Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

Карантин «Эпохи Верстовского»

Авторы :

№9 (1382), декабрь 2021 года

17 ноября 2021 года на сцене Рахманиновского зала Московской консерватории состоялась постановка оперы-водевиля на весьма актуальную тему – «Карантин»! Изящный, искрящийся весельем шедевр А.Н. Верстовского увидел сцену благодаря проекту «Возрождение русской оперной классики», который уже несколько лет с большим успехом проводит кафедра истории русской музыки.
Константин Новичков (Стрелецкий) и Илья Рогов (Клиникус)

Обширная просветительская деятельность всегда отличала педагогов этой кафедры. Эти традиции сегодня развивает ее заведующая, доктор искусствоведения, профессор Ирина Арнольдовна Скворцова. Под ее руководством и возник уникальный проект «Возрождение русской оперной классики», направленный на воссоздание забытых опер русских композиторов. И сама идея, и выбор жанра необычайно актуальны: интерес к сочинениям прошлого сегодня высок, а опера остается одним из основополагающих жанров русской музыки, о чем неоднократно писали величайшие русские композиторы. «Опера, и именно только опера, сближает вас с людьми, роднит вашу музыку с настоящей публикой, делает вас достоянием не только отдельных маленьких кружков, но при благоприятных условиях – всего народа», – отмечал П.И. Чайковский.

Идея проекта «Возрождение русской оперной классики» возникла в 2016 году, во время подготовки к празднованию 150-летнего юбилея Консерватории. Сначала были поставлены два интереснейших образца русского классицизма: в 2016 году публика смогла услышать мелодраму Е.И. Фомина «Орфей», а год спустя на сцене Рахманиновского зала МГК была исполнена опера Д.С. Бортнянского «Сын-соперник» – она была воссоздана к 230-летию с момента ее первого исполнения. Постепенно временные границы проекта расширялись: в 2019 году его создатели обратились к музыке эпохи модерн, представив камерный шедевр А.С. Аренского – оперу «Рафаэль». В этот раз в рамках «Возрождения русской оперной классики» прозвучала музыка современника М.И. Глинки. Постановка водевиля А.Н. Верстовского стала приношением к 155-летию Московской консерватории.

А.Н. Верстовский (1799–1862) – одна из интереснейших личностей в русской музыке XIX столетия. Композитор, общественный деятель, он не только написал более 30 водевилей, став, по словам А.Н. Серова, создателем «своеобразного кодекса водевильной музыки», но и сочинил 6 опер, множество романсов. На протяжении 35 лет Верстовский руководил единой оперно-драматической труппой Большого и Малого театров, решая как репертуарные, так и административные вопросы. Современники называли эти годы «эпохой Верстовского». «Аскольдова могила» – наиболее популярная из опер композитора, один из лучших образцов русского романтизма, многократно ставилась на протяжении всего XIX века, а многие романсы Верстовского вошли в репертуар знаменитых русских певцов. «Одушевлённой жизнию сильного таланта» называл музыку Верстовского В.Г. Белинский.

Финальная сцена: солисты, Камерный оркестр и Камерный хор Московской консерватории

«Карантин» – второй водевиль Верстовского, написанный вслед за «Бабушкиными попугаями». На момент его создания композитору был всего 21 год! В музыке водевиля проявились лучшие качества его театральных сочинений: изящество, грациозность, обилие ярких тем, мгновенно остающихся в памяти слушателей. Фабула либретто, написанного Н.И. Хмельницким, довольно проста: в центре ее – взаимоотношения двух влюбленных. Фоном для веселого действия становится чумной карантин, а действующие лица – вполне типичные для этого жанра «маски» – юная пара, суровый отец, незадачливый отвергнутый поклонник. Для каждого из них композитор создает красочную и остроумную характеристику: именно музыка поэтизирует незатейливый бытовой сюжет.

Как и все проекты «Возрождения оперной классики», постановка «Карантина» создавалась в содружестве научных и творческих сил Московской консерватории. Координаторы проекта, под руководством И.А. Скворцовой, проделали огромную работу по подготовке нотного материала – в частности, подбору увертюры, отсутствовавшей в оригинальной партитуре, – и адаптации литературного текста.

По традиции, в постановке приняли участие консерваторские коллективы: Камерный оркестр под руководством Народного артиста РФ Ф.П. Коробова и Камерный хор, художественный руководитель – профессор А.В. Соловьёв. Звучание оркестра отличалось выразительностью и вниманием ко всем нюансам партитуры, а хористы порадовали не только качеством исполнения, но и актерской игрой: их внезапное появление из зала несомненно оживило действие.

Ульяна Лисицина (Ленушка) и Константин Новичков (Стрелецкий)

Большим мастерством отличалось пение солистов: Анастасии Белуковой (Ленушка), Екатерины Лукаш (Арбатова), Анджея Белецкого (Клиникус), Александра Попова (Мовша), Дмитрия Никанорова (Стрельский), Станислава Ли (Шляхтинский). Артистизм и обаяние, с которым они исполняли водевильные куплеты, не оставили равнодушными никого из публики. Украшением постановки стали и ее гости – актеры театра «Сатирикон»: Ульяна Лисицина (Ленушка), Елена Голякова (Арбатова), Константин Новичков (Стрелецкий), Никита Григорьев (Шляхтинский), Ярослав Медведев (Мовша), Илья Рогов (Клиникус). Присущая их игре яркая броская манера оказалась вполне в духе водевильного жанра и подчеркивала остроумие положений, придуманных либреттистом.

Среди режиссерских находок – игра с пространством: прекрасные интерьеры Рахманиновского зала превращались то в сад дворянской усадьбы, то в огороженный лентой (забавная отсылка к современности!) карантинный двор. Мгновенная смена декораций происходила благодаря огромному мультимедийному экрану, размещенному по всей ширине сцены, что придавало спектаклю живость и динамичность.

Актуальная тема, прекрасная музыка Верстовского и мастерство исполнителей способствовали тому, что «Карантин» имел огромный успех. Мы надеемся, что важнейшая просветительская работа кафедры истории русской музыки будет продолжаться, и ее проект «Возрождение русской оперной классики» еще не раз порадует слушателей выдающимися сочинениями русских композиторов.

Профессор Е.Б. Долинская

Фото Дениса Рылова

«Писать ясно, понятно и ярко…»

Авторы :

№9 (1382), декабрь 2021 года

22 октября Валерий Григорьевич Кикта отметил свой 80-летний юбилей. Глядя на этого энергичного, жизнерадостного человека, легко дающего фору скоростью мысли любому юноше, в это трудно поверить! В течение года запланировано несколько мероприятий, в том числе и концерт вместе с его учениками.

Валерий Григорьевич начал преподавательскую деятельность в Московской консерватории в 1991 году по приглашению К.С. Хачатуряна. А с 2010 года он возглавил кафедру инструментовки. За годы работы профессор Кикта воспитал целую плеяду молодых талантливых музыкантов. И мне, на своем собственном опыте, посчастливилось ощутить высочайший уровень профессионализма учителя, которым он с радостью делится с учениками. Мастерски владея приемами инструментовки, он закладывает своим студентам тот прочный базис, который для многих становится путеводным навсегда.

Особо хочется отметить чуткость, необыкновенную тактичность и искренне заботливое отношение Валерия Григорьевича к своим подопечным. Он всегда приветлив, легок в общении и старается всячески помочь своим молодым коллегам, что не часто бывает в среде искусства. «Так, пишите для арфы, для органа… А для хора у вас есть что-нибудь?» – интересуется он, и не голословно, а тут же познакомит с талантливым исполнителем и порекомендует с лучшей стороны.

Но самому главному, тому, чему невозможно научить словами, мы учились на музыке Маэстро. Сам Валерий Григорьевич очень точно определил свое творческое кредо так: «Ставя перед собой художественную сверхзадачу при создании нового произведения, я прислушивался к своему внутреннему голосу и чувству – писать ясно, понятно и ярко». Найти индивидуальность звучания, отражающую внутренние ощущения художника, собственную интонацию, способную зацепить ухо пресыщенного и перегруженного противоречивым звуковым потоком искушенного слушателя – задача очень нелегкая. Стремление казаться оригинальным, изобретательным подчас приводит к полному отрыву от окружающей реальности. А заигрывание с массой, желание быть «на устах у всех» неизбежно сводится к банальности и даже пошлости, не имеющих ничего общего с истинным искусством. И только немногие способны найти свое особое место в мире творчества, где создаются подлинные произведения искусства – артефакты современной культуры, не оставленной Духом, – несущие в себе неповторимый отсвет индивидуальности.

Именно к таким творцам можно смело отнести композитора В.Г. Кикту – крупнейшую художественную личность современной России. Одним из важнейших его качеств является независимость от изменчивых музыкальных пристрастий и течений. Он пишет так, как чувствует, в естественной для себя языковой манере, сочетающей лучшие традиции русского искусства и новизну звучания. Это давно стало его визитной карточкой, узнаваемой особенностью его музыки.

Характерная черта эстетических воззрений композитора Кикты – стремление к диалогу со слушателем, желание быть понятым. Его искренне беспокоит чувство сопереживания, которое вызывает только высокое творчество. Именно это, в сущности, всегда волновало истинных художников, в той или иной мере они во все времена думали о взаимодействии с окружающей реальностью, о некой таинственной соразмерности творческого результата с жизненной действительностью. «Истинное музыкальное откровение и воздействие происходят тогда, когда от исполненного произведения слушатель постигает глубинное содержание, красоту и богатство гармонии, свет и радость, приносящие его душе утешение и успокоение», – таково убеждение самого композитора.

Музыка Кикты широко известна и постоянно исполняется не только в России, но и за ее пределами. В «творческом портфеле» композитора 12 балетов, включенных в репертуар Большого театра, Новосибирского театра оперы и балета, Нижегородского театра оперы и балета, Иркутского музыкального театра, Национальной оперы Украины, театра оперы и балета республики Коми, балетных трупп Канады и США. Его перу принадлежат симфонические произведения: «Украинские колядки, щедривки и веснянки», «Фрески Святой Софии Киевской», вариации на тему П.И. Чайковского «Был у Христа-младенца сад», «Похищение Европы» (по картине В.А. Серова), «Владимир-Креститель»; оратории и кантаты – «Княгиня Ольга», «Песнь о матери», «Святой Днепр», «Свет молчаливых звезд»; инструментальные концерты: три концерта для фортепиано с оркестром, Концерт-новелла для двух фортепиано с оркестром, четыре концерта для гобоя с оркестром, концерт для тубы с оркестром, концерт для тринадцати труб соло, «Концерт на шотландские темы XVI–XVIII веков» для двух арф с оркестром, «Волынские наигрыши» – концерт для четырех видов флейт с оркестром, концерт для валторны с оркестром; произведения для оркестра русских народных инструментов, для хора, вокальные и камерно-инструментальные произведения, музыка для театра и кино. Замыслы многих сочинения возникали непосредственно из теплого общения автора с замечательными исполнителями, которые затем включали его произведения в свой концертный репертуар.

Помимо композиторской и педагогической деятельности Кикте удается вести насыщенную общественную жизнь. Он возглавляет комиссию музыкального театра Союза композиторов Москвы, является председателем правления Русского арфового общества и президентом Фонда имени И.С. Козловского, где постоянно открывает новые имена замечательных исполнителей. Его приглашают возглавить жюри различных конкурсов, зная его честность и искреннее желание помочь молодым музыкантам и поддержать их.

Слушая музыку Кикты, я всегда ощущаю какое-то безотчетное состояние радости и света, наполняющего все вокруг. Благодаря таким людям, как Валерий Григорьевич, благодаря высокодуховной направленности его творчества, несущего позитивную, добрую энергетику, современному человеку легче преодолеть многие жизненные трудности и найти утешение души, которое дает только высокое искусство.

С юбилеем, дорогой Учитель! Многая лета Вам!

Доцент О.В. Евстратова

В широком спектре жанров

Авторы :

№9 (1382), декабрь 2021 года

20 октября в Малом зале состоялся юбилейный концерт профессора кафедры сочинения, композитора и ученого Александра Александровича Коблякова. В программе были сочинения юбиляра и его учеников.

В начале прозвучали приветствия и поздравления в адрес виновника торжества от Союза композиторов и научного сообщества в лице главного научного сотрудника института философии РАН, доктора психологических наук В.Е. Лепского, который отметил уникальность А.А. Коблякова как междисциплинарного ученого, работающего на стыке музыки, логики, математики, когнитивных наук. Диапазон музыкального творчества А.А. Коблякова также обширен: от серьезной симфонической музыки до мюзикла и песен. Эту разносторонность он старается привить и нам, своим ученикам, что подтвердила программа юбилейного концерта, вместившая в себя целый спектр жанров: от академической камерной музыки до рок-оперы.

Концерт начался с пьесы для фортепиано Ольги Авраимовой. Ее музыка показалась воплощением эфемерности, легкости и неуловимости. В сочинении чувствовались и продолжение традиций фортепианной музыки, ярко представленных в циклах фортепианных миниатюр, например, Прокофьева или Бартока, и влияние музыкального языка конца прошлого-начала нынешнего веков, выразившегося в использовании сонорных приемов и новом ощущении музыкальной формы.

Два сочинения Виктора ЗиновьеваPost scriptum и каденция №5 для контрабаса solo – отличались стилевым разнообразием. Виртуозная каденция для контрабаса продемонстрировала высокий профессионализм автора в понимании особенностей и специфики этого инструмента, владение богатой палитрой различных приемов звукоизвлечения на контрабасе и умение выстроить их в логичную, цельную и динамичную форму. Если в каденции для контрабаса solo можно проследить продолжение традиции сольной виртуозной концертной пьесы с использованием различных современных исполнительских техник, заложенные еще Л. Берио в своих секвенциях, то в сочинении Post scriptum воплощается иная музыкальная эстетика, близкая французскому спектрализму. Гармоническим материалом для этой пьесы служит ряд обертонов, на основе которого выстраивается изысканный «диалог» между фортепиано и кларнетом.

Прекрасно прозвучала четырехчастная соната для скрипки соло Анастасии Ведяковой, глубокое и выразительное сочинение, написанное современным языком. Очень органичны в нем были интересные приемы игры на скрипке, как и мастерское исполнение в целом: ведь Анастасия — великолепная скрипачка, лауреат международных конкурсов, солистка Смоленской филармонии.

В заключение первого отделения прозвучали два сочинения юбиляра: соната для контрабаса и фортепиано в великолепном исполнении заслуженного артиста РФ Николая Горбунова (которому она посвящена) и лауреата международных конкурсов Ольги Плетниковой; и вариации для фортепиано, блистательно исполненные лауреатом международных конкурсов Михаилом Турпановым. В сочинениях Александра Александровича хочется отметить четкость и логичность драматургии, способность развивать «по максимуму» заложенные в музыкальном материале ресурсы. В этом и заключается подлинная сущность композиции: придать материалу органичную форму, которая бы приковывала внимание слушателя от первой и до последней ноты. Именно этому Александр Александрович учит и своих учеников, прививая им тонкий вкус и ощущение логики развития материала, при этом находя к каждому свой, индивидуальный подход, заботливо раскрывая потенциально заложенные в ученике склонности и способности.

Второе отделение началось с «Трех посвящений Альбану Бергу» Вячеслава Харченко. Смысл этого сочинения определяется его названием, идея цикла – вспомнить характерный колорит сочинений Берга, который раскрывался бы с двух сторон: конструктивно-технической и смысловой. С технической стороны была использована излюбленная Бергом разработка одного центрального созвучия: в каждой пьесе оно имеет свою структуру и свою логику развития. Со смысловой – воссоздание общего колорита эстетики экспрессионизма, так убедительно и естественно переданного Бергом в своем творчестве (особенно полно, на мой взгляд, в его операх). Скрытая программа этого сочинения требовала от слушателя определенной эрудиции. В результате возникло интересное сочинение, которое хочется слушать, и не один раз. Нельзя не отметить и исполнителя – пианиста Евгения Николаева. Ввиду потери зрения он должен преодолевать неимоверные сложности, разучивая классическую и современную музыку, но каждый раз блестяще с этим справляется!

Каждое произведение концерта открывало микрокосм его автора. Тимофей Владимиров в вокальном цикле «Снег» связал традицию русских лирических романсов с современной стилистикой, органично выражая замысел поэтического текста в каждом из номеров. Вниманием к музыкальному звуку была отмечена «Серенада» Марии Аникеевой, а также новым, очень тонким пониманием музыкальной формы: ощущалось не движение, а скорее, «пребывание в одном состоянии», наполненном переливами тембровых красок. На одном дыхании слушался двойной концерт для фортепиано, маримбы и ансамбля Ивана Миронюка – масштабное сочинение, в котором сочетаются минимализм, джазовые гармонии и мелодическое богатство автора. Сочинение было с воодушевлением встречено публикой.

Концерт завершился темпераментными номерами из рок-оперы «Тибетский путеводитель» Артёма Пыся по мотивам произведений Дж. Сэлинджера. Автор музыки выступил в качестве пианиста, а солировала, причем блестяще, лауреат международных конкурсов Софья Онопченко. Два вокальных номера, написанных в джазовом стиле, завораживали мелодической гибкостью и в то же время ясностью, при этом использование колоритных гармонических красок привнесло в эти сочинения динамизм, пластичность и выразительность. Второй из номеров – «Свадебный хор» – отличался еще и полистилистически: в качества музыкального материала для него был взят свадебный хор из третьего действия «Лоэнгрина» Вагнера, который использовался в качестве коллажа, наполняемого по мере развития музыки все более терпкими гармониями, характерными для джаз-рока.

Юбилейный концерт прошел с большим успехом. Наши поздравления юбиляру и всем участникам!

Анна Суворкова, студентка НКФ, композитор

«Тут мои композиторские наработки мне пригодились…»

Авторы :

№9 (1382), декабрь 2021 года

Судьбы выпускников Московской консерватории складываются по-разному. Кто-то реализует себя на концертной эстраде, кто-то остается преподавать в своей Alma mater, а вот герой нашей беседы нашел свое призвание в служении Богу через древнерусское знаменное пение. Осенним днем в праздник Воздвижения мне довелось побеседовать с Глебом Борисовичем Печёнкиным – выпускником композиторского факультета Консерватории (годы учебы: 1990–1997). Прогуливаясь по парку, он рассказал о своем непростом и интересном пути – от академического композитора к головщику-знаменщику.
В храме св. муч. Татианы при МГУ

Глеб Борисович, с чего началось Ваше увлечение знаменным пением?

– История очень интересная. В 1987 году, когда я учился в Московском хоровом училище имени А.В. Свешникова, некая Греческая продюсерская компания заказала хору Московской консерватории к празднованию 1000-летия Крещения Руси исполнение древнерусской Всенощной в концертном варианте. Для исполнения в хор пригласили и нескольких юношей из нашего училища. Насколько мне стало известно, делегаты хора консультировались со старообрядцами, а расшифровку, если я не ошибаюсь, делала Т.Ф. Владышевская. Хором руководил покойный Б.Г. Тевлин, а в качестве одного из солистов фигурировал известный хормейстер Л.З. Конторович. Затем фрагменты Всенощной попали в репертуар Хора училища (под руководством В.С. Попова).

Этот пласт настолько запал мне в душу, что, выражаясь современным языком, я испытал «культурный шок». Примерно в это же время я стал петь на клиросе в современной традиции. Но гармоническое многоголосие уже не соответствовало моим представлениям о литургическом пении. Я служил во многих храмах и каждый раз вспоминал про знаменное пение.

А как Вы освоили крюковую нотацию?

– Уже будучи студентом Консерватории во время Великого поста, я садился в читальный зал и изучал разные пособия: Л.Ф. Калашникова, М.Д. Озорнова и др. Интересно, что долго не мог начать петь по крюкам, хотя знал все знаки. И однажды я вспомнил, как научился читать. В детстве мне читали разные сказки, и я их запоминал. Затем, когда я открыл одну из сказок, я вдруг понял, что читаю ее, так как она мне хорошо знакома. То же самое было у меня и с крюковой нотацией, когда я напелся по нотам и напевы укоренились в моей памяти, я вдруг понял, что уже пою по крюкам, не расшифровывая их.

Большое влияние на меня оказали книги В.И. Мартынова «История богослужебного пения», прот. Б. Николаева «Знаменный распев и крюковая нотация как основа русского православного церковного пения», И. Гарднера «Богослужебное пение Русской православной Церкви». Они дали мне ответы на многие вопросы и искания.

А пересекались ли Вы в Консерватории с нашими выдающимися медиевистами Т.Ф. Владышевской и И.Е. Лозовой?

– Да, но Т.Ф. Владышевская у нас ничего не преподавала, она читала курс палеографии теоретикам. С И.Е. Лозовой мы общались творчески, я ей задавал вопросы, иногда приглашал на экзамены в свою певческую школу, чтобы она послушала, чему научились мои воспитанники.

На клиросе Г.Б. Печёнкин с супругой

Пробовали ли Вы как-то совмещать знаменный роспев и композиторскую практику?

– Да, был такой момент. На защите диплома в аспирантуре я показывал свой распев самогласной стихиры и, должно быть, вошел в историю композиторской кафедры Консерватории. У новообрядцев есть служба «Погребения Божьей матери» (калька с богослужения «Великой Субботы»), там одна из стихир «Тебе одеющуюся» написана как бы на подобен (то есть по модели — примеч. Д. Д.) к другой стихире — «Тебе одеющагося», но текст там гораздо длиннее. Последнюю я взял за основу и интерпретировал с новым текстом, то есть как бы попробовал себя в роли роспевщика.

Мой руководитель, В.Г. Агафонников, посоветовал мне показать эту стихиру на дипломном экзамене. Я спел ее по написанным мною крюкам. Комиссия слушала очень внимательно, все смолкли и, вероятно, не знали, как реагировать на это. В стенах Московской консерватории такое звучало впервые. Заведующий кафедрой, покойный А.С. Леман, который тогда был главой комиссии, сказал: «Вам от государства надо выдать охранную грамоту».

После окончания Консерватории я еще какое-то время продолжал заниматься композиторским творчеством: писал на заказ, делал переложения духовных стихов, обработки знаменного роспева для хора. В 2003 году готовился к выходу сборник «Всенощное бдение: Древние роспевы», это было переиздание сборника Римского-Корсакова «Пение при Всенощном бдении древних напевов» (СПб, 1888. – примеч. Д.Д.). В собрании Римского-Корсакова не было степенных антифонов и их обработку заказали мне.

Но в какой-то момент я понял, что больше писать не могу. У человека, который чем-то занимается, должна быть идея, а эта идея у меня потухла, я не видел смысла, мне это уже стало неинтересно. Однако я стал трудиться как роспевщик: перекладывал дореформенные песнопения с пореформенным текстом, делал редакции уже существующих распевов. Тут мои композиторские наработки мне пригодились.

Расскажите о своей педагогической практике.

– После окончания Консерватории у меня родилась интересная мысль – создать знаменную певческую школу для детей. 15 лет я занимался с отроками. Это были очень плодотворные занятия, ведь дети приходили ко мне как чистый лист, их сознание не было отягощено академическими стереотипами, они могли смотреть на все новое незамутненным взором.

Какой методикой Вы руководствовались при занятии с детьми?

– Разными. Изначально я пытался совмещать линейную нотацию и крюки. Но учили знамёна мы через сольфеджио, что было не совсем правильно. Эта методика неэффективна, особенно для людей без слухового опыта. Я очень долго думал над этим и в итоге пришел к совершенно другой методике, которая, как мне кажется, воскрешает аутентичные способы обучения.

Вы имеете в виду Вашу «методику слоев»?

– Да, это одно из рабочих названий. На этой методике строится мое новое учебное пособие для начинающих «Пение по древнерусским знаменам». Родилась она благодаря сравнительному анализу нотаций разных периодов, а также практики старообрядцев разных согласий. Чем ближе рукопись к нашему времени, тем сложнее невменная запись песнопений, но мелодическая канва остается той же. Возможно, мелос эволюционировал и усложнился со временем, а может он таким и был, просто запись была стенографической и всего не отражала. По-видимому, нотация давала определенную свободу в интерпретации. Эту свободу мы сейчас все потеряли.

Кроме того, я разрабатываю терминологию, которая была бы удобна для практики, вернее, даю новую жизнь древней забытой терминологии.

В храме Покрова Пресвятой Богородицы в Рубцово

Азбучной?

– Да, но из старых азбук, не современных. Меня интересуют описательно-толковательные руководства XVI века, где каждый знак предписывается исполнять особым образом («из гортани гаркнуть», «подынуть к верху» и т.п.). Многие исследователи сейчас ломают голову, пытаясь понять, что это могло означать. Исходя из многолетней практики, я пришел к выводу, что описательные толкования знаков на самом деле указывают на мелизматику. То есть многоступенные знамена нельзя понимать точечно, как выражение мелодии, это все усложнение распева основного тона слога литургического текста.

Как я понимаю, для Вас первична наречная традиция, а как Вы познакомились с наонной?

– Про наонную традицию я долгое время ничего не знал, я работал по книгам, которые у меня были (калашниковские издания, азбуки). Уже позднее я познакомился с поморскими книгами и стал изучать этот пласт. Однако если некоторые считают, что надо выбирать какую-то одну традицию, то я за то, чтобы все это изучать и обобщать, применять к сложившимся условиям и пропускать через собственный опыт. Вот как есть латынь, а есть языки, которые вышли из нее, эти языки хотя и базируются на латыни, но каждый из них – своя собственная культура, свои традиции, свое произношение. Так же я смотрю и на старообрядческие традиции. Они – своего рода новые европейские языки, а я хочу все-таки изучать и практиковать «латынь», для этого я знакомлюсь со всеми этими «языками».

– А какова Ваша позиция относительно манеры пения?

– Мне надо петь так, как мне удобно. Понятно, что момент подражательности на определенных стадиях становления неизбежен. Когда я слушал «поповцев», я начал петь таким же академическим голосом в высоком тоне, потом слушал «казаков-некрасовцев» и увлекался мелизматикой, слушал «поморцев» – пытался петь по-поморски. Но я понимал, что говорю не своим языком. Молитва выше всех подражаний. Нужно найти оптимальный путь, свой собственный.

– А изучали ли Вы византийскую традицию?

– Да, конечно, вначале самостоятельно учил по болгарским учебникам, затем слушал записи.

На службах византийским роспевом я не пою. Византийская и знаменная традиции – это все же разные языки, трудно их совмещать. Но определенное влияние византийской культуры я испытал, и это расширило мои представления о знаменном пении. На архивных старообрядческих записях есть много схожего с византийским пением. В основе этих разных певческих культур одинаковое мышление – ладовое. В современной знаменной традиции это сейчас практически утеряно.

Как Вы считаете, нужно ли популяризировать знаменный роспев в светском обществе или он должен оставаться достоянием лишь узкого круга «посвященных»?

– Стоит, но скорее в миссионерском ключе. Важно делать акцент не на том, как это оригинально и красиво, но дать понять, что это продукт определенного уклада жизни. Нужно воспринимать эту культуру, прежде всего, в том пространстве, для которого она создавалась. Концертная практика все искажает. Знаменный роспев на концерте – это все равно, что выразительная декламация молитв на сцене.

Беседовала Дарья Дацкая, студентка НКФ, музыковедение

Фото из личного архива

Брасс-парад в столице

№9 (1382), декабрь 2021 года

В Москве состоялось грандиозное культурное событие, в котором приняло участие большое количество брасс-музыкантов со всей страны: с 5 по 8 октября 2021 года в концертных залах РАМ им. Гнесиных прошел I Фестиваль оркестровых медных духовых и ударных инструментов, носящий имя знаменитого на весь мир музыканта, заслуженного деятеля искусств РФ, профессора В.Н. Досадина (19332012).
Брасс-квинтет Большого театра России

Фестиваль был организован благодаря совместной творческой работе двух ведущих музыкальных вузов России: кафедры медных духовых инструментов РАМ имени Гнесиных в лице преподавателя по классу тубы Ф.Т. Мусина и кафедры медных духовых инструментов МГК имени П.И. Чайковского под руководством заведующего кафедрой, профессора Э.Б. Юсупова. Консерваторская кафедра постоянно находится в авангарде отечественного исполнительства, ориентируется на зарубежный опыт и предлагает свои творческие наработки, создает новаторские проекты, аккумулирует вокруг себя лучших музыкантов. Ее действующий проект «Новая духовая школа», в рамках которого организован фестиваль, – яркое тому доказательство.

Масштабные фестивали, направленные на популяризацию медных духовых инструментов в России, – явление в наши дни достаточно редкое и, конечно, значимое. Особенно востребованы события, которые отражают современное состояние отечественной духовой школы и концертного исполнительства на медных инструментах и ориентированы на все возрастные категории участников: от воспитанников детских музыкальных школ до признанных мастеров-виртуозов. Каждый подобный брасс-форум – настоящее событие, несомненно перспективное и имеющее большой потенциал для организации педагогической работы в сфере музыкального исполнительства.

Имя Владимира Николаевича Досадина хорошо знакомо музыкантам-профессионалам и любителям духовой музыки. Выдающийся тубист, профессор В.Н. Досадин в течение десяти лет возглавлял оркестровый факультет РАМ, был председателем творческой комиссии исполнителей на медных духовых инструментах Международного союза музыкальных деятелей. Он создал свою школу тубного исполнительства, вел постоянную работу по расширению педагогического репертуара для тубы и совершенствованию методики преподавания на этом инструменте. Для него написаны Концерт для тубы с оркестром Аркадия Нестерова, Концерт для тубы с оркестром и Фантазия на темы Римского-Корсакова Валерия Струкова, Соната для тубы Николая Ракова.

Владимир Николаевич воспитал не одно поколение тубистов. Среди его учеников более шестидесяти лауреатов Международных и Всероссийских конкурсов тубистов, чья игра запоминается не только отточенной техникой, но и яркостью тембра, бережным звуковедением. Коллеги высоко ценили талант музыканта. Так, Геннадий Рождественский называл Досадина «замечательным музыкантом и многолетним сотоварищем по БСО». Свою симпатию выражал и Арам Хачатурян, называя Досадина «талантливым и очень милым человеком, прекрасным музыкантом». Сохранилась открытка, посланная Ириной Архиповой из Домского Собора Риги: «Володе Досадину на память и с наилучшими пожеланиями в творчестве, в личной жизни».

Мастер-класс профессора Э.Б. Юсупова

Задумывая фестиваль памяти выдающегося музыканта, артиста яркого дарования и огромного таланта, благородного и душевного человека, его ученики и коллеги стремились сделать это событие неформальным. Оргкомитет фестиваля видел свою задачу в создании непринужденной атмосферы и моделировании яркой творческой среды, которая наполнялась бы новыми культурными веяниями и отвечала потребностям современного слушателя. Концепция фестиваля органично сложилась из синтеза современных тенденций в исполнительстве и новейших методических разработок в преподавании игры на медных духовых инструментах в Московской консерватории.

Все мероприятия фестиваля были направлены на формирование общей культуры у московского и, шире, российского студенчества, морально-духовных ценностей и эстетических ориентаций у совсем еще юных исполнителей – учащихся детских музыкальных школ и училищ. Программа концертов и мастер-классов, дискуссии на Круглом столе формировались организаторами с целью сохранения и развития культурного наследия России, распространения музыкально-педагогического творчества выдающихся музыкантов, популяризации исполнительства на оркестровых медных духовых и ударных инструментах, в том числе – и на поддержание интереса к исполнительской культуре разных этносов и народностей нашей страны.

Дата торжественного открытия фестиваля, посвященного памяти талантливого педагога совпала с Международным Днем учителя 5 октября и была приурочена к этому празднику. В масштабном концерте приняли участие более тридцати ведущих российских исполнителей-солистов, среди которых были педагоги Московской консерватории профессор Э.Б. Юсупов, доцент А.А. Раев, доцент А.В. Старков, ст. преподаватель Я.А. Беляков, а также знаменитые коллективы: брасс-квинтет Большого театра России, квартет тромбонистов и Большой брасс-ансамбль ГАСО имени Е.Ф. Светланова, брасс-ансамбль Music brass, брасс-квинтет и квартет тромбонов РАМ имени Гнесиных, ансамбль ударных инструментов Percarus Duo и Большой брасс-ансамбль Московского молодежного Брасс содружества. Это был настоящий праздник духовой музыки!

Концерт учащихся ДМШ и ССУЗ

Во второй фестивальный день в Музыкальной гостиной Дома Шуваловой состоялись мастер-классы ведущих педагогов: Эркина Бахтияровича Юсупова – солиста и концертмейстера группы тромбонов Большого театра России, профессора и заведующего кафедрой медных духовых и ударных инструментов Московской консерватории; Юрия Алексеевича Афонина – солиста оркестра Большого театра России, преподавателя тубы кафедры оркестровых духовых и ударных инструментов ГМПИ имени М.М. Ипполитова-Иванова; Алексея Александровича Раева – солиста и концертмейстера группы валторн Большого театра России, доцента кафедры медных духовых и ударных инструментов Московской консерватории; Евгения Анатольевича Алимова – солиста группы труб Государственной симфонической капеллы России п/у Валерия Полянского, преподавателя Академии джаза.

Мастер-классы, как и концерты ведущих педагогов, были объединены общей благородной идеей: созданием условий молодому поколению для осознанного выбора будущей профессии. Они отличались не только царившей дружеской и высокопрофессиональной атмосферой, но и глубиной теоретического анализа, высокой практической ценностью рекомендаций и рассматриваемых проблем. В ходе занятий педагоги использовали современные образовательные технологии – развивающего, коллективного, интерактивного обучения, а также исследовательский подход. Конечно, мастера учитывали индивидуальные возможности учеников: доступное и понятное изложение материала о технике исполнительства и современных приемах игры на духовых инструментах способствовали моментальному применению полученных знаний на практике. Все четыре мастер-класса были продуманы педагогами таким образом, что позволяли присутствующим проявить свои способности, навыки владения инструментом, информированность и заинтересованность в знаниях. Дети с большим желанием учились у известных исполнителей, а профессиональные музыканты с радостью делились своим творчеством, передавая свой опыт молодому поколению.

7 ноября, в третий день фестиваля, состоялся концерт учащихся детских музыкальных школ и средних специальных учебных заведений. Большой творческий вклад в реализацию детского концерта внес Я.А. Беляков. Под его руководством большой Брасс-ансамбль Московской консерватории исполнил торжественную фанфару и с первых звуков задал высокую планку мероприятию.

Торжественное закрытие фестиваля 8 ноября ознаменовалось Гала-концертом с участием ведущих солистов, ансамблей и губернских оркестров России: ансамбля барабанщиков «Фиеста» Института военных дирижеров Военного Университета МО РФ п/у заслуженного артиста России В.И. Аникина; Нижегородского губернского оркестра п/у заслуженного артиста России Е.Н. Петрова; Губернаторского оркестра Московской области Московского губернского драматического театра (Худрук театра – народный артист РФ С.В. Безруков), главный дирижер – заслуженный артист РФ С.В. Пащенко, дирижер К.О. Черчик.

Слушатели и гости фестиваля познакомились с удивительным миром музыкальной романтики, услышали захватывающие выступления разнообразных творческих коллективов, оценили красоту, изящество и мастерство сольных исполнителей, а также получили возможность представить себя в роли оркестрового музыканта. Фестиваль оказался очень востребованным, стал настоящим событием и в музыкантской среде, и для слушателей концертов, среди которых были люди разных возрастных и социальных групп. Пожелаем же Первому Фестивалю имени В.Н. Досадина продолжения и будем ждать новый праздник духовой музыки в следующем году!

Преп. С.Ф. Бармин, кандидат искусствоведения Н.В. Гурьева

Фото Панкрата Колесникова

Пространство для новой музыки

№8 (1382), ноябрь 2021 года

С 11 по 15 октября 2021 года в Московской консерватории прошел XVII Международный фестиваль современной музыки «МОСКОВСКИЙ ФОРУМ». Он был посвящен музыкальному творчеству нового времени и имел многообещающее программное название – «ПРИЗРАК БУДУЩЕГО».

Ничто в мире не стареет так быстро, как то, что называется «новым». Фестиваль современной музыки «Московский форум» мы проводим с 1994 года, и на протяжении последней четверти века само понимание «нового» существенно изменилось. В начале 1990-х многое из глубокой классики ХХ века оставалось у нас неизвестным даже профессионалам. Это была еще доинтернетная эпоха и компакт диски с записями современной музыки, как и партитуры, приходилось привозить из-за рубежа. А сочинения крупных отечественных композиторов-шестидесятников, как и музыка русского авангарда 1910–1930-х годов стали свободно исполняться лишь к концу «Перестройки». В первое десятилетие Новой России все это еще оставалось для нас «новой музыкой».

Тогда, когда мы создавали фестиваль, первостепенной задачей было желание ликвидировать лакуны в наших знаниях и ввести современную российскую музыку в общемировой контекст. Первые «Форумы» представляли собой своего рода фестивали-диалоги российских музыкантов с музыкантами той или иной европейской страны – Германии, Франции, Италии, Австрии, Голландии… Мы приглашали ансамбль, который исполнял сочинения композиторов своей страны, а также нередко включал в программу и работы российских авторов. В свою очередь, наши музыканты, и прежде всего, базовый ансамбль фестиваля Студия новой музыки, представляли музыку российских композиторов с включением сочинений композиторов страны-партнера.

Несмотря на то, что в Москве 1990-х проводились и другие фестивали современной музыки, например, «Московская осень», представлявшая новые сочинения композиторов Москвы, или «Альтернатива», которая с начала 1990-х преобразовалась в важнейшую площадку для джаза и минимализма, наш «Форум» фактически стал первым российским фестивалем профессиональной современной музыки международного формата. Он быстро завоевал признание не только в России, но и за рубежом, о его международном признании свидетельствует уже список оркестров, выступавших на фестивале: Ensemble Modern, Klangforum Wien, Ensemble Orchestral Contemporain, Ensemble Recherche, Schoenberg Ensemble – ведущие коллективы мира, специализирующиеся на исполнении современной музыки.

K концу 2000-х ситуация с современной музыкой в Москве существенно изменилась. Сформировалась новая публика, выросло новое поколение интересных российских композиторов и исполнителей, стали более доступными записи и партитуры новых сочинений, современная музыка прочно вошла в учебные программы Консерватории, а концерты ансамбля Студия новой музыки стали неотъемлемой частью музыкального ландшафта Москвы.

Однако в условиях настоящего бума современного искусства в Москве 2010-х, музыка оставалась на положении бедной Золушки, не имевшей веского голоса в острых дискуссиях, разворачивавшихся вокруг театральных постановок, художественных выставок или при обсуждении новых литературных произведений. Наши замечательные музыканты «гордо уединились» в профессиональных башнях из слоновой кости, не желая спускаться в этот новый, бурлящий странными идеями, бренный мир и тем самым отдали вопросы развития музыки на откуп «племени младому, незнакомому». В свою очередь, и этот новый мир мало интересовался нашими профессиональными изысканиями, зато привносил в искусство ту живую жизненную материю, ту свежую кровь, без которой никакое развитие невозможно.

Преодоление этого культурного разрыва стало одной из задач «Форумов» последних лет. Мы радикально переосмыслили саму идею и формат фестиваля: название «Московский форум» осталось неизменным, но теперь это не фестивали-диалоги, а, как гласит наш новый подзаголовок, – пространство для новой музыки и эстетических дискуссий. Каждый концерт и фестиваль в целом имеют определенную актуальную тему, схватываемую уже в названии, а концерты состоят из трех отделений: музыка – дискуссия – музыка. Дискуссии проходят непосредственно на сцене Рахманиновского зала и в них принимают участие не только композиторы и исполнители, но и специально приглашенные известные философы, искусствоведы, художники. Вопреки первоначальным опасениям, жанр открытых дискуссий оказался очень востребованным – публика с удовольствием принимает самое активное участие в спорах сторон посредством прямого голосования с помощью личных гаджетов и специальной программы. Таким образом, обновленный «Форум» стал еще ближе к изначальному смыслу этого слова!

Прошедший фестиваль мы назвали «Призрак будущего». Парадоксальным является тот факт, что великие пророчества философов прошлого от «Государства» Платона до «Утопии» Томаса Мора, от «Града Божьего» Августина до «Манифеста коммунистической партии» Маркса и Энгельса, не говоря уже о многочисленных манифестах футуристов начала ХХ века – все они проникнуты торжеством идей слаженного миропорядка и гармонии. Но футурологические прогнозы наших дней полны тревог и сомнений: искусственный интеллект и экологический кризис, истощение ресурсов и демографические проблемы, вопросы постколониальной этики и новых субкультур – все это не находит какого-либо положительного разрешения в сегодняшней science fiction.

Наверное, многие традиционно воспитанные музыканты посчитают, что эти проблемы не имеют прямого отношения к музыке. Но большая часть сегодняшней творческой молодежи мыслит совершенно иначе! Они видят задачу актуального искусства именно в том, чтобы активно вторгаться в реальную жизнь, в, казалось бы, далекие от классического искусства темы и оказывать прямое воздействие на окружающий мир. Этим обусловлен и наш подход к программам фестиваля.

Пять вечеров прошедшего «Московского форума» – это попытка творческого осмысления музыкантами и философами некоторых вызовов нашего времени, это «футурологическое» исследование сложных, противоречивых процессов, получающих отражение в сегодняшнем музыкальном искусстве. Темы фестивальных концертов говорят сами за себя: FUTURO//LOGOS, ECO//LOGOS, SOCIO//LOGOS, COSMO//LOGOS и TECHO//LOGOS. Их различная проблематика объединяется идеей Логоса как единства абстрактной мысли и конкретного высказывания, слова. Этому же была посвящена и дневная конференция, и заседания уже третьего по счету Всероссийского семинара для музыкальных критиков и культурологов, который проводится на «Форуме» ведущими учеными-гуманитариями и журналистами нашей страны, куда традиционно приезжают слушатели со всей России.

Открытие и закрытие фестиваля совместно с артистами ансамбля Студия новой музыки провела обновленная команда Центра электроакустической музыки, направление работы которого не только связывает акустику с электроникой, но и традиционную концертную практику с новейшими перформативными форматами, а чисто музыкальное исполнительство со средствами мультимедиа. Этот «дигитальный поворот», определяющий сегодня принципиальные трансформации всех искусств и их качественно новое взаимодействие на основе различных цифровых платформ, предъявляет совершенно особые требования к художникам и артистам. Современному исполнителю необходимо не только иметь определенные технические навыки, но и в ответ на новые вызовы, необходимо приобретать разноплановые умения многопрофильного артиста, которым становится концертант новой формации.

В этих новых форматах концерт нередко перестает быть чисто акустическим событием: в мультимедийных проектах звуковое сливается с визуальным, импровизационное с нотированным, инструментальное с хореографическим. Исполненные на этих концертах мультимедиальные сочинения Н. Попова, А. Хубеева, А. Наджарова и С. Маковского вызвали горячую реакцию публики, а эффектнейшая пьеса Star Me Kitten А. Шуберта для голоса, ансамбля, электроники и видео в исполнении А. Верин-Галицкой была воспринята публикой как хит рок-концерта.

Слияние и взаимопереходы исполнительского жеста в звук, а звука в хореографическое движение продемонстрировал аудиовизуальный концерт-спектакль, подготовленный нашими французскими гостями – мультимедиальной группой LiSiLoG, поделившейся с Консерваторией своей технологией. Особо трепетным отношением к звуку отличалась программа, посвященная «экологической музыке», направлению, становящемуся сегодня все более заметным в разноголосом хоре актуального искусства. На этом концерте прозвучали две премьеры московских композиторов – «Мистические сумерки» для голоса и ударных Н. Прокопенко в исполнении Е. Кичигиной и Dvo_YE для басовой флейты и электроники А. Поспеловой в интерпретации М. Рубинштейн.

Резким эстетическим контрастом этому стал концерт SOCIO//LOGOS, своего рода творческое погружение в захлестнувшую сегодня искусство Европы тему социальной критики: от нескрываемой̆ иронии над самодовольством буржуа в немом фильме À propos de Nice с «живой̆ музыкой̆» Ф. Париса (2005) до горького надлома в инструментально-театральном сочинении Р. Рима Lenzin Moskau, в котором трагическая история немецкого поэта Я. Ленца становится символом одиночества и унижения творчески мыслящего человека. Российская перформативная команда Waldgang и композитор П. Поляков выразили свое видение пути к духовному в сегодняшнем мире через процесс переплавки металлических монет (в эквиваленте минимальному размеру оплаты труда) в церковный̆ колокол: от бренной материи к высотам духа! Очень русский взгляд…

Профессор В.Г. Тарнопольский, художественный руководитель фестиваля

Фото Дениса Рылова

«Маэстро-чародей» или «Бемоли Сталина»

Авторы :

№8 (1382), ноябрь 2021 года

17 сентября в Московской консерватории прошла презентация книги Бруно Монсенжона «Маэстро-чародей. Беседы с Геннадием Рождественским». Прославленный кинорежиссер, скрипач и литератор хорошо известен широкой публике по своим замечательным киноработам «Рихтер непокоренный», «Гленн Гульд: вне времени», «Иегуди Менухин. Скрипка века» и многим другим фильмам. Новая работа Монсенжона посвящена выдающемуся дирижеру, педагогу, пианисту, композитору и музыкальному деятелю – профессору Геннадию Николаевичу Рождественскому.

На презентации в зале присутствовал не только сам Бруно Монсенжон, но также вдова Г.Н. Рождественского Виктория Постникова, ректор Консерватории Александр Соколов и редактор русского издания Григорий Моисеев. Атмосфера царила радушная: Консерватория с большим трепетом и пиететом принимала в своих стенах именитого гостя из Франции. Монсенжон отвечал взаимностью – автор смог найти время не только на само выступление, но и на личное общение практически с каждым гостем встречи, что, надо признать, заняло у него немало времени.

Российскому читателю невероятно повезло, ведь последнее детище Монсенжона издано только на двух языках – французском и русском. Перевод и издание самого произведения стали возможны при непосредственном участии Консерватории: «У меня постоянно была поддержка Виктории и поддержка Консерватории, которая была для меня очень важна, потому что без нее и ректора Соколова мне было бы бесполезно делать русский вариант», – заметил автор.

По его заверению, русскоязычное издание ничуть не потеряло при переводе, а может даже и приобрело – здесь фотографии сопровождают повествование, в то время как во французском издании они скомпонованы в отдельном блоке. Единственное существенное различие между оригиналом и переводом – это смена названия самой книги. Основанием французскому заглавию «Бемоли Сталина» послужила история о том, как однажды Иосиф Виссарионович в антракте спектакля, делясь своими впечатлениями с Геннадием Николаевичем, дирижировавшим оркестром в этот вечер, решил ему высказать замечание по поводу «недостаточного количества бемолей в партитуре». И смех, и грех…

По признанию автора, работа над книгой заняла у него практически 40 лет и основывается на его фильме-беседе непосредственно с самим Геннадием Николаевичем, которого он снимал на протяжении 30 лет. «Главный источник наших бесед в книге, конечно, этот фильм – рассказывает Монсенжон. – Но есть и другие: это великолепные отношения с Викторией Постниковой и Геннадием Рождественским; у меня всегда была мечта собрать все, что он мне рассказывал в течение этих сорока лет в какую-то литературную форму, ведь книга – это совершенно другое дело. Там есть некая литературная свобода, а в фильме все зависит от того, есть ли картинка. Книга несравнимо больше».

Бруно Монсенжон

Построена книга по главам, каждая из которых раскрывает конкретную тему, а повествование касается самого широкого круга вопросов, начиная с рассуждений маэстро о дирижерской профессии и заканчивая воспоминаниями о таких великих музыкантах, как Д.Ф. Ойстрах, Д.Д. Шостакович и многих других. На презентации присутствующим также были продемонстрированы фрагменты фильма, на основе которого была написана книга.

Одно из главных качеств Геннадия Николаевича, которое сразу бросается в глаза – это его искрометное чувство юмора. У Рождественского оно очень элегантное, изящное и насквозь пропитано витальностью – то, с какой легкостью и иронией он рассказывает о совершенно абсурдных, а местами ужасающих вещах, вызывает восхищение. Ненароком задумываешься о силе духа этого великого музыканта.

Но не стоит относиться к этому творению как к сборнику анекдотов. Произведение Монсенжона — это своеобразная летопись, срез целой эпохи и не только в контексте музыкальной жизни. «Все это для меня было и гигантским удовольствием, и гигантской работой, но я так рад, в конце концов, что эта книга вышла и здесь тоже. Мне кажется это очень важным, ведь Геннадий Николаевич стал первым советским дирижером, который занял пост главного дирижера оркестра BBC, и вообще эта книга целая история вашей страны и взаимоотношений человека с миром».

Тандем Рождественский – Монсенжон вряд ли сможет оставить кого-то равнодушным. Тем более, что этот замечательный материал рассчитан на разнообразный круг читателей, не только на профессионалов и любителей музыки, но и на тех, кто хочет узнать о той бурной и колоритной эпохе намного больше. Книга ждет своего читателя.

Анастасия Метова, студентка НТФ, муз. журналистика

Вперед и вверх!

Авторы :

№8 (1382), ноябрь 2021 года

Кафедра междисциплинарных специализаций музыковедов возникла в Московской консерватории в 1991 году, став новой кафедрой Новой России. В 2010-м она получила от РАЕ почетный титул «Золотая кафедра России». А сейчас кафедра МСМ достигла 30-летия, которое мы отметили 15 октября юбилейным концертом в зале имени Н.Я. Мясковского.

Тогда, у истоков, мне было ясно, что пришло время осваивать многие предметы и специализации, необходимые культуре, но отсутствовавшие на существовавших кафедрах. Поэтому я предложила открыть в Консерватории новую кафедру, а часы взять от явно отпадавших коммунистических дисциплин («Научный коммунизм», «История коммунистической партии» и т. д.). В числе первых, по инициативе кандидата искусствоведения, доцента Л.А. Ладыгина, была создана специализация «музыковед-балетовед». Пресса жаловалась, что «балетники» пишут только о танце, но ничего не могут написать о музыке. Так, с помощью письма самой Галины Улановой, возник специалист нового типа, а позднее главным представителем стала А.П. Груцынова, ныне доктор искусствоведения, профессор, преподающая «Историю балета».

В первый же день заведования я пригласила к нам знаменитого филолога и культуролога А.В. Михайлова, опасаясь, чтобы его раньше не перехватил МГУ. Но там и не подумали! И мы слушали его уникальный курс, пока его не перевели на новую философскую кафедру Консерватории. Еще быстрее пришлось передать туда с нашей кафедры и другого яркого философа (и музыковеда) Т.В. Чередниченко, чей портрет висит в одном из классов Консерватории.

Первопроходцем в ведении совершенно нового предмета – «Теория музыкального содержания» – стал А.Ю. Кудряшов, имевший и музыковедческое, и фортепианное образование. Такого предмета еще не было в истории мировой педагогики. Хотя сама теория была разработана мною, но для ее преподнесения студентам-исполнителям требовался педагог и с исполнительской специальностью. Кудряшов выпустил ценнейший учебник – «Теория музыкального содержания. Художественные идеи европейской музыки XVII-ХХ вв.». Предмет, который он вел, настолько плотно подошел к исполнительской практике студентов, что его преподавание помимо МГК вызвало восхищение также в РАМ им. Гнесиных: там в одном из классов вывесили его портрет.

Новый предмет – «Английская музыкальная терминология» – установила С.И. Завражнова, начавшая составлять англо-русский музыкальный словарь. После того, как Консерватория по моей инициативе купила первый компьютер (1990), на кафедре был открыт курс «Музыкальная информатика», затем переведенный в Центр информатики вместе с педагогом Ю.Н. Рагсом. А ныне здравствующий доктор биологически наук В.П. Морозов, автор сотен научных работ, преподавал вокалистам предмет о структуре вокального голоса (с измерениями на аппаратуре) и разработал тестирование «эмоционального слуха», которое применял для отбора певцов при поступлении в Консерваторию.

Впервые в музыкальных вузах страны, с полного нуля создала предмет «Менеджмент музыкального искусства» О.А. Левко (теперь кандидат искусствоведения, доцент). В начале 1990-х, когда рухнули филармонии и другие организующие структуры, Левко стала учить студентов-исполнителей организовывать концерты, создавать музыкальные ансамбли, вести документацию на английском языке. Сама она, став победителем международного конкурса Фулбрайт (США) и пройдя стажировку в США, сегодня организует концерты Башмета, Мацуева, ее ученики выходили на работу в Большом театре, НФОР и даже в американском Национальном оркестре.

Преподает на кафедре доктор педагогических наук, профессор М.С. Старчеус – один из двух ведущих музыкантов-психологов России (наряду с Д.К. Кирнарской, кстати, писавшей докторскую диссертацию на нашей кафедре). Проф. Старчеус, автор капитальных исследований «Слух музыканта» и «Личность музыканта», читает курсы музыкальной психологии и педагогики.

Свой курс «Оперный театр» преподает доктор искусствоведения, профессор О.В. Комарницкая (также победитель конкурса Фулбрайт). Она впервые подробно раскрыла роль религиозных идей в русской классической опере. А доктор искусствоведения, профессор Б.Г. Гнилов разработал курс «Теория и практика музыкальной импровизации» с собственным практическим методом игры такого рода.

Курс «Латинская музыкальная терминология» ведет кандидат искусствоведения, доцент С.Н. Лебедев – победитель конкурса им. Александра фон Гумбольдта (Германия). Он выпустил уникальный билингвистический труд, с параллельными текстами на латинском и русском языках – «Основы музыки» Боэция. «Английскую музыкальную терминологию» сейчас преподает кандидат искусствоведения А.А. Ровнер, носитель языка, учившийся в Джульярдской школе.

Пианистка и музыковед Н.О. Баркалая успешно ведет «Теорию музыкального содержания»; она защитила кандидатскую диссертацию на русском языке и ее же на французском в Париже, где выступала с концертами и получила почетный титул Кавалера Ордена искусства и литературы Франции. С тройной специальностью (пианист, композитор, музыковед) и с желанием преподавать именно «музыкальное содержание» пришел на кафедру доцент И.Г. Соколов. Концертирующий пианист, он разместил в интернете 200 (!) своих лекций-концертов – целую музыкальную культуру!

Автор книги о Ксенакисе, преподаватель кафедры, кандидат искусствоведения Е.В. Ферапонтова за свою работу по организации концертов МГК награждена Министерством культуры РФ. А выдающийся специалист по Штокхаузену М.Т. Просняков ведет курс «Философия и композиция новейшей музыки», и в Германии обучает музыкантов играть музыку названного композитора.

Я сама преподаю курс «Музыка как вид искусства», придуманный мною. Удостоена званий академика РАЕ и лауреата премии Правительства РФ. В ближайшие год-два у меня должны выйти в свет семь книг: четыре в России и три в Китае.

На юбилейном концерте свою музыку показали композиторы кафедры А.А. Ровнер и И.Г. Соколов при участии приглашенных молодых исполнителей. В этот вечер мы получили десятки приветствий со всего мира. Поздравили ректор А.С. Соколов, проректоры К.В. Зенкин, Л.Е. Слуцкая, декан НКФ И.А. Скворцова, коллеги М.А. Сапонов, В.Г. Тарнопольский, Н.О. Власова, А.А. Амрахова, пришли письма из РАМ им. Гнесиных, Академии хорового искусства, нескольких ДШИ, из Ростова-на-Дону, Астрахани, Беларуси, Франции, Англии, Канады, Китая, Японии, США. Такой праздник вдохновляет нас идти дальше, говоря словами Василия Кандинского, – вперед и вверх!

Профессор В.Н. Холопова, доктор искусствоведения, и.о. зав.кафедрой МСМ

Фото Эмиля Матвеева

Редко исполняемые сочинения

Авторы :

№8 (1382), ноябрь 2021 года

В ряду событий в честь 155-летия Московской консерватории в Малом зале состоялся интересный концерт: 17 октября Молодежный камерный хор Москвы представил программу, включившую имена выдающихся музыкантов, связанных с историей нашего вуза. Это – Вельо Тормис (1930–2017), ученик В.Я. Шебалина, один из ярких деятелей эстонской музыкальной культуры, Николай Сидельников (1930–1992), много лет преподававший на кафедре композиции, воспитавший плеяду блестящих учеников и Юрий Буцко (1938–2015), у которого в классе инструментовки многие годы обучались музыковеды и композиторы.

Программа включала произведения, созданные давно и редко исполняемые. Это «Осенние пейзажи» из цикла миниатюр «Картинки природы» Тормиса, посвященные Ю.А. Фортунатову – у него  композитор обучался инструментовке. Части из кантаты Сидельникова «Сокровенны разговоры» на народные тексты – свое сочинение автор посвятил Б.И. Куликову, в те годы ректору Московской консерватории, много лет обучавшему хоровых дирижеров.  Во втором отделении прозвучала  кантата №3 Буцко «Свадебные песни» на народные слова, посвященная К.Б. Птице, выдающемуся мастеру хорового дела.

Московский молодежный камерный хор существует с 2017 года, он объединяет студентов разных вузов – Московской консерватории, РАМ им. Гнесиных, АХИ им. В.С. Попова. Хор, существующий исключительно на энтузиазме молодых хористов, активно выступает на многих концертных площадках. В его репертуаре – произведения разных эпох и жанров,  от русской духовной музыки до самой современной. Дирижер и художественный руководитель хора – Михаил Кудрявцев, недавний выпускник нашей Консерватории, лауреат Всероссийских и международных конкурсов.

«Историческая» программа прошедшего концерта, сопровождаемая стендами с фотоматериалами – инициатива художественного руководителя. Как и выбор самих сочинений — все прозвучавшие произведения, написаны в сложной современной технике, хоровые партитуры изобилуют хроматикой, многослойными divisi партий, искусными полифоническими приемами.

Миниатюры Тормиса поразили разнообразием звукописных красок – сонорные «облака» чередовались с многозвучными кластерами, пейзажные зарисовки предстали в контрастах образов и настроений. Хористы с завидной свободой преподнесли публике эти поэтичные картинки, звучавшие как выразительные образчики хорового импрессионизма.

Кантата Н.Н. Сидельникова – выдающийся пример так называемого «неофольклоризма»: прозаические народные тексты озвучены композитором в манере, максимально близкой фольклору с его имровизационностью, свободным речевым интонированием, раскованностью метроритма. Говорная манера пения, пронизанная попевками русского склада, обильно приправлена хроматикой, а также современными ритмами эстрадно-джазового характера. Хору удалось передать печальную и, в то же время, не лишенную юмора неповторимую интонацию замечательного опуса Сидельникова.

Кантата Ю.М. Буцко – масштабный опус, воссоздающий атмосферу русского свадебного обряда. Она прозвучала в редакции 1995 года  для хора, солистки, двух роялей и ударных. Партию сопрано исполнила Яна Федорова. Два фортепиано блистательно представили лауреаты международных конкурсов Павел Замула и Наталья Осинцева, на ударных выступила Мария Захаркина.

Музыка кантаты Буцко перекликается со «Свадебкой» Стравинского, не только в жанровых чертах обряда, но и в стилистических средствах. Попевочный склад мелодики, «остраненной» вкраплениями хроматики, подчеркнутая экспрессия интонаций плача, ритмические перебои, прихотливая акцентность, а также само тембровое решение инструментального  сопровождения – все это живо напоминает знаменитый  опус Стравинского. Написанная молодым Буцко кантата поражает мастерством, интересным драматургическим воплощением замысла. «Свадебные песни» требуют от исполнителей  чувства ансамбля хорового и  «оркестрового» пластов, точного и выразительного дирижерского жеста. Все это в полной мере исполнители смогли донести до слушателей.

Концерт имел большой и заслуженный успех. Несмотря на дневное время и «ковидные» ограничения, в зале собралось немалое количество публики. Хочется пожелать перспективному молодому коллективу и его руководителю дальнейших достижений, интересных творческих «задумок» и их воплощения не только на почве энтузиазма, но и на заслуженной «материальной» основе.

Профессор Г.В. Григорьева

Шостаковичу посвящаем

№8 (1382), ноябрь 2021 года

25 сентября 2021 года исполнилось 115 лет со Дня рождения выдающегося русского композитора XX века – Дмитрия Дмитриевича Шостаковича. В числе сравнительно небольшого количества организованных в стенах Консерватории концертов, связанных с этой знаменательной датой, особенно выделялись два, прошедших в один юбилейный день: выступление «Рубинштейн-трио» днем в Рахманиновском зале и вечерний концерт в Малом зале Государственного квартета имени А.П. Бородина.

Концерту «Рубинштейн-трио» предшествовало несколько юбилейных мероприятий, инициатором которых выступила доцент кафедры истории русской музыки Я.А. Кабалевская. Это организованная НМБТ имени С.И. Танеева выставка неизвестных широкой публике фотографий Шостаковича из семейного архива М.Д. Кабалевской, дочери известного композитора, и круглый стол в Конференц-зале с докладами профессоров Консерватории (И.А. Скворцова, Е.С. Власова и Е.Д. Кривицкая), представителей Студенческого научно-творческого общества (СНТО) нашей Alma mater, выступлениями генерального директора и главного редактора издательства DSCH (П.Э. Саватеев и В.А. Екимовский) и других гостей конференции (С.С. Мартьянова, М.Д. Кабалевская и М.А. Карачевская).

В первом отделении концерта ансамбль «Рубинштейн-трио» (Арина Зеленина, Владислав Алмакаев и Никита Каплунов; победители III Всероссийского музыкального конкурса в номинации «Камерные ансамбли») вниманию слушателей предложил два произведения: одночастное Трио до минор, соч. 8 – значительное по масштабам консерваторское произведение Шостаковича, сочиненное в 1923 году; и более позднее четырехчастное Трио ми минор, соч. 67, посвященное памяти самого близкого друга композитора Ивана Ивановича Соллертинского, скоропостижно скончавшегося 11 февраля 1943 года в эвакуации в Новосибирске.

Исполнение камерно-инструментальных ансамблей привело аудиторию в настоящий восторг. Заслуженные аплодисменты молодому и многообещающему коллективу были вызваны множеством различных факторов: как технических (гармоничная слаженность, «созвучность» ансамбля; умение исполнителей слушать и поддерживать друг друга, их стремление к созданию единого гармонично воздействующего на слух звукового поля); так и концептуальных (глубина вкладываемого в нотный текст смысла, естественно возникающие, переживаемые и передаваемые залу различные чувства, а также логичная интерпретационная канва).

Во втором отделении прозвучала Пятнадцатая симфония ля мажор, соч. 141 Шостаковича в авторизованном переложении для скрипки, виолончели, фортепиано и челесты c ударными, которое было создано в августе 1972 года В. Деревянко при участии М.И. Пекарского.

Четырехчастный цикл в исполнении «Рубинштейн-трио» и трех музыкантов-ударников (Мария Захаркина, Павел Бессонов и Александр Ситюк) был встречен публикой несколько более прохладно, чем предшествующие два трио. Думается, что причины тому были разные. Возможно, в представленной на суд публики интерпретации последней симфонии Шостаковича не было главного – концептуального единства в трактовке замысла этого крайне сложного и многообразного цикла. Кроме того, несмотря на высокое качество переложения и мастерство исполнителей, в полной мере невозможно передать богатство оркестровой палитры симфонии Шостаковича: как «оживить» при помощи небольшого ансамбля все используемые композитором тембровые краски?! Более того, во время прослушивания и по мере приближения к завершению то и дело возникало ощущение, что исполнители просто-напросто утомились…

Празднование юбилея продолжилось вечером в Малом зале, где состоялся концерт Государственного квартета имени А.П. Бородина (Николай Саченко – первая скрипка, Сергей Ломовский – вторая скрипка, Игорь Найдин – альт, Владимир Бальшин – виолончель). Известно, что Квартет имени Бородина связан с Шостаковичем особыми творческими узами. При жизни композитора этот коллектив с ним сотрудничал, музыканты неоднократно записывали полный цикл из пятнадцати квартетов Шостаковича, и эти записи снискали себе репутацию эталонных.

Выбор программы был безусловно удачен. Наряду с двумя квартетами Шостаковича в тот вечер прозвучал, открывая программу, и один из квартетов старшего современника Дмитрия Дмитриевича – Николая Яковлевича Мясковского (140-летие со дня рождения которого музыкальный мир также празднует в этом году). Квартет имени Бородина – один из немногих коллективов, в чьем репертуаре постоянно присутствуют сочинения Мясковского. Патриарха советской музыки вообще играют сравнительно редко, что кажется совершенно незаслуженным. Артисты, берущие на себя роль популяризаторов творчества великого автора русской музыки XX века, несомненно, вызывают уважение.

В день рождения Шостаковича были представлены его сочинения, временная дистанция между которыми – тридцать лет. Первый квартет до мажор, соч. 49 был написан в 1938 году; Двенадцатый ре-бемоль мажор, соч. 133 – в 1968-м. К моменту обращения к этому жанру Шостакович – уже известный композитор, перу которого принадлежат две оперы, три балета, пять симфоний, фортепианный концерт и множество других произведений. В 1968-м – прославленный на весь мир автор Седьмой и Одиннадцатой симфоний, человек и художник, за плечами которого тяжелые события середины XX века.

Двенадцатый квартет Шостакович посвятил Дмитрию Михайловичу Цыганову, исполнителю первой скрипки еще одного знаменитого коллектива – Квартета имени Бетховена, осуществившего почти все премьерные исполнения струнных квартетов композитора. И в этот вечер качество исполнения Двенадцатого квартета было высоким, хотя выступавшим не вполне удалось добиться необходимого единства в двухчастном цикле: после великолепно исполненного Moderato, Allegretto произвело впечатление чего-то разрозненного и рыхлого. В остальном же исполнение можно назвать близким к безупречному.

Однако хотелось бы обратить внимание на одну, пусть небольшую, но важную для всех концертных организаций деталь. Проблема нехватки компетентных ведущих приводит к тому, что на концертах нам часто приходится слышать малоинформативные и шаблонные комментарии, которые подчас вызывают недоумение неподобающе расставленными в подобных экзерсисах смысловыми акцентами, явно искажающими действительность. На концерте Квартета Бородина были странно прокомментированы великие даты – юбилеи Мясковского и Шостаковича: как бы между прочим, без должного внимания и пиетета, в контексте разговора о другом…

Публика, которой в Малом зале собралось немало, тепло приветствовала артистов. И юбилейный День рождения завершился красиво: на бис Квартет имени Бородина исполнил Прелюдию Шостаковича к фильму «Подруги» (1935), которая была создана автором на материале второй части его Первого квартета.

Иван Поршнев и Мария Тюрина, IV курс НКФ, музыковедение

Станиславу Семёновичу Калинину

Авторы :

№8 (1382), ноябрь 2021 года

Заслуженному артисту РСФСР, заслуженному деятелю искусств РФ, профессору С.С. Калинину

Уважаемый Станислав Семёнович!

Примите сердечные поздравления со знаменательным событием от коломенской земли! Коллектив 1-го Московского областного музыкального колледжа поздравляет Вас с юбилеем!

В Коломне Вас знают как талантливого человека, блестящего специалиста в области хорового искусства, достойного ученика нашего земляка – народного артиста СССР, профессора Александра Васильевича Свешникова.

За годы плодотворной деятельности по сохранению и распространению творческого и музыкального наследия А.В. Свешникова Вы внесли поистине неоценимый вклад в развитие и продвижение хорового дела в Коломне и в более 30 городах Московской области, заложили основу для эффективного развития хорового искусства на годы вперед.

Благодаря Вашему высокому профессиональному авторитету в Коломне в рамках Московского областного хорового фестиваля «А.В. Свешников и современность» состоялось свыше 50 мероприятий, посвященных памяти А.В. Свешникова с Вашим личным участием и с участием многочисленных Ваших коллег – учеников легендарного маэстро.

Ваша многолетняя обширная деятельность, снискавшая безусловное профессиональное признание, является образцом для современных деятелей хорового искусства. А для хоровых коллективов 1-го Московского музыкального колледжа – ориентиром в дальнейшем развитии хоровой культуры.

Коломна гордится причастностью к Вашей судьбе и любимому делу.

От всей души желаем Вам доброго здоровья и успехов во всех начинаниях!

С глубоким уважением,

Н.В. Маркелова, директор 1-го Московского областного музыкального колледжа

Универсальная панорама двух эпох

Авторы :

№8 (1382), ноябрь 2021 года

28 сентября посетители московского концертного зала «Зарядье» стали свидетелями уникального проекта: в Малом зале впервые состоялся концерт студентов и педагогов факультета исторического и современного исполнительского искусства Московской консерватории.

Идея сотрудничества не только преподавателей, но и студентов факультета с концертным залом является органичным продолжением постоянного партнерства «Зарядья» с педагогами и выпускниками ФИСИИ. С самого открытия этой новой площадки в 2018 году ее репертуар покорил слушателей своим разнообразием. Неотъемлемой и значимой частью концертной жизни «Зарядья» сразу стали вечера старинной музыки, для участия в которых руководство зала приглашает как ведущих зарубежных исполнителей (многих из которых московская публика впервые услышала именно здесь), так и отечественных звезд. Идея сотрудничества не только преподавателей, но и студентов факультета с концертным залом является органичным продолжением постоянного партнерства «Зарядья» с педагогами и выпускниками ФИСИИ. С самого открытия этой новой площадки в 2018 году ее репертуар покорил слушателей своим разнообразием. (На фото слева ведущая концерта профессор О.В. Мартынова)

Неотъемлемой и значимой частью концертной жизни «Зарядья» сразу стали вечера старинной музыки, для участия в которых руководство зала приглашает как ведущих зарубежных исполнителей (многих из которых московская публика впервые услышала именно здесь), так и отечественных звезд.

Большинство российских артистов, выступающих на сцене «Зарядья» в проектах старинной музыки – выпускники или преподаватели факультета исторического и современного исполнительского искусства, получившие международное признание как исполнители, педагоги, члены жюри крупнейших международных конкурсов. Среди них – проф. А.Б. Любимов, проф. О.В. Мартынова; творческие коллективы самых разных составов – такие, как ансамбль старинной музыки Gnessin baroque (М. Катаржнова – барочная скрипка, О. Мартынова – клавесин, А. Крепак – барочная виолончель); играющий на исторических инструментах оркестр Pratum integrum под руководством П. Сербина (виолончель, барочная виолончель, виола да гамба); клавесинный дуэт А&А (А. Антонова и А. Кискачи) и многие другие.

Преподаватель Московской консерватории Е.А. Миллер, выступившая сразу в трех амплуа – продюсера концерта, исполнителя и педагога, подготовившего к участию в нем своих студентов, говорит: «Залы «Зарядья» сразу стали излюбленным местом для барочных музыкантов; все мы, педагоги факультета, давно мечтали в какой-то форме дать дорогу молодым исполнителям – нашим студентам – не только в самой Консерватории, но и за ее пределами, чтобы широкая публика могла услышать то, чему мы в реальности учим наших учеников. Для нас очень важно, что мы в России растим новое поколение музыкантов, непосредственно соприкасающихся с одним из мейнстримовских мировых направлений, так называемым “исторически информированным исполнительством”. И в этом сезоне благодаря помощи руководства зала “Зарядье” и в первую очередь генерального директора О.Э. Жуковой это впервые стало возможным».

Анастасия Антонова и Анна Кискачи

В фокусе внимания исполнителей в этот вечер была ансамблевая музыка эпохи барокко и классицизма. Программа концерта изобиловала не только разнообразием музыкальных стилей и имен композиторов, но и задействованных в ней инструментов. Были представлены как те, игре на которых студенты обучаются в Консерватории (клавесин и хаммерклавир; барочная скрипка; барочная, историческая и современная виолончель; барочная флейта), так и ряд других, которые студенты-энтузиасты осваивают самостоятельно, по собственной инициативе, вне рамок учебного процесса, но без которых невозможно представить мир старинной музыки – французская виола да гамба, архилютня, барочная гитара.

Ведущую роль во всех ансамблях играли великолепные старинные клавишные инструменты «Зарядья», отвечающие ведущим мировым стандартам: клавесин Б. Кеннеди, построенный по модели немецкого мастера баховского времени М. Митке, и хаммерклавир П. МакНалти – копия инструмента знаменитого венского мастера А. Вальтера (1805). Оба клавира органично звучали как в сольных, так и в ансамблевых фрагментах в сочетании с самыми разными исполнительскими составами.

Репертуар, избранный музыкантами для этого знакового события, без преувеличения воссоздал универсальную панораму двух эпох. В первом отделении исполнители представили три главных стиля эпохи барокко – итальянский, французский и немецкий, причем буквально каждое сочинение становилось открытием для слушателя.

Концерт начался с непривычного звучания необычайно виртуозного и редко звучащего в России сочинения – сонаты Шмельцера в исполнении давних творческих партнеров доцента Марины Катаржновой (барочная скрипка) и профессора Ольги Мартыновой (клавесин). Вечер продолжился музыкой французского композитора Марена Маре – автора, чьи произведения можно услышать у нас крайне редко потому, что игре на его излюбленном инструменте, французской виоле да гамба, в нашей стране официально нигде не обучают. Однако студент ФИСИИ Феликс Антипов, подобно некоторым своим старшим коллегам, нашел возможность научиться игре на этом инструменте и совместно с Елизаветой Поляницкой (клавесин) и лютнистом Олегом Бойко представил публике сюиту Маре для гамбы и бассо континуо.

Следующий номер программы оказался не менее необычным. Прозвучала знаменитая органная пассакалия Баха, но не на органе, а в переложении для клавесина в 4 руки. Свою собственную транскрипцию баховского шедевра сыграл молодой дуэт выпускников ФИСИИ A&A, уже давно получивший мировое признание – Анна Кискачи (Россия / Австрия) и преподаватель факультета Анастасия Антонова.

Завершила первое отделение концерта одна из самых популярных обработок знаменитой «Фолии» – Трио-соната А. Вивальди. Поскольку в старинной музыке исполнительский состав часто вариабелен, многие сочинения допускают самые разные прочтения. В ансамблевой версии, предложенной в этот вечер студентами факультета, публика могла насладиться богатством и разнообразием тембров старинных струнных инструментов: барочной скрипки (София Теплова), барочной виолончели (Елена Алексеева), барочной гитары (Елизавета Алексеева), клавесина (Александра Середа) в сочетании с барочной флейтой (Маргарита Канашкина).

Игорь Бобрович и Елизавета Миллер

Программа второго отделения подчеркнула идею связи эпох и непрерывности музыкальных традиций: она открылась вариациями Бетховена на тему Генделя в исполнении ансамбля Saros-412 (Анна Семиненко, историческая виолончель и Ульяна Ловчикова, хаммерклавир). Знаменитое жизнерадостное трио Гайдна в задорном и одновременно деликатном исполнении Ивана Наборщикова (барочная скрипка), Ильи Михайлова (виолончель) и Марии Куртыниной (хаммерклавир) словно заиграло новыми, неведомыми ранее красками и деталями фактуры. А завершили вечер вариации Бетховена на тему Моцарта, блестяще сыгранные преподавателями Игорем Бобовичем (историческая виолончель) и Елизаветой Миллер (хаммерклавир).

Акустика зала идеально соответствовала исполняемой музыке. По словам организатора концерта Е. Миллер, «Малый зал Зарядья – это мечта музыканта-барочника». И особенно ценен опыт таких выступлений для студентов. Для них концерт стал не только возможностью поиграть на своем инструменте в новой непривычной акустике, но и научиться подстраивать ансамблевое звучание к новым условиям. А для клавиристов – это еще и опыт общения с новыми для них прекрасными инструментами.

Вела концерт клавиристка с мировым именем, воспитавшая целую плеяду звезд исполнительского искусства, профессор Ольга Викторовна Мартынова, хорошо известная публике не только своими сольными и ансамблевыми выступлениями, но и прекрасным содержательным конферансом, вводящим в незнакомые музыкальные миры и помогающим глубже понять исполняемые произведения.

Просветительская, образовательная направленность этого концерта отнюдь не была неожиданной: каждый концерт ФИСИИ – это всегда открытие новой музыки, новых подходов к ее слышанию и исполнению, новых красок звучания хорошо знакомых сочинений, новых интересных музыкальных имен. Даже для меня, преподавателя Консерватории, специализирующегося в области старинной музыки. Остается только гадать, насколько сильное впечатление могут производить подобные концерты на слушателей, не имеющих профессионального музыкального образования. Однако, судя по раскупленным заранее билетам – его ожидали с нетерпением и огромным интересом, а по полному залу, оживленной реакции публики и многократным овациям, концерт удался. Отрадно, что выступление студентов и не совсем привычная у нас в стране музыка и инструменты вызвали такую волну интереса. Хочется выразить глубокую признательность руководству зала «Зарядье» за то, что интереснейшие по репертуару и прекрасные по качеству исполнения студенческие программы, ранее звучавшие только в узкой среде Консерваторских слушателей, теперь шагнули за пределы наших залов и стали доступны широким кругам меломанов. Хочется выразить надежду, что концерт станет первой ласточкой на пути плодотворного сотрудничества зала «Зарядье» с молодыми исполнителями Московской консерватории.

Преподаватель Е.О. Дмитриева

Фото Лилии Ольховой

Фотографии предоставлены пресс-службой зала «Зарядье»