Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

Победный май в консерватории

Авторы :

№5 (1361), май 2019

Московская государственная консерватория имени П.И. Чайковского отметила 74-ю годовщину Победы в Великой Отечественной войне проведением VII Международного открытого фестиваля искусств «Дню Победы посвящается…». «Высокая нравственная миссия Фестиваля – через музыку и другие искусства способствовать патриотическому воспитанию наших соотечественников и прежде всего – представителей тех поколений, которые знают о войне из книг и фильмов», – подчеркнул в своем приветствии Фестивалю ректор, профессор А.С. Соколов.

Открывал Фестиваль 6 мая на сцене Большого зала прославленный коллектив – Академический ансамбль песни и пляски имени А.В. Александрова под управлением полковника Геннадия Саченюка. Факт исключительно важный и радостный. Как заметила Н.Р. Малиновская, «ансамбль, переживший так недавно огромную потерю, звучит снова, не утратив своей мощи и не потеряв традиций. Сделать это, да еще в такой короткий срок, было непредставимо трудно, и они сумели. Как мы благодарны ансамблю Александрова за их самоотверженный и вдохновенный труд! Жалко, что нет у нас в стране такого звания – «Национальное достояние», а если бы оно было, первым, кто его получил, был бы ансамбль Александрова». Вдохновляет и то, что 3 мая – в преддверии Фестиваля – Ансамбль выступил с той же программой в Италии, в г. Модена.

Девиз Фестиваля 2019 года – «Поклонимся великим тем годам» – строка из легендарной песни А.Н. Пахмутовой. Александра Николаевна, выдающаяся выпускница Московской консерватории, отмечающая в нынешнем году юбилей, была почетным гостем и участником фестивальных программ. В творческом наследии композитора отдельное и важное место занимает тема войны. Ее всенародно любимые песни звучали и в первой, и в последней программах Фестиваля, что стало своего рода смысловой аркой всего события. На заключительном гала-концерте 15 мая в Большом зале – уже в исполнении солистов Ильи Ушуллу, Марии Челмакиной, Владислава Лаврика и сводного хора профессиональных и любительских коллективов из Нижнего Новгорода, Тулы, Москвы в сопровождении симфонического оркестра Министерства обороны РФ под управлением полковника Сергея Дурыгина.

В День Победы в консерватории прошли сразу два больших фестивальных события: в Большом зале днем Камерный хор Московской консерватории (художественный руководитель проф. А.В. Соловьёв) совместно с заслуженной артисткой РФ Екатериной Мечетиной представил программу «Нам нужна одна победа, мы за ценой не постоим!». Эта строчка из песни Булата Окуджавы – дань памяти легендарному барду и фронтовику, чье 95-летие со дня рождения отмечается в этом году. «Война, – писал Булат Шалвович, – вещь противоестественная, отнимающая у человека природой данное право на жизнь. Я ранен ею на всю жизнь и до сих пор еще часто вижу во сне погибших товарищей, пепелища домов, развороченную воронками землю. Я ненавижу войну». Песни Окуджавы звучали в аранжировках для хора, выполненных молодыми хоровыми дирижерами (Н. Нижарадзе, А. Лёвиным, П. Фроловым-Багреевым).

Другое событие – в Малом зале вечером: Камерную симфонию «Памяти жертв фашизма и войны» Д. Шостаковича исполнил Leggiero Orchestra под управлением основателя коллектива Джереми Уолкера (Великобритания). А фортепианные сочинения М. Таривердиева, автора музыки к культовому телесериалу «Семнадцать мгновений весны», сыграл и прокомментировал специальный гость Фестиваля – заслуженный артист РФ Алексей Гориболь.

13 мая на сцене Большого зала была представлена еще одна музыкально-тематическая программа – «Дорога жизни», в которой свое дарование продемонстрировали юные музыканты (воспитанники АМУ при МГК) – ансамбль «Премьера» под управлением проф. Игоря Дронова и хор студентов Саратовской государственной консерватории имени Л.В. Собинова (дирижер – ректор, доц. Александр Занорин).

Театральные проекты – неотъемлемая часть афиши Фестиваля искусств. С ним сотрудничали такие прославленные театры как Ленком, Et Cetera, Театр Луны. 8 мая на сцене Рахманиновского зала выступил Московский драматический театр «Человек» с музыкально-поэтической композицией «Из тени в свет!» (главный режиссер театра – заслуженный артист РФ Владимир Скворцов).

В адрес форума направила приветствие заместитель председателя Правительства России Ольга Юрьевна Голодец, которая отметила, что «важнейшая задача Фестиваля “Дню Победы посвящается…” – сохранение культурной памяти о великих страницах нашей истории, связанных с трагическим периодом Великой Отечественной войны…»

Т.В. Казакова, А.В. Соловьёв, Н.Р. Малиновская

На протяжении всех лет фестиваль активно поддерживает Фонд памяти полководцев Победы и лично дочь одного из них – Наталью Родионовну Малиновскую, всегда с особым трепетом и чуткостью предоставляющую материалы для буклета. По ее словам: «Прошлое – единственное, что в итоге остается человеку, единственное, с чем он рано или поздно остается наедине, наконец, понимая, что в нем одном наперекор времени сегодня живет то прошлое, которого кроме него никто знать не может: та смутная память, что передалась от родителей, все, что окружало его, пока он рос… Прошлое – это трудный, но необходимый душевный опыт. И если что-нибудь может помочь каждому из нас стать и остаться человеком (а у нас на земле нет другой задачи), это – Память».

Фестиваль Московской консерватории состоялся также при поддержке Департамента культуры Министерства обороны РФ, Департамента культуры Правительства Москвы, при содействии Российского музыкального союза и Фонда развития творческих инициатив. Культурно-просветительская миссия Alma Mater, многочисленные «Уроки памяти» на ниве патриотического воспитания были отмечены Премией Министерства обороны РФ в области культуры и искусства за организацию и проведение фестиваля искусств «Дню Победы посвящается…»

Профессор А.В. Соловьёв,
художественный руководитель Фестиваля,
лауреат Премии Министерства обороны РФ
Фото Ю. Костиной



Мы работаем ради студентов

№5 (1361), май 2019

«В искусстве, как и в любви, прежде всего, нужно быть откровенным». Этими словами великого Джузеппе Верди можно охарактеризовать жизнь и творческую деятельность одного из самых заслуженных профессоров Московской консерватории, декана историко-теоретического факультета Ирину Васильевну Коженову, отмечающую 20 мая свой славный юбилей.

Ирина Васильевна окончила родной факультет в 1963 году, а с 1968 года преподает на кафедре истории зарубежной музыки, продолжая и развивая педагогические традиции профессора Н.С. Николаевой. Ее имя высечено золотыми буквами на мраморной доске почета среди профессоров, посвятивших консерватории полвека своей жизни и более. Свидетельница Первого международного конкурса имени П.И. Чайковского, Ирина Васильевна сопричастна успехам и ярким победам Alma Mater. С юмором она вспоминает трудные для всей страны 90-е годы: «Получали мы тогда около 10 долларов на наши деньги, но всегда были готовы даже сами доплатить, лишь бы нас пускали работать».

Попасть в класс к Ирине Васильевне Коженовой – большая удача. За эти годы подвижнического труда ею воспитано более тысячи учеников, среди которых ректоры, профессора, выдающиеся артисты и деятели культуры – О. Каган, В. Полянский, П. Глубокий, А. Платонов, А. Кобляков, Е. Савельева, К. Кнорре, О. Худяков, О. Монтельван, Ан Ми Хен и многие другие. Являясь главой московской школы скандинавистов, она смогла увлечь своих студентов-музыковедов этим интереснейшим, многогранным научным пластом, не раз отмечая, что «счастье нашей профессии в том, что в ней никому не бывает тесно. В науке еще так много белых пятен, что конкуренция просто исключена».

Ее работа всеохватна и системна – уже более 10 лет Ирина Васильевна проводит Всероссийский конкурс имени Ю.Н. Холопова по теории, истории музыки и композиции для учащихся среднего образовательного звена, «с младых ногтей» воспитывая все новые и новые поколения музыковедов, многие из которых успешно окончили консерваторию и уже в ней преподают. Недаром среди многочисленных наград за активную общественную деятельность Ирина Васильевна удостоена диплома «За значительный личный вклад в формирование, развитие и сохранение творческого и интеллектуального потенциала России».

Имея огромный опыт управления большим коллективом, Ирина Васильевна более 10 лет проработала деканом иностранного факультета, оказав большое влияние на развитие творческих контактов консерватории со странами дальнего зарубежья. А с 2005 года мудро и ответственно руководит ведущим в России центром музыковедческого образования и фундаментальных исследований – историко-теоретическим факультетом.

Среди увлечений Ирины Васильевны, не связанных с музыкой – путешествия. Гидам в поездках с ней бывает очень трудно, т.к. практически в каждой области она разбирается лучше, глубже, поражая своим универсальным мышлением и богатейшим кругозором. Другим ее увлечением стало садоводство – в ее руках, кажется, расцветает даже сухая соломинка, к каждому растению она относится с таким же вниманием и заботой, как и к людям.

Возвращаясь к словам так любимого Ириной Васильевной Верди, все, что она делает в искусстве – она делает откровенно, искренне и с большой любовью. Зачастую ее твердое справедливое слово становится решающим на заседаниях Ученого совета. Она часто говорит: «Консерватория существует для студентов. Мы работаем ради студентов, а не наоборот». И, безусловно, вся консерватория – студенты, коллеги, друзья – отвечает ей такой же искренней любовью. От всей души желаем Ирине Васильевне долгой счастливой жизни, радости творчества и крепкого здоровья на многая и благая лета!

Я.А.  Кабалевская,
кандидат искусствоведения,
помощник ректора Московской консерватории



«Миссия всегда должна быть выполнима!»

Авторы :

№5 (1361), май 2019

В уходящем учебном году доценту межфакультетской кафедры фортепиано, пианисту В.Д. Юрыгину-Клевке исполнилось 70 лет. На протяжении долгого времени он широко известен как один из самых деликатно и благородно звучащих ансамблистов и пианистов-концертмейстеров. В юбилейном интервью, которое музыкант дал нашему корреспонденту, среди разных тем возник и разговор об одном из важнейших вопросов его профессиональной специализации:

 – Владимир Донатович, кем Вы – практикующий и преподающий пианист – ощущаете себя прежде всего: солистом, ансамблистом или концертмейстером?

– Я различаю пианистов по трем специализациям: солисты, ансамблисты и аккомпаниаторы. Если ты музыкант, у тебя при всем желании не получится стать аккомпаниатором. Я – пианист-ансамблист. Потому что знаю, как играть в ансамбле – будь то с вокалистами или инструменталистами. А когда я играю в ансамбле, то применяю все те же технологии, какие я использую в исполнении сольной музыки.

– Да, понимаю, аккомпаниатор – это совсем другое.

– Аккомпаниаторами становятся все, кому не лень, если не нашли себе применения ни в качестве солиста, ни в качестве ансамблиста. От безрыбья, от безденежья люди идут работать аккомпаниаторами в ДМШ, но никакого самостоятельного художественного значениятам не имеют. А вот ансамблист все слышит. Он умеет играть с такими непростыми в ансамбле инструментами как альт, виолончель, он понимает душу этих инструментов. И, вместе с тем, выступает как самостоятельный мастер, нисколько не умаляя достоинств фортепианной партии: в таких случаях фортепианная партия и партия солиста по художественной значимости абсолютно одинаковы. Я стараюсь играть потише – просто осознаю в ансамбле масштабы большого и черного инструмента, называемого роялем, и, скажем, такого нежного инструмента, как гобой. Однако, в ансамбле с солистом-певцом или певицей, в художественном смысле я ничем себя не ограничиваю.

А если вдруг попался очень плохой певец или скрипач (с такими тоже доводилось встречаться) – что же выходит, как аккомпаниатор я должен хуже сыграть? Однажды был такой концерт, за который мне потом было стыдно, потому что от скрипача, с которым я играл, ничего не осталось. А у него в публике сидели друзья.

– То есть, многое зависит от партнера?

– Когда в какой-нибудь ДМШ аккомпанирует молодая девочка, закончившая музыкальное училище, такому же четырехкласснику-скрипачу – это довольно органично.

– По Вашим концертным программам у меня возникло впечатление, что есть устойчивый круг композиторов, к которым Вы обращаетесь чаще всего. Это какой-то осознанный выбор?

– Кого ты имеешь в виду?

– Из наиболее часто звучащих и записанных – это Шуман, Сен-Санс, которые стали знаковыми для Вашего репертуара. Может, я что-то упустил?

– Конечно, упустил. Я люблю таких композиторов, которые незаслуженно не имеют достаточной исполнительской практики на сцене – скажем, Гуммель, Лёве или Рейнеке. Вообще, ХIХ век меня очень привлекает, я хочу сыграть побольше сочинений Гуго Вольфа. Он принадлежит к кругу композиторов, которых я не просто ценю или люблю, но и беспредельно уважаю.

– Я бы с Вами тоже согласился, потому что сейчас Вольф постепенно становится популярным в России, причем, не только в концертной, но и в учебной практике (его романсы даже стали вводить в училищную программу по сольфеджио).

– В учебной практике Вольфа никогда не забывали. Вокалисты, например.

– Мне кажется, немецкие композиторы ХIХ века по большей части остаются несколько в стороне от ансамблевого репертуара. Кто был особенно популярным в ХIХ веке? Итальянские оперные арии. А вот Вас, наверное, к немецким композиторам влечет душа, какая-то генеалогическая предрасположенность…

– Вполне возможно. И не только она, но и генетическая… Кстати, мне должна быть близка и русская музыка, так как у меня и русские корни есть. Из русских композиторов я очень люблю играть Чайковского. Он очень душевный, очень чуткий, очень тонкий, позволяет искать решения, отличные от традиционного толкования интонаций, соотношения форм. Ну и нельзя забывать о том, что фортепианная фактура в романсах Чайковского также насыщена внутренней полифонией.

– Что касается полифонической стороны, к Чайковскому даже в теоретической среде обращаются редко. В русской музыке больше внимания уделяют либо Глинке, либо Танееву.

– Танеев – специфический мастер. У него не так много фортепианной музыки. Да, есть романсы, но все-таки он, прежде всего, хоровой композитор. «Дамаскин» – это ходячая энциклопедия русского контрапункта… А вот кого ты еще назвал, Глинку?

– Да. Я имею в виду, что в полифонической работе Глинка, как и Танеев, достиг многого, но ведь есть еще замечательные глинскинские романсы и камерные ансамбли.

– Глинка – это немножко отдельная тема, потому что его романсы связаны, скорее всего, с итальянской и, в целом, европейской музыкой. А вот Рахманинов и Чайковский ближе к русской стороне. Более того, романсы Чайковского отличаются особой требовательностью к исполнителям, и тем приятнее решать задачи, которые он ставит.

– Хотелось бы еще поговорить о Вашем методе работы. Когда Вы садитесь за рояль, насколько легко у Вас получается сосредоточиться и интерпретировать? Ведь у разных пианистов бывают разные способы погрузиться в материал.

– Пианист пианисту рознь. Разница в том, что есть пианисты, которые обладают феноменальной природной и музыкальной памятью. Она позволяет проводить процесс освоения нового произведения за минимальное время. Всегда восторгался нашими пианистами, современными и прошлыми, которые каждый день исполняют новые программы, не снижая при этом качества. И всегда задавался вопросом: как, сколько нужно заниматься, чтобы выдавать такое количество новых программ – и сольных, и концертов с оркестром. И я понял, что у этих людей феноменальная память, которая позволяет интенсифицировать момент освоения. У меня такой памяти нет, поэтому каждую новую программу я начинаю разучивать задолго.

– Я бы так не сказал: даже глядя в Вашу заветную черную папочку можно сказать, что Ваш репертуар регулярно пополняется!

– Да, обновляется и пополняется, но за какой срок? Не за такой срок, чтобы продолжать интенсивную концертную практику.

– С момента окончания Вами консерватории прошло где-то лет 45. И все эти годы для Вас и в исполнительском, и в педагогическом плане главными ценностями остаются деликатность игры, твердость, упор звука, когда пальцы вжимаются звучным штрихом.

– Все зависит от музыки. Бывает, что иногда надо сыграть легко. Но для меня на начальном этапе работы с учеником по достижению штриха legato – основной упор. Это не столько форма звукоизвлечения, сколько факт его глубины, заодно и связной игры.

– Поскольку за время нашей беседы мы уделили большое внимание ансамблевому исполнительству, то у меня возник и немного неудобный вопрос. Когда Вам на экзамене или зачете по фортепиано приходится слушать студентов (не из Вашего класса), сдающих разные ансамбли (по программе – аккомпанементы, но в Вашем мировоззрении – ансамбли), что Вы чувствуете?

– К исполнению студентами я отношусь с профессиональной точки зрения терпимо. Главное для меня – то, насколько уважительно студент относится к нашему предмету. Если я уловил, что человек честно занимался, разбирал, учил – то тогда какие-то недочеты я прощаю. Главное, что следует помнить, когда ты учишь – не ставь перед собой невыполнимых задач. В отличие от известного фильма «Миссия невыполнима», наша «миссия» всегда должна быть выполнима!

Беседовал Владислав Мартыненко,
студент ИТФ


В лучших традициях русской фортепианной школы

Авторы :

№5 (1361), май 2019

С 28 по 31 марта в Московской консерватории проходил Первый Международный конкурс «Фортепиано для других специальностей», учредителями которого стали Межфакультетская кафедра фортепиано МГК и фортепианная комиссия Московского музыкального общества. Подобные состязания проводятся также и в других вузах России – к примеру, Международный конкурс им. В. Цветикова в Екатеринбурге, Международный конкурс «Академия фортепиано» в Казанской консерватории, Открытый Всероссийский конкурс по курсу фортепиано в Саратовской консерватории. Но мероприятие, состоявшееся в Москве, стало долгожданным и знаковым событием в музыкальном мире, поскольку проводилось в Московской консерватории – учебном заведении, которое является эталоном для всех музыкантов нашей страны.

Отличительной чертой конкурса стал необычайно высокий уровень подготовки студентов-конкурсантов, которые с легкостью преодолевали технические сложности исполняемых сочинений и демонстрировали при этом артистическую свободу и мастерство. Порадовали и поразили разнообразие и сложность исполняемого репертуара – от произведений Рахманинова (в том числе, труднейших «Вариаций на тему Корелли», прекрасно исполненных О. Зубовой, кл. проф. А.А. Вершинина, МГК) до этюдов Листа «Блуждающие огни» (исп. Н. Амелин, кл. преп. В.А. Петровой) и «Кампанелла» (исп. В. Попов, кл. преп. А.А. Шаровой; оба названных конкурсанта – учащиеся хорового училища им. А.В. Свешникова). В той же группе «А» были замечательно сыграны I часть Сонаты Бетховена №23 op.57 и «Русский танец» из балета Стравинского «Петрушка» (исп. В. Козленко, кл. доц. М.Ю. Сеновалова, Академия хорового искусства им. В.С. Попова).

В старшей группе («Б») студенты выступали настолько интересно, ярко, вдохновенно, что часто трудно было решить, чье исполнение заслуживает большей награды: каждый демонстрировал все свои лучшие качества. Настоящие открытия были у студентов разных факультетов: так среди студентов струнников оказалось несколько необычайно интересных и ярких номеров: это, безусловно, получивший Гран-при конкурса И. Наборщиков (МГК, кл. доц. В.Д. Юрыгина-Клевке), блестяще исполнивший Вальс Прокофьева из балета «Золушка» и аккомпанемент четырех прелюдий Шостаковича (солистка К. Курвиц). Е. Фёдорова (МГК, кл. преп. О.В. Горшениной) поразила тончайшим видением Арабески Шумана и Вальса Рахманинова op.10 №2. Замечательно проявила себя В. Тульская (МГК, кл. проф. Е.С.  Карпинской), филигранно исполнившая Баркаролу Лядова и Ноктюрн Шопена си-бемоль минор op.9 №1. Ярко и зажигательно были представлены Е. Потиной (МГК, кл. проф. Н.Д. Виноградовой) Два аргентинских танца А. Хинастеры.

В группе «А» у струнников выделился Ф. Харламов (АМУ при МГК, кл. преп. Л.А. Сероклиновой) замечательной интерпретацией сложнейшей Пассакалии и фуги c-moll Баха. Среди студентов факультета духовых инструментов явно лидировал Г. Абросов (МГК, класс доц. Р.Н. Кудоярова) с Сонатой op.19 №2 Скрябина. Хорошо показали себя О. Чебурашкин (МГК, кл. проф. Н.Д. Виноградовой), В. Бенкалюк (МГК, кл.  доц. Н.Е. Бельковой) и А. Мельников (МГК, кл. проф.  В.Л.Гинзбурга).

Очень интересными и сильными оказались исполнители в группе «Б» факультета композиции. Безусловным лидером был Н. Ковалев (МГК, кл. проф. Е.С. Карпинской), блестяще исполнивший всю программу – Гопак Мусоргского, Прелюдию «Вереск» Дебюсси, Античный менуэт Равеля и совершенно феерически – свое сочинение «Мизансцена на торжище». Запоминающимися были выступления Г. Салтыкова (МГК, кл. доц. Н.Е.  Бельковой), Р. Винской (СПбГК, кл. проф. И.М. Тайманова).

Среди студентов теоретиков это, конечно, О. Зубова, а также А. Шибанов (Уральская консерватория им. М.П. Мусоргского, кл. проф. Н.П. Газелериди) и Х. Джишкариани (МГК, кл. проф. М.С.  Евсеевой). Невозможно перечислить все яркие и убедительные выступления – их слишком много! Всех объединил очень высокий уровень исполнения, несмотря на то, что фортепиано для этих студентов – не основной предмет. В этом состязании многие показали себя настоящими музыкантами!

Подводя итоги конкурса, хочется отметить высочайший уровень работы педагогов Межфакультетской кафедры фортепиано. Несмотря на короткие сроки подготовки, конкурс показал безупречную и согласованную работу оргкомитета: были отлично организованы прослушивания, репетиции, классы для занятий конкурсантов, созданы прекрасные условия размещения и работы членов жюри. И, конечно, сама возможность выступать в зале им. Н.Я. Мясковского стала для многих конкурсантов большим праздником.

В составе жюри были профессора и доценты МГК, заведующие кафедр фортепиано других российских и зарубежных вузов. Работа жюри отличалась необыкновенной слаженностью, доброжелательностью и редким единодушием, а ее итоги подтвердились на заключительном концерте лауреатов, который еще раз показал правильность распределения премий.

Заключительный концерт оказался удивительным праздником. Победители играли с необычайным воодушевлением и отдачей, а в зале царила атмосфера творчества и взаимопонимания. Можно от всей души пожелать всем успехов и дальнейших творческих побед. Надеемся, что конкурс будет продолжать свою работу в последующие годы, что он станет настоящей творческой лабораторией, развивая славные традиции русской фортепианной исполнительской школы.

Профессор Н.П. Газелериди,
зав. кафедрой фортепиано
УГК им. М.П. Мусоргского



Viva «Кастальский»!

Авторы :

№5 (1361), май 2019

В этом году Московский мужской камерный хор «Кастальский» отметил свое 15-летие. Празднование юбилея прошло с большим размахом. Художественному руководителю и главному дирижеру коллектива, профессору А.М. Рудневскому удалось осуществить в консерватории два грандиозных проекта с участием приглашенных зарубежных дирижеров: 30 января в рамках фестиваля «Вселенная русского хора» в Рахманиновском зале состоялся первый концерт, а 18 марта коллектив принял участие в XIX Московском Международном органном фестивале.

Хор «Кастальский» представлять не нужно. Он с успехом гастролирует в разных странах, выступает с ведущими коллективами и солистами, участвует в масштабных культурных мероприятиях и международных проектах, таких как исполнение «Братского поминовения» А. Кастальского к столетию Первой мировой войны, концерт «Богатство церковных композиторов зарубежья» к столетию духовно-музыкального наследия Русского Зарубежья, фестиваль «Жаровские певческие ассамблеи», концерты к 150-летию А.Д. Кастальского, к юбилеям Р.С. Леденева, В.Г. Кикты, осенний хоровой и органный фестивали Московской консерватории, фестиваль античной драмы на Кипре и «Русские дни на Лемносе» в Греции.

Основу репертуара хора составляют классические образцы отечественного церковно-певческого искусства – от знаменного распева до современных сочинений. Главное место занимают произведения композиторов Московской синодальной школы: С. Смоленского, А. Кастальского, П. Чеснокова, А. Гречанинова, А. Никольского, Вик. Калинникова, Н. Данилина, Н. Голованова, К. Шведова, С. Рахманинова. Участники хора исполняют сочинения западноевропейских авторов, композиторов Русского Зарубежья (И. Лямина и династии Кедровых, Франция), а также киномузыку Ю. Потеенко, народные песни и многое другое. Особое место принадлежит специально созданным для коллектива опусам и транскрипциям в сочетании с органом, фортепиано, ударными, арфой и другими инструментами.

В первом юбилейном вечере, прошедшем 30 января при полном аншлаге, приняли участие четыре приглашенных дирижера, которые в разное время сотрудничали с хором «Кастальский»: Боряна Найдёнова (Болгария), Александр Кедров (Франция), Йозеф Дёллер (Австрия) и Пётр Ермихов (США). В программе прозвучали уникальные сочинения П. Динева, Н. Кедрова-отца, Г. Попова, К. Сандера, некоторые из которых были представлены в России впервые.

Концерт в Малом зале оказался не менее запоминающимся. Хор выступил в сочетании с органом как в камерном (мужском и женском), так и в расширенном составе, исполнив сочинения композиторов-синодалов, западноевропейскую музыку и современные произведения.

В первом отделении, которое прошло под управлением А. Рудневского, прозвучали опусы В. Агафонникова («Отче наш…»), А. Гречанинова («Хвалите Господа с Небес…» и «Сугубая ектения» из «Демественной литургии»), П. Чеснокова («Русалка»), («Сам един…», «Аллилуия» и «Глубиною мудрости…» из «Братского поминовения» А. Кастальского) и два произведения Е. Бутузовой (транскрипция «Волшебного озера» А. Лядова и «Софийский собор»). Несколько переложений для хора и органа сделал А. Рудневский. Во втором отделении за дирижерский пульт встал известный хормейстер Рихард Майлендер (Германия). В его интерпретации прозвучали сочинения зарубежных авторов: Hör mein Bitten Ф. Мендельсона, Der 23. Psalm (Gott ist mein Hirt) и Sehnsucht Ф. Шуберта, Psalm 130 (De profundis) А. Пярта.

Главное достоинство коллектива проявилось в умении выразить смысл исполняемых сочинений, передать основные образы и настроение. «Кастальский» показал виртуозное владение разными техническими приемами – от тончайшего «пианиссимо» до мощного «форте»; пение отличалось красотой звуковедения, чистотой и стройностью, богатством тембровых решений. В ансамбле с хором выступили органистки Любовь Шишханова и Нина Рудневская, партию рояля исполнил Тимофей Доля. Замечательно показали себя все солисты – Илья Алтухов, Дмитрий Фадеев, Юрий Ростоцкий и Анна Пегова.

Как выдающийся дирижер, мастер своего дела, Алексей Рудневский в очередной раз проявил высочайший профессионализм: ему удалось выстроить концепцию каждого произведения, сплотить коллектив в единое целое. Глубоким знатоком западной церковной традиции показал себя музыкальный директор Кёльнской епархии, преподаватель литургического пения в Кёльнской Высшей школе музыки Рихард Майлендер. Все сочинения были исполнены качественно и безукоризненно с точки зрения стиля.

Зал был полон. Публика с восторгом внимала всему происходящему на сцене. Настоящие овации выпали на долю произведения В. Кикты, которое прозвучало в завершение хорового вечера. В Концерте для мужского хора, органа (Григорий Васильев), кельтской арфы (София Кипрская) и ударных (Сергей Шамов) композитор изысканно и искусно воссоздал музыкальную атмосферу старинной Шотландии с ее строгой природой и зажигательными кельтскими танцами.

Концерт состоялся в результате огромной совместной работы целого ряда единомышленников, беззаветно преданных искусству, и прежде всего, конечно, самого А.М. Рудневского. Именно благодаря его подвижничеству удалось сделать столь интересную программу, собрать замечательный состав исполнителей. Нельзя не выразить также благодарность ректорату и концертному отделу консерватории. Низкий поклон вдохновителю и организатору фестиваля, заведующей кафедрой органа и клавесина, профессору Н.Н. Гуреевой, а также выдающемуся мастеру своего дела – заведующей органной мастерской Н.В. Малиной.

Viva «Кастальский»!

Мария Макарова
Фото Анатолия Шишкина

Праздник молодости и фантазии

Авторы :

№5 (1361), май 2019

Долгожданным событием консерваторской жизни стал очередной Весенний бал. В этом году он проводился в седьмой раз. Уже на протяжении нескольких лет студенты-участники бала и приглашенные гости собираются в украшенном фойе Большого зала, чтобы продолжить традицию «праздника молодости и фантазии», как назвал его в своем приветствии ректор Московской консерватории, профессор А.С. Соколов.

Традиционно бал делится на две части. Историческая часть в этом году оказалась посвящена испанской тематике и носила название «Ночь в Мадриде». Белоснежные платья дебютанток дополнились яркими веерами, а в волосы были вплетены красные цветы. Яркий выход дебютантов под музыку увертюры из оперы «Кармен» Жоржа Бизе сразу создал атмосферу красочной Испании. А завораживающий танец «Хосе и Кармен» в исполнении Анастасии Локтевой и Германа Эрлиха добавил в происходящее испанский пыл и страсть.

Настоящим украшением бала явились выступления студенток вокального факультета Марины Ярской и Светланы Секретарь, «куплеты Тореадора» из оперы «Кармен» (Алхас Ферзба), а также уже ставший традиционным номер оркестра курсантов Военного университета под управлением подполковника Максима Фёдорова.

Музыка первой, исторической части бала, звучала благодаря Симфоническому оркестру Московской консерватории (художественный руководитель – профессор А.А. Левин) под управлением молодых дирижеров – Ивана Черемухина, Артемия Великого и Азима Каримова. Пары легко кружились под звуки вальса и польки, пускались в стремительный галоп, дружно и весело танцевали кадриль до самого фуршета. А когда историческая часть бала подошла к концу, девушки и кавалеры ушли переодеться, чтобы сменить свой образ. На что?

Вторую часть бала, «латино», открыл джаз-бэнд Московской консерватории под управлением Максима Минцаева. Сложно представить, что спустя всего лишь несколько часов танцев под музыку Гуно, Штрауса, Дворжака, Бизе, Пуччини участники с неиссякаемой энергией продолжат танцевать под зажигательные ритмы румбы, ча-ча-ча, самбы, джайва, фокстрота и квик-степа.

Приятным сюрпризом оказалось самостоятельно подготовленное мужским составом дебютантов выступление «в стиле Майкла Джексона», а также презентация студенческой танцевальной студией Ивана Пономарёва тематических номеров, которые уже не первый год становятся украшением второй части вечера.

Весенний бал – запоминающееся, очень волнующее событие для всех его участников. Не только сам бал, но и репетиции, проходившие вечерами, после учебных занятий, оставили много положительных впечатлений и эмоций. И за это, конечно, большое спасибо танцмейстеру бала Ольге Шальневой, которая трудилась на репетициях, неустанно поддерживая и вдохновляя.

Идея проведения Весеннего бала принадлежит Студенческому совету. Ее сразу поддержал ректорат Московской консерватории. Хочется поблагодарить как помощницу ректора, координатора VII Весеннего бала Ярославу Кабалевскую, которая из года в год является связующим звеном между ректоратом и нашим студенчеством, так и председателя Студенческого совета Марту Глазкову и всю ее дружную команду за подготовку и проведение прекрасного вечера. На протяжении семи лет студенческий актив всегда осуществлял большую организационную работу по оформлению бала. И, конечно, уже сложно представить Весенний бал Московской консерватории без наших друзей и партнеров, среди которых компании Yamaha Music Россия, Nestle, «Кофемания», «Святой источник».

Отзвучали последние аккорды. Уставшие, но счастливые участники и гости бала расставались с надеждой на новую встречу в будущем году – на VIII Весеннем балу в Московской консерватории.

Антонина Чукаева,
студентка, муз. журналистика
Фото Эмиля Матвеева



Как во городе было во Казани

Авторы :

№5 (1361), май 2019

22–25 апреля в столице Татарстана состоялся проект «Композиторские читки», организованный Союзом композиторов России. В событии активное участие приняли и представители Московской консерватории: композитор Николай Хруст и пианист, профессор Михаил Дубов.

Суть «Композиторских читок» такова: пьесы пятнадцати молодых композиторов из России и Ближнего Зарубежья публично исполняют, комментируют и в диалоге с автором разбирают солисты Московского ансамбля современной музыки (МАСМ). Наставники участников – более опытные композиторы – читают лекции, проводят индивидуальные занятия и делятся секретами композиторского ремесла. Впервые такой проект заявил о себе летом прошлого года в Москве, вызвав большой ажиотаж, после чего стало ясно – продолжение следует.

Подобная практика взаимодействия исполнителей и композиторов распространена в Европе, где первые давно на «ты» с современной музыкой, а в США она и вовсе входит в систему образования музыкальных университетов. В России творческое общение композитора и исполнителя практически отсутствует: как правило, один не может доходчиво объяснить свою задачу, а другой – найти ключ к пониманию, восприятию специфической музыки, или же, наконец, правильно сыграть тот или иной фрагмент партитуры. В большинстве случаев опусы студентов и выпускников консерваторий воспроизводят их друзья-исполнители (часто не имеющие опыта подобных выступлений), многие пьесы создаются для очередного зачета на кафедре и потом благополучно уходят в небытие.

«Композиторские читки» позволили молодым авторам услышать профессиональное мнение о своей партитуре, получить советы и, конечно же, стимул для дальнейшей работы и совершенствования. В Казани при поддержке Центра современной музыки Софии Губайдулиной четыре дня подряд состоялись так называемые reading-сессии. Евгений Субботин (скрипка), Иван Бушуев (флейта), Михаил Дубов (фортепиано), Илья Рубинштейн (виолончель) и Олег Танцов (кларнет) детально обсуждали с авторами аспекты их пьес – от штрихов до драматургии, задавая конкретные вопросы и призывая к беседе сидящую в зале Союза композиторов публику. После этого свое мнение высказывали кураторы-наставники – композиторы Николай Хруст, Александр Хубеев и Эльмир Низамов, желая молодым коллегам найти свой оригинальный музыкальный язык.

Из тридцати присланных заявок отобрали лишь пятнадцать. Музыка участников «читок» была самой разной, устроила бы и «авангардистов» и «традиционалистов». К последним можно отнести «Барочную фантазию» Нины Головой (Ростов-на-Дону) – хотя, как выяснилось, стиль тяготеет ближе к классицизму – и «Еврейскую» для кларнета и фортепиано Ольги Дудиной из Екатеринбурга. А вот гости из Армении, композиторы Джемма Испирян и Гор Минасян, удивили отсутствием национально-колоритных мотивов в своих опусах, предложив солистам МАСМ исполнить партитуры, типичные для эпохи послевоенного авангарда.

Сергей Шестаков (Красноярск) написал изобретательную пьесу для флейты соло, а Елена Шипова (Казань) – для скрипки, интересно переосмыслив старинный жанр Чаконы. В целом, казанцев на проекте оказалось больше всех – целых пять молодых композиторов, успевших отметиться и за рубежом: например, Роман Пархоменко представил свое сочинение «Дикий мир», написанное им во время участия в Международной резиденции искусств (США). Пьеса «Свечение» Лилии Исхаковой возникла под впечатлением от выставки работ в галерее современного искусства, а «Легенда о розе Чероки» Анастасии Костюковой – от знакомства с историей племени индейцев. Многим запомнилась симпатичная обработка Ильдара Камалова народной татарской песни в джазовом стиле.

В произведении Елизаветы Лобан (Беларусь) музыкантам пришлось выстраивать синхронизацию инструментов с фонограммой, а также баланс между записанным и звучащим в режиме онлайн. Выпускник «Ипполитовки» Кирилл Архипов заставил МАСМ не только воспроизводить сложные приемы и штрихи, но и одновременно проговаривать слоги стихотворения Окуджавы. Нелегко квинтету было и во время исполнения изящной, «шелестящей» пьесы Дмитрия Мазурова (Москва).

На «Композиторских читках» нашлись и те участники, кто преподнес публике немало сюрпризов. Вадим Генин (Саратов) выступил еще и в качестве вокалиста, харизматично спев свои «Рыцарские песни» и тряся бубном на манер средневекового менестреля. Сочинение Евгения Морозова (Ростов-на-Дону)под названием «Нравственный императив» (взято из философии Канта) поначалу не предвещало ничего странного, звучала музыка в духе минимализма, но когда в финале музыканты начали играть мотив из популярного шлягера «Мурка», у многих элементарно пропал дар речи. Что только не придумают современные композиторы!

Почетным гостем «читок» стал профессор университета Ханянь (Южная Корея) Им Чон У, который также вел занятия с участниками и прочел лекцию о деятельности Центра исследований электроакустической музыки Creama, директором которого он является. В целом, электронная музыка стала главной объединяющей темой этих дней. Николай Хруст и Александр Хубеев рассказали об особенностях мультимедийных композиций, объясняя буквально «на пальцах», в каких компьютерных программах и каким способом писать подобные произведения. Заключительный круглый стол с участием кураторов проекта и музыковедов Александра Маклыгина и Виктории Коршуновой подвел итоги размышлений о проблемах анализа и изучения электроакустики.

«Под занавес» четырехдневного погружения в мир сегодняшней музыки состоялся концерт МАСМ в Культурном центре «Смена», который подарил гостям и жителям Казани пьесы кураторов и забавную миниатюру голландца Якоба TV Lipstick («Помада»), тем самым, поставив эффектную точку на этом форуме. Будем надеяться, что «Композиторские читки» обязательно пройдут и в других городах России, и мы еще не раз откроем для себя новые молодые таланты.

Надежда Травина,
Ответственный редактор «РМ»


Ю.Х. Темирканов: «Важно – как начать…»

Авторы :

№4 (1360), апрель 2019

26 марта в Московской консерватории прошел мастер-класс народного артиста СССР, дирижера, профессора Юрия Хатуевича Темирканова. Событие вызвало большой резонанс. Благодаря организованной трансляции происходящего в классе, студенты и педагоги разных кафедр заполнили не только аудиторию, но и пространство за ее пределами. Уникальную возможность представить мастеру свою работу, услышать его мнение и рекомендации получили студенты кафедры оперно-симфонического дирижирования: Алексей Федин (класс доц. С.Д. Дяченко), Мария Курочкина (класс проф. И.А. Дронова), Джереми Уолкер (класс доц. В.А. Валеева), Артем Великий и Иван Никифорчин (класс проф. В.К. Полянского). Сочинения, исполненные концертмейстерами Владиславом Виноградовым и Виталием Гавруком под руководством молодых дирижеров, в основном принадлежали Брамсу. Музыку его Второй, Третьей и Четвертой симфоний обрамляли Пятые симфонии Прокофьева и Шостаковича.

Удивительно складывался творческий диалог между Темиркановым и молодыми дирижерами. Одной из специфических сторон этой профессии является потребность в таком слове, которое при редкости появления и краткости формулировки окажется в достаточной мере содержательным и метким, чтобы позволить музыканту понять смысл того, что он исполняет. Общаясь со студентами на языке дирижерского жеста и показывая «как нужно», Юрий Хатуевич объяснял «почему нужно» – точным, ярким словом, которое пронизывало весь мастер-класс.

Говоря об объективности мировоззрения и, как следствие, музыки Прокофьева, дирижер дал указание к исполнению начала Пятой симфонии: «Состояние не здесь, а там». Значение ауфтакта для всего дальнейшего течения музыки мастер объяснил, процитировав своего учителя, великого теоретика дирижирования Ильи Мусина: «Как ауфтактнется, так и откликнется». Кроме того, рассуждая о важности ощущения «вдоха» Темирканов проводит параллель с театром:«У Станиславского в театре было так: перед выходом на сцену коврик лежал. И вот за пять минут артист должен был встать там и стоять. Не анекдоты рассказывать и потом выскочить, а стоять. И знаете, почему? Потому что, это важно – как начать. Ты должен быть в состоянии ауфтакта».

Общаясь с участниками мастер-класса, маэстро затрагивал темы, актуальные для любого музыканта: «Молодые дирижеры всегда думают, что надо все переживать. Это смотря какого композитора. Прокофьев – объективный, там замедления не написаны, и смены темпов, которые Вы делаете – там этого нет. Прокофьев – хитрый. Он вообще не советский композитор. Он как и Брамс чувства прячет».

Особенно было интересно отношение Темирканова к актерским навыкам дирижера, к его мимике, как к некой подсказке, благодаря которой музыканты смогут лучше осмыслить содержание исполняемой музыки. Обращаясь к Алексею Федину, дирижировавшему второй частью Пятой симфонии Прокофьева, маэстро заметил: «Слишком много движения и телом, и руками. Лицо должно быть. Ничего нет комичнее, когда дирижер на сцене стоит и изображает чувства, а в оркестре каменные лица [показывает]. Надо музыкантов заставлять играть так, чтобы лицо было в характере. Вы музыку дирижируете, но не изображаете. Самое сложное в музыке – быть с юмором. Гайдн, Прокофьев и, конечно же, Стравинский были с юмором. Это не нужно дирижировать, это нужно изобразить. Изобразить характер того, что вы дирижируете. Если на лице нет юмора – не получится. И музыкантов нужно заставлять играть так, чтобы лицо было в характере, потому что иначе – никак…»

Не только участники, но и зрители мастер-класса получили драгоценный опыт, включившись в процесс переосмысления концепции сочинения в зависимости от художественной интерпретации дирижера. После исполнения Артемом Великим первой части Четвертой симфонии Брамса, Юрий Хатуевич объяснил свою трактовку этой музыки. Маэстро подчеркнул, обращаясь к произведению, что необходимо хорошо представлять или воображать, при каких внешних и внутренних обстоятельствах сочинял композитор: «Я, например, читал как-то: Малер пришел к Брамсу вечером, о чем-то говорили, а потом Малер попрощался, уходит и видит, как Брамс набросил плед на себя и сосиски в камине жарит… Почему я это рассказываю? Потому что это имеет отношение к музыке, к тому, как Вы будете дирижировать. Он ушел и Брамс, предположим, сел за рояль и… [играет].По-другому нельзя, ведь, значит, ты не знаешь, какая погода была, какое состояние».

Продолжая рассуждать о трактовке произведения, Темирканов затронул вопрос особенностей менталитета композиторов различных национальных школ: «Ты не того композитора дирижируешь. Он – немец. И немец свои чувства так не открывает – у него внутри Везувий. Внутри бурлит, а снаружи нет. Он немец, он стесняется. Это Чайковский в зал так всю душу выплескивает, каждому, кто сидит в зале, каждому отдельно он открывает свой мир душевный. А немцы этого стесняются. Для них Рахманинов – очень чувственный композитор, слишком открытый. В справочнике у них написано: “Рахманинов – великий русский пианист”».

Особенно ярким было выступление Ивана Никифорчина, продирижировавшего первую часть Пятой симфонии Шостаковича. По поводу звучания этой музыки Темирканов выразил важное замечание: «Иногда у Шостаковича должно быть скучно, это правда…Это очень странно – то, что я говорю. Не должно быть музыкально интересно. Атмосфера кошмара, запах безнадежной страны, атмосфера, когда ничего не происходит».

Участники мастер-класса рассказали о своих впечатлениях после события: «Я знала, что Юрий Хатуевич великий, потрясающий профессионал, замечательный, выдающийся музыкант, но общение вживую с таким человеком все равно всегда впечатляет. Даже после большого количества мастер-классов это все равно большая радость и большое счастье. Я получила невероятный эмоциональный заряд и импульс к дальнейшей работе» (Мария Курочкина). «Участвовать в мастер-классе у такого дирижера – это, конечно, уникальная возможность. Сразу после общения – много чувств и мыслей в голове. Конечно, прекрасное понимание стиля. Юрий Хатуевич показывает как оркестр, и сразу понятно, что он хочет. Это неповторимо» (Джереми Уолкер).

Остается выразить благодарность Московской консерватории, которая дает возможность молодому поколению музыкантов учиться у мастеров, видеть образцы профессионального отношения к своему ремеслу и принимать участие в настоящем созидании музыки, ради которой все это и происходит.

Мария Невидимова,
студентка ИТФ
Фото Дениса Рылова

«Мысль, которую я посеял сегодня, взойдет завтра…»

Авторы :

№4 (1360), апрель 2019

В этом году исполняется 215 лет со дня рождения Владимира Федоровича Одоевского (13 августа 1804 года) и 150 лет со дня его кончины (11 марта 1869 года). Так удивительно сложилось… Литераторы, философы, музыканты чтут нашего выдающегося соотечественника – князя Одоевского, его огромный вклад в развитие русской культуры. Нам, музыкантам, В.Ф. Одоевский известен, прежде всего, как основоположник русского музыкознания, музыкальной критики и музыкальной лексикографии.

Владимир Федорович Одоевский был последним потомком старинного княжеского рода – одной из старших ветвей Рюриковичей. Все мы, конечно, читали в школе «Городок в табакерке», роман «Русские ночи», знакомы с Одоевским как с русским писателем-романтиком, философом и мыслителем. Он был общественным деятелем, издателем ряда журналов и альманахов, директором Румянцевского музея, помощником директора Императорской публичной библиотеки, с молодых лет активно занимался благотворительностью. В годы службы в Цензурном комитете Министерства внутренних дел в Петербурге он выступал за облегчение в стране цензурных правил, явился одним из авторов либерального цензурного устава и первых в России законов об авторском праве.

Будучи членом кружка великой княгини Елены Павловны, Одоевский горячо приветствовал отмену в России крепостного права. Став в 1861 году сенатором, он продвигал тюремную реформу, ратовал за введение в России суда присяжных и за другие преобразования. О кругозоре и масштабе личности князя говорит и тот факт, что он был одним из учредителей Русского географического общества, а также одним из основателей Русского музыкального общества. В.Ф. Одоевский участвовал в Комиссии по введению церковного пения в народные школы, был активным деятелем Общества древнерусского искусства.

Князь постоянно поддерживал молодых писателей, безошибочно распознавал в них талант и побуждал к достижению новых вершин. Одно из ярких свидетельств тому – дарственная надпись В.Ф. Одоевского в книге, отданной 26-летнему М.Ю. Лермонтову: «Поэту Лермонтову дается сия моя старая и любимая книга с тем, чтобы он возвратил мне ее сам, и всю исписанную». По роковому стечению обстоятельств поэт не смог вернуть эту книгу сам, так как через несколько месяцев был убит на дуэли.

В.Ф. Одоевский был одним из идеологов создания Московской консерватории. Его музыкальный архив – ноты, рукописи о музыке, энгармонический клавицин – послужили ядром созданного в начале XX века (11 марта 1912 года) Музея имени Н.Г. Рубинштейна. Одоевский был дружен со священником Димитрием Васильевичем Разумовским – исследователем древнерусской церковной музыки, который по его рекомендации возглавил новую кафедру истории и теории церковного пения в открытой в 1866 году Московской консерватории. Протоиерей Димитрий Разумовскийбыл духовником князя, именно он исповедал и причастил Одоевского перед смертью.

На церемонии открытия Московской консерватории В.Ф. Одоевский произнес речь «Об изучении русской музыки не только как искусства, но и как науки». Он говорил о будущем русской музыки, которая должна соединить творчество и научное знание, призывал к этому профессоров и студентов. Князь ратовал за сохранение исконно русской самобытности, за изучение и исполнение народных мелодий и церковных напевов. Вместе с тем, считал важным соединять национальное с фундаментальными основами общеевропейской музыки.

Начиная с 1850-х годов, Одоевский был увлечен историей и теорией «исконной великоросской музыки». От народной музыки он перешел к исследованию древних церковных ладов и понял, что и здесь традиция не укладывается в рамки, задаваемые равномерной темперацией. Он стал изучать возможности энгармонических музыкальных инструментов, опубликовав много работ и статей на эту тему. Наиболее значимы: «К вопросу о древнерусском песнопении», «Русская и так называемая общая музыка», «Об исконной великорусской песне», «Музыкальная грамота или основания музыки для немузыкантов», «Музыка с точки зрения акустики».

Долгое время князя Одоевского считали поборником официозной «народности». Между тем, он называл народность наследственной болезнью, «которою умирает народ, если не подновит своей крови духовным и физическим сближением с другими народами». Он полностью разделял идеи Шеллинга и всю жизнь был занят приобщением русской культуры к европейской. В своем романе «Русские ночи» он называл философа «Колумбом XIX века», который открыл человеку неизвестную часть его мира – его душу.

Одоевский считал, что в человеке слиты три стихии: верующая, познающая и эстетическая. Отстаивая свои общественные и философские взгляды, Одоевский полемизировал как с западниками, так и со славянофилами. В письме лидеру славянофилов А.С. Хомякову в 1845 году он писал: «Странная моя судьба, для вас я западный прогрессист, для Петербурга – отъявленный старовер-мистик; это меня радует, ибо служит признаком, что я именно на том узком пути, который один ведет к истине».

Литературный талант Одоевского восхищал многих. Известно, что Пушкин лично пригласил Одоевского к сотрудничеству в затеянном им «Современнике», издание которого продолжалось некоторое время и после смерти поэта только благодаря усилиям Одоевского, а позднее – Белинского. В статьях периодического сборника «Сельское чтение», издаваемого Одоевским, он (под маской дяди, а позднее «дедушки» Иринея) говорил о сложнейших вопросах простым народным языком, которым так восхищался В.И. Даль. В доме князя Одоевского был литературный салон, где собирались выдающиеся писатели, музыканты, издатели, ученые, путешественники. Там регулярно бывали Пушкин, Крылов, Грибоедов, Гоголь, Лермонтов, Кольцов, Тургенев, Достоевский, Островский, Гончаров, Глинка, Даргомыжский, Балакирев, Рубинштейн…

Музыка занимала в жизни Одоевского огромное место. Одоевским-писателем написано несколько романтических повестей с «музыкальными» сюжетами: «Последний квартет Бетховена», Opere del Cavaliere Giambattista Piranesi, «Себастиян Бах». Знаменита его «российская гофманиана» – повести «Сегелиель», «Косморама», «Сильфида», «Саламандра». Любовь к музыке возникла у него в раннем детстве. «Я могу припомнить своих первых учителей грамоты; но кто обучил меня нотам – положительно не знаю. С тех пор как я себя помню, я уже читал ноты», – рассказывал он А. Фету. В период обучения в Университетском благородном пансионе юный князь серьезно и с большим увлечением занимался музыкой, проявил себя как талантливый композитор и пианист.

Сохранились газетные сообщения о выступлениях Одоевского в качестве пианиста. Из «Воспоминаний» Е.В. Львовой мы знаем о незаурядных пианистических способностях Одоевского: «Мы… видели во Владимире какое-то чудо артиста, потому что он тогда уже играл с удивительной быстротой и беглостью на фортепиано самую трудную музыку, между прочим, Баховы фуги, сам сочинял и посвятил своего сочинения вальс сестре моей». В.Ф. Ленц – пианист, автор книги о Бетховене, свидетельствует, что Одоевский «был ученый музыкант… Бахова музыка была ему как своя. На Фильдов лад играл он превосходно, прямо читая ноты». Ю.К. Арнольд говорил, что «Глинка, князь Одоевский и Даргомыжский были хорошими пианистами». Сам Одоевский признавался в письме к Глинке: «Никакая партитура меня не пугает и всякая удобно ложится под пальцы». Антон Рубинштейн считал, что у Одоевского были выдающиеся, замечательные теоретические познания: «…он сочиняет органные фантазии, фуги, каноны и т.д., которые отвечают самым строгим требованиям искусства».

Успехи Одоевского-композитора не получили общественного признания, в отличие от его писательской и исполнительской деятельности. Между тем, он – автор многочисленных сочинений, из которых наиболее известны: «Сентиментальный вальс», канон, колыбельная, Andante grazioso памяти Й. Гайдна и «Молитва без слов» для органа, Сарабанда для органа в 4 руки. «Перо пишет плохо, если в чернильницу не добавить хотя бы несколько капель собственной крови» – эти слова, сказанные Одоевским о процессе литературного творчества, думаю, можно и должно отнести и к музыке – как к процессу создания научных текстов, так и к композиторскому творчеству.

Одоевский также сочинял экспериментальные пьесы для своего «энгармонического клавицина». Этот инструмент был заказан им по собственным чертежам у мастера Кампе, проживавшего в Москве и содержавшего в Газетном переулке фортепианную фабрику. Сохранилась расписка от 11 февраля 1864 года о выплате 300 рублей серебром за изготовление этого инструмента. Хотя Одоевский называл его «клавицином», это было молоточковое фортепиано, у которого каждая черная клавиша делилась надвое. Кроме того, у клавицина было по одной черной клавише там, где их на фортепиано нет – между «си» и «до» и между «ми» и «фа». Вместо обычных 12 полутонов в одной октаве на инструменте Одоевского было 17 «микротонов». Этот инструмент хранится сейчас в Российском национальном музее музыки в Москве.

Московская консерватория в год юбилея В.Ф. Одоевского посвящает его памяти конференции, заседания и творческие вечера. Совсем недавно, 3–4 апреля 2019 года, совместно с Общецерковной аспирантурой и докторантурой имени святых равноапостольных Кирилла и Мефодия мы организовали Международную научно-практическую конференцию «Владимир Федорович Одоевский и развитие церковно-певческой практики в России». Стало доброй традицией проводить научную конференцию в рамках Международного Великопостного хорового фестиваля.

Организаторы конференции – кафедра истории русской музыки и Научно-творческий центр церковной музыки при кафедре хорового дирижирования МГК – пригласили к участию ведущих музыковедов, историков, филологов, священнослужителей из разных городов России и из-за рубежа. Идею проведения конференции наиболее полно отражают слова В.Ф. Одоевского: «В нашем Отечестве искусство церковное непрестанно входит в интересы текущей жизни… это не прошедшее, а великое дело настоящего и будущего России».

Портрет нашего выдающегося соотечественника был бы неполным без его мудрого высказывания: «Мысль, которую я посеял сегодня, взойдет завтра, через год, через тысячу лет: я привел в колебание одну струну, оно не исчезает, но отзовется в других струнах».

Доцент Н.В. Гурьева

Музыкальный диалог двух столиц

Авторы :

№4 (1360), апрель 2019

2 апреля в Рахманиновском зале состоялся концерт, объединивший московскую и петербургскую композиторские школы. Маститые педагоги консерваторий – профессор В.Г. Агафонников (МГК им. П.И. Чайковского) и профессор  А.Ю. Радвилович (СПГК им.  Н.А. Римского-Корсакова) – представляли старшее поколение. От лица молодых выступила преподаватель Московской консерватории Т.Ю. Шатковская. От учащихся – студентка V курса Мария Аникеева.

Концерт открылся сочинением Т. Шатковской «Carolina Rediviva» («Восставшая из пепла») для струнного оркестра и фортепиано. Пьесу отличало гармоничное сочетание рационального и эмоционального, неспешное развертывание, напряженное вслушивание в каждый звук, концентрированность на одной идее-теме (удар-отзвук, заявленной у рояля в самом начале). Эта тема подхватывалась струнными, и, пройдя ряд стадий, рождала флажолетный «оазис прекрасного». Интересна трактовка рояля: использование призвуков сближало его со струнными инструментами.

Далее прозвучало «Музыкальное приношение» (памяти Н.Я. Мясковского) профессора В.Г. Агафонникова. Сочинение демонстрировало богатый композиторский опыт автора. Четкая структура, великолепная оркестровка, мастерская проработка тематического материала – все это обретало звуковой мир, отсылающий к традициям русского симфонизма. Эпическое начало в первой части и финале создало арочную композицию, скрепляя воедино форму целого. Лирико-драматическая кантилена второй части и скерцозность третьей – словно отклик композитора, взволнованный диалог-приношение великому музыканту.

Третьим номером было исполнено произведение «Арктическое солнце» для камерного оркестра М. Аникеевой, в этом году заканчивающей Московскую консерваторию в классе профессора А.А. Коблякова. Тонкая вязь линий, поиск «современной красоты» в сочетании со строгой архитектоникой формы, постепенное заполнение пространства, кульминация и спад-завершение – все это слышалось в сочинении студентки. Струнные инструменты воспринимались свежо и оригинально за счет смещения акцента с чувственного, которое обычно главенствует в трактовке данных тембров, на несколько отстраненное, аскетичное, «холодное». Возможно, арктическое солнце «звучит» именно так.

Завершил программу Концерт для скрипки и камерного оркестра представителя петербургской композиторской школы проф. А.Ю. Радвиловича. Запомнились чередование разреженных и сгущенных звуковых пластов, перетекания мотивов из голоса в голос, проникновенное соло скрипки, диалоги солиста со струнными и ударными и, наконец, тонкое и оригинальное окончание. Все сочинение, отличающееся глубиной философского высказывания, сдержанностью и вместе с тем искренностью (когда крик рождается через немые уста), пронеслось словно на одном дыхании.

Произведения великолепно исполнили большой знаток современной музыки пианистка Мона Хаба, замечательный скрипач, профессор А.Б. Тростянский иКамерный оркестр Московской консерватории под управлением Феликса Коробова, которому и принадлежала идея организации концерта. Маэстро отметил важную роль творческих контактов между людьми: «Чем больше мы общаемся, тем больше питаем друг друга и таким образом совершенствуемся». Музыкальных диалог двух столиц – это еще и концерт-знакомство. «Если в Петербурге московских композиторов более-менее знают, то в Москве питерская музыка звучит достаточно редко», – полагает Ф.  Коробов.

В.Г. Агафонников и А.Ю. Радвилович также оценили важное значение концерта в контексте сотрудничества двух консерваторий. Композиторы отметили блестящую работу дирижера и музыкантов оркестра, особо подчеркнув дружелюбную и творческую атмосферу, царившую во время репетиций. На вопрос о дальнейшем сотрудничестве двух консерваторий маэстро Коробов ответил: «Мной сделан первый шаг. Многое будет зависеть от самих композиторов и исполнителей. Я очень рад, что этот концерт состоялся. В программе были композиторы с ярко выраженным индивидуальным началом, с совершенно разной манерой письма. Со студенческих времен я достаточно тесно связан с кафедрами композиции Петербургской и Московской консерваторий. Надеюсь, что идея концерта была интересна, и диалог двух композиторских школ продолжится».

Евгения Бриль, преподаватель КФ

Место живого общения

Авторы :

№4 (1360), апрель 2019

В последние мартовские дни в Москве состоялся XVI Московский международный фестиваль-конкурс детского и юношеского творчества «Открытая планета – Открытая Европа». Вот уже 16 лет его организует Международная ассоциация содействия культуре и Центр развития фестивального движения «Открытая планета искусств» (генеральный директор – почетный творческий деятель Г.Н. Фроловская). В этом году фестиваль проходил при поддержке Комитета общественных связей города Москвы, став победителем конкурса Грантов мэра Москвы.

За все годы существования фестиваль-конкурс преодолел непростой, но впечатляющий путь от 500 до более чем 1500 участников. Конечно, это произошло во многом благодаря таланту и неутомимому энтузиазму создателя и вдохновителя фестиваля – президента Международной ассоциации содействия культуре И.А. Черкасова, которого сегодня мы вспоминаем с чувством глубокого уважения и признательности. Его вдова, Т.П. Черкасова, директор фестиваля, достойно продолжает и развивает это дело.

Как обычно, фестиваль прошел ярко и празднично, на высоком художественном и творческом уровне. В этом году в мероприятии приняли участие солисты, ансамбли и коллективы из 15 стран мира. Музыкальные конкурсы проходили в ДМШ им. А.С. Даргомыжского, а также в ДШИ им. Е.Ф. Светланова, 90-летний юбилей которого с большим размахом отметили в ноябре прошлого года в Московской консерватории.

Среди членов жюри были известные артисты, педагоги, продюсеры из России, Австрии, Германии, Испании, Италии и других стран. Бессменный член жюри – профессор МГК М.А. Готсдинер, воспитавший немало замечательных скрипачей.

Гран-при в номинации «Инструментальная музыка» получило трио Chile – студент 2 курса МГК Хуан Пабло Сануэса Торо (класс проф. С.Г. Гиршенко), учащийся ЦМШ Рауль Игнасио Сануэса Торо и Виктория Арельяно-Степанова. Лауреатом I премии в номинации «Академический вокал» стал студент 3 курса из Китая Ян Пу (класс проф. Ю.В. Григорьева), покоривший всех своей «Метелицей». Лауреатами оказались и малыши, еще с трудом поднимающиеся на большую сцену, и уже опытные профессионалы из Беларуси, Латвии, Македонии, России, Чехии и др.

В фойе концертного зала «Космос», принявшего фестиваль, можно было увидеть выставку работ юных художников. На Гала-концерте зал стоя приветствовал делегацию Московского комитета ветеранов ВОВ, рукоплескал зажигательному рок-н-роллу Петра и Алины из номинации «Равные возможности». Танцевальные ансамбли «Акварель», «Артар», «Радость» и другие продемонстрировали высочайший уровень хореографического мастерства, а оркестр русских народных инструментов из ансамбля им. C.О. Дунаевского под руководством А.А. Губарева напомнил слушателям о богатых традициях русского народного исполнительства.

Организаторам мероприятия удалось создать незабываемую атмосферу радости и доброжелательности, международного сотрудничества и единения. Участники фестиваля увезли с собой замечательные впечатления, которыми наверняка поделятся со своими друзьями и наставниками. Из года в год фестиваль объединяет давних друзей, для которых он становится местом важных встреч и живого человеческого общения, необходимого в наше непростое время.

Доцент И.А. Ушакова

Музыкальный вечер в Yamaha-центре

Авторы :

№4 (1360), апрель 2019

Уютный зал Артистического центра Yamaha – одно из немногих концертных пространств, в котором практически ежедневно можно услышать молодых музыкантов, как уже завоевавших международное признание, так и тех, чья исполнительская карьера только начинается. 19 марта здесь состоялся замечательный сольный концерт известной пианистки из Узбекистана Тамилы Салимджановой.

Обаятельная пианистка, обладающая удивительным артистизмом, утонченностью и эмоциональностью, не в первый раз привлекает внимание искушенной столичной публики. За плечами Тамилы многочисленные победы в престижных международных конкурсах в Бразилии, Париже, Бирмингеме, Москве, выступления в знаменитых концертных залах с известными оркестрами. В возрасте 9 лет она дебютировала в Ташкенте с Национальным симфоническим оркестром Узбекистана под управлением ее деда, известного дирижера К. Усманова. Начав обучение в Ташкентской специальной музыкальной школе им. В.А. Успенского в классе педагога Т.А. Попович, она  продолжила свое обучение в Москве, в ЦМШ, а затем и в МГК в классе профессора И.Н. Плотниковой. Тамила также окончила бакалавриат и магистратуру Королевского колледжа музыки в Лондоне в классе Ванессы Латарш.

Серьезное профессиональное образование и огромный опыт концертных выступлений позволил талантливой пианистке сформировать собственный исполнительский стиль. Игра Тамилы отличается одухотворенностью, глубоким проникновением в художественный образ, филигранной техникой и безупречным музыкальным вкусом. Особенно хорошо она исполняет произведения композиторов-романтиков, музыка которых особенно близка ее артистической натуре.

Концерт в центре Yamaha открывали две сонаты Д. Скарлатти, которые были сыграны изящно и утонченно. В ее интерпретации виртуозная музыка эпохи рококо приобрела огромное количество тембровых и динамических нюансов. Поэтичность, гибкая фразировка, «живой» ритм, тембровое разнообразие позволили пианистке в полной мере воссоздать стиль Д. Скарлатти, не случайно названного самым «романтическим» композитором XVIII века.

Контрастным «переключением» стала известная концертная пьеса венгерского композитора Д. Лигети – Этюд «Арк-эн-Сиэль». Сложный музыкальный язык авангардного автора в прочтении пианистки оказался наполнен яркими красками, заостренными ритмическими и тембровыми контрастами.

Следующая часть программы была полностью отдана романтической музыке, позволившей Тамиле продемонстрировать все великолепие своего исполнительского мастерства. Прозвучали хорошо известные публике сочинения: Первая баллада Шопена, Экспромты Шуберта соч. 90, Мефисто-вальс Листа и, «на бис», – Этюд-картина Рахманинова es-moll. Все произведения, представленные пианисткой с невероятным блеском и яркостью, воспринимались очень свежо. Романтическая экспрессия ни разу не нарушила общую логику и драматургическую стройность пьес. Уважение к авторскому замыслу, глубокое понимание стилевых и содержательных особенностей этой музыки свидетельствовали о высокой культуре, интеллектуализме и художественном вкусе пианистки.

Именно эти качества Тамилы Салимджановой создают особую атмосферу в зале. Вот и на этот раз завораживающий артистизм и мощная энергетика Тамилы заставили восторженных и благодарных слушателей буквально забыть о времени довольно продолжительного концерта, который прошел словно на одном дыхании. Хочется пожелать незаурядной и талантливой пианистке дальнейших творческих успехов, блестящих выступлений. Надеемся, что взыскательная московская публика еще не раз сможет побывать на ее концертах.

Доцент О.А. Левко