Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

«РОССИЯ — ВСЕЛЕННАЯ ЗВУКА»

Авторы :

№8 (1391), ноябрь 2022 года

21 октября 2022 года закончился Международный музыкальный фестиваль «Россия – Вселенная звука» – масштабный и чрезвычайно важный в современной ситуации культурный проект, охвативший своими событиями огромную многонациональную территорию нашей страны, от Чукотки до Дагестана. Он проводился Московской консерваторией при поддержке Президентского фонда культурных инициатив на основе своего ежегодного фестиваля «Вселенная звука», имеющего уже 20-летний стаж и широкую международную поддержку. 

В этом году в свете Указа Президента РФ В.В. Путина «О проведении в Российской Федерации Года культурного наследия народов России» и в ситуации объявленного Западом «запрета» культуры и искусства России фестиваль сфокусировал свое внимание на внутренних культурных достижениях нашего многонационального народа. Под расширенным названием «Россия – Вселенная звука» он сплотил вокруг своих миротворческих и просветительских идей деятелей культуры, студенчество и общественность десяти регионов: Республики Алтай, Бурятии, Дагестана, Якутии, Татарстана, Тывы, Сахалина, Таймыра, Чукотки, Самарской области. К событиям фестиваля присоединились также гости из других стран: Индии, Ирана, Кореи, Монголии, США, Турции, Японии и Западной Сахары.

Фестиваль получился чрезвычайно насыщенным и многоликим. Он выполнил свою главную цель –вовлечение как можно большей части населения России в обсуждение вопроса многонационального состава нашего общества. Возникла возможность для непосредственного диалога представителей разных культур друг с другом, чтобы люди смогли больше узнать друг о друге, научились слушать, слышать, понимать и уважать друг друга, невзирая на различия в этнической принадлежности, языках и обычаях.

Все без исключения программы отличались ярким колоритом и продуманным контентом. Для посетителей фестиваля была представлена широкая панорама традиций, бытующих на территории нашей страны. Однако отдельные выступления можно назвать подлинным открытием как для слушателей, так и для организаторов фестиваля. Речь идет об участии прямых носителей уникальных традиций крайнего востока и севера России: Чукотки, Сахалина и Таймыра.

Таймыр – самый северный полуостров Евразии, отличающийся обилием этнически самобытных музыкально-культурных традиций. В творческой программе фестиваля представители Таймыра выступали дважды: в июне в Москве и в октябре в Самаре. Большая лекция-демонстрация под названием «Напевы Таймырской тундры и музыкальные древности Сахалина» прошла в Лектории культурного центра «ЗИЛ» 15 июня 2022 года.

Встречу вела доктор искусствоведения, ведущий научный сотрудник Лаборатории комплексных геокультурных исследований Арктики Арктического государственного института культуры и искусств Оксана Эдуардовна Добжанская. Ей же принадлежит честь формирования совершенно уникальной группы иллюстраторов ее чрезвычайно познавательной лекции, представленной реальными носителями, сегодня уже крайне редких, традиций заполярного полуострова. 

По роду своей хозяйственной деятельности нганасаны принадлежат к арктическим охотникам на дикого северного оленя. Это один из древнейших народов Севера, сумевший частично сохранить элементы своей традиционной культуры, в том числе способы изготовления одежды из меха оленя и ее украшения орнаментами, вырезанными из кожи. Зрители с большим интересом и удивлением слушали в исполнении Алексея Чунанчара и Светланы Кудряковой иносказательную песню в жанре кэнгэйрся с импровизированным благопожелательным текстом, адресованным всем присутствующим.

Как и другие народы Севера, нганасаны вплоть до наших дней являются носителями шаманской культуры. Советские этнографы сохранили ценнейшие видео- и аудиозаписи, а также текстовые описания акций камлания и обрядовых действ, проводимых знаменитым на весь край шаманом Дюходе и его сыновьями Тубяку и Демниме. Рудименты шаманского промысла сохраняются и сегодня. Алексей Чунанчар представил на встрече шаманский танец. 

Таймырские ненцы – оленеводческий народ, ведущий кочевой образ жизни. Постоянно передвигаясь по тундре, они освоили весьма обширные территории от Кольского полуострова до Таймыра. Традиционный репертуар ненцев составляют многочисленные песни о природе, птицах, животных, а также «родовые песни», повествующие о доблестях родоначальников и предводителей каждого рода: Харючи, Яптунэ, Вэнго, Ядне и других. Песню о многочисленном и процветающем роде Тэседо исполнил Павел Накочевич Ядне

Совсем иная судьба у энцев – самого малочисленного народа Таймыра (на сегодняшний день всего 237 человек). Зоя Николаевна Болина сохранила, благодаря своей матери, удивительную традицию энецких поющихся сказок сюдобичу. Во время встречи сказительница исполнила фрагменты из сказки «Волосатый великан» и песню «Девушка из рода Моггади», восхваляющую красоту, ум и искусное мастерство энецких девушек.

Народ долганы проживает не только на Таймыре, но и в Анабарском районе Якутии. Они считаются самой северной тюркоязычной группой. Игра на губном баргане занимает значительное место в сегодняшнем репертуаре долган, равно как и мелодичные песни самодеятельных авторов. На встрече прозвучала, в частности, песня Матвея Чарду «Бергехэ» («Шапка») в исполнении Натальи Фальковой и в сопровождении на баргане Анастасии Чарду.

Изумив московскую публику необычными для ее слуха звучаниями, красивейшими традиционными костюмами и своей готовностью до бесконечности рассказывать о жизни и традициях своего народа, чудесные посланники загадочной культуры Таймыра отправились по своим далеким домам. 

Но тема Таймыра на этом не закрылась, так как новая группа носителей таймырских традиций приехала на гала-концерт фестиваля в городе Самаре 18 октября. На этот раз нганасанские традиции – личные песни на нганасанском языке, наигрыши на музыкальных инструментах нганасан, а также театрализованную песенную сценку с куклами-персонажами «Старик и старушка» – представила Евгения Чебяковна Сидельникова, которая к тому же преподнесла вдохновенный рассказ о традициях своего народа на конференции для студентов Самарского государственного института культуры.

Музыкальный фольклор ненцев был представлен в Самарском гала-концерт Розой Накочевной Ядне. Среди ненцев популярны легенды о малорослом народце сихиртя. Эти светловолосые и красивые люди жили внутри сопок, добывали и обрабатывали драгоценные камни и металлы, по ночам пасли мамонтов и вообще умели управлять природой. Роза Накочевна исполняет песню девушки-сихиртя, которая шьет на берегу моря одежду из шкуры мамонта и напевает: «Если я сейчас потрясу эту шкуру мамонта – начнется пурга. А если ее просто аккуратно повешу – будет хорошая погода».

Сахалин прозвучал на московской встрече в июне очаровавшими всех слушателей негромкими и изящными музыкальными традициями нивхов: пением сквозь длинную трубу кални, приглушенными ритмами знаменитого «нивхского бревна» тятя-чхаш, печальными звуками смычкового тынгрына, шуршащими погремушками из рыбьей кожи, завораживающим ритуальным танцем и веселой «игрой в подбородочки». 

Всем известна завораживающая красота и особая энергетика Алтая, за которой едут в этот край тысячи людей. Однако в глубине этого таинственного чуда лежит древняя история и традиции народов Алтая, которые не каждому открываются с первого взгляда. 16 июня 2022 года в КЦ «ЗИЛ» прошла встреча с носителями алтайской культуры. Они рассказали о том, откуда берется шаманский дар, познакомили зрителей с алтайскими эпическими сказаниями. Также была представлена выставка изделий-реконструкций артефактов Пазырыкской культуры.

Считается, что традиция изготовления классических атрибутов кама (шамана) – костюма и шапки (манјак ӱлбӱрек), бубна и колотушки (тӱҥӱр ле орбу) – на Алтае утеряна. Но есть реальный обладатель этих неприкосновенных предметов – кам Владислав Челтуев, живущий в Кош-Агашском районе, о шаманском даре которого по Алтаю ходят легенды. Именно его уговорил приехать в Москву вместе с учеником Алексеем Юновымфилолог и фольклорист, глубокий знаток сибирских древностей Василий Ойношев. В этот вечер с нами были еще двое авторитетных гостей из Горного Алтая: сказитель  Эмил Теркишев (как говорят, единственный на Алтае кайчы, способный рассказать эпос «Алып-Манаш» от начала до конца) и искусный кузнец Аржан Кухаев, мастер по изготовлению предметов в пазырыкском стиле, небольшой коллекцией которых полюбовались посетители этой необычной встречи.

Ансамбль школы-студии этно-пения «Хадаг» («хадаг» /тибет/ – синоним бурятского слова «тэнгэри» /небо/) из Улан-Удэ привез на фестиваль целый обряд «Сагаан сарын найр» («Празднование белого месяца»). Это центральный календарный праздник Бурятии, объединяющий семьи, роды, друзей, коллег, весь народ. В полуторачасовое действо на сцене Рахманиновского зала оказался уложенным длинный процесс традиционного приема гостей, вознесения молитв буддийским и языческим божествам, совместных песен, хороводов и даже старинных игр, а также наслаждения мастерством приглашенных исполнителей на морин-хууретовшууре и недавно возрожденном исконно бурятском суха-хууре. Весь этот увлекательный сюжет был развернут учениками и коллегами выдающейся исполнительницы бурятских народных песен, международно известной исследовательницы традиционной культуры, народной артистки Республики Бурятия Гомбоин Ешин-Хорло Будуевны. 

Хомус (варган) – один из самых древних музыкальных инструментов народов мира. В Якутии это не просто инструмент, а настоящий сакральный символ национальной культуры народа саха. Несмотря на малый размер, хомус позволяет извлекать завораживающие звучания, имитирующие звуки природы и уводящие слушателя в бескрайние дали сибирских просторов, раскрывая философию жизни и космоса. 

Иранские музыканты Хамид Ганбари, Сияваш Валипур и певец Хосейн Нуршарг

«Чудеса, да и только!» – отозвались слушатели Рахманиновского зала (03.07.2022) об умении якутских девушек исполнять приветственные тойуки или протяжное пение дьиэрэтии. А о звучании хомуса самого Артура Семёнова было сказано: «Это нечто запредельное!». В гала-концерте в Самаре 18 октября снова звучал волшебник-хомус, а певческую культуру якутов слушатели познавали через вереницу традиционных жанров: тойук с его характерными горловыми призвуками, песни в стиле дэгэрэн с использованием приемов хонсуо(«гнусавое пение»), таналай ырыата («небное пение»),  хабарга ырыата («пение с гортанными хрипами»). Абсолютным открытием для всех присутствующих на концерте была встреча с недавно возрожденным якутским смычковым инструментом кылыьах-кырыымпа со струнами из конских волос.

Да разве же возможно рассказать обо всех чудесах, случившихся на фестивале в течение его 169-дневного марафона?! Сколько еще осталось за пределами нашего рассказа: звуковые красоты Дагестана, Поволжья, Рязанщины, Тывы, а также великолепные музыкальные программы гостей из Турции, Индии, Монголии, Западной Сахары! Самыми «выносливыми» зарубежными участниками, проехавшими с фестивалем почти по всему маршруту, оказались иранские музыканты во главе с выдающимся певцом современности Хосейном Нуршаргом.

При подведении итогов фестиваля оказалось, что более 90% из 272 непосредственных участников концертных программ составили молодые люди до 40 лет! Некоторые коллективы были целиком молодежными. Параллельно активной творческой линии фестиваля (концерты, лекции, круглые столы, выставки, студенческие встречи) развивались две сопутствующие процедуры социально-исследовательского характера – социальный опрос и всероссийский конкурс на одну и ту же тему: «Что вы знаете о своих соседях по стране?».

Опрос охватил людей, так или иначе попавших в информационное поле вокруг фестиваля «Россия – Вселенная звука». Он привлек 653 респондента, представителей 52 этносов, из которых 74% оказались людьми в возрасте до 44 лет. В конкурсе участвовали 135 человек в возрасте от 14 до 40 лет. Из них 11 человек стали участниками Полуфинала, проведенного в Самаре, шестеро в качестве финалистов представляли свои презентации в Махачкале. Трое (представители Самары, Москвы и Дагестана) получили призовые места.

Один из главных итогов фестиваля – выявление группы ярких, неравнодушных и активных молодых людей из разных регионов страны, желающих жить в России и жить достойно, внося свой личный вклад в духовное развитие и рост благосостояния нашего общества. Это бесценный человеческий капитал для нашего государства. Территориальная удаленность друг от друга не мешает им быть единой командой, способной влиять на умонастроения окружающих людей.

Что дальше? Готовим печатные материалы (буклет и два сборника). Готовим отчетный ролик и документальный фильм. Готовим следующий фестиваль. Уже стекаются заявки на участие в нем из разных регионов нашей великой страны, поистине оказавшейся необъятной Вселенной звука!

Доцент М.И. Каратыгина, художественный руководитель фестиваля

Фото Евы Лобастовой

Санкт-Петербургской консерватории – 160 лет!

№8 (1391), ноябрь 2022 года

В октябре старейшая российская консерватория – Санкт-Петербургская государственная консерватория имени Н.А. Римского-Корсакова – отметила 160-летний юбилей. Все эти годы Петербургскую и Московскую консерватории связывает плодотворное творческое сотрудничество, как завещали «отцы-основатели» Антон и Николай Рубинштейны. Поэтому ректор Московской консерватории, профессор А.С. Соколов и консерваторские музыканты лично приехали в Петербург поздравить дорогих коллег и друзей со знаменательной датой.

Праздничные мероприятия вошли в программу ХХII фестиваля «Международная неделя консерваторий», в котором приняли участие ректоры, профессора и студенты еще девяти российских консерваторий и высших школ музыки дружественных стран. По словам ректора Санкт-Петербургской консерватории А.Н. Васильева, «мне хотелось отпраздновать не столько наши 160 лет, сколько 160 лет консерваторского движения в России». С радостью подтверждаем, что этот замысел был воплощен с большим размахом и на высочайшем профессиональном уровне.

Открытие фестиваля состоялось 22 октября в Большом зале Санкт-Петербургской филармонии. В исполнении Сводного хора и Молодежного международного симфонического оркестра, в которых объединились молодые музыканты ведущих российских консерваторий, мощно прозвучала Патетическая оратория Георгия Свиридова, прославленного выпускника Санкт-Петербургской консерватории. За дирижерским пультом выступил ректор Санкт-Петербургской консерватории, заслуженный артист РФ Алексей Васильев. 23 октября в концертном зале Петербургской Государственной академической капеллы Камерный хор Московской консерватории под управлением проф. А.В. Соловьёва исполнил сочинения А. Скрябина, Р. Щедрина, И. Стравинского, С. Екимова; солировали А. Васильев (виолончель) и Е. Кривицкая (орган).

Научно-практической составляющей фестиваля стал Ректорский Круглый стол по вопросам музыкального образования в России и мире, в котором от Москвы выступили ректор Консерватории, проф. А.С. Соколов и ректор Академии хорового искусства, проф. А.В. Соловьёв. Большой интерес вызвала и выставка об истории Петербургской консерватории.

30 октября в Капелле состоялся Фестивальный эпилог с участием заведующего кафедрой органа МГК, народного артиста России Рубина Абдуллина и известной вокалистки, выпускницы Санкт-Петербургской консерватории Олеси Петровой.

В рамках юбилейной недели были организованы мероприятия Региональной молодежной программы «Молодые звезды Московской консерватории» при поддержке Министерства культуры РФ и ФГБУК «Росконцерт». 21 октября в Музее-квартире Л. Бенуа прошел концерт камерно-инструментальной музыки. Для гостей этого уникального «живого» музея, которым заведуют потомки выдающегося русского архитектора, градостроителя Петербурга, ректора Академии художеств Леонтия Николаевича Бенуа, выступили доц. Н.Л. Агеев (кларнет) и преп. А.И. Котляревская (ф-но). Проникновенно прозвучал цикл «8 сонетов Шекспира» М. Таривердиева в обработке для академического голоса в исполнении доц. Е.И. Скусниченко (сопрано) и преп. Ю.С. Куприяновой (ф-но). Вела концерт музыковед, доц. Я.А. Кабалевская.

В этот же день состоялись мастер-классы педагогов МГК в Санкт-Петербургском музыкальном училище имени Н.А. Римского-Корсакова по специальностям «вокал», «скрипка» и «виолончель». А доц. Л.Р. Джумановапровела открытую лекцию на тему «Новые трактовки традиционных форм преподавания сольфеджио». Директор училища К.А. Архипов выразил надежду на дальнейшее сотрудничество, отметив, что «мероприятия прошли на высоком профессиональном уровне и вызвали большой интерес среди студентов и преподавателей».

22 октября состоялись мастер-классы и концерт педагогов Московской консерватории в вечернем Музыкально-просветительском колледже им. Б.И. Тищенко. В программе концерта прозвучала российская премьера Сонаты для скрипки и фортепиано Нино Роты в исполнении лауреатов международных конкурсов Анны Савкиной (скрипка) и Даниила Саямова (ф-но). А 23 октября Александра Будо (автор-ведущая, виолончель), Анна Савкина (скрипка) и Александра Котляревская (ф-но) выступили с благотворительной программой «Консерватория-детям» в Центре содействия семейному воспитанию №12 для детей-сирот. Консерваторцы уже не первый год приезжают в ЦССВ, радуя подопечных интерактивными музыкальными концертами.

Открытие фестиваля в Большом зале Санкт-Петербургской филармонии

Завершилась программа «Молодые звезды» 23 октября концертом «Опера Италии». По приглашению профессора С.В. Стадлера студенты Московской консерватории Мария Мальцева (сопрано) и Артак Кулиджанян(баритон), а также Камерный хор МГК с большим успехом выступили на сцене Эрмитажного театра с Симфоническим оркестром Санкт-Петербурга под управлением маэстро.

Юбилейные торжества, к сожалению, проходили не в родных стенах Санкт-Петербургской консерватории. Но, по любезному приглашению ректора А.Н. Васильева, для гостей праздника была организована экскурсия по историческому зданию Консерватории, в котором возобновлены реставрационные работы. Делегация осмотрела концертные залы, учебные аудитории, внутренний дворик и даже Домовый храм с сохранившимися ликами святых, из которого планируется сделать кабинет церковной музыки. По словам ректора, «Консерватория посвежеет, все современные технологии, направленные на то, чтобы сделать уровень жизни выше, будут применены… Склонен верить, что все получится, что к сроку 1 марта 2024 года, названному вице-премьером Маратом Хуснуллиным, Консерватория вернется в историческое здание… Верим в эту дату…». От всей души поздравляем Санкт-Петербургскую консерваторию с юбилеем и желаем осуществления всех надежд!

Доцент Я.А. Кабалевская

«В этом композиторе заложена своя божественная математика…»

Авторы :

№8 (1391), ноябрь 2022 года

Уходящий год, ознаменованный 150-летним юбилеем А.Н. Скрябина, выдался насыщенным на культурные события. Среди них – Первый Международный фестиваль имени Скрябина, многочисленные концерты с участием столичных оркестров, творческие мероприятия Фонда А.Н. Скрябина, успешно реализованная программа Мемориального Музея А.Н. Скрябина с выставками, детскими мастер-классами, лекторием «Скрябин-150» и ежегодным конкурсным прослушиванием на стипендию. Большим событием стал выпуск 12-томного Полного собрания сочинений в издательстве «Музыка»  «П. Юргенсон».
Талантливые музыканты России и всего мира поддержали юбилейный год и сыграли памятные концерты, на которых подарили слушателям возможность соприкоснуться с удивительным звуковым миром Скрябина. В их числе  доцент Московской консерватории Дмитрий Анатольевич Людков. Пианист подготовил со студентами серию классных вечеров, состоящих только из опусов Александра Николаевича, а в завершение концертов рассказал нашему корреспонденту о подготовке к выступлениям, о своем отношении к Скрябину и методах работы над сложными сочинениями.

– Дмитрий Анатольевич, какое место в Вашем творчестве и жизни занимает Скрябин? 

– Скрябин для нашего класса и, в частности, для меня – композитор особенный. Мой наставник – народная артистка России, профессор Маргарита Алексеевна Фёдорова (1927–2016), – выдающийся скрябинист. Будучи ученицей Генриха Нейгауза в Центральной музыкальной школе и в Консерватории, она была в прямом смысле слова заражена любовью к этому композитору. Впрочем, все ученики Генриха Густавовича отличались трепетным отношением к музыке Скрябина. Насколько мне известно, еще в ЦМШ Маргарита Алексеевна исполнила в классе профессора Нейгауза объемный скрябинский репертуар, включавший в себя Первую и Четвертую сонаты, многие этюды и прелюдии, Концерт для фортепиано с оркестром. В год 100-летнего юбилея Скрябина впервые в истории фортепианного исполнительства в Московской консерватории прозвучало полное собрание фортепианных сочинений композитора – более 200 произведений. Этот творческий подвиг совершила Маргарита Фёдорова, которая на тот момент была известной пианисткой и доцентом Московской консерватории. Все ее ученики также с большим интересом исполняли музыку гениального композитора.

– Вы продолжили эту традицию?

– Я как студент класса М.А. Фёдоровой тоже увлекался Скрябиным; позднее, когда стал ее ассистентом, мы делали тематические концерты с нашими студентами. Поэтому я посчитал своим долгом к 150-летию со дня рождения маэстро организовать фортепианные вечера, которые целиком состояли бы из произведений Скрябина.

Мы не преследовали цель исполнить абсолютно все сочинения, но нам удалось сыграть в одном отделении все этюды. Подготовка к концертам продолжалась около года. Программа была обдумана заранее с учетом наших классных вечеров. Очень рад, что мои студенты поддержали идею и без промедления приступили к процессу разучивания. Я также сыграл несколько сольных концертов из произведений Скрябина, в том числе в Рахманиновском зале, и выступил с Ярославским симфоническим оркестром. На классных вечерах прозвучали все этюды (соч. 2 №1, соч. 8, соч. 42, соч. 49 №1, соч. 56 №4, соч. 65 и альтернативная версия этюда соч. 8 №12), а также избранные сонаты, прелюдии, поэмы, вальсы, мазурки и полонез. Очень рад, что концерты прошли удачно и получили благодарный отклик у слушателей. 

– Что лично Вас связывает с музыкой Александра Николаевича? 

– Мое первое знакомство с этим композитором состоялось, когда я был еще студентом Хабаровского колледжа искусств. Тогда в моей программе были прелюдии одиннадцатого опуса. Вспоминаю, что Лариса Анатольевна Токарева, мой дорогой учитель, и весь фортепианный отдел благосклонно оценили мои юношеские интерпретации.

Первая же настоящая «скрябинская победа» случилась во время учебы в Консерватории: на нашем факультете проходил конкурс на лучшее исполнение Концерта Скрябина в преддверии 100-летнего юбилея В.В. Софроницкого. Тот конкурс принес мне первое место. После конкурса большой честью и радостью стала возможность исполнить Концерт на сцене легендарного Большого зала. Это значимое для меня событие оказало огромное влияние на мое творчество и становление в профессии.

– На какие важные детали необходимо обратить внимание при разучивании произведений Скрябина?

– Скрябин – особый композитор. Конечно, существует ряд профессиональных требований, которые должны всегда присутствовать в работе исполнителя: правильный текст, аппликатура, звукоизвлечение и т. д. Но особенно важно погружение в мир автора. А в случае со Скрябиным это вдвойне необходимо. Студенты обязательно должны знать интересы и желания автора, его круг знакомств, реакции на происходящее в искусстве и в жизни. Например, как бы он отреагировал на исторический ход событий. Не только важные и значимые детали, но и незначительные нюансы рисуют полный, целостный образ человека. 

– Что лично Вам помогает при работе над сочинениями?

– Генрих Нейгауз говорил о внутренней творческой иерархии: Человек – Художник – Музыкант – Пианист. Я всегда прошу студентов «просканировать» исполняемое произведение сквозь эти составляющие. Что хотел сказать автор как человек? А какая художественная задача здесь стоит? Важной составляющей творческого процесса является анализ музыкальной стороны: как развивается форма, какие средства выразительности применил здесь автор? И только потом – самый важный вопрос: как воплотить все это пианистически? Думаю, этот универсальный подход поможет понять любого композитора. Все музыканты говорят, что для исполнения Скрябина нужна особая психо-техника, человеческая и слуховая реактивность. Конечно, здесь требуется большая фантазия, и, к сожалению, не все могут интерпретировать его музыку убедительно. «Тут либо дано, либо не дано», как справедливо говорит наша выдающаяся пианистка Элисо Константиновна Вирсаладзе. 

– Существует мнение, что есть произведения, которые хорошо звучат, если только человек имеет определенный жизненный и творческий опыт. Вы преподаете в музыкальной школе и в Консерватории. На Ваш взгляд, в каком возрасте оптимально познакомить ученика с произведениями Скрябина? И в какой момент они начинают звучать зрело и убедительно?

– Знаете, все зависит от таланта. Моя ученица со времен детской музыкальной школы Софья Юдина, ныне студентка второго курса Консерватории, в юном возрасте на ряде фестивалей проникновенно исполнила Концерт Скрябина и получила высокую оценку представительного жюри, состоявшего из профессоров Консерватории.

– Ее исполнение звучало уже по-взрослому?

– Скорее по-своему, и это главное – музыканты единогласно отметили ее яркое выступление. Я сам, когда слушаю ее игру, понимаю, что Софья попадает в стиль, тонко чувствует эту музыку. Мемориальный музей А.Н. Скрябина с 1992 года ежегодно проводит конкурсные прослушивания на «Стипендию имени А.Н. Скрябина», благодаря которым мы узнаем новые имена талантливых молодых музыкантов. Вспомним совсем юного Даниила Трифонова, который получил стипендию в 2004 году – уже тогда он убедительно и зрело исполнял музыку Скрябина.

Студенты класса доцента Д.А. Людкова

– Мой педагог из Хабаровского колледжа искусств говорила, что у музыканта есть либо мощная творческая интуиция, либо техническое дарование, и эти понятия редко органично сочетаются, чаще всего приходится что-то развивать.

– Талант на то и талант, что многое происходит неожиданно. И, как правило, существует баланс между интуицией и техническим воплощением. Можно быть уязвимым в техническом плане, но тонко чувствовать стиль музыки. А можно быть виртуозом, но не уметь выразить дух композитора, его стиль. Совершенству нет предела – настоящий профессионал постоянно стремится создать собственный сбалансированный исполнительский «сплав» из авторского замысла, творческого вдохновения, звуковых и пианистических задач.

– С какими сложностями Вы сталкиваетесь при разучивании скрябинских произведений со студентами? 

– Каждое новое произведение зрелого периода Скрябина представляет нам совершенно нового автора. Бытует мнение, что ранние произведения разбирать сложнее: там богатая, порой перегруженная фактура. Поздние же сочинения учатся легче. Студенты об этом не знают. (Улыбается) Но, если объяснить, они начинают все это слышать и понимать. Скрябин при его уникальном языке классичен: музыкальная форма всегда четко выстроена. Из-за необычного музыкального языка многие не догадываются, что в этом композиторе заложена своя «божественная математика». Если же понять закономерности стиля и проанализировать их, произведение становится понятным.

– Как Вы воспринимаете Скрябина во всех его ипостасях – человека, музыканта, пианиста?

– Про него можно сказать абсолютно разные вещи: он и мистик, и сумасшедший эгоцентрист, но прежде всего – Творец! Время показало, что его произведения отражают веру в человека, воспевают его возможности и духовный потенциал. В этом отношении Скрябин для меня очень ценен. Ранние его произведения написаны с душевной теплотой, отражающей принадлежность к русской культуре и природе. Как говорил Рахманинов: «Музыка должна идти от сердца к сердцу». То же можно сказать и о Скрябине, его музыкальный язык очень проникновенный и искренний. И, конечно, нельзя обойти стороной его потрясающий темперамент. Многообразие чувств и состояний его музыки привлекает музыкантов и слушателей. Хочу отметить важное сходство Александра Николаевича с Шопеном, потому что Скрябина также можно назвать «поэтом рояля» – он тонко чувствует инструмент и открывает нам его богатейшие возможности. В случае полного понимания Скрябина как композитора случается волшебство на сцене: магическое звучание, состоящее из необычных гармоний и созвучий, завораживает и поражает. Я всегда с большим удовольствием исполняю скрябинские произведения. 

– Что Вы можете посоветовать молодым музыкантам, разучивающим Скрябина? 

– Уровень Московской консерватории необычайно высок, поэтому наши студенты не нуждаются в особых советах, ребята поступают уже вполне сформировавшимися музыкантами. Однако мне бы хотелось, чтобы у наших студентов оставалось живое любопытство к автору музыки, желание самим что-то узнать о нем. За двадцать лет мы сильно продвинулись в технологиях, интернет и гаджеты, безусловно, обогатили нашу жизнь. Но в чем-то они ограничивают человека, притупляют его природный творческий потенциал, жажду поиска и открытий. Сохранить в себе живой творческий импульс, желание творить самому, без оглядки на бесконечно развивающиеся технологии – мое пожелание всем начинающим музыкантам.

– Какие опусы из всего наследия композитора Вам особенно дороги?

– Я всегда стараюсь играть то, что мне близко. Очень люблю Прелюдию и Ноктюрн для левой руки, многие поэмы и этюды, и, конечно, Концерт для фортепиано с оркестром. С этими произведениями связаны дорогие для меня воспоминания. Сам характер этой музыки помогает установить доверительный контакт со слушателями, что всегда очень ценно для любого музыканта.

– Кто, по Вашему мнению, среди именитых музыкантов особенно хорошо исполняет Скрябина?

– Тонко и изысканно интерпретирует эту музыку Павел Нерсесьян, его исполнение – каждый раз открытие для публики. Замечательный скрябинист в Консерватории – Алексей Чернов, он исполняет цикл из всех произведений Скрябина. Среди пианистов северной столицы хочу отметить Петра Лаула, в репертуаре которого тоже полное собрание сочинений. На самом деле я боюсь кого-то не назвать: музыка Скрябина привлекает огромное количество исполнителей, и каждый из них по-своему «говорит» на ее языке, стараясь вслушаться в нее и найти к ней свой индивидуальный подход.

Беседовала Алевтина Коновалова, студентка НКФ, муз. журналистика

Фото Эмиля Матвеева

Рисую Россию

Авторы :

№8 (1391), ноябрь 2022 года

20 октября в выставочном пространстве Московской консерватории, в нижнем фойе Малого зала открылась выставка «Рисую Россию». На вернисаже представлена живопись художников факультета дополнительного образования Российского государственного художественно-промышленного университета имени C.Г. Строганова, вуза-партнера Московской консерватории. 

В 2019 году строгановцы оформили и «подарили» нам это выставочное пространство. Год назад в Консерватории проходила выставка работ куратора проекта «Рисую Россию» Андрея Криволапова, а в этот раз выставлены картины, созданные в сентябре 2022 года на пленэре в Крыму. Проект был реализован в рамках гранта Президента Российской Федерации для поддержки творческих проектов общенационального значения в области культуры и искусства.

Как отмечает руководитель проекта, директор АНО «Центр культурного и творческого развития „Арт Про“», художник и музыкант Юлия Лабинская, «я счастлива, что эта поездка состоялась, и что особенно важно и значимо, что она состоялась в столь непростое для России время… Для меня «Рисую Россию» – это не просто выигранный грант, это – возможность узнать о нашей великой и бескрайней стране больше, проникнуться традициями легендарных мест, связанными с именами великих деятельней отечественной культуры, таких как Антон Павлович Чехов, Лев Николаевич Толстой, Алексей Максимович Горький, Фёдор Иванович Шаляпин, Исаак Ильич Левитан и многими другими».

На открытии выставки с музыкальным приветствием выступили студенты и выпускники Московской консерватории: Мария Ткач (фортепиано), вокальный ансамбль «Пастораль» под руководством Марии Кравцовой, дуэт в составе Михаил Манашеров и Софья Алтухова (класс ансамбля ст. преп. кафедры хорового дирижирования Т.Ю. Ясенкова). Прозвучала музыка П.И. Чайковского, С.И. Танеева, а изюминкой программы стало исполнение хоровой миниатюры «Горные вершины», созданной выдающимся русским художником Василием Поленовым. От всей души благодарим Консерваторию в лице Н.В. Кобец за активную и действенную помощь в проведении выставки.

Марина Воинова, cт. преподаватель кафедры теории музыки

Фото Эмиля Матвеева

Она была душой и совестью Консерватории…

№8 (1391), ноябрь 2022 года

13 сентября, в день рождения Консерватории, не стало одного из самых авторитетных ее педагогов, профессора кафедры истории зарубежной музыки, кандидата искусствоведения Ирины Васильевны Коженовой

Имя И.В. Коженовой высечено золотыми буквами на мраморной доске почета среди профессоров, посвятивших Консерватории полвека своей жизни. За эти годы – а это более трети всей истории существования вуза – она выпустила свыше 1000 студентов разных специальностей, работая долгое время деканом иностранного, а затем историко-теоретического факультетов.

«В искусстве, как и в любви, прежде всего, нужно быть откровенным». Словами великого Верди можно охарактеризовать жизнь и творческую деятельность Ирины Васильевны. Свидетельница победы Вана Клиберна на первом конкурсе Чайковского, она была сопричастна успехам и ярким победам Alma Mater. Закончив родной факультет в 1963 году, с 1968-го преподавала на кафедре истории зарубежной музыки, продолжая и развивая педагогические традиции своего учителя – профессора Н.С. Николаевой. 

Главную консерваторскую заповедь – преемственность традиций – Ирина Васильевна привила и мне, ее ученице. Большим счастьем стала встреча с этим выдающимся педагогом и уникальным по своим душевным качествам человеком. Мы были незнакомы, когда я выбрала для курсовой работы музыку Сибелиуса к «Буре» Шекспира. И с тех пор, вот уже 20 лет, мы с Ириной Васильевной практически не расставались. Она стала для меня и мудрым наставником, и мамой в профессии, и настоящим другом, искренне радовалась успехам и сопереживала неудачам, буквально как своим. 

Ирина Васильевна учила мыслить, учила трудиться. Она открыла мне мир музыкальной шекспирианы, который я полюбила на всю жизнь. Удивительно «общалась» с композиторами, как с живыми. Верди и Сибелиуса она обожала, а Берлиоз вызывал головную боль. Благодаря универсальности ее мышления и богатейшему кругозору предмет «История музыки» превращался в поистине бескрайнюю вселенную, где, по ее словам, никому никогда не бывает тесно, каждый находит себе тему по душе. 

Ирина Васильевна была настоящим подвижником искусства. С юмором вспоминала трудные для всей страны 90-е годы, и эта фраза стала в Консерватории крылатой: «Получали мы тогда по 10 долларов на наши деньги, но, будучи настоящими консерваторцами, всегда были готовы даже сами доплатить, лишь бы нас пускали работать». 

Будучи главой консерваторской школы скандинавистов, всю жизнь пропагандируя музыку Финляндии, буквально в мае в очередной раз проявила свою знаменитую силу духа и активную гражданскую позицию, отказавшись посвящать свою творческую встречу музыкальной культуре этой страны, так как, по ее словам, то, что там сейчас происходит по отношению к нашей культуре – недостойно. В этом она вся – душа и совесть Московской консерватории. Зачастую ее справедливое слово становилось решающим на заседаниях Ученого совета.

Работа Ирины Васильевны была всеохватной и системной – более 15 лет она проводила Всероссийский конкурс по теории, истории музыки и композиции для учащихся средних специальных учебных заведений, «с младых ногтей» воспитывая все новые и новые поколения музыковедов, многие из которых успешно окончили Консерваторию и уже в ней преподают. Недаром среди многочисленных наград за активную общественную деятельность Ирина Васильевна была удостоена диплома «За значительный вклад в формирование, развитие и сохранение творческого и интеллектуального потенциала России». 

6 октября в Консерватории впервые должна была состояться музыкальная секция XXIX Международной научной конференции «Шекспировские чтения – 2022» и презентация сборника научных статей «Музыка России и Британии: параллели и перекрестки», авторами-составителями которого стали мы с Ириной Васильевной вместе. Конференция и презентация прошли уже без нее, и в память о ней в Рахманиновском зале в этот же день состоялся концерт.

В концерте приняли участие те, кто так любил и уважал Ирину Васильевну. В исполнении доц. Е.И. Скусниченко (сопрано) и преп. Ю.С. Куприяновой (ф-но) проникновенно прозвучал цикл «8 сонетов Шекспира» Таривердиева. Вероника Ан (сопрано) исполнила арию Клеопатры из оперы «Юлий Цезарь» Генделя. Доц. Р.Н. Кудояров сыграл пьесы из «Дневника каникул» Бриттена и, совместно с Ю.С. Куприяновой, Фантазию для двух фортепиано Глазунова и Сонату из кантаты Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit Баха. Один из ее учеников, профессор Михаил Никешичев перед своим выступлением сказал, что вот уже 40 лет Ирина Васильевна является для него эталоном в профессии, а ее открытия в области монтажных принципов формы в духовных произведениях Баха стали поистине пророческими.

Нам еще предстоит оценить масштаб личности Ирины Васильевны, ее роль в развитии музыкальной науки. Возвращаясь к словам так любимого ею Верди, все, что она делала в искусстве – она делала искренне, откровенно и с большой любовью. Всем известна ее фраза: «Консерватория существует для студентов. Мы работаем ради студентов, а не наоборот». И, безусловно, вся Консерватория – студенты, коллеги, друзья – отвечала ей такой же искренней любовью.

Помним, любим, скорбим…

Доцент Я.А. Кабалевская

Фото Дениса Рылова

Главный праздник Alma Mater

Авторы :

№7 (1390), октябрь 2022 года

13 сентября Московская консерватория отметила свой очередной, 156-й День рождения. Этот день – не только повод для праздничного концерта, но и возможность собрать друзей Консерватории вместе. Большой зал наполнился словами благодарности и признательности людям, отдавшим многие годы своей жизни служению Консерватории, а также тем, кто спонсорской деятельностью помогает развиваться нашему великому учебному заведению. 
Ректор А.С. Соколов и профессор В.Г. Агафонников

В 2016 году, когда Alma Mater праздновала свое 150-летие, была заложена очень важная традиция: Ученым советом была учреждена особая награда – золотая медаль имени Н.Г. Рубинштейна, которой удостаиваются выдающиеся выпускники Консерватории («РМ» рассказывал об этой награде – см. 2016, №7). Достаточно назвать лишь несколько имен, ставших ее лауреатами. Среди них: Геннадий Рождественский, Наталья Шаховская, Екатерина Царёва, Сергей Доренский… Вручение медали приурочено ко дню рождения Консерватории. Так случилось и в этом году, в памятный вечер 13 сентября.

«Мне выпала высокая честь в торжественной обстановке уже в шестой раз вручать эту замечательную награду Консерватории  медаль имени Николая Григорьевича Рубинштейна, – тем людям, которые сегодня признаны Консерваторией как продолжатели ее великих традиций и кем она гордится уже в мировом масштабе», – начал церемонию ректор Александр Сергеевич Соколов.

Награждали в этот вечер поистине выдающихся выпускников: заведующего кафедрой истории зарубежной музыки профессора М.А. Сапонова; заведующего кафедрой деревянных духовых инструментов профессора В.С. Попова; и ректора нашего учебного заведения, заведующего кафедрой теории музыки профессора А.С. Соколова. Лауреаты не скупились на теплые слова признательности своей Alma Mater, а коллеги, ученики, друзья, заполнившие зал, с воодушевлением им внимали.

«Я счастлив, что мне довелось пробыть в Консерватории шестьдесят два года, – поделился В.С. Попов, – за это время мне удалось сыграть шесть тысяч концертов с различными оркестрами. Я также благодарен судьбе, что эту высшую для меня награду я получаю из рук моих коллег в моей любимой Консерватории».

М.А. Сапонов, взяв слово, признался, что для него Московская консерватория была чем-то невообразимым, что поменяло всю его жизнь: «Когда входишь в это замечательное, великое здание, то чувствуешь, что все в себе лучшее нужно отдавать ученикам и коллегам. Но более того, это хорошее в себе нужно возводить, а это очень трудно, но в этом и есть счастье».

По словам А.С. Соколова, получить эту медаль для него особая честь и гордость. «Для любого консерваторца это самая, наверное, важная награда, так как она не кем-то и где-то предназначена, а она решена волей Ученого совета, тайным голосованием, – сказал Александр Сергеевич. – Тем самым возникает какая-то сверка «часов»: так ли ты делаешь то, что ты делаешь, и в чем тебе следует учиться у тех, кто тебя выучил».

Далее последовала церемония вручения серебряной медали «Меценат года» имени Саввы Мамонтова. Учрежденная в год 155-летия консерватории, она присуждается за благотворительность и спонсорскую деятельность. Ею удостаиваются меценаты, которые более пяти лет оказывают поддержку нашей Alma Mater. Среди ее верных друзей и помощников, награжденных в этот вечер, – член Попечительского совета, профессор О.В. Грядовая, а также ее коллега по совету А.И. Комаров. Благодаря их помощи решаются многие проблемы учебного заведения. «Мы, несомненно, и дальше будем помогать насколько хватит наших сил и возможностей» – заверила О.В. Грядовая.

Хотя церемония награждения и заняла львиную долю праздничного вечера, времени хватило и для музыки. Концертную программу составили знаменитые «Меланхолическая серенада» П.И. Чайковского, Первый концерт для скрипки с оркестром Д.Д. Шостаковича, а также потрясающая своими яркими красками сюита из музыки балета «Жар птица» И.Ф. Стравинского. Концертный симфонический оркестр Московской консерватории под управлением профессора А.А. Левина порадовал блестящим исполнением заявленной программы. Как всегда, на высоте был солировавший в концерте скрипач, народный артист России, профессор С.В. Стадлер. В каденции Скрипичного концерта Сергей Стадлер поразил силой и глубиной звука, в «Меланхолической серенаде» – проникновенностью, а по ходу концерта –находчивостью: заполняя паузу, случившуюся из-за долгого отсутствия дирижера, солист сыграл в качестве эпиграфа «Элегию» для скрипки соло Игоря Стравинского.

Этот жест был воспринят залом как добрый знак: в этом году мы отмечаем юбилей – 140 лет со дня рождения Стравинского. И внегласное музыкальное присутствие гения русской музыки оказалось очень кстати в этот замечательный и радостный вечер.

Никита Зятиков, студент НКФ музыковедение

Фото Эмиля Матвеева 

Прелесть фантастики и авантюры

Авторы :

№7 (1390), октябрь 2022 года

«Я как Вы, Ваше величество, ничего не делаю, но без меня никак» — знаменитый ответ Сергея Павловича Дягилева (1872–1929) испанскому королю, конечно же, был своеобразным кокетством. «Большой шарлатан, шармёр и нахал» был не только выдающимся организатором, но и самым настоящим автором! Его творения были абсолютно полностью на виду, но обнаружить их можно только по прошествии времени. И время это настало! Самое поразительное, что, похоже, Дягилев прекрасно отдавал себе в этом отчет и, более того, рассчитывал на такое «проявление пленки» длиною в век.

Имя Сергея Дягилева стало знаковым в мировой культуре. Вызов, удивление, восторг, талант, игра, скандал – все это части дягилевской мозаики. Уже не одно поколение исследователей, литераторов, режиссеров буквально болеет дягилевским феноменом. Удивительная личность, которая перевернула жизнь культурного бомонда начала XX века и заставила говорить о русском искусстве весь мир. Сейчас, в год 150-летия со дня рождения импресарио, остается только поразиться, насколько широким было поле его деятельности и насколько актуальны до сих пор его идеи.

Даже одного из начинаний Дягилева достаточно, чтобы его имя было вписано золотыми буквами в историю. Грандиозным свершением была выставка коллекции русской исторической живописи XVIII века. Более шести тысяч картин представили грандиозную панораму российских портретов, открывшую новую эру изучения русского искусства. Ярчайшим культурным событием стало возникновение «Мира искусства». Объединение, созданное Дягилевым совместно с Бенуа, было рупором новейших течений в живописи. Вся классика русского модерна – Сомов, Врубель, Серов, Билибин и других – утвердилась именно благодаря ему.

Сергей Дягилев участвовал в деле пополнения коллекции Третьяковской галереи. Он старался, чтобы туда попадали лучшие картины с устраиваемых им выставок. В связи со своей организаторской деятельностью Дягилев обратил внимание на такую сферу, как музейное проектирование. В России этому вопросу до него не уделялось должного внимания. Многое из того, что сейчас кажется логичным и само собой разумеющимся для экспозиций картин, было впервые сформулировано Дягилевым. Именно он внедрил в России европейскую практику деления больших залов на небольшие отсеки при помощи перегородок: «стали мы стены строить и потолками закрываться, это было для всех в диковину». Дягилеву принадлежит идея использовать однотонные задники, чтобы создать единый фон для картин. Он предложил и универсальную схему проектирования экспозиций, которая используется во многих крупных музеях России.

Наконец, знаменитые «Русские сезоны», открывшие совершенно иной подход к процессу творчества, стали кульминацией всей дягилевской деятельности. Синтез, органичное взаимопроникновение и важность каждого мельчайшего элемента определили авторский метод импресарио. Он привлекает к оформлению спектаклей самых ярких художников: Бакст, Бенуа, Пикассо, Рерих, Гончарова, Матисс, Утрилло, Балла… Декорации дягилевских спектаклей, созданные гениями начала XX века, стали энциклопедией образов эпохи. Музыка, танец, оформление – все средства в равной степени выразительны и должны быть направлены на раскрытие концепции целого. Дягилев непосредственно участвует в создании спектаклей, определяет их музыкальный облик. Это был рубеж, знаменующий переход от театра старого к театру новому, режиссерскому. Рубеж двух систем.

Открытие фестиваля. Профессор И.А. Скворцова

Дягилевские сезоны стали революцией не только в мире музыки и театра, но и в мире моды. Яркие аксессуары, восточные образы и даже загар стали популярны во многом благодаря дягилевским действам. В Европе появилась мода на все русское: иностранные танцоры брали русские псевдонимы, а супруга короля Георга VI отправилась под венец в платье, украшенном элементами в русском стиле. Королева косметики того времени – Хелена Рубинштейн, – едва вернувшись домой после посещения Русских сезонов, сменила убранство дома на яркие блестящие тона.

Дягилев положил начало активному взаимодействию моды и театра. Когда над постановкой одновременно работают Жан Кокто, Пабло Пикассо и Коко Шанель, она просто обречена на успех! Роскошные костюмы и декорации, созданные ярчайшими художниками начала XX века – Бенуа, Бакстом, Гончаровой, Пикассо и другими, – стали неисчерпаемым источником вдохновения для выдающихся модельеров XX века. Поль Пуаре, Мариано Фортуни, сестры Кало, Коко Шанель, Ив Сен-Лоран – эти имена говорят сами за себя. Следуя примеру Шанель, театральными образами стали заниматься Ив Сен-Лоран, Пьер Карден, Джанни Версаче. Любимое «сказочное» платье принцессы Дианы, созданное дизайнерским дуэтом Дэвида и Элизабет Эммануэль и проданное на аукционе за 200 000$, было придумано в подражание костюмам Бакста.

Дягилев был невероятно яркой личностью, обладавшей даром угадывать и аккумулировать вокруг себя таланты. Благодаря ему мир узнал имена многих гениальных композиторов, хореографов, художников. Дягилев считал, что дистанцировать русское искусство от мирового наследия – ошибочно, и стремился всячески продвигать значимые достижения отечественной культуры. Сергей Павлович мечтал привезти свою труппу в Россию, но этой мечте не суждено было осуществиться. Многое из того, что покоряло публику всего мира, осталось неизвестным на Родине.

Этот факт стал одной из причин открытия в Московской консерватории фестиваля «Музыка дягилевских сезонов», инициированного кафедрой истории русской музыки под руководством доктора искусствоведения, профессора Ирины Арнольдовны Скворцовой. Фестиваль состоит из трех мероприятий и представляет музыку, связанную с деятельностью антрепризы Дягилева, охватывавшей не только постановки разножанровых спектаклей, но и различные концертные программы. 

28 сентября 2022 года в Рахманиновском зале Консерватории прошел первый вечер, посвященный музыке С.В. Рахманинова. Концерт стал приношением одновременно дягилевскому юбилею и предстоящему 150-летию со дня рождения композитора. Сочинения Рахманинова были связаны со своеобразной отправной точкой «Русских сезонов» – циклом Исторических концертов, организованных Дягилевым в Париже. Представив в 1907 году ярчайшие образцы русской музыки европейской публике, импресарио загорелся идеей создания масштабного театрального предприятия, которым и стали «Русские сезоны». 

Эмин Мартиросян и Ксения Апалько

Второй концерт пройдет 28 октября в зале имени Н.Я. Мясковского в рамках просветительской серии «Встречи в музыкальной гостиной». В нем будет представлена музыка М.И. Глинки и Н.А. Римского-Корсакова – композиторов, к произведениям которых Дягилев нередко обращался при создании своих спектаклей. А торжественным завершением фестиваля станет вечер 8 ноября 2022 года в Большом зале Консерватории, где состоится российская премьера исполнения музыки к балету «Русские сказки», буквально сотканной Дягилевым из произведений А.К. Лядова.

Спектакль «Русские сказки» был создан в 1917 году творческим союзом выдающихся художественных фигур: руководитель С. Дягилев, хореограф Л. Мясин, художники Н. Гончарова и М. Ларионов. После триумфальной премьеры в Париже, в театре Шатле, спектакль прошел в Барселоне, Женеве, Лондоне, Мадриде, Монте-Карло, Риме, Турине и других европейских городах. В наши дни эта жемчужина дягилевских «Русских сезонов» существует лишь в виде разбросанных по разным странам архивных документов, работа с которыми позволила восстановить облик спектакля. Некоторые из номеров были заново оркестрованы композитором Кузьмой Бодровым специально для нашего фестиваля.

Музыка «Русских сказок» вместе с еще одной яркой партитурой дягилевских сезонов – «Аполлоном Мусагетом» И. Стравинского – прозвучит 8 ноября в исполнении Камерного оркестра Московской консерватории под управлением народного артиста РФ Феликса Коробова.

Концерт задуман в синтетическом ключе – с использованием визуального оформления, отражающего яркий стиль «Русских сезонов». Соприкосновение с этим удивительно притягательным красочным миром вызывает в памяти слова Бенуа о том, что Дягилев «был великим мастером создавать атмосферу заразительной работы, и всякая работа под его главенством обладала прелестью известной фантастики и авантюры». Пусть эта атмосфера увлекательного приключения, свежести эмоций и радости творчества, столь точно характеризующая дягилевские начинания, сохраняется и передается нашим слушателям!

Доцент Е.Е. Потяркина, кандидат искусствоведения

Фото Дениса Рылова

Окно в настоящее

Авторы :

№7 (1390), октябрь 2022 года

С 27 июня по 1 июля в Московской консерватории прошли III Всероссийские семинары новой музыки – образовательная программа для молодых композиторов и исполнителей, организованная ансамблем «Студия новой музыки». В этом году темой курса стала «Музыка и медиа», а в качестве со-организаторов программы выступил ЦЭАМ (Центр электроакустической музыки Московской консерватории).
Лекция Александра Хубеева

Всероссийские семинары проводятся с 2014 года. Программа каждого года состоит из теоретической и практической части. На лекциях и мастер-классах разбираются базовые инструментальные техники XX века: особенности их исполнения, записи и использования в сочинениях, а также общие вопросы истории и теории новой музыки. На протяжении недели семинаристы слушают лекции, участвуют в концертах и практических занятиях.

Для молодых исполнителей Всероссийские семинары – это возможность найти «точки выхода» из привычной академической среды, расширить свой репертуар и приобрести навыки работы с современными партитурами. Помогают им в этом солисты «Студии», которые проводят индивидуальные занятия и готовят студентов к выступлению на заключительных концертах. А молодые композиторы могут получить профессиональную оценку уже написанных сочинений и обсудить то, что находится в работе.

В 2022 году темой Семинаров стала «Музыка и медиа». Электроакустические и мультимедийные композиции сейчас все более востребованы, поэтому основной задачей курса было знакомство с новейшим репертуаром, способами работы с электроникой и видео. Большую роль играла практическая часть: разработка собственной электроакустической композиции у композиторов и обучение взаимодействию с электроникой и видео для исполнителей. Практику для исполнителей курировали солисты «Студии новой музыки»: Константин Ефимов и Марина Рубинштейн (флейта), Станислав Катенин (фагот), Мона Хаба и Наталия Черкасова(фортепиано), Андрей Винницкий (ударные), Алексей Потапов (гитара) и Марина Катаржнова (скрипка). Кураторами у композиторов стали Александр ХубеевНиколай ПоповАлексей Наджаров и Николай Хруст.

Теоретическая часть Семинаров включала лекции об истории и теории электроакустической музыки, особенностях live-выступлений и средствах live-электроники, а также разбор новейших акустических и электроакустических композиций. Среди лекторов – исследователь и основатель «Термен-центра» Андрей Смирнов, альтист Сергей Полтавский, солисты «Студии» Игнат Красиков (кларнет), Андрей Никитин (ударные), Анастасия Табанкова (гобой) и Ольга Галочкина (виолончель).

Лекция Андрея Никитина

В этом году в Семинарах участвовали студенты из Саратова, Нижнего Новгорода, Екатеринбурга, Санкт-Петербурга и Москвы – всего 18 человек. Новым, в сравнении с прошлыми программами, стало участие молодых дирижеров. 

Кроме лекций и практикумов в рамках Семинаров состоялись три концерта. На открытии солисты «Студии» представили мультимедийные композиции и сочинения с электроникой. В концерте прозвучали пьесы российских композиторов: Николая Хруста, Николая Попова, Анны Поспеловой и Александра Хубеева. Также были исполнены сочинения редко звучащих у нас авторов Франциско Колоссанто (Аргентина), Томаса Кесслера (Швейцария) и Петера Аблингера (Австрия). 

За неделю обучения студенты-семинаристы подготовили две концертные программы. Первая – с электроакустическими сочинениями (концерт состоялся 30 июня в ЦЭАМ), вторая – акустическая (в Концертном зале им. Н.Я. Мясковского 1 июля). Для электроакустической программы были выбраны сочинения композиторов, чья эстетика выходит за пределы академической электронной сцены. Это Якоб TV (Якоб тер Велдхейс), голландский композитор, которого сравнивают с Энди Уорхолом; Александр Шуберт, опирающийся на фри-джаз, техно и поп-музыку, и рок-музыкант Карлхайнц Эссл – оба из Германии. Несмотря на то, что некоторые участники впервые работали с пьесами такого формата, а время на подготовку было минимальным, все студенты достойно справились с материалом. 

В программу второго концерта вошли сольные и ансамблевые акустические сочинения. Прозвучала музыка Антона Веберна, Карлхайнца Штокхаузена, Пьера Булеза, Луи Андриссена, Эдисона Денисова, Валентина Сильвестрова, Хаи Черновин и Алексея Сюмака.

Базой для работы композиторов на курсе стал ЦЭАМ – научно-творческий центр электроакустической музыки, созданный в Московской консерватории в 2006 году. Кроме электроакустики в Центре изучают мультимедиа, разрабатывают учебные пособия, организуют фестивали и образовательные мероприятия. Сотрудники ЦЭАМа ведут лекции в Консерватории, но лишь недавно их дисциплины перестали быть факультативными. С 2022 года для композиторов всех курсов ввели большой образовательный блок по электроакустической музыке.

Интерес к электроакустике есть и у студентов из регионов, но далеко не всегда у них есть возможность серьезно изучать это направление. К сожалению, в нашей стране пока не сформирована образовательная среда в области электроакустической музыки, и русскоязычных исследований в этой сфере крайне мало. На сегодняшний день основную часть литературы составляют переводы зарубежных изданий, и по большей части это руководства по компьютерным программам. Пока что музыканты из регионов вынуждены заниматься самообразованием и получать информацию на семинарах и лабораториях. 

Совместными усилиями ансамбля «Студия новой музыки» и ЦЭАМа удалось провести семинары на уровне, соответствующем международным стандартам.  Подобные проекты способны давать импульс для развития и открывать новые направления молодым музыкантам. Конечно, сами по себе они не могут заменить образовательную инфраструктуру, но становятся первым шагом к освоению новейших технологий и направлений в искусстве. Ведь электроакустическая музыка уже стала новой реальностью, и путь к ней лежит через кропотливое изучение тех наработок, которые есть на сегодняшний день. 

Алина Моисеева, выпускница НКФ (2022), муз. журналистика

фото Дениса Рылова

Атланты держат небо…

№7 (1390), октябрь 2022 года

Каждая встреча со старшим поколением консерваторцев, будь то концерт, лекция или просто беседа, – это всегда урок живой истории. Они, как атланты, «держат небо на каменных руках». И одним из таких «атлантов» является заслуженный работник культуры РСФСР, Советник Ректора по концертной работе Владимир Емельянович Захаров. 29 сентября в Большом зале Консерватории состоялся гала-концерт, посвященный его 95-летнему юбилею!

Владимир Емельянович служит Большому залу 70 лет! Именно так он определяет суть своей работы. Это больше чем половина жизни самого зала. Профессиональная деятельность В.Е. Захарова отмечена высокими наградами: почетная грамота Президента Российской Федерации В.В. Путина «За заслуги в развитии отечественной культуры и искусства, многолетнюю плодотворную деятельность», благодарность председателя Совета Федерации Федерального собрания РФ В.И. Матвиенко, серебряный нагрудный знак отличия «За служение Московской консерватории» … Список можно продолжить.

В день юбилея, под фанфары Центрального военного оркестра Министерства обороны РФ и многолетие от Камерного хора Московской консерватории Владимира Емельяновича поздравил ректор Консерватории, профессор А.С. Соколов и вручил почетную награду Министерства культуры РФ – нагрудный знак «За вклад в Российскую культуру». Зал приветствовал юбиляра стоя!

Музыкальные подарки Владимиру Емельяновичу преподнесли мэтры отечественной культуры. В первой части вечера Владимир Спиваков и «Виртуозы Москвы» исполнили сочинения Л.Боккерини, П.И. Чайковского и А.Пьяццоллы. Во втором отделении «Метель» Г.Свиридова прозвучала в эталонном исполнении Большого симфонического оркестра имени П.И. Чайковского под руководством Владимира Федосеева. Финальной точкой стал страстный испанский танец из музыки балета «Лебединое озеро» П.И. Чайковского – намек на интерес юбиляра к испанской культуре, испанским языком Владимир Емельянович владеет в совершенстве.

Поздравительные адреса в этот день пришли от Благотворительного фонда Валерия Гергиева; от Московской государственной академической филармонии; видеопоздравления прислали Денис МацуевХибла ГерзмаваЕкатерина Мечетина

Секрет профессионального и жизненного долголетия В.Е. Захарова – это любовь к Большому залу, к исполнителям, к коллегам, к студентам, к постоянным слушателям… Любовь к Музыке и эта любовь взаимна! Многая лета, дорогой Владимир Емельянович! Многая и благая лета!

Елена Ферапонтова, руководитель дирекции концертных программ БЗ, кандидат искусствоведения

Фото Эмиля Матвеева

Рувим Островский играет и говорит

Авторы :

№7 (1390), октябрь 2022 года

Цикл «Бетховен. Собрание фортепианных сочинений», посвященный юбилею Бетховена и исполненный профессором Р.А. Островским, 8 мая текущего года в Малом зале завершился долгой стоячей овацией. 
Рувим Островский

Масштабом замысла, глубиной и всеохватностью этот цикл не укладывается в ряд обычных музыкальных событий. В двенадцати концертах, проходивших на протяжении трех сезонов, было охвачено практически все фортепианное творчество Бетховена в его развитии и многообразии жанров. Кроме 32 сонат, бесспорно являющихся ядром цикла, прозвучали 13 вариационных циклов, значительное число миниатюр, среди которых несколько опусов «Багателей», множество танцев, рондо и других отдельных пьес, а также все четырехручные сочинения Бетховена, исполненные совместно с пианисткой Надеждой Рубаненко.

Исполнению бетховенских опусов предшествовали бесценные по своему содержанию и художественному воплощению словесные преамбулы, в которых Рувим Ааронович провел своих слушателей по основным вехам жизни Бетховена и его творческого пути: от детских сочинений до вершин позднего сонатного творчества, от развлекательных вариаций на темы из популярных опер, написанных на потребу дилетантов, до таких вершин фортепианного искусства как 33 Вариации на тему вальса Диабелли соч. 120.

Пройдя путь многогранного научного и исполнительского исследования, Рувим Ааронович вышел на новый уровень исполнительского постижения бетховенского творчества – абсолютного слияния с авторским материалом. Переработав все лучшие исполнительские и музыковедческие достижения бетховенианы последних трех столетий, выстроив и подготовив 12 уникальных по своей художественной значимости и невероятно масштабных по емкости программ, пианист проникает в «святая святых» бетховенского творческого процесса, на какой-то момент поднимаясь до соавторства, когда у слушателя остается впечатление сопричастности исполнителя творцу.

Фортепианный стиль Рувима Аароновича отличает ярчайшая исполнительская индивидуальность, артистическая свобода, не стесненная никакими заведомыми установками. Главной чертой исполнительского облика пианиста, как мне кажется, является стремление донести бетховенскую мысль в ее первозданности, избегая всевозможных исполнительских штампов. Эстетическая бескомпромиссность в выражении основной, ведущей мысли вызывает у слушателей ассоциации с образом автора. Не каждый исполнитель может себе позволить подобное перевоплощение: примени этот прием другой пианист, это могло бы вызвать неприятие публики. В нашем случае зал реагировал с восторгом за подаренные мгновения духовного парения. Облик исполнителя, его благоговейный трепет перед божеством автора, его чуткое вслушивание в душевные движения композитора  все вызывало у слушателя почтение и благодарность.

Яркой особенностью таланта Островского становится мастерство режиссерской драматургии: он способен передать разномасштабность взгляда – отдаленность и приближение явления, т.е. крупный план или любование филигранностью рассматриваемой хрупкой детали. Музыка и словесный комментарий находятся в особом соотношении. Природный артистизм и настоящее ораторское искусство позволяют Рувиму Аароновичу установить контакт с залом и, главное, посвятить слушателя в свое, личное отношение к автору и его музыке. Артист полон эмоций различного происхождения: его речь – это не музыковедческий анализ и не исполнительский комментарий, это полновесное авторское слово, неповторимое, обладающее точностью формулировок, силой эмоционального воздействия и выводящее публику на высокий, порой недостижимый для рядового слушателя уровень музыкального восприятия.

Опираясь на большое количество документальных свидетельств, Рувим Ааронович в своих преамбулах ставит исполняемые сочинения не только в исторический контекст, но и в контекст разнообразных человеческих коллизий. Здесь и истории многих посвящений, и любовные перипетии, и отношения с друзьями, меценатами, издателями, и многое другое. Как легко мы узнаем теперь имена людей, которым сочинение посвящено! А если вникнуть, как это делает артист, в сложную, порой неоднозначную историю таких посвящений, понимаешь, сколько загадок, порой неразгаданных, за ними скрывается…

На протяжении всех концертов Островскому удивительным образом удавалось сократить долгие годы, отделяющие нашу эпоху от бетховенской, максимально приблизить нас к творцу. Слушатель не просто знакомился с событиями, но переживал их, словно становясь их свидетелем и современником. Объясняется это очень просто: кроме артистического дара пианист обладает незаурядным писательским дарованием – именно писательским, потому что он знает законы и возможности нашего восприятия и учитывает их.

Цикл, исполненный Р.А. Островским, приковывает внимание не только своей масштабностью, он завораживает непостижимостью и духовностью услышанного, то есть теми высочайшими свойствами, утратой которых отмечено, к сожалению, наше время. После заключительных аккордов каждого очередного концерта неизменно возникал вопрос: неужели созданное и услышанное сегодня под силу человеку?! Рувим Ааронович позволил нам ощутить величие и могущество бетховенского наследия, исполнив высокую миссию – донести до нас духовное послание гения, обращенное к человечеству.

Профессор Е.П. Месснер

«Великие квинтеты» в стенах Консерватории

Авторы :

№7 (1390), октябрь 2022 года

12 сентября в Рахманиновском зале коллектив под руководством Леонида Лундстрема представил концерт «Великие квинтеты». Публике посчастливилось услышать одни из лучших образцов камерной музыки: два соль-минорных квинтета – струнный Моцарта и фортепианный – Танеева. Классицистский и позднеромантический.

Под квинтетом традиционно понимается произведение, рассчитанное на исполнение ансамблем из пяти инструментов. Два соль-минорных квинтета – Моцарта и Танеева – два представителя одного жанра, но из совершенно разных эпох. Однако созданные в 1787 году сочинение Моцарта и в 1911 году квинтет Танеева строятся практически одинаково: в качестве структурной модели взят как раз пример жанра эпохи венских классиков. Подобная схожесть как тональности, так и композиции объяснима: Сергей Иванович, как известно, чтил и зачастую обращался к образцам старых традиций. Как видим, коллектив подошел к выбору произведений ответственно.

В концерте приняли участие: создатель ансамбля Леонид Лундстрем (первая скрипка), Полина Лундстрем(вторая скрипка), Мария Воскресенская – виртуозная пианистка и спутница жизни Леонида Игоревича, Павел Федосеев и Дмитрий Усов (альты) и участник проекта «Лундстрем трио» Владимир Нор (виолончель). Коллег поддерживал еще один неизменный участник коллектива – скрипач Пётр Лундстрем. (Пётр недавно вернулся из Донецкой Народной Республики, куда возил гуманитарную помощь).

Все участники концерта проявили себя как прекрасные солисты и ансамблисты. Не лишая экспрессии, Моцарта исполнители выдержали в духе классицизма – тонко, ясно, как бы вполголоса. В далеком XVIII веке фортепиано, а, вернее, клавир, редко становился участником столь больших ансамблей (исключением в творчестве того же Моцарта стали два квинтета для клавира и духовых), и использование однородного состава, в данном случае – струнного, лишний раз отсылает слушателя к ставшему «прошлым» звучанию. Ансамблисты в моцартовском квинтете показали отличную слаженность и дали насладиться чистым звуком. Четкая артикуляция, виртуозные пассажи и лирическая выразительность привели слушателей в восторг: музыканты уже в конце первого отделения выходили кланяться дважды.

Во втором отделении на сцене появилась Мария Воскресенская, чья исполнительская манера отличается особым масштабом. Это дало поразительный эффект: отличающийся хоровой, несколько церковной акустикой Рахманиновский зал Консерватории наполнился романтическим, а в некоторых местах партитуры апофеозным звучанием. Здесь уже не было классицистской сдержанности и камерности – музыканты буквально гипнотизировали слушателя мощным и почти экспрессионистским звуком.

Несмотря на внешнюю схожесть, квинтет Танеева устроен сложнее, и поэтому музыкантам пришлось проявить умение правильно выстроить исполнение. Глобальная первая часть – Интродукция – уже претендует на звание самостоятельного произведения, завершающегося собственным мощнейшим «финалом». Ансамбль настолько хорошо слился в этом «финале» в эмоциональном экстазе, что слушатели уже готовы были подносить цветы. Но! Этот мощнейший «финал» – не финал. И удивительный, сильнейший эмоциональный подъем в конце первой части, характерный все-таки для окончания всего сочинения, несколько ослабил дальнейшее впечатление, отчего неискушенному слушателю, возможно, труднее давались последующие части.

Но это не умалило того весеннего настроения, которое удалось создать музыкантам (во многом благодаря Марии Воскресенской) в скерцо, написанном в духе Чайковского. В философской медленной части – вариациях на басовую тему – несмотря на всю экспрессию исполнители как будто вернулись в XVIII век, что отразилось в какой-то чистоте и строгости звучания. Стремительный, действенный финал возвратил к драматическому настроению первой и главной части, а гимническая кода, которую музыканты впоследствии исполнили на бис, вновь вдохновила и воодушевила слушателей на бурные аплодисменты.

Софья Игнатенко, студентка НКФ музыковедение

Как звучит «Голос миллениалов»?

Авторы :

№7 (1390), октябрь 2022 года

Кто такие композиторы миллениалы? О чем, для чего и «из чего» их музыка?  эти и многие другие вопросы были затронуты в книге Сергея Уварова «Голос миллениалов». 15 сентября в ЦЭАМ (Центр электро-акустической музыки) Московской консерватории состоялась презентация нового литературно-музыкального проекта Союза композиторов России. Сочетание письменного и живого разговора, нотированной и звучащей музыки – вот, что представляет собой презентация и ее предмет. «Звучащая книга», «современные композиторы»  понятия растяжимые, а вот «миллениалы» – уже более конкретное определение. Так называют тех, кто появился и реализовал себя на музыкальной арене за последние два десятилетия.

Автор книги – музыковед, музыкальный критик и журналист Сергей Уваров – постарался дать максимально целостное представление о своем поколении композиторов, их музыке и воззрениях. Собственно, эти три пункта и стали основой презентации: за лаконичным вступительным словом автора последовал небольшой, и весьма противоречивый концерт из трех произведений героев книги, а далее композиторам была дана возможность «ответить за содеянное» перед слушателями и потенциальными читателями.

После традиционных слов благодарности организаторам и участникам проекта, автор решил ответить на главный вопрос: «Что представляет собой эта книга, и о чем она вообще?». Надо отдать должное Сергею Уварову за простоту и ясность описания. В кратком спиче были освещены как предмет размышлений, так и средства его постижения. Попытка понять, что же принесло в музыкальный мир поколение 30-летних, стала импульсом к поискам и рассуждениям. Да и вообще, сначала нужно выяснить, какое оно, современное музыкальное пространство и кто задает тон его звучанию. Из этих соображений были отобраны 12 интервью с наиболее яркими композиторами современности. Автор делает своего рода срез, показывающий текущее состояние русской музыки.

Помимо бесед, в книгу вошли авторские эссе и 12 полных партитур музыкальных произведений, что действительно не часто встречается в литературе о музыке. Новинкой для читателя станут и QR-коды: во-первых, они позволят послушать записи произведений, а во-вторых, познакомиться с биографией композиторов и следить за обновляющейся (!) информацией о каждом из них. Более того, они дают книге возможность самообновляться и оставаться актуальной даже спустя время! Как сказал автор: «Эта книга, своего рода, задел на будущее», а поскольку будущее любой книги во многом зависит от читателей то, чем шире их круг, тем лучше. В данном случае об этом не стоит беспокоиться, поскольку она может удовлетворить интерес как меломана, так и специалиста-музыковеда. Конечно, отбор героев книги – субъективен, о чем сказал сам Сергей Уваров, но в таком комплексе разножанровых источников (эссе, интервью, партитура, звучащий и беззвучный QR-коды) есть и большая доля объективности, которая с лихвой компенсирует невозможность объять необъятное — современную академическую музыку.

Заинтриговав слушателей содержанием книги, участники проекта все же решили приоткрыть завесу и исполнить несколько опубликованных в ней произведений. В небольшом концерте прозвучали произведения Александра Хубеева, Анны Поспеловой и Николая Попова. Несмотря на многократно подчеркнутую индивидуальность стиля каждого автора, организаторы не заметили или намеренно отобрали произведения очень схожие по некоторым параметрам. Например, вся музыка оказалась для струнных и электроники – по очереди прозвучали скрипка, виола да гамба и виолончель. Да, конечно, они отличаются и трактованы по-разному, но все-таки инструменты разных эпох очень объединяет нейлоновая струна XXI века и боязнь прозвучать обычно.

Сергей Уваров рассказывает о своей книге

Последнее попыталась преодолеть Анна Поспелова в своем Bzzz для виолы да гамба, вводя вполне традиционные трезвучия, где-то ближе к середине произведения, но кого сегодня удивить путем от диссонанса к консонансу? Остатки бетховенской лодки «от мрака к свету», давно разбились о быт XX века. Вторым объединяющим фактором стал расчет на визуальную сторону. Наиболее прямо об этом заявлено в KCI 23/11 для виолончели, электроники и видео Николая Попова. Здесь он использовал полюбившийся ему видео-арт, те, кто были в прошлом концертном сезоне на фестивалях «Московский форум» и «Биомеханика», могут вспомнить предыдущие опыты. Попытка визуализировать звук, подчеркнуть особенности артикуляции через параллельное движение рук виолончелиста в реальности и на экране, хорошо концентрирует слушателя на происходящем, обостряет впечатление, но какое именно – понять очень сложно. Мелькающий видеоряд, с частым монтажным ритмом, в сочетании с острыми музыкальными углами и хрустящей электроникой производят неоднозначное впечатление. Слишком эффектное, это произведение практически не рассчитано на обычного слушателя, не готового к слегка агрессивной манере, в которой оно выполнено. Пьеса буквально атакует и слух, и зрение.

Визуальная сторона произведений Поспеловой и Хубеева заключается в самих исполнителях, инструментах и приемах игры. Поспелова для своих экспериментов выбрала нетривиальную виолу да гамба. Более того, как она призналась в ходе public talk, ее произведение не только музыка, но технически впечатляющее зрелище, «эквилибристический этюд». Чего стоят многочисленные переброски смычка из руки в руку. Интересно наблюдать, что еще может акустический инструмент, звук которого пускай и пропущен через усилитель. Визуал «Голоса Феникса» наименее выразителен, но наперстки вместо смычка вызывают некоторое оживление. Каков же он – голос феникса? При касании к струнам наперстки вызывают синтетический, действительно немного ирреальный звук. Сразу отметим, что эффектное название из мира фэнтези наталкивает на мысль о желании композитора изобрести голос неведомой, способной к самовозрождению птицы, которая может петь вечно. Ирония в том, что музыкальные произведения имеют свойство заканчиваться… Если же оставить смысловые вопросы, часто неуместные в современном искусстве, то окажется, что мы имеем дело со все той же романтической программной пьесой, но с измененным типом образности и модернизированными средствами звукоизвлечения.

Завершающий презентацию public talk расставил некоторые точки над і. Начали с очевидного вопроса о новизне и вкладе миллениалов в музыку нашего времени. Ответ дал Александр Хубеев, выразив мысль, что новое создать невозможно, но настоящая новизна в индивидуальности каждого композитора. Скепсис по поводу новизны выразила и Анна Поспелова. Вот только встает вопрос: тогда зачем нам нужен «Голос Феникса»? Нет ли противоречия между действиями и словами?

Второй вопрос был выражен словами Станиславского: «Какова сверхидея?» Суммируя весьма пространные ответы, сложилось впечатление, что цель есть «поиск материала». Об этом напрямую заявил Николай Попов, а Анна Поспелова уделила большое внимание многочасовым поискам приемов и звука, проведенных совместно с исполнителем Антоном Изгагиным. Но материал всегда найдется, особенно во время, когда им может быть все, что угодно, а разговоры о новых музыкальных мирах, принципах, методах и системах, перестают быть столь увлекательными, как только из предложения стоит убрать «новое». Без этого прилагательного все, что к нему было привязано, становится неопределенным и бесцветным.

Был затронут и вопрос слушательского восприятия, которое было решительно отвергнуто: «Традиционно, ты вообще не думаешь о публике… все зависит от какого-то индивидуального воспитания, восприятия слушателя», – говорит Николай Попов. Подобными вещами эпатировал публику еще Эрик Сати, но вот вряд ли Сати возлагал всю ответственность за свои действия на слушателя, хотя если развернуть этот же факт как «сотворчество» – результат будет иным. Впрочем, тема столь пространна, что естественно заплутать в лесу пяти концептуальных вопросов – это и произошло, когда к диалогу подключились гости презентации.

Книга и презентация в комплексе дают вполне объективную картинку, открыто выражают разнообразие сосуществующих в музыкальном мире позиций и взглядов на искусство. Опыт непосредственного общения сегодня крайне ценен. И пусть живая речь в письменном варианте всегда пестрит шероховатостями, в книге Сергея Уварова «Голос милениалов» – непременно останется главное.

Анна Фарбак, студентка НКФ музыковедение

Фото Дениса Рылова