№7 (1390), октябрь 2022 года

Цикл «Бетховен. Собрание фортепианных сочинений», посвященный юбилею Бетховена и исполненный профессором Р.А. Островским, 8 мая текущего года в Малом зале завершился долгой стоячей овацией. 

Масштабом замысла, глубиной и всеохватностью этот цикл не укладывается в ряд обычных музыкальных событий. В двенадцати концертах, проходивших на протяжении трех сезонов, было охвачено практически все фортепианное творчество Бетховена в его развитии и многообразии жанров. Кроме 32 сонат, бесспорно являющихся ядром цикла, прозвучали 13 вариационных циклов, значительное число миниатюр, среди которых несколько опусов «Багателей», множество танцев, рондо и других отдельных пьес, а также все четырехручные сочинения Бетховена, исполненные совместно с пианисткой Надеждой Рубаненко.

Исполнению бетховенских опусов предшествовали бесценные по своему содержанию и художественному воплощению словесные преамбулы, в которых Рувим Ааронович провел своих слушателей по основным вехам жизни Бетховена и его творческого пути: от детских сочинений до вершин позднего сонатного творчества, от развлекательных вариаций на темы из популярных опер, написанных на потребу дилетантов, до таких вершин фортепианного искусства как 33 Вариации на тему вальса Диабелли соч. 120.

Пройдя путь многогранного научного и исполнительского исследования, Рувим Ааронович вышел на новый уровень исполнительского постижения бетховенского творчества – абсолютного слияния с авторским материалом. Переработав все лучшие исполнительские и музыковедческие достижения бетховенианы последних трех столетий, выстроив и подготовив 12 уникальных по своей художественной значимости и невероятно масштабных по емкости программ, пианист проникает в «святая святых» бетховенского творческого процесса, на какой-то момент поднимаясь до соавторства, когда у слушателя остается впечатление сопричастности исполнителя творцу.

Фортепианный стиль Рувима Аароновича отличает ярчайшая исполнительская индивидуальность, артистическая свобода, не стесненная никакими заведомыми установками. Главной чертой исполнительского облика пианиста, как мне кажется, является стремление донести бетховенскую мысль в ее первозданности, избегая всевозможных исполнительских штампов. Эстетическая бескомпромиссность в выражении основной, ведущей мысли вызывает у слушателей ассоциации с образом автора. Не каждый исполнитель может себе позволить подобное перевоплощение: примени этот прием другой пианист, это могло бы вызвать неприятие публики. В нашем случае зал реагировал с восторгом за подаренные мгновения духовного парения. Облик исполнителя, его благоговейный трепет перед божеством автора, его чуткое вслушивание в душевные движения композитора – все вызывало у слушателя почтение и благодарность.

Яркой особенностью таланта Островского становится мастерство режиссерской драматургии: он способен передать разномасштабность взгляда – отдаленность и приближение явления, т.е. крупный план или любование филигранностью рассматриваемой хрупкой детали. Музыка и словесный комментарий находятся в особом соотношении. Природный артистизм и настоящее ораторское искусство позволяют Рувиму Аароновичу установить контакт с залом и, главное, посвятить слушателя в свое, личное отношение к автору и его музыке. Артист полон эмоций различного происхождения: его речь – это не музыковедческий анализ и не исполнительский комментарий, это полновесное авторское слово, неповторимое, обладающее точностью формулировок, силой эмоционального воздействия и выводящее публику на высокий, порой недостижимый для рядового слушателя уровень музыкального восприятия.

Опираясь на большое количество документальных свидетельств, Рувим Ааронович в своих преамбулах ставит исполняемые сочинения не только в исторический контекст, но и в контекст разнообразных человеческих коллизий. Здесь и истории многих посвящений, и любовные перипетии, и отношения с друзьями, меценатами, издателями, и многое другое. Как легко мы узнаем теперь имена людей, которым сочинение посвящено! А если вникнуть, как это делает артист, в сложную, порой неоднозначную историю таких посвящений, понимаешь, сколько загадок, порой неразгаданных, за ними скрывается…

На протяжении всех концертов Островскому удивительным образом удавалось сократить долгие годы, отделяющие нашу эпоху от бетховенской, максимально приблизить нас к творцу. Слушатель не просто знакомился с событиями, но переживал их, словно становясь их свидетелем и современником. Объясняется это очень просто: кроме артистического дара пианист обладает незаурядным писательским дарованием – именно писательским, потому что он знает законы и возможности нашего восприятия и учитывает их.

Цикл, исполненный Р.А. Островским, приковывает внимание не только своей масштабностью, он завораживает непостижимостью и духовностью услышанного, то есть теми высочайшими свойствами, утратой которых отмечено, к сожалению, наше время. После заключительных аккордов каждого очередного концерта неизменно возникал вопрос: неужели созданное и услышанное сегодня под силу человеку?! Рувим Ааронович позволил нам ощутить величие и могущество бетховенского наследия, исполнив высокую миссию – донести до нас духовное послание гения, обращенное к человечеству.

Профессор Е.П. Месснер

№7 (1390), октябрь 2022 года

12 сентября в Рахманиновском зале коллектив под руководством Леонида Лундстрема представил концерт «Великие квинтеты». Публике посчастливилось услышать одни из лучших образцов камерной музыки: два соль-минорных квинтета – струнный Моцарта и фортепианный – Танеева. Классицистский и позднеромантический.

Под квинтетом традиционно понимается произведение, рассчитанное на исполнение ансамблем из пяти инструментов. Два соль-минорных квинтета – Моцарта и Танеева – два представителя одного жанра, но из совершенно разных эпох. Однако созданные в 1787 году сочинение Моцарта и в 1911 году квинтет Танеева строятся практически одинаково: в качестве структурной модели взят как раз пример жанра эпохи венских классиков. Подобная схожесть как тональности, так и композиции объяснима: Сергей Иванович, как известно, чтил и зачастую обращался к образцам старых традиций. Как видим, коллектив подошел к выбору произведений ответственно.

В концерте приняли участие: создатель ансамбля Леонид Лундстрем (первая скрипка), Полина Лундстрем(вторая скрипка), Мария Воскресенская – виртуозная пианистка и спутница жизни Леонида Игоревича, Павел Федосеев и Дмитрий Усов (альты) и участник проекта «Лундстрем трио» Владимир Нор (виолончель). Коллег поддерживал еще один неизменный участник коллектива – скрипач Пётр Лундстрем. (Пётр недавно вернулся из Донецкой Народной Республики, куда возил гуманитарную помощь).

Все участники концерта проявили себя как прекрасные солисты и ансамблисты. Не лишая экспрессии, Моцарта исполнители выдержали в духе классицизма – тонко, ясно, как бы вполголоса. В далеком XVIII веке фортепиано, а, вернее, клавир, редко становился участником столь больших ансамблей (исключением в творчестве того же Моцарта стали два квинтета для клавира и духовых), и использование однородного состава, в данном случае – струнного, лишний раз отсылает слушателя к ставшему «прошлым» звучанию. Ансамблисты в моцартовском квинтете показали отличную слаженность и дали насладиться чистым звуком. Четкая артикуляция, виртуозные пассажи и лирическая выразительность привели слушателей в восторг: музыканты уже в конце первого отделения выходили кланяться дважды.

Во втором отделении на сцене появилась Мария Воскресенская, чья исполнительская манера отличается особым масштабом. Это дало поразительный эффект: отличающийся хоровой, несколько церковной акустикой Рахманиновский зал Консерватории наполнился романтическим, а в некоторых местах партитуры апофеозным звучанием. Здесь уже не было классицистской сдержанности и камерности – музыканты буквально гипнотизировали слушателя мощным и почти экспрессионистским звуком.

Несмотря на внешнюю схожесть, квинтет Танеева устроен сложнее, и поэтому музыкантам пришлось проявить умение правильно выстроить исполнение. Глобальная первая часть – Интродукция – уже претендует на звание самостоятельного произведения, завершающегося собственным мощнейшим «финалом». Ансамбль настолько хорошо слился в этом «финале» в эмоциональном экстазе, что слушатели уже готовы были подносить цветы. Но! Этот мощнейший «финал» – не финал. И удивительный, сильнейший эмоциональный подъем в конце первой части, характерный все-таки для окончания всего сочинения, несколько ослабил дальнейшее впечатление, отчего неискушенному слушателю, возможно, труднее давались последующие части.

Но это не умалило того весеннего настроения, которое удалось создать музыкантам (во многом благодаря Марии Воскресенской) в скерцо, написанном в духе Чайковского. В философской медленной части – вариациях на басовую тему – несмотря на всю экспрессию исполнители как будто вернулись в XVIII век, что отразилось в какой-то чистоте и строгости звучания. Стремительный, действенный финал возвратил к драматическому настроению первой и главной части, а гимническая кода, которую музыканты впоследствии исполнили на бис, вновь вдохновила и воодушевила слушателей на бурные аплодисменты.

Софья Игнатенко, студентка НКФ музыковедение

№5 (1388), май 2022 года

«…Арфу слышу я: ее волшебный звук, на розах дремлющий, согласьем тихоструйным…». Даже известные строки Гавриила Державина не способны в полной мере выразить впечатления от прошедшего 14 мая концерта в Малом зале Консерватории. Хотя действительно в зале звучала арфа, присутствовало таинственное волшебство звука и истинное согласие струн. Однако продолжить поэтические характеристики стоит словами «мастерство», «профессионализм», «высокая культура игры». В этот вечер играли воспитанники заслуженной артистки РФ, профессора Елены Николаевны Ильинской по случаю полувекового юбилея ее творческой деятельности.

Минувшие пятьдесят лет в судьбе Елены Ильинской отмечены разносторонней и продуктивной творческой работой. Игра в составе различных оркестров и сотрудничество со многими известными дирижерами (П. Коган, М. Плетнёв, В. Спиваков, В. Федосеев и др.), работа в жюри всевозможных конкурсов, проведение мастер-классов и открытых уроков, составление педагогического репертуара и создание учебно-методических программ, осуществление транскрипций для арфы соло и ансамблей. Казалось бы, только этот перечень выглядит весьма внушительным, но все же он далеко неполон. В профессиональной биографии арфистки совершенно особое значение уже давно обрела педагогическая деятельность, ставшая фактически делом всей жизни.

Еще в далеком 1971 году по рекомендации своего великого учителя Веры Дуловой Е. Ильинская начала преподавать в Центральной музыкальной школе, где год за годом оттачивала мастерство. Спустя время сфера педагогики расширилась, и вот уже несколько лет арфистка ведет собственный класс студентов и аспирантов в Московской консерватории. Сегодня ученики Елены Николаевны представляют уже несколько поколений профессиональных арфистов. Многие из них являются солистами ведущих оркестров страны, а кто-то по примеру своего педагога совмещает игру в оркестре с преподаванием в музыкальных школах.

В организации концертного вечера ощущалась профессиональная рука мастера и ее тонкий художественный вкус. Особенно стоит отметить интересную программу, раскрывающую огромную историческую панораму: от музыки барокко до современности. Практически все звучавшие произведения являются оригинальными и созданы специально для арфы. В этом большая удача Е. Ильинской, ведь далеко не всегда арфистам удается построить программу концерта исключительно из оригинальной музыки.

Романтически утонченно и изысканно прозвучала известная «Сицилиана с вариациями» Ж.М. Дамаза (исп. А. Уварова). Истинным философским откровением предстала Фантазия Л. Шпора (исп. Е. Ставцева). В программу вошли и широко популярные сочинения, как, например, Концерт Es—dur для арфы с оркестром Р. Глиэра (исп. М. Баблоян), его же Экспромт для арфы соло (исп. К. Курлович), а также малоизвестные опусы – «Вальс памяти Шопена» А. Санько (исп. Н. Семёнова). Сюита П. Чертока Around o’clock (исп. Э. Сабитова) дополнила концерт джазовыми ритмами, столь нечасто звучащими на арфе.

Приятным сюрпризом для слушателей были авторские транскрипции самой Е.Н. Ильинской. Так, студентки Е. Дворецкая и А. Уварова исполнили «Старое банджо» С. Качалина в переложении для двух арф. Выпускники прошлых лет и вовсе подготовили номер для редкого инструментального состава – трех арф (Т. Емельянова, Н. Куприянова, Е. Ставцева) и скрипки (С. Сухобрусов). Несомненным эксклюзивом вечера по праву можно назвать дуэт арфы и дудука. В ансамбле Е. Дворецкой и Э. Мирзояна прозвучало сочинение Х. Аветисяна «Цветущая вишня».

Исполнительский уровень воспитанников класса Е.Н. Ильинской свидетельствует о высокой подготовке и профессиональном мастерстве. Каждый номер концерта – это долгие годы упорных занятий, мучительные поиски истины в вопросах интерпретаций, отработка приемов звукоизвлечения, максимально точно отражающих замысел композитора и собственное видение, радости, разочарования, волнения и т.д. Во всем слышится участие педагога, его одинаково бережное отношение к каждому ученику. Вероятно, именно в этом и коренится основа педагогического стиля арфистки.

В заключении хочется пожелать Елене Николаевне многая лета и продолжения творческой работы во славу русской арфовой школы!

Александр Баранов, начальник Учебного отдела МГК

Фото Татьяны Курлович

№1 (1384), январь 2022 года

В декабре минуло 5 лет, как ушел Рафаэль Оганесович Багдасарян, и концерт класса кларнетистов Московской консерватории, прошедший 25 ноября в Рахманиновском зале, несомненно, можно считать вечером его памяти. Концерт был организован одним из его учеников – Н.Л. Агеевым, перенявшим класс Р.О. Багдасаряна. И хочется сказать несколько теплых слов в его адрес, понимая значение человеческого фактора, особенно в искусстве, при удачной реализации какой-либо творческой идеи.

Еще недавно, посещая отчетные концерты класса Рафаэля Оганесовича, мы слушали его учеников, отмечали наиболее эффектно исполненные произведения, удачно подобранную интересную программу, в том числе и его помощником Н.Л. Агеевым. Но кроме сольных выступлений, Николай Львович делал вместе с педагогом и транскрипции для ансамбля кларнетистов. Рассказывая о концертах кларнетистов класса Р.О. Багдасаряна, мы всегда их называли шоу, так как в заключение профессор к этому дню делал новую транскрипцию для ансамбля кларнетистов (участвовали все ученики его класса) и это было нечто (!), так как публика отпускала музыкантов со сцены только после третьего исполнения этого произведения для ансамбля. Это было традицией на протяжении многих лет, и слова благодарности за организацию и ведение недавнего концерта, которые легли на плечи Н.Л. Агеева, тоже говорят о продолжении сложившихся на кафедре традиций.

Выступление на концерте класса – это нередко открытие нового имени. Не обошлось без этого и на кларнетном концерте 25 ноября в Рахманиновском зале. Замечательная виртуозная игра в «Скерцо для кларнета и фортепиано» Олега Давыдова, исполненного Владимиром Ершовым (класс доцента М.И. Безносова), которому аккомпанировал автор, было тепло встречено публикой. Радует то, что репертуар кларнетистов пополняется не зарубежными опусами, а произведениями отечественных композиторов. Пожелаем молодому автору, услышавшему свою Музу в удивительном звучании кларнета, удачи в написании и более крупных форм.

Ученики класса доцента М.И. Безносова порадовали также в сольных выступлениях: Андраник Манусаджев при исполнении «Сонаты для кларнета соло» Тибериу Олаха показал возросшее исполнительское мастерство, а Антон Власов удачно исполнил «Концертино для кларнета и фортепиано» Жанин Рюфф. Музыкант, кстати, только что вернулся с Международного конкурса в Петрозаводске, где прошел три тура и удостоился высокого звания лауреата II премии, с чем его и поздравляем!

Замечательно выступили ученики класса преподавателя Н.А. Агеева: Нонна Липартелиани и Алексей Шипунов показали отличную технику в произведениях, входящих в золотую коллекцию кларнетного репертуара, а Роман Кузин в «Арлекине» для кларнета соло Луи Каузака сумел завести публику и вызвать бурю восторга у любителей кларнета.

Студенты класса старшего преподавателя Ю.Б. Бабия, а это Цюань Лоу и Юань Чени показали пример элегантности и культуры исполнения классических произведений для кларнета. Эрнест Алавердян покорил публику высокой исполнительской техникой и темпераментом в фантазии на темы из оперы Бизе «Кармен» для кларнета и фортепиано И. Бальдеру – П. Сарасате.

Класс профессора Е.А. Петрова всегда радует разнообразием форм и жанров. Исполнение Квинтета для кларнета, двух скрипок, альта и виолончели Моцарта вернуло нас в мир классической музыки: обаятельная мелодия в исполнении на кларнете Даниила Сердюкова под прозрачный и высококлассный аккомпанемент струнных инструментов дала очередной повод для восторга. Также как и Трио для кларнета, виолончели и фортепиано Брамса, в котором Эрик Мирзоян нашел золотую середину звучания кларнета в ансамбле.

Порадовали исполнительским мастерством София Хазиева в Сонате для кларнета и фортепиано Ф. Пуленка и Александр Карачевцев, исполнив Фантазию В. Гетмана на темы из оперы Н.А. Римского-Корсакова «Золотой петушок» для кларнета и фортепиано.

В заключение концерта прозвучала популярная и хорошо известная всем кларнетистам пьеса Б. Ковача «После Вас, мистер Гершвин» в исполнении Артёма Ваняна. В соответствии южному темпераменту и высокому мастерству исполнителя, она сорвала самые продолжительные аплодисменты у публики.

Отдельного восхищения достойны концертмейстеры класса кларнета МГК имени П.И. Чайковского. Александра Полякова радует нас не одно десятилетие своим высоким профессионализмом и той творческой атмосферой, которую она создает вокруг себя на сцене. Это достойно подражания и служит нашим молодым аккомпаниаторам примером концертмейстерского искусства.

Замечательный концерт дает повод еще раз сказать, что традиции, заложенные поколением наших педагогов не забыты, а продолжают существовать и развиваться даже в столь сложное время. Это позволяет говорить о сложившейся классической школе кларнета в России.

Профессор А.А. Бучнев, кандидат искусствоведения

№1 (1384), январь 2022 года

Музыкальная жизнь Москвы чрезвычайно насыщенна. Каждый день в концертных залах столицы звучат самые разнообразные вокальные и инструментальные сочинения: Баха, Бетховена, Моцарта, Шумана, Шопена, Чайковского, Рахманинова… Эта музыка многим знакома с детства, ее изучают в школах и училищах, ее исполняют как профессионалы, так и любители, она приводит в восторг, ею восхищаются. Но есть и другая музыка, менее известная современным слушателям, но не менее прекрасная — загадочный мир старинных церковных роспевов.

Для средневековых людей главным культурным событием было богослужение, и все свое вдохновение безымянные творцы вкладывали в литургические песнопения. Эти мелодии высоко ценились, их называли «сладкозвучными», «ангелогласными». Но в течение веков музыкальная мода менялась. Менялась и нотация. С развитием многоголосной музыки общеупотребительной становится пятилинейная круглая нотация, а вот старинная невменная забывается за ненадобностью. В результате богатый пласт древних напевов для большинства музыкантов сейчас недоступен, являясь достоянием лишь узкого круга знатоков старины. Тем ценнее такие исполнители. Они становятся буквально проводниками в звуковой мир Средневековья, помогая ощутить дух той эпохи, прикоснуться к ее традициям.

В России не так много коллективов, исполняющих старинную церковную музыку, и один из них сформировался у нас, в Московской консерватории. Это ансамбль «Асматикон» под руководством Анны Елисеевой при научно-творческом центре церковной музыки имени прот. Димитрия Разумовского. Коллектив уникален тем, что специализируется сразу на двух певческих традициях – византийской и древнерусской.

Свою исполнительскую деятельность ансамбль начал в 2010 году, и с тех пор каждый год несколько раз за сезон они радуют слушателей интересными тематическими концертами. Хотя ансамбль консерваторский, выступают они чаще всего не в концертных залах, а в храмах. Для древнего пения очень важно сакральное пространство, наиболее органично эти роспевы воспринимаются там, где они создавались исторически. В этот сезон ансамбль вошел с очень необычным проектом под названием «Псалмы в византийской и древнерусской изобразительной и певческой традициях».

Первый концерт цикла состоялся 7 ноября в храме св. мученицы Татианы при МГУ. В центре внимания были псалмы, тема чрезвычайно важная и интересная, ведь библейская книга Псалтырь – это основа основ всей церковной культуры. Не обходится без нее и православное богослужение, едва ли не большую часть которого занимают псалмы. Очень ярко представлены псалмы и в изобразительной традиции, ведь старинные рукописные книги как правило богато иллюстрировались. Исполнители попытались объединить эти два направления, дополнив мелос песнопений визуальным рядом. Это дало возможность посетителям концерта воспринимать древнее искусство в его синкретическом единстве.

Очень удачно была выстроена драматургия концерта: все отобранные псалмы пронизаны единой темой – восхваление Божьей милости. При этом ансамблю удалось задействовать самые разные жанры, основанные на псалмодии. Открывал программу киноник (причастный стих. – Д.Д.) на основе 111-го псалма «В память вечную да будет праведник» византийского роспева. Его пели в мелизматической редакции, выполненной мелургом XVII века Петром Берекетом.

Затем исполнители продемонстрировали торжественный калофонический дохи́ – великий прокимен (в литургической практике – стихи псалма, предваряющие чтение Священного Писания. – Д.Д.) на основе 113-го псалма «Бог наш на небеси и на земли» в редакции Хурмузия Хартофилакса. Для воссоздания литургической обстановки прокимен исполняли с канонархом (канонарх – человек, возглашающий тексты молитвословий, которые вслед за этим поет хор. – Д.Д.), как это обычно и бывает на службах.

Византийскую часть программы сменила древнерусская. Знаменный блок открылся очень интересным песнопением – 144-м псалмом. В богослужебной практике псалом этот исполнялся в монастырской традиции в так называемом «чине о панагии», когда после окончания Литургии братия попарно исходит из храма. Представленный напев уникален, так как демонстрирует уже не древнерусскую традицию, а более позднюю – старообрядческую. Составлен он был в Выговской старообрядческой обители. Необычен сам мелос псалма: это осмогласник, то есть при распевании текстовых строк безымянный создатель задействовал 8 гласов. Все богатство знаменного осмогласия запечатлелось в одном песнопении. В концертной практике ансамбля, да, и, вероятно, в концертной практике вообще, это было премьерное исполнение!

Контраст распевно-витиеватому 144-му псалму составил цикл псалмов «Хвалитных» (пс. 148–150). Вращательное мелодическое движение в диапазоне кварты сообщает им суровый архаический колорит. А в завершение концерта «Асматикон» представил выдающийся образец древнерусского безлинейного многоголосия – троестрочный великий прокимен с символическим текстом «Кто Бог велий, яко Бог наш? Ты еси Бог творяй чудеса».

«Но как не потеряться в этом многообразии незнакомой и непривычной музыки?» – спросите вы. Ансамбль предусмотрел эти опасения, а потому каждое их выступление сопровождалось историческими и аналитическими комментариями. На этот раз лекторы выступали в паре. Искусствовед Елена Виноградова подробно и увлекательно рассказала о книжных иллюстрациях, а музыковед-медиевист Ирина Старикова объяснила особенности византийского и древнерусского псалмопения.

Хотя это направление пока не очень популярно в России, ансамбль «Асматикон» уже имеет своих поклонников. Зрительские места (будь то храм или концертная площадка), как правило, не пустуют. Вот только консерваторцев среди посетителей практически нет. А ведь ансамбль – гордость нашей Alma mater. Остается надеяться, что в следующий раз, задумчиво изучая афиши концертов, какой-нибудь пытливый студент все же захочет погрузиться в сакральное пространство древнерусской и византийской музыки, и откроет для себя творчество ансамбля «Асматикон».

Дарья Дацкая, IV курс НКФ, музыковедение

№8 (1382), ноябрь 2021 года

В ряду событий в честь 155-летия Московской консерватории в Малом зале состоялся интересный концерт: 17 октября Молодежный камерный хор Москвы представил программу, включившую имена выдающихся музыкантов, связанных с историей нашего вуза. Это – Вельо Тормис (1930–2017), ученик В.Я. Шебалина, один из ярких деятелей эстонской музыкальной культуры, Николай Сидельников (1930–1992), много лет преподававший на кафедре композиции, воспитавший плеяду блестящих учеников и Юрий Буцко (1938–2015), у которого в классе инструментовки многие годы обучались музыковеды и композиторы.

Программа включала произведения, созданные давно и редко исполняемые. Это «Осенние пейзажи» из цикла миниатюр «Картинки природы» Тормиса, посвященные Ю.А. Фортунатову – у него  композитор обучался инструментовке. Части из кантаты Сидельникова «Сокровенны разговоры» на народные тексты – свое сочинение автор посвятил Б.И. Куликову, в те годы ректору Московской консерватории, много лет обучавшему хоровых дирижеров.  Во втором отделении прозвучала  кантата №3 Буцко «Свадебные песни» на народные слова, посвященная К.Б. Птице, выдающемуся мастеру хорового дела.

Московский молодежный камерный хор существует с 2017 года, он объединяет студентов разных вузов – Московской консерватории, РАМ им. Гнесиных, АХИ им. В.С. Попова. Хор, существующий исключительно на энтузиазме молодых хористов, активно выступает на многих концертных площадках. В его репертуаре – произведения разных эпох и жанров,  от русской духовной музыки до самой современной. Дирижер и художественный руководитель хора – Михаил Кудрявцев, недавний выпускник нашей Консерватории, лауреат Всероссийских и международных конкурсов.

«Историческая» программа прошедшего концерта, сопровождаемая стендами с фотоматериалами – инициатива художественного руководителя. Как и выбор самих сочинений — все прозвучавшие произведения, написаны в сложной современной технике, хоровые партитуры изобилуют хроматикой, многослойными divisi партий, искусными полифоническими приемами.

Миниатюры Тормиса поразили разнообразием звукописных красок – сонорные «облака» чередовались с многозвучными кластерами, пейзажные зарисовки предстали в контрастах образов и настроений. Хористы с завидной свободой преподнесли публике эти поэтичные картинки, звучавшие как выразительные образчики хорового импрессионизма.

Кантата Н.Н. Сидельникова – выдающийся пример так называемого «неофольклоризма»: прозаические народные тексты озвучены композитором в манере, максимально близкой фольклору с его имровизационностью, свободным речевым интонированием, раскованностью метроритма. Говорная манера пения, пронизанная попевками русского склада, обильно приправлена хроматикой, а также современными ритмами эстрадно-джазового характера. Хору удалось передать печальную и, в то же время, не лишенную юмора неповторимую интонацию замечательного опуса Сидельникова.

Кантата Ю.М. Буцко – масштабный опус, воссоздающий атмосферу русского свадебного обряда. Она прозвучала в редакции 1995 года  для хора, солистки, двух роялей и ударных. Партию сопрано исполнила Яна Федорова. Два фортепиано блистательно представили лауреаты международных конкурсов Павел Замула и Наталья Осинцева, на ударных выступила Мария Захаркина.

Музыка кантаты Буцко перекликается со «Свадебкой» Стравинского, не только в жанровых чертах обряда, но и в стилистических средствах. Попевочный склад мелодики, «остраненной» вкраплениями хроматики, подчеркнутая экспрессия интонаций плача, ритмические перебои, прихотливая акцентность, а также само тембровое решение инструментального  сопровождения – все это живо напоминает знаменитый  опус Стравинского. Написанная молодым Буцко кантата поражает мастерством, интересным драматургическим воплощением замысла. «Свадебные песни» требуют от исполнителей  чувства ансамбля хорового и  «оркестрового» пластов, точного и выразительного дирижерского жеста. Все это в полной мере исполнители смогли донести до слушателей.

Концерт имел большой и заслуженный успех. Несмотря на дневное время и «ковидные» ограничения, в зале собралось немалое количество публики. Хочется пожелать перспективному молодому коллективу и его руководителю дальнейших достижений, интересных творческих «задумок» и их воплощения не только на почве энтузиазма, но и на заслуженной «материальной» основе.

Профессор Г.В. Григорьева

№8 (1382), ноябрь 2021 года

25 сентября 2021 года исполнилось 115 лет со Дня рождения выдающегося русского композитора XX века – Дмитрия Дмитриевича Шостаковича. В числе сравнительно небольшого количества организованных в стенах Консерватории концертов, связанных с этой знаменательной датой, особенно выделялись два, прошедших в один юбилейный день: выступление «Рубинштейн-трио» днем в Рахманиновском зале и вечерний концерт в Малом зале Государственного квартета имени А.П. Бородина.

Концерту «Рубинштейн-трио» предшествовало несколько юбилейных мероприятий, инициатором которых выступила доцент кафедры истории русской музыки Я.А. Кабалевская. Это организованная НМБТ имени С.И. Танеева выставка неизвестных широкой публике фотографий Шостаковича из семейного архива М.Д. Кабалевской, дочери известного композитора, и круглый стол в Конференц-зале с докладами профессоров Консерватории (И.А. Скворцова, Е.С. Власова и Е.Д. Кривицкая), представителей Студенческого научно-творческого общества (СНТО) нашей Alma mater, выступлениями генерального директора и главного редактора издательства DSCH (П.Э. Саватеев и В.А. Екимовский) и других гостей конференции (С.С. Мартьянова, М.Д. Кабалевская и М.А. Карачевская).

В первом отделении концерта ансамбль «Рубинштейн-трио» (Арина Зеленина, Владислав Алмакаев и Никита Каплунов; победители III Всероссийского музыкального конкурса в номинации «Камерные ансамбли») вниманию слушателей предложил два произведения: одночастное Трио до минор, соч. 8 – значительное по масштабам консерваторское произведение Шостаковича, сочиненное в 1923 году; и более позднее четырехчастное Трио ми минор, соч. 67, посвященное памяти самого близкого друга композитора Ивана Ивановича Соллертинского, скоропостижно скончавшегося 11 февраля 1943 года в эвакуации в Новосибирске.

Исполнение камерно-инструментальных ансамблей привело аудиторию в настоящий восторг. Заслуженные аплодисменты молодому и многообещающему коллективу были вызваны множеством различных факторов: как технических (гармоничная слаженность, «созвучность» ансамбля; умение исполнителей слушать и поддерживать друг друга, их стремление к созданию единого гармонично воздействующего на слух звукового поля); так и концептуальных (глубина вкладываемого в нотный текст смысла, естественно возникающие, переживаемые и передаваемые залу различные чувства, а также логичная интерпретационная канва).

Во втором отделении прозвучала Пятнадцатая симфония ля мажор, соч. 141 Шостаковича в авторизованном переложении для скрипки, виолончели, фортепиано и челесты c ударными, которое было создано в августе 1972 года В. Деревянко при участии М.И. Пекарского.

Четырехчастный цикл в исполнении «Рубинштейн-трио» и трех музыкантов-ударников (Мария Захаркина, Павел Бессонов и Александр Ситюк) был встречен публикой несколько более прохладно, чем предшествующие два трио. Думается, что причины тому были разные. Возможно, в представленной на суд публики интерпретации последней симфонии Шостаковича не было главного – концептуального единства в трактовке замысла этого крайне сложного и многообразного цикла. Кроме того, несмотря на высокое качество переложения и мастерство исполнителей, в полной мере невозможно передать богатство оркестровой палитры симфонии Шостаковича: как «оживить» при помощи небольшого ансамбля все используемые композитором тембровые краски?! Более того, во время прослушивания и по мере приближения к завершению то и дело возникало ощущение, что исполнители просто-напросто утомились…

Празднование юбилея продолжилось вечером в Малом зале, где состоялся концерт Государственного квартета имени А.П. Бородина (Николай Саченко – первая скрипка, Сергей Ломовский – вторая скрипка, Игорь Найдин – альт, Владимир Бальшин – виолончель). Известно, что Квартет имени Бородина связан с Шостаковичем особыми творческими узами. При жизни композитора этот коллектив с ним сотрудничал, музыканты неоднократно записывали полный цикл из пятнадцати квартетов Шостаковича, и эти записи снискали себе репутацию эталонных.

Выбор программы был безусловно удачен. Наряду с двумя квартетами Шостаковича в тот вечер прозвучал, открывая программу, и один из квартетов старшего современника Дмитрия Дмитриевича – Николая Яковлевича Мясковского (140-летие со дня рождения которого музыкальный мир также празднует в этом году). Квартет имени Бородина – один из немногих коллективов, в чьем репертуаре постоянно присутствуют сочинения Мясковского. Патриарха советской музыки вообще играют сравнительно редко, что кажется совершенно незаслуженным. Артисты, берущие на себя роль популяризаторов творчества великого автора русской музыки XX века, несомненно, вызывают уважение.

В день рождения Шостаковича были представлены его сочинения, временная дистанция между которыми – тридцать лет. Первый квартет до мажор, соч. 49 был написан в 1938 году; Двенадцатый ре-бемоль мажор, соч. 133 – в 1968-м. К моменту обращения к этому жанру Шостакович – уже известный композитор, перу которого принадлежат две оперы, три балета, пять симфоний, фортепианный концерт и множество других произведений. В 1968-м – прославленный на весь мир автор Седьмой и Одиннадцатой симфоний, человек и художник, за плечами которого тяжелые события середины XX века.

Двенадцатый квартет Шостакович посвятил Дмитрию Михайловичу Цыганову, исполнителю первой скрипки еще одного знаменитого коллектива – Квартета имени Бетховена, осуществившего почти все премьерные исполнения струнных квартетов композитора. И в этот вечер качество исполнения Двенадцатого квартета было высоким, хотя выступавшим не вполне удалось добиться необходимого единства в двухчастном цикле: после великолепно исполненного Moderato, Allegretto произвело впечатление чего-то разрозненного и рыхлого. В остальном же исполнение можно назвать близким к безупречному.

Однако хотелось бы обратить внимание на одну, пусть небольшую, но важную для всех концертных организаций деталь. Проблема нехватки компетентных ведущих приводит к тому, что на концертах нам часто приходится слышать малоинформативные и шаблонные комментарии, которые подчас вызывают недоумение неподобающе расставленными в подобных экзерсисах смысловыми акцентами, явно искажающими действительность. На концерте Квартета Бородина были странно прокомментированы великие даты – юбилеи Мясковского и Шостаковича: как бы между прочим, без должного внимания и пиетета, в контексте разговора о другом…

Публика, которой в Малом зале собралось немало, тепло приветствовала артистов. И юбилейный День рождения завершился красиво: на бис Квартет имени Бородина исполнил Прелюдию Шостаковича к фильму «Подруги» (1935), которая была создана автором на материале второй части его Первого квартета.

Иван Поршнев и Мария Тюрина, IV курс НКФ, музыковедение

№6 (1380), сентябрь 2021 года

Жанр концерта для сольных инструментов, до сих пор остается одним из самых популярных в музыкальном мире, и многие композиторы продолжают к нему обращаться. Именно здесь (даже больше, чем в сонате) форма музицирования по-прежнему проявляется ярче всего. И именно здесь есть возможность «проиллюстрировать» все художественные и технические возможности любого музыкального инструмента, даже тех, которые крайне редко используются в качестве сольных.

Дань этому жанру отдал непревзойденный ансамбль «Студия новой музыки» под управлением Игоря Дронова на концерте Il concerto dei concerti («Концерт концертов»). 14 мая 2021 года в Рахманиновском зале прозвучали сочинения композиторов разных стран: Дана Юхаса (Израиль), Мартайна Паддинга (Голландия), Клауса Хубера (Швейцария), Джачинто Шелси (Италия), Колена Роша (Франция).

Несмотря на то, что не все представленные сочинения носят название «концерт», признаки этого жанра были налицо в каждом из них. Открыло концерт сочинение Дана Юхаса Repercussions (2015) для валторны и камерного ансамбля в исполнении Сергея Крюковцева. Выпуклое и объемное соло валторны прекрасно контрастировало более зловещему звучанию ансамбля солистов. Технические возможности валторны отразились в многообразии, вплоть до игры в контрапункте с голосом. В диалоге, на котором строится все сочинение, проходит гамма разных настроенческих красок: угрюмых, суровых, холодноватых, задумчивых, игривых, тревожных, зловещих… Весь этот разнообразный спектр чувств был идеально передан ансамблем и солистом в тембровой мозаике сочинения.

Прозвучавший затем концерт для виолончели и ансамбля Last words (2010) Мартайна Паддинга ярко выделялся среди других сочинений программы своим ярким неоклассическим «привкусом». Об этом говорит уже и форма трехчастного цикла концерта, и фигурирующие там жанры (I – Preambulum, II – Aria, III – Foforlalana). Кроме того, здесь можно было услышать квазитональность и «размытые» классические гармонические обороты. Пасторальный «кукушечный» тембр синтезатора придавал сочинению особый волшебный колорит. А виртуозное соло Ольги Галочкиной раскрывало тембр виолончели со всех граней – от экспрессивной теплоты до тревожной и необъяснимой фантастичности.

Четырехчастный камерный концерт Intarsi для фортепиано и семнадцати инструментов (1993/1994) Клауса Хубера включает многие современные средства: микрохроматику, спектральные зоны, полиритмический «калейдоскоп». В последней части «Арабский сад» можно услышать арабский мугам. В то же время здесь нередко появлялись аллюзии на Моцарта, а временами встречалось мимолетное цитирование фрагмента из его последнего фортепианного концерта. «Жемчужные» трели и пассажи были переданы Моной Хабой как нельзя ярче, придавая музыке дух моцартовских медленных частей.

Не менее сильным было соло кларнета Никиты Агафонова во время исполнения трехчастного Kya для кларнета и ансамбля (1959) Джачинто Шелси, самого «старшего» сочинения в программе. Колористика микроинтервального соло в восточном духе, детальное чутье микронюансов в спектре тембра, а также яркое выделение мозаики тембровых линий делали сочинение образно картинным.

Завершила программу одночастная пьеса Колена Роша L’allumette consideree /dans son plus simple appareil (Спичка, наблюдаемая в своем простейшем устройстве) для контрабаса и ансамбля в исполнении Григория Кротенко. Во всей программе это единственное сочинение, где конкретная звукоизобразительность стала целью сочинения. Солист мастерски рисовал шумовые фигуры, имитирующие зажигание и затухание спички. Завороженно выглядели моменты вступления солистов ансамбля, натурально передающие гудящий огонь горячей серы.

По сути дела, мероприятие раскрывало слово «концерт» в широком смысле этого слова. Каждый солист как бы выходил на арену соревнования с целым ансамблем. И благодаря необычайному мастерству солистов, а также музыкантов ансамбля «Студия новой музыки» под непревзойденным руководством дирижера Игоря Дронова, эта атмосфера музыкального вечера была передана полноценно и великолепно.

Андрей Жданов, студент НКФ

№5 (1379), май 2021 года

Исполнение музыки национальных школ, организация концертов, связанных с конкретной страной, уже немало лет является одним из направлений и одной из традиций деятельности ансамбля «Студия новой музыки». Концерт «Три гения венгерской музыки» состоялся 18 марта текущего года в связи со знаменательным поводом: годовщинами, связанными с жизнью трех великих венгерских композиторов. Недавно Дьёрдь Куртаг (1926 г. р.) отметил свое 95-летие; исполнилось 140 лет со дня рождения Белы Бартока (1881–1945); приближается 15-летие со дня смерти Дьёрдя Лигети (1923–2006).

Музыка трех венгерских гениев не только сделала венгерскую музыкальную культуру общепризнанной во всем мире, но и оказала огромное влияние на творчество многих композиторов других стран в ХХ веке. Барток первым из венгерских авторов разрушил прежние ограниченные представления о венгерском фольклоре, замыкающиеся лишь на творчестве Листа, где народное искусство базировалось исключительно на городской культуре. Барток ушел в самую глубину народных музыкальных традиций и стал дерзко воплощать их в своей музыке. Он начал делать это даже раньше, чем Стравинский. Но, в отличие от последнего, Барток не стремился воссоздавать фольклорное наследие с гротескно-ироничным оттенком.

Лигети и Куртаг принадлежат уже следующему поколению, поколению послевоенного авангарда. Но у каждого из них по-своему проявился «отпечаток» стиля Бартока. У Лигети неистощимое многообразие сонорных масс, нередко превращающих партитуру в графическое полотно, исходит из стремления придать фактуре некое геометрическое свойство, что ранее проявилось в фугированной первой части Музыки для струнных ударных и челесты Бартока. Куртаг перенял от Бартока стремление к синтезу стилей. Обо всем этом интересно рассказали во вступительном слове художественный руководитель ансамбля «Студия новой музыки» Владимир Тарнопольский и композитор, музыковед Фёдор Софронов.

Программа концерта строилась на разного уровня стилистических взаимосвязях трех венгров. Структура первого отделения, скорее всего, была обусловлена противопоставлением миниатюризма Куртага и долгой широты Лигети. Открывший концерт камерный цикл Куртага Hommage a R. Sch. для кларнета, альта и фортепиано (по аналогии со «Сказочными повествованиями» Шумана) является типичным образцом, во-первых, веберновской краткости и лаконичности партитуры, а во-вторых, великолепного претворения ассоциаций (что тоже отсылает ко многим циклам шумановских миниатюр). В исполнении особо запомнилась последняя часть «Прощание» (маэстро Раро открывает Гийома де Машо), где синтез средневековой изоритмической техники, барочной пассакалии и квазисерийности театрально передан в духе фантасмагорического похоронного марша. Особенно выделялась партия альта с завораживающими тремоло, подобными «замогильному» ветру и грозные стучащие ритмы у фортепиано.

Иного рода ассоциации, связанные со старинными жанрами, возникают в следующем номере Дьёрдя Лигети – в трех пьесах для клавесина: «Венгерский рок» (чакона), «Венгерская пассакалия» и Continuum в исполнении Моны Хабы. В интерпретации чаконы исполнитель великолепно передал радостное и при этом гротескное настроение пьесы, обусловленное специальной настройкой инструмента, где терции почти превращались в натуральные. Особенно хорошо удались ловкие, «пружинистые» короткие гаммообразные фигуры на фоне ритма регтайма. Несмотря на внешнюю статичность сочинения, исполнитель умело наполнил музыкальное полотно разными красками. Исполнение пассакалии, напротив, было суровым, слегка суховатым, что обусловлено строгостью самого жанра. Continuum – пример сонорной техники в интерпретации для клавесина. Тревожный дух сочинения, передающийся в застывшей и одновременно подвижной сонорной полосе, был воплощен органично.

Завершавший первое отделение Камерный концерт для 13 инструментов (в исполнении ансамбля под управлением Игоря Дронова) резко контрастировал с предшествующими номерами, поскольку, по словам В.Г. Тарнопольского, «слуху здесь не за что уцепиться». Тут слушатель не отыщет никакой стилизации, никакого намека на ассоциацию. Это уже чистый образец техники Лигети, строящейся исключительно на разного рода кластерах, сквозь которые прорезаются короткие мелодические фразы, сливающиеся с общим звуковым массивом.

Второе отделение открывалось Четвертым квартетом Бартока вовсе не случайно: именно здесь слушатель мог почувствовать творческую связь классика с двумя младшими коллегами. В одном из самых популярных произведений композитора раскрывается фактически вся энциклопедия его стиля. Тут есть и бартоковская симметрия формы, и индивидуальное претворение 12-тоновости, и «варварские» диссонансы, своеобразная манипуляция с шестизвучиями, а также красочная имитация народных инструментов посредством бартоковских пиццикато. Все это музыканты струнного квартета (С. Малышев, И. Зильберман, А. Бурчик, О. Калинова) передали органично, с увлечением.

Стилевой репризой всего концерта явилась …quasi una fantasia Куртага для фортепиано и ансамбля – миниатюрный фортепианный концерт, где можно найти аллюзии на циклы венских классиков, в частности, Бетховена. Возможно, хорошо было бы, если бы в программе прозвучало еще одно сочинение Бартока, но, тем не менее, благодаря удачному подбору программы в целом публика смогла ощутить все разнообразие венгерской академической музыки ХХ века.

Андрей Жданов, студент НКФ, музыковедение

№3 (1368), март 2020

28 февраля в Рахманиновском зале состоялся концерт, посвященный 90-летию со дня рождения композитора Александра Ивановича Пирумова (1930-1995). Во вступительном слове проф. А.А. Кобляков рассказал о многогранном творчестве композитора, упомянул его замечательного педагога, композитора Д.Б. Кабалевского (ученика Н.Я. Мясковского), неоднократно отмечавшего талант А.И. Пирумова, и напомнил об его учениках, разбросанных по всему миру. Ведь профессор Пирумов проработал в Московской консерватории более 30 лет.

В первом отделении концерта прозвучали два фортепианных произведения, которые были обязательными в программах конкурсов имени П.И. Чайковского. «Прелюдию и токкату» (1962) в этот вечер блестяще сыграла Нина Шимкунас, палитра красок ее игры поразила. «Скерцо» (1974) прозвучало в исполнении Михаила Турпанова, его необыкновенная трактовка превзошла все ожидания. Он не только блестящий пианист, но и музыковед, который очень интересно рассказал о музыкальном строении произведения. М. Турпанов так же исполнил «Прелюдии и фуги» из полифонической тетради и сонату для скрипки и фортепиано с Елизаветой Кошкиной, которая хорошо справилась со сложнейшей технической задачей, предложенной этим интересным произведением. Завершала отделение хоровая музыка, увы, редко исполняемая: Четыре стихотворения на стихи Пушкина, Лермонтова, Гамзатова и Маяковского, а также «Дорога» из цикла «Письмена» на слова Расула Гамзатова. Хор звучал как единое целое в исполнении студентов ГМПИ имени М.М. Ипполитова-Иванова и вокально-хорового ансамбля «Логос» под управлением Владимира Красова.

Второе отделение началось с выступления внучки композитора – актрисы Софьи Торосян, которая сыграла пьесу из тетради «Сонатины для фортепьяно», посвященную ей дедушкой. Сколько нежности и лиризма было в ее исполнении! Она была и ведущей концерта. Следующим номером была «Ариэтта» из «Партиты», которую замечательно исполнили Араик Симонян (скрипка) и Софья Торосян (фортепиано).

Продолжили концерт великолепные музыканты: Петр Бобровский (1-я скрипка), Евгений Иков (2-я скрипка), Антон Хлынов (альт) и Максим Тарноруцкий (виолончель), исполнившие Четвертый квартет А. Пирумова. Ансамблисты виртуозно справились со сложным произведением, полным боли и лиризма.

А в завершение программы прозвучал великолепный Концерт для гобоя. Исполнивший его Михаил Чакрыгин позднее написал в соцсетях: «Открыл для себя чудесный Концерт для гобоя и камерного оркестра Александра Пирумова, который мне выпала честь исполнять на вечере памяти композитора! Хочу выразить огромную благодарность: Софье Торосян за доверие и предоставленную возможность; Илье Маркееву и студентам Московской консерватории за творческую инициативу; Алексею Сорокину за компьютерный набор партии гобоя; и всем тем, кто в тот вечер разделил радость от музыки Александра Ивановича вместе с нами!».

Действительно, его гобой то пел нежно, проникновенно и лирично, то звучал с юмором и задорно. А дирижерское чутье и техника молодого маэстро Ильи Маркеева (класс В.А. Валеева) не оставили сомнений, что оркестр Московской консерватории находился в тот вечер в надежных руках, а потому заслуживал особой похвалы.

Какие же удивительные музыканты выступали на этом празднике музыки Александра Ивановича Пирумова, творчество которого произвело на меня неизгладимое впечатление!

Андрей Панферов, студент КФ

№2 (1367), февраль 2020

В Московском доме композиторов осенью ушедшего года (26 октября) состоялся хоровой авторский вечер композитора, профессора В.Г. Агафонникова. Впервые прозвучала Литургия св. Василия Великого (2018), были также исполнены Шесть хоров на стихи Риммы Казаковой и обработки русских народных песен.

Музыка Литургии св. Василия Великого отличается от предыдущих циклических духовных произведений композитора (Литургия св. Иоанна Златоуста, Всенощное Бдение). В этом семичастном сочинении композитор использовал только тот текст, который отличает Литургию Василия Великого от Литургии Иоанна Златоуста. Первый антифон «Благослови Душе моя Господа» (33-й Псалом) основан на том же роспеве, который использован во Всенощном бдении, но гармонический язык и композиционные приемы работы с текстом отличаются. «Иже херувимы» начинает исполнять женский хор, распевная мелодика в сочетании с тихой динамикой создает ощущение светлого пространства, наполненного невидимо присутствующими ангельскими силами. Со слов «Яко да царя» подключается мужской хор, текст «Ангельскими» звучит вновь нежно, воздушно, витиевато. «Достойно и праведно есть» (из «Милости мира») звучит торжественно, протяжно, утверждающе. В праздничном хоре «О Тебе радуется» (вместо «Достойно есть»), восславляющем Божию Матерь, слова «Слава Тебе» повторяются многократно с различными гармоническими красками. Молитва «Отче наш» начинается тихо, сокровенно, постепенное вступление голосов приводит к кульминации – «но избави нас от лукаваго», а в конце молитвы первоначальное обращение к Господу «Отче наш» повторяется несколько раз. Последний номер Литургии – утверждающий хор-многолетие, торжественная здравица «Богохранимую страну нашу Российскую».

Прозрачные хоровые акварели «Шесть хоровых поэм на стихи Риммы Казаковой» воссоздали разные настроения: в начале возникают зарисовки подмосковного пейзажа; мужской хор «Обнимаются лошади стоя» – философское размышление о дружбе; женский хор «В речке женщина стояла, белье полоскала» – рассказ о нелегкой женской доле; «Живут на свете» – сатирическая зарисовка, полная необычных звуковых эффектов, насмешек. Последняя часть цикла «Героям войны» – хорал, посвященный памяти погибших на фронтах Великой Отечественной войны.

Завершали программу три обработки русских народных песен: историческая «Уж как тысяцкий воевода», плясовая «Как на Волге валя бьют» и самая известная в хоровой практике шуточная песня «Посеяли лен за рекою». Все прозвучавшие в тот вечер произведения объединяло радостное, позитивное мироощущение композитора.

В заключение концерта ректор Академии хорового искусства, дирижер смешанного хора академии Алексей Петров сказал, что для него огромное счастье в очередной раз подтвердить свою любовь к музыке Владислава Германовича Агафонникова. Слушатели получили целостное, многогранное представление о музыке композитора.

Елизавета Чернова, аспирантка ГИИ

№5 (1361), май 2019

В этом году Московский мужской камерный хор «Кастальский» отметил свое 15-летие. Празднование юбилея прошло с большим размахом. Художественному руководителю и главному дирижеру коллектива, профессору А.М. Рудневскому удалось осуществить в консерватории два грандиозных проекта с участием приглашенных зарубежных дирижеров: 30 января в рамках фестиваля «Вселенная русского хора» в Рахманиновском зале состоялся первый концерт, а 18 марта коллектив принял участие в XIX Московском Международном органном фестивале.

Хор «Кастальский» представлять не нужно. Он с успехом гастролирует в разных странах, выступает с ведущими коллективами и солистами, участвует в масштабных культурных мероприятиях и международных проектах, таких как исполнение «Братского поминовения» А. Кастальского к столетию Первой мировой войны, концерт «Богатство церковных композиторов зарубежья» к столетию духовно-музыкального наследия Русского Зарубежья, фестиваль «Жаровские певческие ассамблеи», концерты к 150-летию А.Д. Кастальского, к юбилеям Р.С. Леденева, В.Г. Кикты, осенний хоровой и органный фестивали Московской консерватории, фестиваль античной драмы на Кипре и «Русские дни на Лемносе» в Греции.

Основу репертуара хора составляют классические образцы отечественного церковно-певческого искусства – от знаменного распева до современных сочинений. Главное место занимают произведения композиторов Московской синодальной школы: С. Смоленского, А. Кастальского, П. Чеснокова, А. Гречанинова, А. Никольского, Вик. Калинникова, Н. Данилина, Н. Голованова, К. Шведова, С. Рахманинова. Участники хора исполняют сочинения западноевропейских авторов, композиторов Русского Зарубежья (И. Лямина и династии Кедровых, Франция), а также киномузыку Ю. Потеенко, народные песни и многое другое. Особое место принадлежит специально созданным для коллектива опусам и транскрипциям в сочетании с органом, фортепиано, ударными, арфой и другими инструментами.

В первом юбилейном вечере, прошедшем 30 января при полном аншлаге, приняли участие четыре приглашенных дирижера, которые в разное время сотрудничали с хором «Кастальский»: Боряна Найдёнова (Болгария), Александр Кедров (Франция), Йозеф Дёллер (Австрия) и Пётр Ермихов (США). В программе прозвучали уникальные сочинения П. Динева, Н. Кедрова-отца, Г. Попова, К. Сандера, некоторые из которых были представлены в России впервые.

Концерт в Малом зале оказался не менее запоминающимся. Хор выступил в сочетании с органом как в камерном (мужском и женском), так и в расширенном составе, исполнив сочинения композиторов-синодалов, западноевропейскую музыку и современные произведения.

В первом отделении, которое прошло под управлением А. Рудневского, прозвучали опусы В. Агафонникова («Отче наш…»), А. Гречанинова («Хвалите Господа с Небес…» и «Сугубая ектения» из «Демественной литургии»), П. Чеснокова («Русалка»), («Сам един…», «Аллилуия» и «Глубиною мудрости…» из «Братского поминовения» А. Кастальского) и два произведения Е. Бутузовой (транскрипция «Волшебного озера» А. Лядова и «Софийский собор»). Несколько переложений для хора и органа сделал А. Рудневский. Во втором отделении за дирижерский пульт встал известный хормейстер Рихард Майлендер (Германия). В его интерпретации прозвучали сочинения зарубежных авторов: Hör mein Bitten Ф. Мендельсона, Der 23. Psalm (Gott ist mein Hirt) и Sehnsucht Ф. Шуберта, Psalm 130 (De profundis) А. Пярта.

Главное достоинство коллектива проявилось в умении выразить смысл исполняемых сочинений, передать основные образы и настроение. «Кастальский» показал виртуозное владение разными техническими приемами – от тончайшего «пианиссимо» до мощного «форте»; пение отличалось красотой звуковедения, чистотой и стройностью, богатством тембровых решений. В ансамбле с хором выступили органистки Любовь Шишханова и Нина Рудневская, партию рояля исполнил Тимофей Доля. Замечательно показали себя все солисты – Илья Алтухов, Дмитрий Фадеев, Юрий Ростоцкий и Анна Пегова.

Как выдающийся дирижер, мастер своего дела, Алексей Рудневский в очередной раз проявил высочайший профессионализм: ему удалось выстроить концепцию каждого произведения, сплотить коллектив в единое целое. Глубоким знатоком западной церковной традиции показал себя музыкальный директор Кёльнской епархии, преподаватель литургического пения в Кёльнской Высшей школе музыки Рихард Майлендер. Все сочинения были исполнены качественно и безукоризненно с точки зрения стиля.

Зал был полон. Публика с восторгом внимала всему происходящему на сцене. Настоящие овации выпали на долю произведения В. Кикты, которое прозвучало в завершение хорового вечера. В Концерте для мужского хора, органа (Григорий Васильев), кельтской арфы (София Кипрская) и ударных (Сергей Шамов) композитор изысканно и искусно воссоздал музыкальную атмосферу старинной Шотландии с ее строгой природой и зажигательными кельтскими танцами.

Концерт состоялся в результате огромной совместной работы целого ряда единомышленников, беззаветно преданных искусству, и прежде всего, конечно, самого А.М. Рудневского. Именно благодаря его подвижничеству удалось сделать столь интересную программу, собрать замечательный состав исполнителей. Нельзя не выразить также благодарность ректорату и концертному отделу консерватории. Низкий поклон вдохновителю и организатору фестиваля, заведующей кафедрой органа и клавесина, профессору Н.Н. Гуреевой, а также выдающемуся мастеру своего дела – заведующей органной мастерской Н.В. Малиной.

Viva «Кастальский»!

Мария Макарова
Фото Анатолия Шишкина