Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

Двери Московской консеватории открыты!

Авторы :

№4 (1405), апрель 2024 года

6 апреля в Московской консерватории уже вторично прошел  День открытых дверей Отличительной чертой встречи стало максимально полное погружение будущих абитуриентов в повседневную творческую жизнь знаменитого российского вуза.

Оргкомитет мероприятия – Центр организации практической подготовки и карьеры выпускников Учебно-методического управления – постарался не только учесть пожелания абитуриентов прошлогодней встречи, но и максимально творчески отнестись к самому его проведению. А кто лучше расскажет о родном вузе гостям? Конечно же те, кто в нем обучается. Потому к мероприятию были привлечены волонтеры – студенты разных курсов и разных специализаций. Они, вчерашние абитуриенты, стремились показать Alma Mater во всей красе.

Гости увидели отремонтированные концертные залы, прекрасно оборудованные по последнему слову техники групповые аудитории, классы по специальностям, где в воздухе витают традиции лучших исполнителей страны, чьи имена выгравированы золотыми буквами на мраморной доске у Малого зала. Мероприятие получилось массовым. В нем приняли участие 187 гостей, из которых 83 человека приехали из регионов Российской Федерации. Были представлены 42 учебных заведения страны из 35 областей и 6 республик. 

Весь субботний день в Консерватории было оживленно и многолюдно. Общение с вузом начиналось еще на пороге Большого зала – волонтеры, куда вошли и представители Студенческого совета, устроили блиц-опрос подходящей к залу молодежи. В небольшом фильме, который они снимали по ходу мероприятия, видны воодушевленные лица ребят, приехавших из разных городов нашей огромной страны, их стремление не только познакомиться с вузом и его профессорами, но и «напитаться» атмосферой встречи, найти силы для дальнейшей подготовки к приемной кампании.

Звучали разные ответы наших гостей на вопрос, что они ожидают от сегодняшнего дня: 

«Волнующе! Мне очень нравится атмосфера учебного заведения, я мечтаю сюда поступить»

«Мне кажется, сегодня будет очень ярко, круто»

«Для нас это праздник! Такая замечательная возможность побывать в стенах, где мы мечтаем учиться»

«Очень хочется приобщиться к ауре этих стен, к вековой истории Консерватории»

«Хочу узнать новое, получить сильный заряд эмоций»

Атмосфера праздника «включилась» в тот момент, когда заиграла музыка П.И. Чайковского. Сосредоточенные до того лица волонтеров и организаторов, в очередной раз обсуждавших план встречи, расплылись в улыбке, кто-то даже решил пройтись по фойе Большого зала в движении вальса, как это случается на весенних балах студентов.

С большим интересом гости прослушали приветственное слово ректора, профессора А.С. Соколова, говорившего об огромных возможностях Московской консерватории в отношении учебы и быта. В частности, Александр Сергеевич рассказал об уникальном студенческом комплексе, в котором предусмотрены классы, репетитории, концертные залы и бассейн. 

Особому настроению Дня открытых дверей сопутствовала большая подготовительная работа многих служб Консерватории. В частности, праздничная атмосфера была продумана Начальником отдела по информационной политике и рекламе И.А. Горьковой. В памяти остались прекрасные пресс волл (press wall  баннер, натянутый на каркас), ролл-апы (roll-up – мобильный раздвижной рекламный стенд с баннером, сматывающимся в рулон), флаги, лифлет и многое другое, объединенные общим замыслом главного художника Отдела дизайна С.А. Баронова. Ему принадлежит и эмблема Дня открытых дверей, которая теперь будет сопровождать подобные события ежегодно.

Гости получили подробную информацию, касающуюся подготовки к поступлению. Помимо организованных консультаций по музыкально-теоретическим дисциплинам, включенным в приемные испытания, они посетили открытые уроки профессоров и другие творческие события. Огромное впечатление произвела работа профессора А.В. Соловьёва с Камерным хором Консерватории. Примечательно то, что абитуриентов-хоровиков на репетицию хора привела студентка I курса Татьяна Исаченкова, которая ровно год назад сама сидела в качестве гостя на такой же репетиции. Тогда она, студентка 4 курса Нижегородского музыкального училища имени М.А. Балакирева, случайно попала в кадр нашего фотографа.

Wow-эффектом можно назвать встречу в недавно открытом арт-пространстве «Артемьев», где были продемонстрированы возможности Научного центра электроакустической музыки. Руководитель Центра Н.А. Попов рассказал об истории его возникновения и развития, об уникальных возможностях, открывающихся перед обучающимися в консерватории композиторами при овладении электроакустическими техниками. Музыковедов заинтересовала презентация совместных с композиторами коллабораций таких проектов Центра как «Биомеханика», «Музыка машин» и пр.

Как и в прошлом году, многие посетили открытый урок по сольному пению Заслуженной артистки РФ, доцента Л.Б. Рудаковой. Самая большая аудитория наших гостей – вокалистов – с особым интересом наблюдала за тем, как педагог филигранно отрабатывает со студентом не только технику, но и нюансы исполнения. К тому же им удалось побывать на репетиции оперы «Севильский цирюльник» Дж. Россини в постановке Оперного театра консерватории.

В этом году мы представили абитуриентам не только студенческий симфонический оркестр Московской консерватории, но и дали возможность увидеть, как студенты-симфонисты готовят программу к государственной итоговой аттестации. Студент-выпускник В. Попов репетировал с оркестром Третью симфонию А. Брукнера. 

Жизнь любого вуза не может обойтись без места, в котором обсуждаются новости студенческой жизни – столовой и кафетерия. Мероприятие было организовано таким образом, чтобы гости могли подкрепиться, отдохнуть и немножко пообщаться друг с другом.

В завершении дня сюрпризом стал концерт студентов в Рахманиновском зале, который открыл проректор по учебной и методической работе, профессор Н.И. Тарасевич. Николай Иванович выразил надежду, что будущие студенты получили необходимый заряд бодрости для дальнейшего овладения специальностью и что прощаемся мы ненадолго, до периода приемной кампании летом 2024 года. Концерт вела председатель студенческого совета М.Клюева. Завершившие концерт «Румынские танцы» Б. Бартока в исполнении камерного ансамбля «Prometheus»под руководством студента IV курса М. Калицкого были встречены овациями. Казалось, никто не хотел никуда уходить…

Педагоги, участвовавшие в проведении открытых уроков, также делились своими впечатлениями, выкладывая их в соцсетях вместе с фотографиями. В частности, на информативную заметку с фотографиями мероприятия на странице доцента Ф.В. Ноделя на момент написания статьи было более трех тысяч просмотров. Уверена, профессора были вдохновлены проходящим не менее самих абитуриентов.

Огромное спасибо всем, кто помог этому празднику состояться!

Доцент Л.Р. Джуманова, кандидат искусствоведения, начальник Центра организации практической подготовки и карьеры выпускников

Фото Эмиля Матвеева

В поисках «генетической общности»

Авторы :

№4 (1405), апрель 2024 года

2–4 апреля 2024 года в Екатеринбурге прошел Пятый Международный конгресс Общества теории музыки (ОТМ). В значимом собрании приняла участие представительная группа маститых ученых Московской консерватории в лице ректора, профессора А.С. Соколова, проректора по научной и воспитательной работе, профессора К.В. Зенкина, проректора по учебной и методической работе, профессора Н.И. Тарасевича и других ученых, принявших участие в пленарных и секционных заседаниях.

К.В. Зенкин

Уральская государственная консерватория имени М.П. Мусоргского вместе с Московской государственной консерваторией имени П.И. Чайковского и ОТМ выступила в качестве организатора очередного важного научного собрания. Напомним, что российское Общество теории музыки было учреждено еще в 2011 году на учредительной конференции в Московской консерватории и вошло в «семью» европейских обществ теории и анализа музыки на конгрессе ЕuroМАС – 7 в Риме («РМ» знакомил с этим событием своих читателей – см. 2011, №7). Затем развернутые международные конференции проходили в разных городах нашей страны (Первый конгресс ОТМ состоялся в 2013 году Санкт-Петербурге; Второй и Третий в 2015 и 2017 годах в Московской консерватории; Четвертый – в 2019 году в Казанской консерватории – см. «РМ» 2015, №7; 2017, №7; 2019, №9). В 2021 году под эгидой ОТМ в Московской консерватории прошел международный EuroMAC – 10. И вот, после долгих ковидных ограничений, Екатеринбург принял Пятый конгресс.

Тема состоявшегося Конгресса  «Генетические общности теории музыки: жанр, стиль, язык в динамике истории»  выбиралась и утверждалась «коллективным разумом», на заседании Совета и Научного комитета ОТМ. Она предполагает рассмотрение явлений (и соответствующих им понятий и терминов), связанных с классификациями, которые сложились в науке о музыке на основе родства по тем или иным признакам.Используемое словосочетание «генетические общности» подводит некое общее основание под столь различные явления, как музыкальный жанр, стиль и язык. Этот ряд в принципе открыт, давая возможность выступающим также говорить о школе, направлении и т.д. Выявление и уточнение признаков общности (инвариантов) – одна из предлагаемых задач в научных подходах.

Тема проходившего Конгресса перекликалась с проблематикой предыдущего. Она предполагала продолжение научной дискуссии, предопределенной в Казани темой Четвертого конгресса: «Термины, понятия и категории в музыковедении». При этом, как заметил проф. А.С. Соколов в преамбуле своего выступления, «нынешняя наша задача, с одной стороны, сужена (речь пойдет только о стиле, жанре и языке), а с другой углублена ракурсом рассмотрения (в динамике истории)». И продолжил: «Стимулом для постановки такой задачи стал и проведенный в 2021 году в Московской консерватории весьма представительный Десятый Европейский Конгресс по музыкальному анализу (10 EuroMAC), подтвердивший неисчерпаемость и актуальность проблемы совершенствования научного аппарата музыкознания».

А.С. Соколов

На пленарных заседаниях прозвучали выступления профессора А.С. Соколова («На пороге ретроспективных обобщений и перспективы ожиданий: Преамбула к научной дискуссии по объявленной теме Конгресса ОТМ»), профессора Уральской консерватории А.Г. Коробовой («Проблемы современной музыкальной генологии»), профессора К.В. Зенкина («Стилевые поля в посттрадиционалистской музыке и их инварианты»), профессора МГК М.В. Карасевой («“Экспертное сольфеджио”: работа со слуховым выявлением интонационно-ритмических инвариантов в вузовском курсе сольфеджио для музыковедов»), профессора Казанской консерватории А.Л. Маклыгина («Жанровый мир джаза: специфика, генеалогия, эволюция») и профессора Университета имени Джона Хопкинса (Балтимор) И.Д. Ханнанова («Использование метода партименто: критические замечания». Пленарное заседание первого дня завершилось презентацией новых изданий Московской консерватории, обобщивших более чем десятилетний опыт «Журнала ОТМ» (главный редактор А.А. Амрахова). В конце третьего, последнего дня в виде пленарного заседания прошел круглый стол по итогам Конгресса, осветивший работу отдельных секций и наметивший некоторые перспективы на будущее.

В течение второго и третьего дня все время параллельно работали три секционных потока. Из семи секций две были запланированы еще на этапе подачи заявок: «Инвариант как исходный признак общности музыкальных процессов» (ведущие: профессор К.В. Зенкин и профессор Таджикского государственного института культуры и искусств имени М. Турсунзаде Ф.А. Ульмасов) и «Педагогика и изучение музыкального содержания» (ведущий: профессор Пермского государственного гуманитарно-педагогического университета М.Е. Пылаев, а автор идеи: профессор Московской консерватории В.Н. Холопова). 

Остальные секции были сгенерированы организаторами Конгресса на основе присланных заявок: «Музыкальный жанр в различных историко-культурных контекстах», «Музыкальный язык и стиль», «Проблемы жанра и стиля в современной музыке», «Музыкознание в общекультурном контексте». Несомненно, потребуется определенное время, чтобы сначала собрать материалы для публикации и издать, а потом осмыслить научные результаты и итоги. Однако уже сейчас ясно, что значение научного форума чрезвычайно велико: он продвинул музыковедческую проблематику вперед, объективно продемонстрировал как достижения современного музыковедения, так и его проблемные точки, о чем свидетельствовала достаточно высокая дискуссионная активность.

Как всегда на подобных конгрессах, было много зарубежных участников (из Азербайджана, Белоруссии, Болгарии, Италии, Казахстана, Румынии, США, Таджикистана, Украины, Узбекистана, Франции). Особенно приятно отметить участие начинающих ученых: студентов, аспирантов и ассистентов-стажеров. Так, молодое поколение нашей Консерватории было представлено целой группой из класса доцента Р.А. Насонова.

Хочется выразить особую благодарность руководству Уральской консерватории, ее ректору В.Д. Шкарупе и проректору по научной и проектной работе Г.А. Денисовой, постоянно державшей «руку на пульсе» всех процессов, связанных с подготовкой и проведением Конгресса. 

Профессор К.В. Зенкин, проректор по научной и воспитательной работе МГК

От градуала до Всенощного бдения

Авторы :

№4 (1405), апрель 2024 года

С 27 февраля по 1 марта в Московской консерватории проходила международная научная конференция «Средневековая литургическая монодия и ее исторические перспективы». Наш корреспондент пообщался с одним из организаторов мероприятия, преподавателем кафедры теории музыки МГК Л.И. Сундуковой.

– Людмила Ивановна, тематика прошедшей конференции весьма нетривиальна. Подобные мероприятия в современном музыкальном пространстве единичны, если не сказать уникальны. Кому принадлежала идея организовать это собрание?

– Автором идеи выступила профессор Юлия Викторовна Москва, которая является крупнейшим специалистом в области изучения григорианского хорала в нашей стране. Еще осенью она предложила мне войти в организационный комитет, и я, конечно же, с радостью согласилась. Эта тема, во-первых, мне близка, а во-вторых, – интересует с профессиональной точки зрения.

 Четыре дня для конференции  довольно большой срок.

– Насколько мне известно, изначально планировалось более камерное мероприятие. Музыкальная медиевистика в нашей стране, особенно западноевропейская, занимает весьма периферическое положение. Долгое время нам не поступало вообще никаких заявок на участие, но потом их стало очень много. Нам даже пришлось расширить ранее намеченные сроки. Поразительна и география, которую охватывали эти заявки: Санкт-Петербург, Ростов-на-Дону, Саратов, Новосибирск, а также Венгрия, Австрия, Италия, Швейцария. Оказалось, что эта идея получила огромную поддержку. Из камерной конференция превратилась в международную!

– Руководство Московской Консерватории Вас поддержало?

– Все руководство Консерватории очень активно помогало в организации. Большое содействие и поддержку оказали и проректор по научной работе, профессор К.В. Зенкин, и ректор Консерватории, заведующий кафедрой теории музыки профессор А.С. Соколов.

 Программа конференции впечатляет: древнерусская и западноевропейская традиции от самых древних пластов до современности. Как удалось все систематизировать?

– Программа была скомпонована по блокам. Три секции были посвящены древнерусской монодии. Вполне ожидаемо, что удельный вес докладов пришелся на эту область. В нашей стране аккумулируются силы в этом направлении, прежде всего это происходит в Санкт-Петербурге, где есть кафедра древнерусского певческого искусства при Консерватории. Сотрудники нашего центра церковной музыки также выступили с интереснейшими докладами.

Одна секция была связана с григорианским хоралом, где помимо исследований непосредственно этой традиции (труды Ю.В. Москвы, Раймундо Перейра Мартинеса, Марко Джулиани), был затронут вопрос цифрового музыковедения. Ему был посвящен доклад Полины Песенки. Очень перспективное и нужное направление.

Третий день был посвящен претворению монодии в композиторской музыке, как в европейской, так и русской, от Возрождения до современности. Авторская музыка неразрывно связана с монодией. Это то, что окружает в повседневной жизни и формирует музыкальный вокабуляр. Особенно на этапах до Новейшего времени.

 Очень разнородный материал. Участники смогли найти общий язык?

– Несмотря на то, что были представлены исследования в таких разных областях, я обратила внимание, что специалисты, например, в области древнерусской монодии с большим интересом слушали сообщения про западноевропейскую традицию. Большое воодушевление у всех вызвал доклад о тибетской музыке, а это далекая от нас культура.

 Расскажите, пожалуйста, о Вашем участии.

– Я выступала в секции, посвященной претворению григорианского хорала в авторской музыке, с докладом об одновременной работе с несколькими первоисточниками в мессах рубежа XV–XVI веков. Хочу выразить большую благодарность ансамблю Monte Verde, участники которого любезно согласились сделать живые музыкальные иллюстрации к докладам участников конференции. Вы же слышали?

 Да, они выступали сразу после завершения Вашего доклада с разделом мессы Святого Донатиана Якоба Обрехта.

– Для меня это особенно приятно. Дело в том, что я не имела доступа к изданию этого сочинения, и мне пришлось сделать транскрипцию самостоятельно по факсимиле манускрипта.

 Вам были доступны аудиозаписи этой мессы? Чем Ваша расшифровка отличается от них?

– Моя транскрипция имела некоторые отличия в силу того, что, как известно, в нотации прошлых веков не было принято досконально фиксировать хроматику. В этом случае у редактора есть поле для творчества. 

 Помимо непосредственно докладов, какие еще мероприятия включала конференция? 

– Выдающимися событиями стали концерт ансамбля «Асматикон» и мастер-класс певчего папской капеллы в Ватикане Раймундо Перейра Мартинеса, посвященный практике пения григорианского хорала.

 Как он проходил?

– В интерактивном формате. Раймундо постоянно взаимодействовал со слушателями, вовлекал их в исполнение. Предварительно он дал справку о бытовании хорала в современной практике, а затем сконцентрировался в основном на исполнительских аспектах, рассказывая о встречающихся невмах и о способе их пения. Участниками мастер-класса стали люди разной степени осведомленности в этой теме, но он легко и непринужденно смог выстроить общение со всеми.

 То есть Вы пели по нотам, записанным невменной нотацией?

– Да, по нотам Graduale triplex, где невменная нотация объединена с квадратной. Поэтому проблем ни у кого не возникло.

 Вам удалось пообщаться с участниками конференции? Какие у них впечатления?

– Удалось со многими. Все выражали искреннюю благодарность за идею и организацию. Мне кажется, что все сумели так или иначе обогатить свой научный кругозор, прикоснуться к тем областям знания, к которым в своей повседневной жизни имеют мало отношения.

 Как Вы считаете, эта тема востребована сегодня?

– По итогам конференции я сделала для себя несколько важных выводов. Во-первых, утвердилась в своем представлении о том, насколько сильна в нашей стране школа изучения древнерусской монодии. Исследователи показали глубокие знания в этой сфере и высокий уровень профессионализма, о чем свидетельствовали не только сами доклады, но и последующие дискуссии. Второй момент – труды о западноевропейской литургической традиции у нас, к сожалению, единичны. Это понятно – в большинстве случаев мы не имеем прямого доступа к источникам, а католическая и протестантская конфессии не являются в России ведущими. Но все же, я считаю, поскольку в образовательные программы наших консерваторий входит изучение зарубежной музыки, мы не должны оставлять без внимания эту область знания. Не секрет, что литургическая монодия в различных проявлениях оказала огромное влияние на музыкальный язык композиторов – от Средневековья до Новейшего времени.

– Людмила Ивановна, Вы считаете, что у этого направления есть в нашей культурной традиции дальнейшие научные перспективы?

– Наша страна многоконфессиональна. Помимо христианских течений, имеют место восточные религии – буддизм, шаманизм. Они тоже очень музыкальны; богослужения в них сопровождаются музыкой. Единственный доклад, который коснулся этой области, показал, что это чрезвычайно интересно, но мало изучено. Думаю, стоит непременно продолжать практику организации конференций на эту тему. Очевидно, что научное сообщество испытывает голод в подобных мероприятиях.

Беседовала Елена Арутюнова, IV курс НКФ, музыковедение

«Стремление человека к божественному заменилось «карикатурами вечного»…»

Авторы :

№4 (1405), апрель 2024 года

Среди участников конференции «Средневековая литургическая монодия и ее исторические перспективы» был Раймундо Перейра Мартинес, Папский певчий Папской музыкальной капеллы в Ватикане, магистр композиции духовной музыки, магистр и доктор григорианского пения. Наш корреспондент пообщался с маститым гостем:

– Господин Мартинес, как Вам видится развитие изучения григорианского хорала?

– Прошло уже более тысячи лет со времен создания основных рукописей IX–X веков, но многое остается неизвестным, в том числе из-за некоторых характерных черт палеографических систем записи: знак может быть неоднозначным, амбивалентным или даже многозначным. С одной стороны, научное исследование григорианского хорала продолжается непрерывно в связи с новыми источниками и технологическими изобретениями, которые каждый день открывают нам новую информацию, а с другой стороны, размышление над ее художественными и духовными аспектами бесконечно, так как оно совпадает с поиском Бога. В одном из псалмов поется: «Ищите Господа и силы Его, ищите лица Его всегда», и это внутренний путь каждого человека.

– Что Вы думаете о музыкальной практике в церкви сейчас?

– Католическая церковь неоднозначно относится к музыкальной практике. После Второго ватиканского собора стали одинаково достойными все виды национального и регионального музыкального выражения, но признается привилегированное место григорианского хорала. Надо помнить, что в богослужении нет музыкальной практики как таковой, а есть выражение духовного содержания в литургическом контексте через музыку. Конечно, если бы мы хотели провести только музыкальную оценку современного богослужения, то будут лучше восприняты общины, имеющие экономические возможности содержать музыкальную капеллу профессиональных вокалистов и инструменталистов. Однако важно следить, чтобы исполнение не перешло в «концерт», отвлекающий прихожан от службы. Не забываем, что смысл литургической музыки состоит во встрече с Богом и с общиной верных в воспевании, благодарении и молитве, как поется в псалме 59/58: «А я буду воспевать силу Твою и утром восхвалять милость Твою. Ведь Ты – моя крепость и прибежище в день беды»

– Есть ли на Ваш взгляд образцовые в этом отношении капеллы?

– Среди ведущих капелл на сегодняшний день можно назвать, например, капеллу Дуомо в Болоньи, капеллу Санта-Мария-дель-Анима в Риме или нашу Папскую музыкальную капеллу, которую нынешний директор, монсеньор Маркос Паван, довел до высочайшего художественного уровня. В любом случае, пения тоже касается притча о вдове, пожертвовавшей церкви две монеты, все что у нее было: Бог радуется искреннему пению, даже если оно исполняется нетренированным голосом.

– Какова функция григорианского хорала в современной музыкальной среде?

– Я думаю, что он косвенно присутствует везде, его влияние на развитие западной музыки не измеримо. Такие формы, как соната и фуга во многом обязаны ему. В процессе становления классического григорианского репертуара создается окончательная кодификация плодотворного контраста тоника-доминанта. Григорианское пение как таковое сегодня играет минимальную роль, что совпадает с отдалением от Бога многих аспектов современной культуры. Стремление человека к Божественному заменилось мультиками или «карикатурами вечного», религиями, созданными «по размеру», консюмеризмом, или (еще хуже!) психотропными веществами, мимолетно заполняющими наш экзистенциальный вакуум, которые стали настоящей эпидемией, хуже ковида, потому что они отравляют наши тела и души.

Поэтому Бог через церковь безостановочно призывает нас к обращению, как в «Создании Адама» – фреске Микеланджело на потолке Сикстинской капеллы: решительный и внимательный жест руки Создателя желает встречи со своим созданием, но ленивый и небрежный жест руки Адама говорит о том, какой путь мы должны еще преодолеть.

– Вы считаете, что григорианскому хоралу есть место в творчестве светских композиторов?

– Модальность может многое предложить, тональная гармония, которую можно определить как двумерную, диалектика мажора и минора дала многие ценные плоды. Лады Октоиха, вместе с другими ладами, продолжали существовать «спящими» во фригийской каденции или в пассажах, модулирующих в доминанту, но продолжают нам сопутствовать в народной музыке, в киномузыке, поп-, или даже в рок-музыке, что свидетельствует об их силе и способности вступить в диалог с самым глубоким, что есть в человеке.

– Как Вы стали кантором Папской капеллы?

– Мой дед 40 лет был капельмейстером в Венесуэле, отец – композитором, я сам пел в кафедральном соборе в Каракасе. Мне было 17 лет, когда, учась в Центральном университете Венесуэлы, я принял участие в одном семинаре с Луиджи Агустони и Йоханнесом Бершмансом Гёшлем [известными исследователями григорианского хорала – Л.С.], и решил поступать на отделение композиции и григорианского хорала в Папский институт церковной музыки (Pontificio istituto di musica sacra) в Риме. Я был еще студентом, когда прослушался у Джузеппе Либерто, капельмейстера Сикстинской капеллы. И спустя три года начал там работать. До этого я несколько лет служил в папских литургиях как псалмист.

У меня всегда были способности к свободной амензуральной декламации, имелась, конечно, техническая вокальная подготовка (моя мать была оперной певицей) и интерес к языкам. Возможно, в то время искали человека именно с такими способностями.

– Как устроена деятельность Папской капеллы? Вы участвуете только в церковных мероприятиях или в светских концертах тоже?

– Сикстинская капелла – хор, которому поручены папские службы, то есть, службы с присутствием Папы Римского. Она состоит из 20 взрослых, постоянных сотрудников Святого Престола, и 60 мальчиков, стипендиатов Escuela puerorum, где они с 9 до 15 лет получают музыкальное образование, параллельно изучая общеобразовательные предметы обычной итальянской школы. Из этих детей примерно половина активно участвует в хоре вплоть до того, как у них ломается голос. Дети в службах участвуют недавно, исторически это был хор клириков, потому что кантор был богослужителем. Палестрина не мог продолжать петь в Сикстинской [капелле] потому что был женат. На сегодняшний день все канторы – миряне, но директор, как правило, пресвитер. Сикстинская капелла, кроме служб, выступает на концертах в Италии и за рубежом. С особой симпатией вспоминаю концерты в Сицилии, где нас очень тепло приняли, так как маэстро Либерто – сицилиец. В 2015 году мы были в Москве, пели в Третьяковской галерее вместе с выдающимся Московским синодальным хором.

– Что Вам больше всего нравится в Вашей работе в Папской капелле?

– Постоянный контакт со Священным словом. Как и все музыканты мира, в поиске совершенства мы обязаны много раз повторять вещи, и это создает практику, очень похожую на то, что в древности называли ruminatio, то есть, «жевание» Слова. Мы «жуем» Слово до того момента, когда оно переваривается нашими бедными ограниченными умами благодаря синкатабасису, который, согласно Иоанну Златоусту, означает благожелательную готовность Бога передать нам часть Его вечности через наши бедные и ограниченные человеческие словари.

Кроме того, быть участником Папских служб – большая ответственность. Мы становимся свидетелями исторических событий. Я никогда не забуду, как мы сопровождали Папу Франциска во время Литургии Страстей Господних в Страстную пятницу 2021 года на пустой из-за ковида площади. Мы участвовали в канонизации Матери Терезы 4 сентября 2016 года. Второго апреля 2005 года, в день смерти Святого Иоанна Павла II, группа канторов находилась в доме маэстро Либерто в Ватикане, мы уже ожидали худшего. Когда в 21:37 мы узнали о его смерти, помолчав, мы стали усердно молиться, потому что Папа Войтыла был по-настоящему особенным человеком.

– Сейчас, в связи с геополитической ситуацией, довольно сложно до Москвы доехать. Как Вы преодолевали трудности?

– Я сделал пересадку в Стамбуле. На самом деле не было никаких сложностей, но я заметил, что цены значительно повысились.

– Каковы Ваши впечатления от Москвы и конференции?

– Я впечатлен качеством и интенсивностью, с которыми русские педагоги отнеслись к такой интересной теме как средневековая литургическая монодия. Они проявляют бережность и уважение к пению западной традиции, григорианской. Я не впервые здесь, и, как всегда, уношу с собой в сердце прекрасные воспоминания об этом живом городе. Я думаю о нем словами из песни: «Любовь Москвы не быстрая, но верная и чистая…».

В этот раз я пожалел, что не смог молиться перед Троицей Рублева, но впервые оказался перед Владимирской иконой Божией Матери. Это было очень сильным духовным впечатлением, что-то похожее я испытывал перед Ченстоховской иконой Божией Матери, и в некоторых местах Рима, где первые христиане претерпели мученичество. Кроме того, я побывал в букинистическом и нотном магазинах. Я надеюсь улучшить свой русский, чтобы наслаждаться книгами русских писателей в оригинале. В этом желании я чувствую себя в хорошей компании, так как Лоренцо Перози, капельмейстер Сикстинской капеллы в 1898–1956 годах, немного изучал русский и ценил его настолько, что в свои последние годы транскрибировал стихотворение Лермонтова «Выхожу один я на дорогу» на кириллице, рядом с эскизами его последних сочинений в Music Block №10.

– Что из григорианских хоралов Вы могли бы рекомендовать к прослушиванию?

– Я бы выбрал красивейшую секвенцию Пятидесятницы Veni Sancte Spiritus, потому что в эпистоле к Римлянам написано: «Желания Духа приводят к жизни и к миру». Два слова, которые в современном мире народы возглашают все более и более взволнованно, и Святой Папа Франциск не перестает требовать вместе с ними: «Жизнь и мир!»

Беседовала Лаура Санчес, IV курс НКФ, музыковедение

«Может быть, похлопаем?!»

№4 (1405), апрель 2024 года

Камерный оркестр Московской консерватории на концерте абонемента «Музыкальные параллели» 26 марта в Рахманиновской зале представил необычную программу. В нее вошли редкие произведения классико-романтической эпохи, выбранные художественным руководителем коллектива, дирижером Феликсом Коробовым.

Феномен концертирования сольных инструментов с момента его зарождения и до наших дней привлекает внимание и музыкантов, и слушателей. Концерт в Рахманиновском зале не стал исключением: блестящая программа в исполнении мастеров покорила новизной и свежестью. На сцене весь вечер находился Камерный оркестр, а также солисты: Александр Парсаданов (контрабас), Екатерина Мочалова (мандолина), Андрей Иков (труба) и Даниил Саямов (фортепиано). Перед каждым номером закадровый голос рассказывал краткую биографию композитора и историю создания произведения. Странно, что обладателя голоса публика так и не увидела. Его имя также осталось неизвестным. Жаль, потому что комментарии лектора были интересными, в частности, мы узнали, что Sinfoniaconcertante Леопольда Кожелуха исполняется в России впервые.

Милая вещица эпохи классицизма расположила публику своим незамысловатым звучанием. В свое время изысканные тембровые комбинации были характерны для жанра концертной симфонии, и это подтвердила Симфония Кожелуха. В сочинении каждый из инструментов имел свое соло, а в репризе – полноценный ансамбль. С точки зрения звучания все четыре солиста представили харизматичные тембры своих инструментов весьма рельефно. Самая сложная задача была у Даниила Саямова – пианист сидел за роялем на достаточно большом расстоянии от дирижера. Такая диспозиция, однако, не мешала ему поддерживать диалог с участниками ансамбля: партия клавира была не менее экспрессивной, чем реплики его партнеров.

Определить лидера здесь оказалось затруднительно: инициативу перехватывали и труба, и фортепиано. Контрабас то пытался петь в несвойственном для себя высоком регистре, то «хвастался» двойными нотами в своем привычном диапазоне. Прозрачность оркестровой фактуры подчеркнули хрупкие и нежные реплики мандолины. Как рассказала в антракте игравшая на мандолине Екатерина Мочалова, озвучить и донести каждый нюанс партии помогала и акустика Рахманиновского зала.

Не секрет, что успешность концерта порой измеряется продолжительностью тишины перед аплодисментами – после заключительных реверансов Sinfonia concertante воцарилась томительная пауза. Слушатели восприняли предостережения ведущего буквально и совсем не хлопали между частями – быть может, все ждали продолжения?Прервал тишину комментарий из зала: «Может быть, похлопаем?», после чего Феликс Коробов обратил взгляд уже не на оркестр, а на замешкавшуюся публику.

Можно ли исполнить музыку «неприкосновенного» Моцарта в дерзкой транскрипции? На этот вопрос утвердительно ответил сам дирижер, представив в собственном переложении для саксофона и струнного оркестра моцартовский Квинтет для кларнета и струнных. Соло саксофона в трактовке Юлии Биховец соперничало с целым струнным оркестром. К сожалению, исполнена была лишь первая часть квинтета. Будем надеяться, что мы еще услышим весь цикл в будущих концертах абонемента.

Второе отделение продолжилось Десятой симфонией Моцарта, сочиненной им в возрасте 12 лет. Четырехчастный цикл порадовал лаконичностью и бодростью, а диалоги деревянных духовых и струнных – эффектной оркестровкой. Многие фрагменты симфонии представляли для исполнителей серьезные трудности, но оркестр достойно их преодолел.

Как рассказали музыканты, выступлению предшествовали всего две общие репетиции, причем вторая из них состоялась в день концерта. Тем не менее, взаимопонимание артистов и дирижера оказалось на высоком уровне. Сказывался многолетний опыт Феликса Коробова с разными коллективами. «С ним играешь первый раз так, будто играла всю жизнь», – призналась Екатерина Мочалова.

Завершил концерт «Большой дуэт» для скрипки и контрабаса с оркестром Джованни Боттезини – известного контрабасиста и композитора эпохи романтизма. Солистами выступили Лев Клычков и Евгений Рыжков, концертмейстеры скрипичной и контрабасовой групп Заслуженного коллектива России академического симфонического оркестра Санкт-Петербургской филармонии. 

Само творение итальянского мастера представляло череду каденций. Напряженная звучность сменилась комическим диалогом – до чего же были хороши децимы в исполнении скрипки и контрабаса! Композитор мастерски сблизил два противоположных по регистру тембра с помощью изумительных флажолетов. Исполнители показали себя не только как виртуозы, но и как харизматичные артисты. Публика оценила забавный диалог солистов, включавший пиццикато контрабаса, сыгранное рукой скрипача.

«Браво! Брависсимо!» – скандировали из зала, а у исполнителей еще остался сюрприз для публики – «Венецианский карнавал» Паганини в неслыханном переложении для контрабаса с оркестром. Лев Клычков взял скрипку на манер гитары, а солировал Евгений Рыжков. Исполнение постепенно набирало скорость на манер греческого сиртаки. Такой безумный «хоровод струнных» завершил концерт.

Виктор Череповский, студент НКФ, музыковедение

Римский-Корсаков

Авторы :

В служении русской культуре

№3 (1404), март 2024 года

18 марта 2024 года исполнилось 180 лет со дня рождения великого русского композитора, дирижера, педагога, музыкального критика, профессора Санкт-Петербургской консерватории, одного из крупнейших представителей классической русской композиторской школы – Николая Андреевича Римского-Корсакова.
В.А. Серов. Портрет Н.А. Римского-Корсакова. 1898

Мыслить о Римском-Корсакове – означает усмотреть огромную значимость древнейших пластов русской истории и культуры. Понять его – значит приблизиться к целостному охвату многовековой истории русской духовности: от зарождения славянства, принятия христианства и последующего существования в условиях православной культуры со скрытыми проявлениями прежних языческих верований, вплоть до новейших тенденций русского искусства на рубеже XIX–XX веков.

Стержневое значение в истории русской музыки – от Глинки до Скрябина и раннего Стравинского… Календарная обрядовость древних славян и цикличность человеческого бытия… Пантеистические мотивы и звон колоколов града Китежа… Шлейф томления «Шехеразады», манящий восточный колорит темы пери Гюль-Назар из «Антара» и «угрюмая страна» берендеев из «Снегурочки»… Историческое полотно «Псковитянки» и размах шекспировских страстей в «Царской невесте»… Сохранение интереса к сказочным образам на протяжении творческой жизни и достижение в этом уровня трагического пророчества исторического масштаба – в «Кащее Бессмертном» и «Золотом петушке»… От мистической «Майской ночи» и былинного повествования о русском Орфее в «Садко» до приближения к несказуемой тайне славянского космоса, сакральной выси русского мира как цивилизационного феномена – в «Сказании о невидимом граде Китеже и деве Февронии»… Из множества этих граней складывается величественный художественный портрет патриарха русской классической музыки.

Римский-Корсаков – это искусство зрелости, требующее серьезного и уравновешенного отношения к прочтению смыслов. При обозрении его творческого пути создается впечатление, что он родился уже старцем, возвышенным мыслителем, словно лишенным юношеской чувственности. Однако романтический мир сказочного повествования об Антаре во Второй симфонии (Симфонической сюите «Антар») или томные мотивы «Испанского каприччио» исполнены подлинной страсти, душевного смятения и искрящейся радости в красках южного темперамента. Продолжая глинкинскую линию, Римский-Корсаков последовательно расширял границы русского историко-культурного пространства, объединившего множественные тенденции Запада и Востока. Русский мир в мировоззрении Римского-Корсакова предстает цельным славянским космосом со сбалансированным сочетанием христианских и языческих мотивов.

Скрытые смыслы «Снегурочки», одной из самых корсаковских опер, в настоящее время продолжают раскрываться в новых контекстах. Сказочное существо гибнет как живой человек, осознавший ценность жизни и любви. Лиричность образа Снегурочки создает особое впечатление душевной теплоты и обостряет ощущение трагической утраты, по мысли самого композитора, на фоне «безначального и бесконечного царства» берендеев, неукоснительно продолжившего свой исторический путь. Пушкинский тезис из «Евгения Онегина» – «привычка свыше нам дана: замена счастию она», фигурировавший в одноименной опере Чайковского, – будто звучит и у Римского-Корсакова. Ярило-Солнце – славянский высший логос, божество, довлеющее надо всем, подчиняющее своей воле, а берендеи, застывшие в ожидании восхода Ярилы-Солнца, не заметили колоссальных изменений, произошедших в утонченном сознании Снегурочки. «Общество» потеряло нового прекрасного «человека»!

Римский-Корсаков в кабинете. 1897

Одними из основополагающих черт мировоззрения Римского-Корсакова следует признать неотступное следование логике и принципу нерушимости классических основ музыкального искусства. Он обладал редчайшей для композитора способностью к объективной теоретизации личного творчества, и именно он породил научную традицию рассмотрения своего художественного наследия. Он был автором «Мыслей о моих собственных операх», обнаружив и литературный талант, а в искусстве был тонким музыкальным «исследователем» противоречивого и многогранного русского сознания. «Аристотель» русской музыки имел в некоторой степени ученое дарование, хотя несколько сторонился полного погружения в научные и философские труды.

Однако, переступив порог XX века, Римский-Корсаков осознал стихийное приближение новой музыкальной эстетики. Дух времени, серьезных социальных и политических перемен, отразился в его искусстве: одноактная опера «Кащей Бессмертный», по мнению многих исследователей, самое новаторское корсаковское сочинение, предстало перед слушателями принципиально новым сказочно-метафорическим полотном, где действуют незыблемые законы природных стихий. Символическим видится ее окончание: сломленная сила Кащея будто «просвечивает» зловещей чернотой победную «белизну» партитуры последней картины оперы. И Шемаханская царица из оперы «Золотой петушок», подобно врубелевскому «Демону» и пуччиниевской «Турандот», дополняет галерею трагических модерновых образов начала века. Она – возвышенное зло, «бальзам с мышьячком», абсолютная красота с затаенным разрушительным эффектом, катастрофичность с чарующей улыбкой.

Римский-Корсаков, «гарант» музыкального канона, на рубеже XIX–XX веков, несомненно, «вдохнул» аромат новой эпохи: шарм декадентства с его культом эстетического, отблески французского ар-нуво, утонченные образы русского модерна, дышащие «духами и туманами», призрачная вуаль русского символизма. Возникает ассоциация с мыслями Скрябина о «гармонии запахов», встретивших, как известно, непонимание у Римского-Корсакова во время знаменитого парижского вечера в квартире Скрябина, где автор «Снегурочки» слушал фрагменты из «Поэмы экстаза» в авторском исполнении.

Но у самого Римского-Корсакова также немало «эффектов плацебо», имеющих совершенно разную природу: «золотые слитки» из «Садко», «медицинский», «нашатырно-химический» лейтмотив Бомелия из «Царской невесты», модерновые лубочные картинки из «Сказки о царе Салтане», «музыкальный дурман» оперы «Кащей Бессмертный», волшебная декоративная колористика «Китежа»… Красочная симфоническая партитура Римского-Корсакова переливается и искрится как драгоценные изумруды, ибо «не счесть алмазов в каменных пещерах, не счесть жемчужин в море полудённом» оркестрового письма композитора.

К.А. Коровин. «Невидимый-град Китеж». 1930

Венец творчества Римского-Корсакова – литургическая опера «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии». Последняя великая русская опера классического периода отечественной музыкальной культуры. Здесь существенно расширилось круговое обозрение композитора, усилился рельеф историко-культурных проблем времени, потому что «Китеж» Римского-Корсакова – это уровень всевидения. Он позволяет приоткрыть не только тайны, касающиеся художественного творчества, но и, в большей степени, демонстрирует проблемы, связанные с вечными вопросами национальной истории.

Великое произведение искусства в смысловом отношении всегда масштабнее изначально задуманного художником. Это и есть «большое время» Бахтина. Существование «Китежа», как символа обновляемой истории русской духовности, началось задолго до его появления и продолжается поныне. «Китеж» вершит линию обращения Римского-Корсакова к христианским образам, но при этом содержит идею поклонения Земле в «природном храме». Ранее обозначенная религиозная тематика в «Псковитянке», «Царской невесте» и «Сервилии» достигает здесь наивысшего воплощения, однако дева Феврония – символ спасения русского мира – выступает и как носитель народного верования. Авторская позиция застывает между христианским милосердием и языческим великогуманным пантеизмом в поисках русского духовного абсолюта.

Жизненный и творческий путь Римского-Корсакова был полон множества высоких нравственных обязательств. И активное участие в становлении русского академического музыкального образования с воспитанием в консерватории нескольких поколений композиторов от Лядова и Глазунова до Стравинского и Прокофьева. И создание музыкально-теоретических работ, среди них «Практический учебник гармонии», «Основы оркестровки», а также автобиография «Летопись моей музыкальной жизни». И многократные выступления в качестве дирижера в России и за рубежом. И музыкально-критическая и общественная деятельность. Колоссальной духовной силы требовала и сложнейшая работа по завершению неоконченных произведений русских композиторов: «Каменного гостя» Даргомыжского, «Князя Игоря» Бородина, «Хованщины» Мусоргского.

Внешний облик и характер Николая Андреевича Римского-Корсакова блестяще передан на знаменитом портрете кисти В.А. Серова (1898): композитор изображен за рабочим столом с карандашом в руке, его взгляд отражает сосредоточенность и эмоциональную сдержанность. Римский-Корсаков, несомненно, может быть воспринят нашим временем как непревзойденный пример строгой самоорганизации. У него не было праздного времени, современников поражала его работоспособность и неотступность от целей. При пристальном взгляде на жизнь Римского-Корсакова как на «фугообразное сплетение нитей» в служении искусству, возникает фигура титанического масштаба. Именно тогда размышление о нем приводит к пониманию значения его гения для русской и мировой культуры.

Доцент Д.И. Топилин, кафедра истории русской музыки

Свежий взгляд издалека

Авторы :

№3 (1404), март 2024 года

«Расслабленное настроение Москвы, вездесущая атмосфера искусства, весь город словно произведение искусства, и каждый наслаждается жизнью…» – так один из китайских участников Международной школы описал свои ощущения от поездки в Москву. 
Младшие участники хора

Консерватория, важная часть образа нашей столицы, производит огромное впечатление на группы туристов, которые изучают Большую Никитскую. В некотором смысле она сходна с образом, сложившимся в музыкальной среде, своего рода метафорическим символом – место, доступное лишь немногим, самым талантливым, усердным и настойчивым, словно недосягаемый замок на вершине музыкального мира. Но всегда ли это так?

Международная школа не просто дает возможность интересующимся заглянуть в эти чертоги — она открыта для гораздо большего круга желающих проникнуться духом Консерватории. Это возможность сыграть роль студента в течение двух-трех недель даже для тех, кто далек от академической музыки. От студента-экономиста из Северо-Западного Политехнического университета Китая до юной индийской девушки, мечтающей о карьере в шоу-бизнесе. Такая возможность появляется дважды в год, во время каникул, когда постоянные студенты разъезжаются, и классы хотя бы иногда свободны. Это и есть Международная школа Московской консерватории, «Зимняя» и «Летняя».

Студенты Северо-западного политихнического университета Китая

Что тянет людей преодолевать тысячи километров, чтобы не просто посмотреть столицу России и посетить концертные залы, но именно самим стать частью местной культурной жизни? Уже на протяжении многих лет мы видим разные ответы на этот вопрос. Для кого-то, как для нейрохирурга из Италии, который приезжал на школу несколько лет назад, выступление на сцене, перед живой аудиторией было само по себе большим счастьем. Публика охотно прощала ему огрехи за обаятельное искреннее желание играть. 

Для других – это часть необходимого культурного багажа – так руководство упомянутого выше университета в Китае отправило на «Зимнюю школу» группу студентов самых разных гуманитарных и естественно-научных специальностей. Анастасия Новосёлова (специалист НТЦ «Музыкальные культуры мира») отметила, что вопросы, заданные ей после лекций (которые покорили гостей не только интересным содержанием, но и потрясающим владением лектора китайским языком!), показывали уровень кругозора порой выше, чем у проходящих вступительный коллоквиум абитуриентов. Нет сомнений в том, что детальное изучение жизнеописания П.И. Чайковского с последующей поездкой в Клин было для них не простым развлечением, а серьезным погружением в русскую культуру.

Для третьих же – это способ удовлетворить бескрайнее любопытство и желание показать себя. Таким на прошедшей «Зимней школе» был любительский хор из города Цзяинь (провинция Шэньси). Первым делом они посетили экскурсию в музее Н.Г. Рубинштейна с его руководителем Владимиром Михайловичем Стадниченко в качестве гида. Восхитившись мастерством рассказчика, они вручили ему подарки, а также спели песню на китайском языке из своего репертуара. Но больше всего им хотелось получить профессиональное наставление, которое им смогла дать Чжоу Чжоу (выпускница Московской консерватории, класс профессора А.В. Соловьёва). Для случайного слушателя, который бы вдруг оказался в тот день в Конференц-зале, наверное, особенно трогательной показалась бы песня «Прекрасное далеко», исполненная самыми маленькими участниками хора (самому младшему едва ли было 4 года). 

Увидеть Большой зал консерватории без публики, потрогать клавиши рояля в музее Рубинштейна и на сцене зала Мясковского, пообщаться со студентами и преподавателями, посмотреть на их труд и быт, немного соприкоснуться с ним – это те драгоценные моменты, которые дарит участникам Международная школа. Многое в Консерватории становится для нас, студентов, сотрудников и профессоров, привычным со временем, в том числе, привилегии нашей профессии. В творческом процессе, который требует невероятной усидчивости и концентрации для достижения значимого результата, можно ненароком забыть то чувство, которое каждый из нас испытал первый раз увидев Московскую консерваторию, с которым первый раз вышел на ее сцену и услышал первые аплодисменты, из-за которого решил связать свою жизнь с музыкой… Может быть неочевидной, но самой главной ценностью Международной школы станет для нас самих возможность вновь открыть для себя это чувство с помощью взгляда издалека.

Александра Кобрина, ведущий специалист Управления международного сотрудничества

Фото предоставлены Управлением международного сотрудничества

Звезды зажглись над Козельском

№3 (1404), март 2024 года

Стартует третий сезон Молодежной региональной музыкально-образовательной программы «Молодые звезды Московской консерватории». Проект, проходящий при поддержке Министерства культуры РФ, «Росконцерта» и АНО «ЗВУК», включает в себя серию просветительских концертов и музыкальных лекториев в концертных залах, детских домах и центрах содействия семейному воспитанию, научные конференции и круглые столы по вопросам музыкального образования, а также мастер-классы для учащихся региональных музыкальных школ, колледжей и методическую поддержку их педагогов.

Символично, что отправной точкой программы стал 2021 год – юбилейный год 155-летия Московской консерватории. Творческие бригады ведущего музыкального вуза страны уже выступили в Санкт-Петербурге, Пскове, Смоленске, Рязани, Казани, Калининграде, в Крыму и Севастополе, запланированы концерты во Владикавказе и Сочи. Концерты посетили более 10 000 слушателей, участниками мастер-классов стали более 500 одаренных детей региональных учебных заведений. «Консерватория всегда славилась традициями просветительства,  рассказывает ректор А.С. Соколов. – Ежегодно в ее залах проходит более двух тысяч концертов, более ста – на внешних площадках. Развитие региональных концертных программ и популяризация отечественной музыкальной культуры в молодежной среде в настоящее время стоят в приоритете просветительской деятельности вуза».

23-24 февраля программа открылась в городе воинской славы Козельске (Калужская область). В двух концертах приняли участие лауреаты престижных международных конкурсов, педагоги Московской консерватории, чьи имена хорошо известны в профессиональном музыкальном мире – Екатерина Скусниченко (сопрано) и Тамара Еприкян (фортепиано), а также приглашенный гость – воспитанник Академического музыкального училища при Московской консерватории, солист Москонцерта и Подольской филармонии Павел Быков (баритон).

24 февраля в концертном зале «Рождественский» Социального центра помощи семье и детям Козельской епархии состоялся благотворительный мультконцерт «Вместе весело шагать» для подопечных центра – детей из социально незащищенных семей. Кроме воспитанников мероприятие посетили местные жители, а также иерей Лев Шиновский, настоятель церкви в честь святых благоверных князей страстотерпцев Бориса и Глеба села Чернышено Козельской области. Концерт прошел в теплой атмосфере всем знакомых песен из любимых мультфильмов.

В этот же день в Доме культуры Российской армии города Козельска прошла литературно-музыкальная программа «Письмом твоим, как ангелом, храним…», посвященная Дню Защитника Отечества. Солисты Московской консерватории выступили в сопровождении Военного оркестра 28-й гвардейской Краснознаменной дивизии под управлением гвардии капитана Александра Кутова. С сольными номерами выступил и участник оркестра Павел Волков. Тамаре Еприкян удалось разыскать письма козельских жителей-добровольцев, ушедших на фронт в тяжелый период оккупации района в Великую Отечественную войну. Литературовед Наталья Денисенко добавила текст писем в сценарий концерта. Заголовок программы – цитата одного из них.

Чтение «солдатских треугольников», в том числе письма раненного под Козельском маршала К.К. Рокоссовского, сопровождалось пронзительными военными песнями В. Соловьева-Седого, М. Фрадкина, М. Блантера, К. Молчанова Д. Тухманова и других композиторов (оркестровые аранжировки песен выполнил Михаил Кривицкий). По словам Павла Быкова, автора идеи программы, «мы сознательно использовали в программе неизвестные песни Великой Отечественной войны, которые написаны поэтами и композиторами, прошедшими окопы и огонь войны. Наша песенная культура гораздо шире набора наиболее исполняемых песен. И мы старались донести их содержание до зрителя, тем более до козельского, на этой героической и славной земле!».

Концерт прошел на очень теплой ноте. В зале присутствовали жители города и района, командование, сотрудники и служащие 28-й гвардейской Краснознаменной дивизии и специальные гости. Праздничное мероприятие освещалось местными СМИ, газетами «Козельск» и «Калужские губернские ведомости». Корреспондент Игорь Гусев написал: «Об этом концерте писать сложно не только потому, что в принципе трудно описывать то, что нужно видеть и слышать, а еще и потому, что снова и снова накатывает вал эмоций и подбирается комок к горлу. Артистам и режиссеру удалось с первых минут завладеть сердцами, чувствами и эмоциями зрителей». Е.И. Скусниченко со своей стороны заметила: «Счастье выходить на сцену и работать с профессионалами, счастье слышать детский смех, видеть улыбки деток и слезы в глазах взрослых, сильных мужчин-военных, счастье чувствовать отклик от сердец зрителей и наполняться этим откликом».

Художественный руководитель проекта, проректор по концертной деятельности МГК В.А. Катков и исполнительный директор, доцент Я.А. Кабалевская поблагодарили за помощь всех, кто поддержал гастрольную программу. «Музыка делает этот мир лучше и добрее, – подчеркнула Я.А. Кабалевская. – Мы приложим все усилия, чтобы как можно больше людей в нашей стране соприкоснулись с музыкальным искусством консерваторцев». Следующие гастроли творческих бригад МГК состоятся во Владикавказе – пройдут концерты совместно с Военным оркестром Владикавказского соединения Росгвардии под руководством майора Алексея Крылатова. А во Владикавказском колледже искусств имени В. Гергиева состоятся мастер-классы педагогов Московской консерватории.

Доцент Я.А. Кабалевская

Фото: Наталья Денисенко

Музыкант, поцелованный богом

Авторы :

№3 (1404), март 2024 года

7 марта, накануне Международного женского праздника, кафедра виолончели и контрабаса отметила юбилей одного из самых известных и востребованных музыкантов, контрабасиста, заслуженного артиста РФ, профессора Николая Юрьевича Горбунова.

Николай Юрьевич, будучи концертмейстером группы контрабасов РНО под руководством А.И. Рудина, ведет специальность и камерный ансамбль не только в Московской консерватории, но и в ГМПИ им. М.М. Ипполитова-Иванова, а также находит время для сольной концертной деятельности. Он по праву занимает лидирующее место в контрабасовом искусстве, доказывая свою профессиональную состоятельность педагога и исполнителя многочисленными выступлениями, записями, достижениями студентов своего класса на Международных конкурсах, массой издаваемой музыкально-художественной нотной и учебно-методической литературы. Огромную часть своих сил и энергии Николай Юрьевич отдает коллективу РНО, оркестру с мировым именем. Требовательный к другим и бесконечно самокритичный к себе, всю ответственность за игру в группе он берет на свои плечи, доказывая свой авторитет высочайшим уровнем музыкальной эрудиции, опыта и мастерства.

Как отмечает Л.В. Раков в своей книге «Отечественное контрабасовое искусство ХХ века» (М., 1993): «Концертмейстерами – «первыми контрабасистами» являются, и, безусловно, должны быть, наиболее талантливые и эрудированные музыканты, мастерcки владеющие инструментом, и обязательно опытные практики. Творческие биографии музыкантов, возглавляющих группы контрабасов, их личностный «след» в истории контрабасового искусства убедительно свидетельствует о правомерности такого утверждения».

Обладая яркой индивидуальностью, Николай Юрьевич никогда не говорит ученикам фразу: «Играй, как я». Мне ли, концертмейстеру с 30-летним стажем, не знать ошибочность этого суждения – как же студент способен выполнить такое требование, не имея ни опыта работы, ни сценических выступлений?! Профессиональная база – сложный, «кровавый» процесс становления, исходя из индивидуальных возможностей студента, обучение технической и звуковой культуре. Вот над чем работает Николай Юрьевич со своими подопечными. Есть поговорка: «Глупому дарят рыбу, а умному – удочку». Так вот, Николай Юрьевич не только дарит, но и учит пользоваться этой пресловутой «удочкой», развивая в студентах желание думать и формируя навык самостоятельного поиска ответов на поставленные задачи. Это тот фундамент, который послужит опорой для строительства дальнейшей карьеры будущих исполнителей.

Николай Юрьевич – фанат своего дела, про таких говорят: «Этот человек сделал себя сам!». Постоянно усовершенствуя и без того безупречное владение инструментом: яркую виртуозную свободу, тонкую нюансировку, поистине вокальное построение фраз, волнующее и обволакивающее звукоизвлечение, Николай Юрьевич может заставить звучать любой инструмент мощно и благородно. Слушая его игру, оказываешься внутри объемного, тягучего, наполненного животным тембром звука и начинаешь не без основания считать контрабас одним из самых красивых по тембру инструментов. Невольно вспоминаются размышления Л.В. Ракова в названной ранее книге: «Огромной силы увлеченность музыкой, своим инструментом, быть может фантастическая вера в возможности – и свои собственные, и инструмента, неодолимость стремления к самовыражению и, несомненно, гипертрофированная работоспособность – вот те решающие, гласные силы, которые способны подвигнуть контрабасиста претендовать на право концертной деятельности».

Репертуарный список исполняемых Николаем Юрьевичем произведений весьма обширен: от традиционных, «ходовых» сочинений, различных переложений для контрабаса до современной музыки наших дней. Имея пытливый ум, Николай Юрьевич всегда открыт новому, а безупречный вкус и музыкальное чутье помогают ему безошибочно определять ценные, имеющие долгую жизнь произведения. Благодаря ему, многие сочинения получили второе рождение. Таков Концерт для контрабаса А.А. Коблякова и его же Соната, вторую редакцию которой автор посвятил исполнителю. С легкого смычка Николая Юрьевича стала пользоваться заметной популярностью среди коллег и студентов Соната для контрабаса Е.И. Подгайца, написанная композитором в 2007 году. Концерт А.Я. Эшпая, исполняемый Николаем Юрьевичем с завидным постоянством и неизменным успехом, наряду с сонатой Подгайца и концертом Коблякова, записан Московской консерваторией в 2017 году на сольном компакт-диске.

Н.Ю. Горбунова ценят многие. Композитор А.Я. Эшпай, познакомившийся с Николаем Юрьевичем в 1995 году на открытии I Международного конкурса им. Кусевицкого и до конца своей жизни сохранивший с ним теплые отношения, говорил: «Обладая мощным, выразительным звуком, гибкой артикуляцией, прекрасной нюансировкой, владея полной палитрой современных исполнительских средств, Николай Горбунов всем своим творчеством подтверждает возможность столь сложного инструмента как контрабас быть великолепным солирующим инструментом». Коллега по классу контрабаса в РАМ им. Гнесиных, профессор А.А. Бельский, подчеркивает: «Коля – замечательный артист, с красивым, выразительным звуком, великолепной техникой, тонким вкусом, способностью глубоко проникать в смысл музыки и с исключительным совершенством её интерпретировать!». Профессор Консерватории А.А. Кобляков, с которым Николая Юрьевича долгие годы связывает творческая дружба, считает, что многие сочинения написаны им под впечатлением от исполнительского стиля своего друга, характерными чертами которого является «мощь, мужественность и виртуозность». Еще один человек, хорошо знавший Николая Юрьевича, феноменальный музыкант, знаменитый певец ХХ века К.П. Лисовский высоко ценил его человеческие качества и профессиональную игру, утверждал: «Николай Юрьевич – музыкант, поцелованный Богом! Своим искусством он глаголет истину, а соприкосновение с истиной, в любом ее проявлении, делает из человека профессионала высочайшего класса!».

«Есть только одна подлинная ценность – это связь человека с человеком», – справедливо замечал гениальный Антуан де Сент-Экзюпери. И сотрудничество с музыкантом такого масштаба, как Николай Юрьевич, я расцениваю не иначе, как подарок фортуны! Мечта любого музыканта – найти родственную душу, своего единомышленника. Идеально, когда концертмейстер разделяет взгляды преподавателя, возникает крепкий тандем, спаянный ансамбль, где музыкантам достаточно смотреть в одном направлении, чтобы без слов понимать друг друга. Пианист, который заинтересован в творческом процессе, становится его частью.

Людей нужно ценить при их жизни. Николай Юрьевич – человек света, влюбленный в свою профессию, он видит красоту, делится ею с нами, ему есть, что нам сказать. От нас же требуется совсем немного: умение слушать и желание услышать!

Концертмейстер Ольга Плетникова, лауреат международных конкурсов

Дом-музей Родиона Щедрина откроется в Тульской области

Авторы :

№3 (1404), март 2024 года

В городе Алексине, где вырос выдающийся композитор современности Родион Щедрин, будет создан Дом-музей Щедрина. Об этом 25 февраля на совместной пресс-конференции заявили генеральный директор Большого театра России, художественный руководитель-директор Мариинского театра Валерий Гергиев и губернатор Тульской области Алексей Дюмин.
Валерий Гергиев и Алексей Дюмин на пресс-конференции. Фото: Мариинский театр / Большой театр России

Создание Дома-музея – совместный проект Фонда Валерия Гергиева и Правительства Тульской области. Фонд выкупил дом, где провел детство и куда потом часто возвращался Родион Щедрин. Там жили его родители и дедушка. Щедрин нередко говорил, что именно в Алексине он напитался духом русской глубинки, народным духом. И это нашло отражение в его произведениях: операх «Не только любовь», «Левша», русской литургии «Запечатлённый ангел», которая впервые прозвучала в 2022 году именно в Алексине, в Успенском храме, где когда-то служил дедушка композитора. Цикл для струнного оркестра «Российские фотографии» также открывается частью «Старинный город Алексин» – в память о дорогом композитору месте.

«Надеемся, что это будет больше, чем музей, что проект будет жить и развиваться. Хотелось бы, чтобы здесь звучала музыка, проходили творческие мероприятия с участием артистов Большого и Мариинского театров», – сказал губернатор Алексей Дюмин. – В Доме-музее будут собраны и представлены уникальные материалы о жизни и творчестве композитора. В свою очередь, музей станет очередной точкой притяжения для жителей и гостей региона и послужит популяризации творчества великого тульского современника».

Большой и Мариинский театры гордятся многолетним сотрудничеством с Родионом Константиновичем Щедриным. По заказу Большого театра были написаны многие произведения композитора, среди которых балет «Конек-горбунок» и опера «Мертвые души». Для своей жены, выдающейся балерины Майи Плисецкой, Родион Шедрин создал «Кармен-сюиту» и сочинил еще три балета на известные литературные сюжеты – «Анна Каренина», «Чайка» и «Дама с собачкой», премьеры которых прошли на сцене Большого. Сегодня его оперы и балеты, симфонические и хоровые произведения регулярно исполняются на сценах Мариинского театра в Петербурге, Владивостоке и Владикавказе, звучат на гастролях театра.

(из пресс-релиза конференции)

***

Сам Родион Щедрин, выпускник Московской консерватории, а ныне ее почетный профессор, в одной из телепередач цикла «Музыка наших современников» (1986) вспоминал эти родные места. В процессе разговора с ним об опере «Мертвые души» и гоголевском ощущении России прозвучали такие размышления композитора (запись 1985 года):

«… Российская музыкальная культура – это почва, на которой я родился, взрос, воспитывался, учился, существую. Вся моя культура – образование, язык, речь, интонация – связана с этой землей, на которой я живу, и хотел бы, чтобы это было подольше. Хотя я житель городской, я родился в Москве, но истоки моего воспитания связаны с землей. Отец мой родился в селе Воротцы Тульской губернии Одоевского уезда. Потом долгие годы семья его, мать (следовательно, моя бабушка) жили в крошечном городке Алексине на берегу реки. Это тоже Тульская область. И мы всегда на лето уезжали туда с семьей – тогда его еще и городом нельзя было назвать, по существу, это была такая русская деревушка, может быть, чуть больше обычных. Ощущения всех пластов нашей национальной музыкальной культуры я почерпнул не из учебников, не из книг, не из премудростей ученых, я их впитывал, взрослея, совершенствуясь, старея, из того самого мира, который меня окружал от рожденья…» (Т. Курышева. «Диалоги о музыке перед телекамерой». М., 2005/2006, с. 128)

Собкор «РМ»

«Профессия, в которой больше всего волшебства …»

Авторы :

Интервью с Е.В. Андреевой – преподавателем Консерватории и музыкального училища при МГК

№3 (1404), март 2024 года

– Елена Васильевна, помните ли Вы тот момент, когда точно решили избрать музыку своей профессией? Может быть, с этим связано какое-то особенно памятное событие в творческой жизни?

– В моей семье все были музыкантами-любителями. Мама умела играть и мечтала сама стать музыкантом, и, конечно, как большинство родителей, свои мечты она пыталась воплотить через меня. А дальше было как у всех: ребенок играет с удовольствием до первых трудностей. А когда начался подростковый возраст, то случился кризис, я хотела бросить музыку, ушла из профессиональной музыкальной школы в районную. А там произошло чудо: под присмотром других педагогов все приобретенные мной навыки вдруг расцвели. Оказалось, что мне играть легко и приятно.

Мне предложили продолжить профессиональное обучение и сказали, что это профессия, в которой больше всего волшебства. Ну тут моя фантазия разыгралась, и желаемое совпало с действительным! В этот период я встретилась с необыкновенными музыкантами – знаменитой пианисткой Татьяной Петровной Николаевой и моим преподавателем в старших классах музыкальной школы Ириной Георгиевной Турусовой, в былое время тоже очень известным человеком. Она блестяще владела инструментом и интересовалась технологическими вопросами исполнения: какое положение рук дает какое звучание, какой прием дает более легкое овладение техникой и много других деталей.

– А как Вы пришли к педагогике?

 Преподавание было всегда для меня областью, где ты свободно творишь и вырабатываешь свою концепцию. А И.Г. Турусова заразила меня интересом, особенно к технической его стороне. Профессиональный и эмоциональный исполнительский всплеск в старших классах определил мою дальнейшую судьбу в этой профессии. И я ни одного дня не жалею, что развернулась в сторону музыки и осталась конкретно в педагогике.

– Был ли у Вас опыт преподавания других дисциплин, связанных с исполнительством: аккомпанемент или камерный ансамбль?

– Безусловно был. В консерваторской программе обучения обязательной его частью является и аккомпанемент, и камерный ансамбль. Я учу студентов аккомпанировать друг другу и это непростая задача.

– Каковы особенности Вашей фортепианной методики, на что она нацелена?

– Я говорю о трех основных моментах: первое – работа над интонацией, второе – работа над фразировкой, третье – работа над выстраиванием формы, кульминаций и общего охвата произведения с птичьего полета. Этим я занимаюсь и с пианистами, и с теоретиками. В любом случае, человек должен быть свободен за роялем, иначе он не сможет выразить свои мысли.

– Какие сложности возникают в процессе работы со студентами? 

– Они взрослые люди и все понимают, но у них мало времени для занятий. Если у кого-то не развита техника к этому возрасту, это очень ограничивает в исполнении.

– А со школьниками?

– У школьников наоборот – они мало что понимают, но их аппарат еще сохраняет гибкость и его можно формировать, развивать и добиваться технических успехов. Для педагога интересно и то, и другое.

– Отличается ли методика работы с пианистами и со студентами других отделений, у которых фортепиано – предмет общего цикла?

– Я работаю с очень разными музыкантами: это и музыковеды, у которых уже имеется достаточно серьезный пианистический опыт, некоторые заканчивали училище как пианисты, и вокалисты, у которых часто бывает нехватка базового музыкального образования, некоторые из них только-только пришли к музыке. Перед этими студенческими категориями я ставлю разные задачи. Специальное фортепиано – та область, где я показываю прикосновение к инструменту, здесь важен эмоциональный аспект. 

Люди, обучающиеся специальному фортепиано, мыслят не просто как музыканты, а как инструменталисты, они «думают» пальцами. У одаренного и приспособленного к инструменту человека сначала краски рождаются под пальцами, а потом оформляются в музыкальный образ. Что касается меня, то у меня сначала рождается образ, потом я его нахожу кончиками пальцев. Но связь с инструментом, рождение красок – самое главное отличие предмета специального фортепиано.

– В чем особенность преподавания фортепиано для вокалистов?

– С ними тоже очень интересно заниматься. У них теперь немного другая специализация – музыкально-театральное искусство. Со второго курса они живут в театре, на слух выучивают оперы, слышат музыкальную драму и действие. Но у этого есть обратная сторона – они воспринимают музыку как поток сознания. Им приходится долго объяснять, что музыка структурирована, что она имеет периоды, предложения, что музыка в целом имеет какие-то законы формирования. Я борюсь, чтобы они поняли: музыка – искусство временнóе. Но определенное владение фортепиано вокалистам необходимо. Часто вокалисту нужно быстро разучить текст для работы в театре, а все время прибегать к помощи концертмейстера невозможно.

– С какими трудностями случается сталкиваться, работая в ансамбле с вокалистами?

– Когда имеешь дело с вокалистом не очень опытным, должна быть большая деликатность. Нужно ни в коем случае не сбить исполнителя. Но и нельзя пустить все на самотек. Поэтому я занимаю позицию серого кардинала, который сидит на заднем плане и вроде бы ничего не делает, идет за солистом. В то же время все время просто следовать за ним нельзя, надо музыкально подсказывать движение, фразировку, а он уже сам приспособит свой голос к этой задаче. 

– А с инструменталистами какие возникают сложности?

– Они все достаточно самостоятельные музыканты, имеют свои представления об исполнении. Нужно идти на компромисс и договариваться. И это бывает очень радостно, когда он предлагает что-то свое, а ты это сплетаешь со своей интерпретацией, и рождается что-то новое. Это тоже большое удовольствие. Когда я учу этому своих студентов, им бывает сложно так реагировать на солиста, для этого нужно быть очень свободным в своем тексте. Поэтому у солиста я заранее выясняю, какие у него пожелания, какие темпы, чтобы в работе заранее подготовиться к тому, что будет, и тогда уже сплетение студента-аккомпаниатора и студента-солиста покажется более органичным.

– Чем для Вас привлекательно сольное исполнительство, а чем – ансамблевое?

– Сольное исполнительство – большая радость и большая ответственность. Ты полностью излагаешь свою концепцию, ты ее отстаиваешь, но, с другой стороны, там ты одинок перед всеми. А ансамблевое исполнительство – это настоящая радость музыкального сотрудничества. 

Беседовала Полина Радугина, студентка НКФ, музыковедение

Фото из личного архива Е.В. Андреевой

В Консерватории показали работы донецких художников

Авторы :

№3 (1404), март 2024 года

В январе-феврале 2024 года в Выставочном зале Малого зала Московской консерватории прошла выставка «Живопись художников ДНР», организованная Московской консерваторией совместно с АНО «Центр культурного и творческого развития «Арт Про» и Союзом художников Донецкой народной республики.

На экспозиции были представлены живописные и скульптурные работы авторов из Донецка, которые до этого в декабре 2023 – январе 2024 года с большим успехом были показаны в Государственном музее истории Санкт-Петербурга Петропавловская крепость. Представленные работы имели широкий жанровый и стилевой диапазон: от индустриального и городского пейзажа до натюрмортов, портретов и военных зарисовок. В целом «тональность» выставки высветилась в светлых, жизнеутверждающих красках, показывая стремление Донбасса к красоте и миру.

В церемонии открытия выставки 6 февраля приняла участие секретарь Союза художников ДНР, сотрудник Донецкого республиканского художественного музея Анаит Агабекян, рассказавшая о работе художников в непростое время и об истории создания некоторых картин, принявших участие в выставке. Со словами приветствия выступили представители московских общественных организаций и педагоги Консерватории. Отдельно хотелось бы отметить яркое выступление композитора и гитариста Дмитрия Бородаева, который исполнил свое сочинение под символичным названием «Непокоренный», посвященное Донецку и дончанам.

Замечательно, что в стенах нашей родной Alma mater уже не в первый раз музыка и живопись оказываются так созвучны друг другу. Они обретают гармонию, дополняя впечатление от художественных образов и создавая неповторимую обстановку многогранного художественного творчества.

Особые слова благодарности хочется адресовать «ангелу-хранителю» выставочного пространства Малого зала Московской консерватории и всех наших художественно-выставочных проектов – Наталье Владиленовне Кобец за неравнодушие, поддержку и возможность проведения подобных мероприятий. 

Ст. преподаватель Марина Воинова, кандидат искусствоведения, куратор выставки

Фото: Эмиль Матвеев