№ 8 (1222), декабрь 2003

В рамках фестиваля, посвященного 100-летию со дня рождения Анны Васильевны Рудневой, состоялось фольклорных концертов. В Малых залах консерваторий Санкт-Петербурга и Москвы в них участвовали только городские исполнители фольклора. В Зале Воронежской филармонии наряду с молодежными ансамблями выступали носители традиции – несколько известных коллективов области. В московском Доме композиторов в концертах «Московской осени» состоялось выступление этнографических ансамблей. И хотя не все заявленные организаторами коллективы смогли приехать (до Москвы добрались только три – из Самарской, Оренбургской и Белгородской областей), этот концерт оказался достойным завершающим аккордом, подводящим итог всему фестивалю. Он подтвердил наши представления о современном состоянии традиционной культуры и послужил живой иллюстрацией к проблематике, обсуждавшейся на круглых столах, в Санкт-Петербурге и Москве.

(далее…)

№ 8 (1222), декабрь 2003

С именем заслуженного деятеля искусств РСФСР, члена Союза композиторов, профессора Анны Васильевны Рудневой (1903–1983) связана целая эпоха в советской музыкальной фольклористике. Учитель Рудневой К. В. Квитка, рекомендуя ее в качестве преподавателя Московской государственной консерватории, писал о ней как о человеке, обладающем «огромными способностями, необычайным усердием, исключительным энтузиазмом и острой наблюдательностью». Яркая личность, мудрый человек, талантливый ученый исследователь, опытный фольклорист-полевик, прекрасный педагог, патриот своего дела, А. В. Руднева родилась в селе Воронцово-Александровке Ставропольского края. Ее отец был регентом, и с восьми лет Аня уже пела в церкви. В 1923 году она поступила в Московскую государственную консерваторию, которую закончила по двум факультетам – дирижерскому и историко-теоретическому. После окончания консерватории она работала хормейстером студенческого хора в Радиокомитете, заведовала вечерней рабочей консерваторией. С 1931 по 1938 год Руднева жила сначала на Дальнем Востоке, а потом в Воронеже, где работала на радио, руководила общегородским самодеятельным хором. Здесь же, в Воронеже, Руднева начала серьезно изучать народную музыкальную культуру. В 1939 году вместе с коллективом других авторов Анна Васильевна приняла участие в публикации сборника «Народные песни Воронежской области», который сыграл важную роль в ее дальнейшей судьбе.

В 1939 году она переехала в Москву, где познакомилась с К. В. Квиткой, пригласившим ее на работу в Московскую консерваторию сначала лаборантом, а потом и в аспирантуру. С 1944 года Руднева была ассистентом на кафедре фольклора, в 1950 году ей было присвоено звание доцента. Она стала вести курс русского народного музыкального творчества и заведовать Кабинетом народной музыки. В 1963 году Руднева защитила диссертацию «Народные песни Курской области. Курские танки и карагоды, таночные и карагодные песни и инструментальные наигрыши», за которую, минуя кандидатскую, ей была присвоена ученая степень доктора искусствоведения.

Научные интересы А. В. Рудневой были чрезвычайно обширны. Большая часть ее работ посвящена анализу музыкально-поэтической стилистики русской народной песни: стихосложению, музыкальной и музыкально-поэтической ритмике, формообразованию, ладовым особенностям. Неоценим вклад Рудневой в дело изучения народного инструментария и региональной стилистики в русском фольклоре.

Делом своей жизни Руднева считала работу, связанную с певческой практикой. Она была научным консультантом, а потом и руководителем народного хора, основанного П. Г. Ярковым (1945–1949), с 1949 по 1954 год – художественным руководителем Хора русской песни Всесоюзного радио. С 1966 по 1972 год Руднева параллельно с занятиями в консерватории преподавала на отделении руководителей народных хоров в Институте имени Гнесиных.

(далее…)

№ 7 (1221), ноябрь 2003

В Малом зале консерватории состоялся необычный классный вечер. Орган­ный класс доцента Московской консерватории Д. В. Дианова представил публике Органную мессу Николя де Гриньи (1672–1703) – композитора, имя которого мало что говорит сегодня даже музыкантам с высшим образованием. Тем не менее, сам факт этого концерта значителен по нескольким причинам.

Первая причина – обращение к личности французского композитора эпохи Лю­довика XIV (концерт был назван «Посвящение творчеству Николя де Гриньи» и при­урочен к 300-летию со дня смерти композитора). Церковный органист, который при жизни выпустил всего один сборник – «Первую органную книгу» (1699), содержащую версеты мессы и пяти гимнов, – в свое время был не менее известен, чем Франсуа Куперен. Его «Органная книга» многократно переписывалась, а через 8 лет после смерти автора была переиздана. О композиторском масштабе де Гриньи говорит тот факт, что в 1703 г. ее собственноручно скопировал И. С. Бах.

Вторая – исполнение мессы целиком, кажется, впервые в отечественной истории. Вечер не был громко назван российской премьерой, однако присутствовавшие на нем органисты не могли не отметить, что раньше фрагменты мессы входили лишь в репер­туар С. Л. Дижура, который и познакомил нашу публику с именем де Гриньи. На концерте это сочинение исполняли Д. В. Дианов, О. Кошкина, А. Суслова, О. Бочихина (все – студентки класса Д. В. Дианова) и ассистент-стажер Ю. Михайлова (руководитель проф. Н. Н. Гуреева).

(далее…)

№ 7 (1221), ноябрь 2003

В Овальном зале Музея им. А. Г. Рубинштейна состоялся концерт из произведений русских композиторов начала XX века, выпускников Московской и Петербургской консерваторий, прозвучавших в исполнении студентов и выпускников МГК. Уникальная программа, составленная композитором А. Ровнером, включила малознакомые широкой публике сочинения популярных авторов, таких как А. Скрябин и С. Прокофьев, а также менее известных имен, незаслуженно забытых или только недавно возрожденных после долгих лет забвения.

Прошедший концерт стал еще одним событием в череде мероприятий, посвященных отмечаемым юбилейным датам: в 2002 и 2006 годах празднуется 140-летие со дня основания, соответственно, Петербургской и Московской консерваторий. На протяжении всего этого времени неизменно высоким оставался творческий потенциал обеих школ, достоинство и мастерство деятелей которых в полной мере смогли оценить слушатели.

(далее…)

№ 6 (1220), октябрь 2003

Меня заинтриговала афиша! А особенно соблазнительное для музыканта название концерта «Барабанная молодость папаши Кейджа» – первого из серии концертов великолепного Марка Пекарского.

Первые положительные эмоции я получила уже за десять минут до начала «представления», когда билетерша, свысока посматривая на нас, толпу консерваторских студентов, пытающихся пройти по студенческому, изрекла: «Чем ходить на ТАКИЕ, тем более платные, концерты, лучше бы дома сидели!» Но при появлении самого Марка Ильича наше ожидание было вознаграждено и нас пропустили.

Зал был полон. Идя на такие концерты, иногда задумываешься, что же все-таки привлекает слушателей (я имею в виду не профессионалов-музыкантов) в подобной музыке?! Скандалов масштаба 50–60-х годов давно не случается. Творчество Кейджа и его коллег уже прочно вошло как в концертные репертуары, так и в вузовские учебники, до сих пор, однако, вызывая многочисленные споры. Да и трудно было представить себе более доброжелательную публику, чем была на этом концерте, становящуюся еще дружелюбнее от постоянного контакта харизматичного Пекарского с залом. Не могу не отметить потрясающие взаимоотношения Марка Ильича со своими талантливыми учениками – студентами консерватории. О них он откровенно сказал в перерыве: «Нелюбимых не имею, но не вижу ничего плохого в том, чтобы иметь любимчиков»!

(далее…)

№ 6 (1220), октябрь 2003

На заре нового концертного сезона, в Рахманиновском зале консерватории состоялась премьерное выступление дуэта – пианистки, заслуженной артистки России, профессора Московской консерватории Натальи Юрыгиной и скрипача, профессора Университета Западной Флориды Леонида Яновского.

Уже в первой своей программе дуэт объединил произведения разных эпох и стилей: строгую классику (Соната фа-мажор («Весенняя») Бетховена), порывистый романтизма (Соната ля-минор Шумана), импрессионизм (неземной, кажется, парящий в небесах Вальс «La plus que lente» Дебюсси) и неоклассицизм (сложнейшее сплетение «старого» и «нового» в сюите «В старинном стиле» Стравинского). Изящно дополнила эту программу музыка барокко – первая часть Трио-сонаты Галло (ставшая основой интродукции сюиты Стравинского) и «одна малоизвестная пьеса Баха» (по выражению Леонида Яновского) – первая часть Концерта ре-минор для двух скрипок, исполненные на бис вместе со студенткой Московской консерватории Надеждой Палицыной. Только великолепное стилистическое мастерство исполнителей позволило им в один вечер охватить четыре совершенно разных века в истории музыки.

(далее…)

№ 3 (1217), апрель 2003

С 26 февраля по 2 марта 2003 года в Москве прошел фестиваль «Вечера с Губайдулиной и Суслиным». Важность события была ознаменована мировой премьерой нового произведения Губайдулиной «На краю пропасти» для семи виолончелей и двух аквафонов. Оно было исполнено дважды – в Малом зале Московской консерватории и в концертном зале РАМ им. Гнесиных. Успех был ошеломляющим. Гром аплодисментов буквально затмил звучание последних тактов музыки. Несмотря на достаточно экзальтированный характер музыкальной ткани создалось ощущение, что публика была подготовлена к восприятию достаточно сложного материала. Сочинение было исполнено ансамблем виолончелей РАМ им. Гнесиных в составе: Владимир Тонха (который вел концерты и комментировал сочинения), Ростислав Буркин, Ирина Ушакова, Владимир Никонов, Алексей Гареев, Екатерина Ларина, Ильмира Тинчурина.

Не менее замечательным оказалось исполнение «Семи слов Христа» (1982) для виолончели, баяна и камерного оркестра в семи частях (Владимир Тонха, Фридрих Липс, которым сочинение посвящено, и камерный оркестр «Гнесинские Виртуозы» под управлением М. С. Хохлова). Здесь Губайдулина продолжает линию Г. Шютца и Й. Гайдна. Из «Семи слов» Шютца она заимствует цитату на слово «Жажду», которую проводит во второй, третьей, и пятой частях своего сочинения. Состав инструментов и способы игры наделены символикой, доводящей музыкальные эффекты до театральной наглядности: Бог-сын – виолончель, Бог-отец – баян, Святой Дух – струнные. Мотивы «стона», «креста», «тяжелое дыхание» баяна, «мерцающие аккорды» – все эти предельно напряженные звучания сливаются в радостную картину бликов и трепетаний в седьмой, заключительной части произведения. Как говорит сама Губайдулина «религия – это наша естественная духовная жизнь, то есть рук человеческих… Религия – это то, что нам дано, а искусство – то, что нам задано. Хотя оба рода деятельности не идентичны, но цель у них общая».

(далее…)

№ 3 (1217), апрель 2003

Вечера в «Музыкальной гостиной», собирающие каждый месяц любителей музыки в Конференц-зале консерватории, уже давно стали хорошей традицией. Разнообразные по тематике и звучащей на них музыке, эти вечера, как правило, превращаются каждый раз в некое музыкально-поэтическое представление, в которое вовлекаются и сами исполнители, и ведущий, и слушатели. Но даже завсегдатаи этих музыкальных вечеров, придя на очередную встречу, явно привлеченные замысловатой «темой» новой гостиной – «Орфей. Мистерия восхождения» – не могли и представить себе, свидетелями какого необычного для консерваторских стен зрелища окажутся они на сей раз.

«Темой» последней в 2002 году, «рождественской» гостиной стали собранные в единое повествование разнообразные мифы, легенды, сказания о величайшем музыканте древности – Орфее. По замыслу И. И. Силантьевой, вдохновительницы и главному организатору «Мистерии об Орфее», полулегендарные, полуисторические сказания, сложенные в поэтические строки великими мыслителями древности, религиозные и мистические знания древних культов, посвященных Орфею и Дионису, их отголоски в поэзии нашего времени, должны были соединиться в единую линию повествования и, отразившись в музыке, пригласить зрителей и слушателей в увлекательное путешествие в мир Древней Эллады, чтобы вновь пережить любовь и страдания Орфея, его смерть и его воскресение.

Согласитесь, такой широкоохватный замысел требует большой смелости и, что немаловажно, эрудиции, досконального знания материала, в чем убедились все приглашенные в гостиную. Большую помощь в подборе материала здесь оказала наша Научно-музыкальная библиотека им. С. И. Танеева, ведущие библиографы которой с увлечением провели развернутую поисковую работу. Судите сами: ими был подготовлен развернутый библиографический список русской и зарубежной литературы на тему «Орфей. Мистерия восхождения» на русском и иностранном языках, включивший более 70 (!) названий. Кажется, в таком «море» информации можно было бы просто утонуть, но участникам удалось мастерски выделить главное и наиболее интересное в сказаниях об Орфее и преподнести все это зрителям в яркой и увлекательной форме мистерии.

Здесь было все: и музыка (от Глюка и Гайдна до композиторов XXI века), и хор с чтецами (по традиции древнегреческой трагедии), выступавший, как и положено, на импровизированном возвышении, наподобие орхестры (исп. – С. Тужик, Р. Демидов, В. Валеев, К. Левина, Р. Бобров, Е. Меремкулова), и Муза-рассказчица (Л. Молина), и ведущий – Протагонист, и, конечно, Орфей и Эвридика (исп. – В. Ефимов и Е. Бычкова). Сама Ирина Игоревна, выступая в роли Протагониста, несла на себе главную нагрузку повествования, а помогали ей в этом, самоотверженно и увлеченно, студенты вокального факультета и слушатели авторского курса И. И. Силантьевой «Психология вокально-сценического искусства», который она вот уже два года ведет в консерватории. И, как показала «Гостиная», для наших студентов эти занятия не проходят даром. Обращала на себя внимание актерская игра, то, как внимательно и вдумчиво относятся наши вокалисты к произносимым ими словам, чему их учит на своих занятиях Ирина Игоревна. Было видно, сколько сил и времени посвящено тому, чтобы воплотить все перипетии душевных терзаний Орфея и Эвридики, что замечательно удалось исполнителям их партий.

(далее…)

№ 2 (1216), март 2003

Александр Корнеев – один из крупнейших флейтистов современности, блестящий виртуоз, артист яркого и самобытного таланта. «Золотой флейтой» России называют его в нашей стране и во всем мире. А. Корнеев много концертирует как солист-флейтист. Его искусству аплодировали в Венгрии, Германии, Чехии, Югославии, Японии, США, Канаде, Турции, Мальте, Марокко, Норвегии, Дании, Швеции, Финляндии, Англии, Голландии, Италии, Болгарии, Румынии, Корее. Он играл в ансамбле со многими великими музыкантами, среди них – С. Рихтер, Д. Ойстрах, Л. Оборин, Э. Гилельс, М. Ростропович, Д. Шафран, Т. Николаева, А. Гедике, Е. Бандровка-Турска… Около 30 лет (с 1949 г.) проработал А. В. Корнеев в Большом симфоническом оркестре, выступал с крупнейшими дирижерами, такими, как Н. Голованов, А. Гаук, С. Самосуд, А. Мелик-Пашаев, Е. Мравинский, Г. Рождественский, Б. Хайкин, Е. Светланов, В. Ферреро, К. Цекки, Л. Стоковский, Г. Абендрот, Ш. Мюнш и др. Музыкант имеет почетный сертификат Карнеги-Холл – «Лучший педагог». В 1997 г. А. В. Корнееву присвоено звание Лауреата премии мэрии Москвы.

15 февраля 2003 г. в Малом зале Московской государственной консерватории состоялся замечательный концерт двух выдающихся музыкантов – Александра Корнеева (флейта) и Алексея Наседкина (фортепьяно). В концерте также принял участие камерный оркестр «Садко» (художественный руководитель и дирижер – заслуженный артист России Сергей Остапенко). Программа концерта целиком была посвящена творчеству Моцарта. В первом отделении прозвучали три Сонаты для флейты и фортепиано, во втором А. Наседкин исполнил Adagio си минор для фортепиано, затем слушатели могли насладиться музыкой Концерта ре мажор для флейты с оркестром в исполнении А. Корнеева и камерного оркестра.

(далее…)

№ 2 (1216), март 2003

13 февраля 2003 года в Рахманиновском зале состоялся авторский вечер Заслуженного деятеля искусств России, профессора Л. Б. Бобылёва. Мы, хоть и коллеги, почти не знакомы: ни на уроках, ни на его концертах бывать ранее не приходилось. Лишь один творческий контакт имел место быть: профессор любезно дал согласие стать объектом моего фотографического внимания и коллекция портретов педагогов Московской консерватории пополнилась фотографией Леонида Борисовича.

Нередко бывает, что на съёмке портретируемый незаметно для себя обнаруживает какие-то скрытые в повседневности, но порой главные, сущностные черты своего характера и творческого мироощущения. Во всяком случае, мои впечатления от личности Л. Б. Бобылёва совпали с впечатлениями от его музыки – искренней, естественной и наполненной светлой энергетикой. Я не могу позволить себе публично анализировать творчество современных авторов, ибо очень избирательно отношусь к музыке двадцатого века, которая, за исключением некоторых приснопамятных и ныне здравствующих классиков, мне, как правило, не по душе. Тем не менее, оказавшись со своим консерватизмом на вечере Л. Б. Бобылёва, я ощутил и лёгкость, и ту расположенность к восприятию, которая далеко не всегда сопровождает профессионального музыканта, когда он становится слушателем какого бы то ни было концерта академической музыки – старинной или современной.

(далее…)

№ 1 (1215), февраль 2003

Закончился юбилейный год А. Ф. Гедике. Ему был посвящен котором Второй Московский международный органный фестиваль. Сегодня, на пороге Третьего фестиваля, отдадим должное этому знаменательному событию

Торжественное открытие фестиваля состоялось в Большом зале консерватории концертом, посвященном 125-летию со дня рождения основателя московской органной школы Александра Федоровича Гедике. Московская публика, привыкшая к ежегодным вечерам памяти Гедике, традиционно проводимым кафедрой органа и клавесина консерватории, и на этот раз заполнила до отказа весь Большой зал. Говорят, даже сам Гарри Гродберг, не найдя свободного местечка, ютился где-то в одном из проходов первого амфитеатра. Предварило программу концерта проникновенное вступительное слово проректора по научной и творческой работе Елены Геннадиевны Сорокиной, которую связывала с А. Ф. Гедике многолетняя дружба.

Этот концерт, увы, оказался единственным Hommage’ем Гедике со стороны московских органистов, да и в целом музыкальной общественности. Удивительно, что для наследия этого выдающегося музыканта, сделавшего столь много для развития органа в нашей стране и Московской консерватории в частности, не нашлось места в концертных программах, скажем, филармонии, в передачах телевидения и радио (к счастью, удалось поговорить о его личности и творчестве на радио «России» и «Орфей»). Бурные пиаровские акции музыкальных изданий миновали скромное имя Гедике… Может быть и к лучшему? Ведь необычайная скромность Александра Федоровича и при жизни не позволяла ему выпячивать себя, «пробивать» публикации своих многочисленных сочинений (большинство которых остается неизданными и по сей день) и, как говорят сегодня, «раскручиваться». Быть может, и он, с его природным аристократизмом, натурой подлинного музыканта и интеллигента считал, что «быть знаменитым некрасиво»?

Жаль, что самобытный композиторский и исполнительский талант Гедике, его вклад в историю органной культуры России, благодаря которым орган получил в нашей стране статус самостоятельного инструмента и заставил считаться с фактом своего существования, пребывают в совершенно незаслуженном забвении. Неужели беспредельная преданность органу Большого зала консерватории, который Гедике безмерно любил и для которого созданы почти все его органные произведения, так и останется только легендой, ничему не научившей нас красивой историей?! Хотелось бы верить, что нет.

(далее…)

№ 1 (1215), февраль 2003

Фестиваль «Автопортрет» в честь Родиона Константиновича Щедрина (к его 70-летию) стал большим, радостным праздником, проходившим в первой половине декабря 2002 года в Москве и Петербурге. При этом видную роль сыграла Московская консерватория – и своими залами, и своими артистическими силами, и своей полной энтузиазма слушательской аудиторией.

Фестивалю навстречу консерватория провела в Рахманиновском зале встречу с композитором: с вопросами, ответами и музыкой. Композитору был вручен Диплом Почетного профессора Московской консерватории (присужденный еще в 1997 году) и Золотая медаль и Диплом лауреата 2002 года Фонда И. Архиповой за создание оперы «Мертвых душ». Один из первых вопросов был: что значит для современного композитора фольклор? Ответ Щедрина: «Композитор только тогда интересен для других наций, когда он связан с корнями земли, родившей его, воспитавшей, давшей силы»… Вопросы и ответы о новых сочинениях: премьера оперы «Очарованный странник» по Н. Лескову для концертной сцены пройдет в Нью-Йорке в Линкольн-центре, композитор опасается далекости американцев от этого русского сюжета (сейчас знаем – был полный успех), симфонические «Диалоги с Шостаковичем» уже трижды были сыграны в Америке. В связи с больным вопросом о жизни молодых композиторов Щедрин обратил внимание, что на Западе открывают факультеты коммерческой музыки, где авторов учат работать для рекламы, для клипов и т.д. По мнению мэтра, композитор сам должен входить в широкую жизнь, и «если профессия тебя не кормит, грош тебе цена». А каков его творческий завет как композитора? «Интуиция и высокая образованность».

Гала-концерт открытия фестиваля прошел в Большом театре, велась прямая трансляция по телевидению. Большой симфонический оркестр им. П. И. Чайковского под управлением В. Федосеева с блеском исполнил популярные «Озорные частушки», Фортепианный концерт № 4 (солист – Олли Мустонен). Камерный хор Московской консерватории под управлением Б.Тевлина – театрализованную версию хоровой кантаты «Казнь Пугачева». Венчал программу самый знаменитый балет Щедрина – «Кармен-сюита».

Поистине колоссальным достижением Alma mater стало исполнение в Рахманиновском зале Щедрина всего цикла 24 прелюдий и фуг учениками класса проф. С. Л. Доренского. Их было семеро: Ф. Амиров, В. Кузнецов, А. Сальников, Е. Мечетина, Т. Лазарева, Т. Мичко, В. Игошина. Первое отделение – диезные тональности – исполняли мужчины, второе – бемольные тональности – дамы. Почтенный музыкант внушает ученикам острейшее чувство современной интонации: Щедрин у них звучит как их собственный родной язык, они в нем – у себя дома. Семеро – студенты, аспиранты, лауреаты конкурсов – различны по индивидуальности. А. Сальников играл свой блок скорее как «движущуюся архитектуру», В. Кузнецов, наоборот, – с ассоциациями: импровизации, танцевальности, с широкой палитрой звуковых средств, с наполненной смыслом виртуозностью. Ф. Амиров исполнил все наизусть. «Дамская половина» также блистала и виртуозностью, и содержательностью. В. Игошина заинтриговывала редкой интересностью каждого звука. Стремительно прославившаяся за последнее время Е. Мечетина играла зрело, с яркой подачей каждого выразительного штриха. А скрытый режиссер (проф. С. Л. Доренский) еще и выстроил весь концерт как единое, динамичное и захватывающее целое.

(далее…)