Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

Ю.Х. Темирканов: «Важно – как начать…»

Авторы :

№4 (1360), апрель 2019

26 марта в Московской консерватории прошел мастер-класс народного артиста СССР, дирижера, профессора Юрия Хатуевича Темирканова. Событие вызвало большой резонанс. Благодаря организованной трансляции происходящего в классе, студенты и педагоги разных кафедр заполнили не только аудиторию, но и пространство за ее пределами. Уникальную возможность представить мастеру свою работу, услышать его мнение и рекомендации получили студенты кафедры оперно-симфонического дирижирования: Алексей Федин (класс доц. С.Д. Дяченко), Мария Курочкина (класс проф. И.А. Дронова), Джереми Уолкер (класс доц. В.А. Валеева), Артем Великий и Иван Никифорчин (класс проф. В.К. Полянского). Сочинения, исполненные концертмейстерами Владиславом Виноградовым и Виталием Гавруком под руководством молодых дирижеров, в основном принадлежали Брамсу. Музыку его Второй, Третьей и Четвертой симфоний обрамляли Пятые симфонии Прокофьева и Шостаковича.

Удивительно складывался творческий диалог между Темиркановым и молодыми дирижерами. Одной из специфических сторон этой профессии является потребность в таком слове, которое при редкости появления и краткости формулировки окажется в достаточной мере содержательным и метким, чтобы позволить музыканту понять смысл того, что он исполняет. Общаясь со студентами на языке дирижерского жеста и показывая «как нужно», Юрий Хатуевич объяснял «почему нужно» – точным, ярким словом, которое пронизывало весь мастер-класс.

Говоря об объективности мировоззрения и, как следствие, музыки Прокофьева, дирижер дал указание к исполнению начала Пятой симфонии: «Состояние не здесь, а там». Значение ауфтакта для всего дальнейшего течения музыки мастер объяснил, процитировав своего учителя, великого теоретика дирижирования Ильи Мусина: «Как ауфтактнется, так и откликнется». Кроме того, рассуждая о важности ощущения «вдоха» Темирканов проводит параллель с театром:«У Станиславского в театре было так: перед выходом на сцену коврик лежал. И вот за пять минут артист должен был встать там и стоять. Не анекдоты рассказывать и потом выскочить, а стоять. И знаете, почему? Потому что, это важно – как начать. Ты должен быть в состоянии ауфтакта».

Общаясь с участниками мастер-класса, маэстро затрагивал темы, актуальные для любого музыканта: «Молодые дирижеры всегда думают, что надо все переживать. Это смотря какого композитора. Прокофьев – объективный, там замедления не написаны, и смены темпов, которые Вы делаете – там этого нет. Прокофьев – хитрый. Он вообще не советский композитор. Он как и Брамс чувства прячет».

Особенно было интересно отношение Темирканова к актерским навыкам дирижера, к его мимике, как к некой подсказке, благодаря которой музыканты смогут лучше осмыслить содержание исполняемой музыки. Обращаясь к Алексею Федину, дирижировавшему второй частью Пятой симфонии Прокофьева, маэстро заметил: «Слишком много движения и телом, и руками. Лицо должно быть. Ничего нет комичнее, когда дирижер на сцене стоит и изображает чувства, а в оркестре каменные лица [показывает]. Надо музыкантов заставлять играть так, чтобы лицо было в характере. Вы музыку дирижируете, но не изображаете. Самое сложное в музыке – быть с юмором. Гайдн, Прокофьев и, конечно же, Стравинский были с юмором. Это не нужно дирижировать, это нужно изобразить. Изобразить характер того, что вы дирижируете. Если на лице нет юмора – не получится. И музыкантов нужно заставлять играть так, чтобы лицо было в характере, потому что иначе – никак…»

Не только участники, но и зрители мастер-класса получили драгоценный опыт, включившись в процесс переосмысления концепции сочинения в зависимости от художественной интерпретации дирижера. После исполнения Артемом Великим первой части Четвертой симфонии Брамса, Юрий Хатуевич объяснил свою трактовку этой музыки. Маэстро подчеркнул, обращаясь к произведению, что необходимо хорошо представлять или воображать, при каких внешних и внутренних обстоятельствах сочинял композитор: «Я, например, читал как-то: Малер пришел к Брамсу вечером, о чем-то говорили, а потом Малер попрощался, уходит и видит, как Брамс набросил плед на себя и сосиски в камине жарит… Почему я это рассказываю? Потому что это имеет отношение к музыке, к тому, как Вы будете дирижировать. Он ушел и Брамс, предположим, сел за рояль и… [играет].По-другому нельзя, ведь, значит, ты не знаешь, какая погода была, какое состояние».

Продолжая рассуждать о трактовке произведения, Темирканов затронул вопрос особенностей менталитета композиторов различных национальных школ: «Ты не того композитора дирижируешь. Он – немец. И немец свои чувства так не открывает – у него внутри Везувий. Внутри бурлит, а снаружи нет. Он немец, он стесняется. Это Чайковский в зал так всю душу выплескивает, каждому, кто сидит в зале, каждому отдельно он открывает свой мир душевный. А немцы этого стесняются. Для них Рахманинов – очень чувственный композитор, слишком открытый. В справочнике у них написано: “Рахманинов – великий русский пианист”».

Особенно ярким было выступление Ивана Никифорчина, продирижировавшего первую часть Пятой симфонии Шостаковича. По поводу звучания этой музыки Темирканов выразил важное замечание: «Иногда у Шостаковича должно быть скучно, это правда…Это очень странно – то, что я говорю. Не должно быть музыкально интересно. Атмосфера кошмара, запах безнадежной страны, атмосфера, когда ничего не происходит».

Участники мастер-класса рассказали о своих впечатлениях после события: «Я знала, что Юрий Хатуевич великий, потрясающий профессионал, замечательный, выдающийся музыкант, но общение вживую с таким человеком все равно всегда впечатляет. Даже после большого количества мастер-классов это все равно большая радость и большое счастье. Я получила невероятный эмоциональный заряд и импульс к дальнейшей работе» (Мария Курочкина). «Участвовать в мастер-классе у такого дирижера – это, конечно, уникальная возможность. Сразу после общения – много чувств и мыслей в голове. Конечно, прекрасное понимание стиля. Юрий Хатуевич показывает как оркестр, и сразу понятно, что он хочет. Это неповторимо» (Джереми Уолкер).

Остается выразить благодарность Московской консерватории, которая дает возможность молодому поколению музыкантов учиться у мастеров, видеть образцы профессионального отношения к своему ремеслу и принимать участие в настоящем созидании музыки, ради которой все это и происходит.

Мария Невидимова,
студентка ИТФ
Фото Дениса Рылова

«Мысль, которую я посеял сегодня, взойдет завтра…»

Авторы :

№4 (1360), апрель 2019

В этом году исполняется 215 лет со дня рождения Владимира Федоровича Одоевского (13 августа 1804 года) и 150 лет со дня его кончины (11 марта 1869 года). Так удивительно сложилось… Литераторы, философы, музыканты чтут нашего выдающегося соотечественника – князя Одоевского, его огромный вклад в развитие русской культуры. Нам, музыкантам, В.Ф. Одоевский известен, прежде всего, как основоположник русского музыкознания, музыкальной критики и музыкальной лексикографии.

Владимир Федорович Одоевский был последним потомком старинного княжеского рода – одной из старших ветвей Рюриковичей. Все мы, конечно, читали в школе «Городок в табакерке», роман «Русские ночи», знакомы с Одоевским как с русским писателем-романтиком, философом и мыслителем. Он был общественным деятелем, издателем ряда журналов и альманахов, директором Румянцевского музея, помощником директора Императорской публичной библиотеки, с молодых лет активно занимался благотворительностью. В годы службы в Цензурном комитете Министерства внутренних дел в Петербурге он выступал за облегчение в стране цензурных правил, явился одним из авторов либерального цензурного устава и первых в России законов об авторском праве.

Будучи членом кружка великой княгини Елены Павловны, Одоевский горячо приветствовал отмену в России крепостного права. Став в 1861 году сенатором, он продвигал тюремную реформу, ратовал за введение в России суда присяжных и за другие преобразования. О кругозоре и масштабе личности князя говорит и тот факт, что он был одним из учредителей Русского географического общества, а также одним из основателей Русского музыкального общества. В.Ф. Одоевский участвовал в Комиссии по введению церковного пения в народные школы, был активным деятелем Общества древнерусского искусства.

Князь постоянно поддерживал молодых писателей, безошибочно распознавал в них талант и побуждал к достижению новых вершин. Одно из ярких свидетельств тому – дарственная надпись В.Ф. Одоевского в книге, отданной 26-летнему М.Ю. Лермонтову: «Поэту Лермонтову дается сия моя старая и любимая книга с тем, чтобы он возвратил мне ее сам, и всю исписанную». По роковому стечению обстоятельств поэт не смог вернуть эту книгу сам, так как через несколько месяцев был убит на дуэли.

В.Ф. Одоевский был одним из идеологов создания Московской консерватории. Его музыкальный архив – ноты, рукописи о музыке, энгармонический клавицин – послужили ядром созданного в начале XX века (11 марта 1912 года) Музея имени Н.Г. Рубинштейна. Одоевский был дружен со священником Димитрием Васильевичем Разумовским – исследователем древнерусской церковной музыки, который по его рекомендации возглавил новую кафедру истории и теории церковного пения в открытой в 1866 году Московской консерватории. Протоиерей Димитрий Разумовскийбыл духовником князя, именно он исповедал и причастил Одоевского перед смертью.

На церемонии открытия Московской консерватории В.Ф. Одоевский произнес речь «Об изучении русской музыки не только как искусства, но и как науки». Он говорил о будущем русской музыки, которая должна соединить творчество и научное знание, призывал к этому профессоров и студентов. Князь ратовал за сохранение исконно русской самобытности, за изучение и исполнение народных мелодий и церковных напевов. Вместе с тем, считал важным соединять национальное с фундаментальными основами общеевропейской музыки.

Начиная с 1850-х годов, Одоевский был увлечен историей и теорией «исконной великоросской музыки». От народной музыки он перешел к исследованию древних церковных ладов и понял, что и здесь традиция не укладывается в рамки, задаваемые равномерной темперацией. Он стал изучать возможности энгармонических музыкальных инструментов, опубликовав много работ и статей на эту тему. Наиболее значимы: «К вопросу о древнерусском песнопении», «Русская и так называемая общая музыка», «Об исконной великорусской песне», «Музыкальная грамота или основания музыки для немузыкантов», «Музыка с точки зрения акустики».

Долгое время князя Одоевского считали поборником официозной «народности». Между тем, он называл народность наследственной болезнью, «которою умирает народ, если не подновит своей крови духовным и физическим сближением с другими народами». Он полностью разделял идеи Шеллинга и всю жизнь был занят приобщением русской культуры к европейской. В своем романе «Русские ночи» он называл философа «Колумбом XIX века», который открыл человеку неизвестную часть его мира – его душу.

Одоевский считал, что в человеке слиты три стихии: верующая, познающая и эстетическая. Отстаивая свои общественные и философские взгляды, Одоевский полемизировал как с западниками, так и со славянофилами. В письме лидеру славянофилов А.С. Хомякову в 1845 году он писал: «Странная моя судьба, для вас я западный прогрессист, для Петербурга – отъявленный старовер-мистик; это меня радует, ибо служит признаком, что я именно на том узком пути, который один ведет к истине».

Литературный талант Одоевского восхищал многих. Известно, что Пушкин лично пригласил Одоевского к сотрудничеству в затеянном им «Современнике», издание которого продолжалось некоторое время и после смерти поэта только благодаря усилиям Одоевского, а позднее – Белинского. В статьях периодического сборника «Сельское чтение», издаваемого Одоевским, он (под маской дяди, а позднее «дедушки» Иринея) говорил о сложнейших вопросах простым народным языком, которым так восхищался В.И. Даль. В доме князя Одоевского был литературный салон, где собирались выдающиеся писатели, музыканты, издатели, ученые, путешественники. Там регулярно бывали Пушкин, Крылов, Грибоедов, Гоголь, Лермонтов, Кольцов, Тургенев, Достоевский, Островский, Гончаров, Глинка, Даргомыжский, Балакирев, Рубинштейн…

Музыка занимала в жизни Одоевского огромное место. Одоевским-писателем написано несколько романтических повестей с «музыкальными» сюжетами: «Последний квартет Бетховена», Opere del Cavaliere Giambattista Piranesi, «Себастиян Бах». Знаменита его «российская гофманиана» – повести «Сегелиель», «Косморама», «Сильфида», «Саламандра». Любовь к музыке возникла у него в раннем детстве. «Я могу припомнить своих первых учителей грамоты; но кто обучил меня нотам – положительно не знаю. С тех пор как я себя помню, я уже читал ноты», – рассказывал он А. Фету. В период обучения в Университетском благородном пансионе юный князь серьезно и с большим увлечением занимался музыкой, проявил себя как талантливый композитор и пианист.

Сохранились газетные сообщения о выступлениях Одоевского в качестве пианиста. Из «Воспоминаний» Е.В. Львовой мы знаем о незаурядных пианистических способностях Одоевского: «Мы… видели во Владимире какое-то чудо артиста, потому что он тогда уже играл с удивительной быстротой и беглостью на фортепиано самую трудную музыку, между прочим, Баховы фуги, сам сочинял и посвятил своего сочинения вальс сестре моей». В.Ф. Ленц – пианист, автор книги о Бетховене, свидетельствует, что Одоевский «был ученый музыкант… Бахова музыка была ему как своя. На Фильдов лад играл он превосходно, прямо читая ноты». Ю.К. Арнольд говорил, что «Глинка, князь Одоевский и Даргомыжский были хорошими пианистами». Сам Одоевский признавался в письме к Глинке: «Никакая партитура меня не пугает и всякая удобно ложится под пальцы». Антон Рубинштейн считал, что у Одоевского были выдающиеся, замечательные теоретические познания: «…он сочиняет органные фантазии, фуги, каноны и т.д., которые отвечают самым строгим требованиям искусства».

Успехи Одоевского-композитора не получили общественного признания, в отличие от его писательской и исполнительской деятельности. Между тем, он – автор многочисленных сочинений, из которых наиболее известны: «Сентиментальный вальс», канон, колыбельная, Andante grazioso памяти Й. Гайдна и «Молитва без слов» для органа, Сарабанда для органа в 4 руки. «Перо пишет плохо, если в чернильницу не добавить хотя бы несколько капель собственной крови» – эти слова, сказанные Одоевским о процессе литературного творчества, думаю, можно и должно отнести и к музыке – как к процессу создания научных текстов, так и к композиторскому творчеству.

Одоевский также сочинял экспериментальные пьесы для своего «энгармонического клавицина». Этот инструмент был заказан им по собственным чертежам у мастера Кампе, проживавшего в Москве и содержавшего в Газетном переулке фортепианную фабрику. Сохранилась расписка от 11 февраля 1864 года о выплате 300 рублей серебром за изготовление этого инструмента. Хотя Одоевский называл его «клавицином», это было молоточковое фортепиано, у которого каждая черная клавиша делилась надвое. Кроме того, у клавицина было по одной черной клавише там, где их на фортепиано нет – между «си» и «до» и между «ми» и «фа». Вместо обычных 12 полутонов в одной октаве на инструменте Одоевского было 17 «микротонов». Этот инструмент хранится сейчас в Российском национальном музее музыки в Москве.

Московская консерватория в год юбилея В.Ф. Одоевского посвящает его памяти конференции, заседания и творческие вечера. Совсем недавно, 3–4 апреля 2019 года, совместно с Общецерковной аспирантурой и докторантурой имени святых равноапостольных Кирилла и Мефодия мы организовали Международную научно-практическую конференцию «Владимир Федорович Одоевский и развитие церковно-певческой практики в России». Стало доброй традицией проводить научную конференцию в рамках Международного Великопостного хорового фестиваля.

Организаторы конференции – кафедра истории русской музыки и Научно-творческий центр церковной музыки при кафедре хорового дирижирования МГК – пригласили к участию ведущих музыковедов, историков, филологов, священнослужителей из разных городов России и из-за рубежа. Идею проведения конференции наиболее полно отражают слова В.Ф. Одоевского: «В нашем Отечестве искусство церковное непрестанно входит в интересы текущей жизни… это не прошедшее, а великое дело настоящего и будущего России».

Портрет нашего выдающегося соотечественника был бы неполным без его мудрого высказывания: «Мысль, которую я посеял сегодня, взойдет завтра, через год, через тысячу лет: я привел в колебание одну струну, оно не исчезает, но отзовется в других струнах».

Доцент Н.В. Гурьева

Музыкальный диалог двух столиц

Авторы :

№4 (1360), апрель 2019

2 апреля в Рахманиновском зале состоялся концерт, объединивший московскую и петербургскую композиторские школы. Маститые педагоги консерваторий – профессор В.Г. Агафонников (МГК им. П.И. Чайковского) и профессор  А.Ю. Радвилович (СПГК им.  Н.А. Римского-Корсакова) – представляли старшее поколение. От лица молодых выступила преподаватель Московской консерватории Т.Ю. Шатковская. От учащихся – студентка V курса Мария Аникеева.

Концерт открылся сочинением Т. Шатковской «Carolina Rediviva» («Восставшая из пепла») для струнного оркестра и фортепиано. Пьесу отличало гармоничное сочетание рационального и эмоционального, неспешное развертывание, напряженное вслушивание в каждый звук, концентрированность на одной идее-теме (удар-отзвук, заявленной у рояля в самом начале). Эта тема подхватывалась струнными, и, пройдя ряд стадий, рождала флажолетный «оазис прекрасного». Интересна трактовка рояля: использование призвуков сближало его со струнными инструментами.

Далее прозвучало «Музыкальное приношение» (памяти Н.Я. Мясковского) профессора В.Г. Агафонникова. Сочинение демонстрировало богатый композиторский опыт автора. Четкая структура, великолепная оркестровка, мастерская проработка тематического материала – все это обретало звуковой мир, отсылающий к традициям русского симфонизма. Эпическое начало в первой части и финале создало арочную композицию, скрепляя воедино форму целого. Лирико-драматическая кантилена второй части и скерцозность третьей – словно отклик композитора, взволнованный диалог-приношение великому музыканту.

Третьим номером было исполнено произведение «Арктическое солнце» для камерного оркестра М. Аникеевой, в этом году заканчивающей Московскую консерваторию в классе профессора А.А. Коблякова. Тонкая вязь линий, поиск «современной красоты» в сочетании со строгой архитектоникой формы, постепенное заполнение пространства, кульминация и спад-завершение – все это слышалось в сочинении студентки. Струнные инструменты воспринимались свежо и оригинально за счет смещения акцента с чувственного, которое обычно главенствует в трактовке данных тембров, на несколько отстраненное, аскетичное, «холодное». Возможно, арктическое солнце «звучит» именно так.

Завершил программу Концерт для скрипки и камерного оркестра представителя петербургской композиторской школы проф. А.Ю. Радвиловича. Запомнились чередование разреженных и сгущенных звуковых пластов, перетекания мотивов из голоса в голос, проникновенное соло скрипки, диалоги солиста со струнными и ударными и, наконец, тонкое и оригинальное окончание. Все сочинение, отличающееся глубиной философского высказывания, сдержанностью и вместе с тем искренностью (когда крик рождается через немые уста), пронеслось словно на одном дыхании.

Произведения великолепно исполнили большой знаток современной музыки пианистка Мона Хаба, замечательный скрипач, профессор А.Б. Тростянский иКамерный оркестр Московской консерватории под управлением Феликса Коробова, которому и принадлежала идея организации концерта. Маэстро отметил важную роль творческих контактов между людьми: «Чем больше мы общаемся, тем больше питаем друг друга и таким образом совершенствуемся». Музыкальных диалог двух столиц – это еще и концерт-знакомство. «Если в Петербурге московских композиторов более-менее знают, то в Москве питерская музыка звучит достаточно редко», – полагает Ф.  Коробов.

В.Г. Агафонников и А.Ю. Радвилович также оценили важное значение концерта в контексте сотрудничества двух консерваторий. Композиторы отметили блестящую работу дирижера и музыкантов оркестра, особо подчеркнув дружелюбную и творческую атмосферу, царившую во время репетиций. На вопрос о дальнейшем сотрудничестве двух консерваторий маэстро Коробов ответил: «Мной сделан первый шаг. Многое будет зависеть от самих композиторов и исполнителей. Я очень рад, что этот концерт состоялся. В программе были композиторы с ярко выраженным индивидуальным началом, с совершенно разной манерой письма. Со студенческих времен я достаточно тесно связан с кафедрами композиции Петербургской и Московской консерваторий. Надеюсь, что идея концерта была интересна, и диалог двух композиторских школ продолжится».

Евгения Бриль, преподаватель КФ

Место живого общения

Авторы :

№4 (1360), апрель 2019

В последние мартовские дни в Москве состоялся XVI Московский международный фестиваль-конкурс детского и юношеского творчества «Открытая планета – Открытая Европа». Вот уже 16 лет его организует Международная ассоциация содействия культуре и Центр развития фестивального движения «Открытая планета искусств» (генеральный директор – почетный творческий деятель Г.Н. Фроловская). В этом году фестиваль проходил при поддержке Комитета общественных связей города Москвы, став победителем конкурса Грантов мэра Москвы.

За все годы существования фестиваль-конкурс преодолел непростой, но впечатляющий путь от 500 до более чем 1500 участников. Конечно, это произошло во многом благодаря таланту и неутомимому энтузиазму создателя и вдохновителя фестиваля – президента Международной ассоциации содействия культуре И.А. Черкасова, которого сегодня мы вспоминаем с чувством глубокого уважения и признательности. Его вдова, Т.П. Черкасова, директор фестиваля, достойно продолжает и развивает это дело.

Как обычно, фестиваль прошел ярко и празднично, на высоком художественном и творческом уровне. В этом году в мероприятии приняли участие солисты, ансамбли и коллективы из 15 стран мира. Музыкальные конкурсы проходили в ДМШ им. А.С. Даргомыжского, а также в ДШИ им. Е.Ф. Светланова, 90-летний юбилей которого с большим размахом отметили в ноябре прошлого года в Московской консерватории.

Среди членов жюри были известные артисты, педагоги, продюсеры из России, Австрии, Германии, Испании, Италии и других стран. Бессменный член жюри – профессор МГК М.А. Готсдинер, воспитавший немало замечательных скрипачей.

Гран-при в номинации «Инструментальная музыка» получило трио Chile – студент 2 курса МГК Хуан Пабло Сануэса Торо (класс проф. С.Г. Гиршенко), учащийся ЦМШ Рауль Игнасио Сануэса Торо и Виктория Арельяно-Степанова. Лауреатом I премии в номинации «Академический вокал» стал студент 3 курса из Китая Ян Пу (класс проф. Ю.В. Григорьева), покоривший всех своей «Метелицей». Лауреатами оказались и малыши, еще с трудом поднимающиеся на большую сцену, и уже опытные профессионалы из Беларуси, Латвии, Македонии, России, Чехии и др.

В фойе концертного зала «Космос», принявшего фестиваль, можно было увидеть выставку работ юных художников. На Гала-концерте зал стоя приветствовал делегацию Московского комитета ветеранов ВОВ, рукоплескал зажигательному рок-н-роллу Петра и Алины из номинации «Равные возможности». Танцевальные ансамбли «Акварель», «Артар», «Радость» и другие продемонстрировали высочайший уровень хореографического мастерства, а оркестр русских народных инструментов из ансамбля им. C.О. Дунаевского под руководством А.А. Губарева напомнил слушателям о богатых традициях русского народного исполнительства.

Организаторам мероприятия удалось создать незабываемую атмосферу радости и доброжелательности, международного сотрудничества и единения. Участники фестиваля увезли с собой замечательные впечатления, которыми наверняка поделятся со своими друзьями и наставниками. Из года в год фестиваль объединяет давних друзей, для которых он становится местом важных встреч и живого человеческого общения, необходимого в наше непростое время.

Доцент И.А. Ушакова

Музыкальный вечер в Yamaha-центре

Авторы :

№4 (1360), апрель 2019

Уютный зал Артистического центра Yamaha – одно из немногих концертных пространств, в котором практически ежедневно можно услышать молодых музыкантов, как уже завоевавших международное признание, так и тех, чья исполнительская карьера только начинается. 19 марта здесь состоялся замечательный сольный концерт известной пианистки из Узбекистана Тамилы Салимджановой.

Обаятельная пианистка, обладающая удивительным артистизмом, утонченностью и эмоциональностью, не в первый раз привлекает внимание искушенной столичной публики. За плечами Тамилы многочисленные победы в престижных международных конкурсах в Бразилии, Париже, Бирмингеме, Москве, выступления в знаменитых концертных залах с известными оркестрами. В возрасте 9 лет она дебютировала в Ташкенте с Национальным симфоническим оркестром Узбекистана под управлением ее деда, известного дирижера К. Усманова. Начав обучение в Ташкентской специальной музыкальной школе им. В.А. Успенского в классе педагога Т.А. Попович, она  продолжила свое обучение в Москве, в ЦМШ, а затем и в МГК в классе профессора И.Н. Плотниковой. Тамила также окончила бакалавриат и магистратуру Королевского колледжа музыки в Лондоне в классе Ванессы Латарш.

Серьезное профессиональное образование и огромный опыт концертных выступлений позволил талантливой пианистке сформировать собственный исполнительский стиль. Игра Тамилы отличается одухотворенностью, глубоким проникновением в художественный образ, филигранной техникой и безупречным музыкальным вкусом. Особенно хорошо она исполняет произведения композиторов-романтиков, музыка которых особенно близка ее артистической натуре.

Концерт в центре Yamaha открывали две сонаты Д. Скарлатти, которые были сыграны изящно и утонченно. В ее интерпретации виртуозная музыка эпохи рококо приобрела огромное количество тембровых и динамических нюансов. Поэтичность, гибкая фразировка, «живой» ритм, тембровое разнообразие позволили пианистке в полной мере воссоздать стиль Д. Скарлатти, не случайно названного самым «романтическим» композитором XVIII века.

Контрастным «переключением» стала известная концертная пьеса венгерского композитора Д. Лигети – Этюд «Арк-эн-Сиэль». Сложный музыкальный язык авангардного автора в прочтении пианистки оказался наполнен яркими красками, заостренными ритмическими и тембровыми контрастами.

Следующая часть программы была полностью отдана романтической музыке, позволившей Тамиле продемонстрировать все великолепие своего исполнительского мастерства. Прозвучали хорошо известные публике сочинения: Первая баллада Шопена, Экспромты Шуберта соч. 90, Мефисто-вальс Листа и, «на бис», – Этюд-картина Рахманинова es-moll. Все произведения, представленные пианисткой с невероятным блеском и яркостью, воспринимались очень свежо. Романтическая экспрессия ни разу не нарушила общую логику и драматургическую стройность пьес. Уважение к авторскому замыслу, глубокое понимание стилевых и содержательных особенностей этой музыки свидетельствовали о высокой культуре, интеллектуализме и художественном вкусе пианистки.

Именно эти качества Тамилы Салимджановой создают особую атмосферу в зале. Вот и на этот раз завораживающий артистизм и мощная энергетика Тамилы заставили восторженных и благодарных слушателей буквально забыть о времени довольно продолжительного концерта, который прошел словно на одном дыхании. Хочется пожелать незаурядной и талантливой пианистке дальнейших творческих успехов, блестящих выступлений. Надеемся, что взыскательная московская публика еще не раз сможет побывать на ее концертах.

Доцент О.А. Левко

Музыкант и его отечество

Авторы :

№4 (1360), апрель 2019

В течение двух дней (22–23 марта 2019 года) в Московской консерватории проходила международная научная конференция «Музыкант и его отечество: от античности до наших дней». Организованная Кафедрой истории зарубежной музыки совместно с Научно-исследовательским центром методологии исторического музыкознания, она была посвящена сразу нескольким юбилярам – профессору Л.В. Кириллиной, доценту Е.И. Гординой, а также профессору Е.Д. Резникову (Франция), который уже на протяжении 30 лет ведет в Московской консерватории мастер-классы по практическому изучению древних певческих традиций.

По замыслу организаторов, поначалу предполагалось, что конференция ограничится достаточно камерными научными чтениями на тему «Музыканты и монархи». Но со временем замысел претерпел немалые изменения. Это пошло на пользу проведенному творческому мероприятию, сделав его тематику гораздо более разнообразной и, несомненно, расширив круг участников.

Традиционно большинство докладчиков представляли Московскую консерваторию и другие организации, базирующиеся в столице (Государственный институт искусствознания, Российский национальный музей музыки и др.). Однако среди участников конференции оказались также исследователи из Алма-Аты, Екатеринбурга и Казани, выступившие с весьма интересными и содержательными докладами. Причем, что не может не радовать, заметную активность, наряду с признанными учеными проявили талантливые представители молодого поколения музыковедов – аспиранты и даже студенты.

На открытии конференции с приветственным словом выступил проректор по научной работе профессор К.В. Зенкин. Особо отметив важность проведения подобных творческих мероприятий для развития музыкознания, он пожелал удачи его участникам. И, надо признать, они сделали все возможное, чтобы конференция прошла на высоком научном уровне. При этом она не ограничивалась привычной чередой сменяющих друг друга выступлений, включая в себя весьма живое, подчас дискуссионное обсуждение услышанного.

Прежде всего, наверное, стоит отметить разнообразие тематики докладов и ее широкий «временной диапазон». Достаточно только сопоставить, с одной стороны, образ средневекового арабского музыканта, служившего в мавританской Испании (выступление доктора искусствоведения, доцента Казанской консерватории Т.С. Сергеевой с докладом на тему: «Значение образа Зирьяба в культуре Андалусии и за ее пределами»), а с другой – фигуру одного из основоположников электронной музыки XX столетия (доклад доктора искусствоведения, профессора МГК В.Н. Юнусовой: «Бюлент Арель: с Востока на Запад. Судьба художника»).

Практически все выступления участников конференции основывались на серьезной источниковедческой базе. Результатом тщательных исследований стал доклад кандидата искусствоведения М.А. Моисеевой (МГК) «У истоков ибероамериканской профессиональной музыки». Не меньшая работа была проведена и кандидатом искусствоведения Н.С. Игнатьевой (МГК) – в ее сообщении на весьма интригующую тему «Диссонанс перед лицом Святой Инквизиции: конспирологические аспекты спора о “второй практике”» воссоздавались обстоятельства музыкально-теоретической дискуссии начала XVII столетия между Артузи и Монтеверди, которая при определенных условиях могла спровоцировать серьезный судебный процесс.

Более близкие к нашему времени события получили отражение в докладе кандидата искусствоведения С.А. Петуховой (ГИИ) «Бесстыдство таланта: система государственного заказа и феномен индивидуального результата». В нем на материале западноевропейской музыки XVIII–XIX веков и русской классики XIX столетия (включая П.И. Чайковского) анализировались взаимоотношения художника с меценатами, а также с властными структурами.

Многих участников конференции привлекли те или иные явления европейской музыкальной культуры Века Просвещения, будь то жанр Большого мотета в творчестве М.-Р. Делаланда (Н.А. Шеко, аспирант ГИИ) или же особенности развития оперного творчества Гретри в контексте истории Франции последней трети XVIII столетия (кандидат искусствоведения А.А. Сафонова, РНММ). Немалый интерес вызвала также проблематика, связанная с историей немецкой музыки: «Телеман – Брокес – Уффенбах: аспекты творческого взаимодействия» кандидата искусствоведения С.Н. Никифорова (Музыкальное объединение «Лад», Москва); «Кантата, прерванная инаугурацией (“Der Tod Jesu” Анны Амалии Прусской в трактате Й.Ф. Кирнбергера)» кандидата искусствоведения В.П. Кадочникова (Уральская консерватория, Екатеринбург), «Между музыкой и государственной службой. Штрихи к портрету Карла Кохаута(1726–1784)» студентки МГК В.В. Лосевичевой.

Разумеется, не была забыта и баховская тема. Так, доклад доктора искусствоведения Ю.С. Бочарова (МГК) был посвящен малоизвестным обстоятельствам творческой биографии ученика И.С. Баха Иоганна Готфрида Мютеля, который большую часть своей жизни провел в Риге, т. е. в пределах тогдашней Российской империи. Кандидат искусствоведения, доцент Р.А. Насонов (МГК) рассказал об истоках формирования баховского мифа в Германии в конце XVIII столетия. А в выступлении доктора искусствоведения, профессора М.А. Сапонова (МГК) речь шла о нереализованном А. Швейцером (из-за разразившейся в 1914 году Первой мировой войны) проекте издания трех томов органных хоралов Баха. В настоящее время М.А. Сапонов работает над переводами на русский язык сохранившихся предисловий к этим томам.

Несмотря на явный зарубежный «уклон», организаторы конференции не обошли вниманием и отечественную музыкальную культуру, включив в программу доклады о малоизвестном композиторе первой половины XX века Леониде Половинкине (С.А. Пасынкова, аспирантка МГК), а также о творчестве нашего современника – военного музыканта, генерал-лейтенанта В.М. Халилова, трагически погибшего в 2016 году (М.В. Стрелкова, преподаватель Московского военно-музыкального училища).

Еще одной примечательной особенностью конференции стал интерес к проблемам культурного развития постсоветского пространства. В частности, кандидат искусствоведения В.Е. Недлина (Казахская национальная консерватория имени Курмангазы, Алма-Ата) в своем докладе «Сохранение культурного наследия в постсоветском Казахстане в проектах власти, музыковедов и композиторов» обратила особое внимание на проведение руководством этой страны политики, направленной на международное признание музыки Казахстана во всем ее разнообразии.

В весьма неожиданном аспекте оказалась представлена и украинская тема. В выступлении кандидата искусствоведения М.В. Есиповой (МГК и ГИИ) «Возрождение образа казака Мамая-бандуриста в контексте современной культурной политики Украины» на основе иконографического и инструментоведческого анализа было наглядно продемонстрировано, что образ легендарно-исторического героя Украины, изображения которого известны с XVIII века, скорее всего, имеет отнюдь не славянское, а явно восточное (точнее, кызылбашское) происхождение.

Словом, как и ожидалось, сама тема конференции оказалась способна «спровоцировать» ее участников на весьма яркие и при этом очень разные по своему характеру выступления. К тому же традиционными докладами дело не ограничилось. В программу была включена также небольшая видеолекция Л.И. Флейдермана (Московское музыкальное общество) «Триумф и трагедия Йозефа Шмидта», в которой рассказывалось о судьбе одного из величайших европейских певцов первой половины XX столетия, ставшего жертвой нацистского режима в Германии.

А в завершении утреннего заседания 23 марта все участники конференции особенно тепло приветствовали выступление одного из юбиляров – Егора Даниловича Резникова, почетного профессора университета Париж X – Нантер. Он рассказал о своем пути изучения музыкальных систем и певческих традиций древности, в том числе раннехристианского пения.

В целом, конференция стала ярким подтверждением эффективности научно-организационной работы, осуществляемой в последние годы в Московской консерватории. Хочется надеяться, что подобная деятельность принесет еще немало творческих успехов.

Доктор искусствоведения Ю.С. Бочаров
Фото Дениса Рылова


С днем рождения, Маэстро!

Авторы :

№4 (1360), апрель 2019

В этом году, 13 февраля, выдающемуся музыканту, профессору РАМ им. Гнесиных Ивану Пантелеевичу Мозговенко исполнилось 95 лет. Свой юбилей он пожелал встретить среди учеников и коллег, с которыми его объединяет дело всей жизни – кларнет. Иван Пантелеевич решил отпраздновать день рождения конкурсом для молодых кларнетистов, пусть даже на свои собственные средства, для того, чтобы находить и продвигать молодые таланты – будущее нашей отечественной школы.

К счастью, в своем желании он оказался не одинок, его поддержала вся его большая, музыкальная семья. Дочь – прекрасный педагог Марина Ивановна Мозговенко, – взялась за организацию конкурса, собрав вокруг себя Оргкомитет единомышленников. В прошлом году они провели Всероссийский детский конкурс, а в этом взяли новую планку – Первый международный, в котором были уже и детская, и взрослая категории. Девизом конкурса стало поздравление: «С днем рождения, Маэстро!».

Конкурс действительно получился международным. Среди участников – кларнетисты из Германии, Австралии, Англии, Венгрии, а в жюри наряду с отечественными педагогами –профессионалы из Франции, Германии, Китая, Латвии, Венгрии и Австралии. Среди спонсоров – французские кларнетовые фирмы Buffet-Crampon и Vandoren, а одним из главных спонсоров стал мой выпускник в Московской консерватории, основатель фирмы по производству и ремонту духовых инструментов Владислав Гончаров. Сама Московская консерватория предоставила Большой зал для заключительного концерта и вручения премий конкурса.

На отбор, который проходил по видеозаписям, подали более 300 заявок, что говорит о масштабе и востребованности подобного события для нашей кларнетовой школы. Мне, как члену жюри, было отрадно отметить высокий уровень конкурсантов в младших группах именно среди российских участников. Это наше будущее, уже через 10–15 лет они начнут входить в профессиональную жизнь. Для кого-то из ребят этот конкурс стал первым в жизни, для кого-то очередным этапом, а для кого-то трамплином. Но для всех конкурс Мозговенко стал событием, которое они запомнят на всю жизнь.

Сам Иван Пантелеевич был счастлив, что этот праздник кларнета состоялся, что музыканты, с которыми он не был лично знаком, готовы были приехать с другого конца света только ради самой идеи конкурса и чтобы поздравить его лично. За свою долгую и плодотворную жизнь ему удалось сплотить вокруг себя огромное количество людей и стать объединяющей фигурой русской кларнетовой школы. Это самый большой подарок, который он нам преподнес в свой день рождения. Пожелаем ему многая лета, а его кларнетовому конкурсу стать традиционным!

Доцент К.В. Рыбаков

«Фильм замечательный, во многом благодаря музыке…»

Авторы :

№3 (1359), март 2019

На киноэкраны мира вышла драма Константина Хабенского «Собибор». Кинолента, снятая по мотивам книги Ильи Васильева «Александр Печерский: прорыв в бессмертие» и посвященная восстанию в нацистском лагере в Польше, стала режиссерским дебютом известного артиста. Фильм режиссера Хабенского, в котором он также сыграл главную роль, высоко оценили не только зрители. Картина была выдвинута от России на премию «Оскар» – 2019 в номинации «Лучший фильм на иностранном языке».

В создании музыкального сопровождения к фильму участвовал настоящий консерваторский «десант»: автор музыки доцент К.А. Бодров, Камерный хор Московской консерватории под руководством профессора А.В. Соловьёва, партию солирующей скрипки записал преподаватель Г.Г. Казазян, партию виолончели – ассистент-стажер В. Степанов.

«Фильм замечательный, во многом благодаря музыке» – так прокомментировал свои впечатления после просмотра в Нью-Йорке в зале Организации объединенных наций Д.А. Полянский, первый заместитель официального представителя РФ при ООН. Сказанное прозвучало в разговоре с А.В. Соловьёвым, для которого участие в работе над музыкой к фильму «Собибор» стало важной вехой творческих контактов с композитором Кузьмой Бодровым. «Для нас осмысление темы войны через существующие в самых различных жанрах произведения искусства является заглавным в рамках Международного открытого фестиваля искусств «Дню Победы посвящается…», – подчеркнул дирижер. Понимая важность события как и невозможность оставить его без внимания, редакция «РМ» обратилась к композитору К. Бодрову с просьбой поделиться впечатлениями о работе над музыкой к фильму Константина Хабенского «Собибор»:

– Кузьма Александрович, Ваше творчество охватывает широкую жанровую палитру. Как Вы относитесь к созданию киномузыки и, в частности, к работе над фильмом «Собибор»?

– Я считаю работу над музыкой к «Собибору» своей первой, но очень серьезной работой в кино. Это волнительный опыт. До этого я уже достаточно давно работал с короткометражными фильмами, но их сейчас в расчет не беру. С одной стороны, говорят, что в кино выгодно работать, но это действительно огромный труд. Порой работа велась ночами, а утром меня ждали консерваторские студенты или репетиции в театре. Поэтому нужно было работать с огромной отдачей. Но это безумно интересно, потому что открываешь для себя новые грани творчества.

– Как начиналась Ваша совместная творческая работа с Константином Хабенским?

– Мы уже не первый раз работаем с Константином. До «Собибора» у нас был совместный проект на базе театра «Современник» – спектакль «Не покидай свою планету» по «Маленькому принцу» Экзюпери, который с большим успехом идет уже 4 года. В его создании участвовали две мощные в творческом плане личности – Константин Хабенский и Юрий Башмет с коллективом «Солисты Москвы». Константин исполняет все роли в спектакле, а Юрий Абрамович дирижирует и играет. Режиссером-постановщиком стал Виктор Крамер. Получилась очень удачная совместная работа, от которой остались прекрасные воспоминания.

– А как вышли на «Собибор»?

– Прошлым летом, когда я работал в Испании, я получил сообщение от Константина с предложением написать музыку к его режиссерскому дебюту. Уверен, что этому способствовал и Юрий Абрамович, который уже неоднократно делал мне заказы на сочинения. Я написал два пробных номера, которые отслушала вся команда и сказала «да, работаем». Иногда ведь бывает и так – напишешь хорошую музыку, а она не прикладывается к «картинке»… Приведу забавную часть нашего диалога с режиссером, который спросил: «У тебя уже был опыт в кино?» Я ответил: «Был, но не очень удачный, поэтому опыта у меня нет». «Прекрасно, такие люди нам и нужны!» – решил Константин. И наша кропотливая работа закипела.

– Как она происходила?

– Я получал готовые, но не смонтированные изображения, и уже тогда был шокирован силой их воздействия. Естественно, сначала день-два отходил, так как не сразу понимал, как на это откликнуться. Я писал номер за номером, мы встречались всей командой, обсуждали, аккумулировали идеи и мнения. Можно сказать, что я явился своеобразным проводником между режиссером и музыкой. Он, как большой художник, очень точно формулировал то, что хотел услышать, и контролировал буквально каждую ноту – мы все делали совместно. Особенно часто мы собирались на финальном этапе монтажа, порой засиживаясь до 5-6 утра. Иногда нам приходилось переделывать десятки раз один и тот же номер, пока не достигали того звучания, которое было необходимо.

– Были особые сложности, с которыми Вам пришлось соприкоснуться в процессе этой работы?

– Я столкнулся с интересной вещью: на изображения, которые вызывают сильнейшие эмоции – кровавые сцены, которые без боли смотреть невозможно, – у меня, естественно, сильно откликалось сердце, я эмоционально выкладывался. И вот тут ожидал подвох: музыка начинала комментировать действие, а этого делать ни в коем случае нельзя. Возникал диссонанс. Поэтому иногда мы были вынуждены намеренно «засушивать музыку», чтобы она оттеняла действие и делала «картинку» еще острее. Было очень сложно по-композиторски себя сдерживать.

Еще очень сковывало время, просчитанное до секунд. Хочешь-не хочешь, а надо закончить музыкальную фразу, проакцентировать какое-то событие, а где-то, наоборот, убирать звучность. Иногда в кино даже протяжный бас – важная музыка, и я старался даже внутри этого баса использовать интересные динамические приемы. И, конечно же, я должен сказать спасибо большому профессионалу и моему другу – композитору Дмитрию Селипанову, который выступил автором всех электронных аранжировок (так называемых демоверсий). Некоторые эффекты он мне подсказал из своей практики. В следующей моей киноработе – фильме Павла Лунгина «Братство» – мы уже выступили соавторами.

– Можете назвать какие-то особо значимые для Вас эпизоды в музыке к «Собибору»?

– Есть важнейший для меня номер. Между собой мы его называем «дикая ночь» (когда нацистских офицеров возят на тележках). Это большой симфонический фрагмент, где в финале блистательно вступает наш Камерный хор и солисты. Работать с ними и с профессором А.В. Соловьёвым было большим удовольствием. Благодаря выписанной партии виолончели (В. Степанов) и соло скрипки (Г. Казазян) получился своеобразный Маленький концерт для скрипки с оркестром. Оркестровую партию записал камерный оркестр РГСО кинематографии во главе с Сергеем Скрипкой.

– Можно ли будет услышать музыку к фильму «Собибор» на концертной эстраде или в записи?

– Да. Когда мы убедились, что моя музыка может жить вне фильма, то по решению Хабенского был издан диск, где в перерывах между основными музыкальными номерами Константин читает письма – воспоминания узников лагеря.

Беседовала Марта Глазкова,
студентка ДФ


Единственная и неповторимая

Авторы :

№3 (1359), март 2019

Многие знают о том, как трудно найти своего учителя. Трудно вдвойне, чтобы его профессиональные качества органично сочетались с личной добротой и отзывчивостью, порядочностью и принципиальностью. Ведь хороший человек – это тоже профессия! Особенно в таком деле как музыкальная педагогика, где нужно любить не только искусство, но и тех, кто им занимается. Всеми этими качествами обладает педагог Межфакультетской кафедры фортепиано, заслуженная артистка России, профессор Наталья Донатовна Юрыгина.

Наталья Донатовна – человек уникальный. За 60 лет концертной и преподавательской деятельности через ее руки прошло бесчисленное количество студентов. И каждого она сумела поднять на новый уровень, подковать технически, раскрыть индивидуальный творческий и артистический потенциал. После курса фортепиано, пройденного у Натальи Донатовны, студент приобретает своего рода знак качества высшей пробы. Уроки Н. Юрыгиной подобны редкостным жемчужинам и запоминаются на всю жизнь: в них и профессиональная работа над сочинением, и беседы о музыке, о литературе, об искусстве вообще, и ценные жизненные советы… Глубокая мудрость ее сочетается с задорным жизнелюбием и прекрасным чувством юмора. Но главное, конечно, – это любовь к ученикам и огромная радость от их успехов. Наталья Донатовна искренне любит нас всех как своих детей – и мы ощущаем себя членами одной большой семьи. Семьи, где царит Она – единственная и неповторимая – Королева.

Юбилейный вечер, состоявшийся прямо в день рождения Натальи Донатовны 24 февраля, вылился в грандиозное чествование выдающегося музыканта, артистки, педагога, чудесного и душевного человека. Ректор консерватории А.С. Соколов (поздравление зачитала проф. И.В. Коженова), сын Илья Гноенский, дочь Анна Гноенская, специально прилетевшая из Америки, педагоги кафедры во главе с заведующей проф. Е.С. Карпинской, бывшие и сегодняшние студенты – все по очереди признавались Наталье Донатовне в любви.

Среди ее учеников – теоретики и композиторы, дирижеры и инструменталисты. Многие из них стали известными музыкантами, некоторые освоили орган и даже… терменвокс. В концерте принял участие прекрасный виолончелист и пианист Э. Мартиросян, исполнивший два произведения А. Бабаджаняна; теле- и радиоведущий А. Сканави, сыгравший прелюдии Рахманинова и Гершвина, «Ворота Альгамбры» Дебюсси. С фортепианными произведениями классиков выступили также М. Макарова (Баллада соль минор ор. 118 Брамса), М. Иглицкий (Прелюдия соль-диез минор Рахманинова) и В. Чуб («Ель» Сибелиуса). Знаменитая Аve Maria Баха – Гуно прозвучала в интерпретации О. Ростовской для терменвокса под аккомпанемент В. Лосевичевой (фортепиано). Органистка и музыковед, доцент консерватории А.Е. Максимова исполнила Прелюдию ре минор, а С. Иглицкая сыграла первую часть Трио-сонаты Баха.

Яркое впечатление оставили сочинения учеников-композиторов. Т. Бородина (партия фортепиано) вынесла на суд публики свою Фантазию на темы русских народных песен, которые прозвучали в исполнении Д. Антоновой (сопрано). Т. Исмагилов сыграл свободную обработку башкирской народной песни «Азамат» и Вариации на народную тему. Слушателям запомнились фортепианный дуэт Т. Андриановой и А. Петровой (Ноктюрн К. Майера) и остроумное выступление органисток М. Черепановой и А. Спириной, которые сумели вплести в музыкальную ткань Сонаты фа мажор И.К. Баха мелодию Happy Birthday.

Зал имени Н.Я. Мясковского был полон. Одна из организаторов концерта – музыковед, преподаватель Я.А. Кабалевская два года назад порекомендовала любимому педагогу абитуриентку В. Лосевичеву, которая вдохновенно провела концерт, сумев не только объединить всех участников, но и создать радостную атмосферу совместного музицирования. Вечер прошел с огромным успехом благодаря деятельной поддержке концертного отдела и лично Т.Г. Пан, а также администратора зала Г.Т Гариповой.

Восторг слушателей стал еще одним подтверждением тому, что попасть в класс к Наталье Донатовне – большая удача. После концерта состоялась фотосессия с участием главной героини вечера. Общение продолжилось и дальше, уже за пределами концертного зала. Все хотели прикоснуться к своему кумиру, высказать Наталье Донатовне слова безмерного уважения и благодарности: Дорогая Наталья Донатовна, мы счастливы, что Вы есть на этом свете! Желаем Вам крепкого здоровья и долголетия во славу нашего великого музыкального искусства!

Любящие Вас ученики

Душевная встреча

Авторы :

№3 (1359), март 2019

3 марта в Концертном зале им. Н.Я. Мясковского состоялся авторский концерт Анатолия Санько. Вечер был приурочен к его юбилею. В консерваторских кругах Анатолий Константинович больше известен как преподаватель музыкально-теоретических дисциплин – сольфеджио, гармонии, анализа. Также мы знаем его как музыковеда, защитившего кандидатскую диссертацию, ставшую первой и единственной монографией о творчестве его учителя – композитора, профессора Е.К. Голубева. А.К. Санько, автор исследования «Становление композиторских школ в Московской и Санкт-Петербургской консерваториях», уже много лет работает на кафедре теории музыки МГК.

В программе концерта были представлены произведения камерных жанров. Слушатели cмогли познакомиться с вокальным творчеством композитора: прозвучали глубоко патриотичные «Ода Родине», «Тишина над тихим Доном», «Над высоким золотом полей» на слова В. Фирсова. Камерная музыка А.К. Санько, которую услышала публика, очень разнообразна: это и фортепианная соната (ее исполнил Олег Худяков), и соната для фортепиано и виолончели, где чудеса виртуозности продемонстрировал Григорий Кротенко, и миниатюры «Пейзаж» и «Скерцо» для флейты, фагота и арфы (Владислав Яшев, Владимир Елистратов и Олеся Худолей). А пьеса «Три портрета: Скрябин, Шопен, Дебюсси» стала своего рода музыкальной данью автора великим композиторам.

Проникновенно были спеты замечательным Камерным хором Храма Христа Спасителя под руководством регента Светланы Соколовской отрывки из кантаты «Душа на перепутье», написанные на стихи русских поэтов. И, наконец, открытием вечера стал блестящий «Романтический концерт» для фортепиано с оркестром в переложении для двух фортепиано, вдохновенно воплощенный Натальей Соколовской и Олегом Худяковым. Отдельная благодарность – замечательным солистам: Алёне Розкопе, Жаргале Цырендагбаевой, Фёдору Сидякову и солисту МАМТ им. К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко Сергею Николаеву.

Авторский концерт, несомненно, удался и получился очень творческим – Анатолий Константинович сам комментировал каждое произведение. Многочисленные слушатели остались под большим впечатлением от душевной музыкальной встречи в стенах Московской консерватории.

Доцент Л.Р. Джуманова
Фото Дениса Рылова


Весенняя сказка

Авторы :

№3 (1359), март 2019

«Репетиция весны» – именно таким необычным названием привлекла жителей столицы крупная выставка тюльпанов и других весенних растений в Ботаническом саду МГУ «Аптекарский огород». В этом году она прошла здесь уже в пятый раз.

23 февраля состоялось открытие этой ежегодной выставки, приуроченное к празднованию Дня защитника Отечества, а также к 313-летию старейшего ботанического сада России. В связи с этим первые 313 гостей «Аптекарского огорода» получили в подарок по тюльпану из рук главных мужчин сада, среди которых – директор Алексей Ретеюм и ландшафтный архитектор Артём Паршин.

Москвичи начали занимать очередь на посещение выставки уже с самого утра. И это, действительно, того стоило. Цветочный рай в Выставочной оранжерее не оставил никого равнодушным. Тысячи тюльпанов, нарциссов, крокусов, гиацинтов, лилий, ландышей и других цветов разных видов и сортов, а также прочие растения, среди которых сирень, сакура, цитрусовые, яркими красками расцвели в стенах Рассадной оранжереи.

Посетители с восхищением разглядывали всю представленную экспозицию, наслаждаясь не только ее красотой и эффектным оформлением, но и головокружительными ароматами, витающими в воздухе. Растения пахли карамелью, арбузами, яблоками, какао…С утра и до самого вечера ажиотаж вокруг выставки не прекращался.

Завершился этот зимний февральский день праздничным концертом «Романтики в саду. От Шуберта до Шопена» в Субтропической оранжерее XVIII века, среди пальм, фейхоа, магнолий, цитрусовых и исторических фасадов. В исполнении музыкантов из консорциума Simple Music мы услышали несколько фортепианных сочинений Шопена, а также Октет Шуберта для двух скрипок, альта, виолончели, контрабаса, фагота, кларнета и валторны. Такое приятное завершение выходного дня подогрело романтическую атмосферу, царившую в Ботаническом саду. Люди, хоть и ненадолго, окунулись в весеннюю сказку, подаренную им организаторами цветочной выставки. Репетиция весны прошла успешно!

Екатерина Лубова, студентка ИТФ
Фото цветов автора



Труженики невидимого фронта

Авторы :

№3 (1359), март 2019

Важными составляющими  деятельности Московской консерватории всегда были и остаются ее Архив и Музей, Библиотека и Фонотека.

Архив МГК не только собирает и хранит материалы тех, кто учился и учил в Московской консерватории, но и обеспечивает документальную практику настоящего, готовя будущее.  Им заведует Раиса Николаевна Трушкова: личность неуемная в инновационных начинаниях и очень строго педантичная в своей повседневной работе. Работа любого архива, и в том числе нашей Alma Mater, исключительно многопрофильна. Для ее успешного осуществления необходимо содружество единомышленников. И оно уже сложилось из команды архивистов Андрея Цымбалистенко, Ксении Власовой, Терезы  Мартинес, Кристины Рожковой.

Нетленную ценность архивных материалов консерватории для отечественной музыкальной культуры  понимают все, кому приходится заниматься научно-исследовательской работой: изучать историю ее ведущих классов, подразделений и личные дела  крупнейших профессионалов. Из недавних, но показательных фактов сошлемся на успешную защиту М.А. Федоровой кандидатской диссертации, посвященной становлению и развитию арфовых классов Московской консерватории. Ее труд целиком базируется на архивных материалах многих зарубежных и отечественных хранилищ. Но главным источником новых знаний стал именно Архив консерватории, о чем говорила Р.Н. Трушкова, выступив на защите как свидетель многолетней работы соискателя.

Много десятилетий назад Архив МГК находился  в  AlmaMater  в полном объеме (с момента основания в 1866 году). Сейчас же, РГАЛИ как крупный меценат, владеющий бесценными артефактами в области литературы и искусства, хранит исторические манускрипты консерватории, содержащие автографы Чайковского, Аренского, Скрябина и еще многих гениев русской музыки. Важно, что в наши дни уже начата работа по созданию сканированных копий бесценных сокровищ Архива Московской консерватории.

К чести нашей AlmaMater напомним: в ней с незапамятных времен устраивались выставки, посвященные деятельности ее выдающихся композиторов, исполнителей и теоретиков. Старожилы помнят, что при входе в Библиотеку в небольшом фойе второго этажа Малого зала постоянно устраивались книжные и нотные выставки силами наших талантливых библиографов и других сотрудников Научной музыкальной библиотеки имени С.И. Танеева, где ныне по решению Ученого Совета представлено экспонирование имен ее выдающихся выпускников на беломраморных досках почета.

Уже с 2011 года новым выставочным центром Архива стал просторный вестибюль в I учебном корпусе возле бюста П.И. Чайковского, благодаря которому выставки Архива, состоящие преимущественно из документов личных дел великих музыкантов, становятся все масштабнее. Так, за прошедшие 12 лет, Архивом было организовано 37 (!) выставок. Семь из них проводилось в фойе Большого зала.

Первая из  этих широкоформатных экспозиций была устроена к 90-летию кафедры хорового дирижирования, затем отмечалось 100-летие К. Кондрашина, 80-летие А. Свешникова, 110-летие Д. Шостаковича, 140-летие К. Сараджева, 140-летие В. Сафонова, 140-летие Н. Данилина. У каждой выставки Архива всегда есть посетители, в их числе и студенты. А в читальном зале Архива присутствие аспирантов и педагогов стало ежедневной практикой.

Первые же выставки Архива начинались скромно, в виде презентаций к научным докладам. Документы экспонировались в простеньких деревянных рамках, поставленных на пюпитры для нот. Подобные экспозиции служили для воскрешения забытых имен, в частности, казначея Московской консерватории В.С. Бояринова, участвовавшего в ее строительстве. Последующие выставки проходили еще без «собственной» территории, но уже с характерными витринами под стеклом для экспонатов.

Интересен один случай. Однажды Архив, узнав о готовящейся научной конференции, в связи с юбилейной датой А.В. Рудневой, посвященной жизни и творчеству выдающейся фольклористки, решил преподнести сюрприз участникам этого события: утром в день открытия установил в фойе Конференц-зала выставку, посвященную юбиляру. Для Н.Н. Гиляровой, организатора конференции, это было радостной неожиданностью, и вызвало большой интерес участников конференции.

 Подчеркну важное. Изучая тематику и характер визуальной подачи артефактов культуры и искусства архивисты, уже не ограничиваясь собственными материалами, стали проводить научно-исследовательскую работу в других архивах и музеях, в том числе в РГАЛИ, в ЦГИА (СПб), в Архиве Санкт-Петербургской консерватории, в Российском национальном музее музыки, в Научной музыкальной библиотеке имени С.И. Танеева. Также архивисты «добывали» интересные документы и фотографии из личных архивов родственников, профессоров и учеников знаменитых музыкантов. Это ощущалось, например, в экспозициях, посвященных 135-летию Н. Мясковского, 110-летию Д. Шостаковича, 100-летию Т. Гайдамович, в выставке, организованной ко Дню России и трагической гибели В. Халилова.

Немалую помощь Архиву оказывает Денис Рылов, художественный редактор, фотограф Интернет-сайта консерватории. Участие последнего оговорим особо: до его появления и начала плодотворного сотрудничества с Архивом (три года назад) все фотографии стендов выставок сотрудники Архива выполняли сами. С приходом профессионала форма подачи фотоматериалов Архива на страничке Интернет-сайта очевидно изменилась. Кроме того, была добавлена «выплывающая» галерея панорамных снимков выставок и презентаций.

Как важен для науки уникальный труд всех ее сотрудников, занимающихся музыкальным архивированием, делом уникальным и бесценным для сохранения исполнительских артефактов культуры! Также  чрезвычайно важна сфера деятельности Московской консерватории, ее музея имени Н.Г. Рубинштейна, ныне возглавляемого Владимиром Михайловичем Стадниченко, доктором философии Фрайбургского университета. Деятельность музея постепенно расширяла профили своей работы, где важную роль играют приобретение и хранение личных библиотек, архивных фондов педагогов, экспозиционная работа и концертная деятельность как еще одного камерного зала AlmaMater. 

Хочется, чтобы ведущие сотрудники Архива, Библиотеки, Лаборатории звукозаписи, многие из которых при жизни становились легендой, удостаивались доброго отношения присвоения им званий Заслуженного работника культуры РФ. А они есть в истории нашей Alma Mater! Напомню библиотекаря З.Ф. Савёлову (1920–1930-е годы). В книге заказов  библиотеки видела  собственными глазами запись, например, от академика Б.В. Асафьева со «скромной» просьбой:  подобрать ноты изданных сочинений эпохи  Французской революции, перевести на русский с французского несколько статей и даже целую книгу (ученый композитор тогда работал над балетом с хором «Пламя Парижа»). 

В 1950–1970-е годы  в читальном зале царила  Ирина Амазасповна Адамова, волшебной памятью которой пользовались как личным интернетом. Более сорока лет формировала фонды и возглавляла Библиотеку Эмма Борисовна Рассина. В наши дни работают такие уникальные сотрудники, как Наталья Николаевна  Оленева, что долгие годы возглавляет читальный зал Библиотеки и знает все фонды наизусть, как и заведующая нотным абонементом Аннета  Константиновна  Голубкова. Назову еще Ирину Вячеславовну Брежневу, что тщательно охраняет редкие манускрипты Библиотеки имени С.И. Танеева. 

Невозможно представить себе учебную и концертную жизнь консерватории без отдела звукозаписи, бессменно возглавляемой Татьяной Викторовной Задорожной.  Под ее руководством скромная фонотека при кабинете звукозаписи превратилась в Многофункциональный учебно-производственный центр звукозаписи и звукорежиссуры. В его сферу деятельности входит множество направлений: от обеспечения учебного процесса звуковыми материалами, до прямых теле- радио- трансляций и записи концертов и музыкальных программ для последующего издания на CD и DVD.

В отделе работают подлинные энтузиасты и профессионалы своего дела – заместитель по работе с фондами, продюсер и редактор всех консерваторских аудиоизданий Евгений Николаевич Платонов, заведующий сектором технических средств Игорь Николаевич Соловьев, звукорежиссеры Михаил Валентинович Спасский, Руслана Владимировна Орешникова, многие другие сотрудники, благодаря которым аудиоархив консерватории ежедневно пополняется. Как важен для науки уникальный труд всех сотрудников, занимающихся сохранением звукового музыкального наследия, делом уникальным и бесценным для увековечивания исполнительских артефактов.

Велика роль и реставраторов – Елены Владимировны Дойниковой, Елены Михайловны Сыч, – чьими руками спасены от исчезновения уникальные записи великих исполнителей прошлого, выступавших в залах консерватории: С.Е. Фейнберга, А.Б. Гольденвейзера, В.В. Софроницкого, М.В. Юдиной, С.Т. Рихтера, Э.Г. Гилельса, Д.Ф. Ойстраха, Л.Б. Когана, В.А. Борисовского, Ф.С. Дружинина, Д.Д. Шостаковича, Л. Стоковского, Ю. Орманди, М. Лонг, И. Менухина, Г. Гульда и многих других. А благодаря научной деятельности Ольги Сергеевны и Сергея Николаевича Лебедевых постоянно пополняется и совершенствуется электронная база данных аудиоархива. Каталог изданных компакт-дисков насчитывает более 200 архивных и современных программ, большинство из которых издано впервые в мире…

Низкий вам всем поклон, дорогие заслуженные работники культуры!

Профессор Е.Б. Долинская