№8 (1373), ноябрь 2020 года

30 сентября, в день ангела Веры, Надежды, Любови и их матери Софии, в Конференц-зале Московской консерватории состоялась встреча, объединившая разные континенты и часовые пояса Земли. Музыканты от Камчатки до Калифорнии собрались онлайн, чтобы почтить память великой русской арфистки, профессора Веры Георгиевны Дуловой (1909–2000).

Вера Георгиевна родилась в музыкальной семье, где с раннего детства ее окружали талантливые музыканты, и сама атмосфера способствовала благоприятному развитию творческих навыков. Ее имя стало символом отечественной арфовый школы исполнения. Благодаря большому интересу к новому, Вера Георгиевна популяризировала музыку таких композиторов как Альфредо Казелла, Комелад Паскаль, Жан-Мишель Дамаз, Пауль Хиндемит, Бенджамин Бриттен. Знаменитая арфистка оставила богатое наследие: благодаря каждодневному труду и любви к педагогике она воспитала целую плеяду талантливых учеников.

На встрече собрались ученики разных выпусков, ассистенты и близкие друзья профессора Дуловой. Александр Баранов, организовавший данное мероприятие, на открытии вечера упомянул о географическом разнообразии собравшихся гостей online и offline, заметив: «По обе стороны Тихого океана несется имя Веры Дуловой».

Профессор РАМ имени Гнесиных Н.Х. Шамеева поделилась воспоминаниями. «В классе В.Г. Дуловой всегда царила особая атмосфера, – рассказывает Наталия Хамидовна. – Главным было поверить педагогу и, не сомневаясь, все менять. Я пришла и подчинилась ее оценке». У исполнителей бытует мнение, что лучше всего на арфе звучит второй палец, поэтому мелодию следует начинать именно с него, но у Веры Георгиевны «все пальцы пели». Наталия Хамидовна продолжает: «Она научила нас играть красивым звуком всеми пальцами. Работа у новичков в классе начиналась с этюдов Черни, вариаций, а вопросов, играть фугу или нет, не возникало, так как Вера Георгиевна не любила облегчений. Все оркестровые партии всегда исполнялись так, как написал композитор. И, как помню, она любила сравнивать блестящий пассаж с бокалом шампанского, считала, что это сравнение очень яркое, что оно помогает ученикам».

Во время прогулок между уроками Вера Дулова часто рассказывала о встречах с Есениным, Маяковским, Шостаковичем. «Мы, ученики, знаем, как она любила после концерта собирать свой класс, друзей, композиторов, – говорит Н.Х. Шамеева. – Как вы понимаете, большая честь находиться в такой компании. То, что мы продолжаем говорить о Вере Георгиевне уже в своих классах, способствует тому, что ее имя живет, звучит; и, дай Бог, чтобы наши студенты несли это в будущее».

Ника Рябчиненко, солистка оркестра Большого театра России, лауреат международных и всероссийских конкурсов, вспоминая свою учебную жизнь и профессиональную деятельность, рассказывает: «Когда я отправилась на первую консультацию к Вере Георгиевне, мне было страшно. Летя в квартиру, я испытывала непередаваемое волнение. Конечно, боишься, так как идешь к самому „божеству“, в тебе живет страх, а вдруг сделаешь шаг не туда». Уже на первом курсе обучения в Московской консерватории у Ники Николаевны началась подготовка к американскому конкурсу. Программа большая: она состояла из 15 произведений, и исполнение целиком занимало около 3-х часов, а то и больше. «Было мало времени на подготовку, – рассказывает арфистка, – а я осмелилась и попросила дать мне возможность приезжать на урок раз в неделю: нехорошо тратить время профессора на то, что я не успела подготовить».

Вера Георгиевна была председателем Всесоюзного объединения арфистов. Известно, что после встреч объединения все уходили в творческом подъеме. Ника Николаевна вспоминает: «В 2012 году у меня появилась возможность создать музыкальной салон Веры Дуловой. Я считаю своим долгом говорить о профессоре, мастере, дорогом мне человеке, устраивать концерты в ее честь. Сколько уже поколений арфистов выросло! Мы должны неустанно говорить о явлении Веры Дуловой, чтобы молодое поколение понимало, личностью какого масштаба была наша дорогая Вера Георгиевна».

Арфовая музыка в исполнении талантливых выпускниц Московской консерватории Нины Куприяновой и Ники Рябчиненко дополняла устные выступления на конференции. Еще при жизни подобные встречи 30 сентября были доброй традицией, возможностью провести день с «виновницей торжества». Память о великом музыканте, женщине и педагоге еще долго будет жить, и за это огромное спасибо всем ученикам, которые продолжают сохранять традиции отечественной арфовой школы.

Алевтина Коновалова, студентка НКФ, муз. журналистика

Фото Дениса Рылова

№7 (1372), октябрь 2020 года

По традиции, заложенной два десятка лет назад, 7 сентября в стенах Московской консерватории при участии научно-творческого центра «Музыкальные культуры мира», Посольства Японии в России и Японского фонда состоялось праздничное открытие XXII Международного фестиваля «Душа Японии». Выступление группы японских барабанов «Мияби» с программой «Мияби изгоняет демонов» открыло очередной фестиваль японской музыкальной культуры, который продлится до конца декабря.В условиях ограничительных мер, связанных с эпидемией, график фестиваля был сильно изменен. Возможно, он будет меняться еще – к такому повороту событий надо быть готовыми. Но, думаю, что в этом году, помимо тщательной подготовки программ, нам, организаторам, надо работать над тем, чтобы максимально сохранить первоначально задуманную программу фестиваля. Все ли выступления состоятся очно, смогут ли японские участники фестиваля приехать в Россию или придется переходить в формат онлайн и проводить концерты силами московских школ японского искусства – покажет время. Для нас это вызов и хорошая возможность продемонстрировать приверженность японской музыкальной культуре. Ведь недаром, вот уже больше 20 лет мы проводим этот фестиваль не только для публики, но и для самих себя, перенимая японский подход к жизни и ремеслу.

А в японском характере непостижимым образом соединяются трепетное отношение к красоте, железная стойкость и непреклонная воля. Может показаться странным, но этому учат все традиционные виды японских искусств. Если ты делаешь что-то, то делай это максимально хорошо и красиво. Только тогда ты проявишь должное уважение к учителю и к искусству.

В программе открытия фестиваля сочетались игра на японских барабанах тайко в исполнении ансамбля «Мияби», демонстрация икэбана проекта «Нихон-но би» («Красота Японии»), который объединяет московских мастеров сразу двух крупнейших школ икэбана, Согэцу и Икэнобо, а также каллиграфия мастера Каори Исидзимы и звучание флейты сякухати Александра Ивашина. Создание композиций икэбана проходило на глазах у зрителей под бой тайко и игру сякухати.

Жанр создания композиций икэбаны под музыку, классических цветочных аранжировок и огромных инсталляций, уже давно зарекомендовал себя в Японии и других странах. Это особое действо, при котором заранее тщательно продумываются детали будущей композиции и ее сценического воплощения: готовятся вазы, подставки, растительные и прочие материалы, инструменты для обрезки цветов. Однако, подобно музыкальной импровизации, конечный вариант всегда уникален и неповторим, и зависит от уровня мастерства, вдохновения, тонкого следования природе образа.

Подобно поэтическим турнирам рэнга, жанру, зародившемуся в Японии еще в средние века и бытующему до сих пор, все цветочные композиции на открытии фестиваля «Душа Японии» были образно соединены, как бы нанизаны друг на друга – в каждой последующей присутствовал и был развит элемент предыдущей. Это не просто красиво, это завораживает, впечатляет, затягивает в орбиту. Не говоря уже о том, какое удовольствие смотреть на работу мастеров и выверенные движения их рук.

С радостью и трепетом мы также наблюдали за выступлениями консерваторского ансамбля японских барабанов тайко «Мияби». Коллектив образован в 2014 году на базе класса японских барабанов тайко научно-творческого центра «Музыкальные культуры мира» Московской консерватории, основанном Митико Эбато (Тиба, Япония), создателем собственной школы тайко «Оцука дайко кадзуракай». Название ансамблю дала сама сэнсэй, и в переводе с японского языка «мияби» означает «изысканный, изящный». Наверное, это необычное название для ансамбля исполнителей на тайко, древних барабанах, попавших из Китая или Кореи в Японию в начале нашей эры, и использовавшихся в синтоистских обрядах поклонения богу ветра Сусаноо. Необычное, если не знать, что в первый состав ансамбля входили хрупкие консерваторские студентки, изысканно образованные в рамках классических курсов Alma mater и, одновременно, играющие на традиционных японских и китайских струнных и духовых инструментах.

Этот оригинальный стиль сохраняют и нынешние участники «Мияби». Замечательные исполнители продемонстрировали красоту и силу духа, изящество и дисциплину, непреклонность перед лицом жизненных испытаний. В «зверский» барабанный бой они привнесли динамику форте и пиано, детально продумав сценический облик своего выступления, выразительность костюмов и координацию внутри группы.  Открытие фестиваля «Душа Японии» в этом году получилось очень громким и очень красивым.

Наталья Григорович, НТЦ «Музыкальные культуры мира»

Фото Дениса Рылова

№7 (1372), октябрь 2020 года

Двери концертных залов традиционно распахиваются для публики каждую осень, однако начало концертного сезона 2020/2021 можно сравнить с весенней порой «пробуждения» от изоляционной спячки. 6 сентября, после полугодового перерыва, Камерный хор Московской консерватории во главе с художественным руководителем профессором А.В. Соловьёвым открыл новый сезон выступлением в Доме-музее П.И. Чайковского в Клину. Это был особый концерт на пересечении важных юбилейных дат: великому композитору, клинский дом которого по сей день принимает друзей музыки, в нынешнем году исполнилось 180 лет со дня рождения, а знаменитый консерваторский Камерный хор отмечает свой 25-летний юбилей.

История возникновения Камерного хора МГК хорошо известна. Своим созданием ныне прославленный коллектив обязан своему основателю – профессору Борису Григорьевичу Тевлину и ректору Консерватории, профессору А.С. Соколову, поддержавшему и реализовавшему важную инициативу. Последующий триумфальный творческий путь хора отмечен многими значимыми событиями и международными наградами. И в этот раз коллектив и его руководитель получили поздравление с новой победой в трех номинациях на XVI Международном конкурсе хоровых коллективов и вокальных ансамблей «Поющий мир» имени Юрия Фалика (2020, Санкт-Петербург), прошедшем дистанционно. Еще одну, знаковую для данного выступления составляющую, отметил художественный руководитель хора: общую «малую родину» директора Дома-музея В.В. Лисенко, на приглашение которого откликнулся коллектив, и основателя хора Б.Г. Тевлина – они оба родом из Саратова. Поздравили коллектив и вступительным словом перед концертом публику поприветствовали художественный руководитель Камерного хора, профессор Александр Владиславович Соловьёв, директор музея-заповедника П.И. Чайковского Владимир Владимирович Лисенко и главный редактор журнала «Музыкальная жизнь», профессор Евгения Давидовна Кривицкая, торжественно анонсировав мировую премьеру «Русских народных пословиц» Р. Щедрина.

К юбилейным датам клинского концерта Камерный хор подготовил разнообразную программу. Концерт открывал «Тебе поем» из Литургии Святого Иоанна Златоуста П.И. Чайковского. Далее прозвучали фрагменты духовных концертных произведений отечественных классиков ХХ века и современных композиторов: «Слава искусству!» из Первой симфонии А.Н. Скрябина, «Верую» из «Трех хоров на церковно-славянские тексты» И.Ф. Стравинского, «Хорал» для чтеца и хора Кузьмы Бодрова на слова Л.Н. Толстого «Добро – есть вечная высшая цель нашей жизни».

Во второй половине праздничного концерта были исполнены давно полюбившиеся широкой публике «хиты» Булата Окуджавы, Андрея Эшпая, Исаака Дунаевского, Якова Дубравина, Василия Соловьёва-Седого и других. Кульминацией программы стала мировая премьера хорового диптиха Родиона Щедрина «Русские народные пословицы»: «Ворон ворону глаз не выклюет», «Без ума человеку сума» (опус посвящен А.В. Соловьёву и Камерному хору Московской консерватории).

Со столь универсальной программой хору удалось справиться, продемонстрировав высокий профессиональный уровень. Хотя в исполнении чувствовалось волнение, вызванное, очевидно, прошедшей затяжной, как выразился Александр Владиславович, «ферматой на паузе». Можно вспомнить, что в период изоляции репетиции хора и занятия с хористами поддерживались на расстоянии, например, сдача партий происходила в режиме Teams. А после снятия ограничений незамедлительно и интенсивно начались очные хоровые репетиции. Для одиннадцати первокурсников прошедший концерт в Клину оказался подлинным «боевым крещением».

Слушатели тепло и с благодарностью принимали каждый номер подготовленной программы. Присоединимся к публике и мы, поздравляя Камерный хор Московской консерватории и желая коллективу продолжать оттачивать профессиональное мастерство и приумножать свои творческие победы.

Анастасия Ким, студентка ИТФ

Фото Анастасии Ким

№7 (1372), октябрь 2020 года

20 сентября 2020 года ушел из жизни Вячеслав Михайлович Щуров, доктор искусствоведения, профессор, Заслуженный деятель искусств РФ.

Масштаб его вклада в отечественную фольклористику как собирателя, исследователя, педагога и исполнителя общепризнан и широко известен. Энергичный участник и руководитель многочисленных фольклорных экспедиций, неутомимый составитель звуковых изданий и сборников народных песен, автор монографий, методических пособий и учебников, талантливый организатор, участник и руководитель фольклорных коллективов, – таков весьма краткий обзор его заслуг.

Просветительская, педагогическая и концертная деятельность В.М. Щурова была связана с большим числом организаций и учреждений: Фольклорной комиссией Союза композиторов РСФСР, Музыкально-педагогическим институтом имени Гнесиных, Государственным музыкальным педагогическим институтом им. М.М. Ипполитова-Иванова, Московским государственным институтом музыки имени А.Г. Шнитке, Московским государственным институтом культуры, Елецким педагогическим институтом, Московским камерным хором под руководством В.Н. Минина, Высшим театральным училищем им. М.С. Щепкина, Московским государственным историко-этнографическим театром, Московской консерваторией.

Всю жизнь В.М. Щуров был связан с Московской консерваторией, в которой сначала учился, а затем работал до последнего дня. Свою научную и преподавательскую деятельность он успешно сочетал с масштабной экспедиционной работой. География его фольклорных выездов обширна и охватывает практически всю территорию современной России, включая и бывшие республики СССР. Долгие годы Вячеслав Михайлович являлся заместителем председателя Диссертационного совета Московской консерватории и относился к своим обязанностям отнюдь не формально. Признанный авторитет известного собирателя и ученого, его личные качества: талант, прямодушие и принципиальность – привлекали к В.М. Щурову огромное количество заинтересованных людей, многие из которых с гордостью считают себя его учениками и последователями. С уходом Вячеслава Михайловича завершилась яркая и объемная глава истории российской этномузыкологии. Искренне скорбим в связи с кончиной старшего коллеги и наставника.

Коллектив сотрудников Научного центра народной музыки им. К.В. Квитки

Мимолетные зарисовки из Тбилиси

№7 (1372), октябрь 2020 года

Исполнился год как ушел из жизни композитор Гия Канчели.

В тот момент – 2 октября 2019 года, – весть о его смерти показалась неправдоподобной. Как же так, ведь только недавно я его поздравила из Парижа с днем 84-летия, пожелала «многая лета» и получила в ответ e-mail Гии, в котором он согласился, что жить надо долго! А буквально через два месяца во всех средствах массовой информации появилась трагическая весть о смерти лауреата международных премий, всемирно известного композитора Гии Канчели. Главный журнал Франции Le Monde в эти дни отозвался о нем, как об одном из ведущих представителей направления «новой простоты» в современной музыкальной культуре… Эти события постепенно уходят в прошлое, но я не могу к ним не возвратиться: в тех насыщенных трагичных днях новая эпоха скрестилась с уходящей. Все, что произошло тогда, небезразлично и сейчас.

Похороны были не в Антверпене, где с 90-х годов жил и работал композитор, а в родном Тбилиси, куда он приехал незадолго до смерти лечиться и работать. Самолетом из Парижа я попала в Тбилиси 5 октября в день гражданской панихиды. Горе от потери доброго друга смешивалось, тем не менее, и с оттенком радости – ведь я вновь спустя 40 лет увижу гостеприимную солнечную Грузию, страну, с которой связаны многочисленные воспоминания и немало приездов из России по линии Союза композиторов.

В Тбилиси в аэропорту меня неожиданно встретила хозяйка гостиницы со своим мужем, которые объяснили, что отношения Грузии и России находятся в состоянии полного политического коллапса, между странами прервано самолетное сообщение, и они беспокоятся за меня. На мой вопрос: «Не опасно ли разговаривать по-русски?» – они ответили, что вообще-то нет, но… Действительность была неожиданной. Неужели все контакты оборваны, и я попадаю в Грузию в разгар антироссийской волны?!

Понятно, что исходя из сегодняшней ситуации (всемирная пандемия), события годовой давности исторически отдаляются. И к тому же где сегодняшняя Грузия, и где Россия… Разные языки, разные культуры… Но я понимаю, что под таким углом зрения смотреть на события было бы неправильно. Хорошо знаю, что Гия тяжело переживал конфликты России и Грузии. Творческая жизнь композитора до 90-х, «зарубежных», годов была связана непосредственно с обеими странами. Его музыку (симфоническую, камерную, к драматическим спектаклям) слушала вся Россия, Грузия, весь Советский Союз. Он был удостоен 11 высших государственных наград обеих стран. Для широкой русской публики он, конечно, прежде всего, соратник Данелии и автор музыки к его культовым фильмам, открывший слушателю галактику «Кин-дза-дза» и «Мимино». И никто не возмущался, что его популярнейшие песни звучали на грузинском, и что «у нас разные языки». Наверное, отчасти можно понять тех, кто сейчас говорит, что русские и грузины отдалились друг от друга. Но противопоставлять и изолировать культуры? Чем больше люди слушают и узнают друг друга, тем вернее, что они договорятся. И музыка Канчели – это прекрасная «путеводная звезда» на таком пути.

Гражданская панихида проходила в Тбилисском академическом драматическом Театре им. Шота Руставели, с которым многие годы плодотворно сотрудничал композитор. Она стала событием национального и международного значения – прощаться с мастером пришли ведущие политические деятели Грузии, цвет артистической грузинской элиты, приехали друзья, музыканты из разных стран и континентов. Люди шли бесконечной чередой и этот нескончаемый поток никак не укладывался во временные рамки, отведенные на панихиду (10:00–14:00). Я искала знакомые лица, но российским друзьям и коллегам прорваться сквозь транспортные препоны, видимо, не удалось.

По желанию композитора его музыка в это полное скорби утро не звучала. Лишь один раз как бы из небытия вдруг донеслись в зал на несколько секунд звуки записи его вокального сочинения. Тихо и изумительно красиво пел сбоку сцены Патриарший хор кафедрального собора Святой Троицы под управлением Митрополита Даниэла. Чередовались «Святой бог», «Кресту твоему поклонимся», «Херувимоподобные» – песнопения, которые знают все грузины и которые являются квинтэссенцией духовной грузинской музыки.

Выступления во время официальной части панихиды, которые шли только на грузинском языке, были неформальны, немногочисленны и кратки – слово получили только некоторые из самых близких друзей и коллег (именно к ним обращался Гия в своем сочинении 2017 года «Письма к друзьям»): Эльдар Шангелая сказал: «Ты всегда будешь с нами», и попрощался с Гией стихами из песни «Сак арис» (Он здесь); Лано Гогоберидзе, которая поэтично и с огромной болью говорила: «… его называли «несмеющийся господин». За этим внешним фасадом все было заполнено музыкой, он существовал «сросшимся с музыкой». Именно поэтому он для нас как живой. Еще при жизни ему открылась другая реальность, Гия перешел в другое пространство. Благодаря своей музыке он познал что-то о жизни и смерти, чего мы не знаем»…

После окончания панихиды зал разразился овациями, которые не стихали и на проспекте Шота Руставели пока по нему двигался кортеж. Гудели машины, аплодировали прохожие. И так продолжалось вплоть до достижения траурной процессии Тбилисского государственного театра оперы и балета имени З. Палиашвили. Город прощался с большим артистом – символом грузинской культуры.

Его музыка навсегда стала неотъемлемой частью культурной жизни. Она звучит постоянно на концертных площадках. По моей просьбе мне любезно предоставили список концертов, прошедших в Тбилиси за два месяца после кончины мастера и посвященных его памяти, в которых звучала его музыка. Только с ноября по декабрь насчитывается десять масштабных реализованных проектов и это не считая «концертов-послесловий» В. Спивакова, Ю. Башмета, Г. Кремера, запланированных проектов «Музыка вселенной» Hubble Fest V, российского фонда «Бельканто»…

В день кончины Канчели его музыка звучала во многих концертных залах мира. Не могу не привести здесь краткое воспоминание хорового дирижера Анзора Эркомаишвили: «Гия Канчели написал для мужского хора и ансамбля песни и танца «Рустави» сочинение на народный стих «Тсутисопели». Мы выучили это произведение и его премьера состоялась в зале Одесской филармонии 2 октября в дни фестиваля «Золотые скрипки Одессы». Утром в этот день мы узнали, что умер Гия. Во время концерта после исполнения этого сочинения было объявлено, что композитора нет в живых. Все слушатели, которые были в зале, встали и выдержали долгую минуту молчания. А затем зал разразился колоссальными овациями». Эти слова ценны еще и тем, что передают атмосферу исполнения этого неизданного сочинения, последнего из написанных композитором. На закате жизни автор задавал себе вопрос: «Зачем мы существуем на этой земле?» – и искал ответ в мудрых философских словах известного народного текста. Его смысл в кратком пересказе прост и символичен. Куда не пойдешь – везде океан… В этом океане есть остров… И на этом острове происходит рождение и смерть… Человек рождается для кратких мгновений жизни и далее – безбрежный океан… Это произведение прозвучало как реквием, озаренный светлой печалью.

Наступает момент, когда произведения и жизнь мастера становятся постепенно фактами истории. В Тбилиси, родном городе Гии Канчели, где он был избран почетным гражданином, увековечивание памяти выдающегося автора планируется в здании, где он жил. Там собираются со временем открыть дом-музей его имени. Именно там будут храниться архивы композитора, в том числе и та часть, которую предполагается перевезти из Антверпена. (Символично: как раз напротив находится дом, где жил Г. Товстоногов и куда нужно идти по столь гостеприимным и патриархальным улочкам Тбилиси. А на них среди разложенных книг на лавках можно вдруг увидеть тома из серии «Русские в Грузии». Или услышать вдруг откуда-то из окна донесшуюся давнюю фонограмму «Орэры» с чудесными русскими «Васильками», «Тополями», или напевание прохожим песни Канчели из фильма «Мимино»…). И будущие поколения в период кризисов и в бескризисные времена будут посещать этот негаснущий очаг культуры.

Елена Михалченкова-Спирин, кандидат искусствоведения, член Союза Композиторов России

Бордо, Франция

№7 (1372), октябрь 2020 года

Международные музыкальные фестивали, организуемые научно-творческим центром «Музыкальные культуры мира» Московской консерватории, помимо серьезной исследовательской, просветительской и образовательной миссии, несут важнейший посыл умения не только «слушания», но и «слышания» друг друга. Пандемия разрушила многие планы, в числе которых было открытие нового сезона запущенной в 2018 году программы «Театры мира». Однако в сложившихся обстоятельствах возникла идея создания музыкального смотра, доступного в режиме онлайн для зрителей из разных стран. Так мы представили публике наш новый международный интернет-проект «Москва – перекрёсток культур», состоящий их серии онлайн-трансляций концертов, спектаклей и других программ Центра, реализованных в разные годы.

Первый выпуск, названный «Москва – Тегеран», посвящен иранской классической музыке и представляет собой подборку фрагментов из концертов иранского певца Хосейна Нуршарга на знаменитых площадках Москвы. В фильме череда избранных музыкальных сюжетов объединена высказываниями участников: самого певца, композиторов, дирижеров и музыкантов. 15 июля состоялась первая демонстрация фильма на разных веб-платформах, в четырех разных часовых поясах, с субтитрами и переводом на русский, английский, персидский и китайский языки, для того, чтобы любой человек, независимо от своего местоположения, языка и культуры, мог присоединиться к просмотру и ближе познакомиться с другой музыкальной традицией.

«Концентрация стольких интересных, душевно красивых и глубоких людей в одном месте, то, как они проявляют себя и как говорят об объединяющей их здесь теме,  характеризуют и самого Хосейна, и Иран… Приятно, что большинство людей, которых мы в нем видим, молодые, полные энергии, открытые и ориентированные на созидание», – пишет в своем отзыве одна из зрительниц. Для нас важно донести идею и посыл до широкой общественности, поэтому фильм хранится в свободном доступе и до сих пор набирает все новые просмотры.

Безусловным радостным известием послужило для нас открытие концертных залов. Стало возможным провести в «живом» формате традиционный летний Международный музыкальный фестиваль «Собираем друзей», который возобновил после длительного перерыва концертную деятельность в Московской консерватории. Не обошлось и без новшеств: помимо четырех концертов в Рахманиновском зале, были также показаны четыре фильма от наших друзей-музыкантов, которые ввиду закрытых границ не смогли посетить Москву. Живое звучание китайской цитры гуцинь, фортепианные транскрипции буддийских песнопений, солнечные переливы латиноамериканских и азербайджанских музыкальных композиций, наполненная бушующими страстями и тонкой поэтической лирикой музыка европейского и русского романтизма, авторские аранжировки турецких народных песен – все это прозвучало для слушателей из разных уголков мира. Все мероприятия сопровождались онлайн-трансляцией.

Программа фестиваля отличилась не только ярким разнообразием представленных музыкальных культур и традиций, но и тем, что в ней приняли участие молодые музыканты и наши выпускники, в том числе, специально прибывшие из-за рубежа. По-настоящему ценно получать от слушателей, которые присоединились к онлайн-просмотру, отзывы и слова благодарности: «Огромное спасибо, что позволили прикоснуться к такому великолепию! Не у всех есть возможность приехать в Москву и попасть на выступление», «Приятно осознавать, что в Москве есть места, где, как в этот раз, встретились для музыкального диалога Азербайджан, Латвия, Коста-Рика и Колумбия».

Радость всегда общительна и открыта. Узнавая и приобщаясь к различным музыкальным культурам, уважая их «непохожесть», неповторимую красоту и самобытность традиций, мы, без оглядки на самоизоляцию или закрытые границы, открываем себя миру.

Виктория Пан, НТЦ «Музыкальные культуры мира»

№7 (1372), октябрь 2020 года

19 и 20 сентября 2020 года на брянской земле прошел VI Всероссийский фольклорный фестиваль «Деснянский хоровод» в рамках федерального проекта «Творческие люди» национального проекта «Культура». Его организаторов – Департамент культуры Брянской области, Брянский областной методический центр «Народное творчество», Брянский центр казачьей культуры, Администрация Навлинского района, Навлинский районный Дом культуры, – поддержали Министерство культуры РФ, губернатор Брянской области и Российский фонд культуры.

Идея фестиваля возникла много лет назад у Ивана Михайловича Булаткина – уроженца Жуковского района Брянской области, создателя и руководителя замечательного семейного ансамбля «Горошины», большого друга Научного центра народной музыки им. К.В. Квитки Московской консерватории. Первый «Деснянский хоровод» состоялся в 2011 году в Жуковском и Почепском районах. С тех пор мы не раз удостаивались чести быть участниками этого масштабного мероприятия и неизменно отмечаем его безупречную организацию, благодаря слаженной работе большой и дружной команды, прежде всего, сотрудников Брянского областного методического центра «Народное творчество».

По сложившейся за десятилетие существования фестиваля традиции в нем принимают участие коллективы из разных регионов России, а также из Украины и Белоруссии – ближайших соседей брянцев. В этом году в местном хороводе показали себя только россияне: из Брянской, Белгородской, Воронежской, Калужской, Курской, Орловской, Смоленской, Тульской областей, а также Москвы и Санкт-Петербурга.

Фестиваль неслучайно называется деснянским хороводом. Живописная река Десна, берущая свое начало в Смоленской области и впадающая в Днепр в районе Киева, протекает по значительной части Брянской области (в том числе через города Жуковка, Сельцо, Брянск, Трубчевск) и вместе со своими большими и малыми притоками (Ветьма, Болва, Снов, Судость, Навля, Нерусса и многими другими) словно опоясывает ее. Именно в единении всех – крупных и периферийных, ярких и менее заметных, в разной степени сохранившихся местных народно-песенных традиций области, – заключается главная идея фестиваля. Составленный преимущественно из брянских районных коллективов со своим локальным репертуаром, возрождающих во многом утраченное традиционное звуковое поле местных будней и праздников, плюс приглашенные гости из других регионов – таким в идеале видится «Деснянский хоровод». Именно поэтому организаторы стремятся, чтобы концерты фестиваля проходили не только в Брянске, но и за его пределами – в районах.

В этот раз участников фестиваля радушно принимал Навлинский район. Праздник открылся в поселке Навля, после чего часть коллективов выехала в села Бяково, Соколово и Пластовое. На центральной площади Навли сначала в общем хороводе, а потом в концертной программе на сцене выступили лучшие фольклорные коллективы Брянской области, в том числе семейный ансамбль «Горошины»; детские фольклорные ансамбли «Календарь» (г. Калуга) и «Карусель» (Белгородская обл.), ансамбль «Калиновый садок» (Орловская обл.), фольклорно-этнографический коллектив «Веселье сердечное» (г. Троицк), ансамбль из легендарного белгородского села Афанасьевка, образцовый фольклорный ансамбль «Горница» (г. Санкт-Петербург), ансамбль сотрудников НЦНМ им. К.В. Квитки и многие другие.

«Вернем песню в село» – под таким девизом фестиваль живет с первого дня. Этим же стремлением наполнена жизнь автора проекта, Ивана Булаткина, искренне любящего, досконально знающего и всей душой болеющего за свой край и свои песни. После одного из первых «Деснянских хороводов» Иван Михайлович так сформулировал свою задачу: «Деревня живет своей потаенной жизнью глубинки, сохраняя многое из того, что нам кажется уже потерянным. Поэтому есть смысл в проведении фестиваля в деревне. Тем самым мы <…> возвращаем песню к ее истокам, именно туда, где она зародилась. Как будто выращенную в городах рассаду из песен мы привозим и высаживаем для того, чтобы она прижилась, принялась и дала нужные плоды. Народная традиционная песня – не сценическое искусство. Чтобы ее понять, да еще и полюбить в ней нужно, прежде всего, участвовать. <…> А уж если побывал внутри песни – все, пиши пропало. С этого момента человек теряет покой и начинает ценить, понимать и оберегать русскую национальную культуру, чувствовать ответственность и гордость за то, что он русский!»

Задача актуализации фольклорного наследия в современных условиях – масштабная и долгосрочная, и решать ее не одному поколению и не одному региону, а сообща и планомерно. Вот уже несколько десятилетий ученые и музыканты-практики, городские любительские и аутентичные этнографические коллективы буквально по крупицам собирают, изучают и восстанавливают русскую традиционную культуру. Вклад каждого, будь то сотрудник маленького районного краеведческого музея или крупного столичного фонограммархива, авторитетный этномузыколог или старушка, поющая дуэтом со своей внучкой, – важен и не остается незамеченным.

Сотрудники Брянского областного методического центра вносят свой вклад в дело сохранения местных традиций не только посредством организационно-фестивальной деятельности. Они также ведут экспедиционную работу, а ее результаты представляют в виде публикаций. В этом году в рамках «Деснянского хоровода» состоялась презентация песенного сборника «Традиционная культура Суражского и Унечского районов Брянской области», подготовленного И.М. Булаткиным совместно с коллегами из Санкт-Петербурга, педагогами и методистами Школы русской традиционной культуры «Горница». Это уже четвертый выпуск «Антологии фольклора Брянской области», реализуемой с 2004 года, когда вышел в свет первый сборник – «Песни села Дорожово» (сост. Е.Г. Себекина, Л.А. Сергушина). Следующий выпуск, по материалам Стародубского района, был посвящен традиционному свадебному обряду (2009, сост. Л.А. Сергушина), наконец, третий – составлен И.М. Булаткиным из песен разных жанров Жуковского района (2012, рец. И.С. Попова).

Одна из непременных составляющих фестиваля – творческие лаборатории. Для их проведения в Брянск приглашаются ведущие специалисты в области этномузыкологии. В разные годы в качестве почетных гостей из ведущих творческих лабораторий выступали профессор МГК Н.Н. Гилярова, доцент СПбК И.С. Попова, доцент Воронежского государственного института искусств Г.П. Христова, этнохореограф Г.В. Емельянова.

В рамках «Деснянского хоровода» 2020 года творческую лабораторию «Фольклор в современных условиях» провела Л.П. Махова, научный сотрудник НЦНМ им. К.В. Квитки при участии Фольклорного ансамбля НЦНМ (Е. Битерякова, Е. Богина, О. Иванова, Л. Махова). Задачей лаборатории стало определение основных направлений привлечения молодежи и детей в творческие коллективы, занимающиеся освоением музыкального фольклора в аутентичной исполнительской манере различных районов Брянской области. В качестве завершения ведущая предложила всем присутствующим практический эксперимент по совместному разучиванию песни «Как под Киевом, под Черниговом», сопровождающей «Похороны стрелы», по многомикрофонной записи (на которой четко слышен каждый поющий). Эксперимент показал, что особенности фактуры и мелодики брянских обрядовых песен не представляют большой сложности, а потому могут быть освоены местными и детскими, и молодежными коллективами. Тем самым песни, записанные десятилетия назад, обретут шанс вернуться на родину – в те села и деревни, где они всегда звучали.

Низкий поклон и благодарность всем устроителям фестиваля за приглашение и подаренный праздник, а также пожелания успешного продолжения их вдохновенного труда и неуклонного расширения хоровода единомышленников!

Елена Битерякова, НЦНМ им. К.В. Квитки

№6 (1371), сентябрь 2020

В Москве нет памятника Бетховену, за исключением бюста, установленного в фойе детской музыкальной школы, носящей его имя. Однако в Большом зале Московской консерватории портрет Бетховена висит на самом почетном месте, рядом с Чайковским. А посетители Малого зала могут полюбоваться в фойе бюстами Баха и Бетховена, созданными польским скульптором Циприаном Годебским (1835–1909). Наконец, в кабинете ректора находятся еще два скульптурных изваяния Бетховена неизвестных авторов – небольшой бронзовый бюст и совсем камерная забавная статуэтка, изображающая Бетховена отдыхающим на мраморной скамье, украшенной львами.

Присутствие Бетховена в храме музыки, которым по праву может считаться Московская консерватория, не случайно. Н.Г. Рубинштейн, основатель Консерватории, преклонялся перед Бетховеном и всячески пропагандировал его музыку в России как пианист, дирижер и педагог. Так, в 1880 году по инициативе Рубинштейна и под его руководством на сцене Большого театра состоялась первая в России постановка оперы Бетховена «Фиделио» на русском языке (в переводе Ольги Лепко) – это был выпускной спектакль студентов Московской консерватории. Примечательно, что партию Леоноры исполнила Мария Климентова – первая Татьяна в «Евгении Онегине» Чайковского.

В советский период фигура Бетховена стала частью нового идеологического культа. Биографический очерк о Бетховене появился в 1919 году в серии брошюр «Кому пролетариат ставит памятники». До появления монумента дело не дошло, но музыка Бетховена звучала в новой России постоянно, в том числе по самым торжественным поводам. 4 октября 1919 года концерт из произведений Бетховена в Большом зале Московской консерватории посетил В.И. Ленин; с 1979 года вплоть до конца советской эпохи в Большом зале в этот день давался концерт с той же самой программой. В юбилейный 1970 год Большой зал стал центром музыкальных празднеств, посвященных Бетховену и проходивших с невиданным размахом.

Однако включение Бетховена в официальный пантеон «прогрессивных» художников способствовало углубленному изучению его творчества отечественными музыкантами и музыковедами, деятельность которых пошла на пользу всей мировой культуре. В частности, в 1927 году широко отмечалось 100-летие со дня смерти Бетховена, и профессора Московской консерватории подготовили два исторически важных издания. М.В. Иванов-Борецкий опубликовал в виде факсимиле Московскую черновую тетрадь Бетховена за 1825 год (эскизы квартетов ор. 130 и 132). А под редакцией К.А. Кузнецова была издана «Русская книга о Бетховене», аналогов которой с тех пор так и не появилось. Эти и другие достижения нашей музыковедческой школы заложили основу для трудов крупнейшего отечественного бетховениста XX века Н.Л. Фишмана. Хотя он никогда не преподавал в Московской консерватории (он работал в училище при Консерватории и в Музее им. Глинки, ныне Музее музыки), триумфальная защита его докторской диссертации, посвященной расшифровке Книги эскизов Бетховена за 1802–1803 годы, состоялась в 1968 году в Консерватории. К тому времени его издание этой книги эскизов, осуществленное в 1962 году, стало эталонным.

Интерпретациями музыки Бетховена прославились многие великие представители отечественной исполнительской школы XX века и нашего времени, в том числе профессора Московской консерватории. В сфере инструментальной музыки идеологическими догмами можно было пренебречь, донося до слушателей подлинного Бетховена – полного противоречий, стихийно страстного и изощренно интеллектуального, мятежного и галантного, простонародно грубого и утонченно аристократического, залихватски виртуозного и сердечно безыскусного, умеющего говорить «языками человеческими и ангельскими». Для любого пианиста сыграть на публике все 32 сонаты Бетховена – честь и радость, и в стенах Консерватории такие серии звучали неоднократно.

Аналогичным образом регулярно исполнялись циклы из всех скрипичных и виолончельных сонат Бетховена, всех его струнных квартетов, всех фортепианных концертов и, разумеется, всех девяти симфоний. Наконец, пали и последние идеологические бастионы, препятствовавшие в советскую эпоху исполнению произведений Бетховена на религиозные сюжеты и тексты. Торжественная месса Бетховена, не исполнявшаяся в России более 80 лет, прозвучала в 1993 году в Большом зале Консерватории под управлением Р.Б. Баршая (оркестр и хор были российскими, певцы-солисты немецкими). А в 2009 году благодаря М.В. Плетнёву возобновилась история исполнения в России единственной оратории Бетховена «Христос на Масличной горе» (впервые в нашей стране она прозвучала в Петербурге в 1813 году и затем неоднократно включалась в программы концертов Филармонического общества и Русского музыкального общества).

Окончание советской эпохи и начало совершенно иного периода в истории нашей страны вызвало своеобразный кризис в восприятии творчества Бетховена, а вместе с тем побудило многих музыкантов к поискам его нового прочтения и восприятия. С одной стороны, прежний образ Бетховена как выразителя идей Французской революции, вдохновителя народных масс и громогласного проповедника «вечных истин» вызывал у молодого поколения отторжение, скуку или иронию. С другой стороны, этот образ никоим образом не исчерпывал и даже не объяснял сколько-нибудь убедительно сути бетховенского искусства – безусловно великого и ознаменовавшего мощнейший художественный прорыв, последствия которого сказывались на развитии всей мировой музыки еще очень долго. А многим музыкантам и любителям музыки его личность и творчество были близки и дороги вне зависимости от каких-либо навязанных идеологем. Тем не менее, парадоксальным образом даже сугубо инструментальная музыка Бетховена никогда не была в полной мере «чистой», то есть свободной от внемузыкальных смыслов, от поэтического слова, от языка своей эпохи, от подразумеваемой риторики и символики, от связи с контекстом и традицией, даже если композитор полемизировал и с современниками, и с предшественниками.

Новый взгляд на Бетховена складывался с конца 1980-х годов как в музыковедении, так и в исполнительском искусстве под знаком историзма и под девизом ad fontes – «к источникам». Ю.Н. Холопов в своих лекциях и опубликованных трудах использовал для анализа произведений Бетховена инструменты, почерпнутые у теоретиков, непосредственно исходивших из классической традиции, А.Б. Маркса (ранние статьи которого Бетховен читал в 1824–1826 годах) и Х. Римана. Мне довелось изучить под руководством Ю.Н. Холопова целый пласт теоретических трактатов предшественников и современников композитора, что позволило восстановить глубокие связи Бетховена с музыкальным мышлением XVIII века (это никоим образом не умаляло смелого новаторства его сочинений). Издание на русском языке всех выявленных к настоящему времени писем Бетховена, начатое в 1970 году Н.Л. Фишманом, увенчалось выходом в свет в 2011–2016 годах четырехтомного издания под моей редакцией. Теперь каждый читатель может составить себе достаточно полное представление о личности композитора из первых уст, а не в чьих-то цитатах и пересказах. К сожалению, среди молодых музыковедов Московской консерватории бетховенистика особого энтузиазма не вызывает, и на протяжении многих лет притока свежих сил в этой трудной области не наблюдается.

Зато в сфере исполнительства можно говорить даже о своеобразном «буме» интереса к Бетховену. При этом образ Бетховена оказывается множественным и не сводимым к единому знаменателю. Для кого-то он остается вершиной классического стиля, золотым стандартом, не подверженным коррозии во времени и пространстве (цикл из всех пяти фортепианных концертов, сыгранных и записанных в 2019 году на диски М.С. Воскресенским). А для других музыкантов Бетховен – неотъемлемая часть живого исторического процесса, знаток И.С. Баха и Генделя, поклонник К.Ф.Э. Баха, дерзкий, но любящий ученик Моцарта и Гайдна, воинственный соперник Крамера, Вёльфля и Штейбельта, старший собрат романтиков.

Таков (и не только таков) Бетховен, представленный в интерпретациях А.Б. Любимова и его коллег и учеников с ФИСИИ. Важной вехой стало издание в начале 2020 года комплекта дисков со всеми фортепианными сонатами, исполненными на копиях исторических инструментов А.Б. Любимовым и его единомышленниками. Возвращение музыки Бетховена в родную ей тембровую сферу не означает ее музеефикацию – напротив, оно выявляет всю эстремальность бетховенского стиля и то предельное напряжение, которое всегда ощущается между творческим гением композитора и материальной субстанцией старинных пианофорте.

Год Бетховена продолжается. Несмотря на ограничения, связанные с до сих пор бушующей пандемией, еще предстоят концерты, трансляции, записи, конференции, публикации. Как всегда, в годины тяжелых испытаний Бетховен оказывается актуален.

Профессор Л.В. Кириллина

Фото Дениса Рылова

№6 (1371), сентябрь 2020

В год 250-летия со дня рождения Бетховена под эгидой Московской консерватории было выпущено полное аудиособрание фортепианных сонат великого музыканта, исполненных профессором А.Б. Любимовым и его учениками на копиях венских исторических инструментов времени жизни композитора. В собрании девять дисков, их сопровождает буклет с развернутыми комментариями о проекте в целом, о бетховенских сонатах и об исполнителях (с буклетом можно ознакомиться отдельно на сайте Консерватории).

Подобная запись в России была осуществлена впервые. Хотя 30 лет назад аналогичное собрание всех сонат в Консерватории уже выпустила профессор Т.П. Николаева, однако новый проект уникален именно своим тщательно проработанным «исторически информированным» подходом к исполнению. В этот раз помимо 32-х венских сонат в собрание вошли еще и семь детских и юношеских произведений композитора в этом жанре, называемых обычно сонатинами.

Для создания необходимого звукового облика необходимо было подобрать подходящие инструменты. Три года назад в Консерватории силами ФИСИИ уже была предпринята попытка исполнить сонаты Бетховена на исторических инструментах, но при игре звуку не хватало целостности, он был эклектичным. В связи с этим, по словам А.Б. Любимова, было решено сделать записи на копиях инструментов, созданных одним мастером. Им стал Пол Макналти, фортепианный мастер и реставратор, с которым Алексей Борисович сотрудничает не первый год, и чей профессионализм известен музыкантам всего мира.

3 марта этого года по торжественному случаю презентации уникального издания состоялась пресс-конференция, на которой присутствовали почти все причастные к его созданию. Среди спикеров – ректор Московской консерватории, профессор А.С. Соколов, при поддержке которого осуществлялся проект; автор идеи и исполнитель профессор А.Б. Любимов; автор статьи и комментариев в буклете, крупнейший исследователь творчества Бетховена, профессор Л.В. Кириллина; а также продюсер проекта Е.Н. Платонов, который импровизированно стал ведущим на пресс-конференции.

Первым выступил А.С. Соколов: он выразил благодарность участникам проекта, создавших, по его мнению, настоящий шедевр. Оратор особо отметил новую область творчества, которую развивает факультет исторического и современного исполнительского искусства, чья деятельность распространяется далеко за пределы Консерватории.

А.Б. Любимов специально остановился на выдающемся мастерстве Пола Макналти, особо подчеркнув его ценные достижения. «Его инструменты – полноценные реплики, способные отразить в своем звучании всю палитру бетховенского гения», – отметил пианист. Была отмечена и роль звукорежиссера проекта Михаила Спасского.

Л.В. Кириллина в своем выступлении мысленно обратилась к 1980 году, когда состоялся концерт Любимова в Малом зале Консерватории: «Я словно вернулась домой, в давно забытый звуковой мир… Бетховен выбивается из ряда композиторов конца XVIII века. Его музыку нужно играть на этих инструментах, чтобы понять, насколько стиль Бетховена выходит за рамки его времени».

«Дух Бетховена вел проект», – такое наблюдение родилось у Е.Н. Платонова. Действительно, он везде встречал поддержку, как в России, так и за рубежом, собрав большое количество заинтересованных людей. Записи проходили с мая по сентябрь 2019 года не только в Москве (на производственно-технической базе Киноконцерна «Мосфильм»), но также в Зале Филармонии в Брно (Чехия) и Концертном зале Института имени Ф. Шопена в Варшаве (Польша).

Исполнители отметили особенную заботу и внимание в процессе записи, благодаря которым каждый чувствовал себя комфортно. В проекте кроме профессора А.Б. Любимова участвовали его ученики и коллеги с опытом игры на разных инструментах: Ю. Мартынов, А. Зуев, А. Коренев, О. Мартынова, Е. Миллер, О. Пашенко. Все они внесли неповторимые черты в музыкальный текст и исполнение, открыв множество неслыханных ранее подробностей.

На встрече с прессой не обошлось без звуков музыки. Присутствующие смогли в полной мере оценить вживую и погрузиться в особенное звучание копии хаммерклавира Вальтера и тангентенклавира: Алексей Любимов исполнил первую часть Сонаты №8, оp. 13, Ольга Мартынова – медленную часть Сонаты №15, op. 28 и финал Сонаты №9, op. 14 №1, а Юрий Мартынов – «Легкую сонату» (WoO 51) и Восемь вариаций на тему Tandeln und scherzen из оперы Soliman Зюсмайера (WoO 76). В завершении был показан небольшой фильм о «закулисье» – процессе записи сонат.

Без сомнения, этот уникальный проект найдет отклик у слушателей и в особенности у любителей исторического исполнения. Очевидно, авторы ориентировались также на привычные, устоявшиеся формы воспроизведения записей, а именно – CD-диски, для которых в современных компьютерах все чаще не остается входов. И, что особенно актуально в современных реалиях, было бы интересно увидеть развитие этого проекта в цифровой среде на официальных музыкальных интернет-площадках.

Жанна Савицкая, студентка ИТФ

Фото Дениса Рылова

№6 (1371), сентябрь 2020

За те годы, что историко-теоретический и композиторский факультеты проводят Всероссийский конкурс имени Ю.Н. Холопова по теории, истории музыки и композиции, он приобрел необходимую известность и свою сложившуюся неплохую историю. Более того, даже стимулировал рождение аналогичных состязаний в других учебных заведениях. Однако в этом году прошедший XIV Конкурс обогатился новым опытом проведения в условиях карантина.

Перед конкурсом всегда прежде всего стояла цель поиска талантливых молодых музыкантов, которые могли бы пополнить ряды студентов наших факультетов. За это время многие участники и лауреаты конкурса не только отучились в Московской консерватории и успешно трудятся в профессии, но и закончили аспирантуру, написали, а порой и защитили диссертации. Некоторые даже преподают в столичных вузах: Юлия Москвина в Московской консерватории, Светлана Пасынкова в Хоровой академии имени В.С. Попова и другие.

Важнейшей задачей конкурса было и установление контактов с музыкальными средними учебными заведениями разных регионов нашей огромной страны. Многие педагоги приезжали со своими воспитанниками, присутствовали на всех мероприятиях. У нас установились прочные связи с колледжами Тольятти и Камчатки, Оренбурга и Йошкар-Олы. Среди участников конкурса всегда есть «ветераны», те, кто заранее готовятся к старту поступления и приезжают к нам не раз, еще обучаясь на младших курсах колледжа.

Проведение XIV Конкурса имени Ю.Н. Холопова в 2020 году было спланировано еще до карантина: были разосланы задания письменных работ первого тура, объявлены условия и сроки проведения второго тура, который должен был пройти в мае. Когда пандемия изменила течение нашей жизни, стало ясно, что не удастся провести второй тур в привычном формате. Не случится прямого общения в стенах Консерватории, тех мастер-классов, коллективных консультаций и обсуждений, которые обычно проходили в рамках Конкурса. Не будет и посещений участниками концертов и музеев, как и самого «воздуха Московской консерватории». Но у нас не было ни малейшего сомнения, что конкурс состоится и будет сделано все, чтобы создать характерную для него атмосферу профессиональной поддержки, открытости и дружелюбия.

Теперь и второй тур проходил дистанционно. Участники получали задания по электронной почте и выполняли их за определенный промежуток времени. Затем, происходил диалог по установленной связи с членами жюри в свободном режиме, шло обсуждение вопросов, связанных и с работой конкурсантов в первом и втором туре, и с их дальнейшими планами и индивидуальными достижениями.

Некоторые конкурсанты приняли участие в нескольких номинациях и успешно продемонстрировали свои навыки. Места разделились следующим образом. В номинации «история музыки» I премия не присуждалась; лауреатами II премии стали Анастасия Немцова (Москва) и Анна Коломоец (Оренбург); III премию разделили Полина Зорина (Екатеринбург) и Екатерина Павленко (Оренбург). В номинация «теория музыки» I премия была присуждена Арине Салтыковой (Москва); еще раз отличилась Анастасия Немцова (Москва), получившая II премию; III премией жюри отметило Виталия Захарова (Москва) и Никиту Сбитнева (Казань). Участие последнего также было отмечено победой в номинации «композиция», где он открыл список лауреатов (II премия). Еще одна II премия в этой номинации также присуждена Лукасу Сухареву (Сыктывкар), а лауреатами III премии стали Олег Давыдов (Липецк) и Кристина Янова (Москва). За участие в Конкурсе во всех номинациях были вручены почетные грамоты.

Сейчас, когда уже известны результаты вступительных экзаменов, мы с радостью видим в списках студентов первого курса участников Конкурса. Именно они, как правило, составляют ядро нового потока. Целеустремленные, упорные, они безраздельно посвящают себя профессии и хорошо понимают ее трудности и богатые творческие возможности. Студентами историко-теоретического факультета стали: А. Салтыкова, А. Немцова, П. Москвителева, П. Зорина и В. Захаров, а композиторского – К. Янова и О. Давыдов.

Благодарим всех педагогов, работавших на Конкурсе в непривычных, трудных условиях. Поздравляем всех участников и лауреатов XIV Всероссийского конкурса имени Ю.Н. Холопова, а новых первокурсников приветствуем: добро пожаловать в Московскую консерваторию!

Профессор И.В. Коженова, доцент Я.А. Кабалевская

№6 (1371), сентябрь 2020

В рамках проекта «Московская консерватория онлайн» 24 апреля состоялась трансляция сольного концерта заслуженного артиста России, профессора Московской консерватории Андрея Александровича Писарева.

На сегодняшний день Андрей Писарев – один из наиболее известных российских музыкантов. Он успешно сочетает концертную и педагогическую деятельность, его выступления в стенах Московской консерватории проходят с завидной регулярностью (только за прошлый год можно привести его концерт в Малом зале и два выступления в Большом).

Программа транслируемого фортепианного вечера полностью состояла из произведений Шопена (Соната h-moll, три Экспромта, Фантазия-экспромт, Ноктюрн Es-dur, Колыбельная, Прелюдия op. 45). И такие программы, известные как «Шопениана», уже давно можно назвать частью мировой исполнительской традиции, достаточно вспомнить знаменитые выступления в Большом зале Артура Рубинштейна в 1964-м или Святослава Рихтера в 1977-м годах.

Когда пианист вышел на сцену, он объявил публике о трагическом, совершенно не предполагаемом ранее посвящении: 26 февраля ушел из жизни профессор Сергей Леонидович Доренский. Пианист возложил к портрету своего любимого учителя цветы и призвал публику почтить его память.

Шопен в исполнении Андрея Писарева предстал сосредоточенным, мужественным и цельным, полностью погруженным в себя. Исполнитель был несколько отстраненным, он все держал под контролем и настойчиво вел слушателя от начала произведения к его кульминации. Чувства от игры пианиста можно было бы сравнить с ощущением, как будто идешь по тесной и глубокой колее и не смотришь по сторонам, но только вперед. Хотелось, чтобы артист чувствовал себя на сцене несколько более свободно – это бы никак не расшатало музыкальный образ! Но лирика, которой, по словам пианиста, так дорожил С.Л. Доренский, не живет в жестком «корсете» отстраненности. Она требует от исполнителя сердечной теплоты и щедрости, просит его непременно идти на контакт со слушателем.

В этом отношении интересно сравнить манеру игры профессора А.А. Писарева и его учителя. Доренский, как известно, был выдающимся исполнителем, его прочтение классики, в частности, Шопена, мало кого могло оставить равнодушным: глубина, естественность и нежность, свобода и уверенность, чуткость и любовь – так можно было бы описать его игру. Искренне верю, что не потеряв свою индивидуальность, Андрей Писарев взрастит в себе лучшие исполнительские черты своего наставника и подарит нам еще много замечательных встреч с миром фортепианной музыки!

Валерия Лосевичева, студентка ИТФ

№6 (1371), сентябрь 2020

Конец марта 2020 года. В Московской консерватории объявлены внеплановые каникулы, а это означало, что все студенты и педагоги нашего музыкального университета вынуждены прекратить уроки. Временно прервались и индивидуальные занятия по органу – я была крайне расстроена столь неожиданной новостью. Однако не все оказалось настолько печально, ведь благодаря возникшему проекту «Московская консерватория онлайн» появилась уникальная возможность слушать концерты, не выходя из дома. Одним из наиболее знаменательных событий в рамках этого фестиваля стал первый онлайн-вечер органной музыки в исполнении Константина Волостнова, прошедший 23 марта.

Концерт включал в себя традиционный репертуар органиста, но с одной особенностью: фигурировал только жанр фантазии. Перед исполнением каждой пьесы ведущая программу Самира Латып весьма доступно и увлекательно рассказывала небольшие факты из жизни того или иного композитора. Поэтому в целом могло сложиться впечатление скорее домашнего органного спектакля, нежели концерта в традиционном понимании. На протяжении всего музыкального вечера публика имела возможность наблюдать и восхищаться виртуозным владением инструментом маэстро, а расторопные ассистентки аккуратно помогали исполнителю.

Жанр фантазии предстал у каждого композитора в различном преломлении. Прозвучали две барочные фантазии Баха («Приди, Святой Дух, Господь Бог» BWV 651 и «Грядет язычников Спаситель» BWV 659) и Фантазия в манере «Эхо» Я. Свелинка (SwWV 275). Две романтические: Фантазия ля мажор С. Франка и Фантазия и фуга Ф. Листа на тему хорала «К нам, к спасительным волнам» из оперы Дж. Мейербера «Пророк» (S 259). Особняком стояла «русская» Фантазия соль мажор А.К. Глазунова (ор.110).

Идея программы концерта связана с историей инструмента. В середине XIX столетия, в пору победоносного шествия симфонического оркестра по Европе, выдающийся французский органостроитель Аристид Ковайе-Коль создал уникальный тип органа – большой симфонический. Как известно, в позапрошлом веке значительное число инструментов, создававшихся в Германии, Франции и Англии, стало заимствовать оркестровые принципы, однако лишь французу Ковайе-Колю удалось воссоздать идеал оркестрового звучания в органостроении. Именно благодаря ему этот инструмент стал обладать звучанием, полным гибкости, экспрессии, красочности, проникновенности и естественности.

Изобретения и технические усовершенствования французского органостроителя в дальнейшем способствовали созданию образа современного большого концертного органа. Он словно создан для того, чтобы воплощать замыслы композиторов-романтиков, отраженные в свободных и развернутых музыкальных формах. Особенно заметно выделяется жанр фантазии, который и встречался у всех вышеупомянутых авторов. Однако весьма интересно было проследить его характер у каждого композитора.

Так, Фантазия Глазунова, по словам ведущей, «представляет собой редкий в органной музыке русский религиозный эпос». В последние годы жизни композитор открывает для себя новый тип французского органа. Само произведение чистое и возвышенное, при этом не лишенное колористичности, а жанр развернутой фантазии позволяет использовать многие возможности инструмента. По сути это своего рода русский реквием Глазунова, так как именно данная фантазия была его последним сочинением.

Фантазию в манере «Эхо» Яна Свелинка, я когда-то исполняла сама на одном из концертов в Малом зале Московской консерватории, и мне было любопытно послушать интерпретацию данного сочинения. Исполнение Константина Волостнова полностью осуществило именно оркестровое звучание, благодаря задействованию педали. Также сохранился и более красочно был изображен тот самый эффект «эха». Сочинение как нельзя точно демонстрирует тонкость и изысканность вкуса своего создателя, самого крупного из органных мастеров Голландии.

В завершении вечера прозвучало культовое произведение органного репертуара, а именно Фантазия и фуга Ф. Листа на тему хорала «К нам, к спасительным волнам» из оперы Дж. Мейербера «Пророк». Она всегда получала исключительно восторженные эпитеты как со стороны публики, так и критиков, в отличие от самой оперы. Здесь воплотилось все, что заложено в выдающейся симфонической композиции, созданной гением: совершенство формы, яркость тематизма, оригинальность композиторских приемов, виртуозное использование инструмента, глубина и многомерность образов. Само произведение подобно романтическому роману, повествующему о многогранной жизни героя. Оно делится условно на три части: первый, вступительный раздел, с главной темой в суровом звучании, второй исполнен действия и развития, третий – мир грез и любви героя, четвертый – схватка героя со зловещими силами и его победа, «озаренная лучами божественного света». По отношению к некоторым частям органного полотна невольно возникают ассоциации с другими произведениями Листа: так, общее настроение, да и сам образ третьей части отсылает к циклу ноктюрнов «Грезы любви», а именно к третьему из них; образ героя, борющегося со злодеями, воссоздает аллюзию на небезызвестную симфонию Бетховена, но на этот раз со счастливым финалом.

У меня, как и у многих слушателей в тот вечер, была прекрасная возможность в рамках дистанционного органного концерта насладиться полным, оркестровым звучанием органа Кавайе-Коля в Большом зале консерватории – одного из величайших инструментов в мире.

Наталья Григорьева, студентка ИТФ