К 155-летию Московской консерватории в цокольном этаже Малого зала экспонируется выставка, подготовленная Научной музыкальной библиотекой имени С.И. Танеева. На ней представлено более сорока фотографий этого времени из обширного фонда изобразительных материалов библиотеки.
Большинство из них отражает педагогический процесс. На занятиях со своими студентами запечатлены Д.Д. Шостакович, В.Я. Шебалин, Р.И. Грубер, Л.Н. Оборин, Г.С. Козолупова и другие педагоги. Фотографии демонстрируют также разные моменты жизни педагогов в обозначенный период – концертные выступления (Л.Н. Оборин, Е.Я. Рацер) и репетиции перед концертами, музыканты перед выездными концертами, подготовка педагогов к лекциям (Н.С. Николаева в библиотеке Консерватории), собрания (доклад Ф.С. Петровой на производственном собрании вокального факультета в классе №39). Мы видим работу в аппаратной лаборатории музыкальной акустики, лаборатории экспериментальной фонетики и инструментальной мастерской (А.С. Кочергин). Ряд фотографий приурочен к XXI съезду Коммунистической партии Советского Союза (1959): музыканты перед выездом на концерты в Клинский район.
Особую группу фотографий составляют портреты музыкантов и педагогов Московской консерватории – Г.Г. Нейгауза, Д.Д. Шостаковича, А.И. Хачатуряна, М.Л. Ростроповича и С.Т. Рихтера, сделанные в 1960-е годы известным фотографом-портретистом Леонидом Александровичем Левитом.
Электронная версия выставки, представленная на сайте библиотеки, дополнена фотографиями инструментальной мастерской, доступ к электронным копиям которых был предоставлен библиотеке Ю.Б. Горшковым, мастером-художником по созданию и реставрации музыкальных инструментов реставрационно-производственной мастерской музыкальных инструментов при Московской консерватории.
На выставке представлено лишь небольшое количество фотографий, отражающих жизнь Московской консерватории в указанный период. Остальные фотографии можно увидеть в Информационно-библиографическом отделе библиотеки (411-й кабинет 4-го корпуса Консерватории), где хранится фонд изобразительных материалов (около 4 тысяч единиц хранения). Фотографии – наиболее обширный раздел фонда. Среди них преобладают портреты, которые отражают концертную деятельность и учебный процесс, общение музыкантов между собой в неформальной обстановке; много групповых портретов кафедр. На фотографиях запечатлены интерьеры консерватории, комнат в общежитии, фонотеки, медпункта, занятия секции по фехтованию на кафедре физвоспитания и спорта и др. Большинство фотографий относятся к периоду 1940–1960-х годов.
Помимо фотографий в фонде изобразительных материалов библиотеки имеются комплекты открыток, среди которых – «Федор Иванович Шаляпин в жизни и в ролях» (35 открыток, 1947), портреты иностранных композиторов (32 портрета, 1988), «На родине М.П. Мусоргского» (15 открыток, 1984), Дом-музей П.И. Чайковского в Воткинске (12 открыток, 1979) и Клину (16 открыток, 1979), «Эпизоды для вечности. Фотографии П.И. Чайковского» (126 фотографий; составитель и автор текста Г.И. Белонович, 2017), и др. Несколько комплектов открыток составлено сотрудниками библиотеки (из серии «Московская консерватория в лицах»: «Композиторы Московской консерватории» (вып. 1; 16 открыток, 2014) и «Пианисты Московской консерватории» (вып. 2; 16 открыток, 2018), составитель и автор текста О.А. Янченко).
Интерес представляет коллекция карикатур на музыкантов, среди которых – силуэты Брамса, Брукнера, Вагнера, Малера и др., принадлежащие художнику-силуэтисту Отто Бёлеру, а также множество карикатур Ганса Линдлофа, в том числе на Дебюсси, Карузо, Малера, Регера, Р. Штрауса и др. Многие карикатуры анонимны.
Обширный фонд изобразительных материалов Научной музыкальной библиотеки им. С.И. Танеева продолжает пополняться благодаря распространенной практике дарения читателями отдельных экземпляров и коллекций.
Е.А. Трубенок, главный библиограф НМБТ им. С.И. Танеева
С 20 по 24 сентября в течение 5 дней в Московской консерватории проходил десятый Европейский конгресс по музыкальному анализу – EuroMAC– событие очень значимое для научного сообщества разных стран. Причем важно, что не только в России, но и в Московской консерватории научное мероприятие подобного охвата проводилось впервые. Более того, по своему масштабу Десятый международный конгресс в Московской консерватории вообще превысил все предыдущие: в этом году в нем участвовало 396 докладчиков. О состоявшемся событии, его высоком научном значении и сложной организации рассказывают непосредственные участники:
Профессор А.С. СОКОЛОВ, ректор Московской консерватории, зав. кафедрой теории музыки, председатель Общества теории музыки, доктор искусствоведения:
Десятый конгресс EuroMAC, который недавно прошел в стенах Московской консерватории, – это, без сомнения, событие значительное. Сам EuroMAC – это именно такое сообщество, которое имеет статус, связанный с представительствами разных национальных организаций. И мы вошли 10 лет назад в эту когорту, основав у себя Общество теории музыки (ОТМ) и презентовав его в Риме в составе представительной делегации именно на одном из конгрессов EuroMAC. После этой «премьеры» мы провели 4 собственных международных конгресса ОТМ и также принимали участие в конгрессах EuroMAC, которые проходили в те же годы в разных странах. А десятый, юбилейный конгресс EuroMAC мы только что провели у себя. Мы были готовы сделать это еще год назад, но сложности, связанные с пандемией, отодвинули сроки его проведения. Но зато, не теряя времени, мы провели еще один международный конгресс Общества теории музыки, который стал преамбулой для европейского конгресса.
Это отражено в его теме – «Термины, понятия и категории музыкознания». Мы целенаправленно обсуждали язык профессионального общения представителей разных школ, разных традиций и подошли к конгрессу EuroMAC в большой степени готовности. Конгресс у нас прошел очень успешно – это признали все его участники. Хотя регламент, конечно, был сложный: гибридный режим общения (оффлайн – онлайн), доклады шли с девяти утра до десяти вечера, а то и позднее. И так же, как всегда мы делаем, научное содержание встреч дополнялось концертными программами, которые были созвучны тематике конгресса. Очень приятно, что в заключительном заседании все участники конгресса отметили очень высокий уровень организации. И действительно, Московская консерватория обеспечила самое современное оборудование. Очень хорошо, что к началу учебного года мы подготовили достаточно много аудиторий, полностью оснащенных разнообразной техникой. Помимо комплиментов по поводу технического оснащения, конечно, было приятно получить высокую оценку качества перевода. Мы действительно привлекли профессиональных переводчиков-синхронистов, и это очень важно для такого события. И очень помогли волонтеры – добровольные помощники из числа наших студентов, аспирантов. Конечно же, приятно, что заинтересованность в происходящем относится не только к старшему поколению, к, так сказать, титулованным профессионалам, но и к молодежи, которая также входит в эту орбиту. Безусловно, мне приятно отметить заслуги проректора по научной работе Константина Владимировича Зенкина, который постоянно курировал эту работу – и на стадии подготовки, и в процессе реализации. Приятно похвалить и его команду, членов которой мы отметим благодарностями. Если говорить о перспективе, то сейчас она, конечно, связана с подготовкой публикаций. Думаю, что нужно сразу же использовать электронный Журнал Общества теории музыки и «Научный вестник Московской консерватории» для тех докладов, которые уже готовы в редакционном отношении. А в дальнейшем работать над сборником материалов конгресса, что тоже потребует немалых усилий. Но это очень интересная и плодотворная работа.
Профессор К.В. ЗЕНКИН,проректор по научной работе, доктор искусствоведения:
EuroMAC (European Music Analysis Conference) – международный конгресс, который проводится с интервалом в три-четыре года в различных европейских городах. На конференциях собираются представители всех европейских обществ по анализу и теории музыки, в них принимают участие несколько сот музыковедов. Например, на прошлой конференции в Страсбурге в 2017 году выступило 260 участников. Поэтому параллельно работают как минимум четыре секции, и представлено огромное количество докладов со всего мира. Важно отметить, что хотя инициаторами являются европейские общества, но исследователи приезжают и с других континентов – из Америки, Азии, отовсюду, где есть теория музыки. Для Консерватории EuroMAC имеет огромное значение! Во-первых, у нас никогда не было музыковедческих конгрессов такого масштаба – это событие в нашей науке.
А формат онлайн облегчил участие тем, кто по каким-то причинам не смог приехать. Второй важный момент заключается в том, что наше Общество теории музыки, которое было создано 10 лет назад по инициативе профессоров Консерватории, и в первую очередь А.С. Соколова, на протяжении всего времени своего существования принимает участие в этих конференциях. Впервые наша большая делегация от ОТМ ездила на EuroMAC в Рим (2011). Затем наши коллеги участвовали в конгрессах в Лёвене (2014), в Страсбурге (2017). После Страсбурга было принято решение провести следующий конгресс у нас, в Московской консерватории.
Таким образом, наше ОТМ получило международное признание в виде мандата на проведение главного события всего европейского музыкально-теоретического «движения». Его признание означает и признание нашей науки, которая стала пользоваться за рубежом тем вниманием, которого она заслуживает. В Европе начали это понимать, с интересом читать, слушать, приглядываться к тому, что мы делаем. Помимо EuroMAC наши ученые принимают участие в ежегодных конференциях национальных обществ анализа и теории музыки в Италии, Германии, Франции, Португалии.
Несмотря на сложность с пересечением границ, нам удалось пригласить и какое-то количество людей из заграницы – связи уже наметились, они уже существуют. Это особенно приятно, потому что живого общения никакие экраны не заменят. Уж лучше в маске, но tête-à-tête, или как говорят теперь в Европе – mask-to-mask.
На прошедшем конгрессе у нас работали не четыре параллельные секции, а нередко даже шесть. Общее же количество секций в этот раз превышало 50. Меня пригласили принять участие в двух секциях – Invariant as a principle of modelling of the musical process («Инвариант как принцип моделирования музыкального процесса») и Deconstructing music theory («Деконструкция теории музыки»). Каждая тема по-своему интересна и важна, и у каждой секции есть свои приоритеты. Особенность EuroMAC как раз состоит в том, чтобы показать колоссальное разнообразие музыкальных тем, областей исследования, которыми сейчас интересуются во всем мире. Поэтому во время конгресса невозможно охватить все представленные секции, каждый участник выбирает свою линию, свои направления, которые для него особенно важны. Научная составляющая EuroMAC-10 еще будет анализироваться долгое время, и я думаю, что спустя несколько месяцев мы сможем адекватно оценить научный вклад конгресса в целом. Сейчас рано подводить итоги, делать выводы, поскольку невозможно было разом охватить все. К счастью, мне удалось послушать некоторые доклады, которые я хотел. И в их ряду в первую очередь отмечу замечательный пленарный доклад А.С. Соколова «Post scriptum как модус композиторского высказывания», который произвел на всех огромное впечатление. Доклад Александра Сергеевича знаменует собой новый поворот в проблематике анализа и теории музыки, ведь post scriptum – не чисто музыковедческая категория, она имеет явно междисциплинарное происхождение. Такой категории в теории музыки до сих пор не было, тем не менее, вся теория, отечественная и европейская, в последнее время именно такие модусы усваивает, что очень приветствуется. Открытия в науке, по словам Эйнштейна, всегда возникают при неких междисциплинарных пересечениях. Также я упомяну секцию под названием «Музыка и мультимедиа», посвященную электроакустической музыке. Ведущей секции была В.Н. Холопова, которая в последнее время очень много занимается этим современным направлением. Это необходимая тема, и в наше время важно ее изучать, освещать, и не случайно секция пользовалась большим успехом.
Профессор И.А. СКВОРЦОВА,зав. кафедрой истории русской музыки, доктор искусствоведения:
Конференции проводились в смешанном формате – онлайн и офлайн, – для этого требовалось технически грамотно осуществить процесс коммуникации. В результате, было очень много организационной работы, и необходимы были помощники, которыми стали наши волонтеры – музыковеды научно-композиторского факультета и аспиранты Консерватории. На протяжении всего конгресса ребята настраивали технику, следили за трансляциями в Zoom, координировали работу между докладчиками и переводчиками. Отмечу точность и слаженность работы между волонтерами, необыкновенную пунктуальность, дисциплину на секциях. Во время пленарных докладов наши волонтеры выступали в качестве технических модераторов, и порой на отдельных секциях им даже приходилось занимать место ведущего, принимать участие в дискуссиях, переводить вопросы из зала, следить за временным регламентом программы.
Если вдруг возникали технические неполадки, наши студенты оперативно все исправляли, помогали участникам проиллюстрировать свои доклады. Многие секции я слушала офлайн и обратила внимание на высокий уровень владения английским языком наших волонтеров. Ведь к нам приехало определенное количество иностранных гостей, которым необходимо было решать проблемы, вопросы, возникающие у них в процессе проведения EuroMAC, помогать ориентироваться в корпусах Консерватории, показывать аудитории. Я очень рада, что у нас есть такие замечательные ребята!
Профессор М.В. КАРАСЁВА,доктор искусствоведения:
Мне есть с чем сравнивать: я была участником предыдущих конгрессов EuroMAC в Бельгии и во Франции. И там, и здесь была членом экспертной комиссии по отбору заявок. А экспертам в этот раз пришлось нелегко: я, например, написала около 90 рецензий на присланные заявки-тезисы (в том числе иноязычные). Подчеркну, что языковый профессионализм коллег «одолел» тезисы, присланные на всех четырех официальных иностранных языках конгресса.
Было все как на других конгрессах: и волонтеры (из числа наших студентов и аспирантов), и велком-пати (вкусный и уютный), и вечерние концерты, и изданный к началу толстенный том с тезисами докладов. Принципиальное и инновационное отличие нашего конгресса – параллельный онлайн-формат. Он оказался не просто вынужденным пандемийным решением, но открыл новые возможности для более широкой коммуникации. Ссылки были открытыми, и присутствовать на конгрессе мог любой желающий.
То, как это было непросто реализовать, вам расскажут непосредственные «скульпторы» этого формата. Я же считаю, организаторы конгресса сделали почти невозможное – и по объему, и качеству работ. Из профессиональных впечатлений, пожалуй, выделю пленарный доклад А.С. Соколова. Переиначив реплику гордой полячки Марины, сказала бы, что «слышу речь не ректора, но музыковеда». Серьезного и глубокого аналитика. Мы весь доклад записали и выложили на сайт консерватории. Крайне полезный материал, как в учебно-специальном аспекте, так и в культурно-образовательном.
Ольга КУЗНЕЦОВА,редактор научно-аналитического отдела МГК:
Подготовка к конгрессу велась в двух параллельных направлениях: работа над сборником тезисов, который должен был быть опубликован к началу работы конгресса, и организация самих выступлений. При работе над сборником было важно учитывать авторские поправки, которые участники конгресса вносили в свои тезисы: за время переноса конгресса были опубликованы новые исследования, глубже разработаны темы, представляемые участниками, в биографиях авторов появились новые этапы профессионального пути.
Разработка системы организации самих выступлений велась в тесном сотрудничестве с отделом компьютерных технологий и информационной безопасности. Коллегами были созданы подробные и понятные инструкции для участников, сформирован регламент предоставления материалов для очного и онлайн-участия. С учетом поставленных Оргкомитетом задач, с участниками были проведены консультации по техническим вопросам, организованы пробные онлайн-подключения. Немаловажным было создание удобного интерфейса на официальном сайте конгресса euromac.mosconsv.ru, позволяющего быстро ориентироваться в программе конгресса, в его расписании и новостях.
Непосредственно в дни конгресса критически важной была возможность получить ту или иную информационную поддержку в режиме реального времени. Учитывая нюансы современной жизни в условиях пандемии, необходимо было также оперативно решать вопросы, возникающие в связи с изменением формы участия (с очного на онлайн-формат и наоборот), а в ряде случаев в связи с его отменой.
13 июля на сцене Севастопольского центра культуры и искусств состоялся концерт—открытие Первой молодежной музыкально-образовательной программы Московской консерватории в Крыму. В рамках концертного цикла «Молодые звезды Московской консерватории» перед севастопольской публикой выступили яркие исполнительские силы МГК. Символично, что отправной точкой проекта стал юбилейный год 155-летия Консерватории.
Консерватория славится бережным отношением к своим многолетним традициям. Вот уже более полувека в МГК существует практика проведения летних выездных студенческих лагерей, которые дарят незабываемые эмоции, позволяют студенческому коллективу сдружиться не только на годы учебы, но, зачастую, на всю жизнь. В 60-е годы это был лагерь в Пицунде, о котором, например, тепло вспоминают нынешние профессора, отдыхавшие там в студенческие годы. Вот уже 40 лет как консерваторцы стали постоянными гостями на калининградской земле: в курортном городке Светлогорск (до 1947 г. немецкий город Раушен) ежегодно проходил летний спортивно-оздоровительный лагерь, памятный многим поколениям студентов и педагогов.
Лагерь в Светлогорске был поистине местом притяжения. Здесь студенты не только принимали активное участие в спортивной программе (играли в футбол, волейбол, бадминтон, большой и настольный теннис; занимались плаванием), но и организовывали концерты в Органном зале и Музыкальной школе им. А. Гречанинова, и даже устраивали целые хоровые флешмобы. Проводились экскурсии на Куршскую косу – уникальный природный заповедник из списка ЮНЕСКО, а также в Калининград, Балтийск и Зеленоградск. Веселые светлогорские капустники пользовались огромным успехом у гостей санатория «Балтика», где традиционно останавливалась консерваторская делегация, особенно у иностранцев. Не одна семейная консерваторская пара создалась в этих поездках. Живая творческая атмосфера консерваторского лагеря нашла свое отражение в газете «Российский музыкант» (см. РМ, 2004, №5).
Экскурсия по Севастополю
Пандемия коронавируса внесла коррективы во все направления консерваторской жизни и в марте администрация Консерватории с огромным сожалением узнала, что в этом году Светлогорск не сможет принять нашу делегацию. Получив совет ректора «не отчаиваться и искать варианты», творческая команда сотрудников и студентов МГК под руководством проректора В.А. Каткова провела большую подготовительную работу и остановилась на Севастополе. Город-герой показался консерваторцам очень близким по творческой атмосфере, энергетике, по своей искренней любви к традициям и глубокому поклонению памяти о его исторических подвигах и выдающихся жителях.
Действительно, в истории Севастополя и Московской консерватории есть много интересных точек соприкосновения. Так, автором музыки гимна «Легендарный Севастополь» является Вано Мурадели, воспитанник нашей Консерватории. Один из лучших драматических театров Севастополя назван именем наркома просвещения А.В. Луначарского, сыгравшего в истории Московской консерватории заметную роль. Великий русский певец Леонид Собинов, часто выступавший в Большом зале и живший рядом с Консерваторией, заведовал в Севастополе отделом народных искусств и даже предлагал создать Севастопольскую консерваторию. Наш выпускник композитор Е. Крылатов в творческом тандеме с поэтом И. Резником создали вдохновенную «Песню о Севастополе», в которой образ города предстал и в лирическом, и в патриотическом облике: «И над Россией, над всей Россией, плывёт наш город белым кораблём…»
В год 155-летия в Alma Mater возникла идея провести в Севастополе не просто оздоровительный лагерь, но включить спортивные мероприятия в масштабную культурно-просветительскую программу. В нее вошли концерт «Молодые звезды Московской консерватории» в Севастопольском центре культуры и искусств и серия мастер-классов педагогов МГК в Севастопольской музыкальной школе №1 им. Н.А. Римского-Корсакова. С учащимися четырех музыкальных школ Севастополя работали доц. Е.В. Семёнова (скрипка), доц. Я.А. Кабалевская (дисциплина «Слушание музыки»), преп. Ю.С. Куприянова (фортепиано), М.Г. Глазкова (практикум «Детское хоровое творчество»).
Концерт-открытие Первой молодежной музыкально-образовательной программы Московской консерватории в Крыму
Концерт педагогов и студентов МГК стал настоящей «точкой золотого сечения» севастопольской поездки. В программе выступил преподаватель кафедры духовых инструментов Н.Л. Агеев (саксофон), искрометно исполнивший «Этюд в манере свинга» Гершвина и страстное танго из сюиты «Испания» Альбениса. Его студент А. Шипунов (кларнет) виртуозно и с блеском преподнес слушателям Фантазию на темы из оперы «Травиата» Верди в переложении Ловрельо. В исполнении Е.В. Семёновой на скрипкелегендарного итальянского мастера Франческо Руджери в сопровождении Ю. Куприяновой вдохновенно прозвучали «Лунный свет» Дебюсси и Прелюдия и Аллегро в стиле Пуньяни в обработке Крейслера, вызвавшие восторженные овации публики. Ансамбль в составе Н. Ждановой (альт), Е. Беляевой (виолончель) и И. Тагиевой (ф-но) с огромным успехом исполнили Фортепианное трио №4 Бетховена. Выпускница этого года Е. Карпова (ф-но) блестяще завершила концерт Фантазией из «Жар-птицы» Стравинского. Трогательным моментом вечера стал выход на сцену юных учеников, посещавших мастер-классы, чтобы поздравить своих педагогов цветами и рисунками.
Насыщенная просветительская программа дополнялась блестяще организованной экскурсионной. Консерваторская делегация посетила уникальные археологические раскопки древнего Херсонеса Таврического, единственного античного полиса Северного Причерноморья; проплыла на катере по Севастопольской бухте, где расположена база Военно-морского флота и высится памятник затопленным кораблям; поклонилась святыням в Инкерманском Свято-Климентовском пещерном монастыре; полюбовалась красотами Бахчисарая и знаменитых лавандовых полей.
От всей души благодарим за неоценимую помощь в организации всего мероприятия продюсера В. Дедюхина, директора туристического агентства «ИнвестТур» Н. Коломину, дирекцию Севастопольского центра культуры и искусств, администрацию Севастопольской музыкальной школы №1 им. Н.А. Римского-Корсакова и лично директора Т.А. Ким. И, конечно, во многом благодаря студенческому профкому и его руководителю А. Шумековой, в большом творческом коллективе удалось создать доброжелательную сплоченную атмосферу.
Мастер-класс Марты Глазковой
Концерту предшествовала пресс-конференция, в ходе которой глава Управления культуры Севастополя И.В. Романец выразила надежду, что сотрудничество культурных учреждений Севастополя и Московской консерватории будет продолжено. А на следующий день после концерта состоялся «круглый стол» с руководством ЦСКИ, Севастопольской музыкальной школы и художественным руководителем Севастопольского симфонического оркестра В.Н. Кимом, рассказавшем консерваторцам о насущных проблемах: недостаточной профессиональной подготовке в Севастополе солистов оркестра, особенно духовой группы, сложностях подготовки концертных программ с большим составом оркестра.
В ходе переговоров были достигнуты договоренности о проведении консерваторской музыкально-образовательной программы в следующем сезоне. Была выдвинута инициатива заключить Соглашение о сотрудничестве между Московской консерваторией и ЦСКИ, которую поддержал ректор Консерватории, проф. А.С. Соколов. Надеемся, что новую традицию ждет прекрасное будущее, ведь, по словам ректора, «развитие региональных концертных программ и популяризация отечественной музыкальной культуры в молодежной среде в настоящее время стоят в приоритете просветительской деятельности вуза».
Доцент Я.А. Кабалевская,исп. директор Молодежной музыкально-образовательной программы МГК в Крыму
Народная артистка России, кавалер Ордена Дружбы, ветеран Великой Отечественной войны, профессор Московской государственной консерватории им. П.И. Чайковского Юлия Андреевна Туркина 2 сентября 2021 года отметила 100-Й ДЕНЬ СВОЕГО РОЖДЕНИЯ!
Вся жизнью Юлии Андреевны – непрерывный труд и радость творчества с постоянным crescendo. И сейчас, она пишет книгу, обобщая свой огромный опыт музыканта, отмеченный в Книге рекордов Гиннесса. Более 6000 концертов, 5 дисков-гигантов в золотом фонде Всесоюзного Радио и Телевидения. Непрерывный творческий стаж с 30-х годов прошлого века, а в 90 лет – сольный концерт в Рахманиновском зале. «Жизнерадостное искусство», «Подарок Москве», «Блестящая запись, блестящее исполнение» – так отзывалась пресса на двухрояльный ансамбль сестер Галины и Юлии Туркиных. «В годы Великой Отечественной войны уверенность в победе давала мне силы», – говорит Юлия Андреевна. Как близко это пушкинскому «Отчизне посвятим души прекрасные порывы»!
Дорогая Юлия Андреевна, примите наше поздравление, гордимся быть Вашими современниками. Многие Вам Лета на радость всем поклонникам Вашего таланта!
Друзья и коллеги Московской консерватории. Фото Дениса Рылова
Для всех, кто связан с отечественной органной культурой, имя Натальи Владимировны Малиной – настоящая легенда. Без преувеличения можно сказать, что деятельность этого человека определила органную судьбу не только Московской консерватории, но и всей нашей страны.
Став ученицей Леонида Исаковича Ройзмана в 1965 году, Наталья Владимировна вошла в Московскую консерваторию и органный мир человеком ярким, талантливым и многогранным. Помимо беспрецедентного служения в качестве органного мастера и хранителя всех консерваторских органов, она никогда не прекращала своей педагогической, исполнительской и просветительской деятельности.
Хочется отдельно отметить вклад Натальи Владимировны в популяризацию российского органного искусства. В качестве редактора она выступила инициатором издания всего наследия Л.И. Ройзмана и органных произведений А.Ф. Гедике, а также разных сборников, статьей и переводов.
К юбилею Натальи Владимировны было снято несколько видеопоздравлений коллег, текстом некоторых из них хочется поделиться:
Профессор Н.Н. Гуреева-Ведерникова,зав. кафедрой органа и клавесина:
Поздравляем дорогую Наталью Владимировну с юбилеем!
Ваша беззаветная преданность Консерватории и любимому органу всегда меня восхищала. Желаю Вам самого крепкого здоровья, чтобы Вы продолжали трудиться в том же русле и с тем же энтузиазмом. Мы Вас все очень любим!
Профессор Л.Б. Шишханова:
С Натальей Владимировной Малиной мы познакомились в 1967 году. Благодаря Наташе, я познакомилась с Л.И. Ройзманом, который встретил меня очень ласково, зачислил в свой класс и разрешил заниматься под присмотром Натальи Владимировны – она стала моим первым наставником. Все сведения об органе я получила от нее!
Мы занимались очень много, засиживались допоздна, далеко за полночь. Никто нас не выгонял. С особым теплом вспоминаю репетиции в Большом зале, где я помогала ей, но куда была допущена только после того, как выучила наизусть всю диспозицию органа. Благодаря ей я многое узнала об этом инструменте. Это были очень ценные занятия для меня.
Все, что делает Наталья Владимировна для Консерватории трудно переоценить, как и ее вклад в органную культуру России. Кроме всего прочего, у Наташи есть редкое качество: она очень точно знает, кому и когда надо помочь. Ей ничего не надо объяснять. Она приходит на помощь именно в тот момент, когда надо.
Музыковед С.А. Уваров, режиссер фильма «Симфония органа»:
Мы познакомились с Натальей Владимировной летом 2014 года, когда с оператором Антоном Соловьёвым пришли в Большой зал снимать фильм «Симфония органа», посвященный реставрации исторического органа А. Кавайе-Колля. Прежде, чем провести внутрь органа, она посадила нас прямо на сцене и стала рассказывать об этом инструменте, о его истории, устройстве, о случаях из своей работы. И это было настолько увлекательно и вдохновенно, что мы с оператором совершенно не переживали, что время, отведенное на съемку, стремительно тает. Немного переживали, что не была включена камера.
Но опасения были напрасны. Оказавшись перед камерой, Наталья Владимировна была столь же артистична и убедительна. Мы снимали ее уже после того, как были готовы все остальные эпизоды фильма. К тому моменту у нас сложились теплые, доверительные отношения, за что мы очень признательны и благодарны.
Когда фильм вышел, мы слышали самые разные отзывы, подавляющее большинство – положительные, почти все касались Натальи Владимировны. Нас спрашивали, где мы взяли такого уникального человека, блестящего специалиста, который так увлеченно рассказывает. Эти рассказы (в том числе для тех, кто не связан с органной тематикой) – настоящее сокровище. И зрители, самые разные, в том числе не из мира музыки, в первую очередь запоминали в этом фильме именно Наталью Владимировну.
Несколько раз она принимала участие в презентациях фильма, премьерах. Мне очень запомнился показ в московском кинотеатре «Октябрь», когда после показа фильма все мы вышли отвечать на вопросы. Зрители не хотели уходить и отпускать Наталью Владимировну на протяжении часа. Вот это – свойство выдающегося, на мой взгляд, человека! Прекрасный и очень редкий специалист, обладающий ораторским дарованием, обаянием, силой высказывания.
Я поздравляю Вас с юбилеем и желаю, чтобы Ваша работа и дальше приносила радость и прекрасные результаты! Пускай как можно больше людей вокруг ценят то, что Вы делаете, и понимают, какое счастье быть рядом с таким человеком, как Вы.
Думается, все, кому посчастливилось работать и общаться с Натальей Владимировной согласятся, что невозможно встретить человека, более преданного органному делу. Быть может, секрет кроется в глубине характера, отношении к делу, любви, понимании своего предназначения. В одной из публикаций в журнале «Органные салоны» Наталья Владимировна размышляла о сути профессии органного мастера и о жизни: «Если не лениться, а думать и решать – многое можно постичь».
Жанр концерта для сольных инструментов, до сих пор остается одним из самых популярных в музыкальном мире, и многие композиторы продолжают к нему обращаться. Именно здесь (даже больше, чем в сонате) форма музицирования по-прежнему проявляется ярче всего. И именно здесь есть возможность «проиллюстрировать» все художественные и технические возможности любого музыкального инструмента, даже тех, которые крайне редко используются в качестве сольных.
Мона Хаба
Станислав Малышев
Григорий Кротенко
Дань этому жанру отдал непревзойденный ансамбль «Студия новой музыки» под управлением Игоря Дронова на концерте Il concerto dei concerti («Концерт концертов»). 14 мая 2021 года в Рахманиновском зале прозвучали сочинения композиторов разных стран: Дана Юхаса (Израиль), Мартайна Паддинга (Голландия), Клауса Хубера (Швейцария), Джачинто Шелси (Италия), Колена Роша (Франция).
Несмотря на то, что не все представленные сочинения носят название «концерт», признаки этого жанра были налицо в каждом из них. Открыло концерт сочинение Дана Юхаса Repercussions (2015) для валторны и камерного ансамбля в исполнении Сергея Крюковцева. Выпуклое и объемное соло валторны прекрасно контрастировало более зловещему звучанию ансамбля солистов. Технические возможности валторны отразились в многообразии, вплоть до игры в контрапункте с голосом. В диалоге, на котором строится все сочинение, проходит гамма разных настроенческих красок: угрюмых, суровых, холодноватых, задумчивых, игривых, тревожных, зловещих… Весь этот разнообразный спектр чувств был идеально передан ансамблем и солистом в тембровой мозаике сочинения.
Прозвучавший затем концерт для виолончели и ансамбля Last words (2010) Мартайна Паддинга ярко выделялся среди других сочинений программы своим ярким неоклассическим «привкусом». Об этом говорит уже и форма трехчастного цикла концерта, и фигурирующие там жанры (I – Preambulum, II – Aria, III – Foforlalana). Кроме того, здесь можно было услышать квазитональность и «размытые» классические гармонические обороты. Пасторальный «кукушечный» тембр синтезатора придавал сочинению особый волшебный колорит. А виртуозное соло Ольги Галочкиной раскрывало тембр виолончели со всех граней – от экспрессивной теплоты до тревожной и необъяснимой фантастичности.
Четырехчастный камерный концерт Intarsi для фортепиано и семнадцати инструментов (1993/1994) Клауса Хубера включает многие современные средства: микрохроматику, спектральные зоны, полиритмический «калейдоскоп». В последней части «Арабский сад» можно услышать арабский мугам. В то же время здесь нередко появлялись аллюзии на Моцарта, а временами встречалось мимолетное цитирование фрагмента из его последнего фортепианного концерта. «Жемчужные» трели и пассажи были переданы Моной Хабой как нельзя ярче, придавая музыке дух моцартовских медленных частей.
Не менее сильным было соло кларнета Никиты Агафонова во время исполнения трехчастного Kya для кларнета и ансамбля (1959) Джачинто Шелси, самого «старшего» сочинения в программе. Колористика микроинтервального соло в восточном духе, детальное чутье микронюансов в спектре тембра, а также яркое выделение мозаики тембровых линий делали сочинение образно картинным.
Завершила программу одночастная пьеса Колена Роша L’allumette consideree /dans son plus simple appareil (Спичка, наблюдаемая в своем простейшем устройстве) для контрабаса и ансамбля в исполнении Григория Кротенко. Во всей программе это единственное сочинение, где конкретная звукоизобразительность стала целью сочинения. Солист мастерски рисовал шумовые фигуры, имитирующие зажигание и затухание спички. Завороженно выглядели моменты вступления солистов ансамбля, натурально передающие гудящий огонь горячей серы.
По сути дела, мероприятие раскрывало слово «концерт» в широком смысле этого слова. Каждый солист как бы выходил на арену соревнования с целым ансамблем. И благодаря необычайному мастерству солистов, а также музыкантов ансамбля «Студия новой музыки» под непревзойденным руководством дирижера Игоря Дронова, эта атмосфера музыкального вечера была передана полноценно и великолепно.
Современный музыкальный театр – интригующая и неведомая область не только для массового слушателя, но и для многих профессиональных музыкантов. Я решила приоткрыть завесу тайны и провести вечер Дня победы в Рахманиновском зале, где ставилась опера-притча «Периодическая система» Алины Подзоровой по одноименной книге Примо Леви.
Опера-притча «Периодическая система»
Книга Леви представляет собой сборник рассказов итальянского писателя еврейского происхождения, химика по образованию, узника концлагеря Освенцим. Рассказы, каждый из которых назван именем одного из химических элементов таблицы Менделеева, в большинстве своем автобиографичны – Леви рассказывает о себе, истории своего рода, о годах Второй мировой войны, заключении в Освенциме и работе химика.
Либретто, написанное в постмодернистской манере, принадлежит Асе Чащинской. Она окончила факультет музыкального театра ГИТИСа по специальности «режиссер» (мастерская А. Тителя и И. Ясуловича) в 2016 году; в 2017-м стала лауреатом региональной театральной премии «Маска» в номинации «Лучший спектакль года»; в 2018-м удостоилась звания лауреата международного конкурса оперных режиссеров Opera Europe Direction Prize. Основой либретто послужил рассказ «Ванадий», повествующий о взаимоотношениях узника Освенцима Примо Леви и доктора Лотара Мюллера, руководителя фашистской химической лаборатории в концлагере, которых судьба вновь столкнула через 20 лет (очевидна параллель с содержанием оперы М. Вайнберга «Пассажирка»).
Сюжет потребовал переработки: на него наслаиваются разные стилистические пласты – добавляется фантастический штрих в виде выведения химической формулы эликсира вечной жизни, в тексте встречаются отсылки к Ветхому завету, цитаты из Пушкина, строчки из Queen. Все это сопровождается ощущением давящей атмосферы концлагеря: за сценой чтец перечисляет вытатуированные номера заключенных.
Опера отвечала камерным параметрам зала, в котором исполнялась: четыре действующих лица и камерный инструментальный ансамбль Ad hoc Ensemble под управлением Джереми Уолкера. В его состав входил струнный квинтет, деревянные духовые и фортепиано, из ударных – только литавры, и эта задумка вполне объяснима: литавры играют роль психологического нагнетателя. Однако не все так традиционно – в спектакле еще звучит электронный музыкальный инструмент Сергея Филатова Duofluctus, основанный на инновационном принципе генерации звука. Партии Примо Леви и доктора Мюллера исполнили Игорь Витковский (бас) и Константин Самойлов (тенор). Певцы прекрасно вжились в роли, сумев передать драматический и психологический накал произведения.
После спектакля автор ответила на вопросы, немного рассказав о себе и новом сочинении:
– Алина, расскажите, пожалуйста, какую композиторскую школу Вы представляете? Где Вы учились и у кого?
– Я – выпускница Московской консерватории. Моя композиторская родословная берет свое начало от великого педагога и композитора Н.Я. Мясковского, от которого композиторская нить тянется к его ученику Е.К. Голубеву, а через него к профессору Ю.В. Воронцову, у которого училась я. Инструментовкой я занималась у Ф.К. Караева.
– Является ли опера «Периодическая система» Вашей первой работой для музыкального театра?
– Нет. В рамках Лаборатории «КоОПЕРАция» в сотрудничестве с драматургом Г. Сапаргалиевой была создана опера «Апноэ». Премьера ее камерной версии прошла в 2017 году в Музыкальном театре имени К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко, а в 2020 году состоялась премьера полнометражной версии в «Люмьер-Холле» в Москве. В 2018 году в Риге, во дворце «Зиемельблазма» был представлен хореографический спектакль Kāzas-kāziņas с моей музыкой (хореография Д. Парамоновой, в исполнении ансамблей Pērle и Revele). В скором времени в Московской консерватории состоится премьера моей новой оперы, на этот раз детской, – «Принцесса и Свинопас» (по либретто Н. Кайдановской).
– На какие стилевые параметры Вы опираетесь в представленной опере?
– Я бы сказала, что на музыку «Периодической системы» оказали влияние и психологический театр XIX века, и метамодерн XX века, и Р. Вагнер. В музыкальной фактуре можно услышать отзвуки Р. Штрауса и раннего А. Шёнберга. А близость оперы к эстетике метамодернизма дает отсылки к творчеству А. Циммермана.
– Несколько слов о литературном источнике для сюжета оперы…
– Литературным источником послужила книга «Периодическая система» – сборник автобиографических рассказов Примо Леви. В 2006 г. Британский Королевский Институт объявил эту книгу «лучшей книгой о науке всех времен». На русском языке до сих пор представлено крайне мало информации об этом писателе и общественном деятеле, чья позиция сыграла большую роль в общеевропейской рефлексии по поводу Холокоста. Фактически именно книги Примо Леви ввели в общественное сознание европейцев саму проблематику геноцида. «Периодическая система», конечно, требовала переработки для либретто, так как эта книга написана очень интимно, практически как «дневник памяти». Поэтому, на ее основе было нелегко создать полноценную сценическую драматургию.
– В ней нет этих героев?
– Герои оперы «Периодическая система» – это собирательные образы из книги, каждый из которых связан с вечными архетипами: Мюллер представлен не только как действующее лицо, но и как олицетворение вечного насилия и агрессивной силы. Ирит – не только персонаж оперы, но и символ вечной женщины, существующей во все времена. И, наконец, собирательный Голос Матери одновременно является и голосом матери каждого человека.
– А как задумывалось инструментальное сопровождение?
– Первоначально, к Дягилевскому фестивалю 2019 года в Перми, опера была оркестрована для квинтета (флейта, кларнет, скрипка, виолончель, рояль). К московской премьере я решила сделать версию с расширенным составом струнных инструментов. Отдельно хочу заметить, что в спектакле звучит электронный авторский музыкальный инструмент Duofluctus, который участвовал в основной программе 58-й Венецианской биеннале в 2019 году.
– Каковы Ваши личные впечатления от состоявшегося спектакля?
– Впечатления от спектакля у меня самые замечательные. Солисты и оркестр под управлением Джереми Уолкера звучали превосходно. А наблюдать за тонкой работой режиссера Николая Панина с артистами над актерскими задачами – было просто одно удовольствие. Великолепные солисты – Игорь Витковский, Константин Самойлов, Светлана Злобина и Ольга Реутова, – продемонстрировали прекрасный вокал и глубину русского психологического театра. Счастье для композитора, когда такие премьеры происходят!
19 июля ушла в мир иной Римма Георгиевна Косачёва. Неожиданно и стремительно, как все, что она делала за свою большую, яркую и успешную жизнь. Она достигла многих вершин, никогда не боясь трудностей, смело бралась за новые начинания, ставила значимые цели, вступала в борьбу и вела ее до победы. Но это последнее сражение, увы, выиграть не удалось – жизнь, которая была насыщенной и интересной, обещая еще новые повороты и сюрпризы, за пять дней до 79-го дня рождения неожиданно для нее и ее друзей оборвалась…
Профессор Р.Г. Косачёва, окончившая Московскую консерваторию как музыковед-историк, доктор искусствоведения, член трех творческих Союзов (композиторов, журналистов, театральных деятелей), академик Международной педагогической академии, кавалер орденов Почета и За заслуги перед Отечеством (IV степени), более четверти века возглавляла кафедру истории и теории музыки и музыкально-сценических искусств в ГИТИСе, куда она пришла еще в 80-х. Педагогика стала для нее главной сферой деятельности после десятилетия, отданного журналу «Советская музыка». А в 90-х к ГИТИСу добавилась и Московская консерватория: проф. М.Е. Тараканов, возглавлявший тогда кафедру современной отечественной музыкальной культуры, пригласил ее читать курс о музыкальном театре. Это было закономерно: современный музыкальный театр со временем стал главным объектом творческих интересов Риммы Георгиевны. Театральным проблемам были посвящены обе ее диссертации, в журнале она возглавляла отдел зарубежного музыкального театра и вообще ни одна новая театральная постановка, балетная или оперная, не проходила мимо ее внимания.
Особо значимой сферой ее деятельности стал Союз композиторов. Многочисленные исследования новой музыки отечественных авторов и незаурядный талант организатора сделали ее на последнем этапе существования СССР секретарем Правления СК по музыковедению, одним из заместителей Т.Н. Хренникова. И даже после всех катаклизмов до последних дней она оставалась одним из активных деятелей Союза композиторов Москвы.
Р.Г. Косачёва исследовала творчество своих современников, композиторов и исполнителей, много писала, выступала на конференциях, руководила соискателями и оппонировала на защитах диссертаций. В последние годы подготовила три выпуска «Антологии музыкального театра московских композиторов (вторая половина ХХ века)», за что удостоилась награды, став лауреатом Премии Москвы в области литературы и искусства 2014 года. А в СК, еще в советское время, была организатором и участником многих международных творческих событий. Последним, видимо, стал симпозиум, посвященный 100-летию Прокофьева в Шотландии в 1991 году.
Римма Георгиевна, еще в советские годы оказавшись на пороге авиакатастрофы над Атлантикой, когда летела домой с Кубы, дала зарок больше в небо не подниматься. И когда готовился этот шотландский форум, она решила проложить туда путь «по земле». Кому-то такая дорога показалась долгой и несовременной, но на деле оказалась фантастически интересной. Мы (группа музыковедов из Москвы) ехали на поезде через всю Европу до Остенде, плыли до Дувра через Па-де-Кале, на уютном ночном экспрессе мчались из Лондона в Глазго… И также назад. Незабываемый подарок от Риммы Георгиевны…
Земная жизнь, увы, конечна. Но остались книги, статьи, воспоминания, остались ученики, продолжатели большого дела. Мы не забудем коллегу и друга. Вечная память…
В сентябре 2021 года исполняется 45 лет со дня основания научно-творческого центра «Музыкальные культуры мира» Московской консерватории, начало которому положил композитор и музыковед Дживани Константинович Михайлов (1938–1995). На протяжении всей своей истории Центр изучает традиции разных культур мира, проводит концерты, фестивали, научные конференции и семинары. Проекты Центра не ограничиваются залами Московской консерватории и Москвы, а временами захватывают концертные площадки различных уголков мира.На сегодняшний день руководителем Центра является ученица и последовательница профессора Михайлова Маргарита Ивановна Каратыгина. Доцент М.И. Каратыгина любезно согласилась побеседовать с нашим корреспондентом.
Кэйко Ивахори
Дж.К. Михайлов и Рави Шанкар
Кохэй Симидзу. 2014. Фото Яхьи Джебели
Ван Цзяньсинь и Ли Фэнъюнь
Гото Кэйсэн. Фото Даши Жигалиной
– Маргарита Ивановна, пролистывая разнообразные статьи и заметки о Ваших мероприятиях, можно встретить достаточно необычные слова, непривычные названия. Некоторые из них захватывают целый круг значений, тесно сплетаясь с определенными философскими установками. Мне кажется, при включении подобных слов в свой лексикон, вместе с ними заимствуются в область деятельности Центра или Вашего преподавания какие-то принципы. Мое внимание привлекли слова «мешк» и «парампара». В чем заключена особая важность этих слов?
– В сущности, оба замеченных Вами слова – мешк в турецком языке, а парампара на санскрите, – означают примерно одно и то же: традицию. Точнее было бы сказать, что этими словами на Ближнем Востоке и в Индии называли старинный способ передачи культурного опыта из поколения в поколение путем наставничества. И это не та ситуация, когда один учит, а другой учится, здесь традиция как бы ненавязчиво и незаметно «перетекает» от учителя к ученику в процессе их повседневного тесного общения один на один. При таком взаимоотношении ученик усваивает не только технические аспекты того или иного искусства, но также познает всю его культурную подоснову, подлинную манеру и поведенческие коды практиков – носителей этой традиции. Увы, в наших попытках проникнуть в суть той или иной «восточной» культуры усвоение этого метода представляется мало реальным, так как наше общение с живущими за рубежом учителями разорвано во времени и пространстве. Но хорошо уже то, что мы знаем об этом методе и пытаемся при случае использовать его крупицы.
– В последние годы Центр осваивает различные интернет-платформы, и самые крупные проекты Центра транслируются для аудиторий разных стран мира. Сотрудничество с какими порталами для Вас наиболее результативно?
– Учитывая большое разнообразие наших программ, их содержание вызывает интерес разных информационных систем. Например, когда в разгар пандемии мы создавали позитивные сюжеты об интересе в России к китайской музыке, эти сюжеты подхватывались различными китайскими платформами и транслировались по всей Поднебесной. Да и сейчас мы не обделены вниманием СМИ к этой теме, в частности, со стороны ТВ БРИКС. К ближневосточным сюжетам подключаются порталы «Каспийский вестник» или «Вести Кавказа», да и многие другие. Сотрудничаем с ресурсами «Большая Азия», «Образ жизни», Яндекс Дзен. Конечно, с некоторых пор одной из основных площадок для широкого распространения наших программ стал портал Культура РФ. Но мы и сами создали свои платформы: сайт worldmusiccenter.ru, канал на YouTube (ArctideDescendants), видео-портал zov.world. В этом нам помогает наш медиа-партнер с 2015 года, компания LiveProduction. Конечно, есть еще куда развиваться, и мы над этим работаем.
Наталья Голубинская, Наталья Григорович
Евгения Глухова. Фото Александра Кабанова
Александр Ивашин. Фото Даши Жигалиной
Анастасия Новосёлова. Фото Александра Кабанова
– У слушателя, посещающего различные мероприятия Центра, формируется новое, более углубленное и более универсальное понимание красоты. С каких эстетических позиций, по Вашему мнению, слушатель должен подходить к этим мероприятиям?
– Думаю, не стоит подходить вообще с каких-то позиций к тому, чего ты совсем не знаешь. Заготовленная позиция порождает оценочный подход к незнакомому явлению, сужая наше восприятие до простых противопоставлений: «красиво – некрасиво», «нравится – не нравится», «свое – чужое» и т. д. Чужую, «другую» музыку лучше принимать простодушно и доверчиво, просто понимая, что у других людей может быть другая красота и другие слуховые настройки и предпочтения. Люди приходят на наши концерты не для сравнения своих эстетических позиций с иными, а для обогащения своего духовного опыта новыми ощущениями и впечатлениями.
– В Ваших концертных программах постоянно появляются очень редкие народные традиции или виды духовных практик, которые сегодня зачастую носят раритетный характер. Каким образом такие «экзотические» явления попадают в программы Ваших фестивалей?
– В практике нашего Центра существует множество путей бесконечного складывания огромной «музыкальной карты мира». Некоторые «музыкальные редкости» попадают к нам почти случайно. Например, результатом моей работы в жюри Международного фестиваля традиционной музыки «Шарг тароналары» в Самарканде в 2017 году стало знакомство с крестьянскими песнями уезда Косон в Южной Корее. Впоследствии по нашей инициативе появился фильм об этих самобытных традициях. А посещение Ноуруза в Душанбе в 2015 году привело к приглашению в Москву одного из последних носителей редчайшей сказительской традиции «Гуругли» Хотама Хакимова. Знакомство с Молодежным оркестром Антиокии (Колумбия) породило интерес к индейским традициям этого региона и, в конечном итоге, стимулировало приезд в Москву Флор-Марии Оспиан-Огари, представительницы племени эмбера чами, живущего преимущественно в горах Колумбии.
Таких вот случайностей (ну… якобы случайностей!) много. Но есть и стратегически выстроенные программы, направленные на глубокое изучение больших музыкальных цивилизаций. Таким подходом отличаются наши японское и, в особенности, иранское направление. Вот уже скоро 13 лет как в нашем центре работает Хосейн Нуршарг, иранский певец и исследователь, стараниями которого мы все глубже познаем не только иранскую классическую музыку, но и поистине уникальные традиции, такие как мистериальная драма тазийе, дарвишеская звуковая практика ордена Ахле хаг, врачевательные обряды поклоняющихся ветрам жителей провинции Хормозган, народные песни и сказания многих районов Ирана от берегов Каспия до Персидского залива. И этот бездонный кладезь великой иранской культуры еще далеко не исчерпан.
Атиш Мукхопадхьяй
Хосейн Нуршарг. Фото Даши Жигалиной
– Центр организовывал мероприятия в разных уголках мира, и это, конечно, способствовало росту аудитории концертов фестиваля. Какие наиболее яркие проекты Вы могли бы отметить?
– В 2013 году звезды так расположились, что нам выпала радость показать наш фестиваль «Вселенная звука» в городе Медельине в Колумбии. Конечно, фестиваль был в основном рассчитан на латиноамериканских участников, но в качестве своей «экзотики» мы повезли туда Фольклорный ансамбль МГК и иранскую группу «Гамар» с солистом Хосейном Нуршаргом. И это была действительно ВСТРЕЧА! Наша встреча с природой, культурой, жизненным укладом и поистине солнечными людьми Колумбии, а для колумбийцев встреча с никогда не слыханными доселе русскими народными песнями и иранской пламенной музыкой. Что и говорить, эмоциональный эффект от этой встречи был ошеломляющим с обеих сторон.
– И последний вопрос: Вы затрачиваете колоссальные усилия на то, чтобы найти и показать людям огромное многообразие музыкальных явлений, а вот насколько адекватно эти труды оцениваются обычной публикой или даже просто консерваторскими коллегами? Вас не посещают сомнения и разочарования, не возникает вопроса «зачем и кому это все нужно»?
– Да нет же! Мы ясно видим свою цель, видим, что многие беды нашего мира исходят из того, что мы просто не умеем слушать и слышать собеседника! Даже в разговоре один на один. Что уж тут говорить о неумении слышать другую культуру. Но ведь если мы не слышим друг друга, как же мы надеемся излечиться от физических и духовных болезней?! Так что у нас есть прямая и ясная задача – научиться и научить окружающих нас людей слышать «другого».
Ну а главное во всей деятельности, которой мы занимаемся – это то, что мне эта деятельность просто-напросто очень нравится. Не знаю, кто это первым сказал, хотя фраза приписывается Матери Терезе, и я следую этой простой мысли: «В конце концов, все, что ты делаешь, нужно только тебе и Богу».
Рахманиновский зал консерватории днем 15 апреля бурлил: полный аншлаг внутри, а на улице – жаждущие попасть в здание бывшего Синодального училища на объявленную творческую встречу. Родион Константинович Щедрин – в Москве, в Консерватории. Впервые с начала пандемии.Объявлена презентация новых хоровых работ композитора, написанных им в последний – «ковидный» – год. Инициатор и вдохновитель этого замечательного дела – профессор А.В. Соловьёв, теперь уже и в должности ректора Хоровой академии, – презентует новые сочинения Щедрина вживую со своим консерваторским Камерным хором. Ведет почтенное собрание ректор, профессор А.С. Соколов.
Р.К. Щедрин и А.С. Соколов
Щедрин никогда не забывал Московскую консерваторию. Когда позволяло время, встречался со студентами. Всегда охотно отвечал на вопросы, делился своими мыслями о современной музыке и новых течениях, о сочинительстве, о трудностях для молодых композиторов, желающих укрепиться на избранном поприще. Рассказывал (и не раз!) о своих учителях: об Александре Васильевиче Свешникове в хоровом училище, которое он закончил, о Юрии Александровиче Шапорине и Якове Владимировиче Флиере, у которых занимался уже в консерваторский период. Вспоминал и о своих студенческих друзьях: Геннадии Рождественском, Евгении Светланове, Сергее Доренском, ставшими первыми исполнителями его опусов. В Большом зале Консерватории в 1954 году прозвучал Первый фортепианный концерт Щедрина (исполнял автор и студенческий консерваторский оркестр под управлением Г. Рождественского), с которого, собственно говоря, начался большой путь композитора в большой музыке. Московская консерватория – это и единственный вуз, где Щедрин несколько лет преподавал на кафедре композиции. Словом, Консерватория – это особая и важная веха в его жизни.
Однако названный апрельский день и эта недавняя встреча были особенными по теплоте и какой-то внутренней торжественности переживаемой ситуации. То ли народ наш истосковался по живому общению с живыми классиками. То ли сам бенефициар был «в ударе»: легок, раскован, глядя на волнующийся и радостно гудящий зал. Ректор чутко уловил общее настроение, сказав, что «встреча с Родионом Константиновичем огромная радость и огромное счастье». Александр Сергеевич предложил и формат общения – «импровизация».
Собственно, и тема для этой импровизации была определена – новое издание, целая книжка последних хоровых работ мастера, роскошно выполненная челябинским издательством MPI, давно и плодотворно сотрудничающим с SCHOTTMUSIC, в том числе и в публикациях сочинений Р.К. Щедрина.
В Рахманиновском зале
На приглашение «поимпровизировать» Щедрин ответил, что «для него это очень важный день в жизни», пошутил по поводу того, что привился и сейчас является ходячей рекламой вакцинации. Вспомнил Б.Г. Тевлина, который всегда, рефреном при встречах, восклицал: «Пиши для хора!». Поблагодарил А.В. Соловьёва, которого назвал «наследником Бориса Григорьевича и в человеческих, и в музыкантских достоинствах». Именно он сподвигнул композитора на создание новой книжки замечательных хоров.
Последние хоры a capella Щедрина – это по сути его многоголосные мемуары. Все литературные герои (авторы текстов его хоров) – это либо те, кого он лично знал, почитал и любил, либо, как он сам выразился, «знал через человека». Например, Маяковского и Хлебникова через Лилю Брик и Василия Катаняна, а Толстого через его внучку С.А. Толстую. Щедрин легко, играючи, обрушил на зал такое созвездие больших имен, с которыми он шел по жизни, общался и дружил, что сам как-то легко и непринужденно в глазах присутствующих стал живым воплощением поистине великой и, увы, уже уходящей эпохи.
На призыв ректора вспомнить об ученических годах Щедрин заметил, что семь лет жил в интернате свешниковской хоровой школы, что жесткий график ежедневных репетиций приучил его к дисциплине и строгому отношению к жизненному времени. Он посетовал на то, что сегодняшние сочинители разъединены, отдалены друг от друга. «Шостакович приглашал к себе домой, мы пили чай, он показывал свои новые сочинения» –в этом была, как выразился Щедрин, «вентиляция воображения». «А сегодняшний автор двух произведений обижен на мир, что его не играют 365 дней в году во всем мире». «Без контактов человеческих, – говорил он, подразумевая не только искусство, но и современную зацифрованную жизнь, – ничего не получится».
Одна из важных для Щедрина идей, на которых зиждется его искусство, и которую из года в год он не устает транслировать своими сочинениями, – это идея большой музыки. Собственно говоря, он здесь не оригинален. О большой музыке для масс писал еще в начале 1930-х годов Прокофьев. А Шостакович в своем программном письме-манифесте, адресованном Б.И. Тищенко, настаивал на том, что «добро, любовь, совесть – вот, что самое дорогое в человеке. И отсутствие этого в музыке, литературе, живописи не спасают ни оригинальные звукосочетания, ни изысканные рифмы, ни яркий колорит».
В своих последних хоровых сочинениях, в том числе и услышанных публикой впервые, Щедрин все тот же: философ и лирик, где-то с улыбкой, то доброй, то горькой. И он же – трибун, гражданин своего Отечества, скорбно волнующийся от всех невзгод современного мира: «Мы возводим западный мир в золотую рамку. Он, этот мир, очень жестокий».
В этот апрельский день Мэтр, по сути, преподал нам всем очередной урок. Его ошеломляющая «Бурлеска», его тонкая, со скрытым подтекстом «Воровка» на текст Н. Глазкова (мировая премьера), его хоровые «Пословицы», блестяще исполненные консерваторским Камерным хором под управлением А. Соловьёва, были все так же, по-щедрински, ошеломительно новы. А он все так же был победительно деловит, энергичен и полон нерастраченных творческих сил…
В 1956 году Давид Бурлюк подарил будущему автору оперы «Мертвые души» свой пейзаж с дарственной надписью:
Прекрасный музыкант Щедрин!
Прими сей лунный вид, вид Крыма,
Где таинство морских глубин
Влечет сердца неотразимо
Чтоб музыкой или стихом
Его увидеть легким сном!
Рисунок украшает четвертую страницу обложки нового хорового сборника Щедрина «Век двадцать первый…», презентация которого триумфально прошла в Консерватории.
Легенды не умирают, не исчезают, не уходят в небытие. Они продолжают свою жизнь, как бы обретая новое свечение. То же происходит и с людьми-легендами. Каждый поворот их судьбы привлекает пристальное внимание, рождая желание понять и познать глубинный смысл и этих поворотов, и всей их судьбы в целом. Дмитрий Башкиров – человек-легенда. В этом и загадка, и разгадка творчества этого уникального художника-романтика. Объяснять этот феномен – занятие столь же безнадежное, как и попытки растолковывать тайны яркого художественного явления.
Дмитрий Александрович Башкиров (1931–2021) прожил без малого 90 лет и 7 марта покинул наш бренный мир. Его яркая жизнь полна таких невероятных, крутых виражей, что порой диву даешься, как удавалось ему не только уцелеть как личность, но и сохранить оптимистичную веру в свою путеводную звезду.
У музыкальной колыбели Башкирова стояла знаменитый педагог Анастасия Давыдовна Вирсаладзе, ученица великой Анны Николаевны Есиповой. Рано проявившаяся необузданная романтичность поэтичного тбилисского юноши привлекла внимание Генриха Густавовича Нейгауза, посоветовавшего ему переехать в Москву. Однако А.Д. Вирсаладзе сочла необходимым направить своего питомца к другому корифею – Александру Борисовичу Гольденвейзеру, у которого, по ее мнению, Делик (как его ласково называли) должен был пройти школу «строгого стиля». Так Дмитрий Башкиров появился в Москве, в Консерватории, в классе А.Б. Гольденвейзера, под руководством которого окончил и Консерваторию, и аспирантуру (не утратив, впрочем, благорасположения Г.Г. Нейгауза).
1955 год принес Дмитрию Башкирову событие, ставшее существенной вехой в его судьбе. На Международном конкурсе имени Маргариты Лонг и Жака Тибо он становится обладателем GrandPrix, причем эта награда была присуждена молодому пианисту и вручена самой Маргаритой Лонг!
Тогда же он начинает педагогическую деятельность в Консерватории (вначале в качестве ассистента своего профессора) и «стартует» как концертирующий пианист, объездив впоследствии не только практически все большие и малые города СССР, но и многие страны ближнего и дальнего зарубежья. Он удостаивается престижной Международной премии имени Роберта Шумана. После одного из концертов в Carnegie Hall газета The New York Times озаглавила посвященную ему рецензию названием шумановской пьесы – DerDichterspricht («Поэт говорит»).
Человек увлекающийся, он умел увлечь других: учеников, друзей, коллег. Более всего он ненавидел равнодушие, считая его синонимом предательства. Внутренний «категорический императив» не позволял ему кривить душой, что порой делало общение с ним «неудобным» для некоторых коллег, а особенно для разного уровня начальства. Он не примыкал ни к каким «партиям» и «группировкам», что явно не способствовало его «карьерному росту». Но не только друзья, но и недруги не могли не признавать магнетическую силу его таланта, заставлявшую волей-неволей воздавать ему должное.
И вдруг, будучи уже признанным профессором, народным артистом РСФСР, он трагически, формально, был «отставлен» на долгие годы от Московской консерватории, а Госконцерт наглухо «закрыл» его зарубежные гастроли… Но, спустя какое-то время, он становится одним из «отцов-основателей» Мадридской Высшей школы музыки Королевы Софии. К нему приходит всемирная педагогическая слава.
С 2001 года восстанавливается связь Д.А. Башкирова с Московской консерваторией. Ежегодные консерваторские мастер-классы привлекают студентов со всей России. Консерватория организует в 2006-м и 2011 годах грандиозные фестивали с участием его учеников. В 2011 году Дмитрий Башкиров был удостоен звания, которое считал высшим в музыкальном мире – Почетный профессор Московской консерватории (звание «почетного профессора» ему присудил еще целый ряд крупнейших музыкальных институтов и университетов).
О педагогике Дмитрия Башкирова наверняка будут написаны труды. Его ученики – состоявшиеся личности, весомо заявившие о себе в музыкальном мире. Они не похожи друг на друга, в чем, безусловно, заслуга их наставника. Многие из них, занявшие ведущее положение в самых престижных музыкальных учебных заведениях мира, несут «башкировскую» эстафету все новым поколениям музыкантов.
Как концертирующий пианист Дмитрий Башкиров одарил публику незабываемыми поэтическими интерпретациями сочинений Баха, Гайдна, Моцарта, Бетховена, Шуберта, Шопена, Листа, Шумана, Мендельсона, Брамса, Дебюсси, Равеля, Скрябина, Чайковского, Рахманинова, Прокофьева, Шостаковича, Щедрина, Галынина, Скорика… Многое, к счастью, сохранилось в записи. Ярчайшие страницы в историю камерно-ансамблевого искусства вписаны Дмитрием Башкировым в содружестве с Игорем Безродным и Михаилом Хомицером, в сотворчестве с Квартетом имени Бородина, с Натальей Шаховской, Карине Георгиан, Гидоном Кремером, Захаром Броном, Иваном Мозговенко…
В созвездии блистательных имен консерваторских артистов и педагогов, родившихся в десятилетие, условно окружающее 1931 год, звезда Дмитрия Башкирова безошибочно определяется своим неповторимым ярким свечением, служа непреходящим ориентиром в безбрежном море Музыки.
Слово Поэта не умирает, не «стирается», не остается в прошлом. Он не ушел, он продолжает жить в нашей благодарной памяти. Мы не вспоминаем, мы всегда помним…
6 апреля 2021 года в фойе Большого зала состоялась презентация выставки Архива Московской консерватории, посвященной 110-летию со дня рождения выдающегося хорового дирижера, народного артиста СССР, заведующего кафедрой хорового дирижирования Московской консерватории профессора Клавдия Борисовича Птицы (1911–1983). Выставка приурочена к IV Международному Великопостному хоровому фестивалю.
Это уже вторая выставка Архива, посвященная Клавдию Борисовичу. Первая экспонировалась к 100-летию со дня рождения великого дирижера. Архив бережно хранит два личных дела музыканта, рассказывающих о годах учебы и работы в стенах родной Консерватории. На выставке представлен аттестат с отличием об окончании Московской консерватории с указанием дипломной работы – сцены «В Стрелецкой слободе» из оперы Мусоргского «Хованщина», в результате которого его имя занесено на мраморную доску отличия. Гости БЗК также могут ознакомиться с анкетой и автобиографией, написанными самим профессором К.Б. Птицей.
Всегда с особым трепетом мы читаем о судьбах музыкантов в военные годы. Из автобиографии Птицы мы узнаем, как складывалась его судьба: «В начале Великой Отечественной войны дважды записывался в народное ополчение, однако не был принят по состоянию здоровья. С Московской филармонией был эвакуирован (эвакуационное удостоверение № 5596). Местом назначения избрал г. Рязань, где находились мои родственники. В связи с приближением фронта к Рязани, эвакуировался в г. Киров, оттуда возвратился вскоре в Рязань, после разгрома немцев под Москвой. В эвакуации работал на военном номерном заводе (был премирован) и был преподавателем музыкального училища. В январе 1943 по правительственной телеграмме за подписью Росискусства возвратился в Москву, где приступил к работе в качестве хормейстера Государственного хора русской песни и преподавателем консерватории».
«Кроме документов, хранящихся в Архиве Консерватории – рассказывает А. Цимбалистенко, – нам хотелось дополнить выставку свидетельствами каких-либо ярких личных моментов из жизни мастера, но до последнего времени в консерваторских кругах считалось, что фотоархив великого хормейстера утерян. После тщательного поиска сотрудники Архива обнаружили кладезь фотодокументов Клавдия Борисовича на его родине, в маленьком городке Пронске Рязанской области, а также в самой Рязани. Сотрудники Рязанской областной филармонии и Пронской центральной библиотеки предоставили нам фотоматериалы, часть из которых они получили от племянника Птицы – М.С. Чимирева. На них можно увидеть как живые моменты простой деревенской жизни Клавдия Птицы, так и материалы, связанные с работой и творчеством – выступления с хором в различных залах, встречи с выдающимися музыкантами и деятелями культуры: И. Козловским, А. Свешниковым, Е. Светлановым, М. Плисецкой, И. Архиповой…».
По приглашению Архива на открытие выставки приехали представители Рязани: зам. директора Рязанской филармонии Е. Феколкина и специалист по работе со СМИ Министерства культуры Рязанской области Е. Породина, которые передали приветственный адрес ректору Консерватории А.С. Соколову от министра культуры Рязанской области В. Попова.
С большим интересом присутствующие восприняли эмоциональные выступления профессоров кафедры хорового дирижирования, учеников и последователей К.Б. Птицы.
Профессор Л.З. Конторович поздравил всех присутствующих с открытием выставки и отметил важность этого события для увековечивания памяти о любимом учителе. Значение творчества Клавдия Борисовича для становления русской хоровой дирижерской школы трудно переоценить. Три десятилетия он руководил Академическим большим хором Всесоюзного радио, который сотрудничал с такими выдающимися дирижерами, как С. Самосуд, А. Гаук, Е. Светланов, Г. Рождественский… Сергей Прокофьев и Дмитрий Шостакович неоднократно отдавали ему свои хоровые сочинения для первого исполнения. В частности, такое грандиозное полотно, как кантата «Александр Невский» Прокофьева была впервые исполнена хором Радиокомитета. А когда в Москву с гастрольным туром приехал известный французский дирижер Шарль Мюнш, то именно Клавдий Борисович со своим хором подготовил исполнение драматической легенды «Осуждение Фауста» Гектора Берлиоза.
Профессор С.С. Калинин в своем выступлении рассказал, что в 1923 году в Московскую консерваторию пришли профессора из легендарного Синодального училища – непревзойденные мастера хорового дела. Несмотря на трудности довоенного и военного времени, они сумели воспитать целую плеяду выдающихся музыкантов-хоровиков, среди которых имя Клавдия Птицы сияет особым неповторимым светом. Птица не только исполнил невероятное количество шедевров отечественной и зарубежной классики, но и написал ряд работ в области истории и теории хорового искусства. Например, «Мастера хорового искусства в Московской консерватории», куда вошли воспоминания о таких великих музыкантах, как Н. Данилин, А. Никольский, П. Чесноков, А. Свешников. А его диссертация, а позднее и книга с одноименным названием «Очерки по технике дирижирования хором» – первое отечественное издание, посвященное раскрытию тайн дирижерской техники. Сейчас она готовится к третьему переизданию. «Необходимо помнить, кто заложил тот фундамент, на котором впоследствии был построен храм хоровой музыки в России», – завершил свое выступление Станислав Семенович.
Профессор А.В. Соловьёв со своей стороны добавил: «Хор радио, который сегодня возглавляет народный артист РФ Лев Конторович, продолжает замечательные традиции, заложенные Клавдием Птицей. В непростые 1990-е была издана его книга «О музыке и музыкантах», сейчас этот уникальный труд готовится к переизданию. Также осталась переписка между К. Птицей и Б. Тевлиным, которая ждет своего часа для публикации. Многие его ученики блестяще преподают дирижерские дисциплины в училищах и вузах страны и за рубежом. Мы все на кафедре хорового дирижирования свято чтим традиции, которые заложил Клавдий Борисович и продолжаем его великое дело. Светлая память нашему дорогому учителю!»
Творческий метод дирижирования К.Б. Птицы был поистине неповторимым. «Весь организм должен ощущать музыку, но больше всего – кисть и «поющие» пальцы», – говорил маэстро. Его современники ходили к нему на репетиции и на концерты не только послушать отточенное и тонкое звучание хора, но и полюбоваться его необыкновенными руками. Как ярко и поэтично сказал о нем дирижер С. Самосуд: «Высокий и стройный, он словно обнимал многоголосый хор своими поющими руками-крыльями».
Наша выставка, уверены, напомнит многочисленным посетителям концертов в Большом зале Консерватории о деятельности потрясающего музыканта и педагога, а кому-то и впервые представит великого Клавдия Птицу, побудив поближе познакомиться с его судьбой и творческим наследием.
