№2 (1394), февраль 2022 года

Юрий Абрамович Башмет 24 января отпраздновал свой 70-летний юбилей. Сегодня Маэстро Башмет – звезда первой величины в большом музыкальном мире: солист-исполнитель и профессор Московской консерватории, дирижер и художественный руководитель нескольких созданных им оркестров (камерный «Солисты Москвы», симфонический «Новая Россия», Всероссийский юношеский симфонический оркестр), в течение многих лет (с 1989 года) ведущий оригинальной, им задуманной телевизионной музыкально-просветительской передачи «Вокзал мечты» и автор автобиографической книги того же наименования (2003), учредитель, президент или участник многих музыкальных фестивалей всемирного уровня за рубежом и в России, выдающийся музыкально-общественный деятель, поражающий «космическими» замыслами и их реализацией, творческая личность, непрерывно фонтанирующая все новыми идеями, уже воплощенными или только созревающими в его воображении, о которых еще услышим… А еще лауреат премии «ГРЭММИ», кавалер многих отечественных и зарубежных высоких наград, свидетель и участник неординарных исторических культурных событий, верный товарищ в творческой жизни и заботливый отец, муж и дедушка в своей семье…

В это время я вела на центральном телевидении передачу «Музыка наших современников» и после знакомства пригласила поучаствовать в одной из них Юрия Абрамовича. Разговор в этот раз шел о первом прочтении новой музыки. Слава о выдающемся молодом альтисте уже разнеслась по миру, он играл много премьер, ему посвященных. Даже звучало шутливое обозначение нового жанра: «Музыка для Башмета с оркестром». Но из всего написанного сам исполнитель абсолютно выделял как нечто необыкновенное, по его словам «гениальное», – Концерт для альта с оркестром Альфреда Шнитке. «Работа над этой музыкой стала для меня подлинным наслаждением», – сказал он в моей передаче и там же добавил, – вообще принцип вхождения в новое произведение – это попытка представить себе, примитивным языком, как будто я сам его сочинил. Когда я чувствую, что каждая нота и каждая фраза получают свое, оправданное уже мной значение, тогда я понимаю, что я готов».

Альтовый концерт Альфред Шнитке закончил незадолго до страшной болезни, которая его сразила летом 1985 года. И становятся понятны слова, которые я недавно прочла в одном интервью, где, отвечая, Ю. Башмет вспоминает композитора: «Я у него брал интервью для «Вокзала мечты», и тогда он сказал: «Это мой лучший инструментальный концерт… Я заболел смертельно, но меня решили еще подержать немножко наверху, потому что именно в этом концерте я заглянул туда, куда человек не имеет право заглядывать»…

Когда через 20 лет, уже после «слома страны», у меня вышла книга «Диалоги о музыке перед телекамерой» по материалам тех передач, в обобщающей главе о ее участниках я написала: «Читая все, что было сказано, понимаешь, что кто-то так и остался „документом ушедшей эпохи“, кто-то мудро или наивно парил в своих эмпиреях, кто-то, может быть, оказался пророком, а кто-то стоял в стартовой стойке, чтобы затем свободно и далеко взлететь». Последнее было написано с мыслью именно о Ю. Башмете. И этот взлет Маэстро продолжается до сих пор, теперь уже по многим творческим векторам, в разных художественных орбитах, и все к новым высотам.

А тогда… В какой-то день Юрий Абрамович собрался из Рузы в Москву, у меня в городе тоже были дела, и он пригласил поехать с ним. В его машине была шикарная по тем временам стереосистема и в дороге он мне сразу предложил послушать свежую запись амстердамской премьеры нового Альтового концерта Шнитке… Машина летела по заснеженной «минке», и в ней на полную концертную громкость звучала страстная, «нечеловеческая» по силе воздействия музыка в совершенном исполнении. Это было какое-то чудо – такого потока эмоций, такого звучания альта, сильного, глубокого, таинственного, я еще не слышала никогда! «Водитель» слушал вместе со мной и был справедливо горд, понимая мои чувства и уникальность происходящего…

С Днем рождения, дорогой Юрий Абрамович! Долгой Вам творческой жизни, здоровья и широкого признания всех Ваших достижений. Будьте счастливы и все также успешны на радость Вашим близким, друзьям и приверженцам!

Профессор Т.А. Курышева

№9 (1392), декабрь 2022 года

Родион Константинович Щедрин, наш славный соотечественник, 16 декабря встречает свой большой юбилей. Московская консерватория приветствует своего именитого выпускника, а ныне – ее почетного профессора в день его 90-летия! Будучи одним из выдающихся музыкантов ХХ века, композитор Родион Щедрин и в новом столетии продолжает свою активную творческую деятельность.

Уже в XXI веке Щедрин создал четыре оперы, тут же вышедшие на сцену, – «Очарованный странник», «Боярыня Морозова», «Левша», «Рождественская сказка» (все на либретто самого Щедрина); сочинения с оркестром – «Диалоги с Шостаковичем», «Гейлигенштадтское завещание», «Parabola concertante» (с соло виолончели), «Concerto lontano» (с соло фортепиано), «Клеопатра и змея» (с соло сопрано), «Приключения обезьяны» с индивидуальным составом; около двух десятков камерных произведений самых разных составов, в том числе с вокалом (цикл «Век мой, зверь мой» на слова О. Мандельштама), «Лирические сцены» для ансамбля инструментов, «Баллада Гамлета» для ансамбля  виолончелей, «Dies irae» для органа и трех труб, циклы и отдельные пьесы для фортепиано; а также свыше двадцати опусов для хора a cappella.

Чуткá к личности Щедрина оставалась также и родина – Россия. Камерный хор Московской консерватории постоянно содержит в своем репертуаре его музыку, осуществляя и премьеры. Долгие годы этим процессом руководил профессор Б.Г. Тевлин, а после его ухода из жизни коллектив возглавил профессор А.В. Соловьёв, плавно продолжив сложившуюся традицию. И к 85-летию Щедрина, в декабре 2017 года Александр Соловьёв, став художественным руководителем Всероссийского фестиваля «Запечатленный ангел» (по названию произведения Щедрина!), со своим хором проехал Россию из конца в конец: Нижний Новгород, Петербург, Владивосток, Боровск, Калуга, Красноярск, Оренбург, Саратов, Сургут, Тула, Улан-Удэ, Москва.

Запомнилась и необыкновенная встреча Камерного хора Московской консерватории с Щедриным в апреле 2021 года, организованная А.В. Соловьёвым и ректором Консерватории А.С. Соколовым (см. «РМ», 2021, №5). Присутствующие задавали вопросы, хор пел, но главное – Alma mater столь обжигающе горячо выразила радость и гордость своему давнему выпускнику, славящему Россию на весь мир, что вряд ли Родион Константинович в другой точке земли был бы опален таким огнем эмоций.

85-летие композитора было отмечено и на самом высоком, государственном уровне. Президент РФ В.В. Путин (который знал Р.К. Щедрина лично, бывал на концертах) наградил его орденом Почета и подарил картину В. Денисова «Монтажник-высотник», остроумно обыграв всем известную песню композитора «Марш монтажников-высотников» из кинофильма «Высота».

Наконец, творчество Щедрина в свои мощные руки взял один из ведущих дирижеров современности, художественный руководитель и генеральный директор Мариинского театра Валерий Гергиев. Приближаясь к 90-летнему юбилею композитора, за год до него, в 2021 году, он провел в Петербурге неслыханную «неделю Щедрина», где исполнил в присутствии автора следующие сочинения: оперы «Очарованный странник», «Левша», «Боярыня Морозова»; балеты «Конек-Горбунок», «Кармен-сюита»; симфоническую сказку «Приключения обезьяны». Добавлены были два показа балета «Анна Каренина». Ранее в репертуар Мариинского театра входили также оперы «Мертвые души», «Не только любовь», «Лолита» и «Рождественская сказка». «Левша» же был сочинен к открытию новой сцены театра в 2013 году и в день премьеры произошло событие, в высшей степени почетное для автора всей этой музыки: по инициативе Гергиева Камерный зал в Мариинке-2 получил имя Родиона Щедрина. «Большая честь для меня!» – сказал герой, в честь которого назвали зал.

Две российские знаменитости – супруги М. Плисецкая и Р. Щедрин – в 2000 году создали «Международный фонд Майи Плисецкой и Родиона Щедрина», который располагается в Майнце (Германия). Молодые музыканты начали получать «Премии камерной музыки Родиона Щедрина» (2005, 2006, 2014, 2017 и др.). Свои же творческие архивы Родион Константинович и Майя Михайловна в 2006 году в торжественной обстановке передали в крупнейший российский фонд РГАЛИ: 67 больших коробок, в том числе рукописи сочинений Щедрина. Множатся почетные регалии, присуждаемые в разных странах. В американском Питтсбурге Щедрина объявили «композитором года». Во французском Сен-Назере Щедрин и Плисецкая получили медали почетных граждан города, а на Международном фестивале там же были исполнены 22 (!) произведения Щедрина (по несколько концертов в день, чего у него еще не бывало!). Выступали музыканты из Японии, Голландии, Франции, США и России (Екатерина Мечетина). Автор с удовлетворением констатирует: «публика вынесла такое обилие моей музыки без чрезмерного перенапряжения».

В этом кипении успехов и преуспевания 2 мая 2015 года произошла непоправимая трагедия: ушла из жизни от инсульта бесценная Майя Плисецкая, с которой они прожили вместе 57 лет. Всего полгода не дожила она до своего 90-летия, празднование которого супруги намечали и обсуждали. В реальность ухода Майи Щедрин никак не может поверить: «Она все время рядом со мной, я болею этим, мне ее не хватает каждый день…». В их мюнхенском доме он расставляет вокруг рояля цветы, которые любила жена, а в своей музыке запечатлел неизбывную память о ней – в «Мессе поминовения» (2018).

Родион Щедрин в философии и эстетике своего творчества продолжает важные свойства русской классической культуры. Одно из них – высота нравственности, – проходит во всех сюжетах его опер. В «Рождественской сказке» наглядно противопоставлены Замарашка и Злыдня, и поскольку это сказка, то добро с очевидностью берет верх над злом. Сложнее обстоит дело в трагедиях «Левша» и «Боярыня Морозова», где герои погибают: их нравственную правоту композитор воплощает, выводя финалы в сверх-земную сферу, для чего прибегает к звучанию церковных молитв.

Композитор проводит через собственную индивидуальность и «смеховую культуру», с которой связал себя давным-давно. Он сочинил «Озорные частушки» для оркестра, ввел частушку в ранний Первый фортепианный концерт, написал «Юмореску» для фортепиано, кантату «Бюрократиада», музыку к «Мистерии-буфф» по Маяковскому, оперу «Мертвые души», «Балалайку» для скрипки без смычка, «Приключения обезьяны» по рассказу Зощенко.

О том, как ощущает себя Щедрин в окружении «левых крайностей» своего времени, можно судить, например, по его оценке творчества Оливье Мессиана. Он лично общался с французским мэтром, когда они сидели в одном жюри Международного конкурса пианистов памяти Глена Гульда (1985). Щедрин говорил, что Мессиан «не перешел в авангардную веру, не сменил своих знамен, не поменял одежд», избежал отчуждения от аудитории «благодаря своей стойкости, истинно святостному отношению к искусству», он «как бы во всеуслышание внятно и громко провозгласил: можно и по-другому!».

В музыкальном языке Щедрин выработал удивительно прочную и надежную собственную систему. В звуковысотности он выдерживает 12-полутоновость, но организует ее особым образом, с функциональной локализацией диатоники и хроматики. Это хорошо видно в операх: положительным персонажам дается больше диатоники (Аввакум, Морозова), а чем более персонаж или ситуация отрицательны, тем полнее активизируется хроматика. Своеобразно происходит и взаимодействие с классической тональностью: она у него присутствует, но структурно отодвигается на дальний план.

Важное значение Щедрин придает ритму, вырабатывая множество ритмо-остинатных форм, простирающихся на десятки тактов и создающих сильное динамическое нагнетание. При этом он вовсе не прибегает к современному минимализму, кажущемуся ему безмерно скучным («сиди и читай программку»). Остинатные ритмоформы можно считать оригинальной находкой его индивидуального стиля, чему можно у него и поучиться. А в отношении тембров и артикуляции Щедрин может считаться самым настоящим авангардистом, столько у него новаторских изобретений. И не абстрактных, а реалистических: инструмент пила, милицейский свисток, изображение плеска воды, аплодисментов, даже уникального лая собаки, вписанного в партитуру («Приключения обезьяны»). Композитор продуманно организует и баланс традиционных и нетрадиционных форм. И вся эта свежесть, оригинальность, яркость и впечатляемость музыкальных средств идет от творческого дара его личности. Поистине, Щедрин – гений собственной индивидуальности!

Как музыкальная фигура композитор Родион Щедрин востребован во всем мире: и исполнителями, и организаторами, и публикой. «Мне грех жаловаться, – говорит он. – Любая моя нота встречает у исполнителей интерес и желание исполнять». Он пишет только по заказу и признается, что, «пожалуй, никогда столько не работал». Мы поздравляем композитора с впечатляющим юбилеем и желаем ему новых успехов, все той же неиссякаемой энергии и безграничных духовных и физических сил!

Профессор В.Н. Холопова

№7 (1390), октябрь 2022 года

13 сентября Московская консерватория отметила свой очередной, 156-й День рождения. Этот день – не только повод для праздничного концерта, но и возможность собрать друзей Консерватории вместе. Большой зал наполнился словами благодарности и признательности людям, отдавшим многие годы своей жизни служению Консерватории, а также тем, кто спонсорской деятельностью помогает развиваться нашему великому учебному заведению. 

В 2016 году, когда Alma Mater праздновала свое 150-летие, была заложена очень важная традиция: Ученым советом была учреждена особая награда – золотая медаль имени Н.Г. Рубинштейна, которой удостаиваются выдающиеся выпускники Консерватории («РМ» рассказывал об этой награде – см. 2016, №7). Достаточно назвать лишь несколько имен, ставших ее лауреатами. Среди них: Геннадий Рождественский, Наталья Шаховская, Екатерина Царёва, Сергей Доренский… Вручение медали приурочено ко дню рождения Консерватории. Так случилось и в этом году, в памятный вечер 13 сентября.

«Мне выпала высокая честь в торжественной обстановке уже в шестой раз вручать эту замечательную награду Консерватории – медаль имени Николая Григорьевича Рубинштейна, – тем людям, которые сегодня признаны Консерваторией как продолжатели ее великих традиций и кем она гордится уже в мировом масштабе», – начал церемонию ректор Александр Сергеевич Соколов.

Награждали в этот вечер поистине выдающихся выпускников: заведующего кафедрой истории зарубежной музыки профессора М.А. Сапонова; заведующего кафедрой деревянных духовых инструментов профессора В.С. Попова; и ректора нашего учебного заведения, заведующего кафедрой теории музыки профессора А.С. Соколова. Лауреаты не скупились на теплые слова признательности своей Alma Mater, а коллеги, ученики, друзья, заполнившие зал, с воодушевлением им внимали.

«Я счастлив, что мне довелось пробыть в Консерватории шестьдесят два года, – поделился В.С. Попов, – за это время мне удалось сыграть шесть тысяч концертов с различными оркестрами. Я также благодарен судьбе, что эту высшую для меня награду я получаю из рук моих коллег в моей любимой Консерватории».

• 

• 

М.А. Сапонов, взяв слово, признался, что для него Московская консерватория была чем-то невообразимым, что поменяло всю его жизнь: «Когда входишь в это замечательное, великое здание, то чувствуешь, что все в себе лучшее нужно отдавать ученикам и коллегам. Но более того, это хорошее в себе нужно возводить, а это очень трудно, но в этом и есть счастье».

По словам А.С. Соколова, получить эту медаль для него особая честь и гордость. «Для любого консерваторца это самая, наверное, важная награда, так как она не кем-то и где-то предназначена, а она решена волей Ученого совета, тайным голосованием, – сказал Александр Сергеевич. – Тем самым возникает какая-то сверка «часов»: так ли ты делаешь то, что ты делаешь, и в чем тебе следует учиться у тех, кто тебя выучил».

Далее последовала церемония вручения серебряной медали «Меценат года» имени Саввы Мамонтова. Учрежденная в год 155-летия консерватории, она присуждается за благотворительность и спонсорскую деятельность. Ею удостаиваются меценаты, которые более пяти лет оказывают поддержку нашей Alma Mater. Среди ее верных друзей и помощников, награжденных в этот вечер, – член Попечительского совета, профессор О.В. Грядовая, а также ее коллега по совету А.И. Комаров. Благодаря их помощи решаются многие проблемы учебного заведения. «Мы, несомненно, и дальше будем помогать насколько хватит наших сил и возможностей» – заверила О.В. Грядовая.

Хотя церемония награждения и заняла львиную долю праздничного вечера, времени хватило и для музыки. Концертную программу составили знаменитые «Меланхолическая серенада» П.И. Чайковского, Первый концерт для скрипки с оркестром Д.Д. Шостаковича, а также потрясающая своими яркими красками сюита из музыки балета «Жар птица» И.Ф. Стравинского. Концертный симфонический оркестр Московской консерватории под управлением профессора А.А. Левина порадовал блестящим исполнением заявленной программы. Как всегда, на высоте был солировавший в концерте скрипач, народный артист России, профессор С.В. Стадлер. В каденции Скрипичного концерта Сергей Стадлер поразил силой и глубиной звука, в «Меланхолической серенаде» – проникновенностью, а по ходу концерта –находчивостью: заполняя паузу, случившуюся из-за долгого отсутствия дирижера, солист сыграл в качестве эпиграфа «Элегию» для скрипки соло Игоря Стравинского.

Этот жест был воспринят залом как добрый знак: в этом году мы отмечаем юбилей – 140 лет со дня рождения Стравинского. И внегласное музыкальное присутствие гения русской музыки оказалось очень кстати в этот замечательный и радостный вечер.

Никита Зятиков, студент НКФ музыковедение

Фото Эмиля Матвеева 

№6 (1389), сентябрь 2022 года

Столь масштабного Международного конкурса имени Рахманинова, равнозначного, по замыслу организаторов, знаменитому Конкурсу Чайковского, у нас еще не было. И радость Московской консерватории по этому поводу закономерна, ведь именно в Консерватории в 80-х годах прошлого века был впервые учрежден фортепианный конкурс имени ее гениального выпускника. Затем прошло шесть состязаний (1983, 1989, 1993, 1997, 2002, 2008), последние четыре в статусе международных. Дело застопорилось из-за проблем с финансированием. Поэтому нынешнее возрождение Конкурса имени Рахманинова в принципиально новом творческом статусе и при внушительной государственной поддержке обладает особой значимостью.

И невольно всплывает в памяти важное для этого события имя профессора В.К. Мержанова (1919–2012). Именно Виктор Карпович стоял у истоков основания Рахманиновского общества в России (1981), был одним из инициаторов названного фортепианного конкурса имени Рахманинова и председателем жюри большинства из них. Упорная «борьба за Рахманинова» на его исторической родине была страстью профессора Мержанова, важнейшей темой, неоднократно возникавшей и в наших с ним глубоко заинтересованных разговорах. Все это осталось в прошлом. Новый Международный конкурс пианистов, композиторов и дирижеров имени Рахманинова состоялся!

В его организации приняли участие ведущие силы как музыкальные, так и управляющие культурным процессом страны. Однако первым и, наверное, главным должно быть названо имя идеолога и инициатора всего события – Дениса Мацуева, художественного руководителя Конкурса и арт-директора Фонда имени С.В. Рахманинова. Всемирно известный пианист, боготворящий Рахманинова, называет его музыку «лейтмотивом всей своей жизни». И на вопрос в одном из множества интервью с ним «Где ты хочешь находиться через двадцать лет?», не раздумывая отвечает: «Я хочу находиться на сцене и играть Третий концерт Рахманинова!»

Естественно, что конкурс пианистов возглавил именно Денис Мацуев, собравший внушительное международное жюри, в которое вошли: Владимир Виардо, Та Куан Донг, Фредерик Кемпф, Лю Ши Кунь, Максим Могилевский, Владимир Овчинников, Валерий Пясецкий, Владимир Тропп. Программа выступлений задумывалась не только как монографическая, ведь наряду с сочинениями Рахманинова из богатейшей россыпи его фортепианного наследия, сольного и симфонического, допускались и произведения его современников, написанные в годы творчества Рахманинова (1887–1943). Так среди прозвучавших оказались сочинения Скрябина, Равеля, Дебюсси, Стравинского, Прокофьева, Хиндемита, Р. Штрауса, Метнера, Ляпунова и даже Брамса… Пианисты играли в БЗК, что было комфортно и очень выигрышно.

В сам процесс соревнований молодых пианистов также добавилось интересное новшество: наряду с сольными сочинениями, предложенными для первых двух туров, в третий тур, помимо двух концертов для фортепиано с оркестром была введена необычная творческая составляющая – камерно-вокальная. Пианист в качестве аккомпаниатора должен был исполнить внушительную подборку уникальных романсов Рахманинова в дуэтном ансамбле с певцом. Очень тонкое и справедливое начинание, важное для понимания глубины музыкальности молодого художника. Для исполнения вокальных партий были приглашены артисты Молодежной оперной программы Большого театра.

• 

• 

Жюри конкурса композиторов возглавил профессор Александр Чайковский, заведующий кафедрой композиции Московской консерватории. Александр Владимирович пригласил в жюри известных музыкантов, композиторов и исполнителей: Юрия Башмета, Валерия Воронова, Куана До Хонга, Михаила Кокжаева, Толегена Мухамеджанова, Александра Радвиловича, Алексея Рыбникова. У композиторского состязания были особые требования. Соискатели представляли свои сочинения под девизом, 1-й тур шел без прослушивания – это, по сути, был отбор основных претендентов по нотам. Только 2-й тур являлся публичным музыкальным соревнованием (и единственным, поскольку 3-го тура у композиторов нет).

Обычно на композиторские конкурсы представляется одно сочинение, но в данном случае, соответственно облику Рахманинова-композитора, предполагались два: сольное фортепианное произведение и концерт для фортепиано с оркестром. Причем они даже звучали в разных залах. Сольную программу жюри слушало в Малом зале Консерватории, а симфоническую – в Филармонии-2, еще одном московском Концертном зале имени С.В. Рахманинова. Солировали специально приглашенные концертирующие пианисты (за исключением случаев, когда за роялем был сам автор). Композиторам участвовать в Конкурсе Рахманинова сложно – невольно возникает сравнение с популярнейшим в мире художником. Тем не менее, как заметил А.В. Чайковский, «если мы получим хотя бы одно новое сочинение, которое войдет в репертуар пианистов, это уже будет большая победа конкурса».

Конкурс дирижеров, который проходил в Концертном зале им. П.И. Чайковского, был отдан под руководство Валерия Гергиева. В жюри, которое возглавил Валерий Абисалович, также приняли участие известные музыканты из разных стран: Сесар Альварес, Кристиан Кнапп, Тао Линь, Фабио Мастранджело, Джордж Пехливанян, Валерий Полянский, Александр Сладковский, Владимир Федосеев, Кристофер Чен. Конкурс дирижеров, включавший в себя три очных тура, выдвигал серьезные требования.

Первые два предполагали показ репетиционной работы с оркестром над сочинениями, которые стояли в предложенной программе. В частности, во 2-м туре это были «Симфонические танцы» и одно из произведений современников Рахманинова из достаточно внушительного списка. А к 3-му туру дирижеры должны были тянуть билет и затем публично продирижировать «предложенными волею судьбы» симфонией и фортепианным концертом Рахманинова. А значит, соискатель должен был уже иметь в своем творческом багаже все симфонии и все концерты композитора. В одном из интервью В.А. Гергиев подчеркнул: «Намерен максимально внимательно отнестись не только к победителям, обладателям первой премии, но и к тем, кто просто хорошо зарекомендовал себя в этом состязании. В частности, к юным дирижерам, а они были не только из России, но и из Белоруссии, Франции, Китая, Америки, Словении».

• 

• 

Московская консерватория в лице своих нынешних и прошлых питомцев показала себя на конкурсе очень ярко. Среди лауреатов и участников много «наших» имен — от студентов до сложившихся больших музыкантов. У пианистов 1-й премии удостоились Александр Ключко (кл. проф. П.Т. Нерсесяна) и Иван Бессонов (кл. проф. В.В. Пясецкого); Арсений Тарасевич-Николаев (выпускник кл. проф. С.Л. Доренского) стал одним из двух победителей II премии, разделив ее с Мао Сюаньи (Китай); Константин Хачикян (выпускник кл. проф. А.А. Писарева), Ева Георгян (учащаяся ЦМШ при МГК, кл. проф. Н.В. Трулль) и Илья Папоян (Россия) стали лауреатами III премии. Среди лауреатов-композиторов видим имена: I премия – Ян Юаньфан (Великобритания), II премия – Александр Тлеуов (выпускник кл. проф. Ю.В. Воронцова) и Эдуард Кипрский (Россия), III премия – Алексей Сергунин (выпускник кл. проф. А.В. Чайковского) и Андрей Поспелов (Россия). Дирижеры-лауреаты: 1-е премии – Филипп Селиванов (Россия) и Гурген Петросян (Россия), 2-е премии – Иван Никифорчин (выпускник кл. проф. В.К. Полянского) и Клеман Нонсьё (Франция), 3-и премии – Арсений Шупляков (Россия) и Ли Хаожань(Китай).

Отзвук прошедшего Конкурса Рахманинова продолжается. Концертный сезон и, одновременно, новый учебный год в Московской консерватории открылся 1 сентября в Большом зале блестящим PIANO GALA. Лауреаты-консерваторцы – К. Хачикян, А. Тарасевич-Николаев, Е. Георгян и А. Ключко – играли Рахманинова. А полный зал слушателей их благодарно приветствовал…

Профессор Т.А. Курышева, главный редактор «РМ»

Фото Евгения Евтюхова, Алексея Молчановского, Александра Шапунова

№5 (1388), май 2022 года

Майские дни в России традиционно ассоциируются с двумя датами – один, Первомай, уже потерял идеологическую привязку и воспринимается, как удачный повод отдохнуть. А вот День Победы по-прежнему остается для многих «самым важным праздником» – об этом свидетельствуют и высказывания в личных страницах в соцсетях, где люди выкладывают фотографии близких, отдавших жизнь в боях за Победу. Поэтому появление в 2013 году фестиваля, посвященного событиям и страницам Великой Отечественной войны, стало естественным шагом. «Высокая нравственная миссия фестиваля – через музыкальное искусство способствовать патриотическому воспитанию наших соотечественников», – считает профессор А.С. Соколов, ректор Московской консерватории. С 4 по 11 мая в Московской консерватории прошел Десятый Международный фестиваль искусств «Дню Победы посвящается…».

«Память о главном, о подвигах во имя жизни – в основе концепции программ фестиваля. С глубоким почтением склоняем головы перед теми, кто, не жалея жизни, защищал соотечественников на фронте и в тылу», – подчеркнул инициатор и бессменный художественный руководитель, профессор Александр Владиславович Соловьёв. Также стоит отметить искренний посыл организаторов: «Наш фестиваль не приурочен к круглым датам: ведь есть события, которым мы должны отдавать дань памяти вне зависимости от их юбилейности – по велению сердца и совести. К таковым, прежде всего, относится годовщина Дня Победы в Великой Отечественной войне».

«Для меня тема войны особенно близка, так как мой дед Василий Иванович Алексеенко – летчик-испытатель, участник Великой Отечественной войны, награжден пятью боевыми орденами и многими медалями – признается А. Соловьёв. – Одна из его известных работ по истории авиации и авиационной техники: “Советские ВВС накануне и в годы Великой Отечественной войны”. На важности знания этих трагических страниц истории нашей страны для самоидентификации каждого человека также делал акцент основатель Камерного хора Московской консерватории, профессор Борис Григорьевич Тевлин. Он неоднократно организовывал программы, связанные с Днем победы в Великой Отечественной войне, и через этот репертуар мы “приближались” к событиям тех лет».

Уникальность фестиваля в том, что на сегодняшний день – это единственный фестиваль искусств в России, целиком посвященный теме Великой Отечественной войны; она осмысляется через существующие в самых различных жанрах произведения искусства. Именно за такую оригинальность концепции и мощный патриотический пафос Министерство обороны РФ отметило фестиваль вначале специальным дипломом (2016), а затем премией в области культуры и искусства в номинации «Культурно-просветительские проекты» (2017).

Пролистывая буклеты фестиваля, видишь, сколько ярких гала-концертов, театрализованных постановок состоялось за этот период. «Молитва о России» (2013) режиссера П. Татарицкого; «Хотят ли русские войны» (2014) – проект Камерного хора МГК совместно с актерами театра «Ленком»; танцевально-драматический спектакль «Письма памяти» (2015) режиссера О. Николаева и артистов «Театра Луны»; «Зори здесь тихие…» (2016) – опера К. Молчанова в концертном исполнении Госкапеллы России под управлением В. Полянского; «Бабий Яр» (2017) – опера-оратория Д. Кривицкого в постановке режиссера А. Цветкова-Толбина; «Дорогами Высоцкого» (2018) – концерт-спектакль с участием актера Н. Высоцкого, сына легендарного барда; «Из тени в свет!» (2019) – музыкально-поэтическая композиция театра-студии «Человек»…

«Любимые песни маршалов» (2014) и «Песни. Память. Война» (2021) – музыкально-драматические композиции по воспоминаниям великих военачальников ВОВ и их близких. Проект возник как результат многолетней дружбы фестиваля с Фондом памяти полководцев Победы и лично с Натальей Родионовной Малиновской, дочерью прославленного маршала. В 2019 году в буклете она написала пронзительные строки: «Это счастье, что сегодня среди наших музыкантов есть не только профессионалы высочайшего класса, но и люди, для которых Память, обращенная к тем, благодаря кому и мое поколение, и ваше, и самые юные живут на свете, – не пустой звук. Категорический императив благодарной памяти заставляет их вновь и вновь обращаться к великой трагической странице нашей отечественной истории. Сердечная благодарность Московской консерватории за эту благородную инициативу, за то, что в наши беспамятные времена они — помнят».

Уже стало традицией, что на открытие приглашается легендарный Академический дважды Краснознаменный, ордена Красной Звезды ансамбль песни и пляски Российской Армии имени А.В. Александровапод управлением Геннадия Саченюка. «Большой зал консерватории – особый. Он прекрасен акустически. Сцена намолена великими артистами. Что бы мы ни исполняли, лирические песни или патриотические – все здесь звучит великолепно, – рассказал в интервью журналу “Музыкальная жизнь” Геннадий Саченюк. – Особенно радует то, что на наши выступления приходит много молодежи. Любовь к произведениям, созданным в советские времена и отразившим подвиг наших отцов и дедов, насильно привить нельзя. А вот увлечь примером можно. Именно это и делает наш ансамбль на каждом выступлении, в любой аудитории».

«Для нас особенно важно, чтобы об уроках истории и войны размышляли молодые артисты», –подчеркивает ректор А.С. Соколов. Поэтому в нынешнем году с программой «В песнях останемся мы» были приглашены выступить хоровые коллективы Академии хорового искусства имени В.С. Попова, отмечающей в нынешнем году 30-летие основания. А в концерте «Внуки Победы помнят» продемонстрировали свое искусство Смешанный хор Калужского областного музыкального колледжа имени С.И. Танеева и его руководитель Максим Пимонихин и Хор студентов ГМПИ имени М.М. Ипполитова-Иванова с Владимиром Красовым, а также иностранные учащиеся Московской консерватории. Интересной краской стали программы Мужской военной капеллы под управлением Максима Попова и Оркестра русских народных инструментов «Москва» МГИМ имени А.Г. Шнитке с Николаем Алдановым.

Постоянный участник и Академический Большой концертный оркестр имени Ю.В. Силантьева со своим художественным руководителем и главным дирижером Александром Клевицким. В этом году их выступление пришлось на 9 мая, отмеченное трогательным музыкально-поэтическим вечером «Где бы мы ни были, с нами Россия» по песням Марка Фрадкина с участием актеров театра и кино Елены Захаровой и Александра Головина. Инициатор и автор сценария – Антон Фрадкин, внук прославленного композитора, поделился, что всегда мечтал сделать концерт деда на этой исторической сцене. Такие хиты, как «Дорога на Берлин», «У деревни Крюкова», «А годы летят…» слушатели услышали в тонко сделанных хоровых аранжировках Алексея Лёвина в исполнении Камерного хора Московской консерватории. Восторженных аплодисментов удостоились солисты Софья Онопченко, проникновенно спевшая «Течет река Волга» и «Там, за облаками», и Илья Ушуллу, чей обаятельный тембр внес новые краски в «Случайный вальс» и «За того парня».

С 2015 года фестиваль имеет собственную региональную программу, чья география чрезвычайно широка: Боровск, Красноярск, Нижний Новгород, Санкт-Петербург, Саратов, Тамбов, Тула, Улан-Удэ. Важной ежегодной частью фестиваля является музыкально-просветительский проект патриотической направленности «Вахта памяти Московской консерватории» в Смоленске (руководитель – доцент Я.А. Кабалевская).

Но не только фестиваль выходит за пределы столицы, но и региональные коллективы имеют возможность выступить в Московской консерватории. Можно вспомнить композицию «Ленинград и Победа» с песнями Якова Дубравина в исполнении Женского хора Санкт-Петербургского училища имени Н.А. Римского-Корсакова под управлением композитора и дирижера Сергея Екимова, приезд Хора студентов Саратовской государственной консерватории имени Л.В. Собинова и Владимирской капеллы мальчиков и юношей… 

Эту линию продолжил концерт-закрытие Десятого фестиваля, целиком отданный Национальному симфоническому оркестру Республики Башкортостан. Его главный дирижер Дмитрий Крюков придумал амбициозную программу, включившую симфоническую поэму «Салават» З. Исмагилова, Пятую симфонию С. Прокофьева, мировую премьеру «Военной кантаты» Д. Кривицкого (к 85-летию со дня рождения композитора) и Dixi Г. Канчели. К гостям из Уфы присоединились детский хор «Пионерия», Камерный хор МГК и Тульский государственный хор.

Серьезная философская музыка не оставила равнодушными слушателей, стоя приветствовавших каждое сочинение. Подтверждением успеха служит и статистика: онлайн-трансляция собрала более 117 тысяч просмотров! Да и другие события фестиваля благодаря трансляциям Телевидения Московской консерватории имели всероссийский охват и резонанс.

Тема Дня Победы – неисчерпаема, и, хотя события удаляются, но размышления о них дают импульс к преодолению трагических последствий Великой Отечественной войны, чье эхо доносится вплоть до сегодняшнего дня.

Профессор Е.Д. Кривицкая

№4 (1387), апрель 2022 года

Вы задумывались, как живет духовная музыка в реалиях нашей бурной и быстро меняющейся современной жизни? Как исконно русская церковно-певческая традиция влияет на новые поколения молодых композиторов? Каково отношение Русской православной церкви к современному духовно-музыкальному творчеству? Эти вопросы оказываются на пересечении научных осмыслений музыковедов с творческими исканиями композиторов и исполнителей. Они созвучны тем поискам, которые много десятилетий продолжаются в поэзии и литературе, в смежных видах искусства: живописи, графике, архитектуре. Духовность – это, конечно, и философская категория, восприятие и осмысление которой меняется в каждую эпоху.

MUSICA SACRA NOVA – так называется новый многолетний масштабный проект, которому был дан старт 16 февраля 2022 года в стенах Московской консерватории. В этот день состоялся первый концерт цикла: «Musica sacra nova. Духовная музыка Второго авангарда». На инициативу Фонда Николая Каретникова осуществить исполнение духовных сочинений композиторов-шестидесятников для хора a cappella откликнулись Молодежный хор НТЦ церковной музыки при кафедрах хорового дирижирования и истории русской музыки Московской консерватории, а также Мужской хор Alexios.

В творческом диалоге директора Фонда Антона Каретникова, сына композитора, с руководителем НТЦ церковной музыки Наталией Гурьевой, главным дирижером Молодежного хора центра Михаилом Котельниковым, хормейстером Мужского хора Alexios Вячеславом Половяновым и куратором концерта, преподавателем кафедры хорового дирижирования Сергеем Терентьевым возникла идея украсить музыкальный вечер выставкой работ мистической живописи и графики художников того же поколения. Решено было предложить широкому слушателю и консерваторскую площадку для диалога – организовать живую и неформальную дискуссию о современной духовной музыке, поэзии, живописи, графике, их взаимовлияниях и пересечениях с современными философскими воззрениями и богослужебной практикой.

Эта идея заинтересовала многих, и к участию подключились проф. М.С. Высоцкая, преп. В.В. Тарнопольский, доц. Р.А. Насонов. К разговору пригласили не только музыковедов, композиторов и исполнителей, но и художников, поэтов, переводчиков, критиков, священнослужителей, регентов и, конечно, слушателей. Так, совместными усилиями Фонда, двух Научно-творческих центров и нескольких кафедр Московской консерватории стартовал грандиозный проект Musica sacra nova.

16 февраля получился, действительно, насыщен событиями и богат на эмоции. Международный Круглый стол собрал огромное количество участников, как очно – в Конференц-зале, так и онлайн – в Виртуальном конференц-зале консерватории (см. в статье «В мыслях о новой сакральности»). Модераторы диалога (Н.В. Гурьева и В.В. Тарнопольский) предложили собравшимся порассуждать на темы: Какова роль духовной музыки в современной музыкальной и, шире, культурной жизни России? В чем специфика существования духовной музыки в эпоху государственного атеизма в советский период? Как сейчас, в третьем десятилетии XXI века, выглядит диалог с церковной музыкальной традицией, и возможно ли исполнение духовной музыки, не предназначенной для богослужения, в православных храмах сегодня? Нельзя было обойти вниманием и тему «Musica sacra nova и современная молодежь».

По окончании дискуссии, в 18:00, в Выставочном зале Московской консерватории при поддержке галереи «Веллум» (основатель Любовь Агафонова) и Музея Анатолия Зверева открылась выставка «Ars sacra nova. Мистическая живопись и графика художников-нонконформистов». Были представлены экспонаты из собрания этих галерей и частных коллекций – более тридцати графических и живописных работ выдающихся художников-«шестидесятников»: Оскара Рабина, Владимира Вейсберга, Владимира Стерлигова, Владимира Яковлева, Михаила Шварцмана, Владимира Янкилевского, Михаила Гробмана, Эдуарда Штейнберга, Анатолия Зверева, Валентины Кропивницкой, Дмитрия Плавинского, Игоря Ворошилова и др. Три недели студенты, преподаватели и слушатели всех концертов, проходивших в Малом зале, могли знакомиться с ее экспонатами – шедеврами художников-нонконформистов.

А вечером в Малом зале состоялся первый концерта цикла «Musica Sacra Nova. Духовная музыка второго авангарда». Впервые все эти опусы композиторов-«шестидесятников» самых разных эстетических взглядов и направлений, условно объединяемых термином «Второй русский авангард», были представлены в рамках одного вечера.

Со вступительным словом выступила поэт, филолог и переводчик Ольга Седакова. Она прочла отрывок из стихотворения (1930) признанного классика новейшей европейской литературы, французского поэта XX века Поля Клоделя, в ее переводе:

Когда поднимается ветер, все мельницы 

крутятся, как одна.

Но есть другой ветер: Дух, который гонит 

перед собой народы и племена

И который после длительного затишья встает

и треплет человеческий пейзаж до окоёма!

Мысль во всех концах земли вспыхивает, как солома!

Что-то похожее, по мнению О.А. Седаковой, случилось и у нас в середине 60-х годов XX века. В стране победившего атеизма и материализма поднялся этот «другой ветер»: «Он, конечно, коснулся не всех, совсем немногих, но зато какие это были люди, какие авторы!» У каждого из них была своя история личной встречи с верой и Богом. «Им открывалось нечто совершенно новое, – продолжает О. Седакова, – новые смыслы, по-другому виделась картина жизни: и настоящего, и истории». 

Символично, что концерт открылся сочинением Николая Каретникова, посвященным памяти Бориса Пастернака: «Восемь духовных песнопений для мужского хора» (1969–1989). Его исполнил Мужской хор Alexios (худ. рук. М. Котельников, хормейстер – В. Половянов). «Путь Пастернака к Богу» – так сам автор говорил о своем сочинении. Цикл написан на тексты Ветхого и Нового Заветов при духовном наставничестве отца Александра Меня. 

Затем, на суд слушателей был представлен Духовный концерт Николая Сидельникова для смешанного хора, сочиненный композитором на тексты служб Великого Поста, за полтора года до смерти. Его исполнил Молодежный хор Научно-творческого центра церковной музыки Московской консерватории (худ. рук. проф. Л.З. Конторович, дирижер М. Котельников). 

Программу второго отделения украсили сочинения Арво Пярта «Богородице Дево» и «Два славянских псалма». На творческое и личное мировоззрение композитора повлияло общение с архимандритом Софронием (Сахаровым), учеником и биографом афонского схимонаха преподобного Силуана. Опусы Пярта каноничны и церковны – и по форме, и по содержанию. 

Контрастом к ним прозвучал «Свете тихий» Эдисона Денисова. Он говорил, что главное в духовной музыке – нести свет людям: «Lux aeterna – свет истины, свет вечности». Гимн Спасителю, явившему человечеству тихий свет божественной славы, поется сейчас на вечернем богослужении. В древности этот момент совпадал с закатом солнца, и в храме зажигали свечи, а люди благодарили Господа за прожитый день. Из последования православной вечерни Э. Денисов берет только текст и сочиняет к нему собственную музыку, которая стилистически очень напоминает древнерусское гетерофонное многоголосие – троестрочие. Он привносит в партитуру и элементы западноевропейского мотета (имитации, инверсии), а в кульминации доводит число голосов до девяти – звучат три с половиной октавы! Использован прием ротации тематического материала, а это уже признак додекафонной техники. Так, композитор словно перекидывает арку от музыки эпохи Возрождения к современности.

Были также исполнены «Три духовных хора» Альфреда Шнитке на тексты православного Обихода, пожалуй, единственное духовное сочинение композитора, которое может быть исполнено в православной Литургии, за богослужением. В стилистике «Трех хоров» отразилось авторское кредо в отношении церковной музыки: по его словам, «цитирование или псевдоцитирование [древних распевов – Н.Г.], стилистически ограничивающее, есть обязательная вещь не потому, что это лицемерная демонстрация твоей кротости, а потому, что по сути дела это означает, что ты сознаешь необходимость моральных ограничений, которые ты сам себе должен ставить. Ты должен ежесекундно быть выше себя» (из книги «Беседы с Альфредом Шнитке»).

В завершении вечера хор исполнил «Две рождественские колыбельные» Валентина Сильвестрова. В окружении множества авангардных, а иногда и эпатирующих публику опусов, соревнующихся между собой в оригинальности, партитуры Сильвестрова и их стиль «новой простоты» производят незабываемое впечатление. В них композитор обращается к самым светлым сторонам человеческой натуры, к лирико-созерцательному состоянию души и спокойному течению мыслей. 

В литургической практике христиан музыкальное оформление молитвы издревле было и по сей день является устойчивой многовековой традицией. Эта традиция – церковно-певческий канон – всегда остается «живым организмом», который как сохраняет лучшие черты ушедших эпох, так и постоянно впитывает стилевые элементы современности. Один из древнейших элементов канона – пение a cappella.

Все опусы первой концертной программы Musica sacra nova с этой точки зрения традиционны и каноничны. Но возникает вопрос: всегда ли именно следование канону и только ли оно позволяет нам отделить священное от несвященного, церковное от нецерковного, духовную музыку от светской? Несомненно, на наш взгляд, одно: обращение к церковной тематике и литургическому тексту, внутренний поиск света, Бога и добра, правды и морального стержня, человечности в повседневной жизни, либо, наоборот, уход от этой действительности в создаваемый композитором лучший мир – все это явные признаки неравнодушного отношения автора к миру и к своей собственной жизни. Очень часто именно так композитор приходит к вере, позволяя нам расслышать личный, сакральный путь познания истины. А сакральность в любом искусстве несет миру исключительную значимость, непреходящую ценность и требует благоговейного к себе отношения.

Доцент Н.В. Гурьева, руководитель НТЦ церковной музыки МГК

Фото Дениса Рылова

№2 (1385), февраль 2022 года

Ушедший год памяти И.Ф. Стравинского – 50-летняя годовщина его кончины 6 апреля 1971 года – плавно перетекает в празднование дня его рождения. Это событие произошло 140 лет назад, 5/17 июня 1882 года в Ораниенбауме близ Санкт-Петербурга, на даче, которую семья Федора Игнатьевича Стравинского, первого баса Императорской Мариинской оперы снимала на лето. Впоследствии один из французских друзей композитора не без иронии титуловал его «мэтр из Ораниенбаума». 

Земной срок, отпущенный Игорю Федоровичу, оказался немалым, и столь же щедрой – его творческая деятельность. Свой последний шедевр, «Заупокойные песнопения», он закончил в 1966-м, на девятом десятке жизни. Но расставаться с нею в звуках реквиема Стравинский не пожелал, и самый последний его опус, «вздох облегчения», как он сам выразился, совсем другой: это миниатюра «Совенок и кошечка» на стихи Эдварда Лира, странная детская история о бракосочетании героев, увенчанная счастливым отголоском из «Свадебки», Стравинский посвятил ее жене Вере.

Между этими событиями пролегла долгая жизнь, вместившая последние десятилетия века девятнадцатого и три четверти двадцатого, со всеми событиями в мире внешнем и внутреннем. Стравинский прожил ее вместе с ближними и дальними спутниками, перемещаясь в пространстве и меняя условия существования, зачастую не по собственной воле, а под давлением обстоятельств. Башня из слоновой кости, даже если бы она была возможна (а она очень скоро стала невозможной) – это не про него. 

Стравинский был художником, устремленным в мир, и он всегда оставался в центре культурного пространства своего времени. Сам круг его общения поражает своей широтой – для того, чтобы в этом убедиться, достаточно перелистать «Хронику моей жизни» или «Диалоги» с Робертом Крафтом. Природа одарила его необычайной творческой и человеческой активностью, жизнь в нем кипела, и мало кто, даже из равновеликих ему творцов, мог сравниться с ним в разнообразии интересов и широте духовных горизонтов. Его музыка стала звуковым портретом эпохи, в ней точно схвачен и воплощен тонус ХХ столетия, пульс времени, противоречивого и сложного, постепенно уходящего все дальше в историю.

За свою долгую жизнь Стравинский побывал подданным трех государств – России, Франции и США и даже «отметился» в каждом из них в жанре национального гимна. Первым опытом стала обработка «Эй, ухнем», созданная после Февральской революции 1917 года и торжественно озаглавленная «Гимн новой России». Ее Стравинский нередко играл как бисовый номер в своих программах. Так он поступал и во время своих гастролей в СССР осенью 1962 года.

Согласно собственным словам композитора, он пережил два творческих кризиса, и оба были вызваны перемещениями в новую культурную среду. К 1960-м годам перемены казались бесповоротными. «Что от моей национальности осталось? – восклицал Стравинский в письме старому другу Петру Сувчинскому. – Рожки да ножки…» Впрочем, без лукавства тут не обошлось, ибо кто, кроме природного русского, мог выразиться подобным образом?

Отношение Стравинского к родине и свершившимся в ней переменам имело свою историю. Обстоятельства его жизни сложились так, что с 1912 года только летние месяцы он проводил в любимом Устилуге на Волыни (Западная Украина). С началом Первой мировой войны путь туда оказался отрезан; прощание с родиной на долгие десятилетия состоялось летом 1914 года в Киеве, хотя сам Стравинский, естественно, не мог тогда представить длительность предстоящей разлуки. Как и бóльшая часть тогдашней русской интеллигенции Стравинский с энтузиазмом воспринял весть о Февральской революции 1917 года. Однако последствия большевистского переворота Стравинский – тоже как многие соотечественники – пережил очень тяжело. 

Тем не менее, в первое время контакты с родиной сохранялись, сочинения Стравинского исполнялись в Советской России с большим успехом и даже проникли наконец на театральную сцену. Премьера оперы «Соловей» состоялась в мае 1918 года на сцене Мариинского театра в режиссуре Всеволода Мейерхольда; за ней последовали балетные спектакли. В 1925 году Стравинский получил официальное приглашение приехать в СССР с концертами, однако отклонил его, сославшись на занятость.

В 1930-е годы приглашения прекратились, и контакты композитора с Россией постепенно сошли на нет. Его собственные чувства были противоречивыми. Временами Стравинский пытался изгнать любую рефлексию по этому поводу, отказываясь даже называть себя русским. Психологическое облегчение принесли лишь события Второй мировой войны, когда Стравинский проявил себя настоящим патриотом, участвуя в Фонде Русской военной помощи, в деятельности Русско-Американского клуба в Лос-Анджелесе и вообще стал «самым гордым русским в Голливуде», как выразился Роберт Крафт.

С наступлением в СССР общественно-политической «оттепели» сочинения Стравинского стали понемногу возвращаться в концертные залы и на театральную сцену. К концу 1950-х годов композитор мог уже различить в Советской России отдельные дружеские лица – пианистку М.В. Юдину, молодого дирижера И.И. Блажкова, – за ними угадывались многочисленные энтузиасты его музыки. Тем не менее, приглашение посетить СССР в год 80-летнего юбилея повергло Стравинского в смятение. Инициатива исходила от официального лица – первого секретаря Союза композиторов СССР Т.Н.Хренникова, приехавшего на фестиваль в Лос-Анджелес во главе группы советских музыкантов. По его свидетельству, Стравинский принял приглашение без колебаний. И почти сразу же начал сомневаться. Но в конце концов он все же решился ехать. 

60-летие приезда Стравинского на родину в 1962 году – тоже дата юбилейная. Теплый, «семейный» праздник для соотечественников гения. Обещания Хренникова оправдались – его принимали в Советском Союзе на высшем уровне, включая финальный прием у Н.С. Хрущева. Концерты в Москве и Ленинграде прошли с великим триумфом, Стравинского осаждали поклонники, старые знакомые, молодые композиторы с партитурами, художники с картинами, любители автографов. Племянница Ксения Юрьевна (дочь старшего брата, умершего в 1941 году), окружила его родственной заботой, и в ее доме он сумел на мгновение вернуться в детство, взглянув из окна на памятный Крюков канал. 

Судя по всему, впечатления Игоря Федоровича были разнообразными. Сопровождавший его К.С.Хачатурян описывает в дневнике колоритную сцену между Стравинским и тогдашним министром культуры СССР Екатериной Фурцевой (Игорь Федорович окрестил ее «Екатерина Третья»), которая упрекнула композитора в недружественных высказываниях о СССР. Стравинский не стал отрицать: «Да, я критически отношусь к каким-то вещам, которые мне не нравятся в России, но это моя родина, я имею право ее критиковать – как свою жену. Но если кто-то посторонний сделает ей замечание, я буду бить морду. Так что вы мне не делайте замечаний, мои отношения не с вами, а с моей родиной».

Дневник К.С. Хачатуряна сохранил и ответ на вопрос, почему Стравинский все же решился приехать «на Родину в гости». Именно эти слова он подчеркнул в письме, полученном от М.В.Юдиной, сопроводив их на полях комментарием: «Как странно – “в гости” на “Родину”. Это и есть наша трагедия, что мы на эту “Родину” можем быть приглашены лишь в гости…».

Но на встрече с молодыми композиторами в Ленинграде он говорил иначе: «Я решил приехать потому, что мне показалось, что мой приезд поможет сдвинуться вашему музыкальному искусству, которое – сейчас, возможно в меньшей уже степени, обращено к XIX веку. Это ужасно, это реакция – ведь русское искусство в первой половине столетия вырвалось в первые ряды… Мой приезд должен помочь музыкантам решительнее сдвинуться с мертвой точки. Я музыкант, и своей музыкой я хочу помочь вам в том, чтобы ваше творчество было обращено не в прошлое, а в будущее. В этом я вижу свою миссию, свой долг». Эти слова могут показаться слишком торжественными и даже непохожими на Стравинского. Но в России он говорил именно так – возвышенно и в то же время очень точно: 

«Я был рожден для музыки. Я посвятил ей всю свою жизнь. Словами о ней говорить невозможно. О музыке написано множество книг, но это ничего не значит, так как в ответ на них она молчит. Она выражает только то, что выражает…»

Профессор С.И. Савенко

К 200-летию со дня рождения писателя

№1 (1384), январь 2022 года

Во всем мире широко отмечают юбилей великого русского писателя – Фёдора Михайловича Достоевского. 11 ноября 2021 года исполнилось 200 лет со дня его рождения! Помимо выставок, конференций, множества юбилейных изданий, тематических экскурсий, практически везде в честь юбиляра проходят литературно-музыкальные вечера, рождая невольный вопрос: насколько близки друг другу Достоевский и музыка?

Жизнь Фёдора Михайловича не напрямую, но безотрывно связана с музыкальным искусством. Он был необычайно музыкален! Достаточно вспомнить «Неточку Незванову» или незабываемого шарманщика в «Преступлении и наказании», композицию Лямшина из «Бесов» или музыку Тришатова из «Подростка»… Но не только на страницах романов, но и в самой жизни Достоевский был очень тонко чувствующим музыку человеком. В дневниках Достоевского, в воспоминаниях его жены часто встречаются имена композиторов, наиболее любимых писателем – Моцарта и Бетховена. Он также выделял Россини (особенно Stabat Mater), Верди, Мендельсона… «А кстати: как смотрите Вы на музыку? Как на наслаждение или как на необходимость положительную? По-моему, это тот же язык, но высказывающий то, что сознание еще не одолело…» – напишет Фёдор Михайлович Тургеневу в 1863 году.

Глубоко изучены музыкальность и полифоничность текстов Достоевского. «Подобно творцу симфоний, он <…> применил к роману метод, соответствующий тематическому и контрапунктическому развитию в музыке, – развитию, излучинами и превращениями которого композитор приводит нас к восприятию и психологическому переживанию целого произведения, как некоего единства» (В. Иванов). Об этом писали и М. Бахтин, А. Альшванг, А. Гозенпуд… Эта глубина, эта музыкальность текстов гения многократно сподвигнет композиторов разных стран вновь и вновь обращаться к творчеству Достоевского.

Несмотря на всю сложность перенесения прозы писателя на сцену музыкального театра, история музыки знает много и до сих пор известных, и ныне забытых опер по Достоевскому. В России это «Ёлка» В. Ребикова, «Игрок» С. Прокофьева, «Бедные люди» Г. Седельникова, «Белые ночи» Ю. Буцко, «Братья Карамазовы» А. Холминова, «Идиот» М. Вайнберга, «Преступление и наказание» Э. Артемьева, «Н.Ф.Б.» В. Кобекина. А за рубежом – «Белые ночи» Л. Кортезе, «Преступление и наказание» А. Педролло, «Раскольников» Г. Зутермейстера, «Белые ночи» Ф. Маннино, «Из мёртвого дома» Л. Яначека, и много других сочинений.

Музыка окружала писателя с раннего детства. Мать писателя, Мария Фёдоровна (урожденная Нечаева), была необыкновенно музыкально одарена, и часто в доме Достоевских проходили вечера семейного музицирования. Народную музыку маленький Федя впитывал из песен няни, а летом, в любимом Даровом, заслушивался напевами крестьян. В каторжные годы уже совсем другая народная музыка– арестантская, – ворвется в духовный мир Достоевского.

Одно из выразительнейших упоминаний об этом находим в Одиннадцатой главе «Записок из Мёртвого дома»: «Вот заиграл оркестр… <…> В самых плясовых местах балалаечники ударяли костями пальцев о деку балалайки; тон, вкус, исполнение, обращение с инструментами, характер передачи мотива – все было свое, оригинальное, арестантское. <…> Что же касается до бубна, то он просто делал чудеса: то завертится на пальце, то большим пальцем проведут по его коже, то слышатся частые, звонкие и однообразные удары, то вдруг этот сильный, отчетливый звук как бы рассыпается горохом на бесчисленное число маленьких, дребезжащих и шушуркающих звуков. Наконец, появились еще две гармонии. Честное слово, я до тех пор не имел понятия о том, что можно сделать из простых, простонародных инструментов; согласие звуков, сыгранность, а главное, дух, характер понятия и передачи самой сущности мотива были просто удивительные. Я в первый раз понял тогда совершенно, что именно есть бесконечно разгульного и удалого в разгульных и удалых русских плясовых песнях».

После яркого литературного дебюта (в 1846 году опубликован роман «Бедные люди») перед молодым писателем распахиваются двери светских салонов. Достоевский часто бывает на музыкальных вечерах у Владимира Одоевского, Владимира Сологуба, Михаила Виельгорского. В 1840-х годах он не только становится завсегдатаем петербургских театров, но и не пропускает почти ни одного значимого концерта того времени, а на столичной сцене выступали Ф. Лист и Г. Берлиоз, скрипачи Г. Эрнст и У. Булль, кларнетист А. Блаза, тенор Дж. Рубини.

Да и позже, уже после перенесенных испытаний, в круг знакомств Достоевского всегда входили музыканты – достаточно назвать К.Н. Лядова, А.Г. Рубинштейна, К.П. Вильбоа, А.Н. Серова. А накануне ареста в жизни Фёдора Михайловича происходит встреча с Михаилом Ивановичем Глинкой, оставившая в его душе глубокий след на всю жизнь. Музыка Глинки не раз зазвучит на страницах прозы Достоевского – и как тут не вспомнить «Камаринскую» в «Селе Степанчикове», в «Записках из Мёртвого дома» в исполнении все того же арестантского оркестра!

Достоевский был горячим поклонником Глинки, особенно любил «Руслана и Людмилу». Весной 1849 года на вечере у петрашевцев А. Пальма и С. Дурова Фёдор Михайлович слушал романсы и арии в исполнении самого композитора. Романс Глинки «К ней», который произвел, по воспоминаниям жены писателя, на Достоевского «поразительное впечатление», мы услышим двадцать лет спустя на страницах повести «Вечный муж»: «…Вельчанинов помнил чрезвычайное впечатление, произведенное тогда именно этим романсом. Какой-нибудь искусник, салонный певец, никогда бы не достиг такого эффекта. В этом романсе напряжение страсти идет, возвышаясь и увеличиваясь с каждым стихом, с каждым словом; именно от силы этого необычайного напряжения малейшая фальшь, малейшая утрировка и неправда, которые так легко сходят с рук в опере, – тут погубили и исказили бы весь смысл. Чтобы пропеть эту маленькую, но необыкновенную вещицу, нужна была непременно – правда, непременно настоящее, полное вдохновение, настоящая страсть или полное поэтическое ее усвоение. Иначе романс не только совсем бы не удался, но мог даже показаться безобразным и чуть ли не каким-то бесстыдным: невозможно было бы выказать такую силу напряжения страстного чувства, не возбудив отвращения, а правда и простодушие спасали все».

А вот с основателем Московской консерватории Николаем Григорьевичем Рубинштейном Достоевский познакомился лично лишь в 1880 году, в преддверии Пушкинского праздника, на званном обеде в свою честь. На следующий день писатель подробно рассказывал о торжестве в письме жене: «Было 4 профессора университета, один директор гимназии Поливанов (друг фамилии Пушкиных), Иван Сергеевич Аксаков, Николай Аксаков, Николай Рубинштейн (московский) и проч. и проч. <…>. Сказано было мне (с вставанием с места) 6 речей, иные очень длинные. Говорили Юрьев, оба Аксаковы, 3 профессора, Николай Рубинштейн <…>. Затем бесконечное число тостов, причем все вставали и подходили со мной чокаться». И в конце Фёдор Михайлович упоминает: «Доехал к Машеньке Ивановой и рассказал ей, что обедал с Рубинштейном, была восхищена…». «Машенька» – племянница писателя Мария Александровна Иванова, нить, связавшая род Достоевских и Московскую консерваторию. Дочь любимой сестры Достоевского Веры Михайловны была талантливой пианисткой, выпускницей Консерватории и ученицей Н.Г. Рубинштейна. Фёдор Михайлович очень любил слушать ее игру.

Летом 1866 года, когда юная Мария готовилась к поступлению в Консерваторию, Достоевский гостил в Люблине у сестры на даче. По просьбе племянницы писатель составил необходимое прошение для поступления, но сперва решил пошутить, и передал девушке листок… со стихами. Много лет спустя Мария Александровна воспроизведет это стихотворение по памяти:

С весны еще затеяно

Мне в консерваторию поступить

К Николке Рубинштейну,

Чтоб музыку учить.

Сие мое прошение

Прошу я вас принять

И в том уведомление

Немедленно прислать.

В роду Достоевских музыкальный дар, как и литературный, передается из поколения в поколение. Племянники Достоевского Фёдор Михайлович-младший, Мария Михайловна (дети брата Михаила) учились у А.Г. Рубинштейна, а Фёдор Михайлович-младший впоследствии занял видное положение в музыкальном мире, став директором Саратовского отделения Русского музыкального общества; его дочь Татьяна Фёдоровна также была пианисткой, училась в Петербургской консерватории у Л.В. Николаева.

Но и сегодня музыка по-прежнему живет в семье Достоевских. Праправнук писателя Алексей Достоевский и его жена Наталья – участники легендарной Санкт-Петербургской андеграундной рок-группы «Птица Си»; все их дети учились в музыкальной школе – Анна, старшая, закончила по классу флейты, Мария училась на виолончели и домре, Фёдор осваивает ударные инструменты, а Вера закончила Санкт-Петербургское музыкальное училище им. Н.А. Римского-Корсакова и продолжает обучение по классу домры в Санкт-Петербургском институте культуры.

Известный публицист Ю.Ф. Карякин (1930–2011), писатель, философ, крупный исследователь творчества Ф.М. Достоевского напишет в книге «Достоевский и Апокалипсис»: «Много и хорошо написано об отношении Достоевского к музыке и почти ничего о музыкальности самого Достоевского». Его музыкальность – на страницах его книг!

Ольга Ординарцева, выпускница МГК (2014), член Международного общества Достоевского

Фото из личного архива

№9 (1383), декабрь 2021 года

17 ноября 2021 года на сцене Рахманиновского зала Московской консерватории состоялась постановка оперы-водевиля на весьма актуальную тему – «Карантин»! Изящный, искрящийся весельем шедевр А.Н. Верстовского увидел сцену благодаря проекту «Возрождение русской оперной классики», который уже несколько лет с большим успехом проводит кафедра истории русской музыки.

Обширная просветительская деятельность всегда отличала педагогов этой кафедры. Эти традиции сегодня развивает ее заведующая, доктор искусствоведения, профессор Ирина Арнольдовна Скворцова. Под ее руководством и возник уникальный проект «Возрождение русской оперной классики», направленный на воссоздание забытых опер русских композиторов. И сама идея, и выбор жанра необычайно актуальны: интерес к сочинениям прошлого сегодня высок, а опера остается одним из основополагающих жанров русской музыки, о чем неоднократно писали величайшие русские композиторы. «Опера, и именно только опера, сближает вас с людьми, роднит вашу музыку с настоящей публикой, делает вас достоянием не только отдельных маленьких кружков, но при благоприятных условиях – всего народа», – отмечал П.И. Чайковский.

Идея проекта «Возрождение русской оперной классики» возникла в 2016 году, во время подготовки к празднованию 150-летнего юбилея Консерватории. Сначала были поставлены два интереснейших образца русского классицизма: в 2016 году публика смогла услышать мелодраму Е.И. Фомина «Орфей», а год спустя на сцене Рахманиновского зала МГК была исполнена опера Д.С. Бортнянского «Сын-соперник» – она была воссоздана к 230-летию с момента ее первого исполнения. Постепенно временные границы проекта расширялись: в 2019 году его создатели обратились к музыке эпохи модерн, представив камерный шедевр А.С. Аренского – оперу «Рафаэль». В этот раз в рамках «Возрождения русской оперной классики» прозвучала музыка современника М.И. Глинки. Постановка водевиля А.Н. Верстовского стала приношением к 155-летию Московской консерватории.

А.Н. Верстовский (1799–1862) – одна из интереснейших личностей в русской музыке XIX столетия. Композитор, общественный деятель, он не только написал более 30 водевилей, став, по словам А.Н. Серова, создателем «своеобразного кодекса водевильной музыки», но и сочинил 6 опер, множество романсов. На протяжении 35 лет Верстовский руководил единой оперно-драматической труппой Большого и Малого театров, решая как репертуарные, так и административные вопросы. Современники называли эти годы «эпохой Верстовского». «Аскольдова могила» – наиболее популярная из опер композитора, один из лучших образцов русского романтизма, многократно ставилась на протяжении всего XIX века, а многие романсы Верстовского вошли в репертуар знаменитых русских певцов. «Одушевлённой жизнию сильного таланта» называл музыку Верстовского В.Г. Белинский.

«Карантин» – второй водевиль Верстовского, написанный вслед за «Бабушкиными попугаями». На момент его создания композитору был всего 21 год! В музыке водевиля проявились лучшие качества его театральных сочинений: изящество, грациозность, обилие ярких тем, мгновенно остающихся в памяти слушателей. Фабула либретто, написанного Н.И. Хмельницким, довольно проста: в центре ее – взаимоотношения двух влюбленных. Фоном для веселого действия становится чумной карантин, а действующие лица – вполне типичные для этого жанра «маски» – юная пара, суровый отец, незадачливый отвергнутый поклонник. Для каждого из них композитор создает красочную и остроумную характеристику: именно музыка поэтизирует незатейливый бытовой сюжет.

Как и все проекты «Возрождения оперной классики», постановка «Карантина» создавалась в содружестве научных и творческих сил Московской консерватории. Координаторы проекта, под руководством И.А. Скворцовой, проделали огромную работу по подготовке нотного материала – в частности, подбору увертюры, отсутствовавшей в оригинальной партитуре, – и адаптации литературного текста.

По традиции, в постановке приняли участие консерваторские коллективы: Камерный оркестр под руководством Народного артиста РФ Ф.П. Коробова и Камерный хор, художественный руководитель – профессор А.В. Соловьёв. Звучание оркестра отличалось выразительностью и вниманием ко всем нюансам партитуры, а хористы порадовали не только качеством исполнения, но и актерской игрой: их внезапное появление из зала несомненно оживило действие.

Большим мастерством отличалось пение солистов: Анастасии Белуковой (Ленушка), Екатерины Лукаш (Арбатова), Анджея Белецкого (Клиникус), Александра Попова (Мовша), Дмитрия Никанорова (Стрельский), Станислава Ли (Шляхтинский). Артистизм и обаяние, с которым они исполняли водевильные куплеты, не оставили равнодушными никого из публики. Украшением постановки стали и ее гости – актеры театра «Сатирикон»: Ульяна Лисицина (Ленушка), Елена Голякова (Арбатова), Константин Новичков (Стрелецкий), Никита Григорьев (Шляхтинский), Ярослав Медведев (Мовша), Илья Рогов (Клиникус). Присущая их игре яркая броская манера оказалась вполне в духе водевильного жанра и подчеркивала остроумие положений, придуманных либреттистом.

Среди режиссерских находок – игра с пространством: прекрасные интерьеры Рахманиновского зала превращались то в сад дворянской усадьбы, то в огороженный лентой (забавная отсылка к современности!) карантинный двор. Мгновенная смена декораций происходила благодаря огромному мультимедийному экрану, размещенному по всей ширине сцены, что придавало спектаклю живость и динамичность.

Актуальная тема, прекрасная музыка Верстовского и мастерство исполнителей способствовали тому, что «Карантин» имел огромный успех. Мы надеемся, что важнейшая просветительская работа кафедры истории русской музыки будет продолжаться, и ее проект «Возрождение русской оперной классики» еще не раз порадует слушателей выдающимися сочинениями русских композиторов.

Профессор Е.Б. Долинская

Фото Дениса Рылова

№8 (1382), ноябрь 2021 года

С 11 по 15 октября 2021 года в Московской консерватории прошел XVII Международный фестиваль современной музыки «МОСКОВСКИЙ ФОРУМ». Он был посвящен музыкальному творчеству нового времени и имел многообещающее программное название – «ПРИЗРАК БУДУЩЕГО».

Ничто в мире не стареет так быстро, как то, что называется «новым». Фестиваль современной музыки «Московский форум» мы проводим с 1994 года, и на протяжении последней четверти века само понимание «нового» существенно изменилось. В начале 1990-х многое из глубокой классики ХХ века оставалось у нас неизвестным даже профессионалам. Это была еще доинтернетная эпоха и компакт диски с записями современной музыки, как и партитуры, приходилось привозить из-за рубежа. А сочинения крупных отечественных композиторов-шестидесятников, как и музыка русского авангарда 1910–1930-х годов стали свободно исполняться лишь к концу «Перестройки». В первое десятилетие Новой России все это еще оставалось для нас «новой музыкой».

Тогда, когда мы создавали фестиваль, первостепенной задачей было желание ликвидировать лакуны в наших знаниях и ввести современную российскую музыку в общемировой контекст. Первые «Форумы» представляли собой своего рода фестивали-диалоги российских музыкантов с музыкантами той или иной европейской страны – Германии, Франции, Италии, Австрии, Голландии… Мы приглашали ансамбль, который исполнял сочинения композиторов своей страны, а также нередко включал в программу и работы российских авторов. В свою очередь, наши музыканты, и прежде всего, базовый ансамбль фестиваля Студия новой музыки, представляли музыку российских композиторов с включением сочинений композиторов страны-партнера.

Несмотря на то, что в Москве 1990-х проводились и другие фестивали современной музыки, например, «Московская осень», представлявшая новые сочинения композиторов Москвы, или «Альтернатива», которая с начала 1990-х преобразовалась в важнейшую площадку для джаза и минимализма, наш «Форум» фактически стал первым российским фестивалем профессиональной современной музыки международного формата. Он быстро завоевал признание не только в России, но и за рубежом, о его международном признании свидетельствует уже список оркестров, выступавших на фестивале: Ensemble Modern, Klangforum Wien, Ensemble Orchestral Contemporain, Ensemble Recherche, Schoenberg Ensemble – ведущие коллективы мира, специализирующиеся на исполнении современной музыки.

K концу 2000-х ситуация с современной музыкой в Москве существенно изменилась. Сформировалась новая публика, выросло новое поколение интересных российских композиторов и исполнителей, стали более доступными записи и партитуры новых сочинений, современная музыка прочно вошла в учебные программы Консерватории, а концерты ансамбля Студия новой музыки стали неотъемлемой частью музыкального ландшафта Москвы.

Однако в условиях настоящего бума современного искусства в Москве 2010-х, музыка оставалась на положении бедной Золушки, не имевшей веского голоса в острых дискуссиях, разворачивавшихся вокруг театральных постановок, художественных выставок или при обсуждении новых литературных произведений. Наши замечательные музыканты «гордо уединились» в профессиональных башнях из слоновой кости, не желая спускаться в этот новый, бурлящий странными идеями, бренный мир и тем самым отдали вопросы развития музыки на откуп «племени младому, незнакомому». В свою очередь, и этот новый мир мало интересовался нашими профессиональными изысканиями, зато привносил в искусство ту живую жизненную материю, ту свежую кровь, без которой никакое развитие невозможно.

Преодоление этого культурного разрыва стало одной из задач «Форумов» последних лет. Мы радикально переосмыслили саму идею и формат фестиваля: название «Московский форум» осталось неизменным, но теперь это не фестивали-диалоги, а, как гласит наш новый подзаголовок, – пространство для новой музыки и эстетических дискуссий. Каждый концерт и фестиваль в целом имеют определенную актуальную тему, схватываемую уже в названии, а концерты состоят из трех отделений: музыка – дискуссия – музыка. Дискуссии проходят непосредственно на сцене Рахманиновского зала и в них принимают участие не только композиторы и исполнители, но и специально приглашенные известные философы, искусствоведы, художники. Вопреки первоначальным опасениям, жанр открытых дискуссий оказался очень востребованным – публика с удовольствием принимает самое активное участие в спорах сторон посредством прямого голосования с помощью личных гаджетов и специальной программы. Таким образом, обновленный «Форум» стал еще ближе к изначальному смыслу этого слова!

Прошедший фестиваль мы назвали «Призрак будущего». Парадоксальным является тот факт, что великие пророчества философов прошлого от «Государства» Платона до «Утопии» Томаса Мора, от «Града Божьего» Августина до «Манифеста коммунистической партии» Маркса и Энгельса, не говоря уже о многочисленных манифестах футуристов начала ХХ века – все они проникнуты торжеством идей слаженного миропорядка и гармонии. Но футурологические прогнозы наших дней полны тревог и сомнений: искусственный интеллект и экологический кризис, истощение ресурсов и демографические проблемы, вопросы постколониальной этики и новых субкультур – все это не находит какого-либо положительного разрешения в сегодняшней science fiction.

Наверное, многие традиционно воспитанные музыканты посчитают, что эти проблемы не имеют прямого отношения к музыке. Но большая часть сегодняшней творческой молодежи мыслит совершенно иначе! Они видят задачу актуального искусства именно в том, чтобы активно вторгаться в реальную жизнь, в, казалось бы, далекие от классического искусства темы и оказывать прямое воздействие на окружающий мир. Этим обусловлен и наш подход к программам фестиваля.

Пять вечеров прошедшего «Московского форума» – это попытка творческого осмысления музыкантами и философами некоторых вызовов нашего времени, это «футурологическое» исследование сложных, противоречивых процессов, получающих отражение в сегодняшнем музыкальном искусстве. Темы фестивальных концертов говорят сами за себя: FUTURO//LOGOS, ECO//LOGOS, SOCIO//LOGOS, COSMO//LOGOS и TECHO//LOGOS. Их различная проблематика объединяется идеей Логоса как единства абстрактной мысли и конкретного высказывания, слова. Этому же была посвящена и дневная конференция, и заседания уже третьего по счету Всероссийского семинара для музыкальных критиков и культурологов, который проводится на «Форуме» ведущими учеными-гуманитариями и журналистами нашей страны, куда традиционно приезжают слушатели со всей России.

Открытие и закрытие фестиваля совместно с артистами ансамбля Студия новой музыки провела обновленная команда Центра электроакустической музыки, направление работы которого не только связывает акустику с электроникой, но и традиционную концертную практику с новейшими перформативными форматами, а чисто музыкальное исполнительство со средствами мультимедиа. Этот «дигитальный поворот», определяющий сегодня принципиальные трансформации всех искусств и их качественно новое взаимодействие на основе различных цифровых платформ, предъявляет совершенно особые требования к художникам и артистам. Современному исполнителю необходимо не только иметь определенные технические навыки, но и в ответ на новые вызовы, необходимо приобретать разноплановые умения многопрофильного артиста, которым становится концертант новой формации.

В этих новых форматах концерт нередко перестает быть чисто акустическим событием: в мультимедийных проектах звуковое сливается с визуальным, импровизационное с нотированным, инструментальное с хореографическим. Исполненные на этих концертах мультимедиальные сочинения Н. Попова, А. Хубеева, А. Наджарова и С. Маковского вызвали горячую реакцию публики, а эффектнейшая пьеса Star Me Kitten А. Шуберта для голоса, ансамбля, электроники и видео в исполнении А. Верин-Галицкой была воспринята публикой как хит рок-концерта.

Слияние и взаимопереходы исполнительского жеста в звук, а звука в хореографическое движение продемонстрировал аудиовизуальный концерт-спектакль, подготовленный нашими французскими гостями – мультимедиальной группой LiSiLoG, поделившейся с Консерваторией своей технологией. Особо трепетным отношением к звуку отличалась программа, посвященная «экологической музыке», направлению, становящемуся сегодня все более заметным в разноголосом хоре актуального искусства. На этом концерте прозвучали две премьеры московских композиторов – «Мистические сумерки» для голоса и ударных Н. Прокопенко в исполнении Е. Кичигиной и Dvo_YE для басовой флейты и электроники А. Поспеловой в интерпретации М. Рубинштейн.

Резким эстетическим контрастом этому стал концерт SOCIO//LOGOS, своего рода творческое погружение в захлестнувшую сегодня искусство Европы тему социальной критики: от нескрываемой̆ иронии над самодовольством буржуа в немом фильме À propos de Nice с «живой̆ музыкой̆» Ф. Париса (2005) до горького надлома в инструментально-театральном сочинении Р. Рима Lenzin Moskau, в котором трагическая история немецкого поэта Я. Ленца становится символом одиночества и унижения творчески мыслящего человека. Российская перформативная команда Waldgang и композитор П. Поляков выразили свое видение пути к духовному в сегодняшнем мире через процесс переплавки металлических монет (в эквиваленте минимальному размеру оплаты труда) в церковный̆ колокол: от бренной материи к высотам духа! Очень русский взгляд…

Профессор В.Г. Тарнопольский, художественный руководитель фестиваля

Фото Дениса Рылова

№7 (1381), октябрь 2021 года

В череде событий к 155-летию Московской консерватории яркой акцией стал XVII Осенний хоровой фестиваль имени Б.Г. Тевлина. Уже сама цифра вызвала особые чувства – такие проекты-«долгожители» нечасто встречаются в нашей концертной жизни, и уже сам факт столь длительного существования является оценкой значимости и авторитетности фестиваля. В этом году он прошел под знаком 90-летия со дня рождения его основателя, народного артиста России, профессора Бориса Григорьевича Тевлина.

К концерту-открытию приурочили мемориальную выставку (сделанную силами Архива МГК), которая была развернута в фойе партера Большого зала Консерватории. И в антракте многие зрители не рванули в буфет, а пришли к стендам, чтобы послушать воспоминания и дискуссии о выдающемся музыканте и о той эпохе (вторая половина XX – начало XXI века), когда разворачивалась его деятельность. На фото с юбиляром: Валерий Гергиев, Мстислав Ростропович, Родион Щедрин, Майя Плисецкая, Александр Чайковский… Практически все великие артисты этого времени дружили, выступали, посвящали Тевлину свою музыку. Об этом рассказали художественный руководитель Фестиваля и преемник на посту главы Камерного хора Московской консерватории, профессор Александр Соловьёв, декан дирижерского факультета профессор Алексей Рудневский, композитор Ефрем Подгайц.

Многие авторитетные музыканты начинали свою карьеру с пения в хоре у Б.Г. Тевлина, как это было с Львом Конторовичем – ныне заведующим кафедрой хорового дирижирования МГК и руководителем коллектива «Мастера хорового пения». Именно им выпала честь дать старт Фестивалю в БЗК с программой, символично посвященной творчеству композиторов – выпускников Московской консерватории.

Л. Конторович выстроил музыкальный дискурс по хронологии, от С. Танеева, С. Рахманинова – к авторам советского времени (А. Флярковский, Р. Бойко, А. Шнитке), а затем и к нашим современникам – Р. Щедрину, В. Рубину, В. Агафонникову, В. Кикте, Е. Подгайцу. Сложность такого калейдоскопа в том, чтобы показать индивидуальность каждого автора, его образный мир. И хору под управлением Л. Конторовича это прекрасно удалось. Особо отметим интерпретации хора «Парус» В. Рубина, прозвучавшего как красочная поэма, композиций В. Кикты и, конечно, «К вам, павшие» Р. Щедрина, трактованного как погребальная молитва, обращенная персонально к каждому слушателю.

Преобладание музыки авторов наших дней стало отличительной чертой этого фестиваля, что также связано с личностью Б.Г. Тевлина, который в 2011 году инициировал создание отдельной кафедры современного хорового исполнительского искусства. Программы, подготовленные коллективами, показали, насколько интересен, разнообразен в стилистическом отношении мир современной музыки. Саратовский театр хоровой музыки под управлением Людмилы Лицовой обратил на себя внимание качеством и колоритом звучания – светлым, легким, но вместе с тем богатым на агогические нюансы. Отдав дань уже ушедшим композиторам – Р. Леденёву, Ю. Фалику, Д. Кривицкому – коллектив с азартом взялся за ноты, написанные в XXI веке. Разные техники, фактурные приемы, представленные в сочинениях С. Екимова, С. Нестеровой, Р. Имамутдинова, были не просто освоены, а осознаны, и потому новый язык оказался понятен и интересен и певцам, и публике.

Сергей Екимов не только фигурировал в фестивальных программах как автор музыки, но и сам принял участие как хоровой дирижер. Это отнюдь не первый приезд музыканта в Москву, но в этот раз – дебют в качестве художественного руководителя Хора студентов Санкт-Петербургской консерватории. Молодые артисты уверенно вступили на новую для них репертуарную территорию и показали, что она им по силам. Эффектно был исполнен сокровенный Хорал К. Бодрова, которым С. Екимов дирижировал из партера, драйвовая миниатюра «О светло-светлая» А. Танонова «завела» зал, а духовный пафос хора «О, Святый» из «Акафиста Александру Невскому» в авторском прочтении Екимова усилили поэтические строки К. Филипповой, прочитанные в жанре мелодекламации актером и ведущим фестиваля Петром Татарицким.

В том же концерте на сцену БЗК вышли детские коллективы, показавшие, какая замечательная смена подрастает и даже «наступает на пятки» взрослым. Детский хор «Весна» имени А.С. Пономарёва со своим руководителем, профессором Надеждой Авериной представил кантату «Весеннее преображение» В. Рубина. А Большой Детский хор имени В.С. Попова с Анатолием Кисляковым – цикл А. Вискова «Слободские песни» и фрагменты цикла «Земля моя златая» А. Пахмутовой.

Единственным «традиционным» произведением в фестивальной афише оказался «Реквием» Верди. Несколько выбиваясь из общей репертуарной концепции, он, тем не менее, вписался в ту линию, которая связана с демонстрацией хоровых сил. Дирижером Вячеславом Валеевым был собран огромный сводный хор, куда вошли студенты хора Московской консерватории, ГМПИ имени Ипполитова-Иванова, Камерный хор «Мирэа» Российского технологического университета, Камерный хор Lauda. Соединение молодежных, любительских и профессиональных коллективов – важная примета нашего времени, когда мастера передают опыт непосредственно, в живом творческом контакте.

Финалом осеннего марафона стало выступление хоров Московской консерватории. Хор студентов Московской консерватории под управлением Алексея Рудневского представил антологию советской хоровой классики: русские народные песни в обработках А. Свешникова, В. Калистратова, С. Жарова, опусы В. Гаврилина и Г. Свиридова.

Камерный хор МГК под управлением Александра Соловьёва показал премьеры авторов XXI века. Торжественная «Стихира» П. Корягина задала проникновенный настрой, подхваченный чудесной ажурной пьесой «Богородице, дево» Т. Шатковской. Исполнение «Притчи» Р. Щедрина продолжило поиски коллектива в сфере хорового театра. В предыдущем сезоне состоялась премьера «Пяти русских пословиц» этого композитора в сценической редакции с театральными мизансценами Н. Нижарадзе. В «Притче» на стихи Н. Глазкова («Обнаружили воровку, Что похитила веревку…») иронично-метафоричный подтекст был визуализирован, что подчеркнуло трагическую суть сочинения.

Центром программы Камерного хора МГК ожидаемо стал десятичастный цикл «Русский букет» Ефрема Подгайца. Его замысел вызревал постепенно: одну из частей (Элегия) исполнял Б.Г. Тевлин с Госхором имени Свешникова, а миниатюра «В минуты музыки», изначально написанная для хора a cappella в 2013 году, посвящена его памяти. Вместе с пианисткой Екатериной Мечетиной хор и солисты (Мария Челмакина, Валерия Мыльникова, Давид Посулихин, Денис Тепаев) создали галерею образов. Тут нашлось место и философским мыслям (знаменитое «Умом Россию не понять…»), и настроенческой лирике («День вечереет», «Как неразгаданная тайна…»), и романтическим мечтам («В минуты музыки»), и карнавальной иронии («Винная ягодка», «Сумерки», «Букет», «Смехачи»). В обзорной рецензии нет возможности остановиться подробно на каждой пьесе – это серьезная, интересно сделанная партитура, где все участники смогли показать себя во всем разнообразии творческих возможностей. Завершал отделение «Торжественный мотет в честь юбилея Московской консерватории»: автор, Кузьма Бодров, посвятил новый опус Камерному хору, и эта композиция, продолжающая принципы Глинки (повенчать фугу с русской песенностью) стала отличным завершением отделения.

«В 2021 году мы отмечаем юбилейный День рождения профессора, ставшего наставником для нескольких поколений хоровых дирижеров и сумевшего создать собственную Школу, основанную на базовых принципах высокого профессионального мастерства. Устремленность в будущее, воспитание воли через ежедневное «преодоление себя», бескомпромиссность к халтуре, скрупулезное следование авторскому тексту, требовательность к окружающим, начинающаяся опять же, с себя, строгое понимание иерархии и вертикали – это малая толика качеств, которые он взращивал в своих воспитанниках», – поделился воспоминаниями об Учителе художественный руководитель фестиваля, профессор А.В. Соловьёв. Эти характеристики применимы и к нынешнему составу Камерного хора, который на любом концерте показывает исключительно высокое качество исполнительского мастерства и вдохновенные интерпретации: эти музыканты и их нынешний руководитель умеют удивлять, очаровывать своим искусством.

Фестиваль стал значительным событием не только внутриконсерваторской жизни: благодаря трансляциям Телевидения Московской консерватории концерты увидел весь мир, и это также важнейшая задача проекта – показать, как прекрасно, как значительно хоровое искусство и артисты, которые его представляют.

Профессор Е.Д. Кривицкая

Фото Ирины Полярной

№6 (1380), сентябрь 2021 года

13 июля на сцене Севастопольского центра культуры и искусств состоялся концерт—открытие Первой молодежной музыкально-образовательной программы Московской консерватории в Крыму. В рамках концертного цикла «Молодые звезды Московской консерватории» перед севастопольской публикой выступили яркие исполнительские силы МГК. Символично, что отправной точкой проекта стал юбилейный год 155-летия Консерватории.

Консерватория славится бережным отношением к своим многолетним традициям. Вот уже более полувека в МГК существует практика проведения летних выездных студенческих лагерей, которые дарят незабываемые эмоции, позволяют студенческому коллективу сдружиться не только на годы учебы, но, зачастую, на всю жизнь. В 60-е годы это был лагерь в Пицунде, о котором, например, тепло вспоминают нынешние профессора, отдыхавшие там в студенческие годы. Вот уже 40 лет как консерваторцы стали постоянными гостями на калининградской земле: в курортном городке Светлогорск (до 1947 г. немецкий город Раушен) ежегодно проходил летний спортивно-оздоровительный лагерь, памятный многим поколениям студентов и педагогов.

Лагерь в Светлогорске был поистине местом притяжения. Здесь студенты не только принимали активное участие в спортивной программе (играли в футбол, волейбол, бадминтон, большой и настольный теннис; занимались плаванием), но и организовывали концерты в Органном зале и Музыкальной школе им. А. Гречанинова, и даже устраивали целые хоровые флешмобы. Проводились экскурсии на Куршскую косу – уникальный природный заповедник из списка ЮНЕСКО, а также в Калининград, Балтийск и Зеленоградск. Веселые светлогорские капустники пользовались огромным успехом у гостей санатория «Балтика», где традиционно останавливалась консерваторская делегация, особенно у иностранцев. Не одна семейная консерваторская пара создалась в этих поездках. Живая творческая атмосфера консерваторского лагеря нашла свое отражение в газете «Российский музыкант» (см. РМ, 2004, №5).

Пандемия коронавируса внесла коррективы во все направления консерваторской жизни и в марте администрация Консерватории с огромным сожалением узнала, что в этом году Светлогорск не сможет принять нашу делегацию. Получив совет ректора «не отчаиваться и искать варианты», творческая команда сотрудников и студентов МГК под руководством проректора В.А. Каткова провела большую подготовительную работу и остановилась на Севастополе. Город-герой показался консерваторцам очень близким по творческой атмосфере, энергетике, по своей искренней любви к традициям и глубокому поклонению памяти о его исторических подвигах и выдающихся жителях.

Действительно, в истории Севастополя и Московской консерватории есть много интересных точек соприкосновения. Так, автором музыки гимна «Легендарный Севастополь» является Вано Мурадели, воспитанник нашей Консерватории. Один из лучших драматических театров Севастополя назван именем наркома просвещения А.В. Луначарского, сыгравшего в истории Московской консерватории заметную роль. Великий русский певец Леонид Собинов, часто выступавший в Большом зале и живший рядом с Консерваторией, заведовал в Севастополе отделом народных искусств и даже предлагал создать Севастопольскую консерваторию. Наш выпускник композитор Е. Крылатов в творческом тандеме с поэтом И. Резником создали вдохновенную «Песню о Севастополе», в которой образ города предстал и в лирическом, и в патриотическом облике: «И над Россией, над всей Россией, плывёт наш город белым кораблём…»

В год 155-летия в Alma Mater возникла идея провести в Севастополе не просто оздоровительный лагерь, но включить спортивные мероприятия в масштабную культурно-просветительскую программу. В нее вошли концерт «Молодые звезды Московской консерватории» в Севастопольском центре культуры и искусств и серия мастер-классов педагогов МГК в Севастопольской музыкальной школе №1 им. Н.А. Римского-Корсакова. С учащимися четырех музыкальных школ Севастополя работали доц. Е.В. Семёнова (скрипка), доц. Я.А. Кабалевская (дисциплина «Слушание музыки»), преп. Ю.С. Куприянова (фортепиано), М.Г. Глазкова (практикум «Детское хоровое творчество»).

Концерт педагогов и студентов МГК стал настоящей «точкой золотого сечения» севастопольской поездки. В программе выступил преподаватель кафедры духовых инструментов Н.Л. Агеев (саксофон), искрометно исполнивший «Этюд в манере свинга» Гершвина и страстное танго из сюиты «Испания» Альбениса. Его студент А. Шипунов (кларнет) виртуозно и с блеском преподнес слушателям Фантазию на темы из оперы «Травиата» Верди в переложении Ловрельо. В исполнении Е.В. Семёновой на скрипкелегендарного итальянского мастера Франческо Руджери в сопровождении Ю. Куприяновой вдохновенно прозвучали «Лунный свет» Дебюсси и Прелюдия и Аллегро в стиле Пуньяни в обработке Крейслера, вызвавшие восторженные овации публики. Ансамбль в составе Н. Ждановой (альт), Е. Беляевой (виолончель) и И. Тагиевой (ф-но) с огромным успехом исполнили Фортепианное трио №4 Бетховена. Выпускница этого года Е. Карпова (ф-но) блестяще завершила концерт Фантазией из «Жар-птицы» Стравинского. Трогательным моментом вечера стал выход на сцену юных учеников, посещавших мастер-классы, чтобы поздравить своих педагогов цветами и рисунками.

Насыщенная просветительская программа дополнялась блестяще организованной экскурсионной. Консерваторская делегация посетила уникальные археологические раскопки древнего Херсонеса Таврического, единственного античного полиса Северного Причерноморья; проплыла на катере по Севастопольской бухте, где расположена база Военно-морского флота и высится памятник затопленным кораблям; поклонилась святыням в Инкерманском Свято-Климентовском пещерном монастыре; полюбовалась красотами Бахчисарая и знаменитых лавандовых полей.

От всей души благодарим за неоценимую помощь в организации всего мероприятия продюсера В. Дедюхина, директора туристического агентства «ИнвестТур» Н. Коломину, дирекцию Севастопольского центра культуры и искусств, администрацию Севастопольской музыкальной школы №1 им. Н.А. Римского-Корсакова и лично директора Т.А. Ким. И, конечно, во многом благодаря студенческому профкому и его руководителю А. Шумековой, в большом творческом коллективе удалось создать доброжелательную сплоченную атмосферу.

Концерту предшествовала пресс-конференция, в ходе которой глава Управления культуры Севастополя И.В. Романец выразила надежду, что сотрудничество культурных учреждений Севастополя и Московской консерватории будет продолжено. А на следующий день после концерта состоялся «круглый стол» с руководством ЦСКИ, Севастопольской музыкальной школы и художественным руководителем Севастопольского симфонического оркестра В.Н. Кимом, рассказавшем консерваторцам о насущных проблемах: недостаточной профессиональной подготовке в Севастополе солистов оркестра, особенно духовой группы, сложностях подготовки концертных программ с большим составом оркестра.

В ходе переговоров были достигнуты договоренности о проведении консерваторской музыкально-образовательной программы в следующем сезоне. Была выдвинута инициатива заключить Соглашение о сотрудничестве между Московской консерваторией и ЦСКИ, которую поддержал ректор Консерватории, проф. А.С. Соколов. Надеемся, что новую традицию ждет прекрасное будущее, ведь, по словам ректора, «развитие региональных концертных программ и популяризация отечественной музыкальной культуры в молодежной среде в настоящее время стоят в приоритете просветительской деятельности вуза».

Доцент Я.А. Кабалевская, исп. директор Молодежной музыкально-образовательной программы МГК в Крыму