеличен за счет интерактивного экрана, границы сцены размыты – действие разворачивалось и в зрительном зале, и на балконе. У слушателей возникла иллюзия сопричастности происходящему.

В постановке по сути не было главных и второстепенных ролей, каждый исполнял свою партию как главную, причем, не выходя на первый план – все аккуратно сменяли друг друга. Несмотря на сжатые объемы, размещение хора и оркестра продумали детально и оригинально. Хор впервые появился во время песни служанки Саншетты: она «игриво» раздавала партии хористам и провожала их на места, которые располагались возле сцены, в зрительном зале. Камерный оркестр частично сидел на сцене, частично в зале, и также не был отделен от действа. А солисты всячески взаимодействовали с дирижером Ф. Коробовым.

Подмечая множество оригинальных режиссерских идей, нужно также отметить великолепное исполнение вокальных номеров всеми солистами и филигранную работу оркестра, который сумел воплотить, исключительно изящную, тонкую инструментовку композитора.

Спустя столько лет незаслуженно забытая опера Бортнянского получила новую публичную жизнь. Хочется надеяться, что теперь она продолжит свое существование и ее дальнейшая сценическая судьба будет счастливой. Со временем – и в стенах будущего оперного театра Московской консерватории.

Ксения Цыплакова,

студентка ГМПИ

им. М.М. Ипполитова-Иванова

 

Способность к сотворчеству

№ 2 (1349), февраль 2018

VI Международный конкурс камерных ансамблей имени С.И. Танеева, прошедший с 21 по 26 ноября 2017 года в Калуге, был по сути восьмой встречей молодых ансамблистов на калужской земле (первые два проводились как «Всероссийские открытые»). Он был задуман почти четверть века назад профессором Московской консерватории Татьяной Алексеевной Гайдамович – учёным-просветителем и выдающимся педагогом в области камерно-ансамблевого музицирования. Основным учредителем стала Московская консерватория, чьим первым Золотым медалистом, а затем и директором был Танеев. Постоянными учредителями также являются Министерство культуры РФ, администрация Калужской области, РАМ им.  Гнесиных и Ассоциация камерной музыки МСМД.

Диана и Кристина Аванесян, II премия

Т.А. Гайдамович и её ближайшие сподвижники-основатели конкурса им. Танеева – профессоры И.М. Анастасьева, Г.А. Федоренко, Т.А. Алиханов и автор этих строк – изначально определили его регламент и спектр основных целей. Главной особенностью конкурса, который должен проходить раз в три года, является исполнение камерной музыки Танеева, постижение художественной сути которой даст возможность совершенствовать ансамблевое мастерство. А проведение состязаний не в столице должно способствовать появлению на музыкальной карте России нового центра камерно-ансамблевого исполнительства.

В жюри VI конкурса вошли видные педагоги-исполнители: Ф. Золтер (Германия), Х. Гиттарт (Нидерланды), В. Редик (Австрия), Ю. Гильдюк (Беларусь), Я. Малецкис (Латвия), Ш. Шагинян (Армения). И. Анастасьева, А. Жохова, В. Ворона и А.  Бондурянский (все – Россия). Конкурсанты представляли девять стран.

Состязания камерных ансамблей обладают особой спецификой. Участники должны проявить не столько свое индивидуальное дарование (оно подразумевается само собой), сколько умение находиться в диалоге. Именно способность к сотворчеству, сопереживанию, сочувствию, соучастию и становится определяющей.

Количество номинаций в этот раз было увеличено: к уже существующим (фортепианный двухрояльный дуэт, фортепианные трио, квартет, квинтет) добавились четырёхручный фортепианный дуэт и дуэт скрипки и фортепиано. Стилевая палитра, предложенная программой конкурса – от Моцарта и его современников до сегодняшней музыки (буквально «с пылу-жару») – позволила участникам выявить свои лучшие исполнительские качества.

Следует сказать, что «ранжирование» оказалось для жюри непростой задачей, ибо откровенных «аутсайдеров» среди финалистов не наблюдалось. На общем высоком уровне несомненными лидерами были фортепианный квинтет МГК (М. Кинасов, А. Лень, А. Иванов, К. Воинков, М. Ноговицын) и нидерландский квартет, которые в итоге и разделили I премию. Консерваторский ансамбль также победил в прослушивании на соискание специальной премии имени Т.А. Гайдамович.

Фортепианный квинтет МГК, I премия

Обладателями II премии стали латвийский дуэт, Трио МГК (В. Стариков, Е.  Кузеванова, Е. Моргунова) и дуэт сестёр Кристины и Дианы Аванесян, которые вместе с фортепианным квинтетом были также удостоены специальной премии «За лучшее исполнение сочинений С.И. Танеева», учреждённой Московской консерваторией. Помимо этого, выпускницы консерватории и Трио получили спецпремию «OrlandoFest» с приглашением выступить на фестивале в Голландии. Фортепианный дуэт из Латвии, равно как квартет-победитель из Нидерландов был награждены спецпремией РАМ им. Гнесиных «За артистизм исполнения».

Порадовали своими выступлениями лауреаты III премии – корейский дуэт из МГК, дуэты из Казанской консерватории и РАМ им. Гнесиных. Премию жюри «Зарубежному ансамблю за художественное постижение русской музыки» разделил дуэт корейских студентов из МГК (Ян Минчжэ и Хан Ын Чжу), а также дуэт из Латвии. Вместе с дуэтом из РАМ им. Гнесиных они получили спецприз фирмы «Yamaha». Еще одну награду – премию губернатора – забрали Трио МГК и дуэт из Казанской консерватории. Удачно, хотя и не всегда ровно, проявили себя ансамбли, удостоенные IV премии – дуэт из Белоруссии и «сборный» дуэт студентов института им. М.М. Ипполитова-Иванова и МГК. Среди лауреатов, представлявших Московскую консерваторию, стоит отметить «питомцев» доц. И.В. Красотиной и воспитанников проф. А.З. Бондурянского.

Конкурс завершился двумя заключительными концертами. Первый состоялся в Калуге, в Концертном зале им. С.И. Танеева 25 ноября – в день рождения композитора. Второй – на следующий день в Рахманиновском зале МГК (ещё одна традиция, поддерживаемая консерваторией). Перед началом концерта финалистов, членов жюри и Оргкомитет конкурса сердечно поприветствовал ректор, профессор А.С. Соколов.

Трудно переоценить и заинтересованную помощь губернаторов Калужской области (бывшего В.В. Сударенкова и нынешнего А.Д. Артамонова). Проявленные ими воля и настойчивость помогают вот уже два десятилетия реализовывать этот масштабный проект. Постоянными партнёрами Конкурса являются МКЦ, Министерство культуры Калужской области, Калужское музыкальное училище им. Танеева.

VI конкурс имени С.И. Танеева стал важным музыкальным событием ушедшего года. Готовясь к следующему, который должен пройти в 2020 году, следует, очевидно, учесть интересные предложения, касающиеся расширения списка номинаций, включения в состав струнные квартеты и трио, а в дальнейшем, возможно, и камерное пение. И тогда конкурс превратится в грандиозное Празднество в честь великого композитора, пианиста, дирижёра, учёного, музыкально-общественного деятеля – Сергея Ивановича Танеева.

 

Профессор А.З. Бондурянский,

председатель жюри конкурса

Фото Яниса Малецкиса

С родительским теплом

Авторы :

№ 2 (1349), февраль 2018

Какие чувства испытываешь в кругу родных людей? Прежде всего, любовь, защищенность. А также – душевное спокойствие от того, что близкий нам человек искренне радуется успехам и всегда готов придти на помощь. Все это мы ощущаем, когда заходим в класс к профессору Зинаиде Алексеевне Игнатьевой. Сегодня наш любимый Учитель отмечает свой юбилей.

Исполнительская деятельность З.А. Игнатьевой началась в 1960 году. Гастролируя с сольными и симфоническими концертами, она выступала как в городах бывшего СССР, так и за рубежом – в Польше, Венгрии, Франции, Германии, Японии, Южной Корее и других странах. Обширный репертуар Зинаиды Алексеевны включает музыку от эпохи барокко до наших дней, но самым любимым до сих пор остается творчество Фредерика Шопена. Не случайно, будучи студенткой III курса Московской консерватории, она стала лауреатом VI Международного конкурса пианистов им. Шопена в Варшаве.

В консерватории З.А. Игнатьева оказалась в классе профессора С.Е. Фейнберга, который считал ее одной из своих ярких учениц. И теперь она воспитывает молодых дарований в лучших традициях русской фортепианной школы. Но речь идет не только о чисто профессиональных качествах. По рассказам Зинаиды Алексеевны, Фейнберг был для нее вторым отцом – на уроках она с большим теплом вспоминает своего горячо уважаемого профессора.

Занятия с З.А. Игнатьевой всегда проходят в оживленной творческой атмосфере. Зинаида Алексеевна старается развить образное мышление студента, направить его на самостоятельные поиски в интерпретации. Большое внимание профессор уделяет работе над звуком, учит относиться к инструменту как к живому существу, которое умеет чувствовать и отвечать исполнителю взаимностью. Работая над тем или иным произведением, Зинаида Алексеевна приводит яркие и удивительно точные ассоциации, иногда рассказывая целые истории, полные юмора и непосредственности.

Наверное, для каждого ученика З.А. Игнатьева стала второй мамой. К своим студентам она всегда относится с поистине родительской заботой и теплом. Не было урока, во время которого она бы не поинтересовалась, все ли у нас хорошо. Не было случая, когда бы она отнеслась равнодушно к нашим проблемам, всегда стремясь помочь их решить. Между студентами ее класса установились очень дружеские отношения – и, это, безусловно, заслуга нашего профессора.

Однажды Зинаида Алексеевнаева сказала: «При поступлении в Московскую консерваторию не педагог выбирает ученика, а ученик выбирает педагога». Мы, студенты её класса, ни на минуту не усомнились в правильности своего решения. Искренне поздравляем нашего дорого Учителя, желаем ей крепкого здоровья, вдохновения, терпения!

Наталия Бастатская, студентка ФФ

О случайности в музыке

Авторы :

№ 2 (1349), февраль 2018

Учебное пособие «Алеаторика как принцип композиции» доктора искусствоведения М.В. Переверзевой посвящено методу письма в музыке XX века, допускающему вариабельные отношения между элементами ткани (в том числе нотного текста) и формы произведения, предполагающему неопределённость или случайную последовательность этих элементов при сочинении или исполнении опуса. В настоящее время фактически нет работ об алеаторике, написанных на русском языке. Учебное пособие адресовано учащимся на теоретических отделениях музыкальных специальностей, а также исполнителям современной музыки и любителям авангардного искусства в целом.

Книга снабжена не только всесторонним историческим и теоретическим освещением алеаторики как принципа композиции, но и аналитическими очерками, посвященными как самым знаковым опусам музыки ХХ века («Музыке перемен» Дж. Кейджа, графическому «Декабрю 1952» Э. Брауна, фортепианной пьесе XI К. Штокхаузена, Третьей фортепианной сонате П. Булеза и т. д.), так и практически неизвестным в нашей стране пьесам самых разных авторов – от Канады до России. Впечатляет обзор техник композиции и художественных явлений, тем или иным образом следующих алеаторному принципу. Это «метод случайных действий» и принцип индетерминизма Дж. Кейджа; свобода звука и неточная нотация М. Фелдмана; «метод подсказывания» К. Вулфа; принцип мобиля и «открытая форма» Э. Брауна; стохастическая композиция Я. Ксенакиса и компьютерная музыка Л. Хиллера; статистический метод, вариабельные и многозначные формы К. Штокхаузена; техника aléa П. Булеза; ограниченная алеаторика европейцев; импровизация и хэппенинг, и многое другое.

Наибольший интерес представляет третья глава книги, посвященная теории алеаторной формы. Автор дифференцирует мобильные композиции по степени изменяемости структуры (мобильная – вариабельная – модульная формы) и рассматривает их в аналитических очерках на примере конкретных музыкальных произведений. Открытием для читателя станет раздел о музыкальных «мобилях» – вокальных или инструментальных пьесах с разделами формы, меняющими свое количество и местоположение.

Поражает объем научной работы, проведенной М.В. Переверзевой в процессе подготовки книги и ее основательная «доказательная база» – обилие нотных примеров, таблиц и схем, подтверждающих высказанные автором идеи и гипотезы. Единственная в своем роде и увлекательная, книга имеет несомненную научную новизну и практическую ценность, она будет полезна многим музыкантам-практикам, исследователям-историкам и теоретикам, а также всем интересующимся современной отечественной и зарубежной музыкой.

Профессор Г. В. Григорьева

В служении Музыке

Авторы :

№ 2 (1349), февраль 2018

24 января в Большом зале состоялся концерт под названием «Шопен & Стравинский», который завершил серию вечеров, посвящённых творчеству русского композитора в сопоставлении с музыкой других великих авторов. На сцене выступили Концертный симфонический оркестр МГК (дирижёр – заслуженный артист РФ, проф. Анатолий Левин) и народная артистка СССР, проф. Элисо Вирсаладзе (ф-но). Звучали произведения Стравинского и Шопена, а также фортепианные пьесы Шопена в инструментовке Стравинского.

Игоря Фёдоровича не случайно называли «человеком тысяча и одного стиля». Отличительная черта композитора, которая отчётливо выразилась через исполнение совершенно разных его сочинений, – богатейшая творческая фантазия, создание всякий раз уникальных образов. Подобное оказалось возможным благодаря тонкому восприятию Стравинским широкого круга музыкальных традиций и стилей.

Показательна в этом отношении инструментовка балета «Сильфиды» (1909) на музыку Шопена, которой открылся концерт. Ноктюрн As-dur и Большой блестящий вальс звучали как сочинения Стравинского: композитор сохранил прозрачность и утончённость шопеновской фактуры, но при этом включил всё то, что присуще собственному оркестровому письму – колоритное чередование tutti и solo, эффектную палитру тембров. А коду Блестящего вальса наполнил веселым юмором.

Красочно и невероятно глубоко исполнила Второй концерт Шопена Элисо Вирсаладзе, подтверждая слова Я.А. Флиера, что её игра «удивительна и гармонична, в ней чувствуется настоящая поэзия». Было приятно наблюдать за каждым поворотом мысли великого композитора-романтика, в том числе в мелких нотах, звучавших как речитатив – очень полнокровно и содержательно. В темах первой и третьей частей великолепно отразилось сентиментальное настроение произведения, а сокровенная, глубоко личностная шопеновская лирика предстала в мажорных эпизодах. Пианистка находилась в тончайшем взаимодействии с оркестром.

Во втором отделении звучал Стравинский – симфоническая поэма «Песнь соловья» по сказке Андерсена и три фрагмента из балета «Жар-птица» – «Поганый пляс Кощеева царства», «Колыбельная Жар-птицы» и «Финал». «Песнь соловья» воспринималась как живая картина природы – нежная и поэтичная (в холодные зимние дни чувство весеннего пробуждения и свежести особенно ощутимо). Главная тема «Поганого пляса» поразила своей упругой, рельефной ритмикой.

Игра оркестра под управлением А.А. Левина была полна оптимизма, молодой энергетики, проникнута высочайшей находчивостью и готовностью совершать новые открытия. Дирижер смог организовать своих подопечных в замечательное единство. Все произведения были чётко выстроены по форме, имели свою индивидуальную концепцию. Да, в тот вечер выступали люди, которые творят и служат Музыке!

Степан Игнатьев, студент ФФ