20 октября в выставочном пространстве Московской консерватории, в нижнем фойе Малого зала открылась выставка «Рисую Россию». На вернисаже представлена живопись художников факультета дополнительного образования Российского государственного художественно-промышленного университета имени C.Г. Строганова, вуза-партнера Московской консерватории.
В 2019 году строгановцы оформили и «подарили» нам это выставочное пространство. Год назад в Консерватории проходила выставка работ куратора проекта «Рисую Россию» Андрея Криволапова, а в этот раз выставлены картины, созданные в сентябре 2022 года на пленэре в Крыму. Проект был реализован в рамках гранта Президента Российской Федерации для поддержки творческих проектов общенационального значения в области культуры и искусства.
Как отмечает руководитель проекта, директор АНО «Центр культурного и творческого развития „Арт Про“», художник и музыкант Юлия Лабинская, «я счастлива, что эта поездка состоялась, и что особенно важно и значимо, что она состоялась в столь непростое для России время… Для меня «Рисую Россию» – это не просто выигранный грант, это – возможность узнать о нашей великой и бескрайней стране больше, проникнуться традициями легендарных мест, связанными с именами великих деятельней отечественной культуры, таких как Антон Павлович Чехов, Лев Николаевич Толстой, Алексей Максимович Горький, Фёдор Иванович Шаляпин, Исаак Ильич Левитан и многими другими».
На открытии выставки с музыкальным приветствием выступили студенты и выпускники Московской консерватории: Мария Ткач (фортепиано), вокальный ансамбль «Пастораль» под руководством Марии Кравцовой, дуэт в составе Михаил Манашеров и Софья Алтухова (класс ансамбля ст. преп. кафедры хорового дирижирования Т.Ю. Ясенкова). Прозвучала музыка П.И. Чайковского, С.И. Танеева, а изюминкой программы стало исполнение хоровой миниатюры «Горные вершины», созданной выдающимся русским художником Василием Поленовым. От всей души благодарим Консерваторию в лице Н.В. Кобец за активную и действенную помощь в проведении выставки.
Марина Воинова, cт. преподаватель кафедры теории музыки
13 сентября, в день рождения Консерватории, не стало одного из самых авторитетных ее педагогов, профессора кафедры истории зарубежной музыки, кандидата искусствоведения Ирины Васильевны Коженовой.
Имя И.В. Коженовой высечено золотыми буквами на мраморной доске почета среди профессоров, посвятивших Консерватории полвека своей жизни. За эти годы – а это более трети всей истории существования вуза – она выпустила свыше 1000 студентов разных специальностей, работая долгое время деканом иностранного, а затем историко-теоретического факультетов.
«В искусстве, как и в любви, прежде всего, нужно быть откровенным». Словами великого Верди можно охарактеризовать жизнь и творческую деятельность Ирины Васильевны. Свидетельница победы Вана Клиберна на первом конкурсе Чайковского, она была сопричастна успехам и ярким победам Alma Mater. Закончив родной факультет в 1963 году, с 1968-го преподавала на кафедре истории зарубежной музыки, продолжая и развивая педагогические традиции своего учителя – профессора Н.С. Николаевой.
Главную консерваторскую заповедь – преемственность традиций – Ирина Васильевна привила и мне, ее ученице. Большим счастьем стала встреча с этим выдающимся педагогом и уникальным по своим душевным качествам человеком. Мы были незнакомы, когда я выбрала для курсовой работы музыку Сибелиуса к «Буре» Шекспира. И с тех пор, вот уже 20 лет, мы с Ириной Васильевной практически не расставались. Она стала для меня и мудрым наставником, и мамой в профессии, и настоящим другом, искренне радовалась успехам и сопереживала неудачам, буквально как своим.
Ирина Васильевна учила мыслить, учила трудиться. Она открыла мне мир музыкальной шекспирианы, который я полюбила на всю жизнь. Удивительно «общалась» с композиторами, как с живыми. Верди и Сибелиуса она обожала, а Берлиоз вызывал головную боль. Благодаря универсальности ее мышления и богатейшему кругозору предмет «История музыки» превращался в поистине бескрайнюю вселенную, где, по ее словам, никому никогда не бывает тесно, каждый находит себе тему по душе.
Ирина Васильевна была настоящим подвижником искусства. С юмором вспоминала трудные для всей страны 90-е годы, и эта фраза стала в Консерватории крылатой: «Получали мы тогда по 10 долларов на наши деньги, но, будучи настоящими консерваторцами, всегда были готовы даже сами доплатить, лишь бы нас пускали работать».
Будучи главой консерваторской школы скандинавистов, всю жизнь пропагандируя музыку Финляндии, буквально в мае в очередной раз проявила свою знаменитую силу духа и активную гражданскую позицию, отказавшись посвящать свою творческую встречу музыкальной культуре этой страны, так как, по ее словам, то, что там сейчас происходит по отношению к нашей культуре – недостойно. В этом она вся – душа и совесть Московской консерватории. Зачастую ее справедливое слово становилось решающим на заседаниях Ученого совета.
Работа Ирины Васильевны была всеохватной и системной – более 15 лет она проводила Всероссийский конкурс по теории, истории музыки и композиции для учащихся средних специальных учебных заведений, «с младых ногтей» воспитывая все новые и новые поколения музыковедов, многие из которых успешно окончили Консерваторию и уже в ней преподают. Недаром среди многочисленных наград за активную общественную деятельность Ирина Васильевна была удостоена диплома «За значительный вклад в формирование, развитие и сохранение творческого и интеллектуального потенциала России».
6 октября в Консерватории впервые должна была состояться музыкальная секция XXIX Международной научной конференции «Шекспировские чтения – 2022» и презентация сборника научных статей «Музыка России и Британии: параллели и перекрестки», авторами-составителями которого стали мы с Ириной Васильевной вместе. Конференция и презентация прошли уже без нее, и в память о ней в Рахманиновском зале в этот же день состоялся концерт.
В концерте приняли участие те, кто так любил и уважал Ирину Васильевну. В исполнении доц. Е.И. Скусниченко (сопрано) и преп. Ю.С. Куприяновой (ф-но) проникновенно прозвучал цикл «8 сонетов Шекспира» Таривердиева. Вероника Ан (сопрано) исполнила арию Клеопатры из оперы «Юлий Цезарь» Генделя. Доц. Р.Н. Кудояров сыграл пьесы из «Дневника каникул» Бриттена и, совместно с Ю.С. Куприяновой, Фантазию для двух фортепиано Глазунова и Сонату из кантаты Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit Баха. Один из ее учеников, профессор Михаил Никешичев перед своим выступлением сказал, что вот уже 40 лет Ирина Васильевна является для него эталоном в профессии, а ее открытия в области монтажных принципов формы в духовных произведениях Баха стали поистине пророческими.
Нам еще предстоит оценить масштаб личности Ирины Васильевны, ее роль в развитии музыкальной науки. Возвращаясь к словам так любимого ею Верди, все, что она делала в искусстве – она делала искренне, откровенно и с большой любовью. Всем известна ее фраза: «Консерватория существует для студентов. Мы работаем ради студентов, а не наоборот». И, безусловно, вся Консерватория – студенты, коллеги, друзья – отвечала ей такой же искренней любовью.
13 сентября Московская консерватория отметила свой очередной, 156-й День рождения. Этот день – не только повод для праздничного концерта, но и возможность собрать друзей Консерватории вместе. Большой зал наполнился словами благодарности и признательности людям, отдавшим многие годы своей жизни служению Консерватории, а также тем, кто спонсорской деятельностью помогает развиваться нашему великому учебному заведению.
Ректор А.С. Соколов и профессор В.Г. Агафонников
В 2016 году, когда Alma Mater праздновала свое 150-летие, была заложена очень важная традиция: Ученым советом была учреждена особая награда – золотая медаль имени Н.Г. Рубинштейна, которой удостаиваются выдающиеся выпускники Консерватории («РМ» рассказывал об этой награде – см. 2016, №7). Достаточно назвать лишь несколько имен, ставших ее лауреатами. Среди них: Геннадий Рождественский, Наталья Шаховская, Екатерина Царёва, Сергей Доренский… Вручение медали приурочено ко дню рождения Консерватории. Так случилось и в этом году, в памятный вечер 13 сентября.
«Мне выпала высокая честь в торжественной обстановке уже в шестой раз вручать эту замечательную награду Консерватории – медаль имени Николая Григорьевича Рубинштейна, – тем людям, которые сегодня признаны Консерваторией как продолжатели ее великих традиций и кем она гордится уже в мировом масштабе», – начал церемонию ректор Александр Сергеевич Соколов.
Награждали в этот вечер поистине выдающихся выпускников: заведующего кафедрой истории зарубежной музыки профессора М.А. Сапонова; заведующего кафедрой деревянных духовых инструментов профессора В.С. Попова; и ректора нашего учебного заведения, заведующего кафедрой теории музыки профессора А.С. Соколова. Лауреаты не скупились на теплые слова признательности своей Alma Mater, а коллеги, ученики, друзья, заполнившие зал, с воодушевлением им внимали.
«Я счастлив, что мне довелось пробыть в Консерватории шестьдесят два года, – поделился В.С. Попов, – за это время мне удалось сыграть шесть тысяч концертов с различными оркестрами. Я также благодарен судьбе, что эту высшую для меня награду я получаю из рук моих коллег в моей любимой Консерватории».
Профессор В.С. Попов
Профессор М.А. Сапонов
М.А. Сапонов, взяв слово, признался, что для него Московская консерватория была чем-то невообразимым, что поменяло всю его жизнь: «Когда входишь в это замечательное, великое здание, то чувствуешь, что все в себе лучшее нужно отдавать ученикам и коллегам. Но более того, это хорошее в себе нужно возводить, а это очень трудно, но в этом и есть счастье».
По словам А.С. Соколова, получить эту медаль для него особая честь и гордость. «Для любого консерваторца это самая, наверное, важная награда, так как она не кем-то и где-то предназначена, а она решена волей Ученого совета, тайным голосованием, – сказал Александр Сергеевич. – Тем самым возникает какая-то сверка «часов»: так ли ты делаешь то, что ты делаешь, и в чем тебе следует учиться у тех, кто тебя выучил».
Далее последовала церемония вручения серебряной медали «Меценат года» имени Саввы Мамонтова. Учрежденная в год 155-летия консерватории, она присуждается за благотворительность и спонсорскую деятельность. Ею удостаиваются меценаты, которые более пяти лет оказывают поддержку нашей Alma Mater. Среди ее верных друзей и помощников, награжденных в этот вечер, – член Попечительского совета, профессор О.В. Грядовая, а также ее коллега по совету А.И. Комаров. Благодаря их помощи решаются многие проблемы учебного заведения. «Мы, несомненно, и дальше будем помогать насколько хватит наших сил и возможностей» – заверила О.В. Грядовая.
Хотя церемония награждения и заняла львиную долю праздничного вечера, времени хватило и для музыки. Концертную программу составили знаменитые «Меланхолическая серенада» П.И. Чайковского, Первый концерт для скрипки с оркестром Д.Д. Шостаковича, а также потрясающая своими яркими красками сюита из музыки балета «Жар птица» И.Ф. Стравинского. Концертный симфонический оркестр Московской консерватории под управлением профессора А.А. Левина порадовал блестящим исполнением заявленной программы. Как всегда, на высоте был солировавший в концерте скрипач, народный артист России, профессор С.В. Стадлер. В каденции Скрипичного концерта Сергей Стадлер поразил силой и глубиной звука, в «Меланхолической серенаде» – проникновенностью, а по ходу концерта –находчивостью: заполняя паузу, случившуюся из-за долгого отсутствия дирижера, солист сыграл в качестве эпиграфа «Элегию» для скрипки соло Игоря Стравинского.
Этот жест был воспринят залом как добрый знак: в этом году мы отмечаем юбилей – 140 лет со дня рождения Стравинского. И внегласное музыкальное присутствие гения русской музыки оказалось очень кстати в этот замечательный и радостный вечер.
«Я как Вы, Ваше величество, ничего не делаю, но без меня никак» — знаменитый ответ Сергея Павловича Дягилева (1872–1929) испанскому королю, конечно же, был своеобразным кокетством. «Большой шарлатан, шармёр и нахал» был не только выдающимся организатором, но и самым настоящим автором! Его творения были абсолютно полностью на виду, но обнаружить их можно только по прошествии времени. И время это настало! Самое поразительное, что, похоже, Дягилев прекрасно отдавал себе в этом отчет и, более того, рассчитывал на такое «проявление пленки» длиною в век.
Имя Сергея Дягилева стало знаковым в мировой культуре. Вызов, удивление, восторг, талант, игра, скандал – все это части дягилевской мозаики. Уже не одно поколение исследователей, литераторов, режиссеров буквально болеет дягилевским феноменом. Удивительная личность, которая перевернула жизнь культурного бомонда начала XX века и заставила говорить о русском искусстве весь мир. Сейчас, в год 150-летия со дня рождения импресарио, остается только поразиться, насколько широким было поле его деятельности и насколько актуальны до сих пор его идеи.
Даже одного из начинаний Дягилева достаточно, чтобы его имя было вписано золотыми буквами в историю. Грандиозным свершением была выставка коллекции русской исторической живописи XVIII века. Более шести тысяч картин представили грандиозную панораму российских портретов, открывшую новую эру изучения русского искусства. Ярчайшим культурным событием стало возникновение «Мира искусства». Объединение, созданное Дягилевым совместно с Бенуа, было рупором новейших течений в живописи. Вся классика русского модерна – Сомов, Врубель, Серов, Билибин и других – утвердилась именно благодаря ему.
Сергей Дягилев участвовал в деле пополнения коллекции Третьяковской галереи. Он старался, чтобы туда попадали лучшие картины с устраиваемых им выставок. В связи со своей организаторской деятельностью Дягилев обратил внимание на такую сферу, как музейное проектирование. В России этому вопросу до него не уделялось должного внимания. Многое из того, что сейчас кажется логичным и само собой разумеющимся для экспозиций картин, было впервые сформулировано Дягилевым. Именно он внедрил в России европейскую практику деления больших залов на небольшие отсеки при помощи перегородок: «стали мы стены строить и потолками закрываться, это было для всех в диковину». Дягилеву принадлежит идея использовать однотонные задники, чтобы создать единый фон для картин. Он предложил и универсальную схему проектирования экспозиций, которая используется во многих крупных музеях России.
Наконец, знаменитые «Русские сезоны», открывшие совершенно иной подход к процессу творчества, стали кульминацией всей дягилевской деятельности. Синтез, органичное взаимопроникновение и важность каждого мельчайшего элемента определили авторский метод импресарио. Он привлекает к оформлению спектаклей самых ярких художников: Бакст, Бенуа, Пикассо, Рерих, Гончарова, Матисс, Утрилло, Балла… Декорации дягилевских спектаклей, созданные гениями начала XX века, стали энциклопедией образов эпохи. Музыка, танец, оформление – все средства в равной степени выразительны и должны быть направлены на раскрытие концепции целого. Дягилев непосредственно участвует в создании спектаклей, определяет их музыкальный облик. Это был рубеж, знаменующий переход от театра старого к театру новому, режиссерскому. Рубеж двух систем.
Открытие фестиваля. Профессор И.А. Скворцова
Дягилевские сезоны стали революцией не только в мире музыки и театра, но и в мире моды. Яркие аксессуары, восточные образы и даже загар стали популярны во многом благодаря дягилевским действам. В Европе появилась мода на все русское: иностранные танцоры брали русские псевдонимы, а супруга короля Георга VI отправилась под венец в платье, украшенном элементами в русском стиле. Королева косметики того времени – Хелена Рубинштейн, – едва вернувшись домой после посещения Русских сезонов, сменила убранство дома на яркие блестящие тона.
Дягилев положил начало активному взаимодействию моды и театра. Когда над постановкой одновременно работают Жан Кокто, Пабло Пикассо и Коко Шанель, она просто обречена на успех! Роскошные костюмы и декорации, созданные ярчайшими художниками начала XX века – Бенуа, Бакстом, Гончаровой, Пикассо и другими, – стали неисчерпаемым источником вдохновения для выдающихся модельеров XX века. Поль Пуаре, Мариано Фортуни, сестры Кало, Коко Шанель, Ив Сен-Лоран – эти имена говорят сами за себя. Следуя примеру Шанель, театральными образами стали заниматься Ив Сен-Лоран, Пьер Карден, Джанни Версаче. Любимое «сказочное» платье принцессы Дианы, созданное дизайнерским дуэтом Дэвида и Элизабет Эммануэль и проданное на аукционе за 200 000$, было придумано в подражание костюмам Бакста.
Дягилев был невероятно яркой личностью, обладавшей даром угадывать и аккумулировать вокруг себя таланты. Благодаря ему мир узнал имена многих гениальных композиторов, хореографов, художников. Дягилев считал, что дистанцировать русское искусство от мирового наследия – ошибочно, и стремился всячески продвигать значимые достижения отечественной культуры. Сергей Павлович мечтал привезти свою труппу в Россию, но этой мечте не суждено было осуществиться. Многое из того, что покоряло публику всего мира, осталось неизвестным на Родине.
Этот факт стал одной из причин открытия в Московской консерватории фестиваля«Музыка дягилевских сезонов», инициированного кафедрой истории русской музыки под руководством доктора искусствоведения, профессора Ирины Арнольдовны Скворцовой. Фестиваль состоит из трех мероприятий и представляет музыку, связанную с деятельностью антрепризы Дягилева, охватывавшей не только постановки разножанровых спектаклей, но и различные концертные программы.
28 сентября 2022 года в Рахманиновском зале Консерватории прошел первый вечер, посвященный музыке С.В. Рахманинова. Концерт стал приношением одновременно дягилевскому юбилею и предстоящему 150-летию со дня рождения композитора. Сочинения Рахманинова были связаны со своеобразной отправной точкой «Русских сезонов» – циклом Исторических концертов, организованных Дягилевым в Париже. Представив в 1907 году ярчайшие образцы русской музыки европейской публике, импресарио загорелся идеей создания масштабного театрального предприятия, которым и стали «Русские сезоны».
Эмин Мартиросян и Ксения Апалько
Второй концерт пройдет 28 октября в зале имени Н.Я. Мясковского в рамках просветительской серии «Встречи в музыкальной гостиной». В нем будет представлена музыка М.И. Глинки и Н.А. Римского-Корсакова – композиторов, к произведениям которых Дягилев нередко обращался при создании своих спектаклей. А торжественным завершением фестиваля станет вечер 8 ноября 2022 года в Большом зале Консерватории, где состоится российская премьера исполнения музыки к балету «Русские сказки», буквально сотканной Дягилевым из произведений А.К. Лядова.
Спектакль «Русские сказки» был создан в 1917 году творческим союзом выдающихся художественных фигур: руководитель С. Дягилев, хореограф Л. Мясин, художники Н. Гончарова и М. Ларионов. После триумфальной премьеры в Париже, в театре Шатле, спектакль прошел в Барселоне, Женеве, Лондоне, Мадриде, Монте-Карло, Риме, Турине и других европейских городах. В наши дни эта жемчужина дягилевских «Русских сезонов» существует лишь в виде разбросанных по разным странам архивных документов, работа с которыми позволила восстановить облик спектакля. Некоторые из номеров были заново оркестрованы композитором Кузьмой Бодровым специально для нашего фестиваля.
Музыка «Русских сказок» вместе с еще одной яркой партитурой дягилевских сезонов – «Аполлоном Мусагетом» И. Стравинского – прозвучит 8 ноября в исполнении Камерного оркестра Московской консерватории под управлением народного артиста РФ Феликса Коробова.
Концерт задуман в синтетическом ключе – с использованием визуального оформления, отражающего яркий стиль «Русских сезонов». Соприкосновение с этим удивительно притягательным красочным миром вызывает в памяти слова Бенуа о том, что Дягилев «был великим мастером создавать атмосферу заразительной работы, и всякая работа под его главенством обладала прелестью известной фантастики и авантюры». Пусть эта атмосфера увлекательного приключения, свежести эмоций и радости творчества, столь точно характеризующая дягилевские начинания, сохраняется и передается нашим слушателям!
С 27 июня по 1 июля в Московской консерватории прошли III Всероссийские семинары новой музыки – образовательная программа для молодых композиторов и исполнителей, организованная ансамблем «Студия новой музыки». В этом году темой курса стала «Музыка и медиа», а в качестве со-организаторов программы выступил ЦЭАМ (Центр электроакустической музыки Московской консерватории).
Лекция Александра Хубеева
Всероссийские семинары проводятся с 2014 года. Программа каждого года состоит из теоретической и практической части. На лекциях и мастер-классах разбираются базовые инструментальные техники XX века: особенности их исполнения, записи и использования в сочинениях, а также общие вопросы истории и теории новой музыки. На протяжении недели семинаристы слушают лекции, участвуют в концертах и практических занятиях.
Для молодых исполнителей Всероссийские семинары – это возможность найти «точки выхода» из привычной академической среды, расширить свой репертуар и приобрести навыки работы с современными партитурами. Помогают им в этом солисты «Студии», которые проводят индивидуальные занятия и готовят студентов к выступлению на заключительных концертах. А молодые композиторы могут получить профессиональную оценку уже написанных сочинений и обсудить то, что находится в работе.
В 2022 году темой Семинаров стала «Музыка и медиа». Электроакустические и мультимедийные композиции сейчас все более востребованы, поэтому основной задачей курса было знакомство с новейшим репертуаром, способами работы с электроникой и видео. Большую роль играла практическая часть: разработка собственной электроакустической композиции у композиторов и обучение взаимодействию с электроникой и видео для исполнителей. Практику для исполнителей курировали солисты «Студии новой музыки»: Константин Ефимов и Марина Рубинштейн (флейта), Станислав Катенин (фагот), Мона Хаба и Наталия Черкасова(фортепиано), Андрей Винницкий (ударные), Алексей Потапов (гитара) и Марина Катаржнова (скрипка). Кураторами у композиторов стали Александр Хубеев, Николай Попов, Алексей Наджаров и Николай Хруст.
Теоретическая часть Семинаров включала лекции об истории и теории электроакустической музыки, особенностях live-выступлений и средствах live-электроники, а также разбор новейших акустических и электроакустических композиций. Среди лекторов – исследователь и основатель «Термен-центра» Андрей Смирнов, альтист Сергей Полтавский, солисты «Студии» Игнат Красиков (кларнет), Андрей Никитин (ударные), Анастасия Табанкова (гобой) и Ольга Галочкина (виолончель).
Лекция Андрея Никитина
В этом году в Семинарах участвовали студенты из Саратова, Нижнего Новгорода, Екатеринбурга, Санкт-Петербурга и Москвы – всего 18 человек. Новым, в сравнении с прошлыми программами, стало участие молодых дирижеров.
Кроме лекций и практикумов в рамках Семинаров состоялись три концерта. На открытии солисты «Студии» представили мультимедийные композиции и сочинения с электроникой. В концерте прозвучали пьесы российских композиторов: Николая Хруста, Николая Попова, Анны Поспеловой и Александра Хубеева. Также были исполнены сочинения редко звучащих у нас авторов Франциско Колоссанто (Аргентина), Томаса Кесслера (Швейцария) и Петера Аблингера (Австрия).
За неделю обучения студенты-семинаристы подготовили две концертные программы. Первая – с электроакустическими сочинениями (концерт состоялся 30 июня в ЦЭАМ), вторая – акустическая (в Концертном зале им. Н.Я. Мясковского 1 июля). Для электроакустической программы были выбраны сочинения композиторов, чья эстетика выходит за пределы академической электронной сцены. Это Якоб TV (Якоб тер Велдхейс), голландский композитор, которого сравнивают с Энди Уорхолом; Александр Шуберт, опирающийся на фри-джаз, техно и поп-музыку, и рок-музыкант Карлхайнц Эссл – оба из Германии. Несмотря на то, что некоторые участники впервые работали с пьесами такого формата, а время на подготовку было минимальным, все студенты достойно справились с материалом.
В программу второго концерта вошли сольные и ансамблевые акустические сочинения. Прозвучала музыка Антона Веберна, Карлхайнца Штокхаузена, Пьера Булеза, Луи Андриссена, Эдисона Денисова, Валентина Сильвестрова, Хаи Черновин и Алексея Сюмака.
Заключительный концерт
Базой для работы композиторов на курсе стал ЦЭАМ – научно-творческий центр электроакустической музыки, созданный в Московской консерватории в 2006 году. Кроме электроакустики в Центре изучают мультимедиа, разрабатывают учебные пособия, организуют фестивали и образовательные мероприятия. Сотрудники ЦЭАМа ведут лекции в Консерватории, но лишь недавно их дисциплины перестали быть факультативными. С 2022 года для композиторов всех курсов ввели большой образовательный блок по электроакустической музыке.
Интерес к электроакустике есть и у студентов из регионов, но далеко не всегда у них есть возможность серьезно изучать это направление. К сожалению, в нашей стране пока не сформирована образовательная среда в области электроакустической музыки, и русскоязычных исследований в этой сфере крайне мало. На сегодняшний день основную часть литературы составляют переводы зарубежных изданий, и по большей части это руководства по компьютерным программам. Пока что музыканты из регионов вынуждены заниматься самообразованием и получать информацию на семинарах и лабораториях.
Совместными усилиями ансамбля «Студия новой музыки» и ЦЭАМа удалось провести семинары на уровне, соответствующем международным стандартам. Подобные проекты способны давать импульс для развития и открывать новые направления молодым музыкантам. Конечно, сами по себе они не могут заменить образовательную инфраструктуру, но становятся первым шагом к освоению новейших технологий и направлений в искусстве. Ведь электроакустическая музыка уже стала новой реальностью, и путь к ней лежит через кропотливое изучение тех наработок, которые есть на сегодняшний день.
Алина Моисеева, выпускница НКФ (2022), муз. журналистика
Каждая встреча со старшим поколением консерваторцев, будь то концерт, лекция или просто беседа, – это всегда урок живой истории. Они, как атланты, «держат небо на каменных руках». И одним из таких «атлантов» является заслуженный работник культуры РСФСР, Советник Ректора по концертной работе Владимир Емельянович Захаров. 29 сентября в Большом зале Консерватории состоялся гала-концерт, посвященный его 95-летнему юбилею!
Владимир Емельянович служит Большому залу 70 лет! Именно так он определяет суть своей работы. Это больше чем половина жизни самого зала. Профессиональная деятельность В.Е. Захарова отмечена высокими наградами: почетная грамота Президента Российской Федерации В.В. Путина «За заслуги в развитии отечественной культуры и искусства, многолетнюю плодотворную деятельность», благодарность председателя Совета Федерации Федерального собрания РФ В.И. Матвиенко, серебряный нагрудный знак отличия «За служение Московской консерватории» … Список можно продолжить.
В день юбилея, под фанфары Центрального военного оркестра Министерства обороны РФ и многолетие от Камерного хора Московской консерватории Владимира Емельяновича поздравил ректор Консерватории, профессор А.С. Соколов и вручил почетную награду Министерства культуры РФ – нагрудный знак «За вклад в Российскую культуру». Зал приветствовал юбиляра стоя!
Музыкальные подарки Владимиру Емельяновичу преподнесли мэтры отечественной культуры. В первой части вечера Владимир Спиваков и «Виртуозы Москвы» исполнили сочинения Л.Боккерини, П.И. Чайковского и А.Пьяццоллы. Во втором отделении «Метель» Г.Свиридова прозвучала в эталонном исполнении Большого симфонического оркестра имени П.И. Чайковского под руководством Владимира Федосеева. Финальной точкой стал страстный испанский танец из музыки балета «Лебединое озеро» П.И. Чайковского – намек на интерес юбиляра к испанской культуре, испанским языком Владимир Емельянович владеет в совершенстве.
Поздравительные адреса в этот день пришли от Благотворительного фонда Валерия Гергиева; от Московской государственной академической филармонии; видеопоздравления прислали Денис Мацуев, Хибла Герзмава, Екатерина Мечетина.
Секрет профессионального и жизненного долголетия В.Е. Захарова – это любовь к Большому залу, к исполнителям, к коллегам, к студентам, к постоянным слушателям… Любовь к Музыке и эта любовь взаимна! Многая лета, дорогой Владимир Емельянович! Многая и благая лета!
Елена Ферапонтова, руководитель дирекции концертных программ БЗ, кандидат искусствоведения
Цикл «Бетховен. Собрание фортепианных сочинений», посвященный юбилею Бетховена и исполненный профессором Р.А. Островским, 8 мая текущего года в Малом зале завершился долгой стоячей овацией.
Рувим Островский
Масштабом замысла, глубиной и всеохватностью этот цикл не укладывается в ряд обычных музыкальных событий. В двенадцати концертах, проходивших на протяжении трех сезонов, было охвачено практически все фортепианное творчество Бетховена в его развитии и многообразии жанров. Кроме 32 сонат, бесспорно являющихся ядром цикла, прозвучали 13 вариационных циклов, значительное число миниатюр, среди которых несколько опусов «Багателей», множество танцев, рондо и других отдельных пьес, а также все четырехручные сочинения Бетховена, исполненные совместно с пианисткой Надеждой Рубаненко.
Исполнению бетховенских опусов предшествовали бесценные по своему содержанию и художественному воплощению словесные преамбулы, в которых Рувим Ааронович провел своих слушателей по основным вехам жизни Бетховена и его творческого пути: от детских сочинений до вершин позднего сонатного творчества, от развлекательных вариаций на темы из популярных опер, написанных на потребу дилетантов, до таких вершин фортепианного искусства как 33 Вариации на тему вальса Диабелли соч. 120.
Пройдя путь многогранного научного и исполнительского исследования, Рувим Ааронович вышел на новый уровень исполнительского постижения бетховенского творчества – абсолютного слияния с авторским материалом. Переработав все лучшие исполнительские и музыковедческие достижения бетховенианы последних трех столетий, выстроив и подготовив 12 уникальных по своей художественной значимости и невероятно масштабных по емкости программ, пианист проникает в «святая святых» бетховенского творческого процесса, на какой-то момент поднимаясь до соавторства, когда у слушателя остается впечатление сопричастности исполнителя творцу.
Фортепианный стиль Рувима Аароновича отличает ярчайшая исполнительская индивидуальность, артистическая свобода, не стесненная никакими заведомыми установками. Главной чертой исполнительского облика пианиста, как мне кажется, является стремление донести бетховенскую мысль в ее первозданности, избегая всевозможных исполнительских штампов. Эстетическая бескомпромиссность в выражении основной, ведущей мысли вызывает у слушателей ассоциации с образом автора. Не каждый исполнитель может себе позволить подобное перевоплощение: примени этот прием другой пианист, это могло бы вызвать неприятие публики. В нашем случае зал реагировал с восторгом за подаренные мгновения духовного парения. Облик исполнителя, его благоговейный трепет перед божеством автора, его чуткое вслушивание в душевные движения композитора – все вызывало у слушателя почтение и благодарность.
Яркой особенностью таланта Островского становится мастерство режиссерской драматургии: он способен передать разномасштабность взгляда – отдаленность и приближение явления, т.е. крупный план или любование филигранностью рассматриваемой хрупкой детали. Музыка и словесный комментарий находятся в особом соотношении. Природный артистизм и настоящее ораторское искусство позволяют Рувиму Аароновичу установить контакт с залом и, главное, посвятить слушателя в свое, личное отношение к автору и его музыке. Артист полон эмоций различного происхождения: его речь – это не музыковедческий анализ и не исполнительский комментарий, это полновесное авторское слово, неповторимое, обладающее точностью формулировок, силой эмоционального воздействия и выводящее публику на высокий, порой недостижимый для рядового слушателя уровень музыкального восприятия.
Опираясь на большое количество документальных свидетельств, Рувим Ааронович в своих преамбулах ставит исполняемые сочинения не только в исторический контекст, но и в контекст разнообразных человеческих коллизий. Здесь и истории многих посвящений, и любовные перипетии, и отношения с друзьями, меценатами, издателями, и многое другое. Как легко мы узнаем теперь имена людей, которым сочинение посвящено! А если вникнуть, как это делает артист, в сложную, порой неоднозначную историю таких посвящений, понимаешь, сколько загадок, порой неразгаданных, за ними скрывается…
На протяжении всех концертов Островскому удивительным образом удавалось сократить долгие годы, отделяющие нашу эпоху от бетховенской, максимально приблизить нас к творцу. Слушатель не просто знакомился с событиями, но переживал их, словно становясь их свидетелем и современником. Объясняется это очень просто: кроме артистического дара пианист обладает незаурядным писательским дарованием – именно писательским, потому что он знает законы и возможности нашего восприятия и учитывает их.
Цикл, исполненный Р.А. Островским, приковывает внимание не только своей масштабностью, он завораживает непостижимостью и духовностью услышанного, то есть теми высочайшими свойствами, утратой которых отмечено, к сожалению, наше время. После заключительных аккордов каждого очередного концерта неизменно возникал вопрос: неужели созданное и услышанное сегодня под силу человеку?! Рувим Ааронович позволил нам ощутить величие и могущество бетховенского наследия, исполнив высокую миссию – донести до нас духовное послание гения, обращенное к человечеству.
12 сентября в Рахманиновском зале коллектив под руководством Леонида Лундстрема представил концерт «Великие квинтеты». Публике посчастливилось услышать одни из лучших образцов камерной музыки: два соль-минорных квинтета – струнный Моцарта и фортепианный – Танеева. Классицистский и позднеромантический.
Под квинтетом традиционно понимается произведение, рассчитанное на исполнение ансамблем из пяти инструментов. Два соль-минорных квинтета – Моцарта и Танеева – два представителя одного жанра, но из совершенно разных эпох. Однако созданные в 1787 году сочинение Моцарта и в 1911 году квинтет Танеева строятся практически одинаково: в качестве структурной модели взят как раз пример жанра эпохи венских классиков. Подобная схожесть как тональности, так и композиции объяснима: Сергей Иванович, как известно, чтил и зачастую обращался к образцам старых традиций. Как видим, коллектив подошел к выбору произведений ответственно.
В концерте приняли участие: создатель ансамбля Леонид Лундстрем (первая скрипка), Полина Лундстрем(вторая скрипка), Мария Воскресенская – виртуозная пианистка и спутница жизни Леонида Игоревича, Павел Федосеев и Дмитрий Усов (альты) и участник проекта «Лундстрем трио» Владимир Нор (виолончель). Коллег поддерживал еще один неизменный участник коллектива – скрипач Пётр Лундстрем. (Пётр недавно вернулся из Донецкой Народной Республики, куда возил гуманитарную помощь).
Все участники концерта проявили себя как прекрасные солисты и ансамблисты. Не лишая экспрессии, Моцарта исполнители выдержали в духе классицизма – тонко, ясно, как бы вполголоса. В далеком XVIII веке фортепиано, а, вернее, клавир, редко становился участником столь больших ансамблей (исключением в творчестве того же Моцарта стали два квинтета для клавира и духовых), и использование однородного состава, в данном случае – струнного, лишний раз отсылает слушателя к ставшему «прошлым» звучанию. Ансамблисты в моцартовском квинтете показали отличную слаженность и дали насладиться чистым звуком. Четкая артикуляция, виртуозные пассажи и лирическая выразительность привели слушателей в восторг: музыканты уже в конце первого отделения выходили кланяться дважды.
Во втором отделении на сцене появилась Мария Воскресенская, чья исполнительская манера отличается особым масштабом. Это дало поразительный эффект: отличающийся хоровой, несколько церковной акустикой Рахманиновский зал Консерватории наполнился романтическим, а в некоторых местах партитуры апофеозным звучанием. Здесь уже не было классицистской сдержанности и камерности – музыканты буквально гипнотизировали слушателя мощным и почти экспрессионистским звуком.
Несмотря на внешнюю схожесть, квинтет Танеева устроен сложнее, и поэтому музыкантам пришлось проявить умение правильно выстроить исполнение. Глобальная первая часть – Интродукция – уже претендует на звание самостоятельного произведения, завершающегося собственным мощнейшим «финалом». Ансамбль настолько хорошо слился в этом «финале» в эмоциональном экстазе, что слушатели уже готовы были подносить цветы. Но! Этот мощнейший «финал» – не финал. И удивительный, сильнейший эмоциональный подъем в конце первой части, характерный все-таки для окончания всего сочинения, несколько ослабил дальнейшее впечатление, отчего неискушенному слушателю, возможно, труднее давались последующие части.
Но это не умалило того весеннего настроения, которое удалось создать музыкантам (во многом благодаря Марии Воскресенской) в скерцо, написанном в духе Чайковского. В философской медленной части – вариациях на басовую тему – несмотря на всю экспрессию исполнители как будто вернулись в XVIII век, что отразилось в какой-то чистоте и строгости звучания. Стремительный, действенный финал возвратил к драматическому настроению первой и главной части, а гимническая кода, которую музыканты впоследствии исполнили на бис, вновь вдохновила и воодушевила слушателей на бурные аплодисменты.
Кто такие композиторы миллениалы? О чем, для чего и «из чего» их музыка? – эти и многие другие вопросы были затронуты в книге Сергея Уварова «Голос миллениалов». 15 сентября в ЦЭАМ (Центр электро-акустической музыки) Московской консерватории состоялась презентация нового литературно-музыкального проекта Союза композиторов России. Сочетание письменного и живого разговора, нотированной и звучащей музыки – вот, что представляет собой презентация и ее предмет. «Звучащая книга», «современные композиторы» – понятия растяжимые, а вот «миллениалы» – уже более конкретное определение. Так называют тех, кто появился и реализовал себя на музыкальной арене за последние два десятилетия.
Автор книги – музыковед, музыкальный критик и журналист Сергей Уваров – постарался дать максимально целостное представление о своем поколении композиторов, их музыке и воззрениях. Собственно, эти три пункта и стали основой презентации: за лаконичным вступительным словом автора последовал небольшой, и весьма противоречивый концерт из трех произведений героев книги, а далее композиторам была дана возможность «ответить за содеянное» перед слушателями и потенциальными читателями.
После традиционных слов благодарности организаторам и участникам проекта, автор решил ответить на главный вопрос: «Что представляет собой эта книга, и о чем она вообще?». Надо отдать должное Сергею Уварову за простоту и ясность описания. В кратком спиче были освещены как предмет размышлений, так и средства его постижения. Попытка понять, что же принесло в музыкальный мир поколение 30-летних, стала импульсом к поискам и рассуждениям. Да и вообще, сначала нужно выяснить, какое оно, современное музыкальное пространство и кто задает тон его звучанию. Из этих соображений были отобраны 12 интервью с наиболее яркими композиторами современности. Автор делает своего рода срез, показывающий текущее состояние русской музыки.
Помимо бесед, в книгу вошли авторские эссе и 12 полных партитур музыкальных произведений, что действительно не часто встречается в литературе о музыке. Новинкой для читателя станут и QR-коды: во-первых, они позволят послушать записи произведений, а во-вторых, познакомиться с биографией композиторов и следить за обновляющейся (!) информацией о каждом из них. Более того, они дают книге возможность самообновляться и оставаться актуальной даже спустя время! Как сказал автор: «Эта книга, своего рода, задел на будущее», а поскольку будущее любой книги во многом зависит от читателей то, чем шире их круг, тем лучше. В данном случае об этом не стоит беспокоиться, поскольку она может удовлетворить интерес как меломана, так и специалиста-музыковеда. Конечно, отбор героев книги – субъективен, о чем сказал сам Сергей Уваров, но в таком комплексе разножанровых источников (эссе, интервью, партитура, звучащий и беззвучный QR-коды) есть и большая доля объективности, которая с лихвой компенсирует невозможность объять необъятное — современную академическую музыку.
Заинтриговав слушателей содержанием книги, участники проекта все же решили приоткрыть завесу и исполнить несколько опубликованных в ней произведений. В небольшом концерте прозвучали произведения Александра Хубеева, Анны Поспеловой и Николая Попова. Несмотря на многократно подчеркнутую индивидуальность стиля каждого автора, организаторы не заметили или намеренно отобрали произведения очень схожие по некоторым параметрам. Например, вся музыка оказалась для струнных и электроники – по очереди прозвучали скрипка, виола да гамба и виолончель. Да, конечно, они отличаются и трактованы по-разному, но все-таки инструменты разных эпох очень объединяет нейлоновая струна XXI века и боязнь прозвучать обычно.
Сергей Уваров рассказывает о своей книге
Последнее попыталась преодолеть Анна Поспелова в своем Bzzz для виолы да гамба, вводя вполне традиционные трезвучия, где-то ближе к середине произведения, но кого сегодня удивить путем от диссонанса к консонансу? Остатки бетховенской лодки «от мрака к свету», давно разбились о быт XX века. Вторым объединяющим фактором стал расчет на визуальную сторону. Наиболее прямо об этом заявлено в KCI 23/11 для виолончели, электроники и видео Николая Попова. Здесь он использовал полюбившийся ему видео-арт, те, кто были в прошлом концертном сезоне на фестивалях «Московский форум» и «Биомеханика», могут вспомнить предыдущие опыты. Попытка визуализировать звук, подчеркнуть особенности артикуляции через параллельное движение рук виолончелиста в реальности и на экране, хорошо концентрирует слушателя на происходящем, обостряет впечатление, но какое именно – понять очень сложно. Мелькающий видеоряд, с частым монтажным ритмом, в сочетании с острыми музыкальными углами и хрустящей электроникой производят неоднозначное впечатление. Слишком эффектное, это произведение практически не рассчитано на обычного слушателя, не готового к слегка агрессивной манере, в которой оно выполнено. Пьеса буквально атакует и слух, и зрение.
Визуальная сторона произведений Поспеловой и Хубеева заключается в самих исполнителях, инструментах и приемах игры. Поспелова для своих экспериментов выбрала нетривиальную виолу да гамба. Более того, как она призналась в ходе public talk, ее произведение не только музыка, но технически впечатляющее зрелище, «эквилибристический этюд». Чего стоят многочисленные переброски смычка из руки в руку. Интересно наблюдать, что еще может акустический инструмент, звук которого пускай и пропущен через усилитель. Визуал «Голоса Феникса» наименее выразителен, но наперстки вместо смычка вызывают некоторое оживление. Каков же он – голос феникса? При касании к струнам наперстки вызывают синтетический, действительно немного ирреальный звук. Сразу отметим, что эффектное название из мира фэнтези наталкивает на мысль о желании композитора изобрести голос неведомой, способной к самовозрождению птицы, которая может петь вечно. Ирония в том, что музыкальные произведения имеют свойство заканчиваться… Если же оставить смысловые вопросы, часто неуместные в современном искусстве, то окажется, что мы имеем дело со все той же романтической программной пьесой, но с измененным типом образности и модернизированными средствами звукоизвлечения.
Антон Изгагин
Юлия Мигунова
Завершающий презентацию public talk расставил некоторые точки над і. Начали с очевидного вопроса о новизне и вкладе миллениалов в музыку нашего времени. Ответ дал Александр Хубеев, выразив мысль, что новое создать невозможно, но настоящая новизна в индивидуальности каждого композитора. Скепсис по поводу новизны выразила и Анна Поспелова. Вот только встает вопрос: тогда зачем нам нужен «Голос Феникса»? Нет ли противоречия между действиями и словами?
Второй вопрос был выражен словами Станиславского: «Какова сверхидея?» Суммируя весьма пространные ответы, сложилось впечатление, что цель есть «поиск материала». Об этом напрямую заявил Николай Попов, а Анна Поспелова уделила большое внимание многочасовым поискам приемов и звука, проведенных совместно с исполнителем Антоном Изгагиным. Но материал всегда найдется, особенно во время, когда им может быть все, что угодно, а разговоры о новых музыкальных мирах, принципах, методах и системах, перестают быть столь увлекательными, как только из предложения стоит убрать «новое». Без этого прилагательного все, что к нему было привязано, становится неопределенным и бесцветным.
Был затронут и вопрос слушательского восприятия, которое было решительно отвергнуто: «Традиционно, ты вообще не думаешь о публике… все зависит от какого-то индивидуального воспитания, восприятия слушателя», – говорит Николай Попов. Подобными вещами эпатировал публику еще Эрик Сати, но вот вряд ли Сати возлагал всю ответственность за свои действия на слушателя, хотя если развернуть этот же факт как «сотворчество» – результат будет иным. Впрочем, тема столь пространна, что естественно заплутать в лесу пяти концептуальных вопросов – это и произошло, когда к диалогу подключились гости презентации.
Книга и презентация в комплексе дают вполне объективную картинку, открыто выражают разнообразие сосуществующих в музыкальном мире позиций и взглядов на искусство. Опыт непосредственного общения сегодня крайне ценен. И пусть живая речь в письменном варианте всегда пестрит шероховатостями, в книге Сергея Уварова «Голос милениалов» – непременно останется главное.
В июне в Москве (14–27 июня) прошел Международный конкурс пианистов, композиторов и дирижеров имени С.В. Рахманинова. Событие трудно переоценить: на пороге 150-летия со дня рождения великого русского музыканта, которое в следующем году будет праздновать весь музыкальный мир, Рахманинов, словно полководец, призывает под свои знамена свежие музыкальные силы во всех трех основных для него творческих ипостасях: пианистов (до 32 лет), дирижеров (до 45 лет) и композиторов (без ограничения возраста).
Столь масштабного Международного конкурса имени Рахманинова, равнозначного, по замыслу организаторов, знаменитому Конкурсу Чайковского, у нас еще не было. И радость Московской консерватории по этому поводу закономерна, ведь именно в Консерватории в 80-х годах прошлого века был впервые учрежден фортепианный конкурс имени ее гениального выпускника. Затем прошло шесть состязаний (1983, 1989, 1993, 1997, 2002, 2008), последние четыре в статусе международных. Дело застопорилось из-за проблем с финансированием. Поэтому нынешнее возрождение Конкурса имени Рахманинова в принципиально новом творческом статусе и при внушительной государственной поддержке обладает особой значимостью.
И невольно всплывает в памяти важное для этого события имя профессора В.К. Мержанова (1919–2012). Именно Виктор Карпович стоял у истоков основания Рахманиновского общества в России (1981), был одним из инициаторов названного фортепианного конкурса имени Рахманинова и председателем жюри большинства из них. Упорная «борьба за Рахманинова» на его исторической родине была страстью профессора Мержанова, важнейшей темой, неоднократно возникавшей и в наших с ним глубоко заинтересованных разговорах. Все это осталось в прошлом. Новый Международный конкурс пианистов, композиторов и дирижеров имени Рахманинова состоялся!
Церемония награждения в Доме Пашкова (27 июня 2022 года)
В его организации приняли участие ведущие силы как музыкальные, так и управляющие культурным процессом страны. Однако первым и, наверное, главным должно быть названо имя идеолога и инициатора всего события – Дениса Мацуева, художественного руководителя Конкурса и арт-директора Фонда имени С.В. Рахманинова. Всемирно известный пианист, боготворящий Рахманинова, называет его музыку «лейтмотивом всей своей жизни». И на вопрос в одном из множества интервью с ним «Где ты хочешь находиться через двадцать лет?», не раздумывая отвечает: «Я хочу находиться на сцене и играть Третий концерт Рахманинова!»
Естественно, что конкурс пианистов возглавил именно Денис Мацуев, собравший внушительное международное жюри, в которое вошли: Владимир Виардо, Та Куан Донг, Фредерик Кемпф, Лю Ши Кунь, Максим Могилевский, Владимир Овчинников, Валерий Пясецкий, Владимир Тропп. Программа выступлений задумывалась не только как монографическая, ведь наряду с сочинениями Рахманинова из богатейшей россыпи его фортепианного наследия, сольного и симфонического, допускались и произведения его современников, написанные в годы творчества Рахманинова (1887–1943). Так среди прозвучавших оказались сочинения Скрябина, Равеля, Дебюсси, Стравинского, Прокофьева, Хиндемита, Р. Штрауса, Метнера, Ляпунова и даже Брамса… Пианисты играли в БЗК, что было комфортно и очень выигрышно.
В сам процесс соревнований молодых пианистов также добавилось интересное новшество: наряду с сольными сочинениями, предложенными для первых двух туров, в третий тур, помимо двух концертов для фортепиано с оркестром была введена необычная творческая составляющая – камерно-вокальная. Пианист в качестве аккомпаниатора должен был исполнить внушительную подборку уникальных романсов Рахманинова в дуэтном ансамбле с певцом. Очень тонкое и справедливое начинание, важное для понимания глубины музыкальности молодого художника. Для исполнения вокальных партий были приглашены артисты Молодежной оперной программы Большого театра.
Александр Ключко (I премия)
Церемония награждения. Денис Мацуев и Арсений Тарасевич-Николаев (II премия)
Жюри конкурса композиторов возглавил профессор Александр Чайковский, заведующий кафедрой композиции Московской консерватории. Александр Владимирович пригласил в жюри известных музыкантов, композиторов и исполнителей: Юрия Башмета, Валерия Воронова, Куана До Хонга, Михаила Кокжаева, Толегена Мухамеджанова, Александра Радвиловича, Алексея Рыбникова. У композиторского состязания были особые требования. Соискатели представляли свои сочинения под девизом, 1-й тур шел без прослушивания – это, по сути, был отбор основных претендентов по нотам. Только 2-й тур являлся публичным музыкальным соревнованием (и единственным, поскольку 3-го тура у композиторов нет).
Обычно на композиторские конкурсы представляется одно сочинение, но в данном случае, соответственно облику Рахманинова-композитора, предполагались два: сольное фортепианное произведение и концерт для фортепиано с оркестром. Причем они даже звучали в разных залах. Сольную программу жюри слушало в Малом зале Консерватории, а симфоническую – в Филармонии-2, еще одном московском Концертном зале имени С.В. Рахманинова. Солировали специально приглашенные концертирующие пианисты (за исключением случаев, когда за роялем был сам автор). Композиторам участвовать в Конкурсе Рахманинова сложно – невольно возникает сравнение с популярнейшим в мире художником. Тем не менее, как заметил А.В. Чайковский, «если мы получим хотя бы одно новое сочинение, которое войдет в репертуар пианистов, это уже будет большая победа конкурса».
Солистка Вера Зырянова и Александр Тлеуов (II премия)
Конкурс дирижеров, который проходил в Концертном зале им. П.И. Чайковского, был отдан под руководство Валерия Гергиева. В жюри, которое возглавил Валерий Абисалович, также приняли участие известные музыканты из разных стран: Сесар Альварес, Кристиан Кнапп, Тао Линь, Фабио Мастранджело, Джордж Пехливанян, Валерий Полянский, Александр Сладковский, Владимир Федосеев, Кристофер Чен. Конкурс дирижеров, включавший в себя три очных тура, выдвигал серьезные требования.
Первые два предполагали показ репетиционной работы с оркестром над сочинениями, которые стояли в предложенной программе. В частности, во 2-м туре это были «Симфонические танцы» и одно из произведений современников Рахманинова из достаточно внушительного списка. А к 3-му туру дирижеры должны были тянуть билет и затем публично продирижировать «предложенными волею судьбы» симфонией и фортепианным концертом Рахманинова. А значит, соискатель должен был уже иметь в своем творческом багаже все симфонии и все концерты композитора. В одном из интервью В.А. Гергиев подчеркнул: «Намерен максимально внимательно отнестись не только к победителям, обладателям первой премии, но и к тем, кто просто хорошо зарекомендовал себя в этом состязании. В частности, к юным дирижерам, а они были не только из России, но и из Белоруссии, Франции, Китая, Америки, Словении».
Гурген Петросян (I премия)
Клеман Нонсьё (II премия)
Московская консерватория в лице своих нынешних и прошлых питомцев показала себя на конкурсе очень ярко. Среди лауреатов и участников много «наших» имен — от студентов до сложившихся больших музыкантов. У пианистов 1-й премии удостоились Александр Ключко (кл. проф. П.Т. Нерсесяна) и Иван Бессонов (кл. проф. В.В. Пясецкого); Арсений Тарасевич-Николаев (выпускник кл. проф. С.Л. Доренского) стал одним из двух победителей II премии, разделив ее с Мао Сюаньи (Китай); Константин Хачикян (выпускник кл. проф. А.А. Писарева), Ева Георгян (учащаяся ЦМШ при МГК, кл. проф. Н.В. Трулль) и Илья Папоян (Россия) стали лауреатами III премии. Среди лауреатов-композиторов видим имена: I премия – Ян Юаньфан (Великобритания), II премия – Александр Тлеуов (выпускник кл. проф. Ю.В. Воронцова) и Эдуард Кипрский (Россия), III премия – Алексей Сергунин (выпускник кл. проф. А.В. Чайковского) и Андрей Поспелов (Россия). Дирижеры-лауреаты: 1-е премии – Филипп Селиванов (Россия) и Гурген Петросян (Россия), 2-е премии – Иван Никифорчин (выпускник кл. проф. В.К. Полянского) и Клеман Нонсьё (Франция), 3-и премии – Арсений Шупляков (Россия) и Ли Хаожань(Китай).
Отзвук прошедшего Конкурса Рахманинова продолжается. Концертный сезон и, одновременно, новый учебный год в Московской консерватории открылся 1 сентября в Большом зале блестящим PIANO GALA. Лауреаты-консерваторцы – К. Хачикян, А. Тарасевич-Николаев, Е. Георгян и А. Ключко – играли Рахманинова. А полный зал слушателей их благодарно приветствовал…
Профессор Т.А. Курышева, главный редактор «РМ»
Фото Евгения Евтюхова, Алексея Молчановского, Александра Шапунова
Дневник впечатлений о 16-м Международном музыкальном фестивале «Собираем друзей»
№6 (1389), сентябрь 2022 года
Строки, выведенные в название, можно найти в приведенном ниже высказывании студента-первокурсника из Китая Ван Цзыжуя, примкнувшего к пестрой группе волонтеров фестиваля «Собираем друзей», традиционно проводимого научно-творческим центром «Музыкальные культуры мира» в августе в Рахманиновском зале МГК. Получилось, что, несмотря на свои скромные масштабы (10 концертов и разные по жанру встречи), фестиваль привлек внимание многих людей и в сиюминутной культурно-политической ситуации прозвучал новыми тембрами.
Ансамбль «Корни» из Западной Сахары
Не секрет, что сделать фестиваль в этом году широко международным было весьма сложно: психоэмоциональная настройка общественного сознания в странах, втянутых в конфликтную ситуацию в Восточной Европе, оказалась существенно сбитой массированной обработкой разноязыких агрессивных СМИ. Кто-то из ожидаемых гостей фестиваля оказался в прямой зависимости от запретных установок своих правительств на посещение России, кто-то запутался в круто изменившихся маршрутах и ценах на авиабилеты, кто-то решил переждать до лучших времен, а кто-то и попросту испугался обструкции со стороны своих сограждан по возвращении из Москвы. Но фестиваль, не замолкавший даже во время разгара коронавирусной эпидемии, не остановился и на этот раз, и, напротив, оказался как никогда многоцветным и полнозвучным.
Высокий тон фестивалю задала пресс-конференция в ТАСС, проведенная 3 августа при участии ректора, профессора А.С. Соколова, который отметил стабильность и неиссякаемый творческий потенциал летних международных фестивалей Консерватории и подчеркнул, что сегодня на бледном политическом фоне карта культурных связей высвечивается особенно ярко. Участница беседы из Японии, организатор фестивалей J-Fest и Sorafest Юкико Касэ, назвав Москву столицей культуры мира, отметила восхитительную способность России в самые тяжелые времена оставаться страной творческих идей, гениев и прекрасных организаторов. Профессор А.В. Соловьёв, возглавляющий Фонд развития творческих инициатив, отметил необычную роль фестиваля, оказавшегося в этом году своеобразным «спутником» в орбите другого, более масштабного проекта – Международного фестиваля «Россия – Вселенная звука», получившего поддержку Президентского фонда культурных инициатив. Слушателям пресс-конференции была представлена с подробностями вся программа фестиваля, а увлекательный рассказ приехавшего из США пианиста Михаила Коржева о предстоящей программе, составленной им из неизвестных произведений Эрнста Кшенека, перекинул прямой мостик к первому концерту фестиваля.
И сразу за пресс-конференцией стремительно полетели одно за другим фестивальные события, встречи, открытия. Вряд ли один рассказ, пусть даже обстоятельный, способен создать впечатление об этом фейерверке звучаний и эмоций. Поэтому предлагаем вниманию читателя пестрое собрание мнений и впечатлений от разных людей, оказавшихся причастными к проекту «Собираем друзей»–2022.
Всех людей, так или иначе прикоснувшихся к фестивалю, можно условно разделить на четыре категории: 1) организаторы; 2) посетители в концертном зале; 3) слушатели интернет-трансляций; 4) участники фестиваля, его главные герои. Команда «организаторов» также неоднородна: это сотрудники НТЦ «Музыкальные культуры мира», выступающие авторами идей; профессионалы, обеспечивающие техническую реализацию фестиваля; и, наконец, студенты-волонтеры из МГК и ИСАА МГУ имени М.В. Ломоносова. Эта «младшая» группа заслуживает особого внимания.
«Преемственность поколений – пожалуй, одна из важнейших черт образовательной миссии Консерватории, поэтому особенно радостно ее отметить и на нашем фестивале, – рассказывает Виктория Пан, ведущий специалист НТЦ «Музыкальные культуры мира». – Только поступившие на первый курс иностранные студенты приняли активное участие в качестве волонтеров, встречая посетителей рассказами об исполняемых программах, композиторах и музыкантах. Тем временем на сцене выступил ансамбль Nova Trio из Турции (12.08), чьим основателем и солистом является выпускник Московской консерватории Четин Джевиз. Блестяще владея как скрипкой, так и русским языком, он показал первокурсникам отличный пример того, какой ценный вклад вносят выпускники Консерватории в культурную жизнь не только России, но и мира. Затем в конце фестиваля, на отчетном концерте международной летней школы, те же волонтеры смогли продемонстрировать теперь уже свои навыки исполнительского мастерства».
Фольклорный ансамбль «Заигрыши» из Самары
А вот что говорят сами волонтеры:
Ван Цзыжуй, 王子睿 (1-й курс, фортепиано): «Японский поэт Кобаяси Исса написал стихи: „Чужих меж нами нет, мы все друг другу братья под вишнями в цвету.“ И обратился я, и увидел всякие угнетения, какие делаются под солнцем. Мои европейские друзья сказали мне, что им не разрешают играть русских композиторов на своих концертах. Я знаю, что этот год особенный, но на русской земле Международный музыкальный конкурс имени С.В. Рахманинова продолжается, Международная летняя школа Московской консерватории продолжается, Международный музыкальный фестиваль «Собираем друзей» продолжается. Сахарские музыканты, преследуемые политическими кампаниями, до сих пор играют музыку своей страны в Рахманиновском зале. Музыка разных народов, стран, культур, жанров, эпох сходится вместе: на 16-м Международном музыкальном фестивале «Собираем друзей» мы слышим музыку народа и народ музыки. Все указывает на простую истину – искусство принадлежит народу, и народу нужна музыка».
Лоу Цюань, 娄权 (1-й курс, кларнет): «Во время Фестиваля я посмотрел несколько концертов, многое прочувствовал и многое получил. Хотя духовых инструментов не было, было много ансамблей и фортепианных выступлений. Я чувствовал, что музыканты на сцене уже погружены в музыку. Музыка объединена в единое целое, и мне это очень нравится. Как волонтер я также участвовал в распространении списка программ и в некоторых интервью до и после концерта. Я считаю, что это будет большим подспорьем к моей будущей учебе в Консерватории».
Янь И 燕怡 (1-й курс, виолончель): «Музыка — это мировой язык. В разных странах есть разная история искусства и музыки. На Фестивале «Собираем друзей» мы встретили исполнителей из разных стран, они играли много музыки из разных эпох. Концерт «Неизвестный Эрнст Кшенек» (выступление Михаила Коржева) произвел на меня сильное впечатление и помог мне понять атональную музыку. Nova Trio представил нам очень красивые турецкие произведения. Ансамбль «Заигрыши» из Самары показал, что Самарская область сохранила много песен из разных районов. Ансамбль «Корни» показал нам музыку и искусство из Западной Сахары. Ансамбль «Атаман» оказал очень сильное впечатление на каждого зрителя. Они пели песни и танцевали в такое неспокойное время! Фестиваль «Собираем друзей» вызывал вспоминания о прошлом времени. Мы сидели вместе и слушали музыку, знакомились с их культурой и искусством! Я очень благодарен, что есть такой шанс».
Дарья Щербакова (ИСАА МГУ имени М.В. Ломоносова, арабский язык) затронула другую тему: «16 августа мне довелось побывать на концерте «Такая разная Самара» фольклорного ансамбля «Заигрыши». Яркие костюмы, прекрасная музыка, танцы, игры – все это я увидела не в отрыве от реальности, а, наоборот, представление «говорило» со мной. За каждым танцем, за каждой народной игрой и даже колыбельной стоит своя важная предыстория, благодаря которой мы понимаем, что народная культура – это не где-то там, далеко, это все здесь, узнаваемо, любимо и понятно». Ее слова дополняет и рассказ Т.А. Мачкасовой, руководителя Фольклорного ансамбля «Заигрыши» студентов и выпускников Самарского государственного института культуры: «Поездка на Международный музыкальный фестиваль «Собираем друзей» стала для нас очень радостным и ответственным событием. Самара впервые представляла традиционную песенную культуру своего региона на главной концертной площадке страны. Главной задачей было показать многообразие и богатство песенной и обрядовой культуры Самарского края, сложившейся на основе традиций переселенцев из южных, центральных областей России, верхнего Поволжья, Украины, Белоруссии. Самара – это место проживания 157 этносов, это территория тесного межэтнического культурного общения и взаимообогащения. Всем этим мы с любовью и гордостью делились со зрителями, пришедшими на наш концерт в Рахманиновский зал Консерватории. В рамках фестиваля мы познакомились с этническим коллективом «Корни» из Западной Сахары. Общение проходило на близких и понятных языках музыки, танца, игры. Творческая встреча показала близость и родство культур. Это потрясающие люди – открытые, веселые, добродушные и очень музыкальные. Многая и благая лета фестивалю!»
Здесь необходимо пояснить, что упомянутая выше группа музыкантов, представляющих культуру народасахарави, в силу специфики сообщения между лагерем беженцев на территории Алжира и Москвой, дольше других пребывала в Москву, получив тем самым возможность выступить не только в Консерватории, но и в других местах, таких как Переславль-Залесский или усадьба Знаменское-Губайлово. Всюду их самобытное творчество с огромным интересом воспринималось российскими слушателями, а о пластичных, насыщенных изящными элементами танцах публика отзывалась как о гипнотически завораживающем искусстве.
Ансамбль казачьей песни «Атаман» имени А.М. Красноперца
И совсем уж невероятным событием стала встреча двух ансамблей – из Самары и из Сахары (!). На прелестной полянке у пруда Джамгаровского парка, где в окружении любопытствующих граждан, даже с участием некоторых из них, не только был снят документальный сюжет о международном творческом контакте, но и, что особенно ценно, установлены крепкие эмоциональные связи с другой культурой. В создании таких связей и заключается цель наших международных фестивалей.
За пределами фестиваля довелось выступать не только сахарской группе, но и приглашенному из Санкт-Петербурга Императорскому ордена св. Кирилла ансамблю казачьей песни «Атаман» имени А.М. Красноперца, вот только пути этого коллектива вели не в парки и усадьбы, а к раненым бойцам в госпиталь имени академика Н.Н. Бурденко, где их встретили такими же единодушными овациями, как и в Рахманиновском зале, стоя слушавшем «Марш славянки»!
Признаемся, что накануне фестиваля мы находились в несколько тревожном состоянии: усилий на организацию программы было потрачено немало, а вот наплыва публики в «мертвый сезон», да еще такой жаркий можно было не ожидать. Но, как оказалось, тревога была напрасной: публики в зале было достаточно, и большим подспорьем оказались интернет-трансляции, собравшие огромную аудиторию. На ту пору ТВ Консерватории, замечательно показав в живом эфире концерты фестиваля «Россия – Вселенная звука», Международный конкурс Сергея Рахманинова и множество других консерваторских проектов, должно было, наконец, вздохнуть и набраться сил перед следующим сезоном. На помощь пришли давние друзья из компании LIVE GROUP, проведя трансляции всех концертов и сняв для истории все прочие события фестиваля.
При том, что в программе фестиваля было нескольких событий, не совсем обычных для консерваторского репертуара, цементирующую основу форума все-таки составляла европейская и русская классика. Правда, ее жанровая и стилевая палитра была весьма разнообразна. «Соскучились по настоящей классике!», – можно было услышать от посетителей, устремлявшихся в зал на программу из бетховенских сонат в исполнении Кирилла Кашунина («Лучшее выступление, лучшее впечатление», – напишет потом один из слушателей).
Музыкальный спектакль «Ананасы в шампанском / Дневник его души»
В дни фестиваля, помимо сонат Бетховена прозвучали произведения Брамса, Шуберта (07.08, «Чудесные музыканты, поглощенные творчеством», – скажет о Московском квартете имени П.И. Чайковского выходящий из зала человек), Мендельсона, Шуберта–Листа, Моцарта–Листа, Равеля, Дебюсси (09.08, «Безупречный вкус, и какой звук! Мягкий, возвышенный и завораживающий! Редко исполнение такого уровня можно услышать», – из комментариев к выступлению дуэта LEGE ARTIS), А.Пярта, Т.Такэмицу, К.Шимановского, С.Ахунова, О.Мессиана, К.Архипова, А.Ретинского (23.08, «Я так ждал этого концерта! И я в восторге», – отзовется о программе ансамбля ILETHÉLÈME посетитель концерта). Конечно же, звучала музыка Сергея Рахманинова, причем, его оба «Элегических трио»: Первое вдохновенно исполнили молодые музыканты турецкого NOVA TRIO, а Второе оказалось вписанным в оригинальный музыкальный спектакль, о котором рассказывает слушатель Виктория Гуляева:
«18 августа в Рахманиновском зале состоялся концерт с интригующим названием «Ананасы в шампанском». Концерт проходил в рамках фестиваля «Собираем друзей» и был посвящен творческой дружбе Сергея Рахманинова и Игоря Северянина. На сцене был представлен синтез чарующей музыки и меткого слова. Можно было наблюдать, как эти две субстанции перетекают одна в другую и дополняют друг друга. Музыку исполняли замечательные музыканты, тонко чувствующие замысел композитора, а стихи, воспоминания, письма читала актриса, старательно передающая вложенные поэтом эмоции. Концерт стал свежей нотой фестиваля, представив зрителям коллаборацию двух разных жанров: музыки и актерско-поэтического мастерства».
Нет возможности привести все множество эмоциональных высказываний непосредственных посетителей концертов (заметим, что наши волонтеры добросовестно интервьюировали публику, выходящую из зала), комментариев к сюжетам в соцсетях и в чатах трансляций. Можно только констатировать, что фестиваль «Собираем друзей» выполнил свою миссию «народной дипломатии», создав на беспокойном и конфликтном фоне мировых политических процессов островок дружбы и творчества.
Материалы собрала доцент М.И. Каратыгина, художественный руководитель фестиваля «Собираем друзей»
Дневниковые записи Сергея Васильевича Евсеева (1894–1956), опубликованные совсем недавно Московской консерваторией – документ большой исторической важности. В этих заметках живо запечатлена история Московской консерватории и художественная жизнь столицы на протяжении 20 лет – с 1922 по 1941 годы.
Многие музыканты (не только молодые), если и помнят имя Евсеева, то лишь как одного из авторов известного, так называемого «бригадного» учебника по гармонии, вышедшего впервые в 1930-е годы. Но знать о нем только это, значит, знать слишком мало. В юности Евсеев учился теории музыки и композиции у С.И. Танеева и Г.Л. Катуара, игре на фортепиано – у Н.К. Метнера и А.Б. Гольденвейзера, в итоге окончив Консерваторию по двум специальностям. Одновременно с этим он прошел курс обучения на юридическом факультете Московского университета. Такие большие способности и столь широкое образование сформировали уникальную личность музыканта, блестяще разбиравшегося в различных вопросах, формулировавшего свои мысли предельно ясно и точно. Все это придает его дневнику необычайную ценность. В сферу внимания Евсеева попадают самые разные события, относящиеся и к жизни Консерватории (особенно ее историко-теоретические кафедры), и к работе композиторских творческих организаций, и к сфере деятельности филармонии, оперных, а также драматических театров, и к области кино, и, не в последнюю очередь, к проблемам собственного композиторского творчества.
Немало занимали Евсеева вопросы исполнительского искусства, отчего он постоянно посещал (и кратко рецензировал в дневнике) выступления выдающихся советских и зарубежных артистов – пианистов, дирижеров, скрипачей, вокалистов… Такая «стереофоничность звучания» записок обусловливает их огромное и неоспоримое значение.
Особенную ценность разнообразным наблюдениям Евсеева придает его устойчивая центристская творческая позиция. В качестве композитора он представлял собой как бы «золотую середину» и находился между радикально настроенными художниками и композиторами-традиционалистами, академистами. Будучи музыковедом, он стремился серьезно вникнуть в доводы сторонников различных новых теорий и уяснить для себя не только их позитивные моменты, но и уязвимые стороны, содержащиеся, например, во взглядах, как он называл, «киевских ладо-ритмистов» (приехавших из Киева Б.Л. Яворского, автора теории ладового ритма, и его сторонников).
Как исполнитель-пианист (и невольно – музыкальный критик) он также занимал промежуточную позицию между артистами ярко романтического плана, как Альфред Корто или Владимир Софроницкий, и художниками классицистко-академического толка (Гольденвейзер и стилистически близкие ему инструменталисты), отдавая должное представителям и того, и другого направления.
Такой широкий взгляд и позиция равноудаленности от противостоящих творческих «партий» при наличии собственного мнения сообщает суждениям Евсеева редкостную взвешенность и объективность, что необычайно важно для осмысления событий столь сложного и противоречивого времени. Привлекает независимый и нередко критический взгляд музыканта, всегда аргументированный и доброжелательный, на сочинения самых разных композиторов, включая Мясковского, Прокофьева, Шостаковича, и выступления самых знаменитых исполнителей.
Дневниковые записки Евсеева можно поставить (с понятными оговорками) в ряд с дневниками С.И. Танеева, А.Б. Гольденвейзера (последние опубликованы лишь частично) или с «Летописью жизни и творчества» В.И. Сафонова и собранием его писем. Известно, что публикация любых исторических документов неизбежно упирается в необходимость создания серьезного научного комментария. Дело это необычайно трудное и хлопотное, за которое редко кто берется. В данном случае эта тяжелая задача была блестяще решена редактором-составителем записок –доцентом кафедры теории музыки, старшим научным сотрудником института искусствознанияОлесей Анатольевной Бобрик (при участии Г.А. Моисеева).
О.А. Бобрик выступает если и не как соавтор книги, то в немалой степени как ассистент Евсеева, поясняя и конкретизируя многие его мысли и помещая их в историко-культурный контекст с помощью многочисленных комментариев и вставок. Таких примечаний свыше тысячи (!), причем ни одно из них нельзя назвать лишним. Государственных и общественных организаций, в рамках которых ведется повествование, насчитывается 125 (!), о чем свидетельствует составленный редактором список их сокращенных названий. Нередко примечания составителя занимают половину страницы, и оба текста идут параллельно, создавая единый информационный поток. К характеристике творческого и человеческого облика Евсеева привлечены, в частности, материалы из неопубликованных дневников Гольденвейзера, неизменно высоко оценивавшего композиторскую деятельность своего консерваторского ученика.
Всю эту огромную изыскательскую работу редактора-составителя нельзя квалифицировать иначе как образцовую. Необходимо, конечно, сказать и о том, сколько душевных сил отдала данному изданию внучка Сергея Васильевича – Марина Сергеевна Евсеева, профессор межфакультетской кафедры фортепиано, некоторые коллеги и ученики которой (и, разумеется, прежде всего, она сама) неустанно исполняют сочинения Евсеева. Содержательное интервью с ней удачно венчает публикацию дневника ее деда.
Замечательно, что в книге собственно текст дневниковых записей Евсеева дополнительно обогащен публикуемыми рядом высказываниями выдающихся современников по тем же самым творческим поводам. Чрезвычайно интересны и поучительны, например, параллельно приводимые рецензии других критиков на те же концерты, о которых писал музыкант. Так, впечатления Евсеева от концерта Г.Г. Нейгауза дополнены рецензией Г.М. Когана на тот же самый концерт; или наблюдения Евсеева о выступлении другого артиста оттенены фрагментом статьи А.Б. Гольденвейзера по тому же случаю и т. д. Такое обогащение оригинала, особенно в части рассмотрения концертов, можно только приветствовать.
Публикация записок Евсеева, несомненно, вызовет интерес у разных читателей – прежде всего, специалистов-музыковедов и культурологов. Автор дневника, преподававший музыкально-теоретические дисциплины, живо описывает творческие (и не только) «баталии» 1920–1930-х годов представителей противоборствующих музыковедческих «лагерей». К примеру, в мае 1931 года он откровенно пишет, что «изучение теории ладового ритма проходит в необычайно резкой форме, в сумасшедшей критической возбудимости и горячности, вплоть до морального, научно-теоретического “мордобоя”». По стилю изложения видно, что автора дневника выводит из себя ситуация, когда некоторые его коллеги, совсем недавно всячески поддерживавшие и пропагандировавшие данную теорию и «получившие благодаря этому хорошие места в МГК и других учебных заведениях», теперь «повернулись или повертываются спиной и задницей к этой теории, стараются доказать, что в будущем музыкознании эта теория не останется и бледной тенью».
С.С. Прокофьев, А.Б. Гольденвейзер, А.Н. Александров, С.В. Евсеев. Дом-музей П.И. Чайковского в Клину. 18 июня 1940 года
Весьма много нового и поучительного почерпнут из дневниковых записей Евсеева и исполнители разных специальностей. Дело в том, что в объемной записной книжке Евсеева – не только музыковеда-теоретика и плодовитого композитора, но и превосходного пианиста, с успехом выступавшего в концертах со своими сочинениями, – много внимания уделено освещению выступлений в Москве выдающихся советских и зарубежных артистов. В мини-рецензиях Евсеева на выступления исполнителей непринужденно и беспристрастно воссоздается многообразная стилевая панорама концертной жизни той поры.
Зафиксированные впечатления и профессиональные суждения автора записок добавляют новые штрихи в характеристику манеры игры выдающихся артистов, обогащают источниковедческую базу истории и теории исполнительского искусства. Иногда они вносят и некоторые разъясняющие моменты в острые творческие столкновения корифеев отечественного искусства той поры. Известен конфликт Гольденвейзера и Нейгауза в связи с итогами Третьего Международного конкурса пианистов им. Шопена в Варшаве (1937). Тогда первый из упомянутых публично обвинил второго (участвовавшего в судействе) в сговоре с некоторыми членами жюри с целью не дать первую премию его ученице Розе Тамаркиной, а присудить ее Якову Заку, ученику Нейгауза. Ярко романтический стиль пианистки, непосредственность и открытость высказывания, большой эмоциональный размах и накал игры делали Тамаркину, как полагало большинство соотечественников, явной фавориткой состязания, но победу одержал более уравновешенный, утонченный, более классичный по исполнительскому стилю Зак. Таковы в общем были вкусы ведущих польских музыкантов (не случайно, что и в 1927 году победил Оборин, в искусстве которого всегда были сильны «классицизирующие», по терминологии К.-А. Мартинсена, моменты).
А вот мнение Евсеева, зафиксированное в записной книжке 19 апреля 1937 года после концерта лауреатов этого конкурса: «Разумеется, самым зрелым из них нужно признать Зака – блестящий мастер фортепиано и настоящий, тонкий, весьма культурный художник и поэт; у него особенно очаровательное piano. <…> У Тамаркиной в музыкальном смысле нужно отметить огромную волю, темперамент, так сказать, большое дыхание всего исполнения и, как минус, небольшую форсировку звука; поэтому Шопен у нее должен выйти не так удачно, как Лист, где ее виртуозно-эстрадные особенности должны найти полное приложение». Показательно, что это написано воспитанником Гольденвейзера и человеком, хорошо знавшим об указанном скандале. И этот факт свидетельствует о том, что ученик проявил принципиальность и не согласился с мнением учителя, подтвердив тем самым (правда, не публично) справедливость решения жюри конкурса и сняв, таким образом, обвинения в адрес Нейгауза.
Нелицеприятность и, судя по всему, справедливость критики Евсеевым игры выдающихся пианистов касалась в разное время и Гольденвейзера, и Нейгауза, и Гилельса и других. Мысли Евсеева по этим поводам весьма интересны, поучительны и злободневны. Можно было бы из фрагментов его дневника составить сборник «С.В. Евсеев об исполнительском искусстве»…
Укажем еще, что С.В. Евсеев был потрясающим преподавателем, лекциями которого заслушивались студенты-пианисты. М.А. Смирнов восхищался: «Свой предмет – гармонию – он так одухотворял, что показы за инструментом приобретали чуть ли не зримый образ». В.К. Мержанов, статью которого о Пятой сонате Скрябина ему помогал усовершенствовать Евсеев, писал о нем в своих воспоминаниях: «Замечательный музыкант, ученый, исследователь русской музыки, человек редкой духовной красоты – вот кем был профессор Сергей Васильевич Евсеев».
Нельзя не сказать в заключение об идеальном справочном и полиграфическом оформлении книги. Здесь и список сочинений Евсеева, и указатель имен (около полутора тысяч фамилий!), и высокого качества цветные иллюстрации, и твердая обложка, и разнообразные шрифты. В это и другие подобные масштабные издания сотрудниками редакционно-издательского отдела вуза вложено много сил и души.
Несомненно, что столь достойной публикацией дневника С.В. Евсеева Консерватория почтила память одного из самых выдающихся ее представителей.
