Юрий Абрамович Башмет 24 января отпраздновал свой 70-летний юбилей. Сегодня Маэстро Башмет – звезда первой величины в большом музыкальном мире: солист-исполнитель и профессор Московской консерватории, дирижер и художественный руководитель нескольких созданных им оркестров (камерный «Солисты Москвы», симфонический «Новая Россия», Всероссийский юношеский симфонический оркестр), в течение многих лет (с 1989 года) ведущий оригинальной, им задуманной телевизионной музыкально-просветительской передачи «Вокзал мечты» и автор автобиографической книги того же наименования (2003), учредитель, президент или участник многих музыкальных фестивалей всемирного уровня за рубежом и в России, выдающийся музыкально-общественный деятель, поражающий «космическими» замыслами и их реализацией, творческая личность, непрерывно фонтанирующая все новыми идеями, уже воплощенными или только созревающими в его воображении, о которых еще услышим… А еще лауреат премии «ГРЭММИ», кавалер многих отечественных и зарубежных высоких наград, свидетель и участник неординарных исторических культурных событий, верный товарищ в творческой жизни и заботливый отец, муж и дедушка в своей семье…
На фоне всего этого пиршества регалий и россыпи разнообразных достижений прославленного музыканта, которые сложно просто перечислить, не рискуя что-то упустить, в моей памяти всплывает далекое прошлое…
Мы познакомились зимой 1986 года в Доме творчества композиторов в Рузе. Мы с мужем приехали на мои каникулы, а Юрий Абрамович жил там в одной из дач с женой и маленькой дочкой (младший сынок еще не появился на свет, но был «на подходе»!). Жизнь в Рузе давала возможность музыканту творчески работать – ни своей квартиры в Москве, ни тем более своего дома в Подмосковье у них еще не было. Хотя достигнуто уже было многое, из последнего – только что (в начале января) состоявшаяся мировая премьера Альтового концерта Альфреда Шнитке в Амстердаме. Российской премьере предстояло прозвучать только через год: Концерт Шнитке в Большом зале в мае 1987 года с фантастическим успехом снова исполнит Юрий Башмет, которому он посвящен, с Геннадием Рождественским за пультом, предварившим звучание музыки серьезной и восторженной преамбулой для публики. Это было яркое столичное событие, которое помнится в деталях. Но за год до того об этом сочинении еще мало кто знал…
В это время я вела на центральном телевидении передачу «Музыка наших современников» и после знакомства пригласила поучаствовать в одной из них Юрия Абрамовича. Разговор в этот раз шел о первом прочтении новой музыки. Слава о выдающемся молодом альтисте уже разнеслась по миру, он играл много премьер, ему посвященных. Даже звучало шутливое обозначение нового жанра: «Музыка для Башмета с оркестром». Но из всего написанного сам исполнитель абсолютно выделял как нечто необыкновенное, по его словам «гениальное», – Концерт для альта с оркестром Альфреда Шнитке. «Работа над этой музыкой стала для меня подлинным наслаждением», – сказал он в моей передаче и там же добавил, – вообще принцип вхождения в новое произведение – это попытка представить себе, примитивным языком, как будто я сам его сочинил. Когда я чувствую, что каждая нота и каждая фраза получают свое, оправданное уже мной значение, тогда я понимаю, что я готов».
Альтовый концерт Альфред Шнитке закончил незадолго до страшной болезни, которая его сразила летом 1985 года. И становятся понятны слова, которые я недавно прочла в одном интервью, где, отвечая, Ю. Башмет вспоминает композитора: «Я у него брал интервью для «Вокзала мечты», и тогда он сказал: «Это мой лучший инструментальный концерт… Я заболел смертельно, но меня решили еще подержать немножко наверху, потому что именно в этом концерте я заглянул туда, куда человек не имеет право заглядывать»…
Когда через 20 лет, уже после «слома страны», у меня вышла книга «Диалоги о музыке перед телекамерой» по материалам тех передач, в обобщающей главе о ее участниках я написала: «Читая все, что было сказано, понимаешь, что кто-то так и остался „документом ушедшей эпохи“, кто-то мудро или наивно парил в своих эмпиреях, кто-то, может быть, оказался пророком, а кто-то стоял в стартовой стойке, чтобы затем свободно и далеко взлететь». Последнее было написано с мыслью именно о Ю. Башмете. И этот взлет Маэстро продолжается до сих пор, теперь уже по многим творческим векторам, в разных художественных орбитах, и все к новым высотам.
А тогда… В какой-то день Юрий Абрамович собрался из Рузы в Москву, у меня в городе тоже были дела, и он пригласил поехать с ним. В его машине была шикарная по тем временам стереосистема и в дороге он мне сразу предложил послушать свежую запись амстердамской премьеры нового Альтового концерта Шнитке… Машина летела по заснеженной «минке», и в ней на полную концертную громкость звучала страстная, «нечеловеческая» по силе воздействия музыка в совершенном исполнении. Это было какое-то чудо – такого потока эмоций, такого звучания альта, сильного, глубокого, таинственного, я еще не слышала никогда! «Водитель» слушал вместе со мной и был справедливо горд, понимая мои чувства и уникальность происходящего…
С Днем рождения, дорогой Юрий Абрамович! Долгой Вам творческой жизни, здоровья и широкого признания всех Ваших достижений. Будьте счастливы и все также успешны на радость Вашим близким, друзьям и приверженцам!
В 2023 году исполняется четверть века со дня ухода из жизни Альфреда Гарриевича Шнитке (1934–1998). Своими воспоминаниями о выдающемся композиторе и одном из своих учителей в бытность его работы в Московской консерватории поделилась профессор Евгения Ивановна Чигарева:
– Евгения Ивановна, в классе Альфреда Гарриевича Вы занимались чтением партитур и инструментовкой. Можете вспомнить, какие практические советы он давал?
– Конечно. Он давал советы в связи с конкретными заданиями: обычно мы делали переложения для оркестра небольших пьес (например, из «Мимолетностей» Прокофьева). Он, видя наши беспомощные попытки, воодушевлялся, садился за инструмент и по-композиторски четко размечал нотный текст. А как он играл – это был не рояль, а настоящий оркестр! Когда на следующий урок я приносила уже сделанное задание, он, глядя в ноты, говорил: «А это неплохо!», уже не помня, что это его вариант. Вообще обучение теоретиков (точнее, девочек-«теоретичек») умению писать партитуры, которые никто никогда не исполнит и не услышит, – дело не слишком перспективное. Оно невольно вызывало скептическое отношение Шнитке-композитора, который говорил: «Если, действительно, хотите этому научиться, надо идти в оркестр и все изучать там».
– На своих занятиях он часто выходил за рамки конкретных вопросов и вел разносторонние беседы?
–Да, это бывало. Особенно когда я была одна, разговоры на непрофессиональные темы невольно возникали. Помню, разговор коснулся Достоевского, которого очень любили и он, и я. По поводу романа «Бесы» он сказал просто: «Там все правда». Тогда в советском издании избранных сочинений Достоевского в 10 томах исповеди Ставрогина не было. Но он ее читал по-немецки. А когда у нас зашел разговор об одном известном музыковеде, который, как мы хорошо знали, был весьма «лоялен к системе» (со всеми вытекающими из этого последствиями) и я с энтузиазмом молодости начала осуждать его, Шнитке ответил: «Мы не можем судить их. Мы не знаем, ЧТО они пережили».
– Допускал ли Альфред Гарриевич групповые занятия? Если таковые были, как он выстраивал процесс?
– Чтение партитур предполагает только индивидуальные занятия. Что касается инструментовки, тут был скользящий график. Студент приходил, показывал выполненное или только начатое задание, он делал замечания, правил и размечал, после чего студент садился за стол и писал, а в это время он погружался в кресло и о чем-то размышлял (это было очень красивое зрелище!). Потом приходил другой студент. Иногда это был Реджеп Аллояров, единственный композитор, который у него занимался. И ему, и Денисову не давали композиторов во избежание «дурных» влияний (чтобы было поменьше авангардизма в музыке!).
– Чем отличались занятия Альфреда Гарриевича от занятий у других профессоров? Часто студенты рассказывают друг другу об учебном процессе…
– Я знаю только о занятиях в параллельном классе у Э.В. Денисова. Но каковы они были, не знаю. Могу только сказать, что на экзамене Шнитке и Денисов сравнивали работы своих учеников и увлеченно говорили: «А, у тебя так? А у меня так». Они прекрасно понимали, что это их творчество, а не студентов!
– Альфред Гарриевич любил знакомить своих учеников с «запрещенной» музыкой». Какие произведения Вам больше всего запомнились? И каковы были его комментарии?
–Да, это было у нас принято. И Шнитке, и Денисов давали в классе слушать современную музыку, которую мы тогда не знали и услышать ее было негде. Помню, что Альфред Гарриевич заказал в класс Пассакалью ор.1Веберна. Это было первое произведение Веберна, которое я услышала. Несмотря на ясную ре-минорную тональность, оно мне тогда показалось сложным. На его вопрос«Ну, как?» я, чтобы не ударить в грязь лицом, ответила с умным видом: «Надо было бы посмотреть партитуру».На что Альфред Гарриевич произнес слова, которые я запомнила на всю жизнь: «Музыка пишется не для музыкантов».
– Шнитке написал немало блестящих статей, посвященных оркестровому письму музыки ХХ века. Обсуждал ли он на своих занятиях связанные с ними проблемы?
–Нет, этого я не помню. Но мы знали о них (особенно потом, когда уже «подросли»), они распространялись в своеобразном музыковедческом самиздате еще до того, как были опубликованы в сборнике статей А.Г. Ивашкиным. Можно предположить, что мысли, высказанные в этих статьях, могли присутствовать и в наших разговорах в классе.
– Под руководством Шнитке Вы писали курсовую работу об инструментовке в Симфонии ор. 21 Веберна. На что он обращал внимание?
– Это была для меня целая эпопея, открытие нового музыкального и художественного мира. Я не помню, как и почему мы вышли на Симфонию Веберна, но это, конечно, была инициатива Альфреда Гарриевича. Я тогда погрузилась в новую для меня не только музыку, но и атмосферу, в то, что стояло за этой музыкой, в духовный мир ее создателя. Это было волнующее событие.
Помнится, мы оба были увлечены. И конечно, сначала был предварительный этап серийного анализа. Сколько было у меня схем и сколько в моем восприятии было в них воплощено красоты! Музыка Веберна предстала как некий кристалл, который поворачивается разными гранями, и это казалось неисчерпаемым. Какую роль в этом процессе играла инструментовка – ведь именно этому предмету была посвящена работа? Оказалось, что это было тесно связано с серийной организацией Симфонии.
Выяснилось, что в этом сочинении (как это было характерно для позднего Веберна вообще) были черты сериализма: определенные звуки или сегменты серии поручались определенным инструментам (например, нота ми 1-й октавы в начале 2-го раздела первой части была всегда у кларнета, а тритон звучал у арфы). Совершенно неожиданным было также то, что в трактовке серийной организации композитором присутствует «принцип общих звуков» между разными позициями серии, что создавало элементы тоникализации. Это открытие было настолько ошеломляющим и для педагога, и для студентки, что Альфред Гарриевич предложил мне написать статью об этом на материале работы.
И я это сделала. Альфред Гарриевич рекомендовал ее в издательство «Музыка» для сборника «Музыка и современность», в котором тогда, благодаря Т.А. Лебедевой, публиковались весьма прогрессивные статьи (например, статья Э.В. Денисова «Додекафония и проблемы современной композиторской техники»). Но в это время произошел поворот на 180 градусов в позиции редколлегии, сборник раскритиковали, а вместе с этим и Лебедева потеряла возможность публиковать такие «сомнительные» статьи, как моя о Веберне. Так она и осела в архиве издательства, у меня даже не осталось ее черновика.
– Каким Вам запомнился Альфред Гарриевич как учитель?
– Для меня Альфред Гарриевич был всегда, прежде всего, любимый композитор, прекрасный музыкант и незаурядная личность. Поэтому любое его слово ловилось на лету и оседало в памяти, можно сказать, ложилось на душу. Я навсегда благодарна Господу Богу за это: встреча с педагогом, тогда молодым и малоизвестным, оказалась для меня, как сейчас говорят, судьбоносной…
Двадцать первый век – век информационных технологий. Мы постоянно пользуемся «благами цивилизации» – интернетом, различными мессенджерами, и, конечно, телевидением. Чтобы соответствовать запросам общества, образовательные и культурные учреждения должны идти в ногу со временем. Вот и Московская консерватория не отстаёт, и даже лидирует в этом отношении: уже несколько лет, как в её стенах функционирует собственное телевидение,которое выросло в целый комплекс – Медиадепартамент Московской консерватории. «РМ» уже знакомил читателей с вновь созданным телевидением МГК в интервью с его руководителем Д.В. Балбеком («РМ», 2020, №5). Сейчас же пришло время поговорить с ним о том, какие изменения коснулись этой структуры и каким достижениям можно порадоваться.
– Дмитрий Валентинович, телевидение Консерватории сделало огромный рывок с начала пандемии, прямые трансляции прочно вошли в нашу жизнь. Как бы Вы сами сформулировали результаты прошедших трех лет?
– Действительно, за время пандемии телевидение Консерватории совершило прорыв. Мы стали одними из первых, кто смог успешно проводить онлайн-трансляции концертов классической музыки в новых условиях. Большую поддержку этому проекту оказал ректор, профессор А.С. Соколов. Если оценивать результаты прошедших трех лет, я с уверенностью могу сказать, что почти не осталось мероприятий, проводимых Консерваторией, которые не были бы записаны и не транслировались Медиадепартаментом на различных площадках и медиаресурсах. Он стал неотъемлемой частью Консерватории. Невозможно представить концертные залы и учебные классы без наших камер, а наши прямые эфиры в социальных сетях стали регулярным и обсуждаемым культурным событием. У нас постоянно растущая аудитория. Я с радостью хочу отметить, что наши медиаресурсы привлекают в том числе и молодых зрителей. Приобщение новой аудитории к классической музыке – одна из важнейших задач, с которой мы успешно справляемся. А наши партнерские платформы собирают десятки и сотни тысяч зрителей на каждом концерте. С каждой новой трансляцией интерес слушателей растет не только в нашей стране, но и за ее пределами. У нас интернациональная аудитория. Если подытожить и коротко ответить на Ваш вопрос о результатах – видеотрансляции открыли новую страницу в развитии Консерватории.
– Насколько наши трансляции пользуются спросом? Какое число зрителей, примерно, их смотрит?
– Видеотрансляции из залов Консерватории на платформах VK и Одноклассники набирают больше сотни тысяч просмотров всего лишь через час после окончания мероприятия. По результатам прошлого года наши видео собрали около 10 миллионов просмотров. Для площадки, которая начала вещание всего 5 лет назад, это огромное достижение. Мы сотрудничаем с федеральными каналами телевещания. Наше видео смотрят на каналах «ОТР», «Культура» и других. Платформа «OKKO» уже несколько лет использует наши материалы. Мы начинаем активное сотрудничество с каналом ClassicMusic. Число партнеров Медиадепартмента Консерватории растет, так же, как и охват аудитории, которую привлекает наш уникальный медиаконтент. Мы прогнозируем еще более активный прирост аудитории на наших каналах и площадках в ближайшие годы.
– Какую трансляцию или съемку Вы бы назвали самой значимой за последние два года?
– Слава Богу, что не могу ответить на Ваш вопрос однозначно. Одна из самых значимых для меня съемок – концерт выпускников, она происходит ежегодно и это архиважно. Московская консерватория – это Альма-матер почти всех лучших российских музыкантов. Возможность через 30-50 лет посмотреть на заслуженного профессора или известного исполнителя и увидеть, каким он был в юности, проследив его становление, является уникальной. Мы успели снять бесценные видеоматериалы с М.В. Юровским, Г.Н. Рождественским, И.В. Бочковой, С.Л. Доренским… Записи концертов с участием звезд первой величины, таких как Денис Мацуев, Николай Луганский, Александр Князев, Ильдар Абдразаков, Хибла Герзмава, а также мастер-классы наших профессоров уже вошли в золотой фонд классической музыки.
– Сейчас Медиадепартамент разработал положение о видеоконтенте – в чем его суть?
– Это внутренний документ. Положение о видеоконтенте Консерватории – один из краеугольных камней, связанных с установлением правил поведения и отношения к одному из наших самых ценных ресурсов в медийном контексте. Этот документ призван положить конец бесконтрольному расточительству уникального материала, он предписывает порядок и необходимые действия для всех участников процесса видеозаписи – исполнителей, авторов и других лиц, заявляющих свои права на видео. По моему глубокому убеждению, Консерватория должна владеть правами или частью прав на весь видеоконтент, который выходит из ее уникальных залов. Консерватории 156 лет, телевидению более 90 лет, первым телевизионным записям из Консерватории около полусотни лет, и только 5 лет назад, записав «свой» первый видеофайл еще Отделом Телевидения, Консерватория получила «свое первое право» на эту видеозапись в своих же стенах! Возможно утрированно, но поверьте, что на юридическом поле идет очень жестокая борьба за права на медиаконтент. И эта борьба с каждым годом становится все более ожесточенной. Мы должны это понимать и серьезно относиться к правовому регулированию данного вопроса. Правила, описанные в положении о видеоконтенте, обеспечивают сохранение культурного наследия Консерватории.
– Вы подчеркиваете, что Ваша главная задача – продвигать бренд МГК, ее профессоров и студентов. Насколько удается решать эту задачу?
– Вы правы, продвижение бренда Московской консерватории – одна из наших приоритетных задач. На наших видео – студенты, аспиранты, профессора своим великолепным исполнением ежеминутно подтверждают и доказывают всему миру свой высочайший уровень мастерства и высокую планку Консерватории, носящей имя Петра Ильича Чайковского. Видеотека, состоящая из более двадцати тысяч часов видеоконтента, ежедневно пополняется. Уже сейчас она крайне востребована, а со временем по праву займет одно из важных мест в мировой культуре. Московская Консерватория – это не только учебное заведение: Большой зал является уникальной концертной площадкой, на которой выступают музыканты мирового уровня. Поэтому продвижение нашего бренда крайне важно. На всех видеоматериалах из Консерватории, которые легально выходят из консерваторских классов и концертных залов, обязательно присутствует логотип Консерватории. Видео с логотипом Консерватории – гарантия профессионального подхода к съемке и ее высокого качества.
В заключение хочу пожелать нашим зрителям приятного просмотра наших программ!
В 2023 году ансамблю солистов «Студия новой музыки» исполняется 30 лет. Сегодня это один из ведущих российских ансамблей современной академической музыки, прошедший через три десятилетия активного творческого поиска и международной практики. «Студия» стала одним из главных коллективов, который способствовал интеграции России в современный мировой музыкальный контекст. Проекты «Студии» помогли сделать концерты новой музыки в России привычным явлением.
История ансамбля началась в 1993 году, когда Мстислав Ростропович заказал Владимиру Тарнопольскому комическую оперу для своего фестиваля в Эвиане (Франция). Композитор написал ее для нового ансамбля солистов, куда вошли лучшие студенты Московской консерватории. В результате после международного успеха на фестивале в Консерватории появился аспирантский класс «Ансамбль современной музыки». Его инициатором выступил проректор по научной работе профессор А.С. Соколов, ныне ректор МГК им. П.И. Чайковского. С первого же дня главным дирижером Ансамбля стал молодой педагог Игорь Дронов. Одновременно с Ансамблем в Консерватории появилось Общество современной музыки, которое в 1999 году было переименовано в Центр современной музыки (ЦСМ).
В течение 30 лет «Студия» делала все, чтобы исполнение новой музыки стало естественной частью культурной жизни страны. В своих программах Ансамбль представлял сочинения, которые долгое время были скрыты от слушателя. На концертах впервые зазвучали шедевры раннего русского авангарда: неизвестные сцены из оперы «Нос» Дмитрия Шостаковича (1928), Вторая камерная симфония Николая Рославца (1936), сочинения Владимира Фогеля, имя которого даже не попало в основные тома советской Музыкальной энциклопедии и др. Ансамбль заново открыл музыку Ефима Голышева, Ивана Вышнеградского, Николая Обухова и многих других. На концертных афишах появились и имена европейских авторов второй половины ХХ и начала XXI века. Среди них – Фаусто Ромителли, Жерар Гризе, Тристан Мюрай, Хельмут Лахенман, Брайан Фернихоу, Беат Фуррер, Сальваторе Шаррино и др.
Ансамбль проделал огромную работу и по интеграции новой русской музыки в общемировой контекст. Опусы российских композиторов, в частности молодых авторов, зазвучали на престижных зарубежных фестивалях: «Варшавская осень» (Польша), Mancafestival (Франция), Gaudeamus(Нидерланды), BerlinerFestspiele, фестиваль к 100-летию «Весны священной» (США); и на ведущих европейских площадках: в парижском Cité delaMusique, в Konzerthaus Берлина и Вены, в Pierre Boulez Saal в Берлине. «Студия новой музыки» стала первым российским ансамблем, приглашенным на Венецианскую биеннале и знаменитые Международные летние композиторские курсы в Дармштадте.
С 1994 года в Рахманиновском зале Консерватории регулярно проходит Международный фестиваль «Московский форум», где выступают ведущие коллективы мира: EnsembleModern, KlangforumWien, EnsembleOrchestralContemporain, EnsembleRecherche, SchoenbergEnsemble… В копилке «Студии» – несколько десятков крупных международных проектов: «Созвучие. Антология музыкального авангарда ХХ века», «Россия-Германия. Страницы музыкальной истории», «Россия глазами европейцев. Европа глазами россиян», «Звуковой поток», «Moz—art. Игры с Моцартом», 2P2. Onair и другие.
Ансамбль «Студия новой музыки», Игорь Дронов с А.С. Соколовым. 1998 год
Т. Мюрай и И. Дронов репетируют со «Студией». 2005 год
С момента основания «Студия новой музыки» ведет активную образовательную деятельность. Уникальный опыт Ансамбля позволил создать целую серию учебных курсов по современному репертуару и новым исполнительским техникам, что стало основой для профильного класса ассистентуры-стажировки и кафедры современной музыки. «Студия» выступала с мастер-классами и лекциями в российских регионах, в Оксфордском (Великобритания), Гарвардском и Бостонском (США) университетах; проводила совместные проекты с EnsembleModern в Молодежной академии EM (Германия). Последние несколько лет Ансамбль ведет Всероссийские семинары современной музыки и «Молодежную лабораторию», в рамках которой проходят концерты студентов и ассистентов-стажеров Консерватории, исполняются сочинения молодых композиторов.
В год своего 30-летия «Студия новой музыки» представляет несколько крупных проектов. 26 январястартовал цикл концертов «Путеводитель по ансамблю». Его основная идея – познакомить слушателей с организацией ансамбля современной музыки и продемонстрировать его художественные возможности. С 9 февраля Ансамбль проведет еще один цикл – «История открытий / Открытия истории». В нем представлены «исторические» опусы русского авангарда, которые «Студия» впервые сыграла перед российской публикой, редко исполняемые сочинения классиков второй половины ХХ века, а также мировые премьеры молодых композиторов. А в сентябре 2023 года планируется издание книги, посвященной истории Ансамбля, и хрестоматий по расширенным техникам игры на инструментах.
Самым главным и масштабным событием сезона станет Фестиваль к 30-летию «Студии новой музыки». Двухнедельный марафон пройдет со2 по 18 октября на разных концертных площадках Москвы и объединит выступления «Студии», концерты приглашенных российских ансамблей и солистов. В рамках фестиваля запланирована и образовательная программа, в которую войдут журналистские семинары и научно-практическая конференция.
Итоги подвел главный дирижер «Студии», профессор И.А. Дронов: «На протяжении последних 30 лет каждый из нас вносил свой вклад в формирование российской культурной среды. За это время выросли поколения прекрасных композиторов и исполнителей, возник целый класс заинтересованных слушателей, концерты современной музыки стали неотъемлемой частью культурного ландшафта столицы, появились в региональных афишах. Сейчас пришло время по достоинству оценить все то, что сделано, и, конечно, важнейшая художественная цель «Студии» – распахнуть будущее для нашей музыки».
В человеческой жизни свершаются события, в реальность которых не хочется верить. Не могут смириться разум и душа с горестной и скорбной потерей, которую, как и всегда в этих тягчайших случаях, мы еще не осознали и не постигли в ее неумолимой мере. В конце ушедшего года наш мир покинула незабвенная Галина Алексеевна Писаренко…
Галина Алексеевна ушла, оставив за собой в сообществе людей не только горечь тяжелейшей утраты, но и огромный как планета мир ее редкостного по озаренности таланта, удивительного, неповторимого творчества, света ее духа, умения видеть в реалиях жизни нечто особое, видимое только ее душе. И раскрывать все это – необъятное, не всегда постигаемое, – так тонко, своеобразно, с красками и штрихами, присущими только ее несходству с другими, удивляющими свежестью и чертами, контурами всего, что ей в ее большой жизни и обширности творений удалось осознать, воплотить и подарить всем нам.
…С чего начать осмысление особенностей ее невероятного излучения творческих свойств? С ее голоса? Да, он безмерно самобытен в своей обаятельной «округлости», индивидуальности тембра, поразительной теплоте. Наследница великих традиций «дорлиаковской» вокально-исполнительской школы, Галина Писаренко всю свою красивую и истинно творческую жизнь несла заветные свойства «излучений», игры тембральных красок, замечательной полетности и «купольности» верхнего регистра. И много, много всего иного, что заложено свыше в возможностях великого дара Пения, который издавна дан Господом людям для того, чтобы выражать самое Высокое и Сокровенное в моменты, когда бытовых, разговорных слов становится недостаточно. И этот предельно выразительный, окрашенный различными оттенками чувств тембр сплетался с особой выразительностью слова, а далее – с рождаемой авторской музыкальной драматургией выразительностью сценического действия. И что самое таинственное и прекрасное – не в «алгебраической сумме» всех этих начал, а в тончайшем сплетении их в нечто, рождающее особую правду театра Оперы, несовместимую ни с бытовой «заземленностью», ни со снижением высоты полета души в ее устремлениях.
Сплетение воедино уникального певческого дара и прекрасной в своем совершенстве красоты, изысканности, изящества, утонченного вкуса и рождало воплощение множества разных, несхожих друг с другом образов, характеров изменчивых и непостоянных, натур контрастных и неповторимых. В их редкостном сочетании с извечной «силой слабости», заложенной Творцом в суть истинно Женского начала мира – в образах, которые подарила нам Галина Писаренко, – расцветают чувства в их устремленности к свободе, к воплощению права на гармонию в мире полном дисгармонии! И в этой борьбе гармоничного с дисгармоничным, в стремлении любить и дарить Добро миру, переполненному явлениями Зла, живут все героини Галины Писаренко. Как в разнообразных операх, так и в романсах, песнях и других произведениях обширного камерного творчества. Ведь и романс, и песня в воплощениях Певицы превращались в своеобразный мини-спектакль, где героиня органично и трепетно проживала свою судьбу в минимально сжатом отрезке времени.
Да – легендарная школа Нины Львовны Дорлиак… Школа, которая организует по определенным органичным законам не только весь вокально-физический аппарат, но саму душу и естество, делая даже самый замечательный в своих свойствах голос действенным средством для полноценного раскрытия сути чувств, поступков, оценок событий, изменений героини в борьбе с обстоятельствами, для динамики экспрессии и эмоциональности – и еще многого, многого в подтекстах, в глубинных планах.
Да – легендарная школа Станиславского, в принципах которой с первых лет творчества Галину Писаренко воспитал Театр его имени и его собрата по искусству Немировичем-Данченко… И неимоверно ценно, точнее – бесценно то, что с самых начал творчества юная Галина Писаренко была вовлечена в круг устремлений этих школ – с ней «напрямую» работали над образами истинные ученики двух мэтров, сознательные и активные носители начал, завещанных им великими Основателями. Именно эти основы высшего Мастерства, опираясь на светлый талант и неповторимость взглядов на мир и явления Бытия – сформировали то, что лаконично можно назвать артистическойиндивидуальностью Галины Писаренко. Все это связано с ее выдающейся творческой деятельностью в Музыкальном театре Станиславского и Немировича-Данченко, одним из знаковых символов которого стало ее имя, а в заключительный период ее сценического творчества – в театре «Новая Опера»…
Судьба подарила мне добрую возможность наблюдать за самобытным творчеством Галины Алексеевны с достаточно раннего периода ее работы в театре. С дней моей юности постоянно бывал на множестве ее спектаклей, а начав активную творческую жизнь, я получил благодатный дар судьбы – добрую и светлую дружбу с Галиной Алексеевной, начавшуюся сорок лет тому назад. И пронесенную через десятилетия в нескончаемой цепи замечательных впечатлений, теплых и доверительных общений, восприятий множества ее спектаклей и концертов. А еще позднее – воплощенную в целый ряд интересных и плодотворных творческих проектов с активным участием Галины Алексеевны в разных формах и при ее активнейшем добром содействии.
Упоминаю об этом и потому, что факт ее горестного ухода отколол огромную глыбу от «утеса» жизненных событий на протяжении десятилетий. И дал повод еще глубже вдуматься в суть всего поистине необъятного, что совершено ею в творчестве на оперной и концертной сцене, как и в многогранности ее педагогической, просветительской и общественной деятельности.
…Пожалуй, раньше всех других образов в сознании возникает ее Татьяна. Воспринятая множество раз, в самые разные периоды жизни, с разными партнерами, в разных состояниях духа. Сказано и написано о Татьяне Галины Писаренко много. Этим образом искренне восхищался и далекий от комплементарности С.Т. Рихтер, который всегда и во всем стремился и умел подметить нечто ускользающее от расхожих взглядов. Постараемся и мы. Стоит, наверное, начать с того, что в ее Татьяне не было и следа «унылой странности», отрешенности. Напротив, все ее существо в день и миг, с которого начинается опера Чайковского, со всем устремлением ждало чего-то необычного, нового и радостного, что непременно должно произойти. И сама встреча с Онегиным, и восторженное оцепенение Татьяны от осознания того, что в ее мечтательную, романтическую жизнь входит нечто светлое, сулящее неведомые радости. И ночь письма не мучительно-смятенная, а полная предощущения истинного счастья, самая светлая ночь в ее жизни. А потом – жесткий и жестокий удар неприятия Онегиным ее чувства и открытости духа… Далее – в блестящей Татьяне-княгине – неизбывная тоска по навсегда ушедшему миру грез и ощущение физического давления на душу положенных ритуалов светскости. И страсть реального Онегина, в тот момент предельно далекого от идеала, который в умчавшемся былом сформировался в ее душе. И поразительная мудрость заключительной сцены – не банальная «отповедь», а мудрое увещевание смириться с тем, что жизнь не тождественна мечте, и им не суждено быть вместе не только из абсолютной верности долгу, но и потому, что в этот решающий момент Онегин реальный ни в чем не схож с тем образом, который живет в ее душе и остался лишь желанной, но невоплощенной грезой… В невероятно многокрасочном звучании, весомом слове и необыкновенно импульсивном, в высшей мере сильном состоянии духа, жил этот необыкновенно искренний образ, каждый раз, в бесконечной череде спектаклей, заново прожитый…
Замечательная, особенная Иоланта Галины Писаренко тоже неизбывно в памяти. Именно той «памяти сердца, что сильней рассудка памяти печальной». Да, в согласии с драматургией оперы Иоланта слепа. Но Галина Алексеевна тонко и мудро раскрывает, пожалуй, самую сложную ипостась ее образа. Она ни в коей мере не повторяет многократно встреченный штамп изображения слепой в механистической пластике «нащупывания» предметов. Нет, ее пластика совершенно естественна, голос пребывает в органичных и выразительных интонациях, ведь пространство, в котором она живет, знакомо ей до миллиметра. Но порывами души Иоланта «видит» (я не оговорился!) нечто иное, чем многие обычные люди. И не физическая слепота, которую она не осознает, томит ее, а неясное предчувствие чего-то нового, непонятного, тревожащего душу. Имея счастье наблюдать жизнь ее Иоланты в десятках спектаклей, я не уставал поражаться, как просто и драматичнораскрывала Галина Писаренко момент, когда пораженный Водемон с ужасом осознает, что она не может видеть! Не стираются из памяти спектакли, в которых в этой мудрой простоте выразительнейшего пения, фразирования и действия ее Иоланта физически насыщала души зрителей высшим состоянием «катарсиса» – от восприятия правды и органики вокально-сценического действия… И раскрывала сложнейший процесс не только физического, «медицинского» прозрения, но и высшего Прозрения Духа – о чем, по сути и была написана Чайковским его таинственная «Иоланта».
В кадрах памяти и обреченная Мими с ее светом души и беззаветностью любви к Рудольфу, с ее страстным желанием быть с ним и силой своей любви защитить от перипетий судьбы, вопреки роковым обстоятельствам. В этом еще один незабвенный парадокс творчества Галины Писаренко: редкостная сила доброты и света и в сиянии ее голоса, и в излучениях души, и во всем ином, что высказывается в энергетических порывах самого разного толка. Недаром выдающийся оперный режиссер Вальтер Фельзенштейн усмотрел в натуре Галины Алексеевны особые черты и сумел в союзе с прекрасным артистизмом Певицы сотворить ее Микаэлу. Отнюдь не безвольно «однотонную», а сильную, волевую, по-иному, но сопоставимую, с силой духа и энергетической мощью самой Кармен.
Как не коснуться и неизменно возникающей в памяти ее Манон – изысканно-прекрасную, поначалу даже утонченно-эгоцентричную в своих порывах и страстях. Самое сложное на сцене вообще, а на оперной в особенности, это раскрытие образов Любви – разных, не схожих друг с другом. Именно этим исключительным свойством умения раскрывать высшие свойства Любви в ее озаренностях и противоречиях в полной мере пронизано все искусство Галины Писаренко. И какими разнообразными были воплощения этой Любви – от Адины в «Любовном напитке», ироничной, скрывающей свое чувство за изящной маской своенравности, до трагической призрачной Панночки в «Майской ночи», уже вне «физической» жизни, но и там, в своем параллельном мире остающейся ранимой, страдающей, но хранящей величие Добра…
Или сложный и противоречивый образ Гувернантки в опере Б. Бриттена «Поворот винта», которую в рамках фестиваля «Декабрьские вечера» вдохновенно и талантливо ставил сам Святослав Теофилович Рихтер? Он также был раскрыт в своей необычности всем комплексом выразительности: был живым, драматичным, глубоко трогающим душу. Да, эпоха героинь Писаренко на оперной сцене – это поистине целая «планета», полная порывов души, просветлений и душевных утрат во всей многоцветности того, что Галине Алексеевне довелось и успелось воплотить и щедро подарить всем нам.
Как не вспомнить и величайшее таинство творчества, которое возникало на концертах, организованных великим Иваном Семеновичем Козловским в уже достаточно зрелую пору его земного возраста, но с присущей ему юностью духа. Это были своеобразные оперные спектакли с особой формой действия, в которой сложнейшие и противоречивые чувства раскрывались в приподнято-романтической форме. Иван Семенович высоко ценил особый дар Галины Алексеевны и очень любил выступать в спектаклях-концертах с ее участием. К счастью, запечатленные на кинопленке эти выступления сохранились и по сей день излучают правду больших чувств и порывов духа. А дуэт замечательной «сцены Сада» из «Фауста», как и знаменитая сцена объяснения Ромео и Джульетты по сей день, насколько это возможно в кинодокументе, раскрывают нам суть удивительного вокально-сценического действа. Слушая Козловского и Писаренко, вникая в суть того, что звучало и происходило на сцене, я неоднократно вспоминал знаменитую цитату из романа Мопассана «Сильна как Смерть». Знаковую фразу, в которой говорилось как раз о сцене Фауста и Маргариты: «звучал вечный голос Мужчины, который призывает, и вечный голос Женщины, которая уступает…»
Галина Алексеевна в своей большой и многогранной жизни встретилась со многими талантами, которые оказали большое влияние на ее творческое формирование. Удивительная, высокотребовательная, но устремляющая к вере в себя Н.Л. Дорлиак… Поразительно индивидуальный в своих взглядах на мир и природу творчества С.Т. Рихтер, увлеченно и плодотворно работавший с Галиной Алексеевной над целым рядом оригинальных программ, которые были успешно воплощены. Радуясь общению с Галиной Алексеевной, оценивая удивляющие результаты ее творчества, я по сей миг не устаю поражаться ее требовательности к самой себе, критическому анализу собственного творчества, умению (по Шекспиру) направить взор внутрь души, чтобы осознать и понять, что можно воплотить еще лучше и совершеннее – и в деталях, и в целом.
Вспоминаю ее блистательные спектакли, после которых мы с моей супругой встречали ее и говорили о своих впечатлениях. А она, благодаря, сдержанно замечала: «Нет, вы знаете – вот в этой сцене я могла бы точнее прожить этот момент. Сегодня, как кажется, это не совсем получилось…». И вот в такой же неустанной требовательности она методично воспитывала и своих замечательных учениц, оценивая позитивное, но зорко и конкретно нацеливая на то, что еще не вполне удалось – или в вокальном плане, или в тончайших нюансах правды жизни на сцене. Она блестяще учила не только совершенному, несущему высокие эмоции вокалу и органике сценических воплощений. Она внушала истинное восприятие Жизни, законов мира в его противоречиях. И направляла на раскрытие Правды образа всеми возможностями голоса, психофизики, пластики и энергетики. И в оперном спектакле, и в камерном произведении как моноспектакле. Да и в реальной жизни относилась к каждой из учениц с истинно материнской горячностью души, готовая в любой момент подсказать, помочь разобраться и уяснить нечто особо важное и по творчеству, и по жизненным сложностям.
А безбрежное и разнообразное камерное творчество Галины Писаренко – это тоже некий обширный «архипелаг» с «островами» разных черт, особенностей, свойств! Целый мир романсов Глинки, Даргомыжского, полное романтических откровений «пространство» Чайковского, Рахманинова, Бородина, Метнера, Римского-Корсакова… и… и… И многое, многое, что осталось как великое наследие большого мастера, твердо занявшего свою ни с кем не делимую нишу в истории оперного искусства и камерного исполнительства.
А педагогический феномен Галины Алексеевны? Он также обособлен и имеет свои нерушимые свойства. Плодотворные десятилетия высокорезультативной педагогики, позволили ей воспитать многих и многих исполнителей, несхожих ни друг с другом, ни со своей прекрасной наставницей… Среди них – множество лауреатов престижнейших конкурсов, но что не менее весомо – истинная галерея самобытных талантов высшей пробы, наделенных выдающимися принципами школы профессора Писаренко. И что особенно ценно и существенно – Галина Алексеевна не клонировала себе подобных (хотя видит Бог – в обилии было, ЧТО клонировать!). Именно в силу этого каждая из ее одаренных учениц, неся замечательные черты своей творческой школы, неповторимо индивидуальна.
Но Галина Алексеевна еще была и одаренный организатор и просветитель. С энтузиазмом и умением она в течение всей своей большой жизни плодотворно занималась объединением творческих людей в союзы единомышленников для развития достижений искусства. Председатель Моцартовского общества, неизменный и желанный организатор вокальных мастер-классов в самых разных странах, участник множества интересных и важных творческих проектов, она в самый последний период жизни была удостоена высокого звания члена Академии Художеств. Непременный председатель или почетный член жюри многих престижных международных вокальных конкурсов и фестивалей, вдохновительница и активная участница многих важных творческих начинаний, в своих устремлениях она всегда старалась опережать время и, к счастью, во многом преуспела на этом прекрасном пути. Я несказанно рад, что в течение последнего десятилетия при плодотворном содействии и активном участии дорогой Галины Алексеевны и ее прекрасных учениц мне довелось организовать и провести на разных московских сценических площадках целый ряд вечеров памяти И.С. Козловского, радушно принятых взыскательной общественностью столицы.
С особым теплом вспоминается и достаточно давнее, но знаменательное: в 1990 году нам удалось организовать в Москве гастроли оперной студии Ташкентской государственной консерватории. Именно Галина Алексеевна и наши общие друзья не только помогли провести эти гастроли на должном уровне, но и способствовали усилению их «весомости». Поистине чудом стало то, что Галина Алексеевна согласилась лично участвовать в них, блистательно исполнив в окружении творческой группы из Узбекистана партию Виолетты в гастрольном втором действии из «Травиаты». По неясному стечению обстоятельств именно Виолетту, которая со всей очевидностью могла бы стать еще одним откровением в творчестве Писаренко, ей ни в спектакле «своего» театра, ни на других сценах осуществить, к великому сожалению, не довелось. Это знаковое выступление – предмет нашей большой гордости и свет памяти сердца.
Много сказано и еще больше может быть произнесено или сложено в мыслях в эти уже не дни, а недели после невозвратной утраты. Разум и душа отказываются признать этот уход и протестуют вопреки горестно свершившемуся. Но в неведомости граней ухода из земной жизни не покидает надежда, что светлые души неким неясным для нас способом находят путь, чтобы не прерывать общение с миром тех, кто остался на Земле.
Воистину – да будет живо все, что связано в душах каждого из нас с образом и великой сутью личности и творчества незабвенной Галины Алексеевны Писаренко. Да удостоится умиротворения и упокоения трепетная ее душа, привыкшая служить идеалам Любви и Добра. И да будет она жива в нашей памяти в сияющем свете всего, что довелось ей принести в мир людей, и в редкостном свойстве одаривать Высоким и прекрасным души человеческие…
Андрей Слоним
Заслуженный деятель искусств Республики Узбекистан, режиссер-постановщик Государственного Академического Большого театра Узбекистана имени Алишера Навои
В ушедшем году исполнилось 90 лет со дня рождения Юрия Николаевича Холопова (1932–2003). Юбилейные мероприятия проводились по двум руслам, в двух городах: Рязани, где Холопов родился и постигал основы музыкального искусства, и Москве, где он завершил свое образование и всю жизнь трудился как ученый и педагог.
Мероприятия в Рязани были сосредоточены в двух учебных заведениях: музыкальная школа №1 имени Аглинцевой и колледж имени Пироговых. В торжествах приняли участие и городские школы искусств. Как сообщают местные СМИ, это был «цикл методических и музыкально-просветительских мероприятий. Тематические уроки и лекции, теоретические олимпиады и конкурс эссе, методические доклады и круглые столы, интеллектуальные игры и концерты-презентации».
28 сентября в Рязанском музыкальном колледже состоялась лекция-концерт «Науки музыкальной земляки: Юрий и Валентина Холоповы». Рассказ об их деятельности сопровождался музыкой. Программу подготовили и провели, под руководством наставников, студенты-теоретики; музыкальные номера исполняли не только студенты и выпускники, но и школьники.
С 18 по 20 октября там же прошла Всероссийская конференция «Холоповские чтения». Участники – педагоги колледжа, а также юные музыковеды из Рязани и Москвы. Была приглашена Валентина Николаевна Холопова, которая сделала два развернутых доклада. С приветственной речью выступила Марина Владиславовна Кауркина, министр культуры Рязанской области. Организаторы надеются, что в дальнейшем «Холоповские чтения» станут регулярными.
С особой теплотой почтили память знаменитого соотечественника в музыкальной школе №1. Маленький Юра Холопов обучался здесь игре на фортепиано у Екатерины Давидовны Аглинцевой, именем которой впоследствии была названа школа. В нынешнем году здесь звучали публичные доклады о жизни и деятельности Юрия Николаевича. А педагог Наталья Николаевна Макарова подготовила документальный фильм о Холопове; съемки проходили в стенах школы при поддержке директора Сергея Алексеевича Ванькова. Хотя фильм любительский, он сделан весьма талантливо, изобилует ценными материалами: факты биографии, фотографии, обзор научных трудов, краткие интервью с коллегами и учениками Холопова, музыкальные вставки. Свою задачу – рассказать широкой аудитории о выдающемся музыканте-ученом – автор фильма успешно выполнил.
Отрадно, что рязанцы так трепетно хранят память о своем земляке и так много сделали для празднования его юбилея. Но «центр тяжести» пришелся, конечно же, на Московскую консерваторию. Рассказать подробно обо всем в небольшой статье вряд ли возможно; ограничимся перечислением фактов в хронологическом порядке.
Еще весной в стенах МГК прошел традиционный, уже шестнадцатый по счету Всероссийский конкурс по теории, истории музыки и композиции имени Ю.Н. Холопова. Ряд талантливых студентов из музыкальных училищ России получили награды.
А 14 августа, в самый день 90-летия Юрия Николаевича, несколько видных представителей Консерватории – ректор Александр Сергеевич Соколов, проректор Константин Владимирович Зенкин, профессора Валентина Николаевна Холопова и Светлана Ильинична Савенко – выступили перед телекамерой с речами в честь юбиляра.
Главное мероприятие проходило в Консерватории с 26 по 29 октября: Международный фестиваль «Музыкальные миры Юрия Николаевича Холопова». Подобные фестивали проводились у нас и раньше – в 2007 и 2012 годах. Нынешний оказался особенно масштабным. Видеотрансляции с каждого дня прошедшего фестиваля до сих пор открыты для просмотра на сайте Консерватории.
Основное событие в рамках фестиваля – научная конференция «Наследие Ю.Н. Холопова и современное музыкознание». Участие в ней приняли около пятидесяти музыковедов и исполнителей, все они принадлежат школе Холопова (не только научные «дети», но и «внуки»). Содержание докладов весьма разноплановое: несколько секций – философско-эстетическая, историческая, теоретическая – прошли под руководством профессоров МГК, а также гостей из других учебных заведений (Натальи Ильиничны Ефимовой из Академии хорового искусства, Александра Львовича Маклыгина из Казанской консерватории). В дальнейшем планируется издать сборник материалов конференции.
Доклады зачитывались как очно, так и дистанционно: например, Анна Васильевна Русакова присоединилась к заседанию прямым включением из Бельгии. Постоянным участником стала Татьяна Суреновна Кюрегян. Она руководила секцией «Холопов и XXI век», провела презентацию новых книжных изданий и прочитала интереснейший доклад. А на последующих заседаниях Татьяна Суреновна неизменно присутствовала и вручала каждому докладчику книжные подарки.
Освоение научного архива Холопова идет полным ходом, о чем свидетельствуют новые издания; некоторые из них поистине грандиозные. Два года назад была опубликована книга «Антон Веберн о музыкальных формах, в переводе и с разъяснениями Ю.Н. Холопова» (Научно-издательский центр «Московская консерватория»). В этом году в издательстве «Планета музыки» переизданы книги Холопова по гармонии: «Теоретический курс», а также «Практический курс» в двух томах.
Наконец, вышел в свет сборник «Ю.Н. Холопов о русской и зарубежной музыке. Статьи, материалы». Этот внушительный том (878 страниц!) продолжает серию, начатую ранее: сборники трудов Холопова «Музыкальные формы классической традиции» (2012), «О принципах композиции старинной музыки» (2015). Все три книги вышли в консерваторском издательстве, составлены и подготовлены Т.С. Кюрегян и ее коллегами. Уже проделана огромная работа по освоению архивных материалов, однако, по свидетельству очевидцев, архив ученого еще далеко не исчерпан. Надо надеяться, данная серия будет продолжена.
Путь Холопова в науку оказался необычным. Будущий музыковед-теоретик мирового масштаба, профессор, создатель научной школы – происходил из крестьянской семьи. В ранней юности проявил изумительные, всеохватные музыкальные способности, учился в Рязанском училище на четырех (!) отделениях –фортепианном, хоровом, теоретическом и композиторском. Освоив за два года все необходимые дисциплины, но еще не получив диплом училища, приехал в Москву и поступил (в неполные семнадцать лет!) в Консерваторию. Яркое дарование студента подметили все профессора; Игорь Владимирович Способин дал ему меткое прозвище «Джезуальдо ди Рязано».
Эти малоизвестные факты прозвучали в докладе Т.С. Кюрегян «Откуда на Руси берутся таланты. Рязанские корни Ю.Н. Холопова» – и уже опубликованы в развернутой статье (Бабий А.Н., Кюрегян Т.С. Юрий Николаевич Холопов и его рязанские корни // Научный вестник Московской консерватории. Том 13. Выпуск 3, сентябрь 2022. С. 448–473). Добавим, что архивные документы – фотографии, дипломы, справки – представлены в обширной экспозиции, которая разместилась в фойе Большого зала Консерватории.
Многогранность Холопова-ученого, широта и диапазон его музыкальных интересов были продемонстрированы и на музыкальных вечерах в Рахманиновском зале в программах Фестиваля «Музыкальные миры Ю.Н. Холопова».
Первый вечер (26 октября) был наполнен старинной музыкой: прекрасно выступили клавесинистки Екатерина Дмитриева и Ольга Филиппова, певица Мила Фраёнова. А под занавес на сцену вышел Иван Соколови «перебросил мост» в ХХ век: феерически исполнив пьесы Прокофьева, Шёнберга и несколько миниатюр своего сочинения.
Второй вечер (27 октября) украсило выступление хора ГМПИ им. Ипполитова-Иванова под управлением Владимира Красова; особенно запомнились сочинения Н. Сидельникова и Ю. Буцко в фольклорном русле. Ансамбль под руководством Натальи Гиляровой подхватил фольклорную линию: задушевно прозвучали песни Рязанской области (кстати, Юрий Николаевич весьма интересовался народным творчеством, в том числе своей малой родины). Во втором отделении на сцене разместился Ансамбль солистов «Студия новой музыки» под управлением Игоря Дронова; за роялем – великолепная Мона Хаба, вокруг нее – виртуозы-инструменталисты. Были исполнены четыре очень разных, но весьма значительных сочинения, в том числе Post—Scriptum А. Вустина.
Фестиваль завершился 29 октября круглым столом. В конференц-зале собрались многие участники. Заседание, поначалу строгое и официальное, постепенно смодулировало в теплую дружескую встречу; очень приятны были речи Михаила Александровича Сапонова, Григория Ивановича Лыжова. Отдельную благодарность хочется выразить организаторам – Евгении Александровне Изотовой, Ольге Валерьевне Зубовой, Маргарите Ивановне Катунян и другим.
Фестиваль – от латинского festum – «праздник». Пожалуй, у всех участников Третьего международного фестиваля «Музыкальные миры Ю.Н. Холопова» осталось ощущение праздника. Было интересное, радостное общение, и в нашей памяти с новой силой возродился образ Учителя. Юрий Николаевич до сих пор незримо присутствует среди нас…
Московская государственная консерватория им П.И. Чайковского и бренд EXEED 23 декабря заключили партнерское соглашение, в рамках которого в 2023 году будет реализован целый ряд проектов в поддержку классической музыки и талантливых молодых музыкантов.
Одним из первых проектов станет приобретение для фондов Московской консерватории редких музыкальных инструментов, таких как клавесин для факультета старинной и современной музыки, и орган-позитив, который в силу своей мобильности не только будет задействован в образовательном процессе, но и на концертах как в залах Консерватории, так и на других площадках страны.
Кроме того, в 2023 году будет учрежден конкурс на Специальную именную премию бренда EXEED для студентов Консерватории по специальностям фортепиано, струнные инструменты, духовые инструменты и вокал. Конкурс призван поощрить профессиональную деятельность талантливых молодых музыкантов и дать им больше возможностей для развития и самореализации. В состав жюри конкурса войдут музыканты с мировыми именами, преподаватели Московской консерватории, а председателем жюри станет народный артист России, скрипач Вадим Репин. Призовой фонд конкурса составит более 1 млн рублей.
«Московская консерватория является, без преувеличения, национальным достоянием нашей страны, – сказал директор EXEED Cars Rus Геннадий Баранов. – Мы очень рады, что теперь будем причастны к образовательному процессу и сможем внести свой вклад в становление музыкантов, которые совсем скоро станут звездами мировой сцены. Стремление превзойти себя и стремиться к большему – всегда было главной мотивацией EXEED. Это, безусловно, объединяет нас с теми амбициозными, творческими людьми, которых воспитывает лучший музыкальный вуз России».
«Внимание к молодежи – всегда приоритет в работе Московской консерватории. Взаимодействие с новыми партнерами вносит и новые возможности. Для нас большая честь, что бренд EXEED в лице директора Геннадия Баранова войдет в Попечительский совет Московской консерватории», – отметил ректор МГК Александр Соколов.
В стенах Московской консерватории проходит множество интересных мероприятий. Но в этом калейдоскопе событий старинная монодия все еще занимает довольно скромное место. Нечасто появляются в концертных программах знаменные, византийские и григорианские песнопения. Еще реже проходят обучающие лекции и мастер-классы. А ведь это та область, о которой подавляющее большинство консерваторцев не знает практически ничего! Да и вообще в России древняя церковно-певческая традиция остается достоянием лишь очень узкого круга специалистов. Поэтому возможность встретиться и пообщаться с подобными людьми кажется просто бесценной.
Ирина Старикова
Именно такой уникальный шанс предоставило нам в этом году студенческое научно-творческое общество, организовав ряд семинаров под названием «Страницы истории церковно-певческого искусства». Цикл объединил в себе две величайшие монодийные традиции – древнерусскую и византийскую. Экскурс в историю древнерусского пения провели ведущие специалисты в области русской музыкальной медиевистики: Вероника Юрьевна Григорьева (доцент кафедры регентования Православного Свято-Тихоновского гуманитарного университета, кандидат искусствоведения) и Даниил Алексеевич Григорьев (головщик храма Покрова в Рубцове).
Погружение в мир знаменной монодии началось с концерта, который состоялся 27 сентября в зале им. Н.Я. Мясковского. Выступил Хор Патриаршего центра древнерусской богослужебной традиции под руководством Даниила Алексеевича. Это уникальный коллектив, ведь, в отличие от других подобных ансамблей, хор не просто поет по крюковой нотации, но и придерживается архаической манеры интонирования, которая состоит в особом произношении текста, использовании подголосков и орнаментации. Тщательное изучение старообрядческих записей позволило исполнителям воссоздать знаменное пение в том виде, в каком оно дошло до наших дней в наиболее консервативных беспоповских общинах.
В своей программе коллектив постарался представить древнерусскую церковно-певческую традицию во всем ее многообразии. Прозвучали образцы столпового (гимн «Свете тихий»), путевого (стихера «Благовестит Гавриил»), демественного («Всяко дыхание») и большого («Таин еси») роспевов. При этом певчие показали весь спектр литургических жанров: стихера, кондак, ирмос, антифон, седален. Несколько песнопений (кондак Кресту, стихеры на стиховне, стихеры на хвалитех, задостойник) были посвящены отмечаемому в этот день празднику Воздвижения. Кульминацией же концерта стало редкое по красоте песнопение – «Трисвятое надгробное» с ремаркой «опекаловское». Интересным драматургическим решением было завершение программы задостойником и седальном «Иже крестом», ведь именно эти песнопения звучат обычно в конце самого богослужения. А чтобы слушатели не запутались во всем разнообразии песнопений, Вероника Юрьевна давала краткие комментарии к каждому исполненному произведению.
Через неделю после концерта (6 октября) состоялся научно-практический семинар. Благодаря полученному интонационному опыту, участники уже были подготовлены к освоению теоретической части. Лектор рассказала об основных периодах развития древнерусской традиции, затронула разные виды нотаций и певческие стили. Важнейшие положения доклада Вероника Юрьевна иллюстрировала пением (совместно с Даниилом Алексеевичем и их ученицей – Елизаветой Стариковой). Среди наиболее интересных примеров были – своеобразный в ладовом отношении ирмос 3-го гласа «Яко виде Исаия» и сложное редко исполняемое песнопение «Достойно есть кирилловское».
Хор Патриаршего центра древнерусской богослужебной традиции
Воодушевление, которое вызвал древнерусский семинар, побудило организаторов провести аналогичное мероприятие, посвященное византийской традиции. Византийский семинар – событие действительно уникальное, поскольку профессиональных исследователей-византинистов в России крайне мало, буквально единицы. К нашему большому счастью, такой редкий и ценный специалист работает у нас: научный сотрудник Научно-творческого центра церковной музыки Московской консерватории, кандидат искусствоведения Ирина Владимировна Старикова согласилась поделиться своими знаниями и опытом, рассказать об истории византийского певческого искусства.
Семинар состоял из двух частей. В первой лекции, которая прошла 30 ноября, Ирина Владимировна очертила основные вехи развития византийского церковного пения, начиная с X века и вплоть до современности. Она познакомила слушателей с важнейшими персоналиями византийской певческой традиции: Иоанном Кукузелисом, Ксеном Коронисом, Иоанном Гликисом и др. Особенно впечатлили участников увлекательные истории о жизни и творчестве величайшего византийского мелурга Петра Пелопонесского.
На примере из рукописных источников лектор показала, как развивалась и изменялась византийская нотация на протяжении столетий, а также затронула актуальнейшую проблему ее прочтения и интерпретации. Кроме того, докладчица осветила ряд интереснейших и малоизвестных фактов, таких как: существование византийского двухголосия и образцов византийских стихер со славянским текстом в греческой транслитерации.
Вторая часть семинара состоялась 7 декабря и была посвящена ключевой системе византийского пения – осмогласию. Это едва ли не самая трудная из всех тем византийской теории. Она заслуживает отдельного цикла лекций, но даже за одну встречу участники смогли узнать много нового и полезного. Лектор рассказала об основных составляющих византийских гласов, объяснила, что такое ихимы и мартирии и как они работают. Используя «колесо» Иоанна Кукузелиса, участники научились находить основные тоны каждого гласа.
Особенно интересно было разобраться в гласовых разновидностях, ведь оказалось, что, кроме всем известных автентических и плагальных, существуют также медиальные, дифонические, парамедиальные и параплагальные гласы. Установление взаимосвязей между ними стало увлекательнейшей зарядкой для ума. Иллюстрируя ладовые и звукорядные особенности гласов, Ирина Владимировна спела осмогласник Успению «Богоначальным мановением» (песнопение, в котором задействованы все 8 гласов. – Прим. К. К.) в мелодической редакции Петра Пелопонесского.
Семинар оказался очень живым и динамичным, слушатели принимали активное участие, вступая в диалог с лектором и задавая интересующие их вопросы. Кроме того, у желающих была возможность спеть исократиму(выдержанный тон. – Прим.К. К.), прочувствовав красоту византийских песнопений изнутри.
К сожалению, как на древнерусский, так и на византийский семинары пришло не так уж много людей. В основном это были студенты Консерватории разных специальностей, но присутствовали также и учащиеся других вузов. Чрезвычайно любопытно было услышать их отклики, чтобы понять, насколько востребована эта тема и вызывает ли она интерес у молодежи. Как оказалось, мероприятия произвели на всех без исключения неизгладимое впечатление.
Наталья (МГК): «Рада, что смогла попасть на оба семинара. И Вероника Юрьевна, и Ирина Владимировна очень интересно рассказывали об истории и теории знаменного и византийского пения, исполняли множество музыкальных примеров. Я очень увлеклась обоими рассказами: все записывала, стараясь не пропустить ни единого слова, а по окончании семинаров стала искать ансамбли, которые исполняют знаменную и византийскую музыку, долго осмысляла (и продолжаю осмыслять) информацию. Особенно меня вдохновило знаменное пение, которое я теперь осваиваю с настоящим упоением, хоть и делаю пока только первые шаги в этом деле. Очень надеюсь, что подобные мероприятия еще состоятся в Консерватории, и что ими заинтересуется больше людей».
Полина (МГК): «Мне запомнилось, что семинары проходили в доброжелательной атмосфере, было взаимодействие со слушателями, включение всех в мыслительный процесс и работу. Мне понравилось, что в пение тоже все были включены».
Матвей (МГК): «Прошедший семинар по византийскому пению оставил неизгладимое впечатление! Благодаря замечательному лектору Ирине Владимировне Стариковой, я погрузился в историю развития культуры византийского пения. Особенно приятно было услышать образцы византийского пения в исполнении лектора, и даже поучаствовать в них в качестве исона. Искренне надеюсь, что подобных конференций будет еще огромное количество».
Полина (МГК): «Я посетила три семинара, посвященные древнерусской и византийской певческим традициям. Радует, что каждый из семинаров состоялся, поскольку в Консерватории спецкурс по византийскому и древнерусскому певческому искусству есть только у музыковедов, а на такие лекции-семинары могли прийти все желающие. Самое ценное – это звучавшее во время семинаров пение. Познакомиться с историческим контекстом и теоретическими системами певческих традиций, безусловно, важно и очень интересно, однако гораздо нагляднее, когда вся информация подкрепляется примерами из византийских и древнерусских песнопений».
Яна (ПСТГУ): «Очень вдохновил семинар! Удалось прикоснуться к истории богатейшей певческой традиции. Если иконопись зовется «богословием в красках», то византийские песнопения, без сомнения, можно назвать богословием мéлоса (др.-греч. μέλος). В целом, узнала для себя очень много нового – три часа пролетели незаметно».
Варвара (ГУУ): «Семинар «Византийское осмогласие» приоткрыл для меня дверь в мир византивистики. Ирина Владимировна Старикова – человек с горящими глазами, очень живо и ярко рассказывала. Было очень интересно!»
C 16 по 21 ноября в Москве прошел Международный конкурс клавесинистов имени А.Е. Майкапара. Конкурс учрежден РАМ имени Гнесиных в память о выдающемся музыканте и просветителе Александре Евгеньевиче Майкапаре и входит в международную конкурсную серию, которую курирует кафедра органа и клавесина Академии.
Клавесинный конкурс имени Майкапара состоялся впервые, в дальнейшем его планируется проводить каждые два года. Его формат необычен: из двух туров один играется в виде тридцатиминутной свободной программы, которую выбирает сам участник. У молодых музыкантов появляется возможность обозначить свои артистические предпочтения, продемонстрировать умение составить интересную программную концепцию. Помимо довольно значительных призов (первая премия составляет 150 тысяч рублей, вторая – 75 тысяч и третья – 50 тысяч) победители получают возможность выступлений в РАМ имени Гнесиных, в концертном комплексе «Зарядье» и ряде городов России.
В состав жюри вошли выдающиеся музыканты, представляющие основные российские центры клавесинного исполнительства в Москве, Петербурге, Казани, Новосибирске: заслуженный артист России, заведующий кафедрой органа и клавесина РАМ им. Гнесиных, профессор А.В. Фисейский (председатель жюри), профессор кафедры органа и клавесина РАМ имени Гнесиных О.А. Филиппова (заместитель председателя жюри), народный артист России, профессор А.Б. Любимов, профессор кафедры органа и клавесина МГК имени Чайковского Т.А. Зенаишвили, зав. кафедрой органа, клавесина и арфы КГК имени Н.Г. Жиганова, профессор Е.В. Бурундуковская, профессор кафедры специального фортепиано НГК имени М.И. Глинки, солистка ансамбля ранней музыки Insula magicaА.П. Недоспасова.
Важнейшей целью и задачей конкурса в нынешнем году стала консолидация сил российского клавесинного искусства. Помимо основных прослушиваний в рамках конкурсной программы состоялось еще несколько важнейших мероприятий: концерт-открытие памяти А.Е. Майкапара в Музыкальной гостиной Дома Шуваловых, круглый стол по проблемам современного клавесинного исполнительства, презентация инструмента российского мастера А.П. Баюнова.
Прослушивания проходили в Музыкальной гостиной Дома Шуваловых и Гнесинском зале на Поварской. По результатам предварительного отбора до конкурсных состязаний были допущены 16 участников, 10 из них прошли на второй тур. Уровень конкурсантов был чрезвычайно высоким, поражала не только отточенность профессиональных навыков, но и зрелость, самостоятельность мышления, артистическая воля и сценическое обаяние молодых музыкантов.
Жюри так и не удалось выбрать лишь троих победителей, в итоге их оказалось пять. Третью премию разделили выпускник ФИСИИ МГК Николай Мартынов (класс проф. О.В. Мартыновой) и выпускница РАМ имени Гнесиных, петербурженка Маргарита Еськина (класс проф. О.А. Филипповой). Игра Николая Мартынова поразила точностью, продуманностью исполнения и сдержанным артистическим аристократизмом, особенно убедительным в ранней английской музыке. Маргарита Еськина сделала акцент на итальянском стиле, продемонстрировав блестящее владение разными жанрами и фактурными приемами итальянской музыки различных периодов. Исполнительница усложнила себе задачу тем, что единственная из всех конкурсантов использовала оба предложенных инструмента – концертный двухмануальный клавесин Бицци и верджинал-оттавино – реплику мастера Н.Н. Полоскова по фламандскому оригиналу 1593 года.
Вторую премию раздели студентки ФИСИИ Ольга Давнис (класс проф. О.В. Мартыновой) и Софья Азен(класс доц. А.А. Кореневой; Софья также обучается клавесину в РАМ имени Гнесиных по программе профессиональной переподготовки в классе проф. О.А. Филипповой). О. Давнис, этим летом ставшая победительницей Международного конкурса имени И.С. Баха в Лейпциге в номинации «фортепиано», и в клавесинном амплуа проявила себя блистательным интерпретатором баховской музыки. А С. Азен поразила яркостью, эмоциональностью и живой театральностью игры – не случайно ее концертная программа второго тура называлась «Картинки с выставки». Николай Мартынов и Ольга Давнис были также удостоены специальных премий жюри: Н. Мартынов за выдающееся исполнение сочинения Дж. Фарнеби, а О. Давнис – за лучшее исполнение произведений И.С. Баха.
И, наконец, первый приз завоевала ассистент-стажер кафедры органа и клавесина МГК имени П.И. Чайковского Анастасия Егоренкова (класс проф. Т.А. Зенаишвили). В ее игре сочетались профессиональная зрелость, великолепное владение инструментом, богатейшая звуковая палитра, прекрасное понимание стиля исполняемой музыки. И хотя на высоком профессиональном уровне была исполнена вся программа, особенно запомнилась французская музыка.
В заключение хотелось бы сердечно поздравить участников, победителей и их педагогов и выразить надежду, что Международный конкурс клавесинистов имени А.Е. Майкапара сможет дать прекрасный творческий старт молодым музыкантам, выбравшим для своей профессиональной деятельности столь изысканное и необычное направление.
Недавно в музыкальном мире произошло значимое событие. Силами Московского издательства «Композитор» и Российского музыкального союза состоялось переиздание и перевод на английский язык «Строения музыкальной речи»Болеслава Яворского(1877–1942) – одного из самых оригинальных отечественных теоретических трудов начала XX века. Презентация прошла 21 ноября в узком кругу профессионалов. Одновременно она ознаменовала открытие нового пространства фирмы «Мелодия», которое называется «Нелекторий» (по аналогии с одноименным проектом Союза композиторов России) и предназначено для событий нелекционного формата.
Карина Абрамян
Будничным вечером, недалеко от центра Москвы собрались неравнодушные к судьбе отечественного музыкально-теоретического наследия. Публика была совсем немногочисленная (под стать месту) и состояла преимущественно из композиторов, музыкальных журналистов и музыковедов разных поколений – от профессоров вузов до студентов.
Обстановка была удивительно живой и неформальной. Ожидалось что-то вроде «мини-конференции», а получилось почти семейное собрание единомышленников. Выступающие не были отделены стеной от публики, и каждый из присутствующих был равноправным участником этого камерного действа. Вероятность не встретить знакомого в и так малочисленном сообществе интересующихся была крайне невысокой. Поэтому гости собрались перед началом самой презентации немного заранее, а после ненадолго остались, чтобы пообщаться.
Отдельно стоит рассказать о самом пространстве. Оно разделено на две части. В первой можно свободно перемещаться и разговаривать, а вторая отведена под небольшой концертный зал – с отреставрированным роялем Estonia и лежащим рядом дагестанским винтажным ковром, на который участники ступали как на сцену. На стенах развешены фотопортреты известных музыкантов, самые значимые фигуры эпохи: это выставка фотографа Виктора Ахломова, подготовленная совместно с Союзом композиторов.
После дружеского общения началась официальная часть: несколько речей и музыкальный подарок. Речи были больше похожи на диалог – знающая публика чутко реагировала на слова выступающих. Генеральный директор Союза композиторов России Карина Абрамян представила и «Нелекторий», и «Строение музыкальной речи», и саму встречу. «У нас нет формата. У нас собрались люди, которые понимают о чем речь, и мне очень важно, что именно сегодня, в этой аудитории, с этими людьми мы открываем эту историю».
Пётр Поспелов
Затем к гостям обратился композитор, шеф-редактор издательства «Композитор» Пётр Поспелов. «Я воспитывался на том, что авангардист должен отрицать все предыдущее; что следующий этап отрицает то, что было до него. Но есть люди, которые счастливым образом являются связующими фигурами, которые объединяют эпохи и дарят преемственность». По словам П. Поспелова, таким человеком был Болеслав Яворский: он создал новую теорию музыки, не порывая с предыдущей. «Он разбирался в физике и математике, что сказалось на его теории – подчеркнул композитор. – Он объединил разные города, в которых жил. И теперь мы хотим, чтобы он стал всемирным – для этого его книга будет распространяться среди англоязычной аудитории тоже». П. Поспелов рассказал и об Ильдаре Ханнанове – редакторе, комментаторе и переводчике издания, который не смог присутствовать на презентации. А также – о планах издательства на 70 двуязычных книг, в ряду которых «Строение музыкальной речи» Яворского станет первой.
Ярослав Тимофеев – музыковед, лектор и главный редактор журнала «Музыкальная академия», – дал обширную историческую справку о самом Яворском и его жизни, поведал о его месте в музыковедении и подчеркнул, что хотя мы и хотим познакомить западную публику с Яворским, нам самим не мешало бы с ним познакомиться. А новое издание Ярослав прокомментировал так: «Главное завоевание моих уважаемых коллег –это то, что теперь у нас есть доступный уртекст Яворского, причем билингвальный. И вместе с уртекстом выведен контекст – это и архивные материалы в огромном количестве, и еще более огромные комментарии Ильдара Ханнанова. На самом деле эта книжка представляет собой дуб, выросший из желудя».
В завершении вечера открылась еще одна грань дарования Яворского – композиторская. Его «Три песни Мориса Метерлинка» исполнили участница Молодежной оперной программы Большого театра Анна Юркус и пианистка Екатерина Вашерук. После этой «маленькой торжественной мессы» (по словам Я. Тимофеева) к единственному экземпляру «Строения музыкальной речи» выстроилась очередь. Все хотели полистать или хотя бы подержать в руках раритетный том. Приятный сюрприз для поклонников Яворского: всем участникам встречи была выслана PDF-копия. Бумажную версию книги можно приобрести на официальном сайте издательства «Композитор».
Мощным финальным аккордом региональной музыкально-образовательной программы «Молодые звезды Московской консерватории» в уходящем году стала поездка в столицу Республики Татарстан – старинный город Казань. 2–4 декабря студенты и педагоги Московской консерватории с большим удовольствием посетили Казанскую государственную консерваторию им. Н.Г. Жиганова, выступили в Государственном Большом концертном зале им. С. Сайдашева и в Казанском детском хосписе.
Программа поездки получилась очень насыщенной. В нее вошла масса интересных, познавательных творческих встреч и активностей. Студенческая часть консерваторской делегации сразу после самолета начала свой марафон событий с Круглого стола двух студенческих активов – Московской и Казанской консерваторий, на котором студенты обменивались опытом, ставили новые задачи и намечали перспективы на будущее. Руководитель студенческого совета МГК Анжела Клевич заряжала своей энергией и количеством идей по сплочению студентов из разных городов.
В это время педагоги Московской консерватории дали серию мастер-классов. Ярким событием стал мастер-класс по вокалу доцента кафедры сольного пения Е.И. Скусниченко. Зал был полон слушателей, которые до последнего не хотели отпускать выдающегося педагога. Особой радостью для Екатерины Игоревны стала встреча со своей выпускницей, прекрасной певицей и преподавателем Казанской консерватории Айсылу Сальмановой. А ассистент кафедры медных духовых и ударных инструментов МГК Никита Токарев с большим успехом провел мастер-класс по трубе в Средней специальной музыкальной школе Казанской консерватории.
Днем в Казанском детском хосписе состоялся новогодний интерактивный концерт Благотворительной программы «Консерватория – детям». Участники концерта Александра Будо (автор-ведущая, виолончель), Полина Борисова (скрипка) и Тамара Еприкян (фортепиано) представили детской аудитории музыкальную историю про новогодние приключения Лесовичка.
В Малом зале Казанской консерватории выступили студенты, выпускники и педагоги двух консерваторий. Концерт был посвящен Международному дню инвалидов. В программе концерта прозвучали всеми любимые произведения. Ведущая А. Клевич рассказывала публике интересные факты о произведениях, что вдохновляло публику. Прозвучали пьесы из фортепианного цикла «Времена года» Чайковского в исполнении Тамары Еприкян. Картинки из русской жизни композитора были дополнены эпиграфами из стихов русских поэтов. Прекрасную «Сюиту в старинном стиле» Шнитке исполнили Полина Борисова и Тамара Еприкян. Несхожие по характеру пьесы проиллюстрировали разные образы, пейзажи, которые предстали перед слушателем в виде спектакля «инструментального театра». Нежный «Лебедь» Сен-Санса из цикла «Карнавал животных» в исполнении Александры Будо и Юлии Куприяновой (фортепиано) покорил сердца многих слушателей. Прозвучала и современная композиция А. Визутти – А. Сергунина «Каскады» в исполнении Никиты Токарева (труба) с Тамарой Еприкян (фортепиано). Самым душевным номером концерта стало выступление Екатерины Скусниченко(сопрано) с Юлией Куприяновой, которые исполнили сочинения М. Таривердиева из популярного фильма «Ирония судьбы»: «Мне нравится», «У зеркала», «Я спросил у ясеня». Эти знаменитые песни вместе с исполнителями про себя пели все. В заключение концерта в исполнении выпускниц Казанской консерватории Анны Фунтиковой и Екатерины Михайловой прозвучали произведения Баха и польского композитора XX века Витольда Лютославского.
Завершилась программа поездки роскошным концертом в Государственном Большом концертном зале имени С. Сайдашева – жемчужине музыкальной жизни Казани. Камерный хор Московской консерватории под руководством профессора А.В. Соловьёва прибыл поздравить Камерный хор Татарстана и его художественного руководителя, народную артистку Татарстана Миляушу Таминдарову с 15-летним юбилеем. На сцене прозвучало множество поздравлений. Исполнительный директор программы «Молодые звезды МГК», доцент Я.А. Кабалевская зачитала поздравление ректора Московской консерватории – профессора А.С. Соколова. С теплыми пожеланиями выступили татарские композиторы Рустем Зарипов и Эльмир Низамов, а также профессора Московской Консерватории Александр Соловьёв и Евгения Кривицкая. В первом отделении прозвучали сочинения русских и татарских композиторов, среди которых казачий романс «Не для меня», народные татарские песни в исполнении Алины Шарипжановой, патриотические попурри, «И снова жить начну» Сергея Екимова. Мощный дирижерский темперамент Миляуши Таминдаровой не оставил равнодушным никого из слушателей, зал буквально взрывался аплодисментами после каждого номера. Творческий союз двух камерных хоров – Казанского и Московского, – предстал очень гармоничным.
Второе отделение воспринималось еще ярче первого: прозвучали шлягер «Пиф-паф» Максима Дунаевского, популярная «Аллилуйя», теплая композиция Рустема Яхина «Оныта алмыйм». Завершился творческий вечер сочинением Константина Орбеляна «Сто часов счастья» в исполнении самой М. Тамидаровой. В музыке и словах композиции слушатели ощутили тепло, чувство благодарности и любви ко всем окружающим и присутствующим в зале.
Музыкально-образовательная программа «Молодые звезды Московской консерватории» завершилась на следующий день обзорной экскурсией по морозному, но согревающему сердца, городу Казани!
Родион Константинович Щедрин, наш славный соотечественник, 16 декабря встречает свой большой юбилей. Московская консерватория приветствует своего именитого выпускника, а ныне – ее почетного профессора в день его 90-летия! Будучи одним из выдающихся музыкантов ХХ века, композитор Родион Щедрин и в новом столетии продолжает свою активную творческую деятельность.
Уже в XXI веке Щедрин создал четыре оперы, тут же вышедшие на сцену, – «Очарованный странник», «Боярыня Морозова», «Левша», «Рождественская сказка» (все на либретто самого Щедрина); сочинения с оркестром – «Диалоги с Шостаковичем», «Гейлигенштадтское завещание», «Parabolaconcertante» (с соло виолончели), «Concertolontano» (с соло фортепиано), «Клеопатра и змея» (с соло сопрано), «Приключения обезьяны» с индивидуальным составом; около двух десятков камерных произведений самых разных составов, в том числе с вокалом (цикл «Век мой, зверь мой» на слова О. Мандельштама), «Лирические сцены» для ансамбля инструментов, «Баллада Гамлета» для ансамбля виолончелей, «Diesirae» для органа и трех труб, циклы и отдельные пьесы для фортепиано; а также свыше двадцати опусов для хора acappella.
Чуткá к личности Щедрина оставалась также и родина – Россия. Камерный хор Московской консерватории постоянно содержит в своем репертуаре его музыку, осуществляя и премьеры. Долгие годы этим процессом руководил профессор Б.Г. Тевлин, а после его ухода из жизни коллектив возглавил профессор А.В. Соловьёв, плавно продолжив сложившуюся традицию. И к 85-летию Щедрина, в декабре 2017 года Александр Соловьёв, став художественным руководителем Всероссийского фестиваля «Запечатленный ангел» (по названию произведения Щедрина!), со своим хором проехал Россию из конца в конец: Нижний Новгород, Петербург, Владивосток, Боровск, Калуга, Красноярск, Оренбург, Саратов, Сургут, Тула, Улан-Удэ, Москва.
Запомнилась и необыкновенная встреча Камерного хора Московской консерватории с Щедриным в апреле 2021 года, организованная А.В. Соловьёвым и ректором Консерватории А.С. Соколовым (см. «РМ», 2021, №5). Присутствующие задавали вопросы, хор пел, но главное – Alma mater столь обжигающе горячо выразила радость и гордость своему давнему выпускнику, славящему Россию на весь мир, что вряд ли Родион Константинович в другой точке земли был бы опален таким огнем эмоций.
85-летие композитора было отмечено и на самом высоком, государственном уровне. Президент РФ В.В. Путин (который знал Р.К. Щедрина лично, бывал на концертах) наградил его орденом Почета и подарил картину В. Денисова «Монтажник-высотник», остроумно обыграв всем известную песню композитора «Марш монтажников-высотников» из кинофильма «Высота».
Наконец, творчество Щедрина в свои мощные руки взял один из ведущих дирижеров современности, художественный руководитель и генеральный директор Мариинского театра Валерий Гергиев. Приближаясь к 90-летнему юбилею композитора, за год до него, в 2021 году, он провел в Петербурге неслыханную «неделю Щедрина», где исполнил в присутствии автора следующие сочинения: оперы «Очарованный странник», «Левша», «Боярыня Морозова»; балеты «Конек-Горбунок», «Кармен-сюита»; симфоническую сказку «Приключения обезьяны». Добавлены были два показа балета «Анна Каренина». Ранее в репертуар Мариинского театра входили также оперы «Мертвые души», «Не только любовь», «Лолита» и «Рождественская сказка». «Левша» же был сочинен к открытию новой сцены театра в 2013 году и в день премьеры произошло событие, в высшей степени почетное для автора всей этой музыки: по инициативе Гергиева Камерный зал в Мариинке-2 получил имя Родиона Щедрина. «Большая честь для меня!» – сказал герой, в честь которого назвали зал.
Родион Щедрин и Александр Соколов.Фото: Эмиль Матвеев
Две российские знаменитости – супруги М. Плисецкая и Р. Щедрин – в 2000 году создали «Международный фонд Майи Плисецкой и Родиона Щедрина», который располагается в Майнце (Германия). Молодые музыканты начали получать «Премии камерной музыки Родиона Щедрина» (2005, 2006, 2014, 2017 и др.). Свои же творческие архивы Родион Константинович и Майя Михайловна в 2006 году в торжественной обстановке передали в крупнейший российский фонд РГАЛИ: 67 больших коробок, в том числе рукописи сочинений Щедрина. Множатся почетные регалии, присуждаемые в разных странах. В американском Питтсбурге Щедрина объявили «композитором года». Во французском Сен-Назере Щедрин и Плисецкая получили медали почетных граждан города, а на Международном фестивале там же были исполнены 22 (!) произведения Щедрина (по несколько концертов в день, чего у него еще не бывало!). Выступали музыканты из Японии, Голландии, Франции, США и России (Екатерина Мечетина). Автор с удовлетворением констатирует: «публика вынесла такое обилие моей музыки без чрезмерного перенапряжения».
В этом кипении успехов и преуспевания 2 мая 2015 года произошла непоправимая трагедия: ушла из жизни от инсульта бесценная Майя Плисецкая, с которой они прожили вместе 57 лет. Всего полгода не дожила она до своего 90-летия, празднование которого супруги намечали и обсуждали. В реальность ухода Майи Щедрин никак не может поверить: «Она все время рядом со мной, я болею этим, мне ее не хватает каждый день…». В их мюнхенском доме он расставляет вокруг рояля цветы, которые любила жена, а в своей музыке запечатлел неизбывную память о ней – в «Мессе поминовения» (2018).
Родион Щедрин в философии и эстетике своего творчества продолжает важные свойства русской классической культуры. Одно из них – высота нравственности, – проходит во всех сюжетах его опер. В «Рождественской сказке» наглядно противопоставлены Замарашка и Злыдня, и поскольку это сказка, то добро с очевидностью берет верх над злом. Сложнее обстоит дело в трагедиях «Левша» и «Боярыня Морозова», где герои погибают: их нравственную правоту композитор воплощает, выводя финалы в сверх-земную сферу, для чего прибегает к звучанию церковных молитв.
Композитор проводит через собственную индивидуальность и «смеховую культуру», с которой связал себя давным-давно. Он сочинил «Озорные частушки» для оркестра, ввел частушку в ранний Первый фортепианный концерт, написал «Юмореску» для фортепиано, кантату «Бюрократиада», музыку к «Мистерии-буфф» по Маяковскому, оперу «Мертвые души», «Балалайку» для скрипки без смычка, «Приключения обезьяны» по рассказу Зощенко.
Александр Соловьёв и Родион Щедрин.Фото: Эмиль Матвеев
О том, как ощущает себя Щедрин в окружении «левых крайностей» своего времени, можно судить, например, по его оценке творчества Оливье Мессиана. Он лично общался с французским мэтром, когда они сидели в одном жюри Международного конкурса пианистов памяти Глена Гульда (1985). Щедрин говорил, что Мессиан «не перешел в авангардную веру, не сменил своих знамен, не поменял одежд», избежал отчуждения от аудитории «благодаря своей стойкости, истинно святостному отношению к искусству», он «как бы во всеуслышание внятно и громко провозгласил: можно и по-другому!».
В музыкальном языке Щедрин выработал удивительно прочную и надежную собственную систему. В звуковысотности он выдерживает 12-полутоновость, но организует ее особым образом, с функциональной локализацией диатоники и хроматики. Это хорошо видно в операх: положительным персонажам дается больше диатоники (Аввакум, Морозова), а чем более персонаж или ситуация отрицательны, тем полнее активизируется хроматика. Своеобразно происходит и взаимодействие с классической тональностью: она у него присутствует, но структурно отодвигается на дальний план.
Важное значение Щедрин придает ритму, вырабатывая множество ритмо-остинатных форм, простирающихся на десятки тактов и создающих сильное динамическое нагнетание. При этом он вовсе не прибегает к современному минимализму, кажущемуся ему безмерно скучным («сиди и читай программку»). Остинатные ритмоформы можно считать оригинальной находкой его индивидуального стиля, чему можно у него и поучиться. А в отношении тембров и артикуляции Щедрин может считаться самым настоящим авангардистом, столько у него новаторских изобретений. И не абстрактных, а реалистических: инструмент пила, милицейский свисток, изображение плеска воды, аплодисментов, даже уникального лая собаки, вписанного в партитуру («Приключения обезьяны»). Композитор продуманно организует и баланс традиционных и нетрадиционных форм. И вся эта свежесть, оригинальность, яркость и впечатляемость музыкальных средств идет от творческого дара его личности. Поистине, Щедрин – гений собственной индивидуальности!
Как музыкальная фигура композитор Родион Щедрин востребован во всем мире: и исполнителями, и организаторами, и публикой. «Мне грех жаловаться, – говорит он. – Любая моя нота встречает у исполнителей интерес и желание исполнять». Он пишет только по заказу и признается, что, «пожалуй, никогда столько не работал». Мы поздравляем композитора с впечатляющим юбилеем и желаем ему новых успехов, все той же неиссякаемой энергии и безграничных духовных и физических сил!
